Séptimo 7 sello: LOS DIRECTORES / AGENDA DE TALENTOS EN LA OSCURIDAD 3 :

Los especialistas en películas rápidas, dinámicas y populares.

"La isla de las almas perdidas"/"Island of the lost souls" ( 1932 ), dirigida por el artesano Erle C. Kenton, con el joven actor británico Charles Laughton, es una muestra idónea de buen cine clásico fantástico, muy imaginativo y sorprendente, que descubrimos en esta nueva entrada, a propósito de destacar la artesanía de un realizador olvidado, junto a otros ilustres cineastas de serie B.

Porque el tiempo no ha pasado en vano.

"Tarzán el rey de los monos"/"King of the jungle" ( 1933 ). La tercera película del director H. Bruce Humberstone y que se maneja como pez en el agua en el cine de acción y aventuras, es esta singular imitación al clásico de Edgar Rice Burroughs, que está escrita por Charles Turley Stoneham bajo el título de "The Lion"s Way". Como sea, la historia es similar a la impulsada un año antes por MGM con Johnny Weismüller. Un joven blanco que es criado por los animales es capturado por un safari y devuelto a la civilización como una atracción en un circo.

En su momento, la película fue bien clasificada por la crítica y el público, y supuso la consagración estelar definitiva del nadador Buster Crabbe ( 1908-1973 ), que más tarde, se convertiría en el adalid del espacio con los seriales sobre "Flash Gordon" y "Buck Rogers". Supuestamente la transformación de un taparrabos de cuero de gacela en una calzoneta de piel de tigre, atrajo más las miradas femeninas a las salas que nunca. Todas las escenas de lucha con un león africano son reales, y para Crabbe sólo trajo algunos rasguños. Y no. No es el león entrenado de la Metro. Humberstone inauguró así, su reunión con estos ídolos de las junglas misteriosas.

"La víctima del dragón" /"The Dragon Murder Case" ( 1934 ). Se trata de una de las principales adaptaciones cinematográficas hechas del novelista S.S.van Dine. Durante una fiesta desenfrenada tarde en la noche, Monty Montague ( George Meeker ), se sumerge en la piscina junto a sus amigos Greff ( William B. Davidson) y Leland ( Lyle Talbot), para después desaparecer misteriosamente. Leland sospecha de un juego sucio y llama a la policía, aparece Philo Vance ( Warren William ), que cuando drenan la piscina no hallan nada, sólo huellas de dragones. Philo tiene sospechas que deberá refutar con una profunda investigación de los hechos.

Posiblemente se trate de un personaje que ha envejecido mal con el tiempo. Según la crítica, Philo Vance es anti-cine, porque sus largos parlamentos para refutar situaciones ocurridas empantanan el ritmo y lo eclipsan a grados superlativos. Además, la limitación de los enfoques fílmicos hay que achacarlo a una adaptación casi literal, a la paralización de la acción y a la abundancia de diálogos. Sin duda, es una película no aconsejable para todos los públicos, pero sí para quienes admiran la prosa de S. S. van Dine y los amaneramientos deshumanizados del célebre personaje del relato policial.

"Charlie Chan en París " ( 1935 ). Una de las célebres apariciones fílmicas de la legendaria creación de Earl Derr Biggers con el inconfundible actor de origen sueco Warner Oland. Contratado para investigar un caso forzado, Charlie en este capítulo pierde a su agente encubierto, pero la llegada de su hijo Lee, le ayudará a descifrar quienes son los verdaderos culpables. Como en toda la serie de Chan, el director H. Bruce Humberstone sigue los patrones originales para rodar una película amena, divertida y con un gran suspenso interior. Demás esta decir que nuestros abuelos idolatraban esta clase de películas rápidas, por breves, sumariales, llenas de acción y sorpresas de último minuto.

Warner Oland ( 1879- 1938 ), fue un magnífico actor de origen sueco que parecía ideal en roles de villano o antagonista. La serie Charlie Chan producida por la Fox, en los albores del sonoro, le dio la ocasión de lucirse como un detective chino-americano inteligente, humano y divertido. Hizo 16 apariciones como Chan, y nunca estuvo mejor que en este personaje, aunque dejó para el recuerdo brillantes apariciones en películas como : "El Expreso de Shangai"; "El regreso del Dr. Fu Man Chú", "El hombre lobo en Londres", "Mandalay" y "El velo pintado". Murió de una neumonía después que se reconcilió con su mujer en Estocolmo.

"Tu serás mi marido" / "Serenata en el valle del sol" /"Sun valley serenade" ( 1941). Un clásico musical B, hecha para el lucimiento de la patinadora sobre hielo noruega Sonja Henie, que resultaba más natural que otras deportistas metidas a actriz. No es que John Payne le diera la réplica, porque el que realmente está a sus anchas, es el músico y director de orquesta Glenn Miller, que actúa con su banda para interpretar algunos de sus temas más clásicos.

La fórmula "chico encuentra a chica" se sigue al pie de la letra. Pero a diferencia de otras películas de la época, ésta respira refrescante optimismo y una naturalidad que está presente en los actores, en las situaciones no forzadas, en los intentos por hacer todo el relato algo agradable y divertido. Humberstone es un maestro a su modo, en sacarle partido al material reciclado, y aquí lo hace de maravillas. Su película además, se ve menos envejecida que otras, sencillamente porque mantiene un ritmo vital.

Así como la ven, está en completitud la orquesta de Glenn Miller y de pianista aparece John Payne, que sabe ser responsable al doblar frente al teclado algunas de las piezas maestras del célebre músico. La película funciona muy bien a ojos actuales y es una de las favoritas de la Henie, que hizo un puñado de películas para pasar el rato cuando era la Reina indiscutida del patinaje sobre hielo. Recuerden que esta deportista noruega ganó tres medallas olímpicas en 1928 y 1936. Fanática de la pintura, acumuló una colección de obras originales que son la base para la formación posterior de la Henie-Onstad Art Centre en la ciudad de Tampere, a 200 kms.de Oslo.

"Hello Frisco, Hello" ( 1943 ). Típica comedia de la Fox para lucimiento de su estrella, la cantante y actriz Alice Faye. Un triángulo sentimental blanco, sin deslices muy graves, para marcar las tendencias entre la aparición de las canciones y los líos sentimentales. Es cine de fórmula que funcionaba muy bien en la taquilla. Justo al cambiar de siglo, un ambicioso productor de vaudeville ( John Payne, la marca de la casa ), lleva a su cuarteto a la cúspide, despreciando en el camino el amor de la cantante estrella de su compañía ( la Alice Faye, claro está ), por una hermosa heredera egoísta y cruel ( Lynn Bari ). Humberstone se maneja bien en los tiempos del esquema prestablecido del cine musical, pues lleva a puerto seguro esta insípida historia para pasar el rato y sumergirse en el technicolor de esos años.

Alice Faye ( 1915-1998 ), en una curiosa foto en color promocional de la película. Figurita menor del cine musical de la Fox, fue una pinup muy célebre en la posguerra, que compitió en fanaticada con la inolvidable Betty Grable con la que trabajó en "Tin Pan Alley" ( 1940 ). Además, nos dejó 37 películas, algunas de las cuales, bien valen su precio en dólares, como : "Pobre niña rica", "Flor de loto", "En el viejo Chicago", "Alexander"s Ragtime Band", o "Week-End in The Havana".

Cartel original de la comedia musical de H. Bruce Humberstone.

"La voz del honor" /"Matanza Infernal" /"Fury at Furnace Creek" ( 1948 ). En realidad el actor Victor Mature, nunca fue muy expresivo y por su naturaleza fortachona, era un intérprete de presencia exclusivamente física, como lo comprobaremos más adelante en "El manto sagrado". Pese a sus limitancias, hubo un director que le sacó el máximo de provecho cuando hizo una de sus mejores películas : "Pasión de los fuertes"/"My darling Clementine". Fue el maestro John Ford, que ya sabía trabajar con actores puramente físicos como John Wayne o Woody Strode. En fin, este western de H. Bruce Humberstone, no muy brillante, se sirve inteligentemente de las actitudes físicas de Mature que hace dos papeles para mantener cierto ritmo y no caer en el tedio obligado.

Acompañado de la bellísima actriz Coleen Gray, el actor potencia su presencia con un relato hecho a dos voces: dos hijos de un general intentan demostrar que no dieron la orden que culminó en una masacre india de un vagón de tren y un fuerte del ejército. Como todos los westerns de su tiempo, éste tiene suficiente interés como para reivindicarlo ahora que repasamos la biografía de Humberstone.

La pareja protagonista en una foto promocional de la época.

Albert Dekker ( 1905-1968), es el villano de turno. Con su habitual sadismo, elegancia fingida y contención maquiavélica, le da la réplica al jovencito del relato. En el recuerdo del desaparecido escritor Guillermo Cabrera Infante, Dekker era uno de esos villanos perfectos: alto, autoritario y bronco, que adornó con su aspecto viril y vil, y su dicción correcta, más de un personaje unívoco. Sus mejores momentos fueron el del valsánico gigante de la ciencia en "Dr.Cíclope" y el Dr. Soberin más modesto y menos científico pero más peligroso de "El beso mortal". Dekker se suicidó en 1968, al meter su cabeza en una bolsa de plástico. Estaba vestido con sostén, liguero y pantaletas negras, y sandalias de tacón alto, también negras. Es el villano del cine que en la vida real muere como una víctima.

"La canción del desierto"/"The new desert song" ( 1953 ). Típica comedia musical en onda orientalia para el mayor lucimiento de los gorgoritos líricos de la estupenda Kathryn Grayson, aquí acompañada del olvidado Gordon McRae dándole la réplica. La trama mantiene una conspiración en un paraje desértico, pero llegan al lugar, el general de la Legión Extranjera y su hija para destapar la olla. La chica se sentirá atraída por un capitán de los Legionarios, mientras un periodista americano descubre la forma de entrar al Palacio de los enemigos para derrocarlos.

El Sheik Youseff ( Raymond Massey en su rol de eterno villano ), se hace pasar por amigo de los franceses mientras conspira en secreto para derrocarlos. El director H.Bruce Humberstone apuesta por mantener una tensión interna en su relato, que no empequeñece el juego romántico donde la Grayson está a sus anchas. Es una matinée que sigue en rigor, el esquema del género con todo el exotismo imaginado por Hollywood.

"Tarzán y el safari perdido" /"Tarzan and the lost safari" ( 1957 ). La segunda incursión de Gordon Scott como el mito selvático, ayudando a un safari que se ha extraviado en la selva. Pese a la incursión del color por primera vez en la serie, Humberstone no logra elevar el contenido narrativo de la medianía, que se hace soporífero y algo aburrido. Con todo, intervienen los grandes secundarios : Wilfrid Hyde White, George Coulouris, y Betta St. John.

El secundario Peter Arne que alcanzaría notoriedad en: "Chitty Chitty Bang Bang" y "El regreso de la Pantera Rosa", es atrapado por tribus caníbales. Sin tener el brillo de sus antecesoras, este Tarzán resulta anodino y flojo.

"Tarzán lucha por su vida" /"Tarzán y sus compañeros"/ " Tarzan fight for life" ( 1958 ). De las tres historias de Tarzán que Humberstone hizo para el cine y la televisión, ésta es la más contundente y se acerca al estilo de Weissmüller-O"Sullivan, porque mitifica la familia anglo-sajona viviendo en la jungla. Además, su guion es entretenidísimo. El Dr. Sturdy ( Carl Benton Reid ), está tratando de establecer un hospital moderno en la selva. Futa ( James Edwards ), el médico brujo, y Ramo ( Woody Strode ), un guerrero nativo, se oponen a sus esfuerzos. Hay secuestros, una carrera contra el tiempo por el suero, la captura de Tarzán, la lucha de la medicina moderna contra la magia, un nuevo Boy llamado Tartu ( el pequeño Ricky Sorensen), haciendo de las suyas con una joven Cheeta, etc.

En escena aparecen Eve Brent con Gordon Scott y un nuevo Boy, Rickie Sorensen. El prototipo del buen salvaje de Rousseau, aparece lo suficientemente exaltado en una época en que imperaba el cultismo al cuerpo promocionado por Mr. Atlas. No olvidemos que, Scott había legado al cine de ese mundo de pesas y acondicionamiento físico en el gimnasio.

Como en otros capítulos de la serie, la inclusión de un niño y una chimpancé, es para integrar a los espectadores más jóvenes en las aventuras que se relatan en el cine. Además, hay una intriga lo suficientemente interesante como para llamar la atención y evitar el aburrimiento de los más pequeños. Humberstone mezcló suspenso, acción y varias sorpresas de último minuto, en su fórmula tarzanesca que rindió sus frutos en la taquilla.

Tampoco falta en esta nueva aventura de Tarzán, la lucha del héroe con algúna animal salvaje o un reptil. Recuerden que estas películas de matinée en otros tiempos, llenaban los cines de barrio. Nosotros en Talca teníamos el Cine Palet, que era especialista en efectuar programas triples con estas amenas películas.

El esbelto actor de color Woody Strode ( 1914-1994), aparece a su izquierda, como un médico brujo aborigen, en un papel arquetípico que le impuso Hollywood. Sin embargo, su carrera alcanzó cotas más altas, cuando se transformó en un notable secundario de westerns de John Ford ( "Un tiro en la noche", "El sargento negro" ) y Richard Brooks ("Los Profesionales"), y superproducciones históricas como las dirigidas por Stanley Kubrick ("Espartaco") o Cecil B.De Mille ("Los diez mandamientos").

H. Bruce Humberstone ( 1901- 1984 ). Con un carisma de estrella juvenil comenzó su carrera como secretario de guiones y luego se desempeñó como asistente de dirección para King Vidor, Edmund Goulding y Allan Dwan. Fue unos de los 28 fundadores originales del Gremio de Directores de América. Sin un estilo propio, Humberstone se transformó en un especialista en seriales y películas de bajo presupuesto, muy eficaces en segundas unidades, por su estilo rápido de filmación y económico. Fue capaz de dirigir comedias, dramas, westerns, aventuras y thrillers, llegando a rodar 51 largometrajes desde 1924 y hasta su despedida en 1962. Durante la década de los años cincuenta, trabajó para la televisión.

Príncipes del cine rápido.

"Crime School" ( 1938 ). A propósito del gran éxito teatral y después cinematográfico de "Dead End", sobre unos chicos , unos cappos mafiosos y un reformatorio, apareció esta secuela muy original, impregnada de buenas intenciones, con Humphrey Bogart intentando a brazo partido recuperar la fe en unos mozuelos callejeros, condenados a dos años de reformatorio luego de intentar dar muerte a un criminal que casi se incriminó con ellos. Sin duda, la premisa de la recuperación de estos chicos desarraigados se transforman en el leit motiv de este drama juvenil para mayor gloria de The Dead End Kids, o sea, los mismos del filme anterior : Bobby Gorcey, Billy Halop, Bobby Jordan, Huntz Hall, Leo Gorcey, Gabriel Dell y Bernard Punsly.

"Hell"s Kitchen" ( 1939 ). Especie de continuación de la anterior, hecha a medias entre el director A.E.Dupont y Lewis Seiler. Después de graduarse del reformatorio, los chicos se van a un albergue del autogobierno tipo "Ciudad de los Muchachos", donde encontrarán a un director, Hiran Krispan ( Grant Mitchell ) un superintendente corrupto asistido por Buck Caeser ( Stanley Fields ), un ex chantajista que está en libertad condicional. Buck disfruta tratando en enderezar a los jóvenes y se une a los trabajadores sociales ( Margareth Lindsay y un jovencísisimo Ronald Reagan). The Dead End Kids vuelve a hacer de las suyas para corregir los males de este mundo. Ellos disfrutaron de una fama pasajera que bien aprovechó el cine con esta entretenidas películas rápidas B.

"Pittsburgh" ( 1942 ). Una de las películas más logradas del olvidado realizador Lewis Seiler. Un trío de amigos caza fortunas ( Marlene Dietrich, John Wayne y Randolph Scott ), deciden transformarse en empresarios del acero a costa de algunas buenas ideas para transportar el preciado elemento en una época que abundaba en codicia, hambruna y bajas pasiones. Mientras a Charles "Pittsburgh" Markman ( Wayne ), le angustia la idea de perder categoría sino logra monopolizar el negocio, a su amigo Cash Evans ( Scott ), le parece más seguro oír a los trabajadores y aceptar sus cláusulas para compartir los beneficios con todos. Entre ambos nacerá una profunda enemistad, sobre todo cuando deban acceder al amor de la bellísima Josie Winters ( Dietrich ).

La película transcurre en varias décadas y hace un recorrido por los esfuerzos de unos y otros por transformar la empresa del acero, en uno de los pilares gravitantes para ayudar a los combatientes durante la segunda guerra mundial. Este aire de patriotismo le quita cierto humanismo, pero el relato está tan bien contado por Lewis Seiler, que deja una huella en los seguidores del cine de la Dietrich para revalorar. Es una película feminista en el mejor de los casos, y sobre todo, muy ágil, rápida, llena de situaciones interesantes que le dan un tono espectacular al pugilato entre los dos amigos. Además, colaboran en el reparto sólidos secundarios como : Frank Craven, Thomas Gomez, Ludwig Stossel, Samuel H.Hinds y Shemp Howard en uno de sus raros papeles como sastre, alejados de sus hermanos "Los tres chiflados".

Desde obreros de la manufactura de acero hasta empresarios millonarios, John Wayne y Randolph Scott recorren toda la curva del exitismo para sufrir la codicia, el egoísmo, la solidaridad, la imprudencia, la desconfianza y el engaño, en una película B que legitima la existencia del cine rápido. Además, se impone la figura de la Dietrich como la mujer azarosa e inteligente que sube desde las alcantarillas hasta el cielo de los triunfadores, para perpetuar el amor de dos hombres por su figura elegante y sofisticada.

"El amo del arrabal"/ "Un gángster sin destino" / "The big shot" ( 1942 ). Un film noir olvidado injustamente que merece una reivindicación, al menos para constatar, porque la iconografía de Humphrey Bogart es tan inmensa en el mundo del crimen y de los bajos fondos. Aquí Bogart es Joseph "Duke" Berne un gángster en la cárcel que comienza a rememorar su vida antes de su condena a muerte. Inocente de los cargos y metido en este problema por culpa de un abogado que trabaja como criminal, Duke huirá con su ex novia ( Irene Manning ), que es la esposa del leguleyo. Esta sería la última película en que Bogart interpreta a un gángster para los estudios Warner, y aunque no recibió buenas críticas, es una película para redescubrir la fibra emocional del antihéroe que gustó encarnar innumerables veces el célebre mito del cine negro.

La actriz Irene Manning ( 1912-2004), protagonista de este thriller policial. Ella fue una cantante de Cincinnati, Ohio, que estudió en el prestigioso Eastman School of Music de Nueva York, y a la que se le atribuyó un potencial especial para la Opera. Sin embargo, sus atributos fueron más reconocidos en más de 30 obras teatrales como : "El gran Vals" y "The Gypsy Baron", hasta su debut en el cine, gracias a una recomendación de Gene Autry en "The Old Corral" ( 1936 ) para los estudios Republic. El resto de su carrera, fue principalmente en filmes B, acompañando como figura de reparto, a actores de la talla de Humphrey Bogart, James Cagney y Dennis Morgan.

"Guadalcanal" /"Guadalcanal Diary" ( 1943 ). Una de las grandes películas bélicas de la posguerra. Es la historia de la invasión de los marines norteamericanos con destino a Guadalcanal en las Islas Salomón, en 1942. Con un excelente guión del especialista Lamar Trotti sobre el relato de Richard Tregaskis, tiene toda la inmediatez de un hecho histórico ocurrido un año antes y que perfiló el final de la Segunda Guerra Mundial. Además, está tan bien narrada por Lewis Seiler que nunca pierde fluidez, suspenso y drama, a grados superlativos. Tiene un reparto estelar muy efectivo, que integran : Preston Foster, Lloyd Nolan, William Bendix, Richard Conte, Anthony Quinn y Richard Jaeckel, que es superior a otros filmes de propaganda bélica. Sin duda, es una pequeña joya del cine de acción.

Lewis Seiler ( 1890-1964 ). En la foto con Priscilla Lane durante el rodaje de la película "Dust Be My destiny" ( 1939 ). Nacido en Nueva York, emigró a Hollywood en 1919, y fue gag man y asistente de director antes de realizar el mismo sus propias comedias de dos bobinas. Durante la década de los años veinte, estuvo estrechamente asociado al cowboy Tom Mix. En los años treinta, pasó gran parte de la década en los estudios Warner produciendo algunas de las películas de gángsters más duras y celebradas y también hizo cine social, entre las cuales sobresalen : "High School" ( 1938 ), "King of the Underwood" ( 1939 ) y "Hell"Kitchen" ( 1939 ), entre otras. También fue el responsable de una de las mejores películas bélicas de Hollywood "The Guadalcanal Diary" ( 1943 ). Cuando dejó el cine, se dedicó a trabajar en la televisión donde permaneció hasta su muerte.

"Camarotes de lujo"/"Transatlantic" ( 1931 ). Una intriga apasionante desarrollada con gran inteligencia y tacto. Se comete un crimen sin solución, a bordo de un lujoso trasatlántico, que permite al director William K. Howard mostrar todo su brillo narrativo, su poder de convicción y una madurez en la construcción de la historia realmente sorprendente. El filme interpretado por Edmund Lowe, Lois Moran, John Halliday, Greta Nissen, Myrna Loy, Jean Hersholt, y Billy Bevan, tiene uno de esos acabados ejemplares que da gusto ver como relato policial de inspirada factura.

Edmund Lowe y Greta Nissen en "Camarotes de lujo". La intriga se desliza blandamente sobre el banquero Graham ( John Halliday ), en crucero de placer hacia Europa. En el lujoso buque, viaja Monty Greer ( Edmund Lowe ), ladrón de gran mundo que huye de la policía. Se tropieza a bordo con muchos amigos, y se entera que son cinco los secuaces que han sacado pasaje de primera, para hacer un "bonito" negocio con el banquero Graham. Todo ello, porque este tipo lleva a bordo una cuantiosa fortuna. Este puñado de pasajeros es mostrado por William K. Howard hasta los límites más peligrosos, que acondicionan también problemas monetarios, ambiciones personales, egos y varios líos, siempre muy interesantes de resolver alrededor de un enigma de visos policiales.

"Sherlock Holmes" ( 1932 ). Nacido de la imaginación de Sir Arthur Conan Doyle, sus aventuras comenzaron en 1887 con la publicación del libro "A Study in Scarlet". Ha conocido numerosas adaptaciones al cine, siendo la más famosa, la serie completa de sus aventuras interpretadas por Basil Rathbone y Nigel Bruce. Estas historias son narradas por el Dr. Watson que convive con él para curarle su adicción a los estupefacientes. Este filme desconocido se centraliza en el abandono del retiro que lleva Holmes y su prometida, cuando el condenado Moriarty ( Ernest Torrence), escapa de la prisión y jura venganza. Clive Brook está muy bien en el papel protagónico y no desmerece en lo más mínimo, porque la trama está llevada por pasión literaria por Howard, que convierte el guion en una suerte de reflexión sobre el mito del investigador privado más inteligente del mundo.

"El poder y la gloria"/"The power and the glory" ( 1933 ). La décimo quinta película del actor Spencer Tracy es un flash back, largo y casi épico, sobre la historia de un ferroviario obsesionado con la idea de triunfar, que escaló todo tipo de cargos para terminar dirigiendo la empresa. El relato es sobre un hombre analfabeto que se casó con una profesora de escuela, quien le enseñó a leer y escribir, y que producto de su excesiva codicia y avaricia, fue destruyendo los movimientos laborales y comprando otros ferrocarriles para transformarse en un poderoso magnate. Ni la llegada de un hijo, ni los constantes choques con su mujer que tensaron su matrimonio, lo desviaron de un gran desastre.

Basada en un guión de Preston Sturges esta película es un claro antecedente de "Ciudadano Kane", y una de las obras ha redescubrir del poco conocido pero muy talentoso William K. Howard. A la eficiente labor narrativa del realizador, se une una sólida actuación de un notable reparto que incluye a: Spencer Tracy, Colleen Moore, Ralph Morgan, Helen Vinson, Henry Kolker, Sarah Padden y J.Farrell MacDonald, éste último, eterno secundario de las películas del maestro John Ford.

William K. Howard ( 1899- 1954 ). Prácticamente desconocido, es uno de los directores más importantes de la época de los albores del cine sonoro norteamericano. Estudió Ingeniería y Derecho en la Universidad estatal de Ohio, pero se inclinó por la distribución de películas cuando asumió el cargo de Gerente de Ventas de Vitagraph. Después de servir en una unidad de artillería durante la Gran Guerra, se trasladó a Hollywood y se formó como asistente de dirección en los estudios Universal. Comenzó a dirigir películas en 1921 , primero para la Fox, y luego para Famous-Players Lasky en 1924. Sus primeros trabajos dan cuenta de un gran esteta de la imagen. Fueron westerns donde destacaban poderosas imágenes de llanuras y paisajes escarpados. También se reveló como un gran director de acción como se constata en la película "Volcán" ( 1926 ), ambientada en la isla de la Martinica, en la víspera de la erupción del monte. Su influencia está además, en el expresionismo alemán del que sobresale, el aspecto estilizado y sombrío de "White Gold" de 1927. Con la irrupción del sonoro, Howard se destacó como un sólido narrador de dramas y thrillers en la onda de "Camarotes de lujo" ( 1931 ), el sensible drama de la corte "The Trial of Vivienne Ware" ( 1932 ), y el uso prodigioso de los flash backs en el innovador "El poder y la gloria" ( 1933 ).

El director hablando con Carole Lombard y Fred MacMurray en un momento del rodaje de la película "The Princess comes across" ( 1936 ). / Para el crítico Lewis Jacobs, "Howard era el director de más serios propósitos en esta etapa del cine americano. Tenía un estilo conciso y un especial interés por temas con mordiente".

En el set, junto a la actriz Rosalind Russell. / En 1930, declaró con absoluta sinceridad que : "Hollywood es como un antiguo estado feudal, ya que estamos inmersos en la misma cloaca de intrigas políticas, mentiras, vanidad y culto a la moda".

"Little Miss Marker" ( 1934 ). Un año antes de "La pequeña coronela" que la elevaría por los cielos del olimpo en Hollywood, la prodigio Shirley Temple hizo esta comedia blanca como la leche, sobre una historia original de Damon Ranyon, que conoció después otras versiones, conocida también como "El tahúr y su adorable prenda". La pequeña Martha Jane ( la Temple ), se queda en la casa de apuestas de Sorrowful Jones ( Adolphe Menjou ), dada en prenda por su infeliz padre, como parte de una apuesta de carrera de caballos. Al principio, el grupo de corredores asumen su presencia de mala manera, hasta que después, la niñita cautiva a todo el mundo con sus formas algo cínicas de expresarse sobre el mundo que le rodea.

El argumento algo antiguo para los tiempos que corren, se beneficia sin embargo, de la presencia de ricitos de oro, que aparece "robándose la escena" como presintiendo que se iba a transformar en la prodigio más famosa de la primera etapa sonora de Hollywood. El artesano Alexander Hall se limita a seguir el curso de los acontecimientos apoyado en las actuaciones de los estupendos secundarios que merodean por la vida de esta niñita. Entre ellos figuran : Charles Bickford, Lynne Overmann, Frank McGlynn Sr.,y Sam Hardy.

"El difunto protesta"/"Heres comes Mr.Jordan" ( 1941 ). Un boxeador ( Robert Montgomery ), muerto antes de tiempo regresa a la Tierra, y se le da la opción de una nueva vida ocupando ahora el cuerpo de un playboy millonario. Una clásica comedia fantástica que no tuvo mucha repercusión en su momento y que recuperaría auténtico interés cuando se oficialice su remake "El cielo puede esperar" con Warren Beatty. Esta versión original en blanco y negro, es muy superior a la de los años setenta, pues mantiene una frescura, un interés y una amenidad que se debe sin duda al guion, a las estupendas actuaciones, y claro está, a la mano artesanal de Alexander Hall, que aplica mucha de las actitudes de la comedia mundana en su desarrollo. Encantadora comedia y para ver en familia.

Una de las fortalezas de esta simpática y divertida comedia está en su elenco de intérpretes que también integran : Claude Rains, Evelyn Keyes, Rita Johnson, John Emery ( todos en la foto), y además, Edward Everett Horton, James Gleason, Donald MacBride, Don Costello y Halliwell Hobbes. De hecho, Montgomery y Gleason fueron nominados al Oscar por estos papeles.

"La diosa de la danza"/"Down to Earth" ( 1947 ). Terpsícore, la Diosa de la danza, desciende a la Tierra para asesorar a un infeliz showman, que ha decidido ampliar su espectáculo montando un número mitológico y musical. La utópica ninfa es Rita Hayworth que acabará transformada en una estrella de Broadway. Una deliciosa comedia para pasar un rato agradable, que se enciende con cada aparición de Rita bailando, y para ser justos, nunca tan bien ponderada como en "Gilda". A estas alturas ya se estaba incubando el proceso gestor que transformaría a la bella actriz, cantante y bailarina de origen español, en toda una estrella inmortal del star system.

Preciosa foto promocional de la citada película. Rita está esplendorosa.

Alexander Hall ( 1894- 1968 ). Actor infantil que debutó a los cuatro años de edad en los escenarios, ingresó al cine como tal, en 1914. Después de servir al ejército en la Gran Guerra, volvió al negocio del cine pero como montajista y asistente de dirección. Debutó como director en 1932 y estuvo activo 34 años hasta 1956, especializándose en comedias. Su filmografía abarca 43 películas, siendo su éxito más conocido "El difunto protesta" ( 1941 ). Otros filmes dignos de ver, son : "Yo soy la ley"/"I am the law" ( 1938 ) con Edward G.Robinson, sobre un abogado de lucha contra la corrupción en los medios oficiales; "Los caprichos de Eillen" /"My sister Eileen" ( 1942 ) con Rosalind Russell, Janet Blair y Brian Aherne, acerca de dos hermanas que se mudan de Ohio a Nueva York con la esperanza de ser artistas famosas; "Todos besaron a la novia"/"All they kissed the bride" ( 1942 ), otra comedia alocada y amable concebida para el lucimiento de la pareja que conforman Joan Crawford y Melvyn Douglas; y "Porque eres mía"/"Because You"re Mine" ( 1952 ), una comedia romántica hecha para el talentoso barítono Mario Lanza.

Hall conversando con Mae West en el set de "Goin"To Town".

Durante la filmación de "The most beautiful woman in the world" con la actriz Hedy Lamarr.

Acerca de relatos de terror y fantasía.

"La isla de las almas perdidas"/"Island of the lost souls" ( 1932 ). Una grandiosa adaptación de la novela de H.G. Wells muy influenciada por el expresionismo de la Universal y del "Dr. Frankenstein", y que maneja los hilos de la intriga con una convicción esplendorosa. Aunque repudiada por su autor, esta es una magnífica película de terror y aventuras, maquillada por la brisa intelectual del subvalorado director Erle C. Kenton que ilustra muy bien el lado demencial de "La isla del Dr. Moreau".

El personaje que interpreta el gran actor británico Charles Laughton, es de una espesura intelectual que complejiza aún más la interesante historia. Es un genio científico que reniega equipararse a Dios, pero quebranta sus propias leyes impuestas a sus colosales criaturas. Hay además, unos ambientes isleños muy logrados construidos en el plató, y unos maquillajes de animales, que el propio Bela Lugosi en préstamo de la Universal desarrolla con una elocuencia shakespereana.

Kathleen Burke ( 1913-1980 ), conocida en esta película como "La mujer pantera", poseía una belleza exótica y singular, que le permitía desempeñar roles en filmes de aventuras, relatos de misterio y comedias juveniles. Olvidada por los libros de cine, gozó sin embargo de una popularidad en la década de los años treinta del siglo XX, a propósito de 22 apariciones en películas de distinto interés, como : "La isla de la almas perdidas", su debut; "Murders in the Zoo", "Good Dame", "Tres lanceros de Bengala" y "La última avanzada".

El director Erle K. Kenton era muy prolífico haciendo comedias o películas de otro tenor, ajenas al cine fantástico, y aquí demuestra su soltura, ingenio y creatividad para hacer de una trama singular una película realmente lograda, interesante y muy entretenida. Es la primera vez que Kenton, se eleva por sobre los supuestos del cuento insólito, para narrar con solvencia una historia que vuelve sobre el tema de la búsqueda obsesiva de un hombre por igualarse a Dios. Hay en todo este esfuerzo productivo, un sólido trabajo fotográfico del experto operador Karl Struss, una extraordinaria dirección artística de Hans Dreier y unos brillantes efectos de maquillaje de la dupla Charles Gemora y Wally Westmore. Pero además, un interesante elenco de intérpretes que acompañan a Laughton como Bela Lugosi, Richard Arlen, Leila Hyams, y Kathleen Burke. Muy recomendable.

El diseñador artístico Hans Dreier muestra la maqueta de la mansión del Dr Moreau para "La Isla de las almas perdidas" ( 1932 ). Foto : The Criterion Collection.

"La casa de Frankenstein"/"The house of Frankenstein" ( 1944 ). El primer cóctel de monstruos con Boris Karloff y Lon Chaney Jr. encabezando el reparto. Lo más divertido, es ver a buena parte de a casa Universal y sus estrellas del terror desempeñándose en breves roles, como John Carradine, George Zucco, y Lionel Atwill. Un científico loco y su asistente jorobado escapan de prisión para encontrarse en el camino con Drácula, Frankenstein y el Hombre lobo, en un esfuerzo sintomático por mantener a flote el prestigio de otros tiempos con el cine gótico. El director Erle K. Kenton tiene pericia para manejar la mezcla de monstruos gracias al notable guion de Curt Siodmark un experto en este tipo de filmes, y a los magníficos decorados de Russell A. Gausman y A.J.Gilmore.

Asistir a ver a los monstruos clásicos de la Universal sólo requiere un pisco sour o una piscola bien heladita. En todo caso, los seguidores del género no saldrán defraudados, porque la historia es rápida, ingeniosa y entretenida.

"La casa de Drácula"/"The house of Drácula" ( 1945 ). Segundo de los cócteles de monstruos, que el estudio Universal efectúo en la decadencia de su género más característico. Aquí se hacen coincidir al mismísimo Drácula ( John Carradine ), al engendro de Frankenstein ( Glenn Strange ) y el Hombre lobo ( Lon Chaney Jr. ), ilustres personajes del terror que acuden a una clínica donde un experimentado doctor ( Onslow Stevens), intentará curar las enfermedades que ellos padecen, aunque en realidad, acabará enloqueciendo, al mezclar su sangre con la del vampiro y al revivir al monstruo del doctor Frankenstein. Con todo, es una película de sólo 65 minutos, que concentra algunas de las virtudes artesanales de las producciones Universal de su mejor época como : agudeza en las reflexiones metafísicas, acción rápida y desmadrada, ambientes expresionistas y un toque de ironía en los personajes centrales.

El mad doctor es un personaje proclive a los monstruos clásicos del terror. Aquí cae preso de sus propias ambiciones pero además, no tiene mayor escapatoria. Erle C.Kenton filma su relato con todas las atmósferas como extraídas del cine negro : hay una mansión siniestra sobre una colina cerca de un acantilado lleno de riscos, constantes juegos de claro oscuros, sombras tenebrosas, fuertes contrastes de luz, donde los personajes masculinos visten de oscuro y los femeninos de blanco, porque son enfermeras. Kenton además concentra el drama en el hombre lobo, e integra unos efectos visuales sensacionales para su tiempo, como cuando Drácula se transforma en murciélago. Un filme de terror para degustar con la complicidad que dan los pícaros años.

John Carradine se mueve como pez espada en alta mar. Su Drácula resulta un cruce sabroso entre Mandrake el mago y el vampiro de Transilvania. Su voz gutural aplica y refuerza la personalidad del caballero de sombrero de copa y nunca reniega de su condición de artista transformista. El realizador Erle C. Kenton tiene ironía y un poco de sarcasmo, deudora de la comedia rápida de situaciones, donde fue un especialista menor pero aplicado, y manifiesta una docilidad en el manejo del tiempo narrativo, porque su obra no desmerece del conjunto de rarezas que salieron de la factoría, una vez cultivada la semilla original de las historias de terror fantásticas.

"The Cat Creeps" ( 1946 ). Otra cinta de terror B, acerca de un gato animado por el alma de una chica fallecida, que le impulsará a cometer unos cuantos estropicios. Noah Berry Jr, Lois Collier, Paul Kelly, Rose Hobart y Douglas Dumbrille animan esta muy divertida incursión en el tema de las almas perdidas. Es un relato breve de sólo 58 minutos que se disfrutan como pastilla de menta. Elmer C. Kenton era muy eficaz en el dominio de la edición y esta película es un ejemplo categórico de su solidez como narrador, sin prejuicio de estar viendo una excentricidad clase B para todos los públicos.

No hay que ser gitano, para entender de adónde emana este relato soporífero, terrorífico y misterioso. En su brevedad, está dimensionada la inquietud por la encarnación del alma, y claro está, Kenton somete el guión de Edward Dein y Jerry Warner sobre la historia original de Gerald Gerarthy, al manejo de las acciones sumariales para crear expectativas siniestras sobre la media hora. Sin duda, otro de los filmes malditos de serie barata y rápida perdida en alguna oscura filmoteca de Groenlandia. Esta en un amplio catálogo de cine de terror Universal que puedes adquirir en Amazon.

Erle C. Kenton ( 1896- 1980 ). Extrañamente, comenzó en el cine como actor de Mack Sennett. De hecho fue uno de los "policías tontos" /"Keystone Cops" originales del cine mudo. Además de actuar, se desempeñó en una variedad de oficios, hasta que, para 1919 Sennett le dio sus primeros trabajos como director de comedias rápidas de dos rollos. En el cine sonoro, mientras dirigía comedias de Bud Abbott y Lou Costello como "Pardon My Sarog" ( 1942 ) y "¿ Quién mató a quién? ( 1942 ), se diversificó hacia el género del terror, donde brilló con luces propias. Eso sí, dentro de los estándares estrictos de la serie B. Su filmografía incluye más de 130 producciones para el cine y la televisión, y su trabajo para intérpretes de renombre como: Alan Ladd, Myrna Loy, Barbara Stanwyck, Carole Lombard, Ida Lupino y Dolores del Río.

Ejemplo de artesano eficiente, Erle C. Kenton se labró un nombre dentro del cine B, gracias a su esfuerzo e interés por superarse así mismo. De alguna manera, perfiló el capital que tuvo al conocer los secretos de la edición, el guión, la producción y la dirección, porque fue escalando posiciones a medida demostraba sus óptimos resultados en la taquilla. Como otros congéneres de su generación, entró al cine por amor a la actuación para terminar dirigiendo lo que mejor se le daban a producir : las comedias y los relatos de terror.

En la comedia "Pardon, My Sarog", el director Erle C Kenton demuestra su buen pulso para efectuar una comedia disparatada, divertida y mordaz, para mayor gloria de la pareja Bud Abbott y Lou Costello.

Fotos Gentileza : 20 th. Century Fox - Universal Pictures- Warner Brothers Pictures- Movie Collectors- TV Guide- Variety- The New York Times- Los Angeles Times- Film Fax- The Guardian- Cine Clásico- Classic Monsters- Movie Posters- Getty Images- Criterion Collection- All Movie- Sci Fi Movies- Archivo.-