LOS DIRECTORES : HENRY KING - GEORGE CUKOR :

Maestros del clasicismo americano.

El director George Cukor ( de pie a la izquierda de la foto ) observa una escena de su película clásica "La dama de las camelias" con Greta Garbo y Robert Taylor. Acerca de él, su carrera y su estilo en la siguiente entrada del blog, compartiendo espacio con el genial Henry King. 

"Los Depravados" / "The Bravados" :
La historia de una venganza.

Adaptación de la novela de Frank O"Rourke con el estupendo guión del especialista Philip Yordan. Es la historia de una venganza, y mejor aún, el via crucis de un hombre, Jim Douglass ( Gregory Peck),  que pretende establecer justicia con su propia mano, a propósito de la violación y muerte de su esposa en manos de cuatro forajidos, y en el transcurso descubre que se ha equivocado. La solidez del relato está en cómo el director Henry King maneja las situaciones más emocionantes y trascendentes ( la fuga de la cárcel mientras el pueblo asiste a la Misa ; la persecución de los bandidos ; la actitud que tiene cada personalidad en función de una tensión dramática muy bien administrada ), y perfila el tema del conflicto central : el perdón espiritual vía la plegaria. King era un director cristiano en su gran medida y somete este material a sus propias ideas religiosas mezcladas con una intachable integridad humanista. 

Así mismo, la figura de la mujer en esta valiosa película western, King la dibuja con una fuerza interior envolvente. Hay que ver a una jovencísima Joan Collins atravesar media colina para cuidar de la hija pequeña de Peck, conociendo la verdad de los sucedido después de conversar con el cura del pueblo. Para King la mujer en el Oeste, es la imagen de la fortaleza entendida como pilar fundamental de la familia y sostén anímico del hombre. La esposa del indígena perseguido por Peck, defiende a su marido con uñas y dientes. La joven cautiva, pese a que sufrirá el bochorno de ser deseada por uno de los bandidos, somete su propia relación juvenil a los deseos oníricos de un padre que sólo sueña con verla en las grandes urbes alejadas de la tranquilidad del pueblo. El recuerdo de la esposa fallecida, lleva al hombre pacífico y sociable al extremo de la venganza. Esta causal hace más interesante la figura de Peck, atiborrada de odio y dolor en su búsqueda de los forajidos, y que irá tornándose más luminosa mientras somete a juicio a los forajidos. 

Henry King retrata la visita al pueblo de un hombre intachable, en la medida de lo necesario, guardándose para el desarrollo del conflicto, sus faltas, sus debilidades y sus pecados. En su renuncia a Dios, en su ligereza para burlar los códigos establecidos de la justicia del far west, tomando la ley por su propia mano, están los pilares emocionales que le regresarán a la Iglesia, a la Fé, y a la confesión espiritual que limpie sus faltas y errores.

La película tiene a su favor una gran actuación del actor Gregory Peck, a estas alturas, convertido un ícono del cine contestatario, liberal, apegado a derecho y asumiendo con toda la fuerza de su carácter, las motivaciones que llevaron a su personaje a los extremos de la venganza. Se trata de una gran película, interpretada también por Joan Collins, Stephen Boyd, Albert Salmi, Henry Silva, Lee Van Cleef, Barry Coe y Andrew Duggan. Destaca la magnífica fotografía de León Shamroy que le saca partido a los exteriores, a los cielos azules, al paisaje mexicano, a la amplitud de los horizontes y a la sugerencia de los encuadres; y la música de Lionel Newman, que acentúa los momentos de climaxs y subraya la intensidad de las situaciones. Rodada en Jalisco, Guadalajara, Yucatán y Michacán en México. Ojo, Gregory Peck estrena su dominio del español en varios diálogos. Recomendable.

"El Pistolero" /"The Gunfinghter" :

La nueva era del western.

Sobre una ingeniosa historia de André de Toth y William Bowers, con guion de éste último, el maestro Henry King ejecuta un western modélico, que se organiza en torno a la figura del cansado y avejentado pistolero Jimmie Ringo ( Gregory Peck ), que sueña con dedicarse a la granja y pasar así a retiro voluntario. Sin embargo, sus loables propósitos comienzan a derrumbarse por la incomprensión e intolerancia de la sociedad. Rodada casi íntegramente en interiores, es uno de los primeros westerns psicológicos de la historia del cine. Ya no es sólo la acción pura y silvestre, también hay una connotación en la profundización sicológica de los personajes. A Ringo lo persigue su fama de buen tirador, obligado a huír por haber dado muerte a un muchacho que le ha provocado, y que pretende rehacer su vida junto a su mujer ( Helen Wescott ), y la ayuda del sheriff  Mark Strett ( Millard Mitchell). Pero las circunstancias le devolverán al camino preconcebido. King demuestra una extrema habilidad en el manejo del relato, y logra un western grandioso y brillante. 

El destino alterado por la provocación de un joven, subraya la fascinante historia de este western ejemplar. El fotógrafo Arthur Miller muestra toda su pericia en un expresionista blanco y negro; para solventar el talento narrativo que tiene King. Toda la película se ve con mucha avidez, porque profundiza en las emociones y las frustraciones del personaje central. Detrás de su excesiva fama, se esconde un hombre que sólo desea ser común y corriente.  

En algunos países latinoamericanos en su momento se estrenó bajo el título de "Fiebre de sangre", y en su paso al DVD y Blu Ray se titulo "El Pistolero". Em esta escena aparecen : Millard Mitchell saludando a Verna Felton, mientras les observan Angela Clarke, Ellen Corbin y Gregory Peck.

Considerada una de las mejores obras de Henry King, es un western original, diferente y muy inteligente, que nos pone en contacto con lo más destacado del realizador para la 20 th Century Fox. No es estúpido sostener que, King conscientemente estaba innovando desde los libretos, y el tratamiento audiovisual de una obra valiosa.

Acerca del Director.

Henry King ( 1886-1992). Director, productor, guionista, actor y editor del cine norteamericano, hermano mayor del también realizador Louis King; desde muy joven deja su familia para irse con un circo ambulante. Hijo de un ingeniero hidraúlico del Sur de religión metodista, fue también actor de vodevil, teatro y cine, que comenzó como intérprete en la empresa Lubin. Pathé le hizo estrella y luego director. Debutó como realizador en 1916 con la película muda "Little Miss Sunshine" , a la que siguen después más de cincuenta producciones mudas, al principio codirigidas con Edward Sloman , y posteriormente realizadas en solitario. De todas sus películas mudas sobresalen "Tol" Able David ( 1921 ), un relato de tonalidades bíblicas con Richard Barthelmess y Gladys Hulette, a la que el propio King en el guión plasmó muchas de sus experiencias vitales logrando una plena identificación personal con la historia que narra. También efectúo en este período "The White Sister"/"La hermana blanca" ( 1923 ), un drama religioso rodado en Italia; "Romola" ( 1924 ) adaptación de una obra de George Eliot; y "The Winning pf Barbara Worth"/"Flor del desierto" ( 1926), una comedia producida por Samuel Goldwyn. En 1929 firma un contrato con William Fox y rueda sus restantes 50 películas para la 20th Century Fox. 

El realizador junto al actor Robert Young en el set del rodaje de "Carolina" ( 1934 ), una comedia sentimental basada en una obra de teatro de Paul Green, que fue el inicio de un cine más sólido y autoral. Después vendrían una serie de títulos encomiables, que demostraron su versatilidad para pasar de un género a otro, sin perder su fuerza emocional, su vigor y su espíritu personal, como : "Lloyds"s of London" ( 1936 ), acerca de los orígenes de la célebre compañía de seguros británicas ambientada a fines del siglo XVIII, "Jesse James" ( 1939 ) un modélico western rodado en exteriores con un sesgo naturalista y con un magnífico uso del Technicolor; "Stanley & Livingstone" ( 1939 ), entretenida cinta que reconstruye las aventuras africanas del doctor Livingstone; "El cisne negro" /"The black swann" ( 1942 ) una notable incursión en el cine de piratas sobre una obra de Rafael Sabatini; "La canción de Bernardita"/"The song of Bernardette" ( 1943 ), una ostentosa y aparatosa  biografía de la religiosa Bernadette Soubirous;  "El príncipe de los zorros"/"The prince of foxes" (1949 ), una estilizada aventura renacentista en torno a los Borgia y que está rodada en Italia; "David & Betsabé / "David and Bathsheba" ( 1951 ), un péplum a la usanza de la época; y "Fiesta"/"The sun also rises" ( 1957), interesante adaptación de un relato de Hemingway sobre el medio taurino. Deben su mano maestra otros grandes filmes que marcaron época como : "El pistolero" / "The Gunfighter" ( 1950 ), primer gran western sicológico; "Las nieves del Kilimanjaro" / "The snow of Kilimanjaro" ( 1952 ), una interesante mezcla de cine de aventuras y romántico sobre textos de Ernest Hemingway; "Angustia de un querer"/"Love is a many splendored thing" ( 1955 ), famoso y taquillero drama romántico construído sobre el choque de culturas entre Oriente y Occidente; "The Bravados" ( 1958 / ver ) otro modélico western;  "Esta tierra es mía"/"The earth is mine" ( 1959 ), un melodrama familiar que rueda para la Universal; y "Tierna es la noche" /"Tender is a night" ( 1961 ) relato romántico que es un cierre antológico para una carrera ejemplar. La vitalidad de su cine no fue más que un reflejo de su propia vida privada, pues hasta los 94 años jugó golf y piloteó su avión deportivo.      

Acerca del Actor.

Gregory Peck ( 1916- 2003 ). Hijo de un farmacéutico de origen irlandés, ganó una beca para seguir los cursos de arte dramático de la Neighboorhood Playhouse School of Dramatics de Nueva York, y debutar como actor de teatro en Broadway a principios de los años 40 del siglo XX. En cine comienza a trabajar como protagonista en 1944 en la película "Días de gloria"/ "Days of Glory" de Jacques Torneaur, a la que siguió "Las llaves del reino" / "The Keys of the Kingdom" dirigido por John M.Stahl, donde hizo de sacerdote. Hizo 53 películas, eso sin contar, sus apariciones en televisión y la utilización de su gran voz en algunos documentales. El recordado escritor y crítico español Terenci Moix escribió del actor en su momento : Peck mantuvo una jerarquía estelar indiscutible durante cuatro décadas. Y eso gracias a películas como : "El despertar", "Duelo al sol", "Cielo amarillo", "El pistolero", "El hidalgo de los mares", "Moby Dick", "Las nieves del Kilimanjaro", "La princesa quería vivir", "El hombre del traje gris", "Horizontes de grandeza", "Los cañones de Navarone", "The Bravados", "Matar a un ruiseñor", "Arabesque", "La noche de los gigantes", ""El Oro de Mackenna", "La Profecía", "Los niños del Brasil" y "Gringo Viejo", entre otras. El director John Huston que trabajó con él, en Moby Dick, lo describió de la siguiente manera : Greg es uno de los hombres más buenos y rectos que he conocido y tiene verdadera talla moral. Eso explica, el nivel de sus actuaciones más logradas, una extraña mezcla de detallismo histriónico, orgullo, pasión, ética, y modestia, a grados superlativos. Le aprendí a valorar desde muy niño, cuando asistí a la exhibición de Matar a un ruiseñor. ¿ Quién es ese hombre tan leguleyo, perspicaz, amoroso con sus hijos y dispuesto a defender a una inculpado de color y en una época de fuerte efervescencia por los derechos civiles en Estados Unidos ? Su estatura de fuerte talante, terminó por cautivarnos a todos, ya en su vejez, cuando recorrió numerosas salas en Estados Unidos recordando sus años mozos estampados en celuloide. Allí apareció el Gregory Peck luchador, empeñoso, cauteloso, recto, mordaz, culto, irónico, defensor de los débiles, demócrata confeso, encarnación de una moralidad humanista extrema, lo suficientemente atractiva como para ser imitada por todos. Y apareció el líder de los justos, de los que claman por un mundo mejor a prueba de acciones concretas. Aprendimos a admirar su esplendorosa pulcridad con los deberes ciudadanos, pero también conocimos al hombre vulnerable que perdió a un hijo de forma inexplicable. Todo ello es Peck para el público, su público y los que le seguimos a través de sus películas.  

En el drama antisemita "La luz es para todos" de Elia Kazan con Celeste Holm y John Garfield. Era la primera vez que se trataba el tema de la persecución social contra los descendientes judíos y Gregory Peck puso la vara alta, porque se atrevió valientemente a dar la cara respecto a un odioso flagelo, que todavía pena en algunos países más de la cuenta.  

Dando el tono para la comedia romántica junto a Audrey Hepburn en "La princesa que quería vivir" de William Wyler. Ella lo hizo tan bien en su papel debutante, que Peck le solicitó a Wyler colocarla en los inicios de créditos junto a su nombre.

Como el Capitán Ahab en el clásico "Moby Dick" dirigido por John Huston.

En "The Big Country"/"Horizontes de grandeza" con Jean Simmons. Un western de proporciones gigantescas basado en la novela de Donald Hamilton, dirigido por William Wyler, con el que alcanzó un gran éxito.

En "El Jugador"/"The great sinner" dándole la réplica a Dostoievski.

En "Matar a un ruiseñor" en la cumbre de su vena interpretativa, eternizando su imagen como el abogado Atticus Finch, según la novela de Harper Lee.

"La dama de las camelias" /"Camille" :
La Era del romanticismo apremiante. 

Si algo marca este clásico en la historia del cine, es su tremenda nitidez para transmitir todos los sentidos del romanticismo barroco en su capacidad onírica y hacerla postre de la fiesta de cumpleaños. Nada falta, nada sobra, nada aburre, en esta sólida adaptación a la novela de Alexandre Dumas. Está el tacto febril de la llamarada apasionada que constituye el rol de Greta Garbo, interpretando su arquetipo más celebrado y recordado por el espectador avezado. Pero también están las pulsaciones narrativas, estéticas y metafóricas de George Cukor, un homosexual encantado con la figura femenina, sorprendido con la belleza masculina y abarrotado en la estilización más refinada de una historia conocida y trágica.

Toda constipación de Camille, es espacio histriónico para elevar la figura insigne de la actriz sueca en el cenit de su belleza, arropada con el glamour hollywoodiense más perfecto del genial Adrian,y matizada en su esfinge perfecta por los fotógrafos William H, Danields y Karl Freund. Nada está armado al azar por Cukor para que no reluzca, brille como diamante en bruto y acentúe su capacidad morbosa de sentirse mariposa de jazmín en los ojos del esbelto Robert Taylor. Es como si Cukor fuese Camille o Garbo, o las ambas, en un juego coquetón de humo y luces. Donde sueña caer rendido ( a ) en los brazos del galán Taylor, lo suficientemente realzado por una luz tenue que escanea su blanquísima dentadura postiza. Cukor era un maestro en el dibujo detallado del alma femenina. Su marcado gusto por la estilización caracteriza esta obra de principio a fin.  

En esta aventura de composturas con la dama preciosa del lugar, donde las Camelias son un símbolo de la provocación sexual más elevada, el Barón de Varville ( Henry Daniell ), se la juega con una marcada flema por el corazón de una mujer, que sólo será una amiga fiel, desafortunada en el amor y en los compromisos materiales. Cukor no extralimita la visión que tiene de los hombres apuestos, sobre todo efebos jóvenes, que son voraces en el amor y en la pasión encendida de una relación íntima. Le da a cada uno lo suyo, aunque finalmente se queda con Armando Duval ( Taylor ), por fresco, mundano y caballero. Greta Garbo asume que, Cukor le ha dado en el clavo al melodrama más rancio, para colar en su propuesta, la visión del romántico idealizado.

Cukor no sólo es un estupendo directores de actrices. También lo puede hacer todo con los actores y las localizaciones. Fíjense como se recrea con los campos californianos para simular un lugar rural de otra época, de otro tiempo. Con mucha luz, muchos juegos de espejos, matizando la entrada de sus intérpretes con una naturalidad abismante. Cuando sale a exteriores, Cukor pinta los encuadres como si se tratara de cuadros hiperrealistas. Y le da a los secundarios también una tribuna desde donde resaltar. Observen a la veterana actriz Laura Hope Crew, inconfundible señora charlatana de alcurnias, remilgada y cariñosa, la perenne tía Pittypat, que al final recibe algún pedazo de carne para que lo muerda con un hambre de perros. La película es también la mejor de una actriz olvidada Leonore Ulric, una estrella de David Belasco que tiene un brillante desempeño. Es también la mejor película de Cukor, por su manera de evocar la vida del submundo de París, mucho más persuasivamente de lo que uno habría creído posible después del reforzamiento del Código Hays. Hay en toda su recreación una fuerza emocional que se percibe de lejos.  

Cukor feliz rodando en exteriores con la Garbo y Taylor. Nótese como disfrutan los tres de este trabajo. El director nunca dejo de lado su parecido con un Carlos V, medio regordete y con un labio superior muy grueso, que envuelve un rostro decisivo.

En la exquisita finesa de retratar al submundo parisino, Cukor acentúa los espacios de los decorados con colores encendidos ( fotografiados en blanco y negro ) para subrayar la "pureza espiritual" de Camille, aquí vestida toda de blanco satín.

En "La dama de las camelias", como dijo cierta crítica sesuda, comulgan lo rapsódico, lo honesto y lo discreto, y todo aflora según el humor del día con que se vea. Ciertos momentos nunca cambian el efecto, el modo en que la enfermedad de la Garbo es convertida en algo alegre cuando Robert Taylor exclama : ¡ Nadie nunca te ha amado, como yo te amo !, y la Garbo replica casualmente, "Puede que eso sea verdad, pero, ¿ que quieres que le haga?. El modo como Garbo encarna a Camille, cuyo personaje es matizado por Cukor, para dicha y gloria de la MGM. Por algo la cuenta entre sus diez tesoros más valiosos de toda su historia. 

"Mi bella dama" :
La era del musical elegante.

Si Cukor era un sátiro que conocía de sobra el alma femenina y comulgaba a rabiar con las historias sofisticadas de amor, los ambientes glamorosos y de alto pedigree, y las encendidas pasiones de jóvenes efebos, siempre en choque con el sistema aristocrático demasiado remilgado y ostentoso, su bella dama es un grito pavoroso de rebeldía interior. A través del clásico "Pygmalion", de George Bernard Shaw, Cukor revuelve el discreto encanto de la belleza exterior, con la sanidad mental del humilde, del limitado, del perenne, del ajeno a las composturas más conservadoras de la sociedad patriarcal. Transformar su Pygmalion en una comedia musical extremadamente sofisticada, para narrarnos la historia de una chica de extracción humilde, Eliza Dolittle ( Audrey Hepburn), que llega a engañar a toda la alta sociedad inglesa, gracias a los cursos de fonética y dicción de su mentor, un exacerbado profesor Henry Higgins ( Rex Harrison), debió haber sido una empresa compleja y algo engorrosa. Compleja por el nivel de excentricidad que fue la idea de convertir a una patipelada en una dama de alta sociedad, y Engorrosa por la serie de elementos que debió integrar a su obra, considerando que se trataba de una de las últimas comedias musicales clásicas hechas en Hollywood en la Era del Star System.  

Cukor patentiza el doble juego del profesor Higgins y su colega promotor, el coronel Hugh Pickering ( Wilfrid Hyde-White ), para demostrarse así mismo y a los demás, que se puede hacer pasar por Reina a una vulgar obrera del Feudo, sin obligarla a transitar por las altas Academias o las Escuelas de Señoritas de la época. Sin embargo, esta camaleónica transformación de Eliza Dolittle significará para ella misma, una angustia interior inexplicable, porque agudizara los conflictos de su personalidad con el mundo que la rodea. No en vano su viejo padre, Alfred Dolittle ( Stanley Holloway ), será un detonante familiar insustituible en la valorización que tendrá la chica - una vez convertida en señorita de altas esferas-, sobre ella misma en este tránsito hacia las cumbres de la sofistificación.   

Cukor maneja con mano maestra la mezcla de diálogos con canciones, y nunca pierde el interés o el potencial dramático de una historia atesorable y divertida. Su particular esteticismo arrollador, encuentra en los diseños de Cecil Beaton y Gene Allen, a una réplica valiosa y que aporta en todo sentido a ilustrar los verdaderos cuadros de época que tiene el filme. 

Las opciones de Cukor, están en su manera de mostrar los espacios más brillantes de la high society, muy matizados por los ingeniosos decorados de George James Hopkins, el vestuario de Cecil Beaton y Michael Neuwirth, el maquillaje de Gordon Bau, y la brillante fotografía en technicolor de Harry Stradling Jr. Es una película visualmente hermosa, muy estilizada y cautivante, si se toleran los guiños a la insubordinación que promueve la personalidad rebelde de Eliza Dolittle.  

El momento crucial donde el profesor Higgins prueba que se puede pasar por dama sofisticada a una chica de bajas esferas, con los estudios de lenguaje correctos. Un cuento clásico que tiene mucho de La Cenicienta, pero que recapitula sus acciones en virtud del extremado dominio narrativo de Cukor, un cineasta que hacía películas de interés con la astucia de un zorro y  el equilibrio de una cabra montañesa. 

Acerca del director.

George Cukor ( 1899- 1983 ). Para el crítico chileno José Román, su nombre evoca de inmediato, el tema del feminismo en el cine. No sólo fue un gran director de actrices, sino que también, y esto es lo fundamental, un observador atento y profundo de la condición de la mujer como centro de las relaciones personales y colectivas. Retrato su "alma" con un fuerza e inteligencia que sólo puede compararse con el cine de los otros maestros feministas como Mizoguchi, Antonioni, Bergman y Sirk.  Alguna vez, resumió de modo sencillo su visión de la mujer : "Es muy raro que una mujer sin interés no tenga, al menos, algo sobresaliente". Otro rasgo definitorio del cine de Cukor, fue la elegancia de su puesta en escena. Esta elegancia surgía de los movimientos de cámara, de los decorados, del vestuario, del maquillaje, de los diálogos, y en general, de un enfoque sofisticado y fino que transformaba sus películas en algo luminoso y muy chic. Este estilo, vivo y moderno, remitía derecho a la comedia, género en el cual Cukor se movía con especial agrado. Por ello, siempre que se habla de él, se cita muy frecuentemente su película "Mi bella dama" ( 1963 ), obra clásica del cine musical. Sin embargo, su temperamento también supo captar los signos del drama. De hecho, algunos de sus filmes más logrados, como La dama de las camelias ( 1936), Nace una estrella ( 1954 ), Furia de pasiones ( 1957 ) o La vida íntima de cuatro mujeres ( 1963 ), fueron consumados estudios sobre vidas marcadas por el infortunio.   

Esta ductilidad le permitió asumir las empresas más variadas. Fue, por ejemplo, responsable, de los mejores momentos de Lo que el viento se llevó ( 1939 ), a pesar que su nombre no figuró en los créditos de la cinta. También abordó con éxito el melodrama sicológico-policial ( "La luz que agoniza", 1944 ), y no se quedo corto frente alas exigencias que le planteó el cine de aventuras ( "Destinos cruzados", 1955 ). En su período más vital Cukor llevó la comedia de alta sociedad, a su máximo esplendor ( "Historias de Filadelfia", 1940 y "Vacaciones", 1938 ). La lucidez no lo abandonó nunca. Sus obras de ancianidad ( "Viajes con mi tía", 1972; "Amor entre ruinas", 1975 ), reflejan su ánimo de enfrentar el mundo con las armas de siempre, valorando el sentimiento como el medio más perfecto de comunicación. / En la foto, durante un descanso del rodaje con la actriz Katharine Hepburn.

En el set del rodaje de "Historias de Filadelfia" con Cary Grant, James Stewart y Ruth Hussey. / Como director de cine romántico Cukor no fue un director blando, ni coqueteó con el azúcar y las soluciones más fáciles. Las complejidades del amor las abordó tanto en los inicios de su carrera ( "Sylvia Scarlett", 1935) como en su última etapa ( "Justine",1969). Siempre aún en la comedia más transparente buscó demostrar que el actor de amor supone algo de dolor y mucha batalla. Le fascinaba describir el proceso de conocimiento que se esconde en el misterio del enamoramiento. Por eso que uno de sus personajes favoritos era Eliza de Mi bella dama, ese ser miserable que llega a ser mujer cuando descubre que, ella también es digna de alguien que la tome en cuenta. 

Considerado como un buen director de mujeres, fue sin duda, un sensible artista que se dedicó a narrar historias de hombres rudos domados por mujeres suaves, cuentos de amor basados en el principio de dos sujetos disímiles que aprenden a conocerse. El mundo de Cukor es el del triunfo y esplendor de las mujeres.   

El recordado escritor y crítico Guillermo Cabrera Infante escribió sobre Cukor una vez : "Cukor fue un director de cine de distinguida versatilidad, donde los versátiles duran más. Y a diferencia de otros realizadores, siempre atrajo al ojo crítico. En persona, era modesto pero molesto, con un ingenio mordaz y muy generoso. Muchas de esas características personales se hicieron su marca de fábrica como director. Corto pero nada perezoso, miope y femenino, había algo formidable en él - quizás su parecido con el productor David O.Selznick no era porque fueran judíos. Creo más bien que tenía que ver con su extraña boca, que le daba el aspecto de un Carlos Quinto de Hollywood : un emperador capaz de sobrevivir sus pompas fúnebres. Pero se podía ver en su perfil prognato la voluntad de mandar de un director, dictador , grandes y pequeños, todos".

Las biografías autorizadas de figuras relevantes como Cukor, sólo cuentan anécdotas amables. Pero Cukor tenía una vida íntima muy escabrosa, que le sacó varias veces de las listas de los productores más promiscuos. Extraigo los datos del escritor Guillermo Cabrera Infante. Puede ser debatible que haya sido un buen director de mujeres ( ¿ existe este oficio ? ), pero sí era un hecho bien conocido que Cukor era homosexual. De acuerdo con una biografía exhaustiva, la vida sexual de Cukor era tan activa y promiscua como una obsesión privada. Aunque muchos de sus amantes eran ocasionales, encontraban un nicho cómodo en sus películas. Cukor, por cierto, hasta fue a la cárcel por practicar la sodomía  en público. Solamente el vilipendiado Louis B.Mayer lo salvó de que su función se hiciera conocida por el público. Si no habría hecho el amor sin nombre entre las ruinas de su carrera. Sin embargo, en su vida profesional, Cukor fue un adalid de muchas estrellas. Hombre mundano, le gustaba intensificar en el plató el trabajo con sus actrices y sus actores, hasta sacarles el máximo de autenticidad. Podía parecer estrujar el carácter tan independiente de Katharine Hepburn, o las impuntualidades de Marilyn Monroe, y siempre obtenía para el registro de la cámara, lo mejor de ellas y lo más brillante de ellos. Sin duda, ahí estaba su maestría y sagacidad creativa profesional. / Foto en el set de "Historias de Filadelfia" con James Stewart y Ruth Hussey.

Con la mítica Marilyn Monroe en un momento del rodaje de "Let"s Make Love" ( 1960 ). Ambos se llevaron muy bien, pese a que la película no resultó del todo satisfactoria. 

Acerca de la Actriz.

Audrey Hepburn ( 1929- 1993 ). Con una figura de mujer muy delgada, y el cuerpo de una ballerina ( porque lo era), Audrey irrumpió en el cine con una altura de princesa que sólo las grandes actrices podían obtener. El historiador y cinéfilo Augusto M. Torres escribe de ella : Hija de padre holandés y madre inglesa, estudia danza y arte dramático en la Martie Ramber"s School de Londres, para debutar en la posguerra como bailarina y a principios de los años cincuenta hacer pequeños papeles en películas inglesas. Cuando está rodando Americanos en Montecarlo en la costa azul, conoce a la escritora Colette, quien insiste para que protagonice la reposición de su obra, Gigi, en Broadway y gracias a su éxito, Hollywood se fija en ella. La buena acogida de la comedia sentimental "La princesa que quería vivir", por la que gana un Oscar, hace que durante quince años triunfe su aspecto andrógino, sus grandes ojos y sus maneras de refinada gacela, en las comedias románticas "Sabrina" y "Ariane" de Billy Wilder, "Muñequita de lujo" de Blake Edwards, "Charada" y "Dos en la carretera" de Stanley Donen, y "Encuentro en París" de Richard Quine; en las adaptaciones de León Tolstoi "Guerra y Paz" de King Vidor, y de Lillian Hellman , "La calumnia" de William Wyler, en los musicales "Cara de Angel" de Stanley Donen y "Mi bella dama" de George Cukor; en el drama "Historia de una monja" de Fred Zinneman y en el western personal "The Unforgiven" de John Huston. Tras un retiro de nueve años, vuelve a hacer cuatro películas de muy inferior calidad y de las que sólo tiene interés "Robin y Marian" de Richard Lester. Durante los últimos años de su vida, se dedica a realizar trabajos como embajadora de la organización internacional de ayuda a la Infancia, UNICEF.         

Dos marginales perdidos en la gran ciudad. Es la comedia romántica "Muñequita de lujo" dirigida por Blake Edwards con Audrey Hepburn y George Peppard. La tienda Tiffany"s se hizo famosa a nivel mundial, tanto como la música del gran Henry Mancini. 

Obra maestra de Stanley Donen sobre las relaciones de pareja, en la inolvidable "Dos en la carretera", aquí Audrey con Albert Finney en un apasionado road movie.

Fotos-Gentileza : 20 th.Century Fox - Cine Clásico- MGM Pictures - Warner Brothers- The New York Times- Variety - Archivo.-  

Afiche original de "La dama de las camelias" dirigida por George Cukor.

Portada del disco digital de "Los Depravados" realizada por Henry King.

Cartel de la celebrada comedia musical "Mi bella dama" dirigida por George Cukor.

LOS DIRECTORES : FRED M.WILCOX - VICTOR SAVILLE :

La Artesanía hecha eficacia narrativa.

"La cadena invisible" ( "Lassie come home" 1943 ), nos puso en contacto por primera vez con dos futuras estrellas de la pantalla grande, la perra Lassie, y la inmortal Elizabeth Taylor. Detrás de ellos  estaba el director estadounidense Fred M.Wilcox, un olvidado de las historias del cine pese a ser un artesano eficiente y novedoso. Nosotros le rescatamos junto a otro cineasta olvidado de serie B, el británico Victor Saville para incentivarlos a ver algunas de sus películas. 

Fred.M.Wilcox :
El padre cinematográfico de Lassie.

Hermano de la actriz  Ruth Selwyn, Fred McCleod Wilcox ( 1907- 1964), salió graduado de la Universidad de Kentucky. Comenzó su carrera en el Departamento de publicidad de Nueva York en la MGM. En 1929, se convirtió en asistente del realizador King Vidor, y trabajó con él, en la producción de "Hallelujah". Debutó como director con la película "Joaquín Murieta" ( 1938 ) sobre la trágica historia del joven mexicano a quien la adversidad le transformará en un sanguinario bandido, inspirada en una historia real y que ha conocido otras versiones fílmicas.  Su siguiente película llevó al estrellato a la perra collie "Lassie" en la original "La cadena invisible" / "Lassie come home" ( 1943 ), sobre la novela de Eric Knight, un buen filme animalista que subraya la devoción que tiene un niño por una perra, y ésta por su amor incondicional, cuando es separada de su compañía. Insistirá con el personaje canino en la entretenida "El coraje de Lassie" ( 1946), y en la más esquemática "Hills of Home" ( 1948 ). Alejado del cine familiar más característico de MGM, rodará también una divertida comedia musical "Three Daring Daughter" ( 1948 ), con la interpretación de Jeanette MacDonald, Jane Powell y José Iturbi, el drama sobre un ex soldado de Infantería, "Shadow in the Sky" ( 1952 ) con Ralph Meeker y Nancy Reagan, que ejemplifica lo que debe hacerse con los combatientes reincorporados a las familias, el thriller policial "Clave Dos" ( 1953 ), con Ralph Meeker y  Elaine Stewart, que absorbe bien los conceptos estéticos del film noir a partir de la rutina diaria de un policía en motocicleta, y la olvidada cinta B " Tennessee Champ" ( 1954 ), con Shelley Winters como la esposa devota de un violento manager de boxeo, encarnado por Keenan Wynn, y Earl Holliman como el tipo que da los puñetazos y toca la armónica. Sus mejores películas de esta época son : "El jardín secreto"/"The secret garden" ( 1949 ) extraordinaria adaptación de la novela de Frances Hogdson Burnett, con una expresiva utilización del blanco y negro,  una notable intercalación del technicolor,  y una colosal actuación de ese trío de niños artistas que son Margareth O"Brien, Dean Stockwell y Brian Roper. Y la magnífica "El planeta desconocido"/ "Forbidden Planet" ( 1956 ), una innovadora película de ciencia ficción. Finaliza su carrera con la cinta antirracista "I Passed for White" ( 1960 ), sobre una joven mujer que se casa con un hombre de fortuna, ocultándole a su pareja que ella es mitad negra.   

Director y guionista hojean el libreto de la película con que debutó la perra Lassie en el cine. Wilcox tenía una sensibilidad especial con los animales y fue uno de los primeros realizadores del cine sonoro que no objetó para sí mismo, trabajar con niños y animales en el set. Rompió así una premisa demasiado exagerada. 

La saga de "Lassie"de Wilcox.

"La cadena invisible" ( "Lassie come home", 1943 ). No creo que exista inicio más brillante para una cinta familiar, que ésta clásica historia de aventuras y de amor entre una perra collie y su pequeño amo. Roddy MacDowell, fue la gran revelación británica del clásico "Que verde era mi valle" dirigido por John Ford, y aquí, está estupendo como el hijo de un minero que esta desempleado y que se ve obligado a venderle la perra a un rico terrateniente, que es abuelo de la pequeña Elizabeth Taylor. Comprenderán adónde va la historia. Wilcox manejaba como pocos los animales en el set. Esta claro que hay un entrenamiento de base, sobre todo cuando Lassie demuestra que, ningún encierro tras las rejas, le va a detener para regresar a esperar a su amo niño en las afueras del colegio.  

El experto fotógrafo en Technicolor Leonard Smith, le saca buen partido a los efectos de luz controlados en el set, y reunifica las acciones en exteriores con una solvente capacidad para justificar el viaje sacrificado de regreso a casa que tendrá la collie. Wilcox asume que el amor entre el animal y el niño, es fuerte y categórico, y lo remarca con imágenes que pueden ser muy simples, pero que, para efectos de la trama, resultan sobrecogedoras ( como toda la secuencia de la collie tratada por unos ancianos en su trayecto de vuelta  a casa, con las patas ensangrentadas de tanto correr y saltar ).

En esta constatación, Wilcox integra una mirada candorosa de la tercera edad, condescendiente al espíritu de la novela original de Eric Knight, adaptada por Hugo Butler, que asume la brillante luz que desperdiga la perra en sus cometidos con otros personajes de mayor edad y que la ayudarán en su trayecto. Wilcox se da momentos de espesura dramática, sin diálogos, para subrayar la abnegación y la fidelidad que tiene un niño por su mascota, y viceversa. Es capaz de hacer figurar distintas personalidades de extracción más bien humilde, que Lassie se va encontrando en su camino, para conmovernos sin exageraciones, y de paso, comprobar que enorme es el mundo exterior.

El juego de la doble lectura condiciona la vida de una perra al mundo humano. Detrás del sacrificado esfuerzo por llegar a casa, Lassie nos asevera que, la única paz que existe en el Universo es la de la familia que te acoge y te ama sin medidas. Lassie podría ser la madre canina del niño único, que en su actitud y compromiso de cuidado y protección, reflejará el enorme cariño que siente por la perra. Se trata, por cierto, de un gran clásico familiar de la MGM, que mantiene inalterables su sentido emocional y realista. Una gran película para disfrutar con los chicos y los grandes. 

"El coraje de Lassie"/"Courage of Lassie" ( 1946 ). Esta es la historia de Lassie cuando es reclutada y participa en la guerra. Wilcox agiganta el rol de la perra para transformarla en una especie de mártir de la contienda, pues sale herida y con traumas serios, que la transforman en una aparente amenaza para la vida humana. Elizabeth Taylor es la niña que la recoge antes y después de la desafortunada jornada de reclutamiento, y Tom Drake es el joven soldado, que la adiestra y la somete a las trincheras. Puede parecerse propaganda bélica, pero es mucho más que eso. Hay una mirada psicológica respecto al daño que efectúa en el comportamiento animal y humano la propia contienda. Wilcon subraya los fuertes impactos que provocan en la personalidad de la mascota, sin dejar de lado, los efectos de la guerra en las personas.   

El veterano actor de carácter Frank Morgan acompaña a Elizabeth Taylor en esta nueva aventura que tiene como motivación central mostrar los efectos que produce la guerra en las conciencias de sus protagonistas. Podría decantarse en el drama más pueril y desbordado, pero Wilcox ajusta los hilos narrativos para integrar visos de comedia de costumbres, algunos guiños humorísticos y otras menudencias, que fortalecen los resultados. No es una película perfecta, porque quizás almibaró demasiado el sentido autocrítico de la guerra en tiempos de paz, pero es, sin duda, una buena muestra del oficio narrativo de Wilcox, un director que le sacaba partido a sus actores y potenciaba guiones tan específicos como éste, basado en una idea original de Lionel Houser. 

"Lassie in Hills of Home" ( 1948 ). Menos efectiva que la película original, ésta secuela subraya la presencia que tiene la collie en el ambiente médico. El veterano Edmund Gwenn oficia de viejo médico de una apartada zona escocesa, que se compra a la collie para enseñarle a nadar y evitar que le siga temiendo al agua. Además, debe asegurarse que la comarca tendrá un nuevo médico porque siente que los años se le están viniendo encima. Wilcox ejecuta una reflexión sobre la tercera edad desde las aventuras de la collie y su nuevo amo. Para ello, integra varias imágenes en hermosos exteriores y  solventa su discurso con característicos de larga data, como los notables, Donald Crisp, Rhys Williams, Reginald Owen, Alan Napier y Lumsdale Hare. Wilcox le da a cada uno su espacio para desarrollar sus personajes y amplificarlos con la ayuda de la perra protagonista.   

No es erróneo pensar que, Wilcox presentía la fama inusitada que adquiría la perra Lassie. En su agudeza para repetir la fórmula de "La cadena invisible", Wilcox revalora el rol protagónico de su estrella canina, y no pierde la sustancia con que fue creada para todos los públicos. Es cierto, se palpa una sensibilidad por los ambientes, las situaciones, los personajes, las épocas, pero sobre todo, por efectuar un buen cine para toda la familia. En algún sentido, Wilcox, como otros nobles artesanos del cine de su tiempo, nos legó el valor potencial que tienen las historias que te dejan moralejas, resultados más prácticos y categóricos de como vivir mejor. 

Acerca de la Prodigio.

¿ Quien se iba a imaginar que esta hermosa y pequeña actriz británica con el tiempo se convertiría en Cleopatra ? Conocida es la carrera adulta de Elizabeth Taylor, pero se sabe muy poco de su carrera infantil, por eso insistimos en ello a partir de su experiencia en la primera película que le puso en contacto con el mundo, con datos extraídos de su propia biografía. El productor y editor Samuel Marx, de MGM, recuerda cómo llegó Liz a transformarse en una niña prodigio famosa por integrar el elenco de la película de Lassie. "Participé en La cadena invisible, en la que utilizamos una collie con más talento y sentido dramático que la mayoría de los actores con los que he trabajado. Aunque la cinta estaba ambientada en Inglaterra y Escocia, rodamos los exteriores en la región de los lagos y montañas del interior de Washington y en la escarpada costa de Monterrey en California, Contratamos a Roddy McDowall, un actor británico de catorce años, y a María Flynn que había aparecido en Intermezzo. Cuando revisamos con Fred M. Wilcox las primeras pruebas de cámara, nos dimos cuenta que, María Flynn le sacaba más de una cabeza a Roddy McDowall, así que tuvimos que despedirla para tristeza mía. Después de una reunión con Louis B. Mayer y Pandro S. Berman, les dije que necesitábamos otra chica para sustituir a Flynn. Entonces me acordé de una conversación que había tenido con Francis  Taylor, padre de Liz. Cuando estaba a punto de elegir a la chica de la película desde unas prodigios sacadas de La señora Miniver, mi secretaria me interrumpió para decir, que la señora Taylor y su hija, Elizabeth, aguardaban en la salita. Le pedí que las hiciera pasar a mi despacho. Poco después entró Elizabeth acompañada de su madre, llevaba un traje de terciopelo azul ribeteado de armiño con un sombrero a juego. Era la niña más hermosa que había visto jamás. En cuanto apareció comprendí que era perfecta para el papel de Priscilla, la hija de un acaudalado duque que compra a Lassie al pobre Carracloghs, cuyo hijo encarnaba Roddy McDowall. Al final, todo acaba bien, y el chico y su perro vuelven a unirse".

En el contrato inicial de Elizabeth Taylor con la MGM, fechado el 15 de Octubre de 1942, se fijaron unos honorarios de cien dólares semanales por un período de tres meses, que era el tiempo de rodaje previsto para La cadena invisible. El can que interpretaba a Lassie recibió 250 dólares semanales y el sustituto del perro cobró el mismo sueldo que Elizabeth. Cuestión del destino que la actriz fuera la última gran estrella supeditada al star system de Hollywood y que ganara sueldos millonarios una vez constituida una carrera de dulce y agraz. 

Las otras "Lassie".

"El hijo de Lassie" ( 1945 ) de S. Sylvan Simon. Secuela de "La cadena infinita" para mayor gloria de la santa collie, ahora con un hijo superviviente de maniobras aéreas durante la Segunda Guerra Mundial, que cae en tierras noruegas invadidas por el enemigo. Con el tufillo a propaganda bélica, la descendencia de Lassie se reincorpora al ejército para beneplácito de las fuerzas aliadas. Hay un poco de todo en esta matiné : suspenso, una cuota de emociones fuertes, otras de sabrosas incursiones caninas, y claro, un elenco a la altura de la perra estrella que integran : Peter Lawford, Donald Crisp, Nigel Bruce, June Lockhardt, Leon Ames, Donald Curtis y el ex galán del mudo Nils Asther. 

Nigel Bruce y Donald Crisp interviniendo en la saga de la collie estrella de cine. Bendito sea Dios. Que perra más amononada.

"Challenge to Lassie" ( 1949 ) de Richard Thorpe. Puede parecer novedosa, pero en realidad esta historia no se aparta un milímetro de su versión original. En Edimburgo, un pastor de ovejas, se topa con un cachorro de collie que adopta y entrena como ovejera. La fidelidad y el amor entrañable que demostrará el amo por su perra, y ésta por su protegida, subrayan la candorosa complicidad de esta trama, algo melosa, algo dramática y muy susceptible de ser discutida entre los animalistas. Eso de velar a su amo en la tumba, día y noche es auténtico, extraído de la vida real. Actúan : Edmund Gwenn, Donald Crisp, Geraldine Brooks, Reginald Owen, Alan Webb, Sara Allgood y la mayoría de la escudería británica afincada en Hollywood. Emocionante y conmovedora.

Geraldine Brooks visitando a Lassie y reanimándola para seguir camino por la Vida.

Amo ( Edmund Gwenn) y perra ( Lassie ). Una unión infranqueable, que ni la muerte pudo doblegar.

"The Painted Hills" ( 1951 ) de Harold F.Kress. Otro buen  ejemplo del amor de los perros por el hombre. Ahora es la historia de un perro intrépido que le salva la vida a un niño, que cae en desdicha por la codicia desesperada de un golpe de oro. Se exhibió como secuela de Lassie basada en una novela de Alexander Hull, y sirvió de base para una serie de televisión posterior que tendría gran éxito de audiencia. Está interpretada por el prodigio Gary Gray, muy visto en westerns y comedias, y por la segunda camada de la Lassie original. Es rápida, breve, sumaria y nunca aburre. 

El pequeño amo y su preciosa mascota, en una escena de la película.

"Lassie" ( 1994 ) de Donald Petrie. Se estrenó en Talca con el auspicio del Diario El Trueno, un matutino que desapareció donde trabajé algún tiempo. Recuerdo la sala llena de mamás con sus niños. Se apaga la luz . Comienza la proyección. Los niños gritan cuando ven aparecer a la collie en pantalla grande. Es un regreso esperado por todos. El filme se desarrolla ahora en paisajes campesinos y gira en torno a un niño díscolo, bien llevado a sus ideas, algo rebelde y desobediente, que debe aclimatarse a su nueva vida junto a su familia, que decide probar fortuna como ovejeros. Lassie es una perra cautiva. Y como el niño, es el alma mater de la que el chico aprenderá a ser noble, justo y persuasivo. El prodigio Tom Guiry ( "La pandilla" ) está ejemplar, y aunque cuenta con una collie realmente inteligente, que es descendiente directa de la Lassie original, la que realmente se roba la película por algunos instantes, es la recién  llegada actriz Michelle Williams, que con el tiempo se transformaría en una gran actriz dramática, gracias a películas como : "Manchester junto al mar", "Blue Valentine" y "Marilyn". Imperdible pasatiempo familiar.

La perra estrella esperando reanudar el rodaje.

"Lassie" ( 2005 ) de Charles Sturridge. Filmada en los hermosos parajes dublinenses, esta versión se beneficia de las actuaciones del veterano actor inglés Peter O"Toole ( "Lawrence de Arabia" ) y la talentosa Samantha Morton ( "Minority Report: Sentencia previa"). Es el regreso a la  novela de Eric Knight, por lo que se emparenta con "La cadena invisible", más que cualquier otra versión. Sus resultados son satisfactorios dentro de lo que corresponde a una producción familiar de estas características. Una cinta muy entretenida de ver porque O"Toole se toma su papel con una solvencia impresionante. Además, la collie vuelve  a hacer de las suyas ahora ayudado por un niñito algo tímido, el genial Jonathan Mason. 

La Obra maestra de Wilcox.

"El planeta desconocido" /"Forbidden planet" ( 1956 ) : La MGM que era la super productora que tenía más estrellas que en el cielo, necesitaba urgentemente remontar en la línea de la ciencia ficción, ya que sus competencias estaban abriéndose al serializado B y estaban rodando excelentes movies de monstruos espaciales y visitas a lejanas galaxias.  Sin embargo, decidieron rodar algo serio, ajustado a los conocimientos de la ciencia hasta esa fecha, a los proyectos  embrionarios de la carrera espacial, y a los adelantos tecnológicos. De este esfuerzo nació esta interesante y original película, basada en una historia de Irving Block, que tiene mucho de "La Tempestad" de Shakespeare, y que reniega de lo que estaban haciendo otros, por algo mucho más arriesgado, para soliviantar una fábula oxigenada sobre el poder en otros confines, la extinción de una raza abatida por sus propias ansias de existencia, y la logística casi surrealista de un monstruo invisible creado por la propia conciencia de un ser humano ambicioso y egoísta. Un escenario inmenso que remite a la superficie lunar, un platillo volador que es una aeronave novedosa para su tiempo, un robot - Robbie-  que sería amigo de los niños en la televisión, los trajes más sexies de una actriz menudita y bonita como Anne Francis, la fuerte presencia de Walter Pidgeon, una de las voces más guturales del cine clásico, y la refrescante presencia de un cuerpo de astronautas encabezados por el actor canadiense Leslie Nielsen, que con el tiempo se haría muy popular en las sagas de ¿ Y dónde esta el piloto ? y ¿ Y dónde está el policía?, agregan un interés creciente a esta mítica película que involucra una investigación y el secreto mejor guardado de una colonia en un planeta desconocido habitados por dos personas. Wilcox está en la etapa de madurez de su pericia narrativa, y logra interesarnos con gran energía en una trama algo rocambolesca, llena de metáforas y claves misteriosas por resolver.

Los modelitos de Anne Francis causaron revuelo en su época. Y es que el lado más sexy de la película, lo impone esta chica con un lunar muy coqueto, en medio de una galaxia muy lejana más allá de nuestro sistema solar. Todavía es objeto de colección algunas de sus fotos más entrañables. 

Wilcox mejora los supuestos infantilistas de la ciencia ficción, para sentarnos a hablar en serio de la colonización de otros mundos. Aquí un grupo de expertos comandados por Leslie Nielsen intentará desentrañar el misterio de un planeta, en una época en que todavía era muy incipiente la carrera espacial.  

Esta película fundó un precedente, al tratar con una sicología madura y científica, un tema complejo que nos devuelve al tópico clásico de las ambiciones del poder. Es una cinta familiar que se repasa con agrado, porque Wilcox subraya como protagonista indiscutido a Robbie, el Robot , cuya fama fue tan grande, que al año siguiente se hizo una película exclusivamente para él, "The Invisible Boy" ( 1956 ) y se convirtió en un personaje habitual en todos los programas de televisión que trataban el tema fantástico.  Por su parte, sobre la pareja protagónica, Leslie Nielsen y Anne Francis, alcanzaron su momento de gloria, ambos trabajando en la televisión. Y eso, aunque Nielsen lograra remontar su ultima etapa protagonizando comedias disparatadas del grupo ZAZ.

Victor Saville :
Reconstructor de Aventuras.

Si la corrección narrativa tuviera sinónimo debería ser Victor Saville ( 1895- 1979), un director inglés eficaz, que a lo largo de 39 películas, entre 1927 y  1954, manifestó una singular predilección por el cine de aventuras, donde parecía moverse como pez en el agua, aunque tampoco destiño en el drama y la comedia. Hijo de un comerciante de Arte, fue educado en la King Edward VI School. Participó en la Primera Guerra Mundial y fue herido en la Batalla de Loos, en 1915 e invalidado al año siguiente. Su primera participación en el negocio del cine, fue como gerente de un pequeño teatro en Coventry donde se desempeñó durante las noches, porque en el día, trabajaba como empleado en una oficina de distribución de películas. En 1917 empezó a laborar en el departamento que se encargaba del noticiero de la organización Pathé en Londres. Desde 1919, Saville fue socio del productor británico Michael Balcon, líder en Victory Motion Pictures que fundaron juntos. Entre 1926 y 1927 produjo películas para Gaumont rodadas en sus estudios Lime Grove en Shepherd"s Bush. Bajo el alero de su propia compañía de producción Burling Films, debutó como director con la olvidada comedia "The Arcadians" con Ben Bue y Jeanette De Casalis. En 1931, regresó a los estudios Gaumont y se convirtió junto a Alfred Hitchcock, en el principal director de comedias románticas, thrillers, y musicales glamorosos del estudio. En 1936 creo su propia compañía, la Victor Saville Productions, con su socio, el famoso guionista Ian Dalrymple, con quien rodó una de sus mejores películas "South Riding" ( 1938 ). Después de reemplazar a Michael Balcon en 1938 como jefe de la división británica de la MGM, al año siguiente se muda a Hollywood donde hará el resto de su carrera. Como productor, intervino en 36 filmes y como guionista en 12 películas. 

Entre las películas más destacables de su filmografía figuran : "The good companios" ( 1933 ) "una vigorosa historia sobre unos vagabundos que consiguen unirse a la troupe de un circo", y que está interpretada por Jessie Mathews, Edmund Gwenn, y John Gielgud; "The Iron Duke" ( 1934 ) un interesante filme histórico que proporcionó a George Arliss uno de sus últimos grandes papeles; "Evergreen" ( 1934 ), "First a girl" ( 1935 ) y "It"s Love Again" ( 1936 ), tres títulos protagonizados por Jessie Mathews, "una actriz, cantante y bailarina británica bien dotada , con un particular sentido del humor, que logra una gran popularidad en comedias solo comparables a la que protagonizaran Fred Astaire y Ginger Rogers en Estados Unidos". De su etapa norteamericana sobresalen, un buen entertaiment musical con visos de drama bélico, "Tonight and Every Night" ( 1945 ) con la genial Rita Hayworth; la nostálgica y familiar "Los verdes años" /"The Green years" ( 1946 ) que comentamos aparte; y el intenso drama "La calle del delfín verde" /"Green Dolphin Street" ( 1947 ), con Lana Turner, Van Heflin, Donna Reed y Richard Hart, "historia de dos hermanas en el siglo XIX, que está enamoradas del mismo hombre". Se trata de una lujosa producción y amplio reparto de estrellas, con todas las brillantes características de una producción MGM : excelente recreación de época, buen ritmo narrativo, amores compulsivos, aventura y algo de ilustrada comedia de otros tiempos. Y claro, está "Kim de la India" / "Kim" ( 1950), última gran película de Errol Flynn ahora con el eximio niño actor Dean Stockwell, sobre el clásico relato de Rudyard Kipling, ambientada en 1880 con las andanzas del ejército colonial británico que combatió heroicamente a los rebeldes nativos hindúes.  

No muy entretenido vemos a Victor Saville repasando el script de "Conspirator" junto a Elizabeth Taylor y Robert Taylor. La película es un thriller sobre una adaptación de Sally Benson, que no quedo del todo mal, pese a su soporífera tensión dramática que no fluye lo suficiente, y al aliento anticomunista que tiene la trama de espionaje que la hace perder unicidad.   

"Los verdes años"/"The Green Years" ( 1946 ). La adaptación de la novela de A.J.Cronin significó para Victor Saville lucir sus propias capacidades en el manejo de la narración, en el dibujo atento de los personajes, pero sobre todo, en el sustento de las emociones y el detallismo en la recreación de época. Hay un poco de todo en esta inolvidable película MGM : drama, comedia, humor, suspenso, sensibilidad, moraleja, momentos gratos,  momentos amargos, y una acertada manera de dimensionar la realidad de un pequeño huérfano que, en su crecimiento, logra reorientar su propia vida y su futuro con la ayuda de su abuelo. En su etapa infantil, Dean Stockwell logra una química especial con el veterano Charles Coburn, para integrarse a una familia algo desmadrada que lo trata de manera algo tiránica, después que muere su progenitora. En rigor, hay una nostálgica emoción que emana de la relación entre el viejo y el niño, aunque se asume desde un principio, que la vida del chico no va a ser nada fácil. Después superando sus propias adversidades, el muchacho podrá acceder a estudiar Medicina en la Universidad, pero el destino le jugará una nueva pasada. Ahora será el actor Tom Drake, que potencialmente estaba ideal en estos papeles de joven abnegado y extremadamente sacrificado ( recuérdalo en "La Rueda de la Fortuna" o "El coraje de Lassie" ), quien matizará las acciones de esta búsqueda incansable por hacerse de un destino más cómodo y feliz. 

El director Victor Saville matiza adecuadamente los momentos de pura emoción, y entremezcla con inteligencia y oficio, las escenas de interiores rodadas en el estudio, con las exteriores que recrean muy fielmente una época. La fotografía en blanco y negro del eximio George Folsey, estuvo candidata al Oscar. Hay algo de Charles Dickens en el aliento de esta historia de crecimiento interior, pero también una interesante parábola sobre las descendencias familiares que se transmiten de padres a hijos , de abuelos a nietos, con implicancias valederas para afirmar un futuro menos idealizado y mucho más realista. 

El realizador inglés parecía especialmente dotado para narrar historias ambientadas en el pasado, y "Los verdes años" no defraudan al espectador pese a cierto esquematismo riguroso y febril, porque consigue transmitirnos astutamente, los esfuerzos de un muchacho por surgir en un momento complejo de su existencia. Hay una excelente ambientación y unas notables actuaciones de Stockwell y Coburn.  

"Kim de la India" ( 1950 ). Con un empleo muy elaborado y pintoresco del color, Saville adapta la novela de Rudyard Kipling para elaborar un gran filme de aventuras que significó además , la despedida del género del actor australiano Errol Flynn. A fines del siglo XIX, un chico inglés que ha crecido en connivencia con la cultura hindú ( Dean Stockwell ), ingresa al ejército colonial para colaborar como mensajero en pleno período de escaramuzas con los rebeldes nativos hindúes. En esta combativa labor, - casi de espionaje- , se le cruzará en su camino Mahbud Ali ( Flynn ), un inteligente e insobornable aventurero, con el que estrechará una amistad casi paternal. Victor Saville potencia su relato, con la integración de notables figuras de carácter como Paul Lukas que hace de Lama, y que le agrega un tono casi metafísico a la historia con su búsqueda del santo Edén; o Arnold Moss en sus sempiternos papeles de árabes misteriosos. Pero hay más. Un espíritu logrado en la matización del choque cultural que existe entre Oriente y Occidente. Una espectacularidad en la visita a los lugares sagrados de la India y un tono de amenidad que nunca desaprovecha la acumulación de los acontecimientos sorprendentes.  

Además, el mítico actor Errol Flynn está como pez en el agua, en esos lugares exóticos, oficiando de protector de un infante rebelde, astuto y mundano, algo muy de su propia personalidad, como si ese niño fuera una extensión de sí mismo, pero con muchos menos años en el cuerpo. Se produce una química entre los dos, que es muy meritoria de Saville, al potenciar el relato desde las experiencias de ambos personajes, que al principio, parecen no tener ninguna relación entre sí. 

Además, Saville captura el espíritu de la novela con una solvencia eficaz, que nunca desaprovecha las acciones como cuando a Kim le detienen, pese a estar integrado en la lista de los combatientes de la corona británica. Detrás de su personalidad, está el notable prodigio Dean Stockwell que ya llevaba más de quince largometrajes en el cuerpo, y que prácticamente despidió su infancia con este adecuado papel, que parece moldeado para sí mismo.  

La única mujer del masculino reparto, es la olvidada actriz Laurette Luez ( 1928- 1999 ), nacida en Honolulú, Hawaii, y que cosechó cierta popularidad en una fugaz carrera en Hollywood, casi siempre interpretando papeles exóticos, para thrillers y cintas de aventuras, como : "Muerto al llegar" ( D.O.A), "Prehistoric Woman", "La sirena de Bagdad", "Las Aventuras de Fu Man Chú" o "Los amantes persas".  

Acerca del Prodigio.

Dean Stockwell ( nacido en 1936 ), es el gran superviviente de la Era del Star System en Hollywood, que hizo su carrera infantil casi exclusivamente para los estudios MGM y 20 th Century Fox.  Niño precoz, vivaz, anti posero, introdujo toda una actitud naturalista al cine de su tiempo, no siempre muy analizada o valorizada. Como si hubiese salido del Actor" Studio, a los nueve años debutó en el drama "The Valley of decisión" ( 1945 ) dirigido por Tay Garnett , donde hizo una breve aparición; para ese mismo año pasar a transformarse en el hermano chico de Kathryn Grayson en el clásico musical "Leven Anclas"/"Anchors Aweigh" ( 1945 ) y robarse el corazón de todo el mundo. 17 películas efectúo durante su infancia y adolescencia, que le labró una popularidad creciente. De esta etapa que es la que recordamos ahora, insustituible resultan sus actuaciones en: "Los verdes años" ( ver ); "La luz es para todos" ( 1947 ) contundente drama antisemita dirigido por Elia Kazan, donde encarna al hijo de Gregory Peck, un periodista infiltrado en la cúpula social de una gran ciudad para descubrirnos el racismo y la xenofobia que hay entre la gente común; "El niño de los cabellos verdes" ( 1948 ) dirigido por Joseph Losey, inteligente metáfora sobre la disgregación racial y social, con aires antibelicistas, "Huérfano del mar" ( 1948 ) , una sólida adaptación de la novela de Ruth Moore realizada por Henry King, donde Stockwell se luce por cuenta propia como un huérfano que ama el mar sobre todas las cosas;  y "El jardín secreto" /"The secret garden" ( 1949 ) una notable adaptación del cuento de Frances Hogdson Burnett donde brilla como el minusválido Colin Craven, compartiendo los méritos con la solvente actriz juvenil Margareth O"Brien, la otra gran superviviente de esos dorados años del star system. 

En "Los verdes años", Dean Stockwell desarrolla un papel más que significativo, porque supo transmitir la emocionalidad de un pequeño huérfano que intenta supervivir en medio de una familia, donde solo encuentra el sustento sentimental en su abuelo. Stockwell en su madurez, llegaría a ser un talentoso actor versátil, gracias a películas como : "Compulsión"; "Terciopelo azul", "Casada con la mafia", "Sandino", "Paris- Texas", "Jardines de piedra", entre otras.

Fotos- Gentileza : Metro Goldwyn Mayer- RKO Pictures- The New York Times- Variety- Classic Films- Film Fax- Actors Childrens- Archivo.-

Afiche original de "La cadena Invisible" dirigida por Fred M.Wilcox.

Lobby-card de "Kim de la India" de Victor Saville.