UN POCO DE TODO DESDE LAS TIERRAS DEL CINE.

 Se comenta, se dice, se supone... 

"Megalópolis" es la nueva mastodóntica obra de Francis Ford Coppola, que ha encendido las controversias. Por un lado, ya la tildan de la obra loca de un genio, y pese a haber costado la friolera de 120 millones de dólares, no tiene distribuidor que la acepte como tal. Sin embargo, será exhibida en Cannes.  

En la odisea de filmar.

Cuarenta años debió esperar Coppola para llevar a cabo su sueño más apasionado. Megalópolis, la super producción de 120 millones de dólares autofinanciado, interpretado por Adam Driver, Aubrey Plaza, Dustin Hoffman, Nathalie Emmanuel, Giancarlo Esposito, Jon Voight, Shia La Beouf, Laurence Fishburne, la hermana del director Talia Shire y su sobrino Jason Schwartz, se exhibirá en Cannes en mayo para beneplácito de sus admiradores. La película ha estado dando vueltas en la cabeza de Coppola desde 1983, cuando escribió el primer guion y desde entonces ha sufrido toda clase de aplazamientos.     

Se trata de una historia difícil de filmar, que abarca la historia antigua y un futuro catastrófico, lleno de conceptos esotéricos y tortuosos, cuya sinopsis se describe como "historia de ambición, política, genio y amor conflictivo donde el destino de Roma acecha moderno incapaz de resolver sus propios problemas sociales".   

Cabe recordar que, en marzo, la película fue exhibida a los compradores potenciales como Universal, Netflix y Sony en un evento de la industria organizado en la Universal City Walk Imax. Según la prensa que tuvo el privilegio de asistir, una mitad de los asistentes elogiaron la nueva obra, pero hubo otros que simplemente la descalificaron. Lo cierto es que, hasta la ahora, es una película "huérfana" que no tiene distribuidor interesado en exhibirla. Se repite en cierta forma lo que le paso a Coppola con su incomprendido musical "Golpe al Corazón" décadas atrás y que hizo temblar y desaparecer a su productora Zoetrope. En la foto, el casi irreconocible actor Shia La Beouf en su rol de mujer romana.  

Los actores del filme como Adam Driver salieron a defenderla con uñas y pellejo. "Nunca hubo caos en el set, eso no es verdad. He estado en sets que realmente eran caóticos y este está lejos de serlo", escribió en su cuenta personal. Cannes parece ser el lugar ideal para estrenarla, como fue su momento Apocalipsis Now. Lo que está claro es que la película ya tiene asegurada su exhibición fuera de la competición oficial y promete elevar los conceptos que se han hablado de ella antes de tiempo. Ojalá así sea. Recordemos que Coppola nos ha regalado obras sublimes de perfección narrativa y estilística extremas. Se merece un respaldo inmediato porque espero 40 años de gestación. Ya veremos como se muestra a la comunidad internacional en la 77 versión de Cannes, que este año será entre el 14 y 25 de mayo.     

La nueva épica western de Kevin Costner.

"Horizon, An American Saga" es la nueva épica que el actor y director Kevin Costner estrenara fuera de la competencia en Cannes este año. El intérprete en entrevista con Variety aseguró que este proyecto que lo devuelve a las tierras del lejano Oeste tiene cuatro partes interpretadas por Sienna Miller, Sam Worthington, Michael Rooker y Jena Malone, y se exhibirá en la Croisette el 19 de mayo.  Agradecido a Cannes dijo que "Hace 20 años que no tengo el placer de estar en la Croisette y he estado esp0erando el momento adecuado para volver y estoy orgulloso en decir que este momento ha llegado", asevero. 

Hace más de treinta años que Costner tenía en mente esta epopeya de rasgos épicos y clásicos del western, que circula por la existencia de una variedad de personajes antes y después de la Guerra Civil durante la época de la colonización del Oeste estadounidense. Las dos primeras entregas que Costner autofinancio en parte por el mismo se estrenaran en los cines este verano con unas semanas de diferencia. La idea es que, si la historia engancha el espectador quedara con el sabor en la boca para preferir más.    

El célebre actor y director confiesa que tuvo que sacrificar e hipotecar su propiedad de 10 acres en Santa Bárbara para financiar estas dos entregas de la película. "Estoy muy sorprendido por lo que pudimos lograra, cuenta el intérprete. Porque Danza con Lobos la rodé en 106 días, y esta nueva película solo en 52 días. Aprendí mucho y pude usar todos los trucos del libro para tratar de llevar esta película tierra y transmitirla a la audiencia. ¡Y hay cuatro de ellos!

"Con eso en mente me empuje hacia el Oeste y viaje hasta Utah para rodarla como yo la quería ver. Me encantaría que todos hiciéramos esos viajes y tratáramos de tener una alta comprensión de este primero. El segundo ya está rodado. Estoy ahí afuera para dirigirme de nuevo hacia el Oeste, empujando una roca cuesta arriba tratando de hacer una tercera. Parece broma, pero no lo es" conto a los medios Costner  

Así las cosas, Warner Bros se atascó por los altos costes de las dos primeras, que suman 200 millones de dólares. Sin duda, parece una posibilidad remota que las partes 3 y 4 obtengan similares presupuestos que las dos primeras. Habrá que esperar a ver cómo le va en la taquilla a estas primeras dos partes. Sin embargo, la última palabra en todo esto la tiene Costner, que ha llevado a puerto seguro las dos primeras partes y puede que, en una de esas, se atreva a cruzar el rio con las otras dos parres que le restan. Ya lo veremos.  

George Lucas recibirá la Palma Honorifica en Cannes. 

El reconocido actor, director, guionista y productor George Lucas recibirá la Palma de Honor en Cannes 2024. La máxima distinción que recae en el genio creador de American Graffitti, Star Wars e Indiana Jones es por su contribución sobresaliente al, mundo del cine. Cabe recordar que Lucas es la celebridad norteamericana que tiene el mayor patrimonio en el mundo del cine, valuado en $ 5.7 mil millones de dólares, más que Spielberg o Michael Jordan. Recordemos que este genio cambio la historia del cine en los setenta, abrió la veta para los creadores de efectos especiales, encendió el fuego para los géneros de fantasía y ciencia ficción, innovo en las técnicas del cine creadas por Méliès, y suministro apoyo para nuevos talentos, sin duda impensados para otros rubros y categorías. 

El anuncio de Cannes especifica: "Inseparable de las sagas de Star Wars e Indiana Jones, George Lucas le ha dado a la superproducción una historia ilustre y un placer inigualable para el público de todo el mundo". Por su parte el artista replico señalando: "El Festival de Cannes siempre ha tenido un lugar en mi corazón. Me sorprendió y emociono cuando mi primera película THX 1138 fue seleccionada para ser proyectada en un nuevo programa para directores primerizos llamada Quincena de Realizadores. Desde entonces he regresado al festival en muchas ocasiones en diversas funciones como escritor, director y productor, Me siento verdaderamente honrado por este reconocimiento especial que significa mucho para mí", concluye.  

El padre de las galaxias lejanas recibirá este reconocimiento en la ceremonia de clausura del festival el día 25 de mayo próximo.  Entre los nombres confirmados para esta jornada están los de Camille Cottin como la maestra de ceremonias y Greta Gerwig como presidenta del jurado calificador de la competencia internacional.  

Afiches de los nuevos estrenos.

Fotos Gentileza: Warner Bros Pictures, Variety, The Hollywood Report, Screen Rant- The Guardian- Archivo. - 

Desde el 20 de abril en la Parroquia El Sagrario de Linares, entrada liberada. 

CINE CLASICO EN BLANCO Y NEGRO / LOS 40 :

Recomendaciones para disfrutar en casa.

El western "Rio Rojo" dirigido por Howard Hawks es uno de los títulos imprescindibles de esta década y una clásico de clásicos del cine. Como esta película citamos numerosas referencias a obras que debes redescubrir en la magia del video hogareño. 

 

Obras maestras.

"La carta"/"The letter" (1940) de William Wyler. Basado en el cuento homónimo de W. Somerset Maugham que dio origen a una obra de teatro y a tres películas de distinto interés. De todas ellas esta es la mejor porque el maestro William Wyler traza muy bien la figura de una mujer ( Bette Davis), que asesina a su amante en una noche de luna llena en Malasia, en la plantación de su marido (Herbert Marshall). Ella alegará legítima defensa, pero aparecerá una carta comprometedora en manos de la concubina euroasiática (Gale Sondergaard) y el conflicto se complejizará lo suficiente como para armar un suspense muy atractivo. Postulo a media docena de Oscar y aunque no gano nada, se considera uno de los grandes dramas de su director.   

La escena del homicidio con Bette Davis gatillando un arma, está entre las secuencias antológicas de la historia del cine, y la remarcación del mito de villana de la gran actriz. La película, por lo demás, recae en el peso dramático de una historia trágica donde la Davis brilla con colores propios. Vean como se mueve en escena y como expresa con sus enormes ojos, la trémula insatisfacción de una ambiciosa vida que se cae en pedazos. La foto de Tony Gaudio y la música de Max Steiner completan el coctel agridulce de esta notable película producida por Sam Goldwyn en su época dorada.   

"Que verde era mi valle"/"How Green Was My Valley" (1941) de John Ford. No recuerdo otra película más emocionante, familiar, sensible, afectuosa, amorosa y dramática que esta joya de joyas, que pone en un escenario construido en exteriores, los recuerdos de infancia del menor de los hermanos de una familia minera galesa. Toda la película es un festín de sentimientos, alegrías, penas, conflictos, luchas enconadas por sobrevivir con la grandeza y la épica de los registros familiares, recordados desde la admiración, el respeto y la añoranza por el hogar perdido.  

Walter Pidgeon y Roddy McDowall son los pilares fundamentales de esta gran película sobre la lenta y trágica desintegración de una familia, hermosamente narrada y con altos vuelos de expresividad en sus manifiestos estéticos y cinematográficos.  

El filme recibió el Oscar para Ford, a Mejor Película, al actor Donald Crisp, a la dirección artística para Richard Day y Nathan Juran, y para Ford, el Premio de la Crítica de Nueva York. Esta declarada uno de los tesoros culturales nacionales y en su última reedición, incluye un minucioso documental sobre su rodaje y sus intérpretes.    

El relato integra con gran preponderancia el empleo de la música, como muestra de afecto durante un matrimonio, en una invitación sorpresa para el coro de mineros galeses a celebrar el cumpleaños de la Reina, o en momentos de gran fuerza dramática en medio de un accidentado día laboral. Ford amaba las piezas románticas que tenían un doble componente para su autoría, porque, por un lado, elevaban las secuencias de mayor expresividad emocional y sentimental, y por otro, aducían a anteriores películas donde manifestaban sus sentimientos más íntimos relativos a su amistad eterna con la actriz Katherine Hepburn y su propia esposa.     

Acerca del guion escrito por Philip Dunne, Ford admitió a Peter Bogdanovich para su libro sobre el cineasta, que se ajustó bastante a él, "Quizás añadiéramos algo, pero para eso está el director. No puede limitarse uno a hacer que la gente se ponga de pie, diga lo que le toca y se vuelva a sentar. Tiene que haber algo de movimiento, algo de acción, cuestiones que animen y cosas así".   

La fotografía de Arthur Miller mantiene un expresionismo poético muy preponderante, que le saca partido a los espacios del plato, tanto los exteriores como los interiores en el hogar de los Morgan. En su trabajo, se acentúan los claroscuros en los momentos de más dramatismo, para remarcar estados de ánimo de personajes singulares o acentuar las escenas más significativas.  

En su manifiesta emocionalidad, Ford conforma un ideario colectivo sobre una familia galesa, que vive de su peligroso trabajo, evitando el hambre y la pobreza, sin dejar de evocar las lapidarias condiciones salariales, la explotación de niños y adultos, la constante amenaza de la muerte, y el ciclo vital de alegrías, sabiduría, severidad, castigo, admiración y nostalgia que caracteriza los recuerdos imborrables de ese niño, que vivió la triste y quejumbrosa disolución de su núcleo familiar.  Obra maestra imprescindible de la historia del cine.     

" Sierra Alta"/"El último refugio"/High Sierra (1941) de Raoul Walsh. Se trata de un estupendo guion de John Huston y W.R. Burnett, acerca de una novela de este último, y que es a la sazón, una de las más famosas películas negras de Walsh por el tono de tragedia que logra de un relato de gánsteres. En efecto, Humphrey Bogart interpreta a un viejo ladrón, que viene saliendo de la cárcel y que ya prepara el hurto de una caja fuerte en un hotel, con puros inexpertos. En su trayecto, conoce a una joven renga (Joan Leslie) de la cual se enamora, y a la cual, le regala una operación para recuperar su movilidad, y que termina olvidándose de él, para irse a vivir con su joven novio.  

Esta película lanza la carrera estelar de Bogart, después de efectuar numerosos papeles secundarios, demuestra que tiene garra de estrella, lubrica su expresividad con su acento cockney, arraigado en el cigarrillo y el whisky, y asume que la vida puede ser hermosa también por amor al cine. Walsh es un maestro categórico de la condición humana, y logra algo incómodo para los espectadores, que un gánster les caiga bien y les demuestre algo de humanidad. A su lado campean con Boggie, Arthur Kennedy, Alan Curtis, Henry Hull y Henry Travers, todos rostros que serán muy característicos del cine de su tiempo.   

"Los Magníficos Ambersons"/"The magnificent Ambersons" (1942) de Orson Welles. Es quizás una de las películas más mutiladas de la historia del cine, pero también una de las joyas imperecederas del maestro Welles. o solo porque vigoriza el relato en off de la novela de Booth Tarkington, que forma parte de la trilogía "Growth", extensa saga acerca de la vida de una ciudad del medio oeste norteamericano, con el empleo del sonido, de los decorados, de la fotografía, de las actuaciones, a un nivel similar a la más bien parsimoniosa "Ciudadano Kane".

Welles decidió encarar la filmación de este proyecto, porque le acercaba a una imagen nostálgica que tenía de su padre. Los paralelos entre la ficción y la realidad son increíbles, ya que George Welles y George Minafer, el personaje de la historia. provenían de la misma localidad y ambos tenía similitudes de carácter, porque eran unos díscolos obcecados y rebeldes que soñaban con el ritmo y la vida de la gran ciudad. Ambos se deleitaban con los pasteles de frutilla y eructaban rabia irrefrenable cuando les provocaban en serio. Además, las tías de ambos eran muy aborrecibles y Minafer evoca a su madre con los recuerdos personales que tenía Welles de la suya, al cumplir los ocho años de edad. Estos paralelismos le permitieron efectuar una obra llena de nostalgia, sensible y emocionante, dramática y humana.   

Meticuloso en la reconstrucción de época, Welles mando a construir unos enormes escenarios costosos y detallistas, que ambientaron todas las escenas con afortunada síntesis narrativa y un exhaustivo trabajo de los intérpretes que beneficio el resultado final del relato. Pese a todo, a Welles le cercenaron 40 minutos, pues la película quedo originalmente con un metraje apretado de 88 minutos. Como le recordó a Peter Bogdanovich, en una entrevista para su tremendo libro sobre el cineasta: "La intención era hacer un retrato de un mundo dorado, y después mostrar en que se había convertido. Después de haber escenificado esa ciudad de buenos tiempos pasados, el punto básico consistía en mostrar en como el automóvil lo destruía todo. Pero todo eso se ha perdido, Solo quedan los primeros seis rollos. Todo mi tercer acto se pierde debido a ese histérico intento de arreglar las cosas". Increíblemente, los 88 minutos sobrevivientes, son la muestra palpable del perfeccionismo creativo que tenía Welles. Una gran obra imposible de olvidar.

"La sombra de una duda"/"Shadow of a Doubt" (1943) de Alfred Hitchcock. La película que adoraba el maestro inglés es también un resumen modélico de sus mayores temas: la locura como síntoma de una sociedad enferma que aparenta "normalidad", el riesgo vital de una chica ( Teresa Wright) metida en una oscura trama macabra donde su tío ( Joseph Cotten), es realmente un psicópata; la familia como único sostén que se defiende de las tinieblas con un recelo consciente de la vulnerabilidad en la que vivimos todos, y los niños como elementos transgresores y atentos del mal que los circunda.        

En la tranquila localidad de Santa Rosa, en California, Hitchcock llevo las cámaras en exteriores para filmar una de sus obras maestras, abriendo los espacios de un tranquilo pueblo para mediatizar con trazo perfecto, las ambigüedades de un hombre sometido a sus propias impulsos y ambiciones extremas. La película, según pasan los años, mantiene inalterable su fuerza emocional y su sorprendente narrativa que nos sumerge por los recovecos de una mentalidad en ciernes. Grandes actuaciones para un genial thriller en toda su regla.     

"El Tesoro de Sierra Madre"/The Treasure of Sierra Madre (1948) de John Huston. Huston como todo grande del cine, repetía hasta la saciedad sus obsesiones temáticas y aquí en casi onda western. Amparado por el libro de B. Traven, los estupendos actores integrados por Humphrey Bogart, Tim Holt, entre los cuales figura también propio padre, Walter Huston, la búsqueda del "vellocino de oro" lleva a un grupo de hombres a los abismos de la perdición. Huston parece decirnos que no hay nada más peligroso, que un grupo de hombres obsesionados en sus esfuerzos por lograr la riqueza de manera rápida y fugaz. Fugaz es el tiempo de cumplir con ese sueño, porque el viento se llevará las ganas, las fuerzas y las ambiciones, que corren sin prisas, por el despeñadero hacia abajo.    

"Lousiana Story" (1948) de Robert J.Flaherty. Lo que partió como un documental encargado por la Standard Oil Company, se transformó en un alegato medio ambientalista (el primero en la historia en su tipo), que promovió inteligentemente el realizador canadiense con la ayuda de actores no profesionales, un buen relato casi de aventuras sorprendentes y un aderezado contrapunto final, que cuestiona la destrucción de un hábitat en medio de un pasaje agreste. 
 

A la belleza de la fotografía, Flaherty une el sentido testimonial de este joven cajun  (Joseph Boudreaux) y su mapache mascota, capaz de enrostrarnos la futilidad de la explotación del petróleo, pero, sobre todo, integrando el aliento ecologista, en una época en que el tema no era interés mundial. El conflicto y la acción del relato se desencadena con la amenaza de que merodea en el lugar, un caimán gigante. Sorprende la sagacidad y la pericia narrativa de Flaherty para convertir lo cotidiano en referente arquetípico de la propaganda constructivista de las empresas de explotación de recursos naturales. Puede resultar un buen ejemplo de cine testimonial o docu-ficcion, a la luz de los hechos actuales.   

De fisgón en protagonista absoluto.

La astucia de Flaherty está en como transforma un filme que iba servir de propaganda para una megaempresa, en un ejemplo de insurrección ambientalista contra lo establecido por normas economicistas prestablecidas.  Absolutamente recomendable para ver con los alumnos y alumnas. 

"Rio Rojo"/Red River (1948) de Howard Hawks. Un gran western de itinerario, quizás, es la obra cumbre que habla del traslado de ganado, porque están todos sus clichés y sus características básicas. Por lo demás, un extraordinario ejemplo de la psicología de Hawks para dibujar grandes personajes:  el viejo irascible y vengativo que no acepta cambiar un ápice su mirada respecto al nuevo mundo que se le viene encima; el "hijo adoptivo" que se rebela frente a la obstinación de un padre que no entiende y solo cree en sus firmes valores y principios; el crecimiento interior de todos lo que viajan de un extremo a otro, que entran en un juego de emociones, sentimientos y nostalgias, y en fin, la eterna camaradería masculina con sus dimes y diretes, donde la mujer no es tonta sino perspicaz, asertiva y escrutadora.     

John Wayne, Montgomery Cliff, Joanne Dru, Coleen Gray y Walter Brennan encabezan un reparto ejemplar que supone la caracterología de un universo muy personal, que Hawks repitió en sus thrillers, sus filmes de aventuras y sus dramas urbanos con la fuerza suficiente, que le llevo a ser considerado uno de los mayores directores del cine de siempre. Brillante guion de Borden Chase y Charles Schnee. Una joya del cine del Oeste.  

"El tercer hombre"/"The third man" (1949) de Carol Reed. Con guion del gran escritor Graham Greene, y un soporte interpretativo notable integrado por Joseph Cotten, Orson Welles, Alida Valli, Trevor Howard, el realizador ingles Carol Reed, efectúa una de sus mayores obras, sin duda, con un personaje inolvidable: Harry Lime, y unos ambientes sombríos y apesadumbrados en la Viena de la posguerra, gracias a la foto expresionista en blanco y negro de Robert Krasker y la inolvidable banda sonora musical con la citara de Anton Karas.    

La investigación de un escritor de novelas negras tras los pasos de quien asesino a su amigo Harry Lime, contiene todas las suspicacias, dobles vueltas de tuerca y ambigüedades de un buen filme de misterio, pero también la mirada melancólica de una época oscura y destructiva. Nadie parece ser lo que es, y unos y otros, son sospechosos de la misma brutalidad con que se dilapidan vidas humanas. Hay una profunda reflexión detrás de este panegírico, que todavía hoy resuena con particular insistencia en el aparente "mundo organizado". Como que su tema está más actual que nunca.  Obra de las altísimas cumbres del Everest cinéfilo.    

"La heredera"/"The Heiress" (1949) de William Wyler. Esta entre las mejores películas dramáticas de su realizador y una de las más significativas del género. Olivia De Havilland como mujer ingenua y preciosa que se enamora de un apuesto joven, cuyo padre obcecadamente le maltrata psicológicamente, asume el peso de la historia basada en una novela corta del refutado escritor inglés Henry James. Montgomery Cliff en su mejor época y Ralph Richardson que siempre fue un exuberante actor shakespeariano, se contonean en esta notable reflexión sobre el sometimiento de una mujer en una época restrictiva.      

La joven pareja idealizada, blanca y amorosa, rodeada de oscuridad, en una vistosa y lograda metáfora donde el amor y la traición tienen el mismo peso, y que ahonda en las ambiciones familiares y los egoísmos particulares. Con una estética similar a "La Loba" su anterior cinta, Wyler vuelve a enrostrarnos los vericuetos de una relación condenada por el pesó de la ambición. A veces claustrofóbica, la historia modélica, es acerca del encierro de una chica condenada a vivir de su propio martirio, observando como la vida pasa frente a sus ojos, sin poder actuar más allá de lo permitido. Magnificas actuaciones para una cinta que se queda en tu cabeza y tu corazón por varios días. 

"El demonio de las armas"/"Gun Crazy" (1949) de Joseph H. Lewis : Extraordinaria historia de amour fou, en la cual se inspiraría, Bonnie & Clyde. Cine B hecho con olfato, inteligencia, tacto y sobre todo, sentido del ritmo, agudeza crítica y desproporción en los contornos de una relación amorosa, donde los fálico aparece muy bien sugerido en el uso de las pistolas y el juego erótico en la insinuación de "cachorra en celo" que le dejo Lewis a su actriz Peggy Cummins. Hay algo de surrealista en la manera de enfocar que tiene la cámara, aquellas escenas iniciales que recuerdan la infancia de su protagonista masculino interpretado por John Dall, eterno aficionado a las armas. En su momento, muy innovadora y disfrutable. Hoy, muy singular y disfrutable.  

Fotos-Gentileza: 20 th Century Fox- Universal Pictures- Columbia Pictures- Universal Pictures. Archivo. 

Afiche original de la obra cumbre y cercenada de Orson Welles. 

Caratula de una edición en Blu Ray.