REPASANDO PELICULAS INOLVIDABLES :

Para alimentar la cinefilia.

El actor Tim Roth en "Los perros de la calle" de Quentin Tarantino. ¿ Cuanto cine has visto en tu vida? Esta entrada alimenta tu cinefilia desde la mitomanía por las estrellas de la gran pantalla y sólo para recordarnos que el cine está  la vuelta de la esquina.

Duras y Maduras.

"Los Perros de la calle" ( 1992 ) de Quentin Tarantino : La revelación del director que se cultivó atendiendo un cineclub, tiene la espesura de una obra maestra moderna, innovadora, original y diferente, hecha con espíritu rupturista,  trazos sicológicos de contundente profundidad y diálogos categóricamente inolvidables. La mejor etapa de Tarantino en sus inicios, alcanzando a lubricar el camino de una narrativa posmoderna, centralizada en la espesa manera de mostrar la filosofía anacrónica de unos gángsteres nerviosos y violentamente impulsivos.  

El relato se centraliza en los fallidos intentos de unos delincuentes por robar una joyería,   que terminan encerrados y que se van desmoronando uno a uno, cuando prima la desconfianza y la pérdida de las proporciones. Existe en el filme un cúmulo de referencias a la cultura pop,  y se transita desde la pura y santa cinefilia, a homenajear el cine policial francés de Jean Pierre Melville, con varios flashbacks, escenas reveladoras y contundentes. Cada parlamento es tan ingenioso que conocemos todo de cada uno de los personajes y con una sutileza abismante. Es el debut de un cineasta que con el tiempo ha ido desgastándose, al parecer, fotocopiándose así mismo, sin la complejidad de sus primeros tiempos.

El reparto está encabezado por Harvey Keitel y Steve Buscemi, aunque también deslumbran con colores propios : Tim Roth, Michael Madsen, Chris Penn, Lawrence Tierney, y el propio Tarantino que se reserva un papel.

"El Inquilino" ( 1976 ) de Román Polanski : Esta es una mirada nada complaciente a la vida urbana, a partir del inquilino de un edificio de departamentos ( el mismo director en una espléndida actuación), que sucesivamente cae en las redes sadomasoquistas de un condominio infernal. El protagonista es un tipo mediocre, que intenta pasar desapercibido y que mantiene una vida rutinaria con las escasas distracciones  que le van quedando : una fiesta interrumpida por los vecinos , una amistad que no alcanza a manifestarse del todo con una dulce mujer, una visión absolutamente egoísta y sub valorizada del resto de la comunidad, y en general, unas relaciones fracturadas por el desacierto, el desaire, la comodidad, y la falta de expectativas concretas. 

La sucesiva posesión que sufrirá el protagonista obnubilado por el alma de una anterior  inquilina - habitante del sombrío departamento y muerte en extrañas circunstancias-, detonarán el climax del horror interior que el filme acumula a lo largo de la narración.  

Con un sólido guión de su colaborador habitual, Gérard Brach y la música incidental de Philippe Sarde, más la extraordinaria fotografía en interiores del experimentado Sven Kykvist - habitual de Ingmar Bergman-, Polanski nos empuja con fuerza por un laberinto de sorpresas, dobles vueltas de tuerca e insinuaciones terroríficas, que hablan de la degradación humana, de las aprehensiones y temores de la sociedad actual, y sobre todo, de la siquis de una persona autosuficiente, autocomplaciente, solitario y rutinario, que zozobra frente a la esquizofrenia urbana. 

Oh! Aquellos magníficos libros...

"Fahrenheit 451" ( 1966 ) de Francois Truffaut : Adaptación del escritor Ray Bradbury, interpretada por Julie Christie y Oskar Werner, producida en los estudios ingleses de Pinewood, y que nos relata la historia de un futuro distópico donde los ingredientes tecnológicos, mecánicos, psicológicos y sociológicos, integran un cuadro pesimista de la anticipación de la Humanidad. Se trata de una sociedad donde todo funciona de una manera extremadamente perfecta, ultramoderna, tan simétrica que llega ser aburrida y deshumanizada, carente de emociones. Los mensajes y las noticias son entregados a viva voz, pues está terminantemente prohibida la posesión de libros. El mundo está conforme con seguir un rutinario patrón de existencia a excepción de algunas desaprensivas ancianas que guardan en sus buhardillas algunos viejos libros inútiles. Y de algunos desaprensivos jóvenes, que se empeñan en perturbar la tranquilidad de la sociedad escondiendo terribles y sucios libros tras el radiador, dentro de televisores falsos o camuflándolos al interior de cualquier inofensivo objeto.   

 

Quienes actúan contra lo establecido, han de ser denunciados a los bomberos, que son los guardianes del bienestar social que acuden raudos a los domicilios de los denunciantes, donde con suma maestría, prenden fuego a los libros, y si existe resistencia, también a sus dueños. Las denuncias se hacen introduciendo en un buzón una fotografía de la persona culpable de tan criminal posesión. Es lo que hace Linda ( Julie Christie), respecto a su marido, Mountain ( Oskar Wener ), un bombero corrompido que aprovecha su trabajo para rescatar del fuego cuantos libros puede. Se sumerge en el mundo del intelecto, a partir de la lectura del clásico "David Copperfield".   

La película es una metáfora acerca del totalitarismo, la enajenación de la tecnología y el poder de la televisión. El director francés Francois Truffaut, adelantándose a los éxitos de 2001 y Star Wars, maduró los viejos conceptos temáticos del cine de ciencia ficción y los integró en esta singular película de atmósferas gélidas, y actitudes ausentes de sentimentalismo. El fervor de la defensa de la literatura, o sea, el intelecto, cobra aquí una notable alegoría que jamás deja de lado el sentido abstracto de la pérdida de la libertad de expresión y la subliminación del juego lúdico que provoca la pantalla chica. En la foto, el actor Cyril Cusack como uno de los jefes de bomberos. No es una película perfecta, quizás producto de un montaje demasiado abrupto y poco funcional, pero que tiene un mensaje explícito en su contenido dramático, y que Truffaut subraya con particular insistencia.   

El director con la actriz Julie Christie en un momento del rodaje. Truffaut hace guiños visuales y referencias literarias a textos de Emily Bronté, Aristóteles, Shakespeare, y hay una imagen hasta de "Los 400 golpes" que aparece en la portada de una "Cahiers du cinema". Entre los niños actores, si se fijan, participa el inglés Mark Lester previo a su éxito mundial con "Oliver".

El crepúsculo de los dioses del far west.

"Pistoleros al Atardecer" ( 1962 ) de Sam Peckinpah : Debut de uno de los grandes cineastas del cine de acción, y que permitió ver por última vez frente a las cámaras, a Joel McCrea y Randolph Scott, figuras míticas del western. El relato se centraliza en dos patéticos y avejentados pistoleros, que con la excusa de escoltar el oro de unos mineros, se revelaran en el camino con personalidades muy diferentes: uno para redimir su honor, y el otro, para  reencontrar la dignidad perdida.  Peckinpah desintegra la épica del far west, para elevar la mirada a la altura de las personas, mostrándolas en sus divagaciones, su anacronismo, su melancolía, su romanticismo poético, pero también su valentía, y su propia desintegración debida al paso del tiempo. 

La imagen que aparece en un principio, es la de un automóvil símbolo del avance de una nueva época, y con Joel McCrea que viene de vuelta y que ya no es la figura de admiración del pueblo, sino más bien, son las carreras las que incluyen el uso de un camello en una clara síntesis de la pérdida del caballo como símbolo de los conquistadores blancos del Oeste, y que adquieren aquí, resonancias de un epílogo sólo entendido y superado con los recuerdos vívidos de sus protagonistas. El paisaje otoñal es un reflejo de los años dorados de los pistoleros, magníficamente matizado por la estupenda fotografía de Lucien Ballard. En este escenario, más abstracto y crepuscular, se acentúa la formalidad de los personajes que no pertenecen ya a ningún lugar. Es el adiós al mítico far west. Al filme de cowboys épico y grandilocuente. 

Peckinpah entiende los climaxs y la potencia que puede extraer de las atmósferas, las situaciones y las actuaciones. Toda la secuencia del matrimonio de Elsa ( la bellísima Mariette Hartley , arriba en la foto junto a Ron Starr), dentro de una familia de lobos esteparios, está tan bien armada desde la tensión, el humor negro, el suspenso y el horror, que son dignas de alabanzas. Se trata por cierto, de un western clásico. Una obra mayor que nos pone en contacto con el estupendo realizador de "La pandilla salvaje" y "Perros de paja".

Resumen temático de un maestro.

"Fanny y Alexander" ( 1982 ) de Ingmar Bergman : En Julio se conmemora los 100 años del nacimiento de uno de los grandes cineastas de todos los tiempos. Hablamos del sueco Bergman. El inolvidable realizador de "Fresas salvajes", "El séptimo sello", "Sonata Otoñal", "El silencio" y "Persona". Más allá de toda duda, esta película merece repasarse una vez más, porque están todos los temas que inquietaron la volcánica filmografía del cineasta. Concebida como su testamento fílmico, desarrolla la acción en Upsala, pueblo natal de Bergman, en  las navidades de 1907, con las desventuras de la familia aristocrática Ekdalhl cuya pasión la ha volcado al teatro. A través de un puñado de personajes, Bergman homenajea al arte de representar, al cine, al teatro, la magia, lo onírico, pero también su profunda inquietud sobre la existencia de Dios, la incomunicación, el sometimiento , el puritanismo, el castigo y la muerte.  

A través de las experiencias que viven Fanny ( Pernilla Alwin / y Alexander ( Bertin Guve), su abuela Helena ( Gun Wällgren), su madre Emilie ( Ewa Fröling), Bergman nos sumerge con solemnidad y exquisita estética que no descuida detalles en la puesta en escena, por su mundo más personalista, y más distintivo de su acervo cultural. La reconstrucción de época, los cuidados detalles de vestuario, mobiliario, joyas, decorados, reflejan el extraordinario trabajo de producción al servicio de una obra maravillosa de gran contenido expresivo.    

"El enfoque narrativo que nos permite conocer los hechos a través del universo infantil, y el estilo sencillo y directo asumido por Bergman para contar la historia permitieron que la película tuviera una gran acogida de público en todo el mundo, constituyéndose en la obra más popular y taquillera en la filmografía del recordado cineasta".

Pernilla August y Jack Kulle en una escena de gran erotismo y que tiene sus salidas humorísticas.

Parte del elenco de la monumental película : Börje Ahlstedt, Anna Bergman, Gunnar Björstrand, Maria Grandlund, Erland Josephson, Jar Kulle, Per Mattsson, y Christina Schollin.  

Pernilla Allwin, Bertil Guve y Harriet Andersson.

Ewa Fröling, Bertil Guve y Jan Malsmsjö.

Ingmar Bergman en uno momento del rodaje con sus actores.

Rápido y furioso.

"Bullit" ( 1968 ) de Peter Yates : La aparición de las primeras cámaras portátiles utilizadas por los franceses con gran soltura en "Sin aliento" y "Los 400 golpes", vinieron a conocer un nuevo impulso en el cine policial norteamericano, con esta película armada desde la base de las persecuciones automovilísticas, contundentes también en "Contacto en Francia". La visión innovadora de la dupla Yates-McQueen, estriba en que deja fluír los acontecimientos con gran realismo, y eso incluye, las relaciones del detective con su pareja, la bellísima Jacqueline Bisset, que en un momento de la historia se cuestiona el trabajo que éste desempeña, cuando asiste al escenario del crimen de una chica. Hay potentes y electrizantes escenas de persecuciones por las calles de San Francisco, que debieron encantar a los espectadores de su tiempo, aunque también incluye una alegoría al manejo del poder, con Robert Vaughn encarnando a un político fetichista y autoritario, que intenta quedar bien frente al público gracias al trabajo policial.  

La pericia del fotógrafo William A.Fraker, que filma a los actores con teleobjetivos a distancia, interactuando con la ciudad, su gente y sus avenidas. También es característica de esta notable película policial, la música de Lalo Schifrin, y las interpretaciones de solidos secundarios como Robert Vaughn, Don Gordon, Simon Oakland, Norman Fell y Georg Stanford Brown, todos más conocidos como rostros de la televisión de su época. 

El rodaje en las calles de San Francisco con Steve McQueen que está en su salsa en esta película. El homenaje de la cinta animada "Cars" a McQueen, se extrae de algunas referencias de esta singular cinta de acción y suspenso.

...Y mañana será un nuevo día.

"Esta tierra, es mí tierra" ( 1976 ) de Hal Ashby : Durante la época de la Depresión en Estados Unidos, Woody Guthrie ( David Carradine ), cantante folk, casado y con hijos, decide emigrar sólo de Oklahoma hasta California, en la búsqueda de nuevos horizontes laborales. El largo viaje que primero efectúa como un polizón en tren, después a dedo y a pie, le permite empaparse de experiencias humanas a partir de las cuales creará las letras de sus canciones. 

Cuando conoce  a otro cantante ( un joven Ronny Cox, mucho antes de hacerse conocido por ROBOCOP), que tiene un programa en la radio local, llegará a constituir un dúo, que además de comprometerse vívidamente con la música, también lo hará en lo social, incitando a los trabajadores explotados en los campos y en las industrias, a formar sindicatos para exigir sueldos más dignos. El tono semi documental que el realizador Hal Ashby le impone a su relato, le permite extraer como un gran maestro, las atmósferas y el clima opresivo de pobreza y miseria que impera en esos oscuros años. 

Película de abierto aliento épico, de contornos rurales y humanos, nos recuerda en algunos pasajes a "Uvas de Ira" de John Ford, porque esta situado en la misma época y sus personajes navegan a contracorriente. Es un retrato nostálgico, vitalista, que absorbe los desórdenes sociales de un tiempo complejo y los asume con una mirada pintoresca, matizadas por las letras y composiciones de Guthrie, y un estupendo trabajo de edición, fotografía, actuaciones y narración.  

La fidelidad de Ashby es tal, que parecen fotogramas extraídos de la época aludida y distinguen los parámetros del ser y del existir en tiempos marginales.

Hal Ashby fue un gran director de dramas de contenido histórico y social, que gatilló no pocas discusiones sobre el cine y su preeminencia en recrear los distintos conflictos que nos obligan a valorar el humanismo por sobre otras cuestiones más efímeras. Su filmografía incluye títulos accesibles como : "Regreso sin gloria", "Harold y Maude", "Shampoo", y "Desde el jardín". Falleció a los 59 años de edad en 1988. 

En el rodaje de "Esta tierra, es mi tierra".

Eternos duelos, por los siglos de los siglos.

"Los duelistas " ( 1977 ) de Ridley Scott : Debut del realizador británico de "Alien" y "Blade Runner" y una obra muy estilizada, fotográficamente hermosa y llena de sutilezas narrativas. Adaptación de la obra original de Joseph Conrad, que contó con la producción de David Puttman, narra el enfrentamiento a través de quince años entre el  general d"Hubbert ( Keith Carradine ) y el capitán Gabriel Feraud ( Harvey Keitel), ambos pertenecientes a las tropas napoleónicas, y contínuos duelistas que intercambian heridas y peleas que nunca llegan a concluír del todo.

Harvey Keitel inmerso con el florete en duelos eternos.

El filme es una metáfora acerca de la honorabilidad, la futilidad de la guerra, la moral del duelo, y la letanía del despertar de la muerte. Grandiosa fotografía de Frank Tidy, la funcionalidad del montaje de Pamela Power, que hace avanzar a buen ritmo el relato, y que integra sobre todo en la primera parte, abundantes elipsis narrativas, saltos temporales que acentúan los recuerdos de d"Hubbert, y una adecuada síntesis de anécdotas, eventos, y detalles ricos en rigurosidad estética.

El director Ridley Scott supervisando a sus actores en un instante del rodaje. Rodada en Francia, Escocia e Inglaterra, - aún cuando hay trozos ambientados en Rusia- , es una película digna de recuperarse a través del DVD y el Blu Ray. Descubrimos que ya está asumida la exquisita técnica de Scott, que después sería su característica más singular en Alien, Blade Runner y Gladiador.... 

Homenaje al cine clásico de Hollywood.

"El Aviador" ( 2004 ) de Martin Scorsese: ¡ Que duda cabe que el realizador ítalo americano se ha transformado en referencia obligada de clases de cine, talleres, foros, ciclos, y libros que resumen los mejores momentos de su carrera ! La biografía de Howard Hughes ( 1905-1976 ), productor y director de Hollywood, genio lleno de obsesiones y fobias creadas en una infancia sobreprotectora, excéntrico multimillonario, industrial de la aeronáutica , mujeriego empedernido que amó a Katharine Hepburn, Jean Harlow, Jane Russell, Faith Domergue y las beldades más destacadas de su tiempo que actuaron para él, dio suficiente material para un elaborado guión que Scorsese adaptó con todo el brillo, lujo y boato de la ciudad del cine de los años dorados. La actuación de Leonardo Di Caprio es estupenda porque se nos olvida que es él, pero la que se lleva todos los laureles es la versátil actriz Cate Blanchett, grandiosa como la Hepburn.

La película comienza con la imagen de un niño desnudo bañado por su madre , mientras éste deletrea la palabra "Cuarentena". Después hay un flash forward para mostrarnos los entretelones de la filmación de "Angeles del infierno", la película sobre aviación más clásica de Hughes. Prosiguen, su particular relación con el productor Louis B.Mayer, para profundizar en las relaciones sentimentales de Hughes. Pero hay más. Una detallada  secuencia con el grave accidente que sufrió Hughes y su posterior demencia encerrado tomando zumos de naranja y vasos de leche para orinar sobre los mimos frascos. La persecución macharthysta también toma una parte de la narración y sus duelos competitivos con la empresa aérea nacional para abrir nuevas escalas alrededor de todo el mundo.  Obra mayor de Scorsese, que es también un homenaje - como "La invención de Hugo Cabret"-, a las grandes personalidades del cine.   

John C. Reilly en su caracterización para el filme, como Noah Dietrich, el "brazo derecho" de Hughes.

Los personajes Howard Hughes y Katharine Hepburn jugando golf, en una secuencia de la citada película.

Kate Beckinsale como la actriz Ava Gardner, que rehabilita a Hughes en un momento decisivo de su vida.

El actor Leonardo Di Caprio en su gran actuación como Hughes. Uno de los temas de la  banda musical de Howard Shore será emitida en el programa "Cinemanía" del miércoles 27 de junio, a las 22: 00 horas, que transmite Radios Universidad de Talca FM.

Martin Scorsese dirigiendo a Leonardo Di Caprio en una escena.

Dos maravillas en blanco y negro.

"The Big Combo" ( 1955 ) de Joseph H.Lewis : Uno de los grandes clásicos del cine negro. El teniente detective Leonard Diamond ( Cornel Wilde ), que se desempeña en la Jefatura 93, le sigue los pasos al siniestro mafioso Mr. Brown ( Richard Conte), de quien sospecha ha matado a su mujer. Para rehuír responsabilidades con la justicia contrata a Joe McClure (  Brian Don Levy ), abogado semi sordo que usufructúa del negocio, arreglando los juegos y las extorsiones que su jefe comete. La investigación que desarrolla Diamond, le llevará hasta Susan Lowell ( una erótica y sensual Jean Wallace ), amante de Brown y de quien el detective termina muy enamorado. Con todos los códigos claves del género negro, Lewis construye una gran película policial, super estética, y con una encomiable dimensión realista que habla del poder, la corrupción, la inseguridad, las ambiciones, y en mayor medida, la astucia para no caer en el nido de las águilas . Notable.

Cartel de la citada película de cine negro policial.

"Deseo" ( 1936 ) de Frank Borzage : Exquisita road movie con Gary Copper que gana un viaje a la España, antes del régimen franquista, montado en un vehículo último modelo, y en el camino se le cuela Marlene Dietrich, una experta ladrona de guante blanco. Lo que se origina entre ambos, es la médula de esta comedia de situaciones, agradable, divertida, amorosa y muy perspicaz.

John Halliday está soberbio como un refinado ladrón que domina desde lejos a la rubia Dietrich. Sofisticados escenarios para una relato romántico que no ha perdido fuerza con el tiempo. Completan el casting los veteranos : William Frawley, Ernest Cossart, Akim Tamiroff, Alan Mowbray y Zeffie Tilbury.

Una glamorosa foto con Marlene Dietrich desde la alcoba. Gary Cooper no se perdió el momento. Eso, es seguro.

Entre copas, el amor los termina por acercar, pese a sus notables diferencias.

El eximio director Frank Borzage instruye - mientras observan el libreto- a Marlene Dietrich.

Fotos-Gentileza: Miramax Films- Paramount Pictures- Anglo Enterprises- Universal Pictures- 20 th. Century Fox- Svenska Film Institute- Gaumont Pictures- Warner Brothers/ Seven Arts- United Artist- CBS- Allied Artist Pictures- Metro Goldwyn Mayer- Archivo.-

Afiche de "Deseo" con Marlene Dietrich.

Cartel de la película "Esta tierra, es mí tierra" de Hal Ashby.

Poster de "El Aviador" de Martin Scorsese.