LA PELÍCULA DE HOY : "OTRA RONDA" :

 Imponiendo la Vida, donde hay muerte.

"Otra ronda" ( 2020 ), dirigida por el danés Thomas Vintenberg, es una extraordinaria reflexión acerca de la vida, desde la osada experimentación social que llevan a cabo cuatro profesores amigos, con la vieja teoría de vivir mejor con 0, 5 % de alcohol en la sangre. Escribimos algunas ideas sobre esta novedosa película ganadora del Oscar a mejor película extranjera, y otras que han abordado el tema del alcoholismo. 

La esperanza en un mundo mejor.

Cuatro profesores se embarcan en un proyecto sociológico, que consiste en mantener la tasa de alcohol al mismo nivel que en su vida cotidiana ( o, 5 % , es el ideal ), demostrando así que, con una dosis controlada puede mejorar la personalidad para desarrollar una vida más plena y satisfactoria. De esta manera, Martin ( Mads Mikkelsen ), cautivará a sus alumnos en clases de historia, contándole algunas anécdotas realmente asombrosas de incentivo al alcohol, transformando su vida particular y profesional, que hasta hace poco era muy plana, chata, rutinaria, incolora y fracasada. Tommy ( Thomas Bo Larsen), activará sus deseos de llevar a los más pequeños, las tácticas más efectivas del fútbol en sus clases de deportes, rompiendo su soledad y rutina hogareña, Nicolai ( Magnus Millang ), redactará cada detalle del experimento desde sus clases de sociología, para incentivar su propia experiencia dentro de su familia, que considera una esposa que no le comprende y tres pequeños hijos algo revoltosos; y finalmente, Pedro ( Lans Ranthe) asumirá la belleza de sus clases de música, por correspondencia a una admiración irrestricta por el talento coral y la música clásica. Todos iniciarán este experimento, con resultados óptimos, hasta que deciden aumentar las cotas de bebidas y juerga, lo que provocará un impacto en sus vidas realmente catastrófico.  

El director Thomas Vinterberg efectúa una inspiradora reflexión adulta sobre el mundo en que estamos sumergidos. Detrás de cada personalidad de aquellos profesores daneses, se esconde una fantasía irrealizable dentro de los cánones tradicionales establecidos, pero que se puede llevar a cabo, al desinhibir todos los traumas y aprensiones, con tragos de alcohol. Martin, que es la figura central del drama urbano, muestra su insatisfacción en las clases de historia, donde hay un desgano potencial en sus propios alumnos, producto de su escasa seguridad cuando plantea su método de enseñanza. Es el hastío de la rutina laboral diaria, llevada hasta el extremo. Todo cambia cuando Martin decide comenzar a beber distintos tragos en sus horas de trabajo, a escondidas, para mantener un lapsus atrevido y sustancialmente abierto a los cambios en su manera de entregar conocimientos en la sala de clases. En Martin, está el "peso" evidente de la crisis educativa, con docentes que simplemente no tiene vocación profesional o se les ha marchitado por la rutina del sistema.    

Lo interesante de esta singular premisa, es como recrea el sentido potencial que adquieren los cuatro docentes después de su ingesta de alcohol. Ciertamente, el alcohol desinhibe a cualquier personalidad desarrollada para cumplir dentro de unos estándares fijos, las metas laborales y los objetivos de una carrera de servicio público. ¿ Qué pasa al aumentar las dosis del alcohol ? Las borracheras y la incapacidad de mantenerse en pie, se vuelven trágicas, risibles, atormentadas, y con el tiempo, se transforman en un vicio peligroso, obsesivo y compulsivo. En el relato, adelantamos que, uno de los cuatro personajes sufrirá todas las consecuencias del desborde etílico. 

La película dimensiona en que instancia, la vida se vuelve una completa rutina. Siguiendo los parámetros del experimento, sólo la ingesta del alcohol, permitirá modificar ciertas actitudes que sus protagonistas repiten hasta la saciedad del cansancio, el hostigamiento, la insatisfacción y el sentido de pérdida de interés. En tiempos absolutamente complejos, donde las cuarentenas las hemos vivido en confinamiento hogareño, se hace perentorio transformar el trabajo recurrente, en una aventura diaria que permita siempre modificar o al menos cambiar los esquemas tradicionales, evitando caer en obvias manifestaciones de desdén y abulia. Estos cuatro profesores de la película, demuestran su disconformidad contra el medio esquemático que los acoge, y deciden en privado, asestar el golpe de los cambios, exagerando las pautas iniciales del proyecto para repercutir en él, con un sínodo trágico insalvable.

Toda la secuencia del paseo familiar que tiene Martin, cuantifica la importancia que tiene el diálogo con la esposa y los hijos en el momento de asestar el golpe. El problema de Martin no es cuantos tragos se ha bebido para cambiar su personalidad y hacerla menos vulnerable a la rutina y al ocio, sino más bien, con que aptitudes y fortalezas cuenta, que le permitan terminar bien el experimento y no caer sustancialmente en la trampa del vicio odioso y fugitivo. 

En una noche de juerga, los cuatro profesores apenas se pueden sostener en pie. Mientras, Nicolai, desde las ciencias sociales, y Pedro, desde la música, llevan a puerto su integridad física y sicológica, con algunos de sus sacrificios íntimos más agudos, Tommy desde la educación física, caerá en una espiral de insatisfacción vulnerable, arrastrando una soledad extrema y un inconformismo perdurable. El director Thomas Vinterberg, especifica con gran sensibilidad y realismo, donde están las puertas abiertas de la inconformidad cotidiana de estos cuatro personajes, que funcionan como absoluta unidad cuando se reúnen a beber, pero que están absolutamente disociados cuando deben enfrentar el rígido sistema que los ampara.   

En síntesis, "Otra ronda" ( 2020 ), debe figurar entre las mejores películas de este año. Por su extraordinaria capacidad de entender el entorno de las aprehensiones sociales en que nos movemos, y recrear con absoluta fortuna, lo complejo que resulta vivir fuera del sistema, a expensas de ser distintos, anómalos o disidentes. Una gran película de personajes, que uno termina admirando por su lógica humanidad y su encendida vitalidad, tan necesaria para vivir en estos tiempos. Muy recomendable.

Acerca de su director.

La trayectoria de este extraordinario director danés, no puede ser más innovadora. Cofundador del movimiento Dogma que impuso el mayor realismo y la pureza en los relatos que se cuentan, ha sido un constante impulsor de un radicalismo agresivo, que se impuso en notables películas como : "La Celebración", "Los idiotas" y "Querida, Wendy". Sus doce películas hasta la fecha, certifican la validez de un estilo de hacer cine, lejano a los artificios fantásticos de Hollywood, y más cercano a expurgar los temas que surgen desde una sociedad en constante cambio y evolución. La complejidad de las relaciones familiares, el patriarcado conservador, el doloroso ejercicio de la memoria, la ambigüedad del pacifismo controlado con violencia, la infancia desprotegida, son algunos de los temas que abordan sus obras más relevantes y que lo colocan a la vanguardia de un cine personal, autoral, vivencial y humano. La foto corresponde a la entrega del Oscar, que obtuvo por su última película "Otra ronda", comentada en esta entrada.  

La tragedia golpeó fuerte al director, ya que en el cuarto día de rodaje de "Otra ronda", falleció su hija en un accidente en la autopista. En su emotivo discurso cuando se le entregó el Oscar, dijo : "Ella leyó el guion y le encantó. Tendría que estar aquí esta noche, aplaudiendo y celebrando. Acabamos haciendo esta película por ella. Así que Ida, ha ocurrido un milagro y tú eres parte de él. Quiero dar las gracias a mi esposa por ser el ángel de este proyecto".  

Acerca del Alcohol : Siete referencias cinéfilas.

"El delator" /"The Informer" ( 1935 ) de John Ford. El actor irlandés Victor McLaglen, pertenecía a la escudería del célebre maestro del cine americano, y fuera del rodaje, el team se caracterizaba por competir entre ellos, por ver quien bebía más ingesta de alcohol. Se dice, que McLaglen en algunas escenas realmente emotivas, actúo improvisando frente a cámara y bebido hasta el extremo. Sin embargo, bajo la impronta de Ford, logró sacar adelante un relato dramático asombroso, lleno de ideas brillantes y emocionantes que merecieron el Oscar.  

Casi siempre en sus películas del lejano Oeste, el actor John Wayne bebía whisky. En aquellos tiempos, se consideraba una actitud viril, machista, ruda, y permitía dimensionar la época en que se fabricaba en alambiques artesanales. Uno de los souvenir más solicitados por los fans del artista, es la botellita de whisky que lleva su nombre, y que está fabricada en estaño y hierro, y cuya principal característica es que, la superficie se trata mediante pulido, oxidación y otros procesos y no se oxida nunca. Actualmente hay en el mercado, whisky de diferentes países : irlandés, escocés y hasta japonés. 

Resulta tristemente célebre, la lista de actores y actrices que fueron buenos para las copas. Pero las referencias están en sus propias autobiografías. Hace poco tiempo, por el método smirnoff, se efectúo una lista con las más célebres figuras de la pantalla grande, que eran buenos para tomar en exceso. Algunos nombres como : Humphrey Bogart o Spencer Tracy, se manifestaron como adictos al whisky. Ambos mantenían unas maravillosas personalidades dentro y fuera del set, hasta que, en la noche, salían a beber y se transformaban en otras personas. Tracy no era un bebedor social como Bogart. Simplemente se encerraba en un hotel y tomaba hasta perder el sentido. Ambos están considerados como los mejores actores del cine americano del período clásico.     

Entre las mujeres más adictas al alcohol, están citadas : Ava Gardner, que según sus biógrafos, bebía horas interminables con absoluto control de sí misma. Algo parecido a lo que vivieron Vivien Leigh y Rita Hayworth. Mientras que, la no menos famosa Elizabeth Taylor, se tomaba su primer bloody mary a las diez de la mañana, y a primera hora de la tarde, ya iba por una segunda botella de vodka. Todas se desinhibían del mundanal ruido de las luces y el oropel, asumiendo que, la fama también tiene un alto precio que pagar.

El trago favorito del agente secreto 007, James Bond, fue siempre el dry martini, y según los estudios etnológicos, nunca llevó vodka, sino ginebra. Mezclado y no agitado. En todo caso, Sean Connery también bebió champagne y scotch. 

En "El Resplandor" ( 1980 ) de Stanley Kubrick, Jack Nicholson se bebe una copa espectral de Jack Danields, clásico whisky americano, en la escena del bar. Esta secuencia se volvió clave de todo este relato angustiante, claustrofóbico y terrorífico, que otras películas han homenajeado en sus tramas.

El inolvidable actor inglés Peter O"Toole, que interpretó a "Lawrence de Arabia", pertenecía al team que podía pasarse toda una tarde bebiendo cerveza. Junto a sus amigos y colegas Richard Harris y Oliver Reed, vivieron años compartiendo la amistad en pubs y bares, y fueron especialmente explosivos cuando estaban borrachos. Siempre se juntaban para beber antes y después de sus actuaciones, y a veces, muy circunstancialmente, aparecían ebrios en los rodajes, lo que les formó una fama de rebeldes y conflictivos. De algún modo, mostraban en estas salidas de cascos, la vulnerabilidad que sentían como seres humanos y no como super estrellas.     

¡ A la salud de todos !

___ El alcohol ha sido acompañante señero de la historia del cine, desde sus primeros tiempos. Motivo central de dramas mundanos o comedias humorísticas, siempre ha estado presente en infinitas escenas gastronómicas, celebraciones festivaleras o fechas conmemorativas, donde se lucen los mejores mostos. 

Recuerdo con especial nostalgia, la secuencia animada del Olimpo de los dioses en el clásico animado "Fantasía" ( 1940 ) de Walt Disney, que recrea la llegada del Dios Baco, montado en un unicornio y que aparece absolutamente etílico.

Como esa escena inolvidable, hay varios cientos, tal vez miles de otras secuencias, que subrayan las bondades y también las tragedias que provoca la ingesta de alcohol. Además, es clásico observar algunos íconos cinematográficos como : James Bond y sus martinis on the rocks, o los cowboys de John Wayne, bebiendo whisky, en una promoción subliminal de ciertas marcas, actitudes o guiños a los bebedores empedernidos. Nunca ha sido más divertido para el cine, que ver a un borracho dejar la escoba en una fiesta de sociedad, o al revés, nunca ha sido más dramático, que constatar como un matrimonio se destruye por amor a las copas. 

De todo esto, hay en el siguiente resumen que, a la manera de "Séptimo 7 sello" efectuamos, para incentivar el visionado que ha tenido el tema alcohólico como eje central de los relatos más interesantes del séptimo arte. 

Salud, pesetas y tiempo para gastarlas !!!!      

"Fantasía" ( 1940 ) de Walt Disney. Clásico musical irrepetible, que considera un segmento a los dioses del Olimpo, entre ellos, al Dios Baco, también conocido como Dionisio, especie de deidad del vino, y todo lo que ello signifique. En la concepción de los animadores de la casa del Ratón Mickey, Baco se bebe un arco iris, y provoca las carcajadas más espontáneas de los espectadores, con su irrupción en medio de un relato perfecto, donde participan los seres más maravillosos, mitad  animales, mitad seres humanos, que se hayan concebido para un cuento de esta naturaleza.   

"Casablanca" ( 1942 ) de Michael Curtiz. Drama romántico que se fue rodando y escribiendo sobre la marcha, y que con el tiempo, se transformó en una obra maestra de culto. Tal vez, su poder emana de la preciosa química que hay entre Humphrey Bogart y la hermosa Ingrid Bergman. O tal vez, de la metáfora sobre la democracia y la libertad en tiempos de crisis ideológica, entremezclada con el acto de renuncia que efectúa un hombre por amor eterno a su pareja. En todo caso, Rick bebe como contratado y en medio de la ebriedad, confiesa que ella siempre ha estado en su corazón, aunque tenga que aparecer en ese lugar, habiendo tantos otros sitios en todo el mundo. Hay amor a borbotones, "según pasan los años".  

"Días sin huella"/"The lost weekend" ( 1945 ) de Billy Wilder. Pertenece la etapa negra de Wilder cuando era un maestro del thriller, y es un canto esperanzador y triste del alcoholismo. Ray Milland interpreta a un escritor arruinado por el trago que definitivamente no tiene personalidad ni para mover piedras. En su via crucis llega a robar a sus amigos para seguir bebiendo, sin siquiera detenerse cuando aparece en su vida una chica enamorada ( Jane Wyman), que intenta regenerarlo. La posibilidad de que relate su tragedia personal en una novela, le abre nuevas expectativas. Notables actuaciones para un clásico del cine negro, basado en los incidentes que tuvo el director con el escritor Raymond Chandler, que era un bebedor impulsivo, y a quien está dedicada la película. 

"Nace una estrella" /"A star is born" ( 1954 ) de George Cukor. La segunda versión de un melodrama de 1937, y que está considerado uno de los grandes musicales de Hollywood. En efecto, la historia es una especie de pygmalion, pero con James Mason como un actor en decadencia en el Hollywood del star system, y que es un asiduo a la bebida, y que se vuelve el relacionador público por sus contactos con el mundo del cine, de una nueva cantante de voz excepcional, interpretada por Judy Garland. Ambos se enamoran, pero mientras la chica conquista la fama, el hombre cae al abismo para desdicha de su pareja y amigos. El final, mirando a las playas californianas, es simplemente triste y pesimista. La mejor prueba de la potente voz que tenía Judy Garland.

"Día de vino y rosas" / "Days of wine and roses" ( 1963 ) de Blake Edwards. Adaptación de un drama televisivo homónimo de J.P.Miller, que había sido emitido por la pantalla chica en 1958, en el espacio Playhouse 90 de la CBS. En su versión cinematográfica, Jack Lemmon y Lee Remick encarnan a un matrimonio que deja abierta la puerta al alcoholismo más arrasador. El filme muestra como la adicción a la bebida puede destruirte, pero además, lo complejo y difícil que resulta  abandonar el vicio para acceder a la recuperación. Es una historia didáctica, pues enseña como recuperarse del mal, sin artificios teatrales, y con un realismo que se agradece de veras.

"La fiesta inolvidable"/"El gran guateque"/"The Party" ( 1968 ) de Blake Edwards. Una de las grandes obras cómicas de la historia del cine, que terminó por popularizar, la figura del comediante inglés Peter Sellers. Tiene unos gags ingeniosos, divertidos y muy risibles, a propósito del desarrollo de una fiesta en casa de un viejo productor, donde es invitado accidentalmente, un hindú tan simpático como destructivo. A nivel de alcoholismo, hay un garzón que se la juega humorísticamente mientras bebe y bebe todas las copas que no se toman sus comensales, y el propio Sellers, que tiene prohibido beber por su religión, accede a la bebida en un momento de trance fisiológico. Para reír a carcajada limpia.  

"La gran comilona"/"Le Grand Bouffé" ( 1973 ) de Marco Ferreri. Producción franco-italiana protagonizada por Marcello Mastroianni, Ugo Tognazzi, Micxgel Piccoli y Philippe Noiret, acerca de cuatro amigos que se reúnen en la villa señorial de uno de ellos, para efectuar un suicidio colectivo gastronómico, vale decir, comer y beber hasta reventar. Ni la visita de las prostitutas, ni las exquisiteces culinarias que los acompañan, lograrán impulsar el cometido final. Especie de alegoría al consumismo gastronómico, con esos desbordes que Ferreri le gustaba impulsar en sus historias más asombrosas. Aquí los tragos y la comida, son la excepción. Un filme digno para abrir el apetito o cortártelo.

"Bajo el volcán"/"Under vulcano" ( 1984 ) de John Huston. La compleja novela del escritor Malcolm Lowry publicada en 1947, es motivo de esta maravillosa adaptación fílmica  desarrollada durante la celebración del Día de los muertos en 1938, en la ciudad mexicana de Cuernavaca, y narra la caída en desgracia de un ex cónsul británico sumergido en las copas. Pese a su hermetismo, gustó mucho a la crítica internacional, sobre todo porque crea atmósferas  sugerentes a partir de actuaciones brillantes, partiendo por la interpretación memorable de Albert Finney, que está muy bien acompañado por  Jacqueline Bisset, Anthony Andrews, Katy Jurado, Ignacio López Tarso y James Villiers. Ganó la Palma de Oro en Cannes.

"Adiós a Las Vegas" / "Leaving Las Vegas" ( 1995 ) de Mike Figgis. La mejor película del director inglés, es un drama certero y naturalista acerca de un guionista de Hollywood alcohólico, que llega a Las Vegas para beber hasta morir. Sin embargo, se le cruza en su camino, la amistosa prostituta Sara ( Elizabeth Shue, en su mejor actuación ), que puede alterarle las cosas. Detrás de la búsqueda impulsiva de sexo fácil, se esconde la visión de un hombre desolado que ha perdido las ganas de vivir y de crear. En la ciudad del juego, conoce a esta prostituta que siendo marginal como él, le hará recapacitar su destino. Extraordinaria pareja interpretativa, para un filme que te tocará la sensibilidad por su abierto lirismo romántico, su categórico naturalismo y su mensaje humanista.   

"Entre copas" /"Sideway" ( 2004 ) de Alexander Payne. Un personaje de esta original película subraya : "Me gusta la continua evolución del vino, porque si abro una botella hoy sabrá diferente de si la abro otro día, porque una botella de vino está viva. Evoluciona sin cesar y gana en complejidad". Una odisea acerca de la vida desde las bondades del vino. Cuenta la historia de un maduro escritor fracasado y enófilo ( Paul Giamatti), en paseo por los viñedos de California y en compañía de su amigo ( Thomas Haden Church), antes de sucumbir al matrimonio. Gran película de personajes, que reveló el tremendo dominio narrativo que tiene Payne y su coguionista Jim Taylor ( merecedores del Oscar ), al exponer un historia vital desde la metáfora enológica. En realidad, de la simple  cata de vinos, surge una extraordinaria y modélica obra, para ver y reflexionar en casa.     

"Diario de un seductor" / "El diario del ron" / "The Rum diary" ( 2011 ) de Bruce Robinson. Johnny Deep que también coproduce esta película, interpreta a un periodista independiente en estado de perdición personal por su marcado alcoholismo. Reportero de un periódico de segunda en San Juan , Puerto Rico, conoce al turbio hombre de negocios, actuado por Aaron Heckart, que le transformará su visión de la existencia, al obsesionarse con su chica, encarnada por Amber Heard. Contratado por éste, para escribir un artículo que lo alabe, deberá transgredir sus propios valores y principios, y decidir si lo ayuda o lo desacredita frente a la opinión pública. Especie de parábola sobre la ética profesional en el periodismo, es también una visión bastante consecuente, con lo que Deep profesa, su independencia como artista en el entramado de las grandes majors de Hollywood.

"Bienvenidos al fin del mundo" / "Este es el fin" / "The world"s end" ( 2013 ) de Edgar Wright. Considerada como la mejor película de su director, cuenta la historia de cinco amigos de la infancia, que se reúnen después de veinte años, para retomar el desafío de uno de ellos, en una maratón alcohólica sin frenos. Estudio de la sicología masculina, hecha con tacto y profundidad, que es también una recreación sobre los peligros de la nostalgia por los tiempos pasados. Descaradamente divertida, conmovedora y emocionante, es también el final de una trilogía de parodias a los géneros más populares del cine, que se completa con "Zombies"party" y "Arma fatal".  

Fotos-Gentileza : Zentropa Entertaiment- Svenka Film Institutet ( SFI )- Topkapi Films- Diamond Whisky- Norte Bonaerense- Walt Disney Pictures- Warner Bros. Pictures- United Artist Pictures- Universal Pictures- The Criterion Collection- 20th. Century Fox Pictures- MGM / UA Home Entertaiment- Fox Searchlight Pictures- GK Films- Archivo.-

Poster oficial de la coproducción danesa-sueca-países bajos, "Otra ronda" dirigida por Thomas Vinterberg.

LA PELÍCULA DE HOY PARA ADULTOS : "AMMONITE" :

Después de la perdida, viene la pasión desbordante.

"Ammonite" ( 2020 ) del británico Frances Lee, nos somete a una historia de amor lésbico que tiene su mayor virtud en el tono intimista con que está narrada, y en las estupendas actuaciones de Kate Winslet y Saoirse Ronan. Escribimos sobre el cine de las reivindicaciones sexuales, a propósito de celebrar el mes de la tolerancia en tiempos de apertura.

Acerca de las tensiones pasionales humanas que son incontrolables.

Se ha escrito bastante por las reivindicaciones de ciertos sectores de la sociedad, que aceptan el matrimonio igualitario, tema que por estos días se ha vuelto viral, a propósito de la formación de una nueva constitución en plenas elecciones de la asamblea constituyente en Chile. Sin duda, el cine ha abordado estos temas desde sus primeros tiempos, cuando era mudo, y nunca ha dejado de insinuar que importancia tiene para las sociedades en vías de desarrollo, legislar sobre las relaciones homoparentales. Esta interesante nueva película "Ammonite" dirigida por el británico Frances Lee, es digna de verse, considerando la candente actualidad que tiene el tema y la subyugante historia que se relata, basada en el biopic de una cazadora de fósiles, Mary Anning ( Kate Winslet ), que por accidente, debe cuidar la frágil salud de una joven esposa, Carlota Murchison ( Saoirse Ronan), en la conservadora Inglaterra de 1840.  

Mary habita con su anciana madre, Molly ( Gemma Jones), muy cerca del océano, en condiciones económicas mínimas, atendiendo su único objetivo en la vida, que es buscar esas piezas de coleccionismo jurásico que exigen los museos. Detallista, melancólica, silenciosa, inmersa en una rutina de viajes a la playa en busca de las preciadas piezas de colección, Mary guarda secretos amorosos anteriores en el pueblo costero donde habita, vinculados a su naturaleza lésbica, que incluye un affaire con una vieja amiga y consejera ( Fiona Shaw ). De rasgos más bien masculinos, algo endurecidos por la vida, asume ser uno de los dos hijos que sobrevivieron a una numerosa familia, algo trágica y deteriorada por el abandono del padre. 

Carlota es la cara opuesta de Mary. Preciosa, expresiva, luminosa, inútil en los quehaceres de la existencia doméstica, es la personificación más categórica de la mujer joven, criada dentro de unas comodidades ilimitadas llenas de privilegios. Sufre por la reciente pérdida de su primer hijo y acude con su marido a la costa, buscando nuevos aires que intenten sacarla de la depresión de angustia y tristeza en que se ha sumergido. Abandonada por aquél, vivirá una aventura arriesgada donde ambas mujeres descubrirán la pasión más desbordante y placentera de todas.

Mary asumirá el cuidado de Carlota, después que ésta se accidente en una desafortunada excursión al océano, como si se tratara de una hija. La hija que nunca tuvo. Para acercarse a esta relación con sigilo al principio, y caer en la espiral más seductora, cuando descubra que la joven es preciosa, atractiva y hermosa. Este lapsus de pasar de la simple admiración al hambre sexual, está muy bien graficado por el director, que hace dos secuencias bastante explícitas del acto sexual de dos mujeres apasionadas. Sin duda, la película nunca deja de ser interesante, porque está contada desde el intimismo más apabullante. Hay abundantes close ups y  planos detalles, una fotografía de colores menos encendidos, y una simbología lésbica muy categórica ( los amonites son una subclase de moluscos cefalópodos extintos, que existieron en los mares hace unos 400 millones de años, y son una clara representatividad en la película, del aparato genital femenino, lo mismo, las caracolas que se insinúan cuando Carlota prepara un marco de espejo, lleno de ellas ).    

La película nos recuerda en parte a la cinta francesa "Retrato de una mujer en llamas", aunque hay otras de similares características ( ver recuadro de resumen ), que agudizan sus sentidos para exponer, si existen límites en una relación de esta naturaleza. De modo práctico, "Ammonita" tiene a su favor, la pausa contemplativa, la lentitud en la exposición de las relaciones que, lentamente van surgiendo entre ambas mujeres. Es una película asombrosamente minimalista, que aprovecha sus recursos expresivos para integrar la nota de tolerancia social, que podría haberse dado en una sociedad ultra conservadora. Se puede echar en falta, la mirada crítica a una época, el pensamiento de los "otros" que pululaban alrededor de estas dos mujeres, pero eso, no le interesó a Frances Lee, que se queda con la historia pasional de dos caracteres marginales en una época restrictiva.

Mary es la mujer madura y con experiencia. Ella le abrirá la puerta a Carlota, que por primera vez, asumirá su inclinación, sin rollos o ataduras morales. En el tránsito de esta relación lésbica, se resolverán varias de las trabas sentimentales que ambas mujeres guardan con recelo. Una, con un pasado escrutado de infelicidad y engaño, con una mujer mayor. Otra, dominada por un marido impulsivo y castrador. En esa ansiedad compulsiva de resolver la atracción en la cama, se dibujan muchos de los traumas y aprehensiones más profundas, que tienen las mujeres hoy día. Es la causa y efecto, que el director acomoda con altura de miras en esta película absolutamente recomendable.  

"Ammonita" retoma el tema de las relaciones sexuales femeninas, en instancias históricas vedadas por la moral, la religión y la política. Se trata, por cierto, de una película para ver y comentar con criterio, asumiendo estos nuevos tiempos de reivindicaciones sociales. Además, las actrices Kate Winslet y Saoirse Ronan están brillantes, dando el tono, la personalidad y los efectos más lógicos de su apasionada relación amorosa. 

En el rodaje en exteriores.

La actriz Kate Winslet es seguida por un cameraman mientras rueda cerca del mar. 

Hidratándose junto al director Frances Lee.

La actriz Saoirse Ronan con su asistente en un descanso de una toma.

El otro Amor : Referencias cinéfilas.

___ El cine ha sido un canal de expresión que se ha adelantado a su tiempo. Es también un formador de conciencia respecto a los cambios mundiales que se viven, sobre todo cuando aborda temas tan candentes como : el cambio climático global, la violencia, la guerra, el hambre y la emigración.

También un medio de comunicación directo y efectivo, para representar no sólo la fantasía y la ficción de los cuentos y las novelas especializadas, sino que, la realidad circundante, respecto a lo que dice relación con el comportamiento humano. 

En este sentido, como veremos a continuación, desde que el cine existe que también ha sido fuente predilecta para recrear historias acerca de los temas más controvertidos y polémicos que tiene nuestra Humanidad, y que originan la discusión pública como : la paridad de género, la inclusión de los pueblos originarios, la vulnerabilidad de la mujer frente al machismo, la corrupción política, económica y policial, el racismo, la xenofobia, la pedofilia, el homosexualismo, el  lesbianismo, la marginalidad y el desamparo.

En esta entrada especial de "Séptimo 7 sello", hemos querido dedicar este espacio a valorar las películas que retratan la opción sexual de hombres y mujeres por el mismo sexo, con una mirada abierta y sin censuras, crítica y reflexiva dentro de los estándares del espectador gozoso que ha admirado el visionado del cine desde sus primeros estertores, y considerando que, quien suscribe estas líneas, es también un amante y admirador supremo de la belleza de la mujer, un eterno testigo de la fuerza maternal de la sensibilidad femenina, y un atento observador de los cambios sociales que se producen en nuestros países en vías de desarrollo. 

Sumergidos en el auténtico placer por ver siempre películas interesantes, hemos confeccionado una lista de referencias y sinopsis, más abiertas a los recuerdos de cientos de horas de lecturas obligadas de biografías y citas cinéfilas, y convenientemente apañados, en la apertura que se vive en Chile a propósito del estallido social del 2019, que volvió a poner en el tapete, muchos de los temas más controvertidos y que han sido marginados indiscriminadamente durante décadas. Valga esta aclaratoria a modo de introducción, y sean bienvenidos a este disfrute potencial que siempre nos regala el visionado de películas de todos los tiempos. 

"Marruecos" / "Morocco" ( 1930 ) de Josef von Sternberg. Marlene era un  Mirlo blanco. Cantaba, actuaba, animaba, le gustaba jugar en Hollywood con su sexualidad. Ella era lesbiana y no tenía empacho en coquetear con chicas y también con estrellas como la Garbo o John Wayne cuando hizo una excepción a la regla. Su número más brillante, está en este clásico interpretado a medias con Gary Cooper y Adolphe Menjou. En una escena antológica, mientras cantaba en un tugurio, besa a una mujer en la boca, con una seguridad aplastante. El dictador alemán Hitler, la amaba realmente, pero ella detestaba el nacional socialismo, o sea, el nazismo.  Huía de los extremos para refugiarse en los brazos de la dama de las camelias. Nunca fue más digna, que al lado de su mentor Josef von Sternberg, que terminó sus días pobre y exiliado en tierra de nadie. 

"Muchachas en Uniforme" ( 1931 ) de Leonide Sagan. Adaptación de la obra literaria de "La niña Manuela" de Christa Winsloe, prohibida durante su época por transgredir lo sexual. La directora austro húngara efectúo un relato que tuvo el objetivo de representar la rigidez y la frivolidad que caracterizaba a la sociedad prusiana de la época. La acción transcurre en un colegio para hijas de militares huérfanas, centrándose en las ansias de libertad de sus protagonistas. Se estrenó en el Festival de Venecia con buen respaldo del público y de la crítica. Se rodó una remake muy discutida en 1958, con la interpretación de Romy Schneider y Lilli Palmer, realizada por Geza von Radvanyi.    

"La dama de las camelias" /"Camille" ( 1936 ) de George Cukor. Para nadie es un misterio que, Cukor amaba a los hombres, sobre todo cuando eran jóvenes, buen mozos, de rasgos feminoides, cercanos al ideal del efebo clásico griego. Sus biografías abundantes y señeras, dan cuenta que, siempre incluyó a muchos de sus amantes en los repartos de segunda línea, en sus propias películas. En este gran drama clásico basado en la novela de Alexander Dumas, la divina Greta Garbo morirá tísica por amor a Robert Taylor, pero un "putito homosexual" llamado Gastón, interpretado por Rex O"Malley, será el más fiel amigo hasta la muerte de la distinguida mujer. Suma para la raya, Cukor siempre introdujo personajes masculinos adorables, finos, relamidos en sus películas, sin dejar de admirar las caras y los cuerpos de los chicos que adoraba. Recuerden que, fue considerado el mejor director de mujeres del star system. Esa sensibilidad femenina extrema, se mantuvo siempre, como marca indeleble de toda su gigantesca obra cinematográfica.

"El Salvaje" / "The Wild One" ( 1953 ) de Laslo Benedek. Luciendo casaca de cuero negra, blue jeans, gorro de rebeldía juvenil, irrumpió Marlon Brando montado en una Harvey Davidson, conduciendo hasta un poblado tranquilo para irrumpir en él, creando el caos y el desorden. La mayoría de las insinuaciones que hace Brando con sus compañeros de juerga, corresponden a clichés típicamente freudianos, donde prevalece la actitud homo erótica.  Es una gran película B, que instituyó la moda gay, y que hasta hoy, siguen los cultistas del cuero y del metal.

"Rebelde sin causa" ( 1955 ) de Nicholas Ray. El director condicionó las relaciones entre los tres amigos del relato : Jim Stark ( James Dean ), Judy ( Natalie Wood ) y Platón ( Sal Mineo ), para insinuar una relación gay. Este último, en realidad, está perdidamente enamorado de Jim, y su sueño de construir con ellos una familia, donde sus dos amigos actúan como sus padres, responden a un complejo de ausencia paternal. Es el típico chico que tiene todo el mundo material a sus pies, pero donde nunca están sus padres para atenderlo. Todas las actitudes que Mineo reproduce con auténtica fascinación, muestran el lado homosexual más vistoso de esta singular anécdota juvenil de sínodo trágico. 

"Ben-Hur" ( 1959 ) de William Wyler. El célebre director franco-alemán adaptó el libraco de Lew Wallace, y obviando inteligentemente la censura de su época, incluyó el tema homosexual en la relación de los dos viejos amigos protagonistas, Judá Ben Hur ( Charlton Heston ) y Messala ( Stephen Boyd). En el rodaje, Wyler instruyó expresamente a Boyd, que mirara a los ojos a Heston con una actitud de enamoramiento obsesivo, sin que el actor central lo supiera. Al término de las filmaciones, recién se le dijo a Heston que entre ambos existía una relación gay. Cosas de la mitología de las películas.

"Espartaco" /"Spartacus" ( 1961 ) de Stanley Kubrick. El general Craso ( Laurence Olivier), en el baño romano pregunta a su joven esclavo : Que es lo que más te gusta comer, ¿ ostras o caracoles?  Su esclavo Antoninus ( Tony Curtis), le responde : Ostras. Craso le insinúa : Te estás perdiendo lo mejor, porque a mi me encantan los caracoles". El genial Kubrick, utilizó estas metáforas para mostrar la homosexualidad en la época del Imperio Romano. Un gran peplum con Kirk Douglas y Jean Simmons, que también fue una colosalista visión de un esclavo en la búsqueda de su libertad y de la libertad de su pueblo. Adaptación del novelista de izquierdas, Howard Fast con guion del progresista Dalton Trumbo. 

"El sirviente" / "The servent" ( 1963 ) de Joseph Losey. La homosexualidad nunca estuvo mejor representado en el cine de manera subyacente, que en este gran clásico sobre las relaciones de dominación- sumisión entre un mayordomo ( Dirk Bogarde ) y su patrón ( James Fox ). La acción transcurre en una nueva y lujosa residencia londinense, y parte de manera cotidiana, aparentemente normal, hasta que las atmósferas se van espesando para hacer aún más atractivo la relación entre los dos hombres. Se trata de una inteligente metáfora sobre la decadencia y la corrupción de valores y principios. Contiene un brillante guion escrito por Harold Pinter, premio Nobel de Literatura.    

"Los amistades particulares" ( 1964 ) de Jean Delannoy. La historia de la relación entre un niño de doce años, Alexander Motier ( Didier Haudepin) y un muchacho de catorce, George de Sarre ( Francis Lacombrade ), y que se fundamenta en la admiración estricta que siente el menor por el mayor, detona este drama que termina mal, pero que está contado con suficiente cordura como para ser vista por los más jóvenes.  La vampirización en un bautizo de amistad recíproca, la contemplación de la belleza infantil, la ambigüedad en las insinuaciones admirativas, corren en paralelo en esta estupenda película francesa, que habla sobre el descubrimiento del amor homosexual. Sólo solicitamos tolerancia y apertura para ser vista y comentada en casa. 

"Reflejo en tu ojo dorado" /"Reflections in the golden eye" ( 1967 ) de John Huston. Adaptación de la novela de Carson McCullers, que nos entrega una dimensión de la homosexualidad turbia e inhibida, a partir de la experiencia que tiene el Mayor Weldon Penderton ( Marlon Brando ), un militar respetado y crítico, que ve sumergida su chata vida doméstica con su mujer, Leonora ( Elizabeth Taylor), en una rutina infinita, hasta que se enamora perdidamente del recién llegado conscripto Williams ( Robert Forster ). Ello desencadenará una actitud obsesiva en el militar de alto rango, que frustrara su relación matrimonial y echará por tierra su aparente seguridad y equilibrio emocional. Hoy se sabe, que Brando era gay, fiel a una pareja que fue su compañero de high school de toda la vida, y atendiendo los favores sexuales de mujeres exóticas, no se negó a casarse y tener sus propios hijos. La Taylor en cambio, se transformó con el tiempo en una protectora del mundo gay en Hollywood, ya que se rodeaba de grandes amistades que cultivaban el sexo homo erótico como Montgomery Clift, Sal Mineo y Rock Hudson. A propósito de este último, llegó a fundar un hospital especializado en VIH. Esta inclinación según sus biógrafos, proviene al parecer, de descubrir que su padre también practicaba el sexo con hombres. Sin duda, toda actitud solidaria que hiciera la Taylor en vida, fue para recompensar en algo, la absoluta marginalidad ( dentro del closet ), en que se encontraba parte de la comunidad del cine en Hollywood, por esos días, muy castigados públicamente si demostraban su homo atracción. 

"Perdidos en la noche"/"Cowboy de medianoche"/"Midnight cowboy" ( 1969 ) de John Schlensinger. La mejor película del realizador británico,- un confeso homosexual- , que intuyó que era el momento adecuado para hablar de las experiencias de un cowboy prostituto recién llegado a Nueva York, interpretado por Jon Voight, que se cruza en el camino, con un  minusválido, enfermizo y experto en fraudes callejeros, encarnado por Dustin Hoffman. La escena determinante de John McGiver como un viejo gay, turbio y obsesivo, está en todas las antologías del cine homosexual. No sólo estamos frente a una obra maestra del cine de los años  60, sino que, además, estamos frente a un retrato certero, oscuro, patético, poco compasivo, pero igual lleno de humanidad del submundo cunetero, que abunda en nuestras grandes metrópolis, donde se cruzan toda clase de personas y geografías sexuales. 

"Muerte en Venecia" ( 1971 ) de Luchino Visconti. La complejísima novela de Thomas Mann adquiere valor potencial de obra maestra, en esta inolvidable historia de época. Todas sus reflexiones sobre la belleza en el Arte, la corrupción de la persona que observa y planifica una creación personal, el sentido de la observación admirativa, en este caso, de un maduro compositor musical ( Dirk Bogarde), que viene saliendo del funeral de su pequeña hija y que está solo, atendiendo a su propio orgullo, hasta que en una visita a la ciudad de las góndolas, se enamora perdidamente de la belleza espontánea de un niño-púber ( Bjorn Andresen), responden a las complejas ramificaciones sicológicas del hombre respecto a sus instintos y emociones más profundas. No es una película sobre pedofilia, sino más bien, una honda reflexión sobre la belleza de las cosas. Dirk Bogarde y Luchino Visconti eran homosexuales, y nunca renegaron de su gusto por el mismo sexo, aunque siempre intentaron abrir nuevas brechas a propósito de sus papeles en el cine, para discutir y reflexionar maduramente sobre esos temas prohibidos.  

"Domingo, maldito domingo"/ "Sunday, bloody sunday" ( 1971 ) de John Schlesinger. Un ejemplo de "trío sexual" es esta película donde Peter Finch y Murray Head viven un amor compartido con Glenda Jackson. La película dio mucho que hablar y no fue por sus escenas amorosas, sino más bien, porque puso en ristre, un tema que ya dejaba evidenciar "Jules et Jim", pero de manera más poética. Sin duda, la corriente homo erótica estaba en marcha y vino a confluír con toda la onda disco de los años setenta, John Travolta y el fenómeno juvenil de "Fiebre de sábado por la noche".  

"El decamerón" ( 1971 ) de Pier Paolo Pasolini. Adaptación de las nueve historias eróticas del Boccaccio, donde se descubre, la inclinación más perdurable de su realizador, por el cuerpo y los órganos masculinos, sin desmedro de las viñetas entre cómicas, trágicas o divertidas que desperdiga el original. Así, el filme resulta una gozada para los fanáticos del cine erótico. En su momento, su estreno fue muy polémico, delineado por las constantes interacciones entre sexo y religión,  pero los años la han envejecido bien, y las licencias que se da Pasolini ( que interpreta a un pintor ofuscado), con sus actores desconocidos, resultan a lo menos plausibles, dentro del naturalismo que intentó aclimatar el autor en su obra.  

"Las amargas lágrimas de Petra von Kant" ( 1972 ) de Rainer Werner Fassbinder. El drama claustrofóbico basado en una obra teatral del autor, como si estuviera hecho durante la pandemia, acerca de una mimada diseñadora de modas ( Margit Carstensen ), que mantiene una breve relación lésbica con Karin ( Hanma Schygulla), y después de una serie de acalorados encuentros con su madre, su hija, su mejor amiga, y algunas de las personas más importantes de su vida, se ve paulatinamente abandonada por todos, hasta que se queda absolutamente sola. Es un gran drama contemporáneo sobre el hundimiento anímico y vital de una mujer.  

"Una jornada particular" ( 1976 ) de Ettore Scola. La relación entre un periodista homosexual y una ama de casa dimitida, interpretados por los inolvidables Marcello Mastroianni y Sophia Loren, sirven de pretexto para mostrar las consecuencias de la guerra, ya que está ambientada durante la visita que efectúo Hitler a Italia en mayo de 1938. Ambos establecen una relación afectiva muy singular, que les permite evadirse del fascismo, aunque nunca reniegan totalmente de él, en virtud de un nacionalismo a ultranza. El periodista gay, sufre las consecuencias de su predilección sexual, al ser despedido y expulsado del partido donde limitaba, y mantiene conversaciones por teléfono con su pareja, también exiliado y condenado por su homosexualidad. Gran película de personajes en momentos históricos extremos.

"Cruising" ( 1980 ) de William Fridklin. La personalidad volcánica del actor ítalo-americano Al Pacino, bajito y crispado, viene de esta notable película policial, donde interpreta a un investigador infiltrado en los ambientes más sórdidos de Nueva York, tras la búsqueda de un asesino de homosexuales. Lo más interesante del filme, que es escabroso, tenso y retorcido, está en el descubrimiento del lado femenino que tiene el protagonista y la evidencia real que, el mundo desde que existe, también ha considerado esta subcultura callejera oculta en los ambientes nocturnos. Puede que te deje, marcando ocupado.

"Querelle" ( 1982 ) de Rainer Werner Fassbinder. Ultima película del destacado realizador alemán, acerca de un marinero ( Brad Davis ) metido en una ola de rivalidades entre hermanos, conflictos amorosos de orden homo erótico, y asesinato. Espesas atmósferas colorinches en una obra testamento donde se quisieron sacar las claves de la personalidad homosexual de su director. La película  rica en resultados interpretativos y estéticos sobre la obra maldita de Jean Genet, "es un film sobre los dos espectros míticos que configuran las tópicas relaciones malditas : Eros y Thánatos". Imprescindible para conocer en profundidad las pulsaciones creativas de Fassbinder.  

"Tootsie" ( 1982 ) de Sydney Pollack. Canto alegórico al travestismo - como lo hiciera en su momento, la clásica comedia "Una eva y dos adanes" de Billy Wilder- , en este caso, con las desventuras de un actor conflictivo en paro ( Dustin Hoffman ), que se ve obligado a disfrazarse de mujer para conseguir empleo. Es también una sabia y melosa comedia romántica, donde se reflexiona sobre el rol de la mujer en la sociedad moderna, el terror a la inteligencia de ciertos grupos mediales, y la constipación que provoca la aventura de un hombre viril en el cuerpo de una mujer.  Detrás de la sátira y los gags cómicos se esconde una profunda reflexión sobre los roles sexuales en el mundo laboral moderno. También una alegoría al cambio de sexo, como salida factible a lograr todas las metas que, en el cuerpo de un hombre, aparecen vulneradas, apagadas o limitadas. La película fue muy taquillera, y obtuvo 10 nominaciones al Oscar. Jessica Lange se llevó la estatuilla dorada, a mejor actriz secundaria.    

"Furyo"/"Merry Christmas Mr. Lawrence" ( 1983 ) de Nagisa Oshima. Adaptación de la novela autobiográfica de Laurens van der Post "La semilla y el sembrador" publicada en 1963, que se centraliza en la relación de amor, odio y sumisión, entre el estricto y disciplinado capitán Yonoi ( Ryuichi Sakamoto ) a cargo de un campo de prisioneros japonés durante la segunda guerra mundial, y el irreverente y excéntrico comandante Jack Celliers ( David Bowie ). Entre ambos, está el coronel John Lawrence ( Tom Conti ), especie de interlocutor entre los oficiales nipones y los prisioneros aliados, que oficia de traductor. La película no es sólo la recreación de un amor homosexual entre militares, sino más bien, un análisis frontal sobre el choque que existe entre las culturas de Oriente y Occidente. Es una película llena de sugerencias visuales, intimista y sobrecogedora, donde Oshima revuelve la conciencia del espectador, para obturar una honda mirada acerca de las relaciones del poder, la atracción sexual entre los hombres y la supremacía del amor ( el beso castrador ) por sobre el castigo y el flagelo infringido, al no aceptar la condición homo erótica. Notable obra maestra de un controvertido realizador, que abrió las puertas a temas realmente transgresores en el cine contemporáneo.

"La ley del deseo" ( 1987 ) de Pedro Almodóvar. Puede ser autobiográfica, y muestra el lado más viril de una relación homo erótica, entre un cineasta gay y un fan obsesivo compulsivo, mientras establece una relación muy cercana con su hermana trans. El universo de Almodóvar está reflejado aquí en toda su magnitud  y singularidad. Hay algunas escenas sexuales muy osadas entre un jovencísimo  Antonio Banderas y Eusebio Poncela, que le hicieron subir la calificación en la censura de su tiempo, para su pase en formato video. Es un provocativo drama de personajes, ya dejando entrever el particular universo de su autor.   

"Mi mundo privado"/"My private Idaho" ( 1991 ) de Gus van Sant. La primera obra maestra de su autor, que es como el diario de vida de dos jóvenes prostitutos, Mike ( River Phoenix) y Scott ( Keanu Reeves ), que prestan sus servicios sexuales tanto a mujeres como hombres que lo requieren en Portland. Mike sufre de narcolepsia y le vienen sus ataques incluso en plena felación, - Van Sant metafóricamente idealiza la eyaculación con la caída y destrucción de una casa-. Scott se prostituye en rebeldía contra su padre, el alcalde, renegando de su vida cómoda y fácil, aunque ansía heredar la cuantiosa fortuna que su progenitor tiene en caso de fallecimiento. Es la obra que venera la comunidad gay por su clasicismo y su desbordante lirismo poético. Sin duda, es la mejor película de su autor. Su título proviene de una canción de "The B 52". 

"Thelma & Louise" ( 1991 ) de Ridley Scott. Road movie feminista, que le sigue los pasos a dos fugitivas de la justicia ( Susan Sarandon y Geena Davis ), que se liberan de sus opresores masculinos, para iniciar una viaje sin salida. Causó escándalo en el momento de su estreno, al mostrar dos heroínas que respondían con armas a la violencia machista. Aunque nunca fue concebida como una película lésbica, con los años, el filme ha sido descifrado así, y sólo por el hecho, "de que las dos protagonistas rompen su relación con sus compañeros, viven las aventuras que tienen, deciden acabar su peripleto juntas, se intercambian un beso y finalmente se lanzan al vacío, tomándose de la mano, y dejando a todos los hombres detrás". Los movimientos lesbianos de Estados Unidos la consideran una película que las representan porque dicen la verdad. 

"Entrevista con el vampiro" ( 1994 ) de Neil Jordan. Terror y drama se mezclan en esta versión remozada y de estética media punkie de la novela homónima de Anne Rice. La historia de relaciones de un vampiro de aspecto juvenil ( Tom Cruise) , a través del tiempo y los años, es contada sin prescindir del lado homo erótico. Hay algunas escenas absolutamente gays, y un toque barroco plausible que no desentona con los conceptos vampíricos al uso, y fue muy alabada por las principales revistas internacionales del mundo. Secuencias de Tom Cruise con Brad Pitt y Antonio Banderas, avizoran el lado más romántico y trágico del cuento. La comunidad gay internacional adoptó las figuras de sus protagonistas centrales, a la iconografía más característica y representativa del cine actual.      

"Criaturas celestiales" ( 1994 ) de Peter Jackson. La primera gran película del cineasta neozelandés, es también una historia real, basada en los crímenes de dos amigas entrañables que remecieron con sus hechos de sangre a la sociedad de los años cincuenta. Pauline ( Melanie Lynskey ) traba una férrea amistad con la joven británica de 15 años Juliet ( KateWinslet), que se transformará en un apasionado romance, donde las chicas escapan de su monótona realidad. En sus desbordes oníricos escuchan al tenor Mario Lanza entre figuras de cera. La homosexualidad era calificada como una enfermedad por aquellos años, y las chicas defenderán sus relación clandestina hasta llegar a los extremos. Se trata de un cuento macabro hecho con un desbordante delirio estético que conquistará a la crítica internacional y abrirá las puertas a su director que más tarde, filmará las trilogías de "El señor de los anillos" y "El Hobbit".   

"Eclipse total" ( 1995 ) de Agnieszka Holland. La naturaleza homo erótica en las relaciones del prodigioso poeta francés Rimbaud ( Leonardo Di Caprio) y su mentor Paul Verlaine ( David Thewlis), en una biopic muy concentrado,  intimista y revelador de las pasiones humanas. La personalidad avasalladora del joven Rimbaud que se revela contra el sistema, alcanza parangones de revolución cultural, cuando se atreve a hacer pipí sobre los comensales durante una reunión. Sin duda, es un filme controvertido e interesante respecto a una figura considerada como el primer gran rebelde de la historia de la poesía moderna. Los exégetas del cine homosexual, valorarán menos la sugerente metáfora fálica a las zanahorias, aunque lo que realmente potencia, es el interés por descubrir el lado más sensual de una relación controvertida, que podría haber pasado por pedofílica. Sin duda, es una obra para comentar entre los seguidores de la pluma del genial poeta maldito.

"Wilde" ( 1997 ) de Brian Gilbert. De otra personalidad controvertida de la literatura, el poeta y dramaturgo británico Oscar Wilde ( interpretado por Stephen Fry ) se hizo este curioso biopic, donde descubre su homosexualidad, lo que da origen a una completa liberación de sus ataduras sociales y políticas, no sin antes, sufrir las consecuencias por ello. El atractivo Alfred Douglas ( Jude Law ) despertará en el poeta, - autor de "El gigante egoísta"-, las pulsaciones más calenturientas de una relación amorosa que será fuertemente castigada por la sociedad de su tiempo. Ecos que todavía rebotan en los anaqueles de las viejas bibliotecas de bolsillo.

"Descubriendo el Amor" /"Fucking Amal" ( 1998 ) de Lukas Moodysson. Una gran película sueca que aborda la vida de dos adolescentes que despiertan al amor lésbico para vivir intensamente la vida. De estilo desinhibida, la cinta se beneficia de su potencial arranque naturalista, llena de hallazgos visuales e interpretativos, y muy superior al típico folletín dramático. Alexandra Dahlström y Rebecka Liljeberg, están insuperables en los roles protagónicos, y es una de las películas más recomendables para ver con los hijos adolescentes en casa.   

"Todo sobre mi madre" ( 1999 ) de Pedro Almódovar. Para algunos la mejor película de Almodóvar. Un drama auténticamente planificado de forma y fondo, que funciona bien al nivel de las interpretaciones, todas brillantes en sus cometidos, pero sobre todo, en las interrelaciones entre sus singulares personajes. En Madrid, Manuela ( Cecilia Roth ), madre soltera que pierde a su hijo en un accidente, viaja a Barcelona en la búsqueda del padre del muchacho. Se encontrará con una gran sorpresa. A propósito del tema que nos compete, es una intensa, dura y emocionante película llena de referencias al mundo almodovariano, a Tennessee Williams y Truman Capote. Además un efectivo drama sobre el Amor, la pérdida, la compasión y la esperanza. Ganó el César y el Oscar a la mejor película extranjera. 

"Mulholland Drive" ( 2001 ) de David Lynch. Historias aparentemente no interconectadas terminarán relacionadas en este oscura y original thriller sicológico. Una joven aspirante a actriz que llega a California ( Naomi Watts ), conoce a la enigmática Rita ( Laura Harring ),  amnésica de la que terminará prendada. Alusiones a "Gilda" con Rita Hayworth, es un relato profundo y complejo que nunca deja de sorprender por su atractivo potencial dramático y su fuerza, para integrar el surrealismo más provocador dentro de su auspiciosa trama macabra. Una película que explora por el subjetivismo de los sueños, y transforma a la figura femenina en parte preponderante de un relato concebido para un programa piloto de televisión.  

"Secreto en la montaña" ( 2005 ) de Ang Lee. Un western rupturista por cuanto cuenta una historia de amor entre dos vaqueros de Wyoming ( Heath Ledger y  Jake Gyllenhall ), durante el verano de 1963, mientras trabajan pastoreando ovejas en Brokeback Mountain ( el título original del filme). La primera parte se concentran en el atractivo y el enamoramiento de los dos jóvenes cowboys, enfrentados a una sociedad patriarcal donde aquello es prohibitivo. Especie de metamorfosis del prototipo tradicional del vaquero, es un relato  que causó gran polémica por atreverse a narrar esta historia de amor entre íconos generalmente representados como machos, rudos, fuertes y heterosexuales. El pacto de amor entre ambos hombres, sesgados por el medio donde habitan y obligados a tener una doble vida, porque ambos se casan y tienen hijos, pero mantienen su amor incólume, tiene un profundo significado en los tiempos de apertura social y sexual. De esta forma, Lee logra transmitir los límites religiosos y éticos que nuestras sociedades alcanzan cuando se trata de estos temas, y pone el dedo en la llaga, para escrutar la mirada tradicional que tenemos del mundo gay, lésbico, travestidos, transexuales y bisexuales. Un filme innovador que ayuda a abrir la puerta de la realidad que nos circunda y donde un hombre recio con sensibilidad femenina, es tratado de maricueca, aún teniendo la apariencia de un cowboy fuerte y varonil. 

"Promesas del este" ( 2007 ) de David Cronenberg. Pese a que es un thriller acerca de una violenta familia rusa, con que el realizador canadiense se reencontró con su amigo y fetiche Viggo Mortensen, es también un homenaje cultista al eros masculino. Muy bien dosificado en el plano del suspenso, nunca obvia la línea admirativa gay de su director, respecto a la figura masculina, hasta el punto de contar con Mortensen para una escena de lucha, totalmente desnudo, siempre muy objetiva desde la mirada homo erótica. Mortensen se atrevería después a convertir en película, parte de su autobiografía, en el drama intimista "Falling", que también dirige, donde justamente interpreta a un homosexual denostado por un padre castrador y egoísta.

"Milk" ( 2008 ) de Gus van Sant. Intenso aunque convencional biopic sobre la figura del político Harvey Bernard Milk ( Sean Penn ), un férreo defensor y activista de los derechos civiles de los homosexuales. La película redunda en el discurso contingente más básico, para dejar en segundo plano, la compleja relación de Milk con sus demás congéneres políticos, enfrentando al mundo empresarial y sindical. Con todo, Gus van Sant acomoda las situaciones partidistas para nunca perderse en el aburrimiento, trazando un itinerario de una personalidad intrigante, compleja e inspiradora, que tiene su lado ternurista, aunque también sus convencionalismos más extremos. Sean Penn está impecable como el gay consciente y resignado a dar la lucha por los derechos civiles de su gente.  

"La vida de Adele" ( 2013 ) de Abdellatif Kechiche. Tras la polémica que encendieron sus escenas sexuales más radicales, donde Adele se abre al mundo para aceptar su lesbianismo, ayudada por un mujer mayor, estamos sin duda, frente a una película que se atreve a profundizar en la complejidad de las relaciones íntimas de dos mujeres en la época actual. Si en un principio, la pasión desbordante de ambas, les daba para el juego erótico más fogoso en la cama, todo se va destruyendo ( o mejor dicho ) se va diversificando hacia la toma de decisión final respecto a afrontar el futuro que se aproxima. Adele madurará a través de la chica del pelo azul, aunque tenga que sufrir los juicios y prejuicios de su propia familia y amigos. Es una película auténticamente sólida, muy bien narrada e interpretada por Adelé Exarchopoulus y Léa Seydoux, que se sometieron en rigor a la minuciosa puesta en escena de su director, para contar una historia seductora sobre el proceso de madurez e independencia de una joven, que se origina de una relación lésbica. Ganó la Palma de Oro en Cannes y el premio César a la actriz revelación, y estuvo nominada al Premio David Di Donatello, como mejor película europea del año. 

"Carol" ( 2015 ) de Todd Haynes. El célebre director gay norteamericano, se atrevió a adaptar la novela de Patricia Highsmith, para contar esta historia romántica entre una mujer elegante y sofisticada ( Cate Blanchett ) y una joven dependienta de Manhattan ( Rooney Mara), en los años cincuenta del siglo XX. Es un homenaje al cine de Douglas Sirk, al cine romántico de esos tiempos, pero sobre todo, es una obra con mucho estilo, gusto estético y resignación homosexual sobre una época restrictiva, que jamás deja de interesar, porque ha ripiado todos los clichés y lugares comunes, para narrar un ejemplo de pasión entre mujeres desbordantes. Melodrama a carta cabal, que tiene un manejo del relato simplemente perfecto, brillante y original.  

"Llámame por tu nombre" / "Call Me By Your Name" ( 2017 ) de Luca Guadagnino. Historia del descubrimiento de la homosexualidad de un adolescente de diecisiete años ( Timothée Chalamet ), en la residencia de sus padres en la Italia en los años ochenta, que descubre que está enamorado de un hombre mayor ( Armie Hammer ), contratado como asistente de investigación de su padre. Al estupendo guion de James Ivory ( quien ya abordaba esta misma temática en su película "Maurice" ), se une un trabajo audiovisual modélico, donde priman los espacios barrocos, cultos, históricos, y un ritmo narrativo adecuado que resalta el montaje de Walter Fasano. El joven actor neoyorquino Timothée Chalamet, es figura de culto, de cierto tipo de películas intelectuales más bien independientes, basadas en grandes obras o guiones como "Lady Bird", "Beautiful Boy : Siempre serás mi hijo" y "Mujercitas".  

"Desobediencia"/"Disobendence" ( 2017 ) de Sebastián Lelio. Del realizador chileno oscarizado por "La mujer fantástica", otro filme recomendable para seguir atentos al tema del otro sexo. Una mujer de una familia judía ortodoxa ( Rachel Weisz), regresa a su hogar con motivo de la muerte de su padre, y despierta a una pasión por una vieja amiga de su infancia ( Rachel MacAdams). Contención emocional para el estilo seco y despojado de retórica de Lelio, que tiene a su favor dos estupendas actuaciones protagónicas. El dibujo intimista y sicológico de dos mujeres en trance, fortalecen la línea argumental de este interesante drama feminista que es también magnético y asombrosamente arrebatador.  

"Girl" ( 2018 ) de Lukas Dhont. El debutante realizador belga, escudriña en la historia de un adolescente transexual ( el extraordinario joven actor y bailarín Victor Polster ), en su viaje de ser aceptada por su entorno como tal, y acceder a una cirugía que la convierta en mujer. Su rutina diaria - entre las cuales está su experiencia como ballerina- en contacto permanente con su familia que la acoge y la ama, además de su apego a luchar por su identidad sexual, transforman lo cotidiano en una odisea humana, muy bien narrada y actuada. Obtuvo premio en Cannes y estuvo nominada al Oscar. 

"Retrato de una mujer en llamas" ( 2019 ) de Céline Sciamma. Exquisito drama de época francés, ambientado en el siglo XVII, con la historia de amor entre una pintora y su modelo. Preciosista en lo estético, hermosa en lo audiovisual, es también una muestra directa del dolor que se expresa a través del Amor, de una sensibilidad que acongoja de veras. Pasa de la contención emocional más adulta al expresionismo poético, donde los silencios y el poder de las miradas, cobran un precio muy alto para dimensionar el fuego que hay detrás de la pasión amorosa.  

"Tengo miedo torero" ( 2020 ) de Rodrigo Sepúlveda. Adaptación de la novela del recordado escritor chileno Pedro Lemebel, - desaparecido en el 2015-  que cuenta la historia de una vieja travesti, dedicada a bordar manteles para las esposas de los militares, y que se involucra en una operación clandestina en la víspera del intento de asesinato a Pinochet, durante la dictadura, enamorándose de un guerrillero. Se estrenó vía streaming en septiembre del año pasado, y se exhibió en varios países europeos, con buena crítica. Sin duda que la actuación de Alfredo Castro es lúcida y brillante, aunque también destacan Leonardo Ortizgris y Julieta Zylberberg. Gran aporte la extraordinaria fotografía de Sergio Armstrong que subraya la atmósfera clandestina, densa y espesa de aquellos tiempos, y los variados contrapuntos musicales de Pedro Aznar. Una interesante  muestra acerca de la represión, que también tocó a esas minorías sociales marginadas por su opción sexual y su forma de vida.

Fotos- Gentileza : BBC Films- 20 th Century Fox- Columbia Pictures- Paramount Pictures- Universal Pictures- MGM Pictures- The New York Times- Variety- Empire- The Guardian- La Tercera- Polygon- Fotogramas- Cine Europa- CNN en Español-  Getty Images- Cinema Express- Daily Times- Hollywood Reporter- Archivo.-

Poster de "Ammonite" dirigida por Frances Lee.