Séptimo 7 sello: EL CINE POR PAIS ( 4 ) / CINE FRANCES :

Entre la nouvelle vague, el sentido inconformista de la vida y el realismo urbano actual.

En la inolvidable "La piel dura" ( 1976 ) , el director francés Francois Truffaut incorpora un discurso sobre la poca importancia que tiene la educación para los políticos porque sencillamente los niños no votan. El realismo más costumbrista y la contingencia más intensa, caracterizan el cine francés desde los años sesenta, como lo analizaremos en la siguiente entrada del blog.

Cuatro Grandes Maestros del Cine Francés.

Jean Luc Godard ( nacido en 1930 ). Si algo profesaba la Nueva Ola Francesa, era su radicalidad en las formas y en el fondo del lenguaje cinematográfico. Reiteraba hasta la saciedad que había que dejar en libertad absoluta a la cámara, y mediante la ilusión del rodaje indirecto, - que era lo opuesto a la filmación en estudio -, debía mejorar la calidad emotiva en las películas. Prestaban una atención primordial a la forma, estaban poco interesados en la reacción del público en general, y ávidos de encontrar mecanismos susceptibles a los cinéfilos. Godard representó la ansiedad más visceral del movimiento, y por eso, tal vez hasta hoy, se muestre como el último reinventor de la praxis del cine moderno.

Asiduo asistente de las cinematecas, Godard se convierte en crítico de cine para las revistas especializadas "La Gazette du Cinema" y "Cahiers du Cinema", con el seudónimo de Hans Lucas. Con el dinero ganado trabajando como obrero de la construcción de la presa de la Grande- Dixence, produce y dirige el documental " Operation Beton" ( 1954), a la que le sucedería una serie de cortometrajes. Debuta como realizador de largos con la estupenda e innovadora "Sin aliento" ( 1959), pieza angular del movimiento nouvelle vague, para transformarse en ícono del cine vanguardista, con un puñado de películas de distinto interés y calado, donde destruye la narrativa tradicional, mezcla un fuerte romanticismo con un oscuro pesimismo, y transcribe muchas de sus obsesiones temáticas con una fibra personal que lo hace un autor singular y único. De todas sus películas, siempre es conveniente repasar títulos de su primera etapa, como : "Una mujer es una mujer", "Banda aparte", "Lenny contra Alphaville", "Masculino-Femenino", "Made in USA", "El soldadito", "Vivir su vida", "El desprecio" y "Pierrot el loco". De su etapa más contemporánea, recomendamos ver : "Prénom Carmen", la polémica "Yo te saludo, María", "Nouvelle vague", "Nuestra música" y "Adiós al lenguaje". Su extenso trabajo, incluye un número indeterminado de videos, producciones de bajo costo, siempre con un marcado tono rupturista, político, marginal, poético y experimental.

Francois Truffaut ( 1932-1984 ). Desaparecido prematuramente a los 52 años, dejó una valiosa obra caracterizada por su sinceridad , frescura y vitalidad, que partió con la inolvidable "Los 400 golpes" ( 1959 ), que contribuyó a dar a conocer el movimiento de la nouvelle vague, demostrando que, detrás de una cámara hay un autor, o sea, un director. Apartado de las exploraciones del lenguaje ( el lado opuesto a Godard ), nutrió su filmografía con modestas historias de amor, de gran fuerza lírica, ternura y un desencanto raras veces visto en el cine. A Truffaut le gustaban las historias de amor, los relatos que representaban el mundo infantil y el humor más cotidiano accesible a todo público, y que está presente en la saga de Antoine Doinel desde "Los 400 golpes" hasta "El amor en fuga", en su obra maestra "Jules et Jim", en sus historias trágicas del género negro como "Disparen contra el pianista", "La novia vestía de negro" o "La sirena del Mississippi", y en sus relatos amorosos como "La historia de Adele H", "La mujer de la próxima puerta" o "Las dos inglesas y el continente".

Su fuerza emocional radica también en un minucioso rescate del valor que tiene la pedagogía y el conocimiento en "El niño salvaje", en el potencial intelectual que significan los libros y el saber en su adaptación de un futuro apocalíptico en "Farenheit 451", y en su atenta y sensible observación al fenómeno cinematográfico en la estupenda "La noche americana". Para quien suscribe estas notas, Truffaut sigue siendo un cineasta intenso, personal, vitalista, superior en sus manifiestos audiovisuales donde se mezcla la Vida con la ficción, que nos conmovió desde la fase primigenia de un movimiento artístico singular.

Jóvenes airados : Claude Lelouch, Jean Luc Godard, Francois Truffaut, Louis Malle y Roman Polanski.

Jacques Tati ( 1907- 1982 ). Personalidad irrepetible, fue un grandioso deportista que practicó boxeo, fútbol, rugby y tenis, y que saltó al mundo del espectáculo atraído por el music hall, donde hace pequeños papeles en películas y en 1932 escribe interpreta, produce y dirige, el corto inacabado "Oscar, champion de Tennis". Después de la SGM continúa efectuando pequeñas intervenciones en teatro y cine, efectúa labores de guion y actuación en algunos cortos hasta que reemplaza por enfermedad al director René Clement en "L"ecole des facteurs" ( 1947 ). Su éxito le anima para dirigir "Día de fiesta" ( 1947), que se constituye en su primera gran obra. Después vendría, su primera obra maestra "Las vacaciones de Mr Hulot", y más tarde, su segunda obra maestra "Mi tío" ( 1958), para claudicar durante un largo tiempo buscando inversionistas para sus futuros proyectos. Por eso, su filmografía fue más bien corta, aunque no dejan de impresionar sus tres títulos posteriores, que son : "Playtime" ( 1967 ), "Traffic" ( 1971 ) y "Parade" ( 1974 ).

Tati como Mr.Hulot en la extraordinaria "Mi tío".

Francois Ozon ( nacido en 1967 ). Quizás el más renombrado de los realizadores franceses de la actualidad. Diplomado en Estudios Cinematográficos en París, ha efectuado una gran cantidad de películas en super 8, video, 16 mm y 35 mm, demostrando una pasión desbordante por su oficio. Ello ha redundado desde su primer largo Sitcom ( 1998 ), en que sea uno de los cineastas más singulares de la escena francesa, y figura clave de exportación internacional, gracias a sus películas : "Amantes criminales", "Gotas de agua sobre piedras calientes", "8 Mujeres", "El tiempo que queda", "Angel", "El refugio", "En la casa" y "L"amant doublé".

Ozon dirigiendo al actor Fabrice Luchini en su obra maestra "En la casa".

Películas Fundamentales.

"El Río" ( 1951 ) de Jean Renoir. Una clase de estética pictórica y narrativa es esta obra maestra del gran realizador francés. El despertar de una adolescente que habita con sus padres y hermanos en la mítica India, y con todo lo que eso implica, compartiendo el amor idílico de un hombre, ex soldado, atractivo y partido emocionalmente en dos, permiten efectuar una cinta casi etnográfica con aliento documental y revalorizada con el paso del tiempo. Una de nuestras películas favoritas de la historia del Cine. La niña británica Patricia Walters está inolvidable acompañada de un sólido reparto que encabezan : Thomas Breen, Nora Swinburne, Esmond Knight, Adrienne Corri, Thomas E.Breen y Arthur Shields.

"Casco de Oro" ( 1952 ) de Jacques Becker. Una brillante exposición de un caso real acaecido en 1900, para mostrar los ambientes de los bajos fondos parisinos con una estética muy particular, casi fuera de este mundo. Una bellísima prostituta ( Simone Signoret ), es el centro del deseo tanto del cabecilla de una pandilla de hampones como de un modesto carpintero, situación que lleva al primero a eliminar al segundo, y después que éste sea condenado a la guillotina. Perfecta en la manera de contar una tragedia sangrienta, es también una bellísima puesta em escena de la belle epoque con un tratamiento visual inolvidable. Con Serge Reggiani, Claude Dauphin, y Raymond Bussieres.

"Las vacaciones de Mr. Hulot" ( 1953 ) de Jacques Tati. Graciosa, inteligente y divertida comedia que hace alusión a las vacaciones del mítico personaje creado y actuado por el genial realizador. Una obra modélica sobre todo por como establece los nexos entre los distintos gags y la historia central, que terminarán en una fiesta de juegos artificiales, accidental y desmadrada. Mientras más pasan los años por este gran clásico, Mr Hulot parece más fresco, más joven, más moderno. Sin duda que, Tati fue un adelantado a su tiempo, en la manera de enfocar los temas que le preocupaban y en la forma de narrar las situaciones. Imperdible.

"El salario del miedo" ( 1953 ) de Henri-Georges Clouzot. Adaptación de la novela homónima de Georges Arnaud, que conoció también un remake en el cine americano. Cuenta la riesgosa misión que emprenden cuatro personajes, los franceses Mario ( Yves Montad ), y Jo ( Charles Vanel ), el alemán Bimba ( Peter Van Eyck ) y el italiano Luigi ( Folco Lulli ), que se dedicarán a trasladar por tierra en dos camiones, el peligroso cargamento de nitroglicerina, a través de 500 kms., de caminos en mal estado, para apagar el fuego de un pozo petrolífero de una compañía norteamericana, en una imaginaria localidad de Latinoamérica. Notable relato de gran tensión dramática, suspenso y con muchas características propias del llamado filme de carretera. Pese a su longitud ( 148 minutos ), se mantiene inalterable porque transmite la gran capacidad que tenía Clouzot de intensificar el interés y los climaxs con notable pericia narrativa y apoyándose en las grandes actuaciones.

"El mundo del silencio" ( 1956 ) de Jacques- Yves Cousteau. El gran realizador Louis Malle junto al célebre oceanógrafo francés, visitaron las profundidades del océano donde registraron la fauna abismal, y lograron un documental pionero, que significó para su tiempo, un gran incentivo para conocer los secretos que guarda el fondo del mar. Fue un adelanto innovador, al rodar bajo el agua con cámaras submarinas y probar el nuevo traje de buzo ( creado por Cousteau ), que como obra fílmica, mantiene su valor testimonial, y es una fiel representante del descubrimiento de un mundo silencioso que es hermoso y asombroso. Con las décadas, Cousteau se transformaría en un verdadero gestor ecológico, que conquistaría millones de corazones a a través de su programa televisivo "El Mundo bajo el agua de Jacques Cousteau".

"...Y Dios creó a la mujer" ( 1956 ) de Roger Vadim. Puede que los años hayan resentido el sentido erótico que tiene la revelación de la actriz Brigitte Bardot, pero la película todavía mantiene inalterable su clima veraniego, su atmósfera sensual, y su historia romántica ambientada en las playas de Saint Tropez. Como la Citroën y Coco Chanel, B.B. se hizo un mito celestial, gracias a las bañeras, las duchas y el jabón Lux. Y gracias a Dios, que creó a B.B en una época de guerra fría, conectándonos a la tierra de su pasión legítima, las insobornables bondades de su erotismo femenino. Todavía la película es muy entretenida y afina puntería para perpetuar un mito del cine.

"El bello Sergio" ( 1958 ) de Claude Chabrol. Debut del célebre realizador francés, efectuada con escaso presupuesto en una pequeña ciudad de la Creuse. El regreso de un joven a su aldea que se reencuentra con un amigo íntimo que se ha casado, pero que es muy infeliz , a causa de haber tenido un hijo subnormal, esta narrado con el oficio y la estética de la nouvelle vague. Mantiene su formalismo estructural, pero resulta muy provechosa en el plano de su autenticidad naturalista. Además, cuenta con un elenco de actores extraordinarios como son : Gerard Blain, Jean-Claude Brialy y Bernardette Lafont. Un dato curioso : Chabrol efectúo esta película gracias a una herencia económica que recibió su mujer.

"Mi tío" ( 1958 ) de Jacques Tati. Sabia alegoría a la maquinización del hombre como lo hiciera décadas antes Charles Chaplin en "Tiempos Modernos". El sobrino de Mr. Hulot vive alejado de la naturaleza y en una casa moderna, que tiene todas las comodidades ( y excentricidades ) de la tecnología. Su vida es cómoda, aburrida y triste, hasta que su tío lo viene a buscar en bicicleta. Allí, la existencia le cambia al niño, que comienza por compartir con una pandilla de barrio unos exquisitos panqueques, mientras juegan y apuestan a ver quien golpea en la nuca, a los desprevenidos transeúntes de una calle junto a una farola. El filme es una obra maestra plagada de referencias a la vida en provincias, llena de gags inteligentes y que son un homenaje encubierto al gran Chaplin, del que Tati se sentía un legítimo seguidor.

En "Mi tío" se conjugan todas las virtudes que debe tener una comedia : historia sencilla, cercana, amable y satírica; eterno choque entre la mirada infantil, blanca, sana y diáfana versus la mirada contaminada de la clase adulta; excelente dibujo de personajes secundarios que pueblan la localidad vecina y refrescante despliegue de gags visuales acomodados a una serie de críticas reflexivas sobre la industrialización del hombre que se acomoda al bienestar que le brindan los avances de la tecnología. Película insustituible para descubrir la obra de este genial comediante y realizador.

"Los 400 golpes" ( 1959 ) de Francois Truffaut. Obra clave que da a conocer internacionalmente al movimiento de la nouvelle vague francesa. Es una historia autobiográfica que se establece desde las experiencias vividas por su director, pero también, una película que se sustenta en la extraordinaria espontaneidad del joven de quince años, Jean Pierre Léaud descubierto por chiripaso y que no había tenido ninguna experiencia anterior como intérprete. Manifiesto exquisito de hacer cine a partir de las situaciones personales de su director, todavía funciona brillantemente en el plano de reflejar las relaciones paterno-filiales conflictivas, asumiendo que la adolescencia es un paso complejo de niño a hombre. Es una de mis películas favoritas de todos los tiempos.

"Pickpocket" ( 1959 ) de Robert Bresson. La"santa purificación" del cine de este gran maestro del minimalismo estilístico, alcanza lo místico con esta breve pero intensa película sobre un carterista cuya compulsión por robar lo conduce por senderos inescrutables. "Para llegar a abrazar a la mujer amada, Michel ha de cruzar las estaciones del pecado y la expiación ; le roba a su madre, se convierte en carterista en París, se va al exilio - dos años en Milán, Roma y Londres-, y pensando en Jeanne y su hijo decide hacerse honrado. Sin embargo, para entonces ya está entre rejas, completamente atrapado por la materia". El cine de Bresson desnuda a la historia y a los personajes, los lava de materia para, a partir de allí, indagar si realmente el hombre puede alcanzar lo espiritual. Es lo que decía un crítico, se trata del cine que mejor registra la ausencia de la gracia divina. Todas las secuencias de los robos están filmados con una limpieza rayana en lo magistral.

"A pleno sol" ( 1960 ) de René Clement. La versión de la novela de Patricia Highsmith que mejor incorpora el elemento del juego de las apariencias, interpretada por el trío francés Alain Delon, Maurice Ronet y Marie Laforet. Las ambiciones del joven Tom Ripley por trascender suplantando a su mejor amigo millonario después que le ha asesinado, cobran un sugerente análisis que manifiesta la maestría narrativa de Clement, pero sobre todo su extraordinaria manera de integrar el punto de vista desde la insatisfecha vida acomodada de un joven, que simplemente se rinde a los designios de la comodidad fácil y transitoria. Delon interpreta con solvencia a un alacrán con piel de oveja que traspasa la pantalla, para derrumbarse hacia un final convenientemente misterioso. Obra maestra del thriller negro francés.

"Sin aliento" ( 1960 ) de Jean Luc Godard. No sólo estamos hablando de una actitud capital para destruir los convencionalismo argumentales de una película, o el modo de editar mediante abundantes saltos temporales sin modificar los espacios o las posiciones de cámara. Simplemente, estamos frente a una obra capital de la nouvelle vague - la otra es "Los 400 golpes"-, que demostró que, el cine puede ser absolutamente reinventado a partir de sus códigos narrativos y estéticos tradicionales para trascender con una frescura y originalidad aplastante. Introduzcámonos en la piel de un espectador de principios de los 60, que asiste por primera vez a ver esta cinta. ¿ Qué impresión habría de llevarse con una historia tan cercana en sus supuestos, pero tan diferente a lo visto anteriormente ? Jean Paul Belmondo con su sombrero a lo Bogart y Jean Seberg con la polera blanca del "Herald Tribune" conversando por las calles parisinas, inauguraron una nueva forma de entender al cine, para desde ahí, cruzar a la otra berma del realismo callejero y urbano, capaz de reflexionar sobre el fenómeno cinematográfico, su lenguaje y su manera de comprender el mundo.

"El Año pasado en Marienband" ( 1961 ) de Alain Resnais. Rodada en Baviera, en Nympemburgh, y las escenas del parque en Schleissheim, es una película visualmente sorprendente, asombrosa, subyugante, enigmática, que muestra un mundo asfixiante donde todos parecen estar hechizados. Allí, se encuentran una chica ( Delphine Seyring ), un hombre mayor que parece ser su marido y un extraño que señala haber iniciado una relación con ella, el año anterior en Marienband. La película es un manifiesto concreto sobre la desconstrucción dramática que ha hecho el cine en un marco histórico determinado, donde el rompimiento de las tradiciones narrativas crearía nuevas coordenadas de aproximación hacia el objeto artístico. Como lo determina los estudiosos de su fenómeno, esta película detuvo "la evolución de los códigos aprendidos por el cine, desvió el montaje hacia otras zonas, privilegió el poder de la palabra, potenció los espacios vacíos, cauterizó el protagonismo de los actores y materializó lo que tantas veces se repite en sus diálogos : un proceso de frio y congelado, y una exigencia de detenerse para mirar en el interior del medio expresivo".

La película es una historia que se resiste a ser narrada por medio de la lógica y las convenciones, los diálogos se modifican parcialmente para avanzar y seguir donde mismo, las situaciones se reproducen con mínimas variaciones, las secuencias se suceden casi idénticas, traspasadas por un calco en el que se desaparecen algunos rasgos y surgen otros. Una película distinta, original, intelectual, laberíntica. Es como un rompecabezas desde donde se intenta sugerir una nueva forma de utilizar los recursos expresivos del cine.

"Cléo de 5 a 7 " ( 1962 ) de Agnes Varda. Un intenso drama urbano acerca de un joven cantante ( Corinne Marchand ), que espera el resultado de una biopsia para saber si tiene cáncer, mientras pasea por las calles y avenidas de la ciudad. Lo increíble del asunto, está en como ella va modificando su carácter y estado anímico que pasa del negativismo más extremo al positivismo más esperanzador. Esas dos horas del relato están efectuadas por la Varda, como si se tratara de un diario de vida que no desentona en su forma y en su fondo. Notable obra maestra de la recién desaparecida directora francesa.

"Thérese Desqueyroux" ( 1962 ) de Georges Franju. ¿ Habrá película más difícil de encontrar que ésta maravilla sobre la novela de Francois Mauriac ? La crítica la alaba hasta la saciedad, porque tiene una minuciosa forma de mostrar la vida de una mujer burguesa provinciana, que despierta de la comodidad de un matrimonio rutinario, cuando conoce a un joven judío y liberal. Para liberarse de su pasado escrutador, decide envenenar a su marido. Théresa es descubierta y sometida a un castigo de soledad, que al mismo tiempo protege las sanas apariencias de un matrimonio feliz. Franju respeta hasta los extremos la base literaria de su conjunto, hay numerosos flashbacks que dibujan la turbación moral y existencial de su protagonista, pero además, integra una exquisita plasmación de los hechos con inteligentes encuadres que juegan con la luz, los contrastes, el paisaje en las dunas de Argelouse, justificando su obra con un magnífico retrato de sólidos personajes.

"La guerra de los botones" ( 1962 ) de Yves Robert. No hay película infantil francesa más divertida y sensible con el campo, que ésta pieza maestra, sobre unos chicos muy melosos y pícaros que someten la rutina diaria a una sano esparcimiento, que se vuelve muy serio : la guerra de los botones con el propósito de marcar territorialidad y condescendencia con su pares familiares. Es la revelación de Petit Gibus a escala universal, pero también la de un director que entiende a los niños en su sicología y en su manera de actuar. La he proyectado innumerables veces en funciones escolares, y créanme que los chicos se sienten identificados con sus personajes, porque hay una naturalidad casi espontánea en todas las situaciones que se narran.

En "La guerra de los botones" se castiga la traición, la deslealtad, la animosidad excluyente, y la violencia puede ser justificada sólo en cuestiones protocolares como desnudar a los contrincantes sacándoles todos los botones de su vestuario para transformarlos en verdaderos trofeos de guerra. El cine infantil particularmente francés, ha sido juicioso y crítico al transmitir los vicios y defectos del mundo adulto en los hijos, y esta película es una excepción porque está hecha con gracia, humanidad y candor. Imposible dejarla pasar por alto. Para verla en familia.

"Jules y Jim" ( 1962 ) de Francois Truffaut. Adaptación del libro de Henri-Pierre Roché sobre el idealismo de la belleza femenina, a partir de la amistad de dos hombres, Jules, alemán y Jim, parisino, que exploran para buscar el ideal de belleza, primero en una estatua, y luego, en una mujer Catherine, cuyo rostro coincide con la obra de arte. A través de la relación que se llevará a cabo entre los tres, incluyendo la Primera Guerra Mundial, se nos presentará la futilidad del Amor y el desgaste del matrimonio. ¿ Como se conservará el Amor en el intimismo de los tres amigos ?, Truffaut lo plantea con una encomiable forma de narrar y un protagonismo dominado por la figura mítica de la actriz Jeanne Moreau.

"El desprecio" ( 1963 ) de Jean Luc Godard. No se entendió cabalmente en su momento la interesante temática que todavía mantiene inalterable la frescura y autenticidad de este filme. Un productor cinematográfico norteamericano interpretado por Jack Palance, está efectuando una adaptación de la "Odisea" que dirige el realizador alemán Fritz Lang, que se auto-interpreta, mientras el guionista de la película encarnado por Michel Piccoli, sufre una profunda crisis en su matrimonio, casado con la preciosa Brigitte Bardot. El leit motiv parte en el desprecio que éste sufre de su mujer, cuando visitan al productor, y la película "desnuda" a los personajes en sus debilidades y traumas para rearmar una reflexión adulta sobre lo perenne que resultan las relaciones de pareja, si el amor se tambalea por cuestiones de aptitudes y de carácter. B.B. ya era en esa época, el símbolo sexual de toda una generación y Godard le da buenos espacios para lucir su preciosa anatomía.

"Las amistades particulares" ( 1964 ) de Jean Delannoy. Una película francesa, - que en su momento causó cierto escándalo- , como también la novela de Roger Peyrefitte, en la que se basa. Es la historia del descubrimiento de la idolatría y del amor de un niñito de trece años, ensimismado por un joven estudiante al que admira excesivamente. Ambos son estudiantes de un estricto colegio católico, en tiempos en que esa clase de relaciones amistosas, eran vistas como erráticas y malsanas. La película mantiene inalterable su exquisita manera de narrar con una cadencia portentosa un tema controvertido, y presenta unas actuaciones juveniles inolvidables, como las del pequeño Didier Haudepin, que después se transformaría en "Cotolay", y del joven Francis Lacombrade. El mundo homosexual la debe tener considerada entre sus obras más representativas, aunque en realidad, la película va más allá de eso, porque trata de la búsqueda sostenida de la belleza, algo que Luchino Visconti volvió a retomar en su obra maestra "Muerte en Venecia".

Delannoy filma las escenas que pudieran herir susceptibilidades, con un tacto asombroso. Nunca está demás admitirlo, en tiempos en que éstos temas son pan comido en la actualidad, y ya es una cuestión admitida y tolerada en los países más desarrollados como parte de un mundo globalizado, multicultural y multi sexual. Sin duda, este filme antecedió a muchos otros que habrían de abrir la discusión sobre multiplicidad sexual, variedad en las relaciones íntimas, matrimonio igualitario y homosexualismo. El filme se puede ver entre los adolescentes porque nunca comete el error de tergiversar la mirada desde la infancia y a la adolescencia de la idealización del amor por el mismo sexo. Muy recomendable, como antecedente fílmico válido para abrir la discusión en los colegios y liceos de Chile.

"Los paraguas de Cherburgo" ( 1964 ) de Jacques Demy. El maestro de la comedia musical francesa logra su consagración definitiva con esta inolvidable película, que tiene a su favor, la estupenda manera de dialogar cantando, y extender la estética del género con disciplinada sutileza y rigor estilístico. Nada falta, nada sobra en esta película. Hay un relato de amor idealizado por la música de Michel Legrand y el decorador Bernard Evein. Hay un drama que condiciona el carácter de sus personajes y los perfila dentro de un lugar semi-cerrado, pero también hay escenas exteriores muy bien pauteadas, por excelentes coreografías y con un sesgo de melancolía que te arropa y no te destruye. Obtiene un gran éxito de público y gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Actúan para la antología del cine : Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo, Anne Vernon, y Marc Michel, entre otros.

"Pierrot, el loco" ( 1965 ) de Jean-Luc Godard. Uno de los filmes más polémicos del genial Godard, en que una pareja huye por el sur de Francia. Ella para escapar de unos criminales, y él, de una esposa millonaria... En sus recientes reposiciones todavía la película saca roncha, porque es tan visceral, franca, abierta y des-estructurada de lo clásico, que cuesta aceptarla a buenas y primeras. Godard pidió un vaso de agua cuando leyó la primera vez las críticas. Y en la noche se escapó a un bar. No es que Pierrot esté loco. Simplemente el mundo está patas pa" arriba. Con Jean Pierre Belmondo y la musa del cineasta en aquellos tiempos, la única Anna Karina.

"Un hombre y una mujer" ( 1966 ) de Claude Lelouch. Si la MTV hubiera sido descubierta por Lelouch y Richard Lester, entonces esta película es pionera. Tiene todo el estilo de un documental de autos de carrera, mezclado con spots de colonias, y relato de amor casual. Es la experimentación de un director no siempre muy comprendido por la crítica, a veces demasiado meloso, otras veces, insistentemente meloso y radical. Su manera de narrar tiene en el recuerdo la pegajosa música de Francis Lai, que ha sobrevivido a todo el cuento, y obliga a reconocer que detrás de este mil veces narrado relato de amor - aquí entre un corredor de autos y una script - , hay un cuerpo sustentable y un espíritu creativo muy personal. Sonado éxito de taquilla que recibió el Oscar a Mejor Película Extranjera.

"El Samurai" ( 1967 ) de Jean Pierre Melville. La mejor película de su célebre director, un experto en policiales duros y crípticos, que establece un nexo inspirador para los posteriores thrillers americanos, a partir de una convencional historia enfocada como si se tratara de una tragedia griega. Alain Delon está en el cenit de su carrera, y da todo el largo y el ancho como un asesino esquizofrénico, arquetipo que seguiría repitiendo para mal y para bien de su trayectoria estelar. Fíjense en los ambientes degradados, en las situaciones inesperadas, pero sobre todo, en la contención maestra que hace Melville de los tiempos muertos, donde pareciera que no fuera ha ocurrir nada, y al contrario, ocurre todo. Melville merece urgente reivindicación entre los grandes maestros del cine de todos los tiempos y ésta es su obra más lograda.

"Playtime" ( 1967 ) de Jacques Tati. La última obra mayor de un genio de la comicidad con mensaje. Es su cuarto y antepenúltimo largometraje, con Mr Hulot enfrentando la génesis de una ciudad ultra desarrollada todo acero, fierro y cristal. La urbanidad organizada y caótica en una notable alegoría sobre la vulnerable que está el ser humano al vivir en metrópolis calcinadas por el fuego de la ostentación. Esta llena de gags ingeniosos, chistes visuales que acaparan gran parte del relato, porque a Mr.Hulot le suceden cosas extraordinarias.

Nótese el gran decorado que Tati estableció para esta sugerente imagen extraída del clásico "La multitud" de King Vidor. La metáfora es que mientras más confort urbano rodea al hombre, menos ambiente natural tiene para descansar y recuperarse del obsesivo trabajo. Tati / Hulot se enfrenta en esta divertida e inteligente parábola a las estructuras de los edificios de una convulsionada ciudad. Es un ser mínimo, que escabulle los marasmos de apretados lugares con discreta elegancia y mucho humor blanco.

Grandioso gag visual extraído de los decorados de "La ventana indiscreta" de Alfred Hitchcock, pero amoldados al discurso progresista y humanista del intelectual comediante. El espectador observa desde una cómoda butaca, cuán voyerista, las distintas situaciones que suceden a Mr.Hulot en esta vitrina de pequeñas vidas urbanas.

La cámara de Jean Badal y Andreas Winding, se detiene en Mr.Hulot para prorrogar su mensaje anti sistémico. Toda esta grandiosa secuencia, esta armada como si el espectador estuviera observando las viñetas de un comic.

"La nueva infancia" ( 1968 ) de Maurice Pialat. Una mirada fresca, auténtica, naturalista, y ajena a arquetipos definidos, sobre la infancia abandonada a su suerte. Es un retrato devastador de la orfandad, pero dibujada con una sensibilidad y una sicología muy adecuada a su fines pedagógicos. Excelentemente actuada por el niño Michel Terrazon que, en sus divagaciones existenciales, comete el error de mentir. Sigue la huella de "Los 400 golpes" pero a una escala más didáctica, y que logra concentrar el drama del chiquillo en unas pocas situaciones realistas. Para ver en clases y discutir con los alumnos.

"L"Amour fou" ( 1969 ) de Jacques Rivette. Perteneciente a un atractivo díptico, sobre el teatro y la conspiración, que parte con esta película conformada por una serie de improvisaciones en torno a los ensayos de Andrómaca , de Racine, de cuatro horas y media de duración. Su continuación es Out One Spectre, una personal adaptación de "La historia de los trece" de Honoré de Balzac, de trece horas de duración, pero que se exhibe sólo en versiones reducidas.

"Mi noche con Maud" ( 1969 ) de Eric Rohmer. Cuarto "Cuento Moral" con el que su director fue descubierto por la crítica internacional. Narrada desde el punto de vista de Michel ( Jean Louis Trintignant ), un católico practicante, casado, que en la tarde de Navidad se encuentra con su amigo marxista Vidal ( Antoine Vitez), que le traslada a su casa donde se topa con la preciosa Maud ( Françoise Fabian ), para quedarse solos y terminar siendo seducida por aquella, es una de las películas de Rohmer más perfectas, por la inteligencia de sus diálogos, la austeridad de su producción y la humanidad de sus personajes que parece respiran sólo Vida. Si desean iniciarse a descubrir un cineasta original, partan por esta película que es más que recomendable.

"La piscina" ( 1969 ) de Jacques Deray. Uno de los grandes éxitos del cine francés de su tiempo. La historia es una análisis, lento, pausado, contemplativo, sobre el despertar del deseo, que tiene su mayor virtud en la potencia con que Deray disecciona la sicología humana y las costumbres cotidianas. Una pareja pasa sus vacaciones en una casa en el campo. Inesperadamente un antiguo amante de ella, pasa el lugar junto a su bellísima hija de dieciocho años. Drama psicológico con algo de thriller, es una notable historia muy bien interpretada por Romy Schneider, Alain Delon y Jane Birkin. Por favor, no la dejes pasar por alto.

"El Clan de los Sicilianos" ( 1969 ) de Henri Verneuil. Si hubo un género que los franceses rearmaron desde sus cimientos, fue el thriller policial, y ello, por su larga tradición literaria enquistada en el submundo delictual con olor callejero. En este aspecto, este entretenido filme, sobre la novela de Auguste Le Breton, es una buena muestra de ello, ya que el realizador le saca buen partido a sus notables actores ( Alain Delon, Jean Gabin, Lino Ventura, Amedeo Nazzari, Irina Demick ), a un cuento bien narrado acerca de unos ladrones de joyas que aprovechan de untar sus manos con una exposición que se celebra en Roma, y a la diversión de los momentos más sublimes ( asalto, robo, ocultamiento, investigación, error, desenlace ). Para los espíritus sesenteros, inolvidable resulta la música del gran Ennio Morricone.

"Max y los chatarreros" ( 1971 ) de Claude Sautet. Decepcionado por la excesiva proliferación de la delincuencia, un abogado ( Michel Piccoli ), se retira de la actividad leguleya para dedicarse a trabajar como detective privado. Su oficio incluye aspectos muy riesgosos, como infiltrarse a una banda de atracadores donde conocerá a una bellísima prostituta, pareja del jefe, de la que se enamorará perdidamente. Pese a los años transcurridos de su estreno, es una película absolutamente vigente porque el tema es gravitante en la vida actual. Además, contiene grandes actuaciones de Romy Schneider, Michel Piccoli, Georges Wilson y Francois Périer. La película contiene la música del experimentado Claude Sautet, y se basa en la novela de Claude Néron.

"El Gato" ( 1971 ) de Pierre Granier-Deferre. Adaptación de la célebre novela de Georges Simenon, que es un descarnado y humanista análisis a la tercera edad, a partir de las vivencias de un matrimonio ( Jean Gabin y Simone Signoret ), distanciado por el aburrimiento, el hastío y la incomunicación. El marido demuestra todo su afecto en un gato que ha encontrado en la calle abandonado, lo que desencadena el odio de la mujer por el animal. Se trata de una gran drama psicológico, rodada en el barrio parisino de Courbevole, y en estudio, y es la mejor recreación que hace su director de una obra de Simenon ( pues efectúo tres películas más ), que se beneficia de la tremenda capacidad histriónica de sus veteranos actores, una atmósfera densa, inquietante y turbadora, y un aire pesimista que se transmite a lo largo de toda la narración. Las diferencias de caracteres, la envidia, la soberbia, la tensión en una pareja que ha fulminado el amor por el odio, mantiene el interés de esta interesante película francesa. El gato no es más que el símbolo del derrumbe de un barrio aplastado por la modernidad.

"El hombre con el zapato negro" ( 1972 ) de Yves Robert. Quizás sea una de las obras más electrizantes y logradas del comediante Pierre Richard ( "Un hombre con una trompa enorme, "La carrera de las cebollas" ),y que en realidad, es una loca parodia del cine de espionaje e intriga. Tiene gags insuperables, pero sobre todo un ritmo trepidante, y una madeja de anécdotas ingeniosas de resolver, llena de trampas, operaciones secretas, vueltas de tuerca y situaciones hilarantes. Para recuperar las inolvidables funciones sabatinas de matiné de otros tiempos en el Cine Plaza.

"Le maman et la putain" ( 1973) de Jean Eustache. Se subtituló en español "La madre y la ramera", y es una regresión a los primeros filmes de la nouvelle vague en la calles parisinas de los años cincuenta. Alexandre ( Jean Pierre Léaud ) es un joven acomodado que vive la vida del cangrejo : no trabaja, no estudia, no progresa, es egoísta, nihilista, y sólo lee libros y escucha música cuando se le atoja matar el ocio por el ocio. Sólo le interesan las mujeres bonitas , y vive un menage a trois con Marie y Veronique, a costa de su supervivencia económica. O sea además, pervive gracias a ellas. Ganó el Premio Especial del Jurado en Cannes y es una obra rara, diferente, muy puntillosa, super observadora de la vida de un tipo sin destino, donde sobresale la pericia visual de Eustache. Notables actuaciones de Jean Pierre Léaud ( el niñito de "Los 400 golpes" convertido ya en ícono del movimiento del cine francés ), Françoise Lebrun y Bernadette Lafont.

"Lacombe Lucien" ( 1974 ) de Louis Malle. Este drama bélico sacó roncha en Francia, porque cuestionó de manera visceral la posición política que tomó la sociedad civil frente a la ocupación nazi. ¿ Fueron directos colaboradores de Hitler, o simples ciudadanos asustados por la dictadura germana ? Un joven campesino ( el inolvidable actor joven desaparecido Pierre Blaise ), cuyo padre fue hecho prisionero en Alemania y cuya madre se acuesta con su jefe, hace lo imposible por ingresar a la Resistencia, lo que le lleva a trabajar para la policía nazi hasta que se enamora de una chica judía ( Auroré Clement ). Grandiosa obra maestra que revela los límites entre las ansías de ser y de estar en una sociedad polarizada por las circunstancias históricas y tergiversada en sus fines éticos y morales. Todavía hoy repercute en su claridad para exponer los hechos y revelar lo irónico de las situaciones ambiguas y desesperadas. Muy recomendable.

La actriz Auroré Clement, que después participaría en la versión alargada "Redux" de la obra maestra de Francis Ford Coppola "Apocalipsis, Ahora", ejecuta con impactante realismo el papel de una mujer judía, que enamora a un chico confundido por sus propias experiencias vitales.

"El viejo fusil" ( 1975 ) de Robert Enrico. Historia de amor y venganza, que gira en torno a un médico que pierde a su mujer y a su hija en medio de la guerra con los nazis. La película es una recreación a unos hechos reales acontecidos en la masacre de Oradour-sur-Glane el 10 de junio de 1944, y se sostiene como un buen filme antibélico gracias a las interpretaciones de Philippe Noiret y Romy Schneider. La venganza que inicia el médico por la muerte de sus seres queridos es el leit motiv , aunque una serie de saltos temporales del relato, nos deja en claro, los sentimientos del profesional respecto a su mujer y familia. Es una película cocinada a fuego fatuo, emocional, que entremezcla la ternura del amor real con la dureza y fiereza de la muerte.

"El juez y el asesino" ( 1976 ) de Bertrand Tavernier. Es un drama que recuerdo con gran cariño, porque se dio en pantalla grande en un ciclo de cine francés universitario y fue el título que abrió ese año, con gran interés, la convocatoria pública. Con un magnífico guion del trío Tavernier- Pierre Bost y Jean Aurenche, se nos describe la serie de macabros hechos de un ex sargento francés, mentalmente perturbado que hacia fines de 1893, fue eliminando a su novia, y después, a una serie de jovencitas creyéndose un "Anarquista de Dios". Narrada en tono seco, despojado de retórica, asume las variables sicológicas de su protagonista para culminar con su ajusticiamiento. Inolvidables encarnaciones de Phillippe Noiret, Michel Galabru, Isabelle Huppert y Jean Claude Brialy. La música es del experimentado Philippe Sarde.

"Loulou" ( 1980) de Maurice Pialat. Una mujer casada experimenta una relación sentimental con un delincuente cuyo atractivo emana de su vulgaridad y su falta de pretensiones materiales. Lo increíble del asunto es que la chica sin renunciar a su marido, planea vivir con su amante para sobrevivir incentivada por el hijo que está esperando. Más que una crónica de la vida real, es un drama psicológico capaz de penetrar en la siquis de una mujer contemporánea, que seducida por el atractivo sexual de un hombre rudo y fortachón, es capaz de mantener relaciones en casa y fuera de ella. Como se espera del público cinéfilo, los intérpretes : Isabelle Huppert y Gérard Depardieu, sobresalen del conjunto aunque está muy bien narrada y entretenida.

"Betty Blue : 37, 2 en la mañana" ( 1986 ) de Jean-Jacques Beinex. No olvido la impresión inicial que provocó esta controvertida película que explotaba el erotismo y el sexo de una mujer joven, para deleitarnos con una historia sobre vidas mínimas de provincia, como atemperadas a fuego lento. Beatrice Dalle es la chica con los cables algo pelados, que enamora perdidamente a Jean-Hughes Anglade, un reparador que está escribiendo una novela y que trabaja en unos bungalows en una playa. Es un relato de "amour fou"con un inicio sexualmente arrebatador , que se alimenta tanto del drama sicológico como de la comedia de costumbres, pero que tiene su mayor virtud en dar a conocer la belleza salvaje de Beatrice Dalle. El título de la cinta alude a la temperatura corporal que tiene la mujer para satisfacer sus deseos orgíasticos. Estupenda fotografía de Jean-Francois Robin. A la crítica chilena no le gustó mucho la película, aunque hoy es un filme de culto.

El director Jean -Jacques Beinex no es un mal narrador, y le saca partido a los espacios urbanos de París, a la relación intima entre la Dalle y Anglade, que realmente hacen el amor frente a las cámaras y al manoseado tema del sexo como arma de doble filo. Para personas maduras con el criterio formado, es una moderna transcripción de la novela de Phillippe Djian, sobre las relaciones de pareja muy a tono con estos tiempos.

"Jean de Florette" ( 1986 ) de Claude Berri. En España se exhibió bajo el título de "El manantial de las colinas", y en Chile se estrenó en Salas de Arte y Ensayo. Una obra en su momento muy incomprendida, pese a la formalidad clásica con que está narrada, y a ser una interesante adaptación de una novela de reputación de Marcel Pagnol. La recuerdo con nitidez por la belleza de sus paisajes, el tratamiento estético de sus imágenes, y la interpretación del veterano Yves Montad como un terrateniente codicioso y oportunista que se apropia del agua de un campo vasto y fructífero. Notable en su magnificencia, dado el tema de total actualidad. A Yves Montand lo conocí en persona en la Plaza de las Escuelas Concentradas en Talca, cuando visitó nuestro país con su hermosa esposa, la actriz Simone Signoret, en apoyo al regreso de la Democracia en Chile. Nunca olvidaré su imagen, porque un colega reportero gráfico de un matutino amigo, me regaló la única foto que existe de esa sorpresiva visita. En memoria de Yves Montand, ideal es desempolvar el DVD de esta película y de su actuación maestra en "El salario del miedo" ( ver comentario ).

"Asterix en Bretaña" ( 1986 ) de Pino Van Lamsweerde. La más estilizada de las películas animadas de los célebres personajes creados por René Goscinny y Albert Uderzo. Extraída del comic de éste último, está armada con una prodigiosidad tanto en las animaciones, como en el diseño de los escenarios. Además, es una película muy divertida con ingeniosos personajes y situaciones, que vuelven sobre la base de las diferencias culturales y sociales. Un lujo de detalles y gags, la convierten en una de las mejores de su género.

"Adiós a los niños" ( 1987 ) de Louis Malle. Me la volví a repetir este año para elaborar este breve resumen. Y realmente es una obra maestra, que se mantiene inalterable, como yo la recordaba cuando la vi primero en el cine. Parece que Malle se trasvasijó en los personajes, no sólo elaboró un relato desde los recuerdos de su infancia en un internado católico fuertemente cuestionado por las fuerzas alemanas, con la sospecha de estar escondiendo judíos en el recinto; sino que, humanizó sus propios sentimientos ( posible sentido de culpa ), con un tacto y una sabiduría narrativa, que la hace película imprescindible para ver más de una vez con los alumnos en la escuela o con la familia en el hogar.

Es una obra armada desde la mirada de unos niños que son testigos de la xenofobia, el racismo y la desintegración de una sociedad, que ocultó su colaboracionismo por el miedo y el terror, pero que reemplazó su vulnerabilidad, por un sentido autocrítico que está en el propio Malle. Grandes actuaciones infantiles, Gaspard Manesse es un chico que sabe expresar con su mirada estados anímicos disímiles, como cuando tiene su primera erección adolescente en una tina de un baño público, o como cuando se molesta por las constantes pasadas de frío que le ocurren en el internado. Raphael Fetjo está estupendo como el joven eximio pianista, que oculta su condición religiosa por temor a ser descubierto, pero que estrecha una relación de amistad eterna con su amigo de pieza. Hay en toda esta película, un soplo vital que es difícil enmarcar, porque cada espectador lo sentirá desde su propia opción vitalista.

Louis Malle con esta película marcó un antes y un después en el cine de su país. Su capacidad de ser controvertido, polémico, independiente, no vulnera la perspectiva que adquiere esta drama infantil muy sensible y logrado. Dentro de lo mejor que nos ha heredado el cine de su país.

"Azul profundo" ( 1988 ) de Luc Besson. La primera gran obra que nos puso en contacto con su innovador realizador. Se programó en un Ciclo de Cine Arte de la Universidad de Talca, que tuve el privilegio de programar, en una época en que a juicio de muchos, todavía no estábamos lo suficientemente preparados para entender el trastorno síquico que sufre el protagonista central de esta original historia, interpretado por Jean-Marc Barr, un buceador que termina creyéndose delfín de tanto explorar las profundidades del océano. Ni su amigo de la infancia, el inigualable Jean Reno, con esa potente voz gutural, ni su hermosa pareja Rosanna Arquette, entienden el por qué de esos sueños líquidos. A su éxito popular contribuyó la extraordinaria partitura musical electrónica de Eric Serra, una de mis "soundtracks" favoritas de todos los tiempos. A no olvidar que, nuestra actriz coterránea Valentina Vargas, tiene un rol secundario destacado.

"El marido de la peluquera" ( 1990 ) de Patrice Leconte. Otra exquisitez de película, una ultra sensible y entrañable historia de amor diferente, lógicamente extraordinaria, y sutilmente arrebatadora. La pasión de un hombre maduro es casarse con una peluquera, que cuando la hace realidad se transforma en un sueño. La pericia está en como Leconte cuenta la historia de dos seres mínimos, y la transforma en una idílica odisea llena de candorosa pasión y voluptuosidad. Arrasó ese año con el César ya que obtuvo siete premios de la Academia francesa, y claro, el reconocimiento universal a través de la taquilla. Inolvidable la pareja protagónica integrada por el desaparecido Jean Rochefort y la escultural Anna Galiena.

"Cyrano de Bergerac" ( 1990 ) de Jean-Paul Rappeneau. Muchos me dirán que prefieren la versión americana con José Ferrer y Mala Powers, pero esta cinta se beneficia del color, de la graciosa interpretación de Gerard Depardieu, de la recreación de época, y del tono de comedia de situaciones tan caro al cine americano. Rappeneau respeta al pie de la letra el argumento original y adapta con solvencia una obra mayor que apunta directo al corazón de los románticos de toda la vida. Cuando las palabras bien escritas despiertan los amores no confesados.

"La gloria de mi padre" ( 1990 ) de Yves Robert. Es una obra que adoro por mis orígenes paternales. Hijo de profesores que entiende muchas de las anécdotas y circunstancias por las que atraviesa su protagonista : un padre de principios de siglo interpretado por Philippe Cauberé, que de profesor rural pasa a profesor urbano em Marsella, y que en sus vacaciones en el campo se divierte con su familia, para descubrir la belleza de las cosas simples de esta vida. El relato está contado desde el punto de vista de su hijo mayor ( un modélico prodigio francés de once años, Julien Ciamaca ) y es una oda al oficio de ser maestro, padre de familia y misionero humanista. Se basa en las memorias de Marcel Pagnol antes que descubriera las virtudes del cine y del teatro clásico.

El realizador de la primera versión de "La Guerra de los Botones" , demuestra su pericia para manejar los niños frente a cámara. Hay varias secuencias muy espontáneas, y otras que revelan su oficio de cineasta, con unas maravillosas vistas de la ciudad de principios de siglo, y unos paseos como extraídos de una comedia musical de la MGM. Todas las anécdotas familiares y cotidianas, sobre todo que ocurren en el campo, huelen a verdad, y están integradas dentro de un argumento muy bien dosificado e interpretado. Nathaniel Roussel como la madre costurera muy abnegada y Didier Pain como el Tío cariñoso, completan un cuadro costumbrista muy sustancioso y divertido. Extraordinaria la banda musical compuesta por el genial Vladimir Cosma.

"Nikita" ( 1990 ) de Luc Besson. Agil, estilizada y original película de acción sobre una joven y violenta delincuente ( Anne Parrillaud ), que es entrenada como mercenaria para asesinar objetivos peligrosos para la estabilidad del Gobierno. Una especie de "Duro de matar" en versión femenina, que tiene mucha riqueza en sus formas, y un interesante conflicto interno de su protagonista central. Cierto. Parece una "Harry el sucio", y pese a sus redundancias y defectos ( porque los tiene ) en su género, es una película muy entretenida. Se hizo un remake con Bridget Fonda titulado "La Asesina", y dos series de televisión. Nada de mal, para una película que parecía del montón.

"Delicatessen" ( 1991 ) de Jean-Pierre Jeunet y Marc Caro. La revelación de la dupla de realizadores franceses, es esta esperpéntica, ingeniosa y divertida comedia negra, negrísima, que le saca brillo a los personajes tremendistas, a las situaciones anómalas y alocadas, y a un submundo transgresor que pareciera venir del mismo infierno. Una galería de seres demenciales como un payaso deprimido, una violonchelista cegatona, un carnicero monstruoso, un suicida frustrado, agregan humor al cuento escabroso y una estética realmente atractiva en su fealdad estilizada. Es una película original, muy distinta a lo visto, única e irrepetible, llena de freaks y que está a contrapelo entre las pesadillas macabras y los relatos angustiantes para no dormir, que funcionan perfectamente alambicado por su contexto estético y narrativo, y su magnífico sentido de lo que es la locura humana de estos tiempos.

"El Profesional" ( 1994 ) de Luc Besson. Un thriller violento, efectista, sincero, visceral, que une a dos personajes marginales : una niña de doce años que ha perdido a su familia ( Natalie Portman ), y un asesino a sueldo analfabeto ( Jean Reno ), en una relación constructivista, ya que ella le enseñará a él a escribir, y él a la chica a disparar para cobrar venganza por la muerte de su hermano. A la manera de los relatos juveniles pero con grandes dosis de sangre y balas, esta cinta llamó poderosamente la atención de la crítica y del público, por la química que se produce entre sus dos protagonistas. Fue la revelación de la niña prodigio norteamericana Natalie Portman y la consolidación del actor francés Jean Reno como uno de los actores rudos y duros del cine europeo.

"La ciudad de los niños perdidos" ( 1995 ) de Jean Pierre Jeunet y Marc Caro. Segunda y última obra realizada por la dupla de realizadores galos, donde además, actúa el recordado intérprete nacido en Chile, Daniel Emilfork. Un cuento oscuro acerca de un villano que está imposibilitado de soñar, por lo que rapta a los niños de la ciudad para robarles sus pensamientos. Rara fábula sobre la mezquindad, la avaricia y la desolación de un solitario en tierra de nadie. Pero también inteligente y notable historia sobre la facultad de soñar en un mundo convulso, anómalo, pesadillesco, que todavía funciona por su extraordinaria estética gótica, muy expresionista y afín con los cuentos para no dormir. Con los años transcurridos, ha sido lo suficientemente revalorada, pese a ser una obra de culto de minorías afines con un terror más intelectual. Gran banda musical del experto Angelo Badalamenti.

"Ponette" ( 1996 ) de Jacques Doillon.Un gran drama realista y contemporáneo sobre la muerte desde la perspectiva de una niñita de cuatro años ( la actriz revelación Victoire Thivisol que después actúo en "Chocolate" ), que ha perdido a su madre de manera imprevista. A algunos no les gusto por lo efectista de la situación de orfandad, pero en realidad, es una gran relato intimista sobre los efectos que provoca el sentido de perdida maternal en la conciencia y los sentimientos de una mocosita. Está tan bien interpretada por la niñita que uno olvida que se trata de una película. Doillon filma a la altura de la chiquitina y eso le permite jugar con los espacios urbanos, acomodar la cámara a la altura de la mirada de la niña, jugando con sus amiguitos del colegio, interactuando con su padre y asumiendo el espacio vacío que dejará su madre de por vida. Para ver con el pañuelo en la mano.

"Nénette et Boni" ( 1996 ) de Claire Denis. Las vivencias de dos adolescentes que viven separados por culpa del divorcio de sus padres, y sus contrariedades cuando ella queda embarazada y decide dirigirse a su hermano para buscar apoyo, mientras él se dedica a traficar en Marsella y le prohíbe cualquier contacto a su propio padre, le sirven de contexto a la realizadora para erigir un gran relato sobre la realidad que viven miles de jóvenes en el mundo, y que pasan desatendidos por la masa crítica. Es un filme de personajes que se sienten como muy cercanos por el estilo realista casi documental con que Denis filma a Gregoire Colin y Denise Houri. Ganó el premio a Mejor Película en el Festival de Locarno.

"El tiempo recobrado" ( 1999 ) de Raoul Ruiz. Adaptación de la novela autobiográfica de Marcel Proust, que parte cuando éste, repasa aspectos fundamentales de su vida mientras observa fotos de los personajes que han poblado su existencia en su lecho mortal. En ese intertanto se confunde la realidad con la fantasía, pues los personajes reales que fueron parte de su vida se confunden con los imaginarios de sus propias novelas. Una gran película del genial realizador chileno, que no esconde su complejidad, densidad y opacidad, donde el tiempo recobrado estará en los personajes que han dado vida a sus historias más recordadas. Se asume como una obra fundamental de la filmografía de este cineasta único e irrepetible. Con un reparto inolvidable que encabezan : Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Vincent Pérez, John Malkovic, Marcello Mazarella, Marie France Pisier y Chiara Mastroianni.

Los actores John Malkovic y Vincent Pérez en un momento de la citada película.

Emmanuelle Béart, Catherine Deneuve y Edith Scoub también aparecen en el reparto de esta interesante y original propuesta del recordado cineasta chileno.

"La chica del puente" ( 1999 ) de Patrice Leconte. Otro gran relato de amor de Laconte rodado en blanco y negro, y sutilmente interpretado por la cantante Vanessa Paradis y Daniel Auteuil. Un artista de variedades que es un experto lazador de cuchillos salva del suicidio a una joven que desea lanzarse desde un puente al río Sena. La relación que se establece entre los dos, será el leit motiv de la película, considerando los constantes desvarios sicológicos que tiene la chica y su inestabilidad emocional. Es una singular historia de amor, que retoma los temas que más le preocupan a Leconte, como las relaciones interpersonales entre dos seres de diferente condición social, cultural y mental. Sin duda, entre sus mejores trabajos.

"Himalaya" ( 1999 ) de Eric Valli y Michel Debast. Novedosa, distinta, y muy atractiva historia antropológica rodada en Nepal, y que se centraliza en la tradicional caravana anual de yaks que transportan sal desde un remoto pueblo en las montañas hasta las planicies, y condimentada con la idea de la futura sucesión de un líder frente a la inesperada muerte del jefe de la tribu. Está tan bien rodada en sitios lejanísimos que olvidamos que se trata de una película de ficción, y logra transmitir todas las tradiciones de una cultura desconocida y la belleza sutil del paisaje y de sus gentes. El Cine en su esencia plástica y narrativa.

"Para todos los gustos" ( 2000 ) de Agnes Jaoui. Entrañable comedia de situaciones que muestra como personas de distinta condición social, educacional y cultural se pueden llegar a relacionar y establecer vínculos infranqueables. Tres hombres, tres mujeres, cuestiones en favor y en contra, y así y todo, logran congeniar. Es el debut de una directora brillante, que tiene inteligencia y sensibilidad en el manejo de las situaciones y que utiliza cada historia o viñeta para regocijarse con ironía, humor y sentido crítico respecto al mundo civilizado. Es sin duda, una grandiosa descripción de personajes y anécdotas que rayan en la maestría narrativa. La película obtuvo 4 premios César, el premio David de Donatello a Mejor Película Extranjera, y el de Mejor Película en el Festival de Montreal, entre otras distinciones. Por favor, si no las visto, no la dejes pasar por alto.

"Amelie" ( 2001 ) de Jean-Pierre Jeunet. Perfectamente pasa como un cuento fabuloso, enraizado en la más pura tradición fantástica parisina. Pero es más que eso. Una empática visión acerca del rol de la mujer en una sociedad machista. Una adorable creatura que irradia amor y ternura en cada relación que establece con sus vecinos, con el hombre de la que se enamora, con su entorno y con su propia soledad. Un canto positivista a la esperanza del Amor, a la sutileza de sentirse viva y transmitir optimismo a los cuatro costados, aún en los momentos más complicados. No es extraño que, el espectador se enamore de la personalidad y la mirada de Amelie, un personaje exquisito, moldeado con tacto de artesano que verte su sabiduría en esta chica todo terreno. Además, la película es un delicioso manjar aderezado con las especies más sabrosas del alma humana. El filme ganó 4 premios César, el Goya a Mejor Película Europea, 2 premios BAFTA y cinco nominaciones al Oscar. Con una fotografía y edición de nivel maestro.

"8 mujeres" ( 2002 ) de Francois Ozon. En plena década de los cincuenta, en una mansión campestre durante los preparativos para celebrar la Navidad, el dueño es asesinado para sorpresa de todo el mundo. Todo apunta a las ocho mujeres que habitan en el lugar, lo que da inicio a una detallada investigación para descifrar quien es la culpable del homicidio. Ozon aprovecha este itinerario, para demostrar que, cada una de ellas tendría razones fundamentadas para cometer este acto y revela así, las mentiras que se ocultan detrás de las apariencias de confort y seguridad económica. Concientemente hecha con una estética muy kitsch y colorinche, - casi es un homenaje encubierto a Douglas Sirk -, se trata de una obra ingeniosa, divertida, hilarante, cínica y grotesca, un ejercicio de estilo a la manera clásica y con un elenco antológico de estrellas que encabezan : Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Isabelle Huppert, Danielle Darrieux y Fanny Ardant.

"Swing" ( 2002 ) de Tony Gatlif. Una interesante historia de amor desarrollado en ambientes gitanos. Max de vacaciones en casa de su abuela en Francia, queda ensimismado como toca la guitarra el gitano Miraldo. A cambio de redactar cartas para institutos de seguridad social, el joven recibe lecciones de música y también de como es la ciudad gracias a la amistad que establece con la chica del lugar. Una mirada refrescante para ambientes desconocidos, que se nutren de sus tradiciones culturales y de su música.

"Las trillizas de Belleville" ( 2003 ) de Sylvain Chomet. El primer gran acercamiento hacia un maestro del cine animado galo es esta lúcida, encantadora y sincera película de variedades, que alterna las nostalgias por un pasado idílico, y los sinsabores de una vida marginal a contrapeso de la ancianidad y la juventud de un chico ciclista idolatrado por su vieja madre. Las animaciones son tan perfectas y tiene un estilo tan singular que es difícil de olvidar todo el conjunto. Se estrenó en el Cine Astor de mi ciudad, en una pequeña sala en un segundo piso. que pasaba repleta de entusiastas del dibujo animado. Fue un éxito de público y crítica. Los exhibidores debieron cambiar sus proyecciones a una sala más grande acorde a su resultados en taquilla.

Las maravillosas acciones en la carrera final, revelan el ingenio de Chomet y su invariable amor al cine mudo, pues cada uno de los gags más físicos, se pueden entender sin sonido. Yo todavía la proyecto entre los niños, y funciona a las mil maravillas.

"Fantasma con chofer" ( 2006 ) de Gérard Oury. Comedia de fantasmas, jocosa y divertida, que va de un empresario millonario, hosco y egoísta, que ha sobrevivido con empresas inexistentes en otros países, que tiene un hijo adolescente desatendido, una ex mujer alcohólica y un chofer bajito, calvo y sinvergüenza, que ha aprovechado su empleo para traficar estupefacientes, embarazar a su amante y vivir en duplicidad con una esposa toda terreno. Se constituye en una película muy simpática, agridulce, llena de situaciones humorísticas, con una estupenda banda musical de Wojciek Kilar, increíbles efectos visuales y una sólida fotografía urbana de Robert Frasier. Es la película ideal para pasar un rato agradable.

"Paris Je t"aime" ( 2006 ) Colectivo. Un magnífico, desigual, interesante y novedoso compendio de relatos cortos, que no superan los ocho minutos cada uno, y que tiene como telón de fondo los rincones más insólitos, característicos o desconocidos de Paris. Compuesto por 15 historias, viñetas, semblanzas o simples tomas enriquecidas por la admiración que despierta "la ciudad luz", integra trabajos del norteamericano Gus Van Sant, del francés Olivier Assayas, de los estadounidenses Ethan & Joel Coen, Wes Craven, Alexander Payne, del italiano Vincenzo Natall, del británico Christopher Boyle, entre otros.

"Por favor, rebobíname" ( 2006 ) de Michel Gondry. Un homenaje sensible e inteligente al acto de hacer películas. A partir de una historia ilógica : un chico que atiende un videoclub borra , sin querer, todas las películas almacenadas en VHS; Gondry efectúa un relato cinéfilo sobre la magia que tienen las películas en el consiente colectivo. En tono de comedia amable y divertida, los amigos del cuento se unen para producir en tiempo récord, todas las películas imaginables que reemplazarán a las cintas originales. El estilo y la estética tan característica del realizador francés, está alambicado en esta producción americana, que tiene la tremenda ventaja de ser un relato ágil, bien narrado, mejor actuado y super absorbente, sobre todo para los que alguna vez hemos jugado a hacer películas. Muy recomendable.

"Persepolis" ( 2007 ) de Vincent Paronnau y Marjane Satrapi. Una gran película animada, innovadora, auténtica, original, adulta, crítica y humana. Es la historia de una niña iraní desde la revolución islámica hasta nuestros días, contada como un libro de vida, se constituye en una gran novedad por su especial formato, su manera de apreciar las situaciones más trágicas de una sociedad tiránica, y los antagonismos y diferencias entre la cultura de la protagonista y la europea, muy bien, especificadas cuando la chica se deleita con el punk, ABBA y Iron Maiden. Pura animación sobre hechos reales contada con gran autenticidad e inventiva. Una real delicia.

"El Ilusionista" ( 2010 ) de Sylvain Chomet. Obra maestra, no tan sólo de la animación, sino que del cine, en cuestión, gracias a la creativa pluma de Chomet, pero sobre todo, a su visión al entender el estilo del recordado comediante al que se homenajea Jacques Tati y trasponerlo en un mundo de dibujos animados con una solvencia, una exquisita estética y un notable trabajo de las situaciones más divertidas. El guión que no pudo filmar Tati, le permite a Chomet idealizar una época de beatniks algo erráticos, visitas a Irlanda y apreciar de la cultura anglosajona sus virtudes y defectos con gran intencionalidad y mucha sátira.

¡Abracadabra ! La perfección de Chomet para graficar las aptitudes y los movimientos del Jacques Tati animado merecen un aplauso cerrado de la audiencia.

Curiosa relación entre una chica que sueña con lo inalcanzable y el mago que se las da en un principio, para demostrarle al final que, hay sueños, que en sueño se quedan.

"El artista" ( 2011 ) de Michel Hazanavicius. Homenaje a los recursos expresivos que tiene el cine mudo clásico, que es también una historia lúdica, un musical sin sonido, una comedia mable y sutil y un experimento en tiempos remotos de cine digital y técnica informática. Narrada como si se tratara de un biopic, con la existencia de una estrella de Hollywood de 1927, en plena época del advenimiento del sonido, cuya carrera corre peligro , y que sin quererlo, compite con una figura ascendente que comenzó como extra a su lado, y que se convierte en poco tiempo, en una esplendorosa actriz. Es una nítida, brillante, fascinante y sensible película del cine dentro del cine, que nos pone en contacto con la magia de los grandes clásicos en blanco y negro, y que nos es más que grito auténtico de amor por el cine y sus orígenes expresivos. Ganó cinco Oscar, incluyendo mejor película, director y actor, tres Globos de Oro, siete premios BAFTA, seis premios César y la Palma de Oro al Mejor Actor en Cannes. Imposible no apreciarla en toda su magnitud.

"En la casa" ( 2012 ) de Francois Ozon. Entretenido ejercicio de estilo al cine de Hitchcock, al cine de misterio y suspenso, y al cine como canal donde van a parar todas nuestras obsesiones, miedos, penurias, pero también alegrías y sueños. Parte cuando un profesor de literatura descubre que al fondo de su clase, existe un joven con una poderosa capacidad de observación explicativa que traducirá en textos que él mismo le incentivará a escribir. Este juego emocional- literario, le permite explorar a director, en los cada vez más estrechos e invisibles límites de la realidad y la fantasía, hasta perder el juicio en los supuestos erótico-amorosos del joven alumno, que terminará adueñándose de la familia de un compañero de clases. Notable obra maestra contemporánea, muy atendible en estos términos de lucidez creativa que es también un atento tratado sobre la construcción del relato. Tiene un grandioso guion con inteligentes diálogos y acciones, y notables actuaciones de : Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Kristin Scott Thomas y Emnanuelle Seigner.

"Amour" ( 2012 ) de Michael Haneke. Coproducción austriaco-francesa-germana, sobre un matrimonio de ancianos jubilados que habitan en París. Un día, ella sufre un infarto, lo que obligará a la pareja a poner a prueba su unicidad, su amor y su sacrificio. Se trata de una extraordinaria película minimalista, que habla sin tapujos de la muerte, el dolor, el sentido de la pérdida, y que te dejará sin aliento por su notable realismo, sus aptitudes humanistas y su mensaje. Es una aproximación que destila verdad sobre la vejez, y donde Haneke se reconcilia con los temas vitales más existencialistas y menos oscuros que caracterizan su filmografía. Inolvidables las actuaciones de Emmanuelle Riva y Jean -Louis Trintignant. No se olvida.

"Holy Motors" ( 2012 ) de Leos Carax. Una película críptica, violenta, genial, estúpida, sensible, aterradora, pretenciosa, compulsiva, ambivalente, insuperable, como rodada en etapa febril. Es una gran lección de cine libre de ataduras, bizarra, antojadiza, cruel, que cultiva el feísmo pero que suministra una belleza rara y extraña. Se trata de graficar la vida de un hombre durante un día, pero a través de distintas personalidades, desde monstruoso asesino a padre de familia. Un experimento hipnótico y surrealista que estuvo nominada a nueve premios César.

"La vida de Adele" ( 2013 ) de Abdellatif Kechiche. Envidiable conocer a la joven sensual Adele, en su etapa adolescente de quince años, descubriendo los placeres carnales y las sugerencias erótico- lésbicas, en una soporífera historia que administra a dos tiempos la realidad de una chica en su propia intimidad. El deseo irrefrenable por besar a una chica de pelo azul, la lleva a una experimento sexual muy apetecible, que cambia su orientación de acostarse sólo con varones. Esta situación extrema, agudiza sus sentidos del placer, pero minimiza sus obsesiones eróticas para recapitular su posición dentro de la vida. Seguramente nunca en la historia del cine, se ha hecho una película tan directa respecto a los temas del amor, el romance, la pasión y el sexo. Todo con una mentalidad abierta y perdurable. Algunas escenas pueden parecer pornográficas porque el director filma las escenas sexuales con una autenticidad sorprendente, pero en su espesura sicológica, están incluidas con una sutileza desgarradora y consiente, que habla de la complejidad que existe en la sociedad actual sobre los temas sexuales.

En la agresividad erótica de su propuesta, Kechiche se mete en la cama de Adele Exarchopoulus para contarnos la vida íntima de una chica sin tapujos, ni censuras. En su momento, causó revuelo, y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes a Mejor Película y el Premio FIPRESCI. Es una película que abre el debate sobre los temas que no se conversan en clases.

"Cézanne y yo" ( 2016 ) de Danielle Thompson. De la realizadora nacida en Mónaco, una de las cineastas francesas mejor pagadas de la industria gala. Cuenta la historia de amistad y rivalidad que existió entre el pintor impresionista y padre del arte moderno Paul Cézanne, y el escritor Emilio Zola, el mayor exponente de la literatura naturalista a fines del siglo XIX. Las disyuntivas entre estos dos reconocidos intelectuales, afloran en un relato donde también confluyen las relaciones íntimas de ellos y sus parejas. Los hermosos paisajes de Provenza, agregan interés a una película que restablece la importancia que tuvieron estos dos genios de orígenes dispares y que marcaron una época. Sexto largometraje de una valorizada cineasta que logra su obra más famosa y taquillera. Extraordinarias actuaciones de dos Guillaume : Canet y Gallienne que transmiten el carácter, la personalidad y la fuerza emocional de sus respectivos personajes.

"La tortuga roja" ( 2016 ) de Michael Dudok de Wit. Producida por los estudios Ghibli y realizada por este animador francés, es una obra maestra que reflexiona sobre el poder de supervivencia que tiene un hombre solitario en una isla. Fábula mesiánica tremendamente poética y con unos dibujos realmente asombrosos. Es también una oda a la Vida, a la belleza de la naturaleza, al ser humano como parte de una cadena invisible con su habitat y con Dios. Sin duda, una película animada asombrosa e inolvidable que se puede interpretar desde el génesis de la propia Humanidad. Obra maestra.

"Custodia Compartida" ( 2017 ) de Xavier Legrand. Quizás la película intimista más transparente y realista que se ha hecho en el último tiempo, sobre el tema de la violencia familiar. Un relato construido desde la perspectiva de un niño, con mucha economía expresiva y de real impacto moral, que nos sumerge por una realidad angustiante que sufren millones de niños y familias alrededor del mundo. Sus actuaciones son brillantes, y el debutante Xavier Legrand está modélico, asumiendo los recursos expresivos del cine con una austeridad adulta muy lograda, y manifestando su inconformidad respecto a un problema, que se conversa aún en los pasillos, pero que no es, lo suficientemente público como para erradicarlo de raíz. Imperdible.

Fotos- Gentileza : Cahiers du Cinema- Cinemanía- Entertaiment Weekly- Filmes Europe- Archivo.-