LOS OFICIOS DEL CINE / LA FOTOGRAFIA EN EL CINE DE KUBRICK :

Películas maestras de un genio irrepetible.

El marcado clasicismo romántico en "Barry Lyndon", la pieza maestra de Stanley Kubrick, arrebata con sus extraordinaria y expresionista fotografía del operador John Alcott. Como esta notable película, citamos varias más del célebre realizador en esta nueva entrada del blog, para detenernos en los logros fotográficos de su obra. 

El encuadre convertido en obra pictórica.

El cine de Stanley Kubrick está lleno de referencias a la pintura, a los cuadros más representativos del ideario cromático, y por correspondencia, a la genialidad de un innovador. También a sus años como fotógrafo de la revista "Life". Nosotros, a la manera del blog, le homenajeamos con estas suculentas fotografías de sus películas más representativas en este oficio.

"Senderos de gloria"/"Paths of glory" ( 1957 ) : La mirada insolente. Kirk Douglas en las trincheras asumiendo el plan que no se hizo bien. Hay insertos montados por el realizador, donde sólo vemos rostros y gestos en primer plano. Una manera categórica de sugerir los estados anímicos de los personajes.

El fotógrafo Georg Krause asimiló la corriente expresionista germana, con un apego a estos contrastes de luz verdaderamente ingeniosos.

Kubrick colocó la cámara a la altura de los hombres, y la desplazó por los largos pasadizos de las trincheras, para seguir a los soldados en un ambiente claustrofóbico, rodeado de explosiones enemigas y con la muerte en acecho permanente.

En el proceso de preparación del juicio militar, Krause por sugerencia de Kubrick, remarcó la importancia de los espacios del castillo subrayando el valor de la pintura, los muebles y la arquitectura barroca del lugar. en perfecto orden como los drásticos designios castrenses.

La película se rodó en Alemania, y los exteriores en el Palacio de Schleibheim en Bavaria, bajo el auspicio de Kirk Douglas, con el aporte de la United Artist que puso 900.000 dólares de presupuesto, de los cuales 350.000 fueron financiados por el famoso actor. Fue la primera cinta que se atrevió a analizar en profundidad, los intereses que entran en juego durante la guerra y que se convierten en una excusa para satisfacer intereses personales y escaladas de poder.

El fusilamiento es un acto inútil, corrupto e inhumano y está subrayado por Kubrick, con insistentes perspectivas y una cámara con un alto grano angular, capaz de definir en un solo plano, los tres ajusticiados, el sacerdote y el conductor de los féretros. Además, de parte del paisaje de fondo.

En "Espartaco"/"Spartacus" ( 1960), la acción se desarrolló en lugares abiertos, sesgados por espacios construidos dentro de un estudio, pero donde es atendible los contrastes de luz. Aquí vemos la confrontación de los gladiadores interpretados por Kirk Douglas y Woody Strode.

Nótese a Kubrick con su cameraman Russell Metty en el rodaje, y las lámparas alógenas que iluminan los cuerpos en choque. Es una escena de acción y violencia fuertemente controlada por los técnicos y fotógrafos.

Secuencia de un erotismo manifiesto a tono con la relación de sus protagonistas, donde la actriz Jean Simmons viste un bikini color carne y Kirk Douglas espera instrucciones para continuar la filmación en un paisaje hecho en estudio. Nótese el color azulado del fondo simulado por lámparas con filtro.

En el CinemaScope de su época, Kubrick le saco partido gracias al fotógrafo Russell Metty, a los espacios exteriores, con suficiente inteligencia como para definir perspectivas, colores y formas. Nada quedo al azar. 

Fíjense en este encuadre : los personajes centrales ( en este caso Kirk Douglas y Tony Curtis ) al centro del cuadro, atrás aparecen las colinas, y de fondo muy remarcado, sobre un caballo blanco, el soldado vigía que controla las fugas y los amotinamientos.  

La novela de Howard en que se basa la película, fue publicada en 1951, después de sortear innumerables obstáculos. Como estaba incluida en las listas negras del Senador McCarthy por su militancia comunista, las editoriales se negaron a publicar la novela y el propio Fast la compartió gracias a una subscripción pública. Pese a estos avatares, el éxito acompañó a la novela desde el primer momento. El guionista Dalton Trumbo veía a Espartaco como un símbolo de la pasión del hombre por la libertad contra la opresión de los poderosos, mientras que, Kubrick suavizó la tendencia izquierdista del personaje para convertirlo en un ícono de la democracia. A través de esta cinta, Kubrick aprendió a utilizar el color, a conversar con grandes estrellas y a confrontar los avatares de la gran superproducción y lo que eso significa. Sin duda, su fotografía permite conocer la obra de un gran operador como fue Russell Metty, que trabajó también para John Huston, Orson Welles y Steven Spielberg.    

Numerosas secuencias en exteriores fueron filmadas por Metty y Kubrick desde una cámara con grúa.

En "Lolita" ( 1962 ), adaptación de la mordaz e irónica novela del escritor Vladimir Nabokov, Kubrick potenció el uso del blanco y negro con el operador Oswald Morris, que utilizó iluminación a "lo Hollywood" para subrayar la belleza y sensualidad de la adolescente interpretada por Sue Lyon. Los resultados fueron muy impresionistas y lograron hacer brillar la figura de la chica en relación con sus partenaires.  

Compartiendo la ansiedad perniciosa del profesor Humbert Humbert ( James Mason ), que queda embelesado con  los encantados y la juventud de la ninfa constante, Kubrick utilizó para las escenas interiores luz cenital, lo que da gran brillo y un aspecto etéreo al rostro de la muchacha. 

Kubrick relativizó los espacios interiores para crear la idea de sofoco y encierro, que sufre el profesor completamente enamorado de la niña.  Muchos críticos reprobaron en su momento la elección de la actriz, que Kubrick descubrió en la televisión cuando vio a Sue Lyon actuando en un capítulo de "El show de Loretta Young". Es cierto que, el rostro de la actriz aparentaba mucho mayor edad, que sólo sus 14 años cuando rodó la película. Y eso, aparte de que la censura tampoco hubiera permitido una protagonista aniñada, evitando el posible escándalo de las relaciones de Lolita que son atenuadas por Kubrick sobre la pantalla, restringiendo las apasionadas aventuras que con tanta polémica desarrolló Nabokov en el libro.

Director y actriz repasando el guion de la película.

Una Odisea en la historia del Cine.

"2001 : Odisea en el espacio" /"2001 : A Space Odyssey" ( 1968 ) : Se cuenta como la película más ambiciosa desde el punto de vista personal de Kubrick hasta ese momento. Se requirieron cuatro años de preproducción y producción para una obra titánica, que introduce de manera inteligente el concepto vertiginoso del "fuera de campo" de magnitudes colosales, acerca de una idea desoladora sobre la infinidad del conocimiento. Con una innovadora mirada, que mezcló tecnología con la capacidad de adelantarse a los temas de interés universal, Kubrick y el operador Geoffrey Unsworth alcanzaron lo maestro. 

Keir Dullea absorbido por los decorados matemáticos, algebraicos, en eternas perspectivas, y que mejor resumen la vastedad del cosmos. Director y fotógrafo trasformaron el universo de la ciencia ficción en una parábola  existencialista.

En uno de los sets de la película aparece el equipo y Kubrick, soliviantando la adaptación de Arthur C.Clarke con una seriedad adulta, que la transformó en la capilla sixtina de la ciencia ficción y abrió las expectativas de un género, normalmente considerado menor e infantil, a alturas inimaginables. Cuestión del destino y de un esfuerzo inaudito para el arte cinematográfico.

Nótese el enigmático monolito negro descubierto en las cercanías de Júpiter por el astronauta David Bowman ( Keir Dullea), que cuando se encuentra con él a corta distancia, es engullido en un viaje a través de las estrellas hasta una habitación, donde envejece rápidamente antes de renacer como "el niño de las estrellas", en el plano final de la película cuando regresa a la Tierra. Unsworth filmó estas secuencias con una especial calidad en los colores y texturas de los espacios interiores, revelando su total conocimiento del cromatismo simbólico que tienen las acciones.

La película en el Cinerama de la época, obliga a la dupla Kubrick-Unsworth a utilizar cámaras que pesaban media tonelada, lo que supuso integrar secuencias con cámaras móviles más livianas y con travelling.

Una escena perfecta sobre la profundidad de campo que nos muestra la importancia que tiene toda la extensión de la nitidez de una imagen. En el primer plano, los dos astronautas de la nave "Discovery" preparan la desconexión de la computadora "HAL 9000". La máquina desde el fondo vigila la conversación de ambos. En este caso, la perspectiva guía la mirada del espectador hacia el ojo vigilante de HAl.  

Los decorados que sugieren el espacio interior, están muy bien realzados por una fotografía que juega con el cromatismo más formal: azules, rojos, negros y colores metálicos, se entremezclan para determinadas escenas, como ésta donde el actor William Sylvester habla con la hija real de Kubrick, en una escena que antecedió los avances tecnológicos que disfrutamos hoy día como la conexión satelital de Sky.

La amplitud de los decorados siempre ovalados, nos sugieren la inmensidad del exterior. Unsworth rueda estas secuencias, como si se tratara de una visita formal a un satélite de la NASA. Kubrick se recrea con la rutina de los viajes inter espaciales como si fueran pan del día. 

Desde "Planeta Prohibido" que no se observaba el cosmos con tanta amplitud escénica. Secuencias como ésta, donde queda muy en claro la lejanía de los planetas de nuestro sistema solar, dieron que hablar muchísimo a la comunidad científica de su tiempo, y se adelantaron con absoluta seriedad a los ambiciosos proyectos de poblar otros mundos. 

Kubrick con HAL 9000, el ordenador que se revela porque no está programado para mentir, y decide eliminar a toda la tripulación del "Discovery" para resolver su problema. Su lenta extinción está considerada como una de las grandes muertes de la historia del cine. Nótese el color rojo del set, para sugerir la ira y la maldad.

Nunca antes en el cine se habían visto escenas espaciales tan realistas. Fue una película que se anticipó a toda la nueva era del cine de fantasía y ciencia ficción, que comercialmente partiría con el éxito inusitado de "Star Wars" en 1977. 

La nave "Discovery" ( que además, dio nombre a un conocido canal de televisión por cable), es una de las naves inolvidables de la historia del cine. El especialista Stuart Freeborn le dio vida con una modélica forma que hizo escuela. La fotografía de Unsworth logra una dimensionalidad infinita en las novedosas escenas de viajes inter espaciales. 

Keir Dullea en su proceso de envejecimiento antes de renacer mirando a la Tierra. El enigma está casi revelado. Fíjense en el color del traje espacial ( un rojo carmesí ), que contrasta con los azules profundos. 

El escenario que simula una gran esférica orbital, fue desarrollado en los estudios Elmstret en Londres, con un acabado espectacular que permite a nivel fotográfico mediante ángulos inclinados, sugerir la inestabilidad del espacio.

Aquí el director dentro de la esfera orbital.

El flash-forward ( salto hacia adelante ), más creativo en la historia del cine.

La pesada cámara Super Panavisión en Cinerama, que Kubrick utilizó para rodar "2001".

Una reflexión.

"Intenté crear una experiencia visual, que evitara el encasillamiento en las palabras y penetrara directamente en el subconsciente con un contenido emocional y filosófico" ( Stanley Kubrick ). 

Plano a Plano. 

"La naranja mecánica"/"A Clockwork orange" ( 1971 ) : El close up insolente con el protagonista interpretado por Malcolm McDowell. La película estuvo prohibida en Inglaterra hasta 1999, año de la muerte de Kubrick, quien mantuvo en secreto las razones que le indujeron a autocensurar su película en 1974. Quizás le disgustaba tener que hacer frente una vez más a la acusación de exaltación de la violencia, o es posible que estuviera amenazado. Lo cual no sería nada extraño, porque su película se mantuvo en el centro de una viva controversia.

Es la primera película en el fondo, que muestra la violencia urbana radical. Los críticos la acusaban de ser ultra brutal, y por otro lado, de no cuestionarla, temían que las escenas violentas provocasen fácilmente su imitación. Con la altura que dan los años y el tiempo, la película es una gran metáfora a la marginalidad juvenil, y además, un discurso completo sobre la relación entre el poder, la estética y los medios. A su modo, Kubrick no ofrece respuestas concretas, simplemente plantea problemas y cuestiones para reflexionar. El operador John Alcott jugó con los espacios exteriores e interiores, dándole gran preponderancia a los contrastes de color y a los claroscuros. En algunas secuencias, subrayó los efectos de luz con las sombras y consideró una brillantez extrema a nivel técnico que todavía perdura.

"Videa bien, hermano, videa bien"... Términos y situaciones que vendrían a adelantarse a su tiempo para mostrar el misterio y la variedad de la conducta humana. "The New York Times" señaló en su momento : "Como rehúsa utilizar las emociones de un modo convencional, exigiendo en su lugar que asumamos un control constante e intelectual de las cosas, resulta una experiencia cinematográfica de lo más inusual y desorientadora". 

Nótese la integración del color en esta escena, con la familia del desadaptado Alex. La fotografía de Alcott, subrayó el valor intrínseco de los matices de colores vivos con otros de tonalidades más bien metálicas. Plasmó un universo único, donde primaron los detalles anacrónicos.  

Perspectiva de gran angular, para dimensionar la cárcel donde estará recluido un tiempo el irónico Alex. Kubrick buscaba escenarios modernos y avanzados para su obra, y compró números atrasados de diez años atrás de varias revistas de arquitectura, dedicándose con John Barry -diseñador del film-, a seleccionar aquellos edificios que mejor consideraban para la acción de la película. Se rodó en la Universidad de Brunel, cuando Alex es trasladado de la prisión al centro médico. Los exteriores del bloque de pisos fueron filmados en Thames-mead , un proyecto arquitectónico en Londres.

En esta secuencia donde ultrajan a una mujer, Alcott filma las escenas con la luz de frente - y al contrario de como se hace en el thriller- con matices muy vivos y detallistas donde resaltan los cuadros de los muros y las figuras en mármol, como un enorme falo con el que se contonean los violadores. En la iluminación de la película, el 85 % fue realizado con fotofloods en lugar de las bombillas de luz normales. El uso de nuevos lentes ( la de 9,8 mm con un ángulo de visión de noventa grados ), utilizada en diferentes ocasiones, produjeron una leve distorsión en la imagen, muy a tono con la pesadilla que vive Alex. 

Planos tan sugerentes como éste, donde el marido de la mujer violada reconoce por la voz a los atracadores, está rodados por Alcott con suficiente libertad, como para sugerir la emocionalidad del momento.

"Barry Lyndon" ( 1974 ) : La pintura en el realismo del paisaje. 50 locaciones, como el castillo de Howard, aparecen en esta brillante adaptación de la novela de William Makepeace Thackeray. El operador habitual de Kubrick, John Alcott la rodó casi totalmente en la hora mágica, ese momento del día en que la luz natural es perfecta , con el innovador uso de lentes para rodar con velas en escenas interiores. 

Kubrick/ Alcott efectúan unos colosales panorámicas y planos generales, con un uso sistemático del zoom que es perfecta. Además, la mayoría de los encuadres están concebidos desde la perfección de la pintura de época, que Kubrick estudió antes de rodar en Irlanda, Inglaterra y Alemania, a un costo considerable para su tiempo, de 11 millones de dólares. Eso sí, la cinta terminó por recaudar en su paso por las salas de casi todo el mundo, la nada despreciable suma de 31.500 millones de dólares. Como bien señala la crítica "Barry Lyndon resulta encantadora, pero la perfección de sus imágenes se ve igualada por el torbellino interior de unos personajes aparentemente fríos. A menudo se acusa a Kubrick de ser poco emotivo, pero su contención en esta película resulta conmovedora". 

Kubrick / Alcott modificaron una cámara Mitchell y utilizaron objetivos Zeiss de focal 50 mm y apertura FO. 7 , y mediante el tratamiento especial del negativo logró plasmar escenas completas como ésta, iluminadas con velas en una imaginativa proeza técnica para ambientar escenarios dándoles una atmósfera algo lóbrega, espesa y sombría. 

En escena aparecen Ryan O"Neal y Marisa Berenson únicamente iluminados desde el exterior, por la luz natural. La película describe las aventuras ficticias de un personaje irlandés del siglo XVIII, demasiado ambicioso y egocentrista que sube en la escala social para caer en la desdicha de la Guerra de los Siete Años. 

El filme es una exquisita y refinada clase de estética, arropada en el trabajo de la fotografía del experto John Alcott, de los suntuosos decorados y escenarios, y del modélico vestuario, que recoge todo el boato y la decadencia de esos lejanos tiempos. Su banda musical considera obras de Bach, Vivaldi, Haendel y Schubert, y algunos temas han sido programados en el programa "Cinemanía" de Radios Universidad de Talca. 

Stanley Kubrick iluminado por velas, durante el rodaje junto a los actores Ryan O"Neal y Hardy Kruger.

Fíjense en los detalles de este plano : Ella al medio del encuadre con el bebé en brazos. Detalle del sombrero de su cabeza, del bordado de su vestuario y de la ropa del bebé. También detalle del vestuario de los comensales que aparecen detrás.

Hermoso plano general de Ryan O"Neal con su hijo cinematográfico, convenientemente iluminados desde fuera por la luz exterior sobre un magnífico cuadro de época.

"El Resplandor" /"The Shining" ( 1980 ) : La locura de la soledad y el aislamiento. Fue un ejecutivo de la Warner quien le envió una copia de la novela de Stephen King, y el sello productor que le puso 20 millones de dólares en el más absoluto secreto para rodar su adaptación a la gran pantalla. Interpretada por Jack Nicholson, Shelley Duvall y el niño Danny Lloyd, es una muestra de cine sicológico entremezclado con terror, a partir del aislamiento que sufre un escritor en ciernes, cuando concurra con su familia a vigilar durante el invierno, un gran hotel de montaña "Overlook", que le dará tranquilidad suficiente para escribir un nuevo libro. 

Kubrick / Alcott integraron una filmación novedosa con el nuevo sistema de steady camp, pero además, utilizaron los recursos para sugerir los distintos estados anímicos que sufre el protagonista hasta su colapso mental. Esta escena por ejemplo, incorpora a la iluminación del decorado, iluminación cenital ( sobre la cabeza de él y ella ),  

Ejemplos categóricos de close ups fundamentalmente emocionales : primero con la madre empuñando un cuchillo defendiéndose de su colérico marido y.... 

…. después con el hijo, aquí en una secuencia terrorífica, que tiene una directa imbricación con lo que le va a suceder después en el laberinto de nieve.

Otra vez en la dupla Kubrick / Alcott, el concepto de los decorados y los colores, las geometrías de los espacios en perspectiva, vuelven a corresponder a un magistral momento.

Nótese los cambios de posición de cámara, cuando se sugiere el suspenso más efectivo.

Un leve plano detalle....

El uso de la steady camp, fue muy novedosa como insinuación subjetiva.

La aparición fantasmal de las mellizas, es uno de los momentos cruciales del filme.

El enorme hall donde el escritor despierta a la insanidad mental, subraya el aislamiento progresivo en que cae su familia y la locura de la que no podrá escapar.

El laberinto a escala, es un juego de Kubrick para trasladar al espectador al verdadero laberinto que es la conciencia del propio escritor. La edición perfecta traslada a los espectadores a los rincones más horrendos de la soledad humana y de los mitos fantasmales que oculta un lugar alejado de la urbanidad.

Los contrastes de luz y color es algo muy característico en el modo de rodar de la dupla Kubrick /Alcott. Después del estreno en Estados Unidos y Gran Bretaña, la Warner obligó a Kubrick a recortar 25 minutos de la película, frente al escaso éxito inicial. Paradojas del destino, en sus reediciones en DVD y Blu Ray, la película hoy se goza íntegra tal cual la concibió su controvertido director.

Y finalmente.....

Seis planos que muestran el estilo fotográfico de Douglas Milsome para "Nacido para matar" / Full Metal Jacket" ( 1987 ), antepenúltima obra de Stanley Kubrick, donde rememora los días que transcurren en la vida de un puñado de jóvenes soldados, desde su adoctrinamiento hasta el campo de batalla en Vietnam. Basada en The Short Times, una novela autobiográfica de Gustav Hasford, con un guion de Michael Herr, es una película "despiadada, cómica, espeluznante y conmovedora a partes iguales, pues retrata aspectos de la guerra jamás mostrados, como un adoctrinamiento militar donde los jóvenes son convertidos en zánganos. Si las escenas de la instrucción dejan por debajo a las secuencias bélicas, Kubrick se encarga de potenciar el dramatismo de las situaciones, con una ironía inteligente y perspicaz.   

Cinco planos de su obra póstuma, "Ojos bien cerrados"/ "Eyes Wide Shut" ( 1999 ), inspirada en "Traumnovelle" de Arthur Schnitzler, es una valiente, original, corajuda e interesante historia sobre un matrimonio en crisis ( Tom Cruise y Nicole Kidman, que vivía en la vida real al punto de su separación legal ), cuyo joven marido se introduce en una extraña secta donde todo lo prohibido, es aceptado como actos ocultos efectuados masivamente en un castillo, a expensas del secreto y del ocultamiento público. Trama macabra encendida por la fotografía del estimable Larry Smith, donde Kubrick se reconcilia con el valor intrínseco que tiene la familia, como única defensa de la maldad  que existe en la Humanidad. Es también una abierta parábola sobre la decadencia del poder, la corrupción institucionalizada, el despertar humano a lo prohibitivo, y la certera mirada de la otra cara de la civilización, Una cinta que te deja un sabor amargo, melancólico, intranquilo y muy atento a los devenires de las cúpulas que manejan el mundo. Imperdible para reconocer en el maestro, la sabia personal de una gran artista del cine de todos los tiempos.

Y eso es todo por esta entrada. Hasta la próxima !!!! Fade out.

Fotos-Gentileza : Universal Pictures- Metro Goldwyn Mayer- Warner Bros- Stanley Kubrick Collection- The New York Times- Life- Entertaiment Weekly-  Archivo.-

Cartel original de "2001: Odisea en el espacio".

Poster publicitario de "Barry Lyndon".