LOS DIRECTORES / ESOS PEQUEÑOS ARTESANOS DEL CINE B :

Con pocos recursos, mucha imaginación y dominio narrativo.

No existe otra película más innovadora y osada que "El demonio de las armas"/"Gun Crazy, 1949, dirigida por Joseph H.Lewis. Una obra cumbre del cine negro que fue también un soplo de aire fresco para un género muy popular y variado. Sobre artesanos como Lewis escribimos en esta crónica para incentivarlos a descubrirles con la magia del digital.

Joseph H. Lewis : Maestro del cine negro.

El director Joseph H. Lewis junto a los actores Peggy Cummings y John Dall en su obra maestra "El demonio de las armas"/"Gun Crazy", un cautivante relato de cine negro, que está rodado con la vitalidad de los nuevos tiempos y con unos diálogos que te pueden hacer sonrojar.

"El demonio de las armas" ( 1949), es una película antológica porque logró innovar en la utilización de los recursos audiovisuales. Antecedente directo de "Boonie & Clyde", considera una imagen muy oscura de la posguerra estadounidense pero con un tratamiento estético y estilístico modernista. Casi toda la acción transcurre en exteriores y a luz de día, lo que constituye una novedad para su época, y hay secuencias magistrales como la huida que tiene esta pareja de ladrones de bancos, arriba de un Mustang, que está desarrollado a tiempo real y casi sin cortes, en un solo plano, ubicando la cámara atrás del vehículo, lo que considera al espectador como un testigo directo de los acontecimientos. 

El filme cuenta una historia bárbara que camina desde un principio por la orilla del desquiciamiento. Se inicia con la actitud del niño Barton Tare ( Rusty Tamblyn), que rompe una vitrina para robar una pistola. Pese a que en los tribunales, su familia y amigos aseguran que el chico ha sentido una traviesa fascinación por las armas, sin haber matado jamás a nadie vivo, el juez le impone una condena. Años después, Barton ( John Dall), regresa a su pueblo natal para reencontrarse con sus viejos amigos convertidos ahora en periodista y policía, y a su vez, descubre su alma gemela, en una tiradora de circo, Annie Laurie Starr ( Peggy Cummins). Su aparición adquiere un desenfrenado tono sexual donde las armas toman una simbólica metáfora fálica, como nunca antes se vio en el cine.  Señalan los críticos Ascanio Cavallo y Antonio Martínez , recordando la forma en que Lewis dirigió a la actriz, la instrucción fue breve : "Eres una perra en celo y lo deseas a él. Pero no le permites que se apresure. Lo mantienes, esperando".  

La fascinante belleza de Peggy Cummins fue uno de los detonantes de la historia de "El demonio de las armas". Lewis filma el comienzo de la carrera criminal de esta insólita pareja como si estuviéramos en un despeñadero : en dos minutos pasan de las bencineras a los bancos. Y si la dirección ha tenido hasta aquí un fuerte tono personal - contraluces, angulaciones agudas, primeros planos de gran dureza-, el asalto al banco de Hampton  muestra un soberbio control técnico...con cuatro movimientos de cámaras todos destinados a recoger la excitación síquica. Sin duda que, la desesperada poesía de esta original historia es testimonio certero de lo que Andrew Sarris calificó como "complicado estilo visual de Lewis", algo que lo coloca, indiscutiblemente, entre los grandes maestros del cine de acción y suspenso. 

¿ Quién fue el director ?

Junto a los actores Glenn Ford y Barry Kelly en "The Undercover Man" ( 1949)./ Hijo de oculista, comenzó como ayudante de cámara en MGM, siguiéndole los pasos a su hermano mayor, que era un reputado editor. Con él después se inició en 1931, para sucesivamente ocupar puestos similares en MGM y Republic. Como director oficialmente partió con el thriller criminalístico "Navy Spy", interpretado por Conrad Nagel y Eleanor Hunt, que supervisó a medias junto a Crane Wilbur. En este período hizo muchos westerns baratos y cine negro, afín con los escasos recursos y la filmación rápida. De todas estas películas, conviene resaltar : "Two fisted Rangers", "Texas Stagecoach", "The Return of Will Bill", "El fantasma invisible", "El doctor de Marked Street", "Bombas sobre Burma" y "Minstrel Man". Su reputación pasó a primer plano cuando filma para la Columbia: "My Name is Julia Ross" ( 1945), un logrado relato de cine negro con Nina Foch, May Whitty y George MacCready.  Después habría de asentar su fama en este género gracias a películas como : "The Falcon in San Francisco" ( 1945); "So Dark The Night" ( 1946), "El demonio de las armas" ( 1949); "Relato Criminal" ( 1949); "Mujer sin pasaporte" ( 1950) "Cry of the Hunter" ( 1953 ) y "Agente Especial" ( 1955). Lewis falleció a los 93 años de edad en Santa Mónica, California en el 2000.  

Edward L.Cahn : Reivindicado por Tavernier.

"Se requiere un gran sentido visual" infiere el cineasta y crítico de cine francés Bernard Tavernier, a propósito del reestreno de la película "Afraid to Talk", 1932 ( en la foto ) del director B del cine norteamericano Edward L.Cahn ( 1899-1963). En un ciclo dedicado a restablecer su obra en el 2016, Tavernier dijo en una ocasión a la revista "Variety", que, "Desde hace algún tiempo he querido mostrar las películas dirigidas por él. Es un director clave que para muchos de nosotros sigue siendo un enigma, porque mi generación se familiarizó con su trabajo en la década del 60, esencialmente en Bélgica, donde sus películas fueron estrenadas en las salas de cines. Nunca fueron mostradas en Francia. Las producciones minimalistas más pequeñas como "Zombies en Mora Tau"( 1951), "Creature the atom brain" ( 1955), "Voodo Woman" ( 1957), "Five Guns to Tomstone" ( 1960), westerns y películas de terror, IT!The Terror from Beyond Space"( 1958), que podríamos decir fue el precursor de "Alien". Entre 1932 y 1934, hizo películas de a cuatro o cinco al año, que son asombrosas, muy diferentes de estas producciones posteriores de Z-movie, muy exigentes y con mucho estilo visual. También rodó "Law and Order", la primera película sobre O.K. Corral. Es una película revisionista occidental, antes de que el género se haya establecido completamente, lo que es algo único en la historia de los géneros cinematográficos", apuntó Tavernier.  

Paul Langton y Shirley Patterson en "IT¡The Terror from Beyond space" el antecedente más directo de "Alien". / Tavernier insiste en la importancia que tiene este director B para el desarrollo del cine de géneros. "Mi película favorita de Cahn es "Radio Patrol", un relato lleno de energía. ¿ Por qué su carrera llegó a una pausa después de rodarla? Abandonó Universal y se dirigió a MGM. Hay algo extraño. Hizo un proyecto muy personal y raro. Una película producida por la Liga Antidifamación en 1949. Se titula "Prejuicio". Que sólo fue lanzado en las iglesias. Que creo que fue un tremendo fracaso comercial. A partir de ese momento, todo cambió en su carrera. Se convirtió en un misterio. Ahora es sólo una pequeña nota", recuerda Tavernier. 

"Law and Order", la primera película que abordó el duelo del OK Corral. / El estudioso Bertrand Tavernier recuerda la carrera de Cahn como editor de cine. "Fue el montajista de "El hombre que ríe" de Paul Leni. Se cree que fue la persona que determinó la versión editada final de "Sin novedad en el frente", que editó en un tren entre Los Angeles y Nueva York. Tomó cuatro días, y ahí es donde finalizó la versión. Finalmente fue el productor Carl Laemmle quien encargó su primera película "Law and order", coescrita por John Huston, basada en un libro notable de W.R.Burnett, que todavía está disponible. Y luego hizo "Afraid to Talk" que es cine negro inspirada en una obra de Albert Maltz y George Sklar. Albert Maltz se hizo famoso después como unos de los diez de Hollywood. Un escritor que muy rápidamente fue puesto en la lista negra. Era un comunista ferviente. Dejó de trabajar como guionista bajo su propio nombre y comenzó a trabajar bajo un seudónimo".  

"Laughter in Hell", 1933. / Recuerda Tavernier : "Con "Afraid to Talk" que había sido fuertemente cortada por la censura, adaptada por Tom Reed, un antiguo periodista que se especializaba en notas criminales, trabajó con Edward L. Cahn en tres ocasiones y produjeron guiones bastantes sorprendentes. Por ejemplo "Miedo a hablar"/Afraid to Talk, verás que es una película implacable, increíblemente fuerte en términos de su contenido social. La corrupción, los problemas de las pandillas.  Habla sobre la cobardía de las autoridades públicas. Es una película muy sorprendente, casi expresionista en términos de su estilo de dirección, la búsqueda de luz. También es una película que agrupa a una gran cantidad de actores en los papeles secundarios que luego se hicieron muy famosos. Te sorprenderá descubrirla entre las joyas B del cine de todos los tiempos". De su filmografía también resaltan por méritos propios, las desconocidas, "Laughter in Hell", una auténtica rareza sobre un hombre sentenciado a trabajos forzados por matar a su esposa y a su amante en el siglo XIX, con Pat O"Brien y Merna Kennedy ( en la foto), "Emergency Call", una magnífica cinta realista acerca de los millones de dólares que los propietarios de automóviles obtienen extorsionando a las compañías de seguros,  con William Boyd y Wynne Gibson; "Confidential", un intenso thriller policial sobre un agente federal que intenta vengar la muerte de un amigo yendo de encubierto a la boca del lobo, con Donald Cook y Warren Hymer; y la comedia "Redhead" sobre una pareja que se casa ambicionando heredar una fortuna, y que Cahn filmó dos veces.  

"La maldición del hombre sin cara"/"Curse of faceless man", 1958. De todas sus películas de fantasía y terror esta parecer ser la más ilustrativa de sus constantes temáticas: hay unidad de lugar con un grupo de expedicionarios que cavan en Pompeya, la tumba de un gladiador enterrado dos mil años antes; hay unidad de tiempo con unos profesionales de la contemporaneidad intentando descifrar como revivió este fantástico ser, y hay unidad de acción, donde todo se circunscribe a "lo desconocido", lo macabro, y lo prohibido del asunto. En este caso y con recursos mínimos, logra entusiasmar gracias también a un manejo de los espacios reducidos muy inteligente, y con interpretaciones meritorias de : Richard Anderson, muchísimo antes de transformarse en el jefe de "El hombre nuclear", la popular serie televisiva de los años setenta; Elaine Edwards, Adele Mara, ambas actrices B con cierta popularidad en esos años, y un viejo actor de carácter de origen mexicano Luis Van Rooten, especialista en múltiples dialectos y que le da la nota de sabiduría a la historia.   

Robert Siodmark : Hazlo bien y hazlo rápido.

Robert Siodmark ( 1900- 1973). Si el cine B no hubiese existido, tal vez, la carrera de Siodmark no se hubiera desarrollado lo suficiente para brillar con luz propia. Sí, porque estamos frente a uno de los mejores directores de segunda fila, gran guionista, hombre culto y con unas dotes para narrar que Welles e Hitchcock envidiarían. Y pese a todo, considerado por muchos, un director con oficio. Que tuvo al frente de sí mismo, películas de todos los calibres para todos los públicos, desde farsas hasta folletines. Si bien había nacido en Tennessee , su familia regresó a Alemania antes de que cumpliera el año de vida. Algunos biógrafos sitúan su nacimiento en Dresden. En cualquier forma, después de cursar estudios universitarios, trabajó en un banco, como su padre, pero la inflación germana le derrumbó sus ambiciones financieras. Entonces, vio "Dr.Mabuse" y decidió dedicarse por entero al cine. Ingresó como montador y escritor de rótulos para películas mudas. Hasta que convenció al productor Seymour Nebenzal para que invirtiera 5.000 marcos en una película basada en una idea de su hermano Kurt, y con un joven guionista llamado Billy Wilder efectúo "Menschen am Sonntag" ( 1929 ), codirigida junto a Edgar G.Ulmer y con la estupenda labor fotográfica de Eugen Schüffman. Lo que viene después es historia conocida, Eric Pommer de la UFA contrató a Siodmark, que hizo sucesivamente tres películas de distinto interés, y quedó en el ojo de Goebbles, que con la llegada del nazismo se decidió refugiar en Hollywood en los estudios Universal. Dado que el estilo de esta casa productora era deudora del mejor expresionismo alemán, Siodmark se sintió como en su casa. Rodeado de compatriotas rodó la secuela "El hijo de Drácula", y después haría obras maravillosas como "La dama desconocida", "La escalera de caracol", y unas notables contribuciones al cine negro y de espíritu antibelicista como "Cry of the City", "El abrazo de la muerte" y "Los asesinos". Siodmark hizo dos películas más antes de volver a Europa, como "El temible burlón", para culminar en Alemania con un puñado de películas impresionistas, apenas conocidas y que demuestran la consolidación de un estilo muy particular de utilizar los recursos expresivos del cine.  

"Los Asesinos" /"The Killers". Si el cine negro tiene alma oscura, ésta se encuentra en los pulp magazines. Pero también en la crónica roja de los periódicos. De alguna forma, los cineastas entendieron el enorme atractivo que tenían en el público los personajes que venían de vuelta de todo, o que, condescendientes a una realidad marginal, deseaban escalar al Everest de los afortunados millonarios. Basado en un relato de Ernest Hemingway, Siodmark efectúa una relectura totalmente desquiciada de la novela original y le da un aspecto brutal a los ambientes y las atmósferas gracias al olvidado fotógrafo Woody Bredel. Este realismo social emana de las intensas sombras y la iluminación contrastada que originan una sensación de agobio y claustrofobia realmente efectivo. Las actuaciones estelares de Burt Lancaster y Ava Gardner son antológicas porque nutren a sus personajes de un afiebrado erotismo oculto, que sólo emana en determinadas situaciones. 

La pasión de Swedde Lund ( Lancaster ) por la bellísima Kitty Collins ( Gardner), le lleva por una pendiente sin fondo, y como todo antihéroe del género, que muere en un marasmo perverso y desatinado, el relato no hace sino, reconstruir todas las variables que le llevaron al precipicio. Siodmark incentiva que el espectador concentre su atención, en las consecuencias que llevaron a la muerte a este boxeador donde los hechos se complejizan cada vez más. Entonces la investigación sobre el caso que inicia Reardon ( Edmond O"Brien), "carece de realidad de sentido, pues a su compañía no le interesa un caso tan simple, y desea abandonarlo. Reardon se encuentra entonces atrapado en una situación absurda mientras intenta desentrañar una historia confusa y llena de oscuridad que, en el mundo del cine negro, sólo puede interpretarse como una metáfora de la propia vida".

Edmond O"Brien y Sam Levene en "Los Asesinos", una obra clásica y categórica del relato policial con ribetes existenciales. Esta película contribuyó a minar la visión fundamentalmente positiva y optimista de la mayor parte del cine americano de la época, oponiéndole otra que, tenía más en común con la filosofía existencialista que empezó a desarrollarse en la posguerra. 

Richard Conte como un asesino en "Una vida marcada" /"Cry of the City", perseguido por Victor Mature como un policía en un barrio en Nueva York donde ambos se criaron y fueron amigos. Siodmark cuenta con una exquisita solvencia las relaciones conflictivas del que está fuera de la ley y del que intenta hacerla cumplir, sin descuidar el aspecto naturalista de los ambientes callejeros. 

Harry Baur y André Prejean en ""Mollernard" ( 1938). Desconocida obra cumbre de Siodmark rodada en París con dos grandes estrellas de los albores del cine sonoro : Harry Baur ( "Carnet de baile", "Los Miserables" ) y Albert Préjean ( "Sobre los techos de París"). Justin Mollernard es un marinero y contrabandista de armas que detesta la hipocresía de la sociedad. El tiene una esposa en Dunkerque que le reprocha el hecho de haber descuidado a la familia por sus oscuros negocios durante muchos años. Es un drama realista basado en la novela de Oscar Paul Gilbert, que goza de buena salud y se puede ver sin que te den calambres. Hay ambientes, buenas actuaciones y un ritmo en verdad innovador. 

Dorothy McGuire y Erville Alderson en "La escalera de caracol" /"The Spiral Staircase ( 1946). Obra maestra de Siodmark, que combina inteligentemente las características del thriller con el filme de terror. Una sirviente sordomuda ( McGuire ) amenazada por un asesino maníaco, sube y baja en varias ocasiones esas escaleras, pasando frente a un gran espejo. "Lo que ella observa en él está muy distorsionado por un expresionista juego de luces y sombras, y tampoco puede explicarlo debido a un shock de la infancia, ya que es incapaz de hablar y de gritar. Siodmark coloca al espectador en el lugar de la chica y a través de su silencio evoca el terror mudo de los protagonistas del primitivo cine alemán".   

"El jugador" /"The Great Sinner" ( 1949). Gregory Peck, Ava Gardner, Melvyn Douglas y Walter Huston. Un buen drama nunca bien ponderado y que se basa en la clásica novela de Fedor Dostoevsky. Cuenta con un excelente reparto de actores que encabezan los aludidos, y tiene un ritmo narrativo espectacular, que nunca se atasca y que mantiene en vilo al espectador. Sin duda, la ludopatía es una enfermedad viciosa, que puede dejar en la calle a las personas que la sufren, y Peck interpreta con convicción a un tipo que tiene el mal de las eternas apuestas, aunque está la bellísima Ava Gardner para amarlo y controlarlo. La franquicia de Siodmak está en respetar el texto original y acomodarlo a la percepción del espectador que no ha leído nunca a Dostoevsky.   

Gregory Peck en la mesa de apuestas junto al veterano actor Frank Morgan ( ¿ se acuerdan de él interpretando infinidad de papeles como "El mago de Oz" ?). El filme tiene suficiente mordiente como para no dejar indiferente a nadie. Conviene verlo con el pañuelo en la mano. Y claro, toda la baraja de naipes en la mano. 

"La Reina Cobra"/"Cobra Woman" con Jon Hall y María Montez. De los divertimentos de serie B, esta película tiene estatura de culto, porque pese a sus lugares comunes, sus insinuaciones de folletín pasado de punta, gusta por evocar la exquisita figura de la gran María Montez. Hay material de sobra para escribir como Siodmak podía aprovechar tanta tontera para pasar el rato, sin ponerse rojo de vergüenza. Esto también es cine, y de serie B, pasado a Z. Sin duda, los cultores del género de aventuras entenderán mi modesta posición. Para divertirse con este comodín de programa doble ambientado en una exótica isla del Pacífico, gobernada por una beldad misteriosa. Infaltable entertaiment para las tardes calurosas o gélidas del mundo civilizado actual.

Richard Thorpe : El padrino de Tarzán.

Richard Thorpe ( 1896- 1991 ). Nacido como Rollo Smort Thorpe, está considerado como el más prolífico de los directores de la historia del cine americano, con 184 largometrajes. Si consideramos esta gran cifra, se imaginarán la tremenda capacidad de trabajo del cineasta, aunque con algunas excepciones, sus películas eran consideradas simples piezas de entretenimiento que daban resultados provechosos en taquilla. Por alguna circunstancia, su obra empezó a ser revalorizada en los años sesenta con los pasos justificados en la televisión, y la fuerza emocional de recordar cuatro de las películas de "Tarzán" que hizo para la MGM, estudio para el que trabajó casi toda su vida. Se inició en el vodevil y en obras de teatro para debutar en el cine en 1921 como actor y dos años después debutar tras las cámaras como director. 

"La Fuga de Tarzán" ( 1936 ). La primera película del hombre mono  realizada por Thorpe, según el personaje creado por Edgar Rice Burroughs,  y un selecto número de colaboradores. Cierto. Algunas tomas fueron rodadas por William Wellman, John Farrow, George B.Seitz y James McKay en un conflicto de intereses que no salió del todo mal parado. Todos querían que Tarzán volviera en una aventura a lo MGM, con el esplendor de la primera película de W.S.Van Dyke, pero las circunstancias hicieron retrasar su nueva aventura. Se dice que hasta el guionista Cyril Hume participó en la filmación, aunque es probable que Thorpe haya logrado unificar todos los lazos dramáticos con cierta cordura. Porque en este tercer capítulo de la saga Metro, Jane traiciona por primera vez al hombre mono. Es que sus parientes millonarios vienen a buscarla para llevarla de regreso a Londres y Tarzán que se ha dedicado a cuidar de ella, no tolerará tal insinuación. De por medio, hay un villano con pinta de cazador furtivo ( el olvidado actor sudafricano John Buckler), que desea amasar fortuna con el atractivo de tener enrejado al Rey de la Selva.  

Lo mejor de esta película está en los ambientes y la espectacularidad de algunas escenas, como el ataque de los indios Gaboni, y la resurrección del héroe gracias al rescate del elefante Tantor. Sin duda, es una secuela muy bien condimentada, y que nunca traiciona a su referente original, aunque quedan en el vacío elementos dramáticos sugerentes. El interés de Benita Hume y William Henry porque la chica regrese al hogar a retomar su vida civilizada, los afanes cómicos del bajito Herbert Mundin que muere por la espalda por una bala traicionera, o las salidas de madre del actor de color Darby Jones como Bomba, explican las características más accesibles de esta cinta, que es un entertaiment en toda su regla. Hay una escena antológica de la expedición cruzando por una zona maldita sumergida en una cueva llena de pantanos y reptiles. En algunas fotos de promoción, todavía circulan fotos donde los personajes se encuentran con una tribu de pigmeos, algo que Thorpe y los productores desecharon en la edición final. Pese a sus obvios arranques racistas, a la mirada escrutadora del dominio de los blancos sobre Africa, y al uso inusitado de mucho material sobrante de rodajes realistas efectuados en el continente negro, "La Fuga de Tarzán" revela la artesanía de Thorpe para unir anécdotas y situaciones extremas con efectiva espectacularidad. 

Curiosa foro del rodaje con Benita Hume, Johnny Weismüller y el primer Tarzán de la historia del cine, Elmo Lincoln.

"Tarzán y su hijo" ( 1939). El debut como Boy del pequeño Johnny Sheffield, venía predestinado al éxito de taquilla. No por nada, Tarzán se transformó en un ídolo de los niños en las matinés. Por eso, la integración de un chico a las historias, potenció la idea de que los espectadores infantiles pudiesen identificarse con Boy, y asumir que la vida es hermosa sintiéndose como el hijo pródigo del Rey de la Selva. Richard Thorpe asumió la dirección con encanto. Utilizando muchas imágenes de documentales de vida salvaje,  acondicionó  secuencias completas de puro cine de acción. Desde las primeras imágenes con un avión estrellándose en la selva, con el piloto y los padres auténticos de Boy muriendo en la caída, hasta la desafortunada jugarreta del niño acostado en una flor de loto amenazado por una cascada, Thorpe le dio un espacio preponderante al suspenso y amortiguó la repetición de escenas triviales, con un sesgo de ironía, muy perfectible en la personalidad del abuelo de los nobiliarios primos de Greystoke.

En esta ocasión, la villanía proviene de las ambiciones de los parientes del muchachito, y la cordura, de un abuelo que le saca lustre la interpretación del veterano actor inglés Henry Stephenson, muy dado a estos papeles de viejo bonachón, sabio y amoroso, en otras películas como "El pequeño Lord Fauntleroy" y "Oliver Twist". Lo mejor del conflicto, es la traición de Jane, que lo da todo por amor a su hijo adoptivo, aún cuando  deba engañar a Tarzán y fastidiarle el día atrapándolo en una cascada. Thorpe filma con rapidez secuencias que pudieran estar malogradas por las transparencias, pero es un fino detallista en las relaciones paterno-filiales ( toda la secuencia de Tarzán jugando con Boy y un elefantito en el río ) y en las relaciones amorosas de éste con Jane ( acentúa los close up para subrayar  las miradas afectivas entre Jane y el héroe). Hay además, secuencias submarinas completas filmadas en Florida y que tiene el encanto del amor paternal en tiempos de crisis. 

La complicidad de Boy con su padre es realmente asombrosa y huele a espontaneidad. Como que Thorpe solo interfiere con su cámara desde lejos, para no bloquear la química que hay entre Tarzán y el niño. Además, se palpa la divertida ansiedad que tiene el muchachito por conocer y explorar toda la jungla, sin temor a ser atacado por un rinoceronte o atrapado por una tribu reducidora de cabezas. 

Del Archivo Florida Memory, una foto con el rodaje de la citada película y los dobles acrobáticos.

Del mismo archivo, el jefe de cámara Len Smith con los actores durante el rodaje en Florida. El filme se iba a llamar en un primer momento "Tarzán in Exile".

Johnny Weismüller rodeado por personal de la MGM mientras filma en Florida. El director de cámara Len Smith aparece inclinado, sonriendo al visor fotográfico.

Durante la filmación, Weissmüller prepara al pequeño Sheffield de siete años, para una escena en el río.

Escenas como ésta, se lograron porque se filmaron en Silver Springs de Florida en Miami, donde  mediante un visor bajo el agua, se podía rodar en una época que esto era muy novedoso.

"El Tesoro secreto de Tarzán" ( 1941 ). El ideal de la familia Picapiedra, se puede resumir muy bien en este nuevo capítulo de la saga de Tarzán. Es la familia perfecta colonizada por la chica de título nobiliario que llega desde Londres a Africa, y está el ideal del buen salvaje accesible a tener todas las comodidades de la civilización occidental, con artefactos rudimentarios que simulan una cocina, un lavaplatos, y un ventilador. En otros capítulos anteriores esta invención se extiende a un ascensor movido por un elefante y una rueda desde donde se puede subir a la mansión selvática, la insustituible agua potable. El relato es un comodín para ilustrar las ambiciones más deleznables de la humanidad. Parte con la cándida idea de Boy de subirse a un avión, convencimiento que lo lleva a mostrarle a una pareja de cazadores de safari, la enorme riqueza que existe en esos lejanos parajes. Todo lo que sigue después es consecuencia de las ambiciones desmedidas. Reginald Owen interpreta a un profesor bonachón, que peca de sincero y afable y es traicionado por los secuaces. Tom Conway y Philip Dorn, interpretan a un par de sinvergüenzas cazarrecompensas, que esperan hacerse millonarios con las minas de oro que existen en el lugar. Suma para la raya, Tarzán deberá defender la vida de su amada Jane, y de su hijo adoptivo, sólo para demostrar que hay ambiciones que siempre matan. Estupendos secundarios que completan : Barry Fitzgerald como un fiel amigo de fuerte ascendencia irlandesa, y el pequeño Cordell Hickman, víctima de las circunstancias que pierde a su madre por una enfermedad terminal y que es adoptado por la familia de Tarzán mientras dura esta aventura. 

Thorpe se divierte filmando a Boy y Cheeta compartiendo la pesca, pero además, le da fuerza emocional a los momentos de suspenso más electrizantes, como cuando los niños deben esquivar el ataque sorpresivo de un rinoceronte. Los trucos de cámara como la sobreimpresión y la mezcla de imágenes, funcionan al servicio de los climaxs. Se imaginan a  Thorpe instruyendo a los animales que actúen frente a cámara. Por eso le funciona el uso de material de desecho de otras películas, para mostrar una variedad considerable de fauna. Sin menoscabo de estar exagerando, la secuencia final con Tarzán rescatando a  los suyos desde canoas en un río, está entre lo más divertido de todo el conjunto. Se nota el cocodrilo de atrezzo, pero Cheeta sale bien parada de sus chistes de último minuto. Thorpe aprovecha todo para reciclar y reutilizar celuloide, cumpliendo los plazos estipulados de rodaje.  

Johnny Sheffield como el niño pintoso de la familia del hombre mono, se encuentra con un amigo igualmente curioso, Cordell Hickman, que reproduce toda la ansiedad de vivir aventuras infinitas junto a Tarzán. Ambos hacen una pareja infantil noble y equilibrada en sus propósitos de integración racial y cultural. Thorpe les regala a los muchachos, tres o cuatro momentos inolvidables donde demuestran buen estado físico, astucia y vitalidad. 

Tom Conway, Philip Dorn, Barry Fitzgerald y Reginald Owen. Que cuarteto de grandes característicos. Todos están perfectamente integrados en una aventura entretenida, que se sigue con interés, y pese a la rutinaria excursión de los cazadores buscando su fortuna, Thorpe no empantana la historia para justificar la evasión gratuita. En este sentido, hay circunstancias específicas que gatillan los acontecimientos con notable agudeza y gracia.   

"Tarzán en Nueva York" ( 1942 ). El enfrentamiento del hombre mono con la civilización occidental tiene ribetes cómicos, divertidos, sarcásticos, pero también dramáticos, pues Tarzán, Jane y Cheeta llegan a Nueva York tras los pasos de Boy, que ha sido adoptado de mala forma por un circo. El filme de aventuras muestra su lado más ternurista y huele a comedia, y no molesta que cante la bellísima Virginia Grey, haga sus gags el cómico de color Mantan Moreland, y desfilen por la gran pantalla una serie de grandes secundarios como : Russell Hicks y Charles Lane, interpretando a abogados, Paul Kelly como el señor correcto y bondadoso, Charles Bickford como cazador malo, oportunista y furtivo, Chill Wills como amigo entrañable del niño de la selva, Cy Kendall como un oblondo y oscuro dueño de circo, y Hobart Cavanaught como un conserje de hotel que sufre las travesuras de la mona Cheeta. Todo es en plan matiné, y los mejores momentos que dejan boquiabierto es cuando el hombre mono decide escapar de los tribunales, saltar desde el Golden Gate para rescatar a su hijo del alma. Es diversión es estado puro.  

Más allá del oportunismo de prolongar las aventuras del personaje de Edgar Rice Burroughs, el director Richard Thorpe condiciona la acción al ritmo de los acontecimientos, dándole gran espacio a Cheeta para que luzca sus atributos cómicos, bebiéndose una maleta cargada de perfumes. Las situaciones más hilarantes hablan del choque cultural de Tarzán con la civilización blanca. Dos ejemplos, cuando escucha radio, ironiza con una cantante de ópera; y cuando se va aprobar el vestuario que tiene un chino, le destruye todos las chaquetas porque sencillamente tiene unas bíceps gigantescas a lo Mr.Olimpo. Por si esto fuera poco, no logra entender a la ley blanca, y prefiere atender sus necesidades de solucionar rápido el problema que sumergirse en la burocracia leguleya. Es la última película que interpreta Maureen O"Sullivan como Jane, y la primera que revela la apertura hacia otros espacios lejanos a la selva, que habrían de llevar hasta los extremos algunos tarzanes en la década de los años sesenta. El niño actor Johnny Sheffield tiene una secuencia ejemplar como domador de elefantes, y Thorpe, no pierde el tono y el ritmo de su serie hasta en los momentos más crispantes. 

Foto promocional de la película. Cheeta lo pasaba muy bien en estas cosas.

"El Gran Caruso" ( 1951 ). Fijo como programa musical de ópera digna y responsable. Mario Lanza en la virtud de su fama, personificó al mítico cantante de ópera Enrico Caruso ( 1873-1921), a quien admirada de veras. Y no es un filme de marras, como pudiera pensarse, pese a los excesos de canciones operáticas y al desfile de situaciones biográficas más o menos atendibles con la realidad del artista. Thorpe le agrega sinceridad al personaje al tratar de insuflarle algo de vulnerabilidad y su manejo es increíble cuando muestra el ascenso a la gloria del mítico tenor italiano. Paradojas del destino, Lanza siempre quiso ser como Caruso, o sea, un respetado cantante de ópera, pero su destino fue otro que lo vinculó más al cine, la radio y los discos pop. Ann Blyth estaba linda en su apogeo juvenil, y la película es un buen entertaiment alimentada por la sólida figura del recordado actor y cantante.

Mario Lanza siempre quiso ser como Enrico Caruso y lo logró...aunque sólo en el cine.

"Ivanhoe" ( 1952 ). La quintaesencia del filme de aventuras guerreras, es esta puesta al día del clásico héroe en los tiempos del Rey Ricardo en Inglaterra. Está toda la escudería británica avecindada en Hollywood ( Elizabeth Taylor, George Sanders, Finlay Currie, Felix Aylmer, Robert Douglas, Sebastián Cabot), y la película funciona por contracción a la reacción de ver al actor Robert Taylor enfundado en mallas combatiendo por la corona inglesa. Thorpe entendió bien el contenido del relato y aplicó toda la parafernalia hollywoodense a los escenarios, a la acción y a las implicaciones románticas. ¿ Se puede pedir más a una cinta de aventuras ? Debido al éxito en la taquilla, un año después Thorpe filmó una especie de secuela con el mismo equipo y actor titulada "Los caballeros de la mesa redonda".   

"El Prisionero de Zenda" ( 1952). Deborah Kerr y Stewart Granger en la remake sobre la clásica novela de Anthony Hope. Puede que no brille tanto como en el momento de su estreno, pero tiene la virtud de no fatigar con las tribulaciones de un doble metido a Rey. Más allá de sus implicancias políticas y sus glamorosos decorados de Palacio, la historia de un inglés que está de vacaciones en un feudo y que es reclutado para sustituir a su primo, mientras éste es secuestrado y drogado, la película entretiene y se deja ver con encanto. Richard Thorpe filma con esplendor cuando quiere y sobre todo cuando le mandan a hacer películas como ésta, que tienen cierta reputación y un buen guión como fundamento. Además, desfilan por la pantalla grandes característicos como : Louis Calhern, Lewis Stone, Robert Douglas, Kathleen Freeman y James Mason. 

Val Guest : Antecedente fílmico de los efectos del Cambio Climático Global.

Junto a Janina Faye en el rodaje de "The beauty jungle" ( 1964). / ¿ Qué hace a un director de cine inglés tan interesante, después de haber vivido en el formato B , entusiasmando con su trabajo a los espectadores más exigentes? Tal vez, descubrir con el tiempo una película tan sustanciosa como "El día en que la Tierra se incendió"/ "The day the Earth caught fire" ( 1961), que nos habla del calentamiento global, y de las consecuencias que provoca explotar dos bombas atómicas a la vez para corregir el inclinamiento de la Tierra, en una época en que los temas que nos convocan diariamente, solo eran ciencia ficción. Val Guest ( 1911- 2006), fue un director y guionista de cine notable, que sabía mantener la atención con un ritmo narrativo atrevido, una puesta en escena muy moderna y unos intereses temáticos realmente originales, atendiendo géneros como la ciencia ficción, el terror, la fantasía, la comedia y el drama romántico. Sus primeros pasos los hizo como actor en el teatro y después en el cine, especializándose en roles cómicos. Después de trabajar en la oficina inglesa del Hollywood Reporter, pasó a formar equipo de los estudios Gainsborough, debutando como realizador a los 32 años con la película "Miss London Ltda." ( 1943), una comedia musical para mayor gloria del actor Arthur Askley, primer eslabón de una carrera tan interesante como irregular, en la que junto a obras magníficas convivirán otras por completo olvidables.  

Hizo más de cincuenta películas, entre las cuales figuran verdaderos clásicos del cine de ciencia ficción B, como : "El Experimento del doctor Quatermass" ( 1955), singular pieza de culto de la Hammer, que es un referente obligado del subgénero de los mad doctors, pero con el olfato y la inteligencia de Sherlock Holmes aplicado a las teorías de la ciencia y del avance de la tecnología de su tiempo. Entrega una lectura feroz y apasionada de una invasión extraterrestre, avivada por un científico errático y pusilánime, que recupera la ansiedad perdida de los viajes en cohete hacia lejanos planetas, para aparcar en un campo baldío donde sólo les espera el horror y la muerte. Una atmósfera oscura y nauseabunda compensa la tensión dramática que sube hasta límites soportables. En 1957 efectúa su secuela "Quatermass 2", ahora en el campo de las monster-movies, con otra invasión más espectacular y soporífera, para demostrar cuánto suspenso se puede obtener de los detalles científicos, la ansiedad humana, y el subjetivismo formal del monstruo. Eso de mostrar de a poco las consecuencias que puede dejar, está manejado por Guest con una pericia brillante. Siempre con presupuestos mínimos, rodó más adelante, "El abominable hombre de las nieves" ( 1957), una visión distinta al mito del Yeti, con el apoyo del gran Peter Cushing, la extraordinaria "El día que la Tierra se incendió" ( 1961), que destacamos en un apartado; y un bizarro y pintoresco filme de aventuras  cavernícola "Cuando los dinosauros dominaban la Tierra" ( 1970), en una época sin Spielberg, donde los dinosaurios los interpretaban lagartijas con accesorios de maquillaje sobre maquetas. Antes participó en la película "Casino Royale" ( 1967 ) una superproducción de la Columbia con un multiestelar elenco para parodiar a los filmes de James Bond, y codirigida junto a John Huston, Ken Hughes, Joseph McGarth, y Robert Parrish. A principios de los años setenta pasó a la televisión, convirtiéndose en director de algunos capítulos de la serie "Space 1999", que hoy día, son piezas de culto.  

      

"El día que la Tierra se incendió"/"The day the Earth caught fire" ( 1961). Restaurada para ciclos de festivales internacionales como Sitges, es una buena muestra de las dotes narrativas de su realizador y una extraordinaria película que reflexiona sobre los cambios climáticos que afectan al mundo. Para muchos, es su obra maestra. Sin duda, una película periodística notable, centrada en los acontecimientos que siguieron a la explosión de dos bombas atómicas detonadas por Estados Unidos y la Unión Soviética ( estamos en los inicios de los años sesenta ), a través de la figura del cazurrero reportero Peter Stenning ( Edward Judd ), que junto a un amigo y colega, Bill Maguire (  Leo McKern ¿ le recuerdas como el viejo marinero superviviente en una isla con dos niños y que bebe ron  hasta embriagarse en "La Laguna Azul" ?), deben recabar información suficiente para una teoría apocalíptica : los ejes de la Tierra se han inclinado y nuestro planeta por efectos de las explosiones nucleares, han perdido su equilibrio y se dirigen peligrosamente hacia el sol.

El atractivo de la película - que tiene un tema de ciencia ficción-  ( con la posibilidad que hoy estuviese ocurriendo algo parecido ), se circunscribe a la pareja que integran Edward Judd como el periodista de instinto canino, y la preciosa y sensual Janet Munro. Pues si el espectador se anima, imaginará que esta chica que trabaja como secretaria en altas esferas de la Corona británica, es despachada por filtrar información a los medios de comunicación masivos. Y recibida por el matutino donde labora Peter, el protagonista. Suma para la raya. Val Guest los filma en relaciones íntimas muy acaloradas - recuerden que el planeta se dirige al sol- y con un sesgo erótico muy atendible donde la Munro muestra en su plena desnudez, sus mayores atributos físicos.

Lo más elocuente de esta grandiosa película es cómo se adelantó  a los efectos del cambio climático global, a partir de una explicación atómica ostentosa. Desfilan por el relato abruptos cambios de temperatura, con fuertes precipitaciones, vendavales y nevazones abruptas. También hay en otras esferas, cambios sustantivos en el paisaje. Si no es el frío el que azota a la Humanidad, es el calor intenso y agudo. Ello lleva a suponer un desequilibrio espantoso en la Tierra, que Guest lo anunció hace 58 años atrás con esta estupenda película, que tiene a su favor, el delirio espectacular de un hecho que hoy nos toca por igual en cualquier parte del mundo.

Desde el sesgo erótico a la reflexión científica e intelectual, Guest acomoda a lo largo de la narración, una serie de hechos accidentales que hablan de la inclinación del eje terrestre. Cuando nos acercamos al sol, Guest condiciona la pantalla en blanco y negro a un color amarillento que deja entrever el infierno en que viven los personajes. Pero hay más. Un excelente trabajo en los diálogos, una extraordinaria forma de mover las cámaras en sitios cerrados ( oficinas, departamentos, salas de espera, etc), y una espectacular manera de mostrar el pandemónium masivo que se avecina a la Tierra, si no se actúa en razón de detener una catástrofe total. "El día que la Tierra se incendió", es una gran película de anticipación, que recomendamos con la seguridad de estar frente a una joya del género, redescubierta para las nuevas generaciones de espectadores.

Fotos-Gentileza : Archivo Florida Memory- Miami USA- Variety- Metro Goldwyn Mayer ( MGM )- Universal Pictures- Shepperton Studios ( GB )- Classic Movies - FilmFax- Archivo.-

Afiche original de "El Tesoro secreto de Tarzán" dirigida por Richard Thorpe.

Poster de la versión restaurada en francés de "Los asesinos" de Robert Siodmak.

Afiche original de la película de Val Guest, "El día que la Tierra se incendió".

Poster de "El jugador" sobre la novela de Dostoevsky, realizada por Robert Siodmak.