Séptimo 7 sello: WALT DISNEY Y EL AUGE DEL BIOPIC :

LOS INMORTALES DEL CINE.

El célebre Walt Disney con su personaje más popular, Mickey Mouse.

___ Desde hace algún tiempo que las vidas de las grandes personalidades de la historia, interesan a los directores del cine.
Por eso no es extraño, referirnos al auge que tienen en el mercado norteamericano, las películas alusivas a sus figuras inmortales.
Así, en escasos años, hemos visto desfilar por la gran pantalla, las figuras de los presidentes norteamericanos Abraham Lincoln, John F. Kennedy y George W. Bush, del boxeador Jake La Motta, de los líderes emblemáticos de la defensa de los derechos civiles Malcolm X y Martin Luther King, de las actrices Grace Kelly, Marilyn Monroe y Shirley Temple; de los directores Orson Welles y Alfred Hitchcock, y del productor, director y dibujante de animación Walt Disney, a quien hemos dedicado el inicio de esta entrada, debido al gran interés que ha despertado llevar parte de su vida al Cine.
De hecho, esta insistencia comenzó el año pasado con "Saving Mr.Banks", interpretada por Tom Hanks como Disney y Emma Thompson como la escritora P.L.Travels, la autora de "Mary Poppins"; y sigue este año, con la cinta independiente "The Dreamer" ( 2015) de Khoa Le.
Del mismo modo, aprovechamos de explorar por la obra del célebre animador; comentar la última película de su factoría "Grandes Héroes", que ya está en los cines chilenos; y seleccionar, como es nuestra costumbre, los mejores lobbycards y fotos para complementar el tema con los biopics más destacados de la historia del cine.
¡¡¡ Muy Bienvenidos !!!!

¿ Qué es el biopic ?

Jesucristo ha sido una de las figuras más representadas en el cine. Su vida, pasión y muerte inspiró, por ejemplo, "Jesús de Nazareth" ( 1977) de Franco Zefirelli, que originalmente produjo la RAI para la televisión, aunque en nuestro país se estrenó en el cine.

___ Apócope de biographic-picture, o sea, el término con que se les conoce comúnmente, a las películas biográficas.
Los expertos señalan que, "a menudo no siguen la estructura clásica en tres actos basado en el esquema personaje que tiene un objetivo, sino que, al abarcar muchos años de la vida del biografiado, presentan una estructura episódica".
Esta característica que pareciera una limitante, los directores la utilizan retratando la vida de un personaje, como si toda su existencia estuviera dirigida a conseguir un único objetivo.
De esta manera, mantienen el interés sujeto a una dirección, con los obstáculos y desvíos adecuados para conseguir la meta propuesta.
En el Cine biográfico caben todos los oficios y personalidades imaginables, desde los músicos, pintores, escultores, bailarines, escritores, médicos, grandes personajes de la historia humana, héroes y antihéroes del far west, hasta figuras bíblicas como Jesucristo, Barrabás o Moisés.
Pero también los personajes que el propio Cine, ha originado a lo largo de su historia.
Así, se han hecho biopics basado en las vidas de realizadores emblemáticos y estrellas que marcaron una época.

¿ Porqué interesa Disney ?

Disney con su tablero original donde creó al Ratón Mickey.

___ Seguramente, porque ha llegado el momento de revelar al público, el abnegado esfuerzo que tuvo para llegar a convertir sus mayores sueños en realidad.
Se trata de la figura más característica del cine animado norteamericano.
La personalidad que "industrializó" el género de la animación y le dió sus basas más perdurables.
Con Disney, se conjugan la magia, la ternura y la fantasía de los clásicos cuentos europeos, pero además, la estilización de los dibujos animados a un nivel artístico superior.
Desde su propia productora, Disney instuyó el valor de la animación, como herramienta para el servicio de la antropomorfización de los animales propios de las fábulas de Esopo, Iriarte y Samaniego. O sea, universalizó la interpretación de los animales con características humanas y, de paso, creó una legión de célebres personajes, que actúan como seres humanos, aunque representan físicamente a las distintas especies domésticas y salvajes que pueblan la faz de la Tierra.
Así mismo, logró la fórmula básica del entertaiment familiar, entendido como un justo equilibrio entre sus partes más categóricas: estética, dinámica y narrativa.
De alguna forma, Disney se adelantó a una Era, donde se valorizarían temas como: la Ecología, el Avance de la Tecnología y las Ciencias , y el valor tradicional de las raíces autóctonas.

¿ Cómo llegó el artista a lograr sus sueños ?

El animador amaba los ferrocarriles y construyó varios en Disneylandia.

___ En toda empresa de emprendimiento hay grandes sacrificios, momentos sublimes y triste oscuridad.
Nadie que haya triunfado en la vida profesional, puede desentenderse de los altibajos que significan, llevar a buen puerto, las ideas preconcebidas y las ambiciones más recurrentes.
Walter Elías Disney ( 1901-1966), oriundo de Chicago, lo sabía, pero aceptó los riesgos en compañía de algunos colaboradores y de sus familiares más cercanos, como su hermano Roy, con el que se inició en el negocio de las películas.
Disney estudió en la Escuela de Marceline en Missouri y luego fue alumno en la Escuela de Benton en Kansas City.
Su interés por la naturaleza, comenzó en su infancia, cuando se dedicaba a recorrer los campos y dibujar lo que se "movía" frente a sus ojos.
Ya adolescente, se interesó por la fotografía, pero sobretodo por el cinematógrafo, que iluminaba su imaginación con cuentos clásicos como la adaptación muda de "Blancanieves" y "Alicia en país de las maravillas", que vió cuando era muy pequeño.
Cuando su familia se trasladó a Chicago, asistió a la Academia de Bellas Artes dirigida por Carl Wertz. Allí se inició en el aprendizaje de la caricatura.
Hizo su primer trabajo remunerado en 1917, y un año después, emprendió un viaje como conductor de una ambulancia de la Cruz Roja en su travesía por el Atlántico.
Durante la Primera Guerra Mundial, fue camionero en Francia y Alemania, y después de concluído el conflicto, empezó a trabajar a los 18 años, en una empresa de publicidad en Kansas.
De la publicidad al Cine, hubo un sólo paso, que dió en compañía de su amigo Ub Iwerks, con quien compartía el gusto por el dibujo.
Ambos adquirieron una cámara filmadora de segunda mano y cimentaron el inicio de un próspero negocio, que los llevaría a radicarse definitivamente en California.

¿ Cúal fue su despegue definitivo?

La serie de comedias sobre Alicia en Cartoonland, con la niña prodigio Virginia Davis, fue el inicio de la carrera estelar del cineasta.

"Steamboat Willie" fue el primer corto animado sonoro del ratón Mickey, que también aparece como logotipo.

La evolución paulatina del célebre personaje.

____ En Agosto de 1923, Disney partió a Hollywood incentivado por su pasión por las películas y los dibujos.
Su hermano Roy que vivía en Los Angeles, se convirtió en su socio comercial.
Walt llevaba 40 dólares en los bolsillos y una cabeza llena de ideas maravillosas.
En 1925, se casa con Lillian Bounds, una de las ayudantes de su equipo, con quien viviría hasta su muerte en 1966.
Su primera serie fue "Alice Comedies" ( 1924-27), una innovadora creación donde mezclaba animaciones con la imagen de la niña actriz Virginia Davis.
El filme de algo más de ocho minutos, mantiene la fuerza intacta de la experimentación de los primeros años de la animación.
Virginia visita a Disney en su despacho, mientras éste dibuja una casa y un perro.
La chica se emociona cuando el dibujante le lleva hasta su escritorio, para descubrirle lo divertida que resulta la breve secuencia animada canina.
Después se cruza por otros tableros de dibujantes, mientras aparecen distintas animaciones : unos gatos músicos y bailarines, un ratón escapando de un gato y dos gatos boxeadores.
Alicia regresa a su hogar, mientras su madre le da las buenas noches frente a su cama.
Al quedarse dormida, sueña con Cartooland, la tierra de las animaciones, donde vivirá aventuras de diferente naturaleza.
De gran éxito en su época, la serie sobre Alicia en Cartoonland, fue el inicio definitivo de la carrera de Disney.
A ella, habrían de sumarse después : "Osvaldo el conejo" ("Oswald : The lucky rabbitt", 1928), serie cuyos derechos perdería frente a la "Universal" y "Mickey Mouse" ( 1928), serie que terminaría por consagrarlo en el negocio de la producción animada.

El Ratón de la Suerte.

¡ Abracadabra ! Hocus Pocus !

El primer corto de Mickey Mouse.

"Danza Macabra": esqueletos musicales y el infierno animado.

"The night before Christmas" ( 1932), otra clásica "Sinfonía Tonta".

"The Goddes of Spring" ( 1934), la encarnación de la belleza de la estación.

"Arboles y flores"( 1932), el primer corto en technicolor.

Los célebres personajes en Disneylandia.

___ Cuando el mundo del cine se estremecía con la primera película sonora de la historia, "El Cantante de Jazz" ( "The Jazz Singer", 1927), Disney preparaba el primer corto de Mickey Mouse : "Plane Crazy" ( 1928), donde también aparecía por primera vez, su novia Minnie. La voz del roedor la interpretó el propio Disney.
Según cuenta la leyenda, el ingenuo, cándido y travieso animalito, habría sido concebido por el artista, en un viaje en tren que le llevaba desde Hollywood hacia Nueva York.
Estaría inspirado en un curioso ratoncillo que lo visitaba contínuamente en su taller en Kansas.
Como contó una vez : "El dibujo tenía que ser sencillo. Su cabeza era un círculo con otro círculo oblogo a guisa de hocico. Su cuerpo era como una pera y tenía una cola larga. Sus patas eran tubos de pipa y se las metimos en grandes zapatos, para darle el aspecto de un chiquillo que calza los zapatos de su padre".
En 1929, empezó la serie de las "Sinfonías Tontas" ("Silly Symphonies"), con la famosa "Danza Macabra", donde esqueletos tocan música con sus tibias sobre un xilófono formado con el toráx.
A partir de "Arboles y Flores" ( "Flowers and Trees",1932), la historia de un bosque amenazado por el fuego, incorporó el Technicolor a sus películas.
De sus personajes más célebres, el perro Pluto nació en 1930 y debutó en el corto "La Banda de la cadena"; Tribilín ("Goofy") en 1932, en el corto "La Revista de Mickey" y el Pato Donald en 1934 en "La Gallinita Sabia".
El ávaro y codicioso millonario "Tío Rico" ("Uncle Scrooge") nació en 1947, y se convirtió con los años, en uno de los más característicos de su filmografía.

Había una vez...

"Blancanieves" el primer largometraje animado de la factoría norteamericana.

Dibujos originales para la película.

Los enanos representan las distintas personalidades del ser humano.

___ Después de disfrutar del éxito en los terrenos del cortometraje, Disney arriesgó todo su capital, su casa y su estabilidad económica, con un gran préstamo bancario, para efectuar su primer largometraje : "Blancanieves y los siete enanos" (" Snow White and the seven dwarfs", 1937), monumental producción en la que trabajaron 800 expertos en Arte, de la que se escogieron 300.000 dibujos, de un total cercano al millón de originales y numerosos expertos químicos, que trabajaron largo tiempo elaborando los 1.500 tonos de color usados ne el filme.
Hubo casos en que se aplicaron, hasta 26 tintes de pintura en un sólo cuadro o fotograma.
Pero "Blancanieves" también significó innovación tecnológica.
En ella, se realizaron las primeras grandes experiencias en rotoscopía, que permitieron filmar la acción de los personajes reales en vivo y sobre cada acción, dibujar después las figuras animadas.
De algún modo, Disney buscaba la perfección absoluta en la movilidad de sus personajes y de esta manera dejar boquiabierto al público. Un deseo absolutamente logrado con esta gran obra.

La bruja entregando la manzana envenenada.

Bosquejo original a lápiz carboncillo de la bruja.

Detalle de la reina y la bruja.

La malvada reina del cuento.

Detalle de la casa de los enanos en el bosque.

Detalle original de uno de los enanos.

Fondo en acuarela del trono de la reina.

Los enanos en acción.

Detalle del enano que estornuda.

Bosquejo original del espejo.

El momento en que descubren a Blancanieves durmiendo en su hogar.

Afiche original del estreno de "Blancanieves".

Fondo original de la película con la fuente de agua.

La primera aparición del príncipe cantando a Blancanieves.

El detalle de las palomas.

Con los animalitos del bosque.

Dibujo original de Blancanieves asustada.

El baile alegre y divertido.

Dibujo previo a lápiz mina con el órgano musical de uno de los enanos.

Blancanieves y su príncipe azul.

Es una obra excepcional, no sólo porque adapta uno de los cuentos más tradicionales de la literatura infantil; sino más bien, porque logra transmitir las emociones humanas a través de siete enanos.
80 músicos trabajaron en el soundtrack de la película.
Un arduo trabajo artesanal se desarrollaba con los diálogos que pronunciaban los personajes del filme.
Una vez que la frase era grabada, se preparaba un diagrama en que se desglosaba cada vocal y cada sílaba en cuadros separados.
La longitud silábica de cada palabra, los intervalos entre ellas, los sonidos de vocales y consonantes , los acentos, exhalaciones y aspiraciones, eran considerados in extremis.
Crónicas de la época cuentan que, si el personaje decía "Hola" ("Hello!") , la palabra grabada ocupaba ocho cuadros y el animador debía producir igual número de dibujos en serie, en los cuales los labios de los protagonistas , se movían gradualmente hasta formar la palabra.
Además, partes de las escenas están basadas en clásicos de la pintura, de los que se tomó prestada la idea.
Las imágenes del bosque, por ejemplo, están inspiradas en las ilustraciones de Gustav Doré, que realizó del infierno de Dante.
Disney tenía un equipo de expertos que investigaba todas las ramas del Arte, en busca de elementos significativos que les sirvieran para sus películas.

Técnicas Innovadoras.

Los efectos tridimensionales en "Blancanieves" con la cámara multiplana.

La cámara multiplana de Disney.

"El viejo molino" fue el primer corto con cámara multiplana.

La rotoscopía: sobre personajes reales, interactúan los dibujos detalladamente elaborados. Un ejemplo, está en "Peter Pan".

Pinocho y su amigo Pepe Grillo, que actúa como su conciencia.

El hada madrina que le da vida al muñeco de madera.

Boceto original para una escena de la película.

Modelo del zorro "Juan el Honrado".

El personaje actuando con el muñeco.

Modelo original de Pepe Grillo.

Pepito descansando sobre un violín.

Concepto artístico sobre el estudio del juguetero Geppeto.

Pepito Grillo invitando a un juguete de un reloj a un baile.

La cándida huída que enseñará a Pinocho a ser obediente.

Poster original de la película animada.

Dumbo y Timoteo en el Circo.

El surrealismo onírico con elefantes rosados.

Concepto original de una de las elefantes.

Concepto original de la cigüeña que remite a un cartero .

Concepto original de la locomotora del tren del Circo.

Concepto original de uno de los payasos de la función.

El elefante aprendiendo a volar con la ayuda de los cuervos.

Mostrando sus enormes y prodigiosas orejas.

Storyboard original de la película.

Afiche del filme.

"Bambi" : incluyó el tema ecológico cuando no era moda.

Patinando sobre el hielo.

Afiche original de la película.

__Uno de sus máximos descubrimientos fue la cámara multiplana, que utilizó por primera vez en el corto "El Viejo Molino" ( 1937) , y con el cual podía imitar la profundidad de campo y darle dimensionalidad a los espacios del fondo y a los detalles escenográficos.
Si "Blancanieves" se benefició del uso de la cámara multiplana, su siguiente largometraje "Pinocho" ("Pinnochio", 1940), sobre el cuento de Collodi, consolidó la manifestación de esta técnica, en una panorámica antológica del pueblo donde vive Gepetto, en la primera jornada cuando el muñeco de madera se dirige al colegio.
Aunque hay detalles preciosos que debieran valorizar esta obra maestra de Disney aún más, como el taller de Gepetto cubierto de relojes y figuras de tono satírico y humorístico, siempre condicionados al uso del tick tack.
El perfeccionamiento total de los artistas de Disney, llega al cenit en la escena de los protagonistas tragados por la ballena, porque no hay nada más difícil que dibujar el oceáno con un realismo abrazador.
Seguidamente, aparecerán otros largometrajes entrañables como : "Dumbo" ("Dumbo, 1941), que tiene a su favor una pesadilla surrealista que admiraban Dalí y Buñuel ; "Bambi" ("Bambi", 1942), con la historia del cervatillo que luce en abierto technicolor todo el proceso de madurez y crecimiento de un animalito del bosque y sus amigos; y "Fantasía" ( 1941), un punto de inflexión en su carrera, que fue un fracaso en su momento y que, razonablemente con el correr del tiempo, ha logrado ser considerada la primera gran obra maestra de la madurez artística de Disney.

Música, Maestro.

En el segmento "El Aprendiz de Brujo" de la película "Fantasía", el Ratón Mickey es la estrella.

El Olimpo de los dioses como lo conciben los artistas de la Disney.

Cada segmento está basada en una obra de la música clásica.

___ " Fantasía" ( 1940) es un gran clásico a secas.
El interés experimental de Disney por fusionar las grandes obras de la música clásica con la nueva técnica de la animación.
El espectador se adentra en este mundo maravilloso de sonido, dibujos y color, con la delicada pieza "Tocata y fuga de Bach".
Como destaca la crítica :
__ "Al principio, la orquesta viene representada por un juego de sombras multicolores, varios instrumentos estilizados marcan la transición al mundo gráfico, mientras que elementos de la naturaleza como nubes y olas, ilustran el sonido, hasta que finalmente la visualización de la música pasa a ser totalmente abstracta. Las imágenes que recuerdan parcialmente a Kandinsky , se crearon con la ayuda de un cineasta vanguardista alemán, Oskar Fischinger, que anteriormente ya había rodado cortometrajes abstractos. Las razones de que un desilucionado Fischinger abandonara a Disney poco despúes, se hacen patentes en la siguiente secuencia de Fantasía : la suite de Cascanueces se acompaña con un ballet de hadas y finalmente son unos hongos, quienes interpretan la obra de Tchaikovsky".
La secuencia central es el "Aprendiz de Brujo" interpretado por Mickey, que vuela sobre una escoba mágica al ritmo de Paul Dukas.
El roedor pierde el control de la magia, las escobas invaden el lugar y lo llenan de agua hasta que el mago logra intervenir.
El equipo de artistas del estudio, utiliza La Sacre du Printemps de Strawinsky, para retratar los orígenes de la Tierra hasta la Era de los grandes dinosaurios.
La utilización del color, el simbolismo acústico y sonoro, vuelven a caracterizar todo el trabajo de este sensacional episodio.

Su belleza estética es una de las virtudes de la obra.

Poster de la película, considerada hoy una obra maestra.

Después de un intermedio cómico, la Sinfonía Pastoral de Beethoven, sirve para ambientar las aventuras de los habitantes del Olimpo.
Destacan los trazos de ángeles y minotauros, así como la concepción de un mundo fantástico, que también puede ser muy romántico como descubriremos en los arranques amorosos de los centauros, y cómicos, como cuando aparece el Dios Baco del reino vitivinícola.
La danza de "Las Horas" de Ponchielli, está representado con un prisma paródico muy conseguido. Observar elefantes, hipopótamos, ñandúes y cocodrilos bailando ballet, resulta muy divertido.
El filme concluye con "Noche en la árida montaña" de Mussorgsky y el Ave María de Schubert.
Una conjunción especialmente atrevida, pero que se constituye en el cenit total de la película.
Del maléfico príncipe de las tinieblas reclutando a seres de pesadilla, viramos a la solemnidad eclesíastica marcada por elementos expresionistas, representada en una procesión de farolas en medio de un paisaje de ensueño.
La experimentación de Disney con la música y el sonido, proseguirá en nuevas obras de repercusión popular, influídas por la Segunda guerra mundial como : "La Victoria por el dominio áereo" ("Victory Through Air Power", 1943); "Education of death" ( 1942) y "The New Spirit" ( 1943).

De viaje por Sudamérica.

El grupo que viajó con Disney a Sudamérica, incluyó a sus dibujantes más cercanos.

En la recepción en Chile tocó guitarra con los huasos.

Disney visitó un colegio en Chile.

En Argentina bailó con los gauchos.

En "Saludos amigos" aparece Pedrito el avión correo chileno, que lleva este nombre, en recuerdo del presidente de aquel entonces, Pedro Aguirre Cerda.

En la citada película, Tribilín ( Goofy) montando como gaucho argentino.


Además, Donald visitó el lago Titicaca.

"Los Tres Caballeros" : un trío para recordar.

Lobby card original de la película.

___ Iniciando un viaje de buena voluntad por algunos países de Latinoamérica, Walt Disney visitó Argentina, Brasil y Chile.
El último día de Septiembre de 1941, Walt Disney llegó al Aeropuerto de Cerrillos en Santiago de Chile.
Participó en múltiples recepciones.
Una de cuyas memorables visitas, mantengo como recuerdo imborrable otorgado por fuentes de primera mano.
Disney asistió a la exhibición del primer trabajo de animación hecho en Chile, titulado "15.000 Dibujos".
Del proyecto, sólo se había realizado una escena, que protagonizaba el cóndor chileno sobre las nieves de los Andes, elaborada por los jóvenes estudiantes Carlos Trupp y Jaime Escudero.
En aquella oportunidad, invitó a Estados Unidos a los jóvenes cineastas, uno de ellos, padre de un viejo amigo y compañero de Liceo.
El motivo de su visita, fue conocer los paisajes y las personas de Latinoamérica ( Argentina, Brasil y Chile), para producir una serie de documentales sobre nuestra cultura.
Desgraciadamente, no todos comprendieron la magnitud de esta iniciativa y el proyecto original se transformó en dos películas de dibujos animados : "¡ Saludos amigos ! ("Saludos, amigos!!, 1942), sobre los gauchos trasandinos y un avioncito correo que cruza los Andes cordilleranos chilenos; y "Los Tres Caballeros" ("The Three Caballeros", 1944) , que popularizó la figura del loro brasileño Pepe Carioca.
Actualmente, existe un magnífico documental que rescata aquella visita : "Walt & El Grupo" ( 2009) escrita y dirigida por Theodore Thomas, hijo de uno de los 9 grandes dibujantes de la firma, Frank Thomas.
Entre otros personajes que aparecen en las entrevistas, figuran : Jorge Délano ( Coke), Flavio Barroso, Juan Carlos González, Juan Carlos Porta, Cindy García y Marcelo Niño.

De vuelta a casa.

"Música, maestro" : lobby-card de la película.

Uno de los segmentos, reinterpreta el cuento de "Pedrito y el lobo".

"Canción del Sur" : los actores en un descanso del rodaje.

Cartel original de la película.

En "Diversión y Fantasía", la estrella es Bongo el osito circense.

Uno de los cuentos que aparece en "Melody Time".

"So Dear to My Heart" : segunda película Disney, con Bobby Driscoll y Luana Patten, acompañados de Burt Ives.

Afiche con la película sobre la leyenda del jinete sin cabeza.

___ Tras la Segunda Guerra Mundial, Disney reemprendió el camino de la fusión músical- animada con la simpática: "Música, maestro" ( "Make Made Music", 1946), que tiene una original reinterpretación del cuento "Pedrito y el lobo".
Más luego, vendrá: "La Canción del Sur" ("Song of the South", 1946) , otro cuento experimental donde se entremezclan actores de carne y hueso con dibujos animados, para mayor lucimiento del Conejo Rabito y del Tío Remus.
En 1947, se estrena "Diversión y Fantasía" ( "Fun and Fancy Free") , con Mickey, Donald y Tribilín enfrentados a un gigante y el osito circense Bongo, enamorado de una osita a la que intentará conquistar desde su monociclo.
"Melody Time" ( 1948 ) , insiste en la fusión de la música y la animación con varios cortos de distintos interés.
"Once Upon a Wintertime", es una tierna historia de amor sobre patines de hielo; "Little Toot" es el cuento de un barquito enfrentado a los vaivenes de una tormenta" y "Pecos Bill", la historia de un vaquero remolón y travieso.
En el soundtrack participaron : Roy Rogers, Dennis Day, The Andrews Sisters, Frances Langford y Sons of the Pioneers, entre otros.
En 1949, exhibe dos películas simultáneas : "So Dear To Made Heart" y "Ichabond and Mister Toad".
La primera, es una película acerca de dos niños, Bobby Driscoll y Luana Patten, que se desviven por un caballo; y la segunda, la recreación animada de la leyenda del jinete sin cabeza, que llevará en tono terrorífico décadas después, el realizador Tim Burton.

Nueva Etapa.

"La Cenicienta" luciendo una de los zapatos de cristal.

Como esclava de las labores del hogar, jugando con pompas de jabón.

Poster de la película.

"Alicia en el País de las maravillas": la celebración del "no-cumpleaños".

Alicia se reduce de tamaño para cruzar al pais de las maravillas.

El conejo del tiempo.

Confeccionándose una corona de flores.

La Reina de Corazones.

Alicia en medio de la belleza natural.

Alicia con las flores del jardín.

"Peter Pan" : la obra de James Barrie, junto a Campanita.

La "nana" perruna.

Los niños perdidos.

El Capitán Garfio.

Afiche original del filme.

Poster en español de la película.

__Con "La Cenicienta" ("Cinderella", 1950), Disney inicia una nueva etapa fructífera que culminará con "El libro de la selva" ( 1966 ) su obra póstuma.
Basada en la obra de Perrault, el filme retoma las experimentaciones por rotoscopía de "Blancanieves" y le da un nuevo impulso al poder de ensoñación, que tienen los cuentos europeos.
Cenicienta es un portento de arquetipos clásicos disneyanos : una malvada madrastra que recuerda a la terrorífica reina de Blancanieves; dos hermanastras flojas y horrendas; y una hada madrina que guarda todo el candor maternal de las viejecitas sabias y agradables.
Toda la secuencia de la pérdida de la zapatilla de cristal porque viene la medianoche, cuando se rompe el hechizo, inspiró más adelante, muchas películas y series de televisión.
Sobre Lewis Carroll, realizó después : "Alicia en el país de las Maravillas" ("Alice in Wonderland", 1951), quizás su obra más compleja y diversa, llena de simbólicas metáforas, coloquiales juegos y cerebrales enigmas.
Una obra perfecta en su estilización y recreación formal.
Exquisita en su traducción de las claves para entender mejor el universo de Carroll.
Del dramaturgo británico James Barrie, adapta: "Peter Pan" ( 1953), sin perder los perfiles del montaje teatral original.
Imaginación, ritmo, color, suspenso y humor, se fusionan para una aventura fantástica de visos freudianos.
Hay en "Peter Pan" toda la admiración de Disney por el mundo infantil, pero también por el respeto a las obras europeas de contexto imaginativo.
"Zim, zim, bum bum" ("Toot, Whistle, Plunk and Boom", 1953), es otra obra experimental desarrollada en dos dimensiones, demasiado intelectual para el público que sólo espera divertirse. Aún así, resulta una gozada por su estetizante plasmación de un universo musical híbrido.

Damas, vagabundos, bellas y dálmatas.

"La dama y el vagabundo" : entrañable pareja romántica en la "Bella Notte".

El universo canino a escala humana.

Poster de la película.

"La bella durmiente" : los escenarios, el color y la música del ballet original.

Las hadas madrinas : fauna, flora y silvestre.

El príncipe del cuento.

La seguridad del trazo en los fondos expresionistas.

Maléfica que sirvió de base para la nueva película con Angelina Jolie.

"La noche de las narices frías" inaugura una nueva etapa estilística.

Nueva villana : Cruella de Vil.

Nueva estética para una historia familiar con 101 dálmatas.

Afiche original de la película.

"Winnie The Pooh and the honey tree" : aventuras con un osito y unos curiosos juguetes infantiles.

"El libro de la selva" : la obra póstuma de Disney.

__ En 1955, aprovechando el auge del CinemaScope, estrena "La dama y el vagabundo" ("Lady and the Tramp" ), que se exhibió en dos formatos : pantalla plana y ancha.
Circunstancialmente, se trata de una de sus películas más románticas.
Un logro de la inspiración canina. Una proeza que convierte las distinciones entre clases sociales, en una oportunidad para mezclar y solventar los idealismos de una vida apacible, rural, acomodada, tranquila y sugestivamente perfecta.
Existe en "La dama y el vagabundo", la conjunción exacta de equilibrio entre sus partes, una narración fluída donde confluyen el romance, el humor, el suspenso, el drama y la aventura.
Una lograda historia de amor entre canes de diferente origen social, que se encuentran y desencuentran, en medio de un galería inolvidable de secundarios, como ese "Castorsssszzz", al que Dama le regala un collar para trasladar troncos; un vejete perro sabueso, que al parecer a perdido el olfato y un cookie spanish, sabio y celoso.
Hay en el retrato conciente de los perros, la plasmación del universo humano de la época, pero también la visión amable de Disney, de su querido pueblo rural de la infancia, Marceline.
Se trata de una de sus películas más autobiográficas, por el soplo personal con que impregna los ambientes de una época, que recién disfruta de la llegada del teléfono y del automóvil.
Es, sin duda, una notable obra maestra de la etapa más celebrada de los estudios Disney, cuando los "Nueve Viejos" ( "Old Men", en alusión a sus colaboradores más cercanos ), podían hacerlo todo, sin complicarse la vida.
Con "La bella durmiente" ( "Sleeping Beauty", 1958), Disney repite varias de las constantes de "Blancanieves" y "La Cenicienta", pero logra elevar su adaptación con un uso perfecto de los colores y de los escenarios, extraídos del ballet original.
Gran película que crece en su dimensionalidad pictórica, en sus extraordinarios recursos estilísticos, en la sabia naturaleza de su concepción, que matiza los momentos más dramáticos con humor, lirismo y absoluto perfeccionamiento expresivo.
Preciosista y encantadora versión cinematográfica, que ennoblece el cuento original y lo eterniza en sus logros iconográficos.
Más adelante, llegará "La noche de las narices frías" /"101 Dálmatas" ("101 Dalmatians", 1960), que abre la última etapa de su carrera, con dibujos menos sofisticados, confeccionados con trazos más libres y perfiles más cercanos a la realidad.
El director Wolfgang Reitherman, tendrá una incidencia directa en estos trabajos, al que se añadirán : "La Espada en la Piedra"/ "El Mago Merlín" ("The Sword of the Stone", 1963) con la leyenda británica del rey Arturo, sensibilizada para los más pequeños; "Winnie the Pooh and the Honey Tree" ( 1965), una discreta obra menor que se beneficia de las caricaturescas travesuras de un oso travieso con un corazón muy grande; y "El libro de la selva" ("The Jungle"s book", 1966), que ha logrado equiparar su éxito gracias al tiempo transcurrido, y que sin ser una obra perfecta, es una película muy entrañable.

Mrs. Julie Andrews.

"Mary Poppins" : conjunción entre acción real y animación.

El carrousel sin fin.

Dick Van Dyke como el deshollinador.

El inicio de un paseo mágico por los cuadros de tiza de colores.

__ En este período de su vida, realiza una obra modélica que transita por la doble vía de la innovación y la originalidad.
Nos referimos a "Mary Poppins" ( 1964), con la impagable Julie Andrews, en el comienzo de su carrera estelar.
Se trata de una comedia familiar de onda fantástica, que moldea muchos de los arquetipos de sus actores centrales.
La Andrews repetirá el papel de baby sitter en la nostálgica "La Novicia Rebelde"/"Sonrisas y lágrimas" ( 1965) y Dick Van Dyke, extenderá su personaje en "Chitty Chitty, Bang Bang" ( 1968).
De esta guisa, saldrá la constante perfecta y armónica de mezclar dibujos animados y personajes en acción real, pero además, la recurrencia de incorporar niños a comedias musicales de aliento familiar.
Es un género que ya venía en declive desde fines de los años cincuenta, pero que Disney revitaliza con toques de elegancia, surrealismo, fantasía y un gran sentido del espectáculo.
Sobre los entretelones de la adaptación de la película, se estrenó durante el 2014 : "Saving, Mr. Banks" con Tom Hanks como Disney y Emma Thompson en el papel de la escritora de la obra, P.L.Travers. Sus choques e incidencias por obtener los derechos de la novela y después llevar a la pantalla la obra original, sirven de contexto a una película interesante sin ser perfecta, arquetipica y que aumenta el interés por los biopics.

El nuevo Disney.

El título del libro en que se basa la película.

La representación de Disney cuando era niño.

Sorprendido con la magia del cine cuando era adolescente.

Los actores del filme.

En pleno proceso de producción animada.

En trajes de época con el director.

___ La historia disneyana no termina ahí.
Recién en estos meses, conocimos la existencia de una producción independiente que aborda la figura del genio de la animación.
"The Dreamer" ( 2015), dirigida por Khoa Le, está basada en el libro autobiográfico "Walt Before Disney" de Timothy S.Susan, que descubre los primeros años de la vida y carrera del célebre animador.
El guión escrito por Arthur L.Bernstein y Armando Gutierrez, está interpretado por : Thomas Ian Nicholas, Jon Heder, David Henrie, Jodi Sweetin, Ayla Kell, Taylor Gray, Hunter Gomez, Conor Dubin y Kate Katzman.
Desde 1919 hasta 1928, la cinta explora en los esfuerzos de Disney por superar sus temores a la derrota y ampliar su fuerza para lograr transmitir sus sueños, en el terreno de la animación junto a su hermano Roy.
En la infancia, vemos a Disney dibujando caballos en el campo en Kansas, y ya adolescente, descubriendo la magia del Cine.
La cinta se estrena en Estados Unidos, el 30 de Octubre de este año y promete valorizar la obra que legó Disney al mundo.
Hay un proyecto largamente acariciado, con la vida y obra del genio, y que en un momento determinado se pensó que lo iba a dirigir Ron Howard o Tim Burton.
En el 2012, incluso apareció un afiche de la producción que no se concretó por problemas presupuestarios.
En fin, lo cierto es que la figura emblemática de Disney, sigue siendo atractiva para los productores de biopics.
Ojalá algún día, no muy lejano, veamos una auténtica obra con toda la carrera del dibujante hecha magia cinematográfica.

La última aventura de Disney-Pixar :
"Grandes Héroes".

Los personajes de la última aventura animada de Disney-Pixar.

En el relato, se suceden las situaciones cómicas y divertidas.

Vestidos como superhéroes del comic.

Ellos fueron imperdibles en los últimos mensajes navideños del 2014.

___ Puede que la última maravilla de las productoras fusionadas Disney-Pixar, se convierta en la regalona del Oscar este año y no hay dudas que tiene méritos para ello.
Sin duda, es una obra de excepción.
Aunque detrás de su aparente monotonía temática sobre superhéroes, se esconda una dramática historia de venganza, tras los pasos del asesino del hermano mayor de Giro, un adolescente de catorce años de origen nipón.
Este dato racial no es menor, si consideramos el auge tecnológico que han impuesto en todo el mundo, los nipones con la reducción o practicidad de los inventos hogareños más utilizados, desde celulares hasta televisores plasmas, pasando por los ordenadores, electrodomésticos y aparatos de telecomunicación.
La película tiene un recorrido que va desde lo más oscuro de la tragedia a lo más divertido de la comedia de acción.
A nivel de las estilizaciones de los dibujos animados en 3D y 2D, se sostiene en función de personalidades bien marcadas, aunque la acción se circunscribe a Giro y al robot inflable que recuerda al logo de Michelin.
El filme se sustenta mediante una serie de situaciones más o menos características del cine de la MARVEL, de los animés japoneses, e incluso de películas similares, que rastrean en las compostelas de los superhéroes del comics.
LOS INCREIBLES que también asimilaba el género con profusión en la familia, viene a ser un antecedente directo de este filme, aunque en su cometido, esta película se aparta de la norma usualmente conocida, al enfrentar a los héroes con villanos de realismo humanista.

El humor es uno de los recursos que atrae el público a las salas de cine.

Cada uno de los personajes antagónicos, tiene un perfil sicológico atendible que lo hace actuar de una manera definida. Allí radica su originalidad.
Pero también rescata, algunos buenos momentos de acción, suspenso y ajuste de cuentas.
De alguna manera, "Big Hero 6" ( 2014) , asume el papel de estar dirigido a los niños de esta época de Internet.
Por eso, el inicio del relato, involucra un play station virtual, con dos robots que luchan a muerte.
Resulta una manera más directa e instantánea, de concentrar el interés de los niños en el relato sentimental.
Aunque hay más: una tragedia oscura de índole familiar; el descubrimiento de un gran invento que resulta ser un robot amistoso y práctico; la tensión remarcada en la búsqueda de los verdaderos culpables del desaparecimiento de uno de los personajes y la alianza de fidelidad con los amigos disfrazados como superhéroes, que lucharán contra el poder del villano de turno, que ha usufructuado del invento del joven protagonista para su propio beneficio.
El magnífico encadenamiento de situaciones hasta el crescendo final, vienen a dilucidar la imaginería de Pixar unida a Disney. Lo moderno unido a lo tradicional. Innovación y clasicismo en partes equiparables y efectivas.
Con una lograda estética, que pasa paulatinamente de los oscuros paseos nocturnos a los vuelos supersónicos en vivos colores, "Grandes héroes" se nos antoja como una experiencia distinta, vigoroza e imaginativa, que recupera parte del encantamiento por los personajes de la factoría americana.
Su estructura de aventura fantástica, emocional y sensible, nos hace considerarla especialmente recomendable para grandes y chicos.

Mosaicos.

Aquí están todas las películas Disney.

Parejas del cine de Disney.

Grandes títulos Disney.

Collage de personajes Disney.

Los biopics más destacados del Cine.

__Imposible colocarlas todas, pero intentamos seleccionar algunos de los biopics más representativos del género, para que se incentiven a confeccionar sus propias listas en casa. Es un ejercicio nostálgico y cinéfilo.
Sólo tienen que recordar y aparecerán frente a sus ojos, películas que parecían olvidadas por el tiempo. Nunca está demás, revisitarlas en DVD y Blu-Ray.

"J.F.K." ( 1992) de Oliver Stone. Considerado uno de los realizadores contemporáneos más recurrentes al biopics, hizo "Nixon " y "W" con idéntica repercusión medial, pero además, "The Doors", "Nacido el cuatro de julio" y "Salvador". "El primer borrador del guión original contenía un sinfín de flashbacks y era tan confuso, que cuando se los mostré a los de la Warner Bros., no entendieron absolutamente nada. Así que escribí un segundo borrador, eliminando tantos flashbacks como pude y se los volví a enseñar. Más tarde, en la sala de montaje, reintrodujimos todos aquellos flashbacks que habíamos cortado y añadimos más de un 50 por ciento de flashbacks nuevos para darle a la película un estilo más innovador", señala Stone. En fin, la película es un modelo de perfección estilística y narrativa, que reconstruye el aparente complot que hubo, para asesinar al presidente Kennedy. Se trata, sin duda, de una gran obra cinematográfica.

"El Evangelio según San Mateo" ( 1964) de Pier Paolo Pasolini. La película nos demuestra la auténtica imaginación de un cineasta ateo, por filmar la mayor historia de un hombre de la forma más austera y humilde. Es una obra de tremenda pureza y diafanidad, interpretada por actores no profesionales, siguiendo los preceptos del neorrealismo italiano, y que reproduce con una lograda síntesis, los textos del evangelio cristiano según Mateo. La fuerza de su discurso reside en la sinceridad y autenticación de los personajes y ambientes. Aunque es la confirmación conciente del valor que tiene el closeup en el lenguaje audiovisual. Es la austeridad al servicio de la figura de Jesucristo y su palabra.

"Wyatt Earp" ( 1994) de Lawrence Kasdan. Si algo tiene este western que reconstruye la vida del legendario sheriff Wyatt Earp, en su estilo moderno, algo anacrónico, y circunstancial. Kevin Costner no sólo da en el clavo, al intentar apartarse de la construcción mitológica de su personaje, sino que, rastrea en sus modos, con un encanto que le da una cierta vulnerabilidad que lo empatiza con el público. De cualquier manera, es una vistosa y entretenida recreación de un mito del Oeste norteamericano.

"Lincoln" ( 2013) de Steven Spielberg. Intimista e ideológica recreación del presidente Abraham Lincoln, que mantiene su interés en la notable transcripción de atmósferas, en la consumación de un personaje desde el discurso y la lucha por sus valores y principios, conforme una visión atemporal que busca la consolidación de la Democracia. Puedes tener una línea política determinada, y eso no auyenta el interés por el material histórico de este filme, recorrido por cierto lirismo y un hincapié en los idealismos del personaje. El actor Daniel Day Lewis, está en uno de sus papeles más memorables y Sally Field en un regreso prometedor.

"Melodía Inmortal" ("The Eddy Duchin Story", 1956) de George Sidney. Clásico del cine musical que mantiene toda su fuerza melodramática, en virtud de una banda sonora inolvidable y un relato que juega a dos tiempos, con la idea de la nueva oportunidad para rehacer una vida. Los detalles en la puesta en escena, el talentoso uso del technicolor, la magnífica fotografía de Harry Stradling, y un elenco de grandes actores encabezados por Tyrone Power y Kim Novak, aseguran el éxito taquillero que tuvo la película en todo el mundo. Entre los secundarios figuran , la estupenda Victoria Shaw, tan preciosa como la Novak , y el niño Rex Thompson que destacara en "El Rey & Yo".

"Gandhi" ( 1981) de Richard Attenborough. La figura del líder espiritual hindú está condicionada a satisfacer el interés por su lucha silenciosa y pacífica contra los excesos del Imperio. Rodada con grandes recursos y un tono colosalista que ahoga el delineamiento de los perfiles de sus personajes, puede resultar un tanto literatosa, pero enciende el interés por los esfuerzos de un líder, que predicó su sistema de la no violencia y doblegó a las fuerzas británicas con la espiritualidad de la Paz. Gran actuación del debutante Ben Kingsley, acompañado de Candice Berger , Edward Fox y John Gielgud. Ganadora de 7 Oscar.

"La Vida privada de Enrique VIII" ( 1933) de Alexander Korda. La recientemente fallecida Merle Oberon, Elsa Lanchester, Robert Donat y el obeso Charles Laughton, interpretan este biopic que tiene la particularidad de rescatar la figura del legendario monarca inglés, con toda la lujuria de su carácter y un guión modélico. Hay que disfrutar las escenas que demuestran: la gula que tiene el Rey en las mastodónicas cenas y su insaciable apetito sexual. Recuerden que volvería interpretar al monarca en "La Reina Virgen". Es el primer gran clásico sonoro del cine inglés de repercusión internacional.

"Cleopatra" ( 1963) de Joseph L.Mankiewicz. Con el tiempo apareció la versión del cut del director y se confirmó la maestría de esta subvalorada película histórica, que centraliza el conflicto central, en las relaciones amorosas que sostuvo la Reina de Egipto, primero con Julio César, y luego, con Marco Antonio. Al extraordinario esfuerzo por mostrar todo el boato colosalista de una época, la película superpone el sentido trágico con el espectáculo, que resulta menos agotador en la versión original. Un tremendo elenco que encabezan : Elizabeth Taylor, Richard Burton, Rex Harrison, Roddy McDowell, Martin Landau, Hume Cronyn y Andrew Keir.

"Elizabeth: Los años dorados" ( 2007) de Shekhar Kapur. Epica algo soporífera y con un estilo teatralizado, que se detiene en mostrar el conflicto armado que se desencadena entre la protestante Inglaterra y la católica España, o mejor, en su efecto entre la "Reina Virgen" y Felipe, fanatizado en la creencia de ser un hombre de Fé al límite de la locura. Lo mejor del filme, está en el rol de la estupenda actriz Cate Blanchett, que profundiza en la personalidad femenina e independiente de la soberana, enfrentada a las contradicciones de su desamor, la relación con un aventurero-pirata ( Clive Owen) y sus constantes tribulaciones a causa de las intrigas de Palacio. Película académica, formal y grandilocuente acerca de una mujer que sufrió las consecuencias del "peso de la corona" y ansió recorrer el mundo sin grandes obligaciones.

"La dama de Hierro" ( 2011) de Phyllida Lloyd. Escribir sobre personajes históricos controvertidos de reciente data, es acceder a los desequilibrios personales propios del subjetivismo crítico y reflexivo. Por eso, la Thatcher todavía enciende en nuestro países ciertas divisiones y resquemor. Así que nos remitiremos exclusivamente a analizar brevemente esta película. El filme intenta mostrar los orígenes humildes de la inglesa y sus relaciones con el poder. Más intimista que otra cosa, la película deja fuera muchos elementos históricos beligerantes, para dimensionar a la "Dama de Hierro" como una figura más cercana. Meryl Streep está estupenda en el papel, aunque se huele la manipulación emocional que tiene el personaje. Un filme en todo caso, accesible a todos los públicos, aunque nos tememos resulta demasiado lineal y esquemático.

"Mi nombre es John Lennon" ( "No Where Boy", 2009) de Sam Taylor Wood. La adolescencia y juventud de John Lennon desde 1955 a 1960, según un relato de su hermana Julia Baird, dió pie a esta adaptación, que tiene su mayor virtud en evitar endiosar al mítico ex beatle. Una extraordinaria recreación de época, gran banda sonora musical y notables momentos, como cuando Lennon se encuentra por primera vez con Paul McCartney, harán las delicias sobretodo de los beatlemaníacos. Magníficas interpretaciones de : Aaron Johnson, Tomas Sangster, Kristin Scott Thomas y Anne-Marie Duffy.

"El Toro Salvaje" ( 1980 ) de Martin Scorsese. Una de las obras maestras del realizador ítalo-americano, que rastrea por la vida del boxeador Jake La Motta y sus conflictos de desarraigo social y familiar. Rodada en blanco y negro, tiene una gran elocuencia y una fuerza emocional, que emana de la interpretación de Robert De Niro, de la estupenda labor en el montaje de Thelma Schoomaker y del talento narrativo de Scorsese, para hacer suyo, este biopic inolvidable.

"Hitchcock" ( 2012) de Sacha Gervasi. Las relaciones matrimoniales entre la guionista Alma Reville y el mítico realizador británico, mientras prepara el rodaje de "Sicosis", sirven de pretexto para esta minimalista recreación sobre una parte de la vida de Hitchcock, el maestro del suspense moderno. Sin ser una obra muy redonda, hay notables insinuaciones emocionales, como la rabia contenida y el sesgo de la infidelidad y la soledad, que gatillan el conflicto central de la obra. Extraordinaria actuación de Anthony Hopkins y Helen Mirren. Ojo con el papel de Scarlett Johansson como Janet Leigh, está estupenda.

"Isadora" ( 1968) de Karel Reisz. Biografía sobre la mítica bailarina Isadora Duncan que mezcló su amor por el ballet con sus ideales políticos. Notable desde el punto de vista interpretativo, con Vanessa Redgrave demostrando su real independencia del sistema, tiene cierto encanto, que estriba en la recuperación de una época a través de los escenarios, los ambientes y las atmósferas. De una exquisita estética, la película no le cayó bien a cierta crítica y la nominación al Oscar de Vanessa, fue boicoteada por sus ideas anticonservadoras.

"Bolas de Fuego" ( 1991 ) de Jim McBride. Hermosa y cautivadora película sobre la breve pero intensa carrera del rockero norteamericano Jerry Lee Lewis, en la época de oro del rock and roll. El tono dramático se centraliza en la intespectiva relación amorosa que surge entre el artista y Myra, la hija de trece años de un primo hermano, interpretada por Winona Ryder. Cuadro de costumbres, depurado hasta sus extremos, que recoge a cabalidad la mentalidad y el espíritu de rebeldía de una época.

"Amadeus" ( 1984) de Milos Forman. Lo más novedoso que tiene esta superproducción, es que obvia el esquema del clásico biopic, para concentrarse en el conflicto existencial y profesional que existió entre Wolfgang Amadeus Mozart y Salieri. Se trata de una película lograda, pese a sus tres horas de duración, que crece por su elocuencia visual, y por la profundización sicológica con que Forman delinea a sus personajes. Ganadora de 8 Oscar, incluyendo Mejor Película, Mejor Actor Secundario ( F.Murray Abraham) , Mejor Director y Mejor Guión ( Peter Schaffer).

"Butch Cassidy & Sundance Kid" ( 1969) de George Roy Hill. Un título emblemático de los años sesenta, que aborda de manera abierta y desenfada, la huída de dos delincuentes en la época del far west. Paul Newman, Robert Redford y Katharine Ross, conforman el casting central, y el tema "Raindrops keep fallin" de Burt Bacharach, se convirtió en un clásico. Su visionado nos inspira nostálgicas resonancias de un pasado idealizado.

"Malcolm X" ( 1992) de Spike Lee. Denzel Washington y Angela Bassett interpretan los papeles centrales de esta recreación de la vida del líder político de color norteamericano, que resalta por su estilo visual, un relato dinámico y notables actuaciones. Lee no se ahorra los detalles, al graficar las relaciones de Malcolm con una rubia en una época de racismo, y después con la que sería su esposa, aunque el acento lo coloca en el idealismo que profesaba el político. Se trata de la película más ambiciosa de su autor y una de sus más conocidas producciones.

"La lista de Schlinder" ( 1993 ) de Steven Spielberg. Difícil no sentirse identificado con el sufrimiento judío y el flagelo bélico que expone esta superproducción. Si el tono con que se inicia el relato, remite a revelarnos el perfil sico-social de Oskar Schindler, muy relacionado con la milicia alemana y ardiente partidario del nazismo, conforme avanza la narración, nos va introduciendo por la persecución y el exterminio en los campos de concentración, sin menoscabo de abrazar esta circunstancia a un sólo frente. Grandes interpretaciones de Liam Neeson, Ben Kingsley y Ralph Finnes, acompañan los momentos más sobrecogedores, como la secuencia trágica en los hornos de incineración o la masacre masiva en nombre del nuevo régimen. Si no la has visto, resulta muy recomendable para aprender lecciones sobre lo que hay que evitar en tiempos convulsionados.

"Turner" ( 2014) de Mike Leigh. Narra 25 años en la vida del pintor impresionista británico J.M.W.Turner. Sus conflictos, aspiraciones, su aparente medianía, y sus transgresiones en el trabajo pictórico, acentuados con la soberbia interpretación del actor Timothy Spall, un característico en el papel estelar de su carrera.

"Una mente brillante" ( 2001) de Ron Howard. ¿ Como termina un estudiante de matemáticas de Princeton, trabajando en el Departamento de Defensa de Estados Unidos durante la guerra fría ? La película explora por la vida de John Forbes Nash, que de solitario y retraído, pasó a transformarse en pieza clave para descifrar códigos secretos. Uno de los primeros grandes trabajos interpretativos de Russell Crowe.

"Chaplin" ( 1992) de Richard Attenborough. El actor Robert Downey Jr., comenzó a hacerse notar cuando interpretó al célebre bufo inglés del cine mudo. La película tiene un ritmo académico, pero ello no es óbice de mostrar los entretelones del artista múltiple, para montar "El Pibe" y circunstancialmente, elevar al mito con un soplo vitalista y humano.

"María Antonieta" ( 2006) de Sofía Coppola. Coproducción estadounidense- franco- japonesa, que reconstruye los beligerantes años de la joven soberana en el Palacio de Versalles. Rodada en auténticos escenarios franceses, tiene una exquisita estética y una rupturista manera de enfocar la realidad de una época, con intervenciones contemporáneas de objetos y banda sonora musical. Gran despliegue de medios acompañan las actuaciones de Kristen Dunst, Jason Schwartzman, Rose Byrne, Judy Davis y Rip Torn. Notable.

" Mi semana con Marilyn" ( "My Week with Marilyn", 2009) de Simon Curtis. Los entretelones que rodearon el rodaje de "El Príncipe y la Corista" con Marilyn Monroe y Laurence Olivier, y la semana de luna de miel con su marido Arthur Miller, centralizan el argumento de este biopic, que tiene la virtud de estar interpretado por la estupenda Michelle Williams. Una película que disfrutarán sobretodo los admiradores del mito cinematográfico.

"1492: A la Conquista del Paraíso" ( 1992) de Ridley Scott. Posiblemente moleste la escenificación que ejecuta el realizador británico para recrear el descubrimiento del Nuevo Mundo y sus erróneas abduciones históricas; sin embargo, creemos que la película está originada en la percepción visual, y desde este sentido, mantiene su fuerza estética que actúa a través de los sentidos. El actor francés Gerard Depardieu, hace lo que puede con su personaje, aunque lo que sobresale realmente, es la magnífica banda musical de Vangelis.

"Goya en Burdeos" ( 1999) de Carlos Saura. Producción española que cuenta con el trabajo fotográfico del experimentado Vittorio Storaro, para efectuar un notable retablo sobre la célebre figura del pintor Francisco de Goya, desde el final de su existencia. Dedicada a su hermano, el pintor Antonio Saura, fallecido poco antes, el filme también es un interesante acercamiento a la obra de uno de los grandes genios de la plástica. La película es novedosa, porque Saura logra una equilibrada mezcla entre sus elementos musicales, teatrales y pictóricos, y matiza el valor cinematográfico con la consumada labor de Storaro. Además, se constituye en el último gran papel del notable actor español Francisco Rabal, desaparecido poco tiempo después.

"Espartaco" ( 1960) de Stanley Kubrick. Uno de los grandes peplums romanos de la historia del cine. Producida y actuada por Kirk Douglas, es una monumental adaptación sobre la novela de Howard Fast y con guión de Dalton Trumbo, que sirvió a Kubrick para efectuar una magnífica reconstrucción histórica acerca del primer gran líder antiesclavista en la Roma Imperial; que funciona como drama romántico, metáfora sociológica sobre el idealismo libertario y el poder, crítica aguda acerca de la maldad humana y la corrupción de los mandos dirigenciales de la República. Una extraordinaria película histórica, con un elenco irrepetible que también conformaron : Laurence Olivier, Jean Simmons, Tony Curtis, Stephen Boyd, Peter Ustinov, Charles Laughton, John Gavin, Nina Foch, Woody Strode, John Ireland y Herbert Lom.

"Andrei Rublev" ( 1966) de Andrei Tarkovsky. La vida del monje ruso pintor de íconos del siglo XV, sirvió para efectuar una grandiosa épica que acentúo el valor expresivo del plano-secuencia y las metáforas semiológicas del relato. Dividida por capítulos, sus casi 190 minutos están seccionadas en dos partes, a través de 377 planos largos, entremezclando los acontecimientos histórico-políticos con una reflexión madura y reposada sobre el papel del Arte en la ética de la cultura. Inolvidables secuencias como la orgía pagana, la invasión de los tártaros en Moscú, y la construcción de una enorme campana, aparecen en todas las antologías del séptimo arte y valen por sí mismas, el precio de su largo visionado.

"Basquiat" ( 1996) de Julian Schnabel. En 1981, un joven artista plástico de origen haitiano, Jean Michel Basquiat, se hace célebre con su particular obra en Nueva York. Personaje singular, es hijo de una madre recluída en una clínica mental y durmió un tiempo en una caja de cartón en la calle, antes de conocer a Andy Warhol y a toda la troupe artística que lo transformaría en figura de culto. Amigo de Madonna, eterno desarraigado social, heroinómano, de abierto espíritu liberal, Basquiat caracteriza la onda underground de su época. El filme es divertido, intenso y humano , capaz de retratar los ambientes marginales neoyorquinos, el culto a las drogas, la moda gay y el compromiso rupturista con el estableshiment. Además, es una airada crítica a la alta sociedad del Arte. Notables actuaciones de Jeffrey Wright como el pintor y David Bowie como Warhol.

"La pasión de Juana de Arco" ( 1927) de Carl Theodor Dreyer. Obra fundamental de la historia del Cine, que es una "provocación" vanguardista de la última etapa muda, que reconstruye con obvias modificaciones el juicio y posterior ajusticiamiento de la Doncella de Orleans. Maravillosamente interpretada por Renée Falconetti,- en su único rol en el Cine que bastó para consagrarla- , es un magnífico trabajo que acentúa los valores estéticos del primer plano y los constrastes en el encuadre del blanco y negro. Obra del experimentado fotógrafo Rudolph Maté. Valiosa obra maestra.

"Larry Flynt: el nombre del escándalo" ( 1996) de Milos Forman. La excéntrica personalidad del fundador de la revista pornográfica Hustle, sirvió de base, para que el realizador Forman, ejecutara un conciso estudio sobre la libertad de expresión. En tiempos, donde esa palabra parece aún sacar roncha y en países que se suponen ser democráticos, siempre es interesante repasar esta cinta, porque aunque no lo sospechemos, el tema sigue siendo gravitante en la vida cotidiana. A Flynt se le grafica como víctima de sus propios impulsos liberales. Es un hombre que vive en un mundo demasiado conservador, donde impera lo reaccionario de la burocracia. Desde este sentido, Forman aprovecha de ironizar acerca de Hollywood, el poder, el egoísmo, la hipocresía y el conformismo con un notable sentido de la moral y la ética. Gran interpretación del actor Woody Harrelson, que le abre una nueva perspectiva a su carrera.

"El Aviador" ( 2004) de Martin Scorsese. La biografía del productor y director de Hollywood , Howard Hughes ( 1905-1976) está cruzada de insólitos acontecimientos, como su síndrome de obsesiones conpulsivas originadas en una sobreprotectora infancia, sus excentricidades como multimillonario industrial de la aeronáutica, mujeriego empedernido que amó a las actrices Katharine Hepburn, Faith Domergue , Jean Harlow y Jane Russell, y que dió suficiente material para un elborado guión, que Scorsese transformó en un homenaje a la época dorada de las majors en la ciudad del Cine. La película es una gozada estética y un tributo cinéfilo, lleno de referencias de época, donde se entrecruzan lo político, lo social, lo costumbrista, la moda, la música, el Cine, la radio, la competencia aeronáutica, los inventos, la caída, la redención, la soledad, el amor y la guerra. Desde este punto de vista se trata de una de las películas más ambiciosas y espectaculares del gran realizador ítalo-americano. Con Leonardo Di Caprio, Cate Blanchett, John C.Reilly, Danny huston, Alan Alda, entre otros.

"Alexander" ( 2004 ) de Oliver Stone. Quince años debió esperar el realizador norteamericano de "J.F.K.", "Nixon", "W"y "Pelotón", para llevar a cabo este ambicioso biopic a la figura de Alejandro Magno, que costó la friolera cifra de 150 millones de dólares. Rey de Macedonia, considerado el más famoso capitán de ejércitos de la Antigüedad, invadió Egipto y fundó la ciudad de Alejandría. Se hizo consagrar como hijo de los dioses. Todos estos detalles aparecen en la película, que deslumbra por su colosalismo realista. A nivel del drama, es más débil, sobretodo al intentar explicar su intensa ansiedad homosexual y apenas ingenua, al mostrar la relación simbólica con su madre ( Angelina Jolie). En realidad, lo que le preocupa a Stone, es el cuestionamiento moral respecto a las ambiciones del poder, y funciona espléndidamente como espectáculo visual.

Fotos-Gentileza : Walt Disney Productions- Walt Disney Studios- Anthology of Walt Disney- Movies of Walt Disney- Warner Bros.- Paramount Pictures- Universal Pictures- RKO Pictures- Pixar- Euroimages- Pathé- Entertaiment Weekly- Cinemanía- American Cinematographic-Variety- Sigh & Sound- Archivo.-