Séptimo 7 sello: "STAR WARS" Y ESAS PELICULAS INOLVIDABLES :

Recuerdos, Benditos Recuerdos.

Ellos, están de regreso : C3PO y A2 D2, los robots entrañables de STAR WARS, amenazan con destronar cualquier estreno significativo en Diciembre de este año. Habrá que ver, cómo es la nueva trilogía que nos espera, junto a estos íconos del cine de George Lucas, ahora bajo la dirección de J.J.Abrams.

___Esta vez quisimos hacer algo distinto para dar la bienvenida al 2015.
Como la cinefilia es un virus que se te pega y después es muy difícil de recuperar, decidimos aventurar con los recuerdos de los momentos inolvidables de películas de distintas nacionalidades.
Claro está. Uno por más que se repita un filme favorito, es imposible contarlo todo, de principio a fin.
Sin embargo, lo que se nos quedan en la mente, son las secuencias más impactantes o las apreciaciones generales que nos originó su visionado.
Aquellos momentos maravillosos, dramáticos o terroríficos, que están directamente vinculados a nuestra propia emocionalidad.
"Séptimo 7 sello" adhiere a la magia que provocan las películas en el conciente colectivo. Y hurga en el inicio de un nuevo año, en busca de las "esmeraldas perdidas", o sea, aquellas situaciones, gestos, actitudes, instancias, comentarios o simples aspectos de un relato cinematográfico, que lograron perdurar en el baúl de los recuerdos de la mente.
Este ejercicio es muy eficaz a la hora de evitar el Alzheimer, y una delicia de juego, si se desea practicar con las amigas y los amigos de toda la vida.
Sin más preámbulo, les dejamos esta nueva entrada, atestada de lobby cards de diferentes producciones del cine de todos los tiempos, sin distingos de calidad, nacionalidad, género o estilo.
Por motivos obvio, le damos un espacio significativo a "Star Wars", cuya nueva trilogía auspiciada por la Disney, amenaza destronar los éxitos taquilleros del 2015 y convertirse en la "regalona" de la cartelera.
¡¡¡¡ Bienvenidos a este juego de emociones cinéfilas !!!!

Hace mucho tiempo, en una lejana galaxia...

"La Guerra de las Galaxias" ("Star Wars", 1977) de George Lucas, parecerá un tópico regresar sobre esta película, que inició una larga saga y que este año, reaparecerá para ceder su fantasía cósmica a las nuevas generaciones de espectadores de la Era Internet. Pero es absolutamente necesario, valorarla en su justa medida. Algunos detractores le echan la culpa de iniciar un cine comercial insípido y artificial, pero en realidad, lo que hizo Star Wars por la industria, es invaluable. Primero, la salvó de un colapso global, cuando el público iba muy poco a las salas de cine. Segundo, demostró que lo que le hacía falta a la industria era renovarse. Tercero, le entregó nuevas basas para explotar áreas secundarias de la profesión cinematográfica, como el diseño de escenarios, efectos especiales y tebeo.Y cuarto, puso el pie en el acelerador cinemático, con esa secuencia de batalla final que pasó a los anales de la historia por su hiperrealismo.

El relato de Lucas, si bien acomodaticio a los intereses de una nueva generación de espectadores formada en la televisión, aseguró por lo demás, la franquicia de estar abriendo una nueva veta al género de la fantasía. Sin asumir del todo la sutileza estética para recrear el universo, plasmó con novedosos FXs, el interés por el Cosmos que ya venía siendo materia de interés en los Colegios y Universidades con los programas de la NASA.

Del mismo modo, conceptualizó los elementos del mercandising para futuras películas, en un gesto claro a los esfuerzos de "Tiburón" ("Jaws"), que fue la primera película en utilizar el marketing de manera conciente, para potenciar otros campos de la explotación comercial.

Con la trilogía de "Star Wars" se instituyó la importancia de los FXs, a expensas de convertir los sueños más increíbles en realidad subjetiva, a través de la pantalla grande. Sin advertir quizás, los "peligros" de jibarizar la riqueza contextual de las películas, asumió ser la primera, de una serie de novedosas incursiones en el ámbito del "entertaiment".

De las seis películas que comprende hasta ahora STAR WARS, siempre nos quedamos con la trilogía de los 70 y 80. Por eso, resultará toda una novedad asumir la última trilogía de los personajes de Lucas, con los actores originales después de casi 38 años. ¿ Qué habrá pasado con Han, Luke y Leia en todo este tiempo galáctico ?

Nunca volvimos a ver más sensual a la actriz Carrie Fisher como Leia Organa que en "El Regreso del Jedi". Era una esclava de exquisitas facciones, que terminaba por ahorcar a la bestia que la tenía hecho prisionera. Para rememorar los viejos suspiros de admiración, queda en mi recuerdo este traje seductor, que rescato desde la prueba de vestuario y maquillaje de la película original.

Los más jóvenes se identificaban con Mark Hamill, el rubicundo Luke Skywalker, una especie de adolescente travieso y soñador, que llegaba a convertir sus sueños de heroísmo, en una realidad peligrosa y vital para el destino de la galaxia. Siempre apetecí de regalo navideño, esa refulgente espada láser. Y disculpen los freaudianos. No tiene nada que ver con el Eros. Pero sí con el brillo imperecedero de la rebeldía de los justos, sobre la maldad encubierta de los imperialistas. ¡ Que gran discurso político tiene la película original !

El luchador profesional y actor ocasional Dave Prowse, se calzaba el traje y James Earl Jones colocaba su tremenda voz ( ¿Lo recuerdan en las cortinas de CNN ?), para darle vida al villano de turno. Con la armadura de un samurai en negro absoluto y una máscara con la apariencia de un cráneo, se transformó en un ícono de la cultura moderna. Su voz respirando y jadeando, dió pié a varias suposiciones divertidas. Algunos llegaron a asegurar, que Vader imitaba a un drogadicto cuando aspiraba achís. Otros que, simplemente explotaba esta situación, para darle el "peso" sustantivo a su arrogancia y poderío. Los menos aseguraban, que Vader escondía un asma bronquial congénita.

Peter Mayhew fue Chewbacca, el simio humano. Es un "Wookie", término atribuído a Teery McGoverns, uno de los actores de "American Graffitti", la anterior película realizada por Lucas. Una invención que salió en un viaje en automóvil, cuando el director con el actor pisaron un objeto en la carretera, que emitió un chirrido extraño. En verdad, sus gruñidos eran una mezcla entre oso y morsa, mezclados electrónicamente por un ordenador. Ben Burtt, el encargado de los FXs de sonido, utilizó dialectos africanos grabados a velocidad acelerada para los Jawas. Dos años le costó al especialista, crear todo tipo de sonidos nuevos e innovadores que integra la película. Sin duda, el personaje con mayor carisma del conjunto es Chewbacca, que sólo hace sentir sus emociones, con gemidos y gruñidos. Lo que tenía en altura, también lo demostraba en corazón. Fiel a Han Solo y sus amigos, sin él, el "Millenium Falcon" no hubiera despegado de la pista de Tatooine.

Este es el Gran Obi-Wan Kenobi. Imposible dirigirse a él, en términos despectivos, porque su aura genera respeto y sabiduría. El veterano actor inglés Alec Guiness, aceptó el desafío del joven Lucas, porque tenía el pálpito, que estaba frente a una nueva y original premisa. Sin cobrar un sueldo excesivo, valoró el esfuerzo pese a los mil contratiempos que supuso rodar en el desierto del Sahara y Túnez. Todos aplicamos en sus enseñanza motoras : "¡¡¡¡ Luke, la Fuerza !!!!" Después, el Yoga y la filosofía Zen, se convirtieron en moda y disciplina en todo el mundo.

Los actores del filme original : Harrison Ford, Dave Prowse, Peter Mayhew, Mark Hamill, Carrie Fisher y Kenny Baker.

El nuevo Anakin Skywalker de la segunda trilogía de Lucas, está interpretado por el pequeño Jake Lloyd.

Pese a la estimable acumulación de sorprendentes efectos visuales y a los vericuetos de una trama siempre llena de sorpresas, la siguiente trilogía no superó a la original. Quizás porque se perdió la magia de lo sorprendente. En realidad, la ILM ( Industrial Light & Magic), que abrió sus servicios con LucasFilm cuando todo se iniciaba, ya había sostenido muchísimas innovaciones antes de la nueva trilogía y eso repercutió poderosamente en sus resultados. Para cierta crítica, a estas nuevas entregas le faltó "alma" y un elenco más afiatado de celebridades de inmediata empatía con el público. Yo me quedo siempre con la primera parte, que remeda en una prodigiosa secuencia, las carreras de cuadrigas de "Ben Hur" en onda fantástica. En la foto: Hayden Christensen como Anakin Skywalker y Ewan McGregor como Obi Wan Kenobi.

George Lucas con el elenco original de la segunda trilogía : Ewan McGregor, Hayden Christensen, Natalie Portman, Dave Prowse como Darth Vader y Frank Oz en la voz de Yoda.

La foto más característica de Lucas rodeado de sus creaciones fílmicas.

El Regreso de la Fuerza.

La primera gran reunión del equipo de "Star Wars VII", se produjo en el 2014, en dependencias de los estudios Pinewood en Inglaterra. Esta foto, incluye de izquierda a derecha a: Oscar Isaac actor norteamericano, John Boyega, actor británico, Adam Driver de la serie "Girls", Lawrence Kasdan, guionista; J.J.Abrams, director ( de lentes) charlando con Harrison Ford; y Carrie Fisher, charla a su vez con un script girl. De espaldas al público, aparecen de derecha a izquierda : Peter Mayhew revisando unas notas; Bryan Burk productor; Kathleen Kennedy, Presidenta de LucasFilms y productora: Domnhall Gleeson, actor irlandés y Anthony Daniels al lado de Mark Hamill.

El elenco original de Star Wars en una gala de un evento europeo.

J.J.Abrams en el set de "Star Wars VII" incentivando a una campaña de la Unicef.

En pleno rodaje en Abu dabhi.

Abrams con una réplica de un caza de batalla estelar.

Mark Hamill en un descanso del rodaje en estudios.

___ Ironías del destino, pero en los últimos meses han sido numerosas las filtraciones por twitter de material y decorados de la nueva entrega de Star Wars. Más aún, el realizador J.J.Abrams no ha podido frenar informaciones y fotos falsas como las emitidas por un fans desde Frankfurt, y que mostraban las aeronaves de la saga en el aeropuerto germano.
Sin embargo, todas estas incidencias ayudan por el lado promocional, a avivar el fuego del interés, sobretodo en la nueva generación de espectadores, que sólo han conocido las anteriores entregas por el DVD, Blue Ray o la TV Cable.
De alguna manera, el inicio de esta producción galáctica en Abu Dabhi, Marruecos, ha permitido incentivar el recuerdo que las primeras películas supusieron entre el público de la época.
Hay que pensar que, han pasado más de diez generaciones de entusiastas jóvenes por las dos trilogías, y una cantidad ingente de productos de merchandising, desde videogames, consolas, vestuario, disfraces, artículos de oficina, juguetes, artículos de decoración, posters, discos, CDs, y un "cuantohay".
En este sentido, las expectativas que ha creado el inicio de la última trilogía de Lucas, nos viene a confirmar la importancia radical que han tenido estas películas en el conciente colectivo.

Mark Hamill en el set de "El Imperio Contraataca".

Los actores en la portada de la revista "People" en 1980.

Intérpretes de la nueva saga galáctica.

Mark Hamill regresa Luke Skywalker con una barba cana y enfundado en el traje que le dió renombre internacional.

Carrie Fisher : No es que insistamos en la belleza sensual de la actriz pero nuestro recuerdo adolescente es tan cálido, como cuando apareció vestida de amazona para "El Regreso del Jedi".

Harrison Ford : Me discutirán Ustedes que fue también Indiana Jones y un cazador de replicantes modélico. Sin duda. Aunque en nuestra retina se nos quedó pegada su imagen como Han Solo, que por lo demás, nunca estaba solo. Siempre muy bien acompañado por Luke, Leia y Lando que lo mandó al púlpito eterno hecho carbonita. De todos los actores que participaron en la saga original, Harrison es el que efectúo la carrera más larga y prolífica.

Kenny Baker es Artoo-Detoo, el robot estrella de la trilogía. Ben Burtt por sugerencia del director, le dió una personalidad sonora real al robot. "Yo oía los experimentos de Ben", recuerda Lucas...Y le decía: Agregue un poquito de sensibilidad, una lágrima de tristeza, un toque de cólera. A partir de ahí, Ben hacía nuevos experimentos. El resultado me hizo recordar un teléfono llamando", agrega Lucas.

El mimo inglés Anthony Daniels es C3-PO, el compañero multilingüista de R2 D2 ( Artoo Detoo). Lucas siempre estuvo conciente que los dos robots eran los héroes de la película. "En realidad, ellos representan el elemento cómico dentro del relato. Forman un dúo como "Laurel & Hardy". Y es una prueba de que los robots, pueden parecer tan humanos como los hombres" acota Lucas.

Peter Mayhew es Chewbacca el Wookie. Y es que estos simios gigantescos son muy fieles con los hombres. Nada hay más arrebatador que la escena del wookie aullando por la captura de Han Solo. Aunque siempre son notables las arremetidas sorpresas, como cuando rescata a C3PO hecho chatarra en la ciudad de las nubes.

Nuevos integrantes de la saga estelar : Oscar Isaac es un tremendo actor norteamericano, que demostró su verdadera solvencia en "A propósito de Lllewyn Davies" de los hermanos Coen. Todo hace presagiar que, desde la saga de Lucas hará su despegue definitivo.

Adam River es una cara conocida de la serie de televisión "Girls", aunque también ha hecho películas en roles secundarios como en la alabada "A propósito de Llewyn Davis" y "Frances Ha". Habrá que comprobar, que tanto significa su desempeño en la trilogía de las galaxias lejanas.

John Boyega apareció en la preview que adelantó el Internet de la película. Se hizo un nombre, por la película de terror de culto británica "Attack the Block".

Domnhall Gleeson es hijo del actor irlandés Brendan Gleeson y aunque no lo creamos, el chico tiene condiciones innatas para estar en cualquier película, pues el talento también se hereda. No en balde, ha intervenido en los repartos de la saga de "Harry Potter" y la película "Una Cuestión de Tiempo".

Daisy Ridley es la "promesa de la princesa Leia". Desde Gran Bretaña, actúo en "Scraul" y el corto "Blue Season". Si aprovecha bien esta oportunidad, esta chica será una superstar. No hay dudas.

El espacio reservado para los grandes veteranos del cine en "Star Wars", que antes ocuparan Alec Guiness, Peter Cushing y Christopher Lee, lo llena sin remilgos, el notable actor sueco Max Von Sydow. Fetiche del cine de Ingmar Bergman y uno de los secundarios más destacados, con una carrera tan larga como el río Suez, y tan meritoria como sus antecesores. Sólo véanlo en : "Séptimo sello", "La Fuente de la doncella", "Como en un espejo", "Hawaii", "El Exorcista", "El desierto de los tártaros", "Flash Gordon", "Hannah y sus hermanas", "Jerusalem", "Minority Report", "Robin Hood" y "Tan fuerte y tan cerca".

Gwendoline Christie. Esta actriz británica se ha transformado en musa del realizador Terry Gilliam, apareciendo en sus dos últimas películas : "El imaginario Dr.Parnassus" y "The Zero Theorem". Además, es una recurrente intérprete de la famosa serie del cable "Juego de Tronos".

Lupita Nyong"o. Sus padres son de Kenia en Africa, aunque ella nació en México. De ahí, lo de Lupita. Habitual de la serie Shuga", dió que hablar en "12 años de esclavitud" y "Sin escalas".

Warwick Davies es un enanito que comenzó muy joven en esto del Cine. Debutó justamente en "El Regreso del Jedi" como Wicket, el pequeño osito que ayuda a Carrie Fisher y organiza a su prole para combatir contra las fuerzas de Darth Vader. Inseparable actor de aventuras, relatos de terror y fantasías familiares, como : "Laberinto", "Willow", "Leprechaus", "El Príncipe Valiente", "Las Aventuras de Pinocho", "la saga de "Harry Potter", "Las Crónicas de Narnia" y "Jack, el cazagigantes".

Andy Serkis se ha especializado en doblar a personajes generados por ordenador. Fue el Gollum en las trilogías de "El Señor de los Anillos" y "El Hobbit". Además ha hecho de simio en "King Kong" y "El Amanecer del Planeta de los Simios".

Greg Grunberg, ya había trabajado para el director J.J.Abrams en "Star Trek" y "Super 8". Aunque también hizo de las suyas como secundario en : "Hollowman" y "Misión Imposible 3" y la serie televisiva "Héroes".

Maisi Richardson Sellers de la serie "The Originals", tuvo un rol destacado en la película "The Fince Year Cycle".

Christina Chong también es una secundaria eficaz como lo ha demostrado en "Johnny English Reborn", "W.F." y "Freak dog".

Los Afiches del inicio de la nueva saga.

Desde MTV News, el anuncio de la fecha de estreno de "Star Wars VII".

Otro poster de avance publicitario al estreno del 2015.

En el supuesto de una historia de reconstrucción del orden galáctico, este afiche habla por sí mismo.

Los diseños son explicitos respecto a la obra original.

Esas películas inolvidables...

En las Tierras de la Fantasía.

"El ladrón de Bagdad" ( "The Thief of Bagdad",1939) de Michael Powell, Ludwig Berger y Tim Whelan. Fue la "Star Wars" de su época. Quizás el mayor esfuerzo de producción de la London Films británica, en un momento de convulsiones. Fascinado por los resultados de "El Mago de Oz" , Alexander Korda el magnate del cine inglés, decidió imitar el concepto estético de la MGM, pero con un notable estilo que adapta uno de los cuentos de "Las Mil y una noches" y que se prodiga en el uso del Technicolor, los suntuosos decorados y los grandiosos efectos visuales. El trío protagónico conformado por John Justin, June Duprez y Sabú, pasó a la inmortalidad y sus nombres sólo anteceden, al del prestigioso Conrad Veidt , en el rol del villano Jaffar. "Aladdin" de la Disney, se basó en esta película para sus increíbles animaciones.

"El Mago de OZ" ("Wizard of Oz", 1939 ) de Victor Fleming. Catalogada como un gran clásico del cine musical, es también una innovadora producción para su tiempo, que lubricó las bases de un cine fantástico proclive al perfeccionamiento absoluto. Los grandes escenarios, efectos visuales y de maquillaje, canciones, trajes, máscaras, narratividad, sólo vienen a refutar el enorme prestigio que adquiría con los años el productor Arthur Freed, punta de lanza de las mejores comedias musicales de la MGM en la época del brillante Technicolor. Judy Garland no sólo catapultó su fama a partir de este clásico, sino que asumió el rol de Shirley Temple ( que no fue cedida por la Fox), para duplicar la fama de esta película de todos los tiempos.

"Encuentros Cercanos del tercer tipo" ( "Close Encounters of the Third Kind",1977 ) de Steven Spielberg. El cut del director en DVD, alarga el drama de Richard Dreyfuss y acentúa su paranoia por los OVNIS. Sin embargo, tiene la riqueza de escudriñar en el papel que juegan los mass media respecto a la información sobre los extraterrestres. De algún modo, Spielberg instuye en que habría de convertirse la televisión y la prensa, con la llegada de la instantaneidad y el Internet. Es una gran película que todavía deslumbra por sus extraordinarios efectos visuales, sobretodo en la secuencia del desenlace final, con la nave nodriza aterrizando con los ETs y su mensaje pacifista.

"El día que la Tierra se detuvo"/"Ultimatum a la Tierra" ("The day earth stood stile", 1951) de Robert Wise. Una obra maestra en su estilo. No hay nada más circunstancial, que la intromisión de una vida extraterrestre en la vida domestica, para conocer el comportamiento humano. Michael Rennie y Patricia Neal, interpretan una pareja inusual para su tiempo, pero hay efectos colaterales en el planteamiento pacifista de la obra, porque queda dando vuelta, la idea de que la mujer realmente se enamora del viajero espacial. Extraordinario todo el inicio, con la sublevación de las autoridades frente al aterrizaje del OVNI en las inmediaciones de la Casa Blanca. Notable obra de ciencia ficción.

"Godzilla"/"Japón bajo el terror del monstruo" ("Gojira", 1954 ) de Inoshiro Honda. Un monstruo de edades antidiluvianas, resucita debido a una explosión atómica. La presentación en sociedad de "Godzilla", que inició la moda de las películas de monstruos japonesas, e integró al elemento fantástico, ideas sobre la mitología de los seres prehistóricos realmente novedosas.Todavía recuerdo la impresión que nos llevamos con los primos, la primera vez que la vimos en "Tardes de Cine" de TVN. Alucinábamos con las aventuras del dinosaurio, como si hubiéramos descubierto la radio.

"Planeta Prohibido" ("Forbidden Planet", 1956 ) de Fred M.Wilcox. Uno de los clásicos de la ciencia ficción de los años cincuenta. La historia sobre un científico explorando un extraño planeta, junto a su bellísima hija y un increíble robot. Los modelos de Anne Francis, como el que muestra la fotografía, hicieron las delicias de los fans del género y aseguraron parte de la taquilla. Pese a los años y a su ridículo contexto, todavía resultan espectaculares las imágenes de la ciudad de los Krell y las maravillosas apariciones de la hermosa Francis, que secunda a un jovencísimo Leslie Nielsen y al veterano Walter Pidgeon.

"Metrópolis" (1927) de Fritz Lang. Pieza fundamental del cine fantástico, es también un antecedente directo a los movimientos políticos que se impusieron con la llegada del Tercer Reich en Alemania. Es una monumental obra de gran belleza visual, de la que se han efectuado diversas reposiciones. Todavía recuerdo con nostalgia, la versión que integra la música de Giorgio Moroder, que también está coloreada. Yo tengo varias versiones, pero siempre me quedo con una original, donde las imágenes hablan por sí mismas y la música sólo es un mero apoyo. La actriz Brigitte Helm como la mujer robot, esta extraodinaria y es falso que George Lucas se basara en ella para hacer C3PO, como lo aseguró el cineasta en una entrevista hace unos años.

"La historia sin fin" /"La historia Interminable" ("Die unendiche Geschichte", 1984) de Wolfgang Petersen. Filmada en los Estudios Bavaria en Münich, es una obra maravillosa que captó el espíritu original del cuento de Michael Ende. No sólo adelanta la crisis de la lectura desde la perspectiva de los niños de hoy ( que leen poco y si lo hacen, es con el ordenador, porque los libros están en desuso), sino que insinúa la pérdida sistemática de la ensoñación, que es ese poder mágico de imaginar mundos extraordinarios con la mente. "La Nada destruye el Todo". Una reflexión para tomar muy en cuenta.

"Blade Runner" ( 1982) de Ridley Scott. Créanme pero esta película vino a inaugurar toda una nueva concepción estética de claroscuros en el cine, luces de neón y neblinas, algo que se origina en la base de su texto: un cruce entre la ciencia ficción y el film noir. Se basa en la novela ¿ Sueñan los androides con ovejas eléctricas ? del especialista Philip K.Dick, publicada en 1968. Harrison Ford que debe dar de baja a cuatro replicantes en Los Angeles del año 2019,- un escenario recreado con gran virtuosismo- , emula a un Bogart del futuro y Rutger Hauer, como el cabecilla de los replicantes fugados, se guarda los mejores momentos para el desenlace, intentando explicarse sus propios orígenes con una paloma en sus brazos. Grandes secuencias de suspenso y acción, para una película con una estética inolvidable y que influenció al cine posterior.

"La novia de Frankenstein" ("The bride of Frankenstein", 1935) de James Whale. Con un estilo irónico y divertido, Whale extiende la mitología del monstruo y le obsequia el lado sexual, subrayando las discusiones filosóficas e integrando al Dr. Pretorious, un mad doctor, obsesivo y ambigüo, que bien puede ser entendido como el alter ego del realizador. Se trata, por cierto, de la obra maestra de Whale, pero también de la mejor película terrorífica de los estudios Universal de los años treinta.

"La llave mágica" ( "The Indian in the Cupborad", 1996) de Frank Oz. Salido de las huestes de Jim Henson, Oz es uno de los artesanos más singulares del cine fantástico actual. Esta película menor, parece ser una de sus mejores obras, pues integra frente al lado mágico, un discurso pro-indigenista y ecológico, que no escabulle el entertaiment para todo espectador. Además, es una película muy entretenida, fluída, divertida y hasta cierto punto, muy original. Recuerden los efectos de las figuritas del niño, transformadas por obra y gracia de la magia, en seres de carne y hueso. Sin duda, más de un antecedente directo para la cinta animada "Toy Story".

"Dr.Jekyll & Mr.Hyde" ( 1932) de Rouben Mamoulian. Toda la secuencia inicial de Fredric March transformándose en monstruo efectuada con una innovadora cámara subjetiva, está dentro de lo más logrado de esta magnífica adaptación del relato de Robert L.Stevenson. Fascinante en su celeridad, en su manejo del suspenso y en la recreación de los ambientes neblinosos, que recogen las atmósferas enrarecidas propicias para la historia, esta película mantiene todo su interés, al mezclar convenientemente las dosis de violencia y erotismo para sugerir la insaciable sed del monstruo. Miriam Hopkins está estupenda en las escenas más eróticas y se hace creíble, cuando el simiesco visitante intenta saciar su apetito lujurioso.


"El Monstruo de la laguna negra" ( "Creature from the black lagoon", 1953) de Jack Arnold. Es una película B, que logra sugerir la idea de que el hombre viene de una especie superior que habitó hace millones de años en el agua. Que la creatura se le aparezca a la exquisita Jule Adams, es otro cuento. Un relato magnífico en su economía de recursos, que le saca partido a las escenas submarinas, y a los diálogos de la tripulación de una pequeña barcaza en el Amazonas.

"Flash Gordon" ( 1936) de Frederick Stefani y Ray Taylor. Punto de partida del serial más famoso que transformó al nadador Buster Crabbe en ídolo de matiné. En su tiempo, las aventuras galácticas de Gordon, inspiraron a buena parte de la juventud, incluyendo a George Lucas que imitó los pasajes introductorios en Star Wars. El modelo de héroe, no está lejos de los arquetipos que se siguen explotando hoy día en el Cine. Despúes habrían de sumarse los seriales de "Superman" y "Batman", entre otros.

Las películas de Tim Burton. Algunos lo calificaron de new wave o freak. En realidad, las creaturas que han salido de su factoría, han marcado buena parte del Cine de estos años. Su estilo es inconfundible. Personajes oscuros con un corazón de humanidad; seres de la noche atormentados que se mueven en unos universos estéticos de colores recargados o sombríos. Desde "Beetleejuice" a "Batman", pasando por "El joven manos de tijeras", "Marcianos al Ataque", "Ed Wood", "Sleepy Hollow", "La Navidad de Jack", "El Cadáver de la novia", "La leyenda del jinete sin cabeza", etc... Ahora que se acaba de separar de la actriz Helena Bohamm Carter, habrá que ver, que dirección tomará su carrera.

Epicas y Aventuras.

"Lo Que le Viento se llevó" ("Gone with the Wind", 1939) de Victor Fleming y otros. Si el Cine permite mitificar la vida de seres corrientes y transformarlos en seres celestiales, entonces, esta película fue capaz de mitificar su propio origen, con una notable capacidad para demostrar en otros tiempos, que las riendas del negocio las llevaba el productor, en este caso, David O.Selznick, que salvaguardó la empresa con una nutrida cantidad de celebridades y una gigantesca exploración por las historias románticas del Sur. ¿ Como se explica la perdurabilidad de su fascinación ? Seguramente, por la manera en que traza a los personajes femeninos y la sofisticada manera que tiene de recrear la opulencia en contraste con la guerra y la pobreza. Hay un poco de todo, en esta épica romántica : acción, suspenso, traicion, racismo, amores correspondidos, amores por interés, amores despechados, amor al país, amor a la Tierra, amor a la familia y un sentido de la propiedad, que legitima los ideales del "american way of life".

"Ben Hur" ( 1959) de William Wyler. Otra mastodónica proeza cinematográfica, cuando no existía la Informática para sugerir multitudes y escenarios colosalistas. Todo lo que ves, está efectuado a tamaño real. Incluso una de sus mejores secuencias : la carrera de cuádrigas fue rodada en los estudios italianos de Cinecittá, con un impactante trabajo de diseño de producción , fotografía, vestuario y montaje. Si bien las relaciones entre los personajes que interpretan Charlton Heston y Stephen Boyd hablan de un amor homosexual pasado, que legitima el odio de Boyd contra su ex amigo; quedan para el bronce las notables recreaciones del nacimiento de Jesús, la esclavitud en las galeras romanas y esta secuencia magistral de la fotografía, rodada con numerosas cámaras.

"Reina Cristina" ("Queen Christina", 1933 ) de Rouben Mamoulian. Para la crítica que admiró al mito de Greta Garbo, se trata de su mejor película. Una traslación interpretativa de la personalidad y el fuerte carácter de la Reina Cristina de Suecia, que abdicó por amor, y cuyo perfil tan independiente, repetiría años más tarde, la propia Garbo cuando dejó el Cine para siempre y se refugió en su departamento en Nueva York, hastiada de llevar una imagen que creía no tener. Gran película llena de efectos colaterales, como cuando Garbo ataviada de "chico", engaña a John Barrymore en una supuesta noche de lujuria, aunque sorprende todavía la secuencia de la abdicación. Muy emocionante.

"Espartaco" ("Spartacus", 1960 ) de Stanley Kubrick. La consagración definitiva del genial Kubrick, y el inicio de la moda de los "peplum", que reflotó en nuestra época Ridley Scott con "Gladiador". La insurrección de los esclavos liderados por Espartaco ( Kirk Douglas), se cuenta entre los discursos más antisistémicos contra las ideas imperialistas y debe su magia a las espectaculares imágenes en el Coliseo Romano. Este discurso político que dió mucho que hablar en su día, está hoy superado, por la majestuosidad de su recreación histórica y por el detallismo en su puesta en escena.

"Intolerancia" ( "Intolerance", 1916 ) de David W.Griffith. La lucha del amor a través del tiempo, inspiró esta nueva superproducción muda, que integra cuatro historias de diferentes épocas en un mismo relato : la caída de Babilonia, la Peregrinación de Jesús, la masacre de los Hugonotes y la huelga en el mundo contemporáneo, entrelazados por Lillian Gish y una cuna que se mece. Notable esfuerzo, del que Griffith nunca pudo recuperarse económicamente. Está considerada una pieza mayor en la historia del Cine.

"Los 10 Mandamientos" ( "The Ten Commandments",1956) de Cecil B.De Mille. Difícil olvidar la escena de Moisés ( Charlton Heston ), abriéndose paso por el Mar Rojo, aunque las mejores escenas están repartidas en la representación del éxodo judío con más de 20.000 extras y en la entrega de las Tablas de la Ley. De Mille le daba una significación a los colores por su gusto pictórico en la composición de los planos, pero sobretodo era un gran estudioso de la Historia. De ahí, el logrado realismo en las reconstrucciones del becerro de oro y el Arca de la Alianza, escenas como la instalación del obelisco y decorados como la puerta de la ciudad de Ramsés. Cineasta iconoclasta, muy acertivo al obtener la suficiente amenidad de relatos histórico-bíblicos con un reparto que completan : Yul Brynner, Anne Baxter, Edward G.Robinson, Yvonne De Carlo, Debra Paget, John Derek, Sir Cedric Hardwicke, Nina Foch, Judith Anderson, John Carradine, H.B.Warner y Vincent Price.

Las Aventuras de Tarzán. Desde "Tarzán, el hombre mono" ("Tarzan the ape man", 1932) de W.S.Van Dyke para la MGM y hasta "Tarzán y las sirenas" ("Tarzan and the mermaids", 1948) de Robert Florey, para RKO Pictures, el mito literario del escritor Edgar Rice Burroughs, encontró su mejor representación en el nadador Johnny Weismüller, acompañado durante unos años, por Maureen O"Sullivan o Brenda Joyce como Jane y el pequeño Johnny Sheffield como Boy. Varios de nosotros, crecimos con estas aventuras de matiné, que lograron explorar en los conceptos del "buen salvaje" de Rousseau con la mitología de Charles Atlas. Las 12 películas de la saga, muestran los valores, aciertos y minimalismos propios de la serie B, y de alguna manera sus proyecciones, resultan placeres cómplices, que nos recuerda lo exótico de la mirada a los paisajes desconocidos.

Las Aventuras de Indiana Jones. Las cuatro películas de Steven Spileberg, está basada indirectamente en el comic de "Terry y sus Piratas" de Milton Caniff, aunque en su esencia, es un cruce de distintos héroes del cine de acción, nacidos del ingenio de George Lucas. Hay en todas estas historias, una sorprendente capacidad para trabajar los climaxs, así como los espacios naturales. "Los Cazadores del Arca Perdida" ("Raiders of Lost Ark", 1981), "Indiana Jones y el Templo de la Perdición" ("Indiana Jones and the Temple of Doom",1981), "Indiana Jones y la Ultima Cruzada" ("Indiana Jones and the last cruzade", 1989) e "Indiana Jones y la calavera de cristal " ("Indiana Jones and the Kinghdom of the Crystall Skull", 2008), revelan algunos de los mejores momentos del cine de aventuras actual, caracterizados por el vértigo, la ansiedad hacia lo desconocido y el salvamento de ultimo minuto como norma sorprendente. Harrison Ford está estupendo como el personaje, en una simbiosis que recuerda a Erroll Flynn y Cary Grant.

"Gigante" ( "Giant", 1956 ) de George Stevens. Epica melodramática sobre la vida de dos generaciones de texanos dedicados a la explotación del petróleo. Pese a su larga duración, mantiene inalterable su sentido romántico captado en la majestuosidad del desierto, y los sinsabores del poder en una época de convulsiones internas. Hay una mirada escrutadora sobre el racismo, la xenofobia, la corrupción y la avaricia. Pero lo que caracteriza todo el conjunto, es el triángulo que conforman: Rock Hudson, Elizabeth Taylor y James Dean. Con todo, una película emblemática que sabe capturar los momentos espectaculares con los de recatado intimismo.

"Hacia Rutas Salvajes" ( "Into the Wild", 2007) de Sean Penn. Es muy difícil olvidarla si se tiene alma ecológica. Aunque la historia termina mal, su mensaje perdura después de su visionado. Los arrebatos de un muchacho que se interna por una aventura como trotamundos, renunciando al confort y a la seguridad de su posición económica y social, permiten efectuar una "road movie" intensa, vital, llena de recursos expresivos acomodaticios a una narración fluída, amena y visceral. Sin duda, se trata de la mejor
actuación de Emile Hirsch.

"Los hijos del Paraíso" ("Les Enfants du paradis", 1945) de Marcel Carné. A partir de la anécdota de un mimo, se describe una extensa historia sobre el mundo teatral parisino de 1830. Se trata de la producción francesa más relevante del período de la ocupación nazi, y un ejemplo categórico, que en Europa también se podían efectuar películas al nivel de Hollywood, sin descuidar el aliento poético. Rodada con muchas dificultades en el estudio Victorine en Niza, terminó por producirse en los estudios Pathé de París. Todavía conserva su gran vigor y su extremada belleza.

En el lejano Oeste.

"Más corazón que odio"/"Centauros del desierto" ("The Searchers") de John Ford. Quizás el western más perfecto de la historia del Cine. La figura de John Wayne evoluciona del héroe positivista de "La Diligencia" que se reconvierte por amor, a un papel hosco, racista y violento. Entonces, la mirada de Ford respecto al Oeste, se vuelve trágica e inconformista. Ethan Edwards ( Wayne ) busca a su sobrina raptada por los indios, y en su trayecto, mostrará las huellas del desaliento, el odio racial y la soledad. Jeffrey Hunter, Natalie Wood, Vera Miles, Ward Bond y Hank Worden, interpretan tremendos papeles y el paisaje del Monument Valley en PanaVision, nunca se vió mejor realzado que en esta clásica película.

"El bueno, el malo y el feo" ( 1966) de Sergio Leone. Tercera y última colaboración de Eastwood con Leone. La incansable búsqueda de un tesoro enterrado en una tumba, da pie a una sólida transmutación de los clichés del género, para invariablemente, subrayar el estilo de su director. Primeros planos y largos momentos de contemplación durante los duelos, aseguran el interés de un western que creció en valores estilísticos con el transcurso de los años.

"Río Rojo" ( "Red River",1948 ) de Howard Hawks. El primer western de su inteligente director, es también el más épico. Un homenaje a los arrieros de ganado desde la historia de un vaquero que adopta a un muchacho que, con el tiempo, se volverá en su contra. Las mejores escenas del filme, siguen siendo los arreos de ganado, la estampida, el ataque de los indios, y la sublevación final entre el padre adoptivo y su hijo, interpretados por John Wayne y Montgomery Clift. La secuencia de la partida inicial, resuelta con montaje abrupto, está en todas las antologías del far west cinematográfico.

"Shane"/"Raíces Profundas" ( 1953 ) de George Stevens. El actor Alan Ladd no sólo fue un ícono del cine negro, sino además, un arquetipo ideal como cowboy anónimo, que llega a un lugar a salvar a toda una población de la corrupción de los poderosos. Esta es su película más emblemática. Shane ayudará a una familia de granjeros de los pistoleros de un potentado, que no acepta la explotación de la que cree son sus tierras, y de paso, recibirá la infinita admiración del hijo de aquellos a quienes defiende, interpretado por Brandon De Wilde. Notables secuencias en el color de la época, como las arremetidas en el almacén, las fiestas de celebración, los funerales o los duelos, están integrados en una película que deslumbra por su inteligente uso de la fotografía, el sonido y el montaje. Clint Eastwood se inspiró en ella, para realizar "El Jinete Pálido".

"Río Grande" ( 1950 ) de John Ford. Pertenece a la llamada "trilogía de la caballería" que dedicó Ford al mundo militar. El filme jibariza los protocolos y lugares comunes en los ritos castrenses con la incorporación de Maureen O"Hara, que interpreta a la esposa de John Wayne, que va a ver a su hijo, Claude Jarman Jr., recién integrado en las filas de la caballería. Los mejores momentos integran la acción y la destreza de los jinetes, como cuando montan a lo romano en una prueba vívida; aunque siempre resulta impagables, las escenas románticas y musicales, con la pareja reviviendo el fuego de su pasión amorosa. Una lección de buen cine.

"Danza con lobos" ( "Dances with wolfes", 1990) de Kevin Costner. En un momento del declive del género del Oeste, el actor, director y productor Kevin Costner, decide efectuar una épica pro-indígenista, que se caracteriza por su lirismo y su espectacularidad. Toda la secuencia de la caza del búfalo, rescata al aliento poético de los clásicos del género.Pese a sus 181 minutos de proyección, el filme resulta una delicia y abre una nueva etapa en la revitalización del western.

"Buffalo Bill" ("The Plainsman", 1936 ) de Cecil B.De Mille. Las figuras legendarias de Buffalo Bill, Calamity Jane y Will Bill Hicock, cobran una nueva visión en esta epopeya rodada en estudio, que acentúa las relaciones entre sus personajes. Todavía es una descubrimiento impagable ver a un jovencísimo Anthony Quinn, en su debut de indio, aunque los mejores momentos están, cuando Hicock se mete en problemas con los indios y los timadores. Gary Cooper, James Ellison y Jean Arthur integran un reparto efectivo en su realismo y pulcridad.

"Pat Garret & Billy The Kid" ( 1973) de Sam Peckinpah. Para muchos en la mejor plasmación cinematográfica de dos de las temáticas fundamentales de su autor : la desaparición irreversible del far west y la amistad traicionada por elementos externos a la misma. James Coburn, Kris Kristofferson, y Bob Dylan encabezan una gran obra, que se destaca sobretodo, por la espléndida fotografía de John Coquillon y la extraordinaria banda musical de Dylan. Siempre la recuerdo por su lograda fusión entre la póetica de las baladas crepusculares y el tono de finitud de sus imágenes.

"Los Imperdonables" ( "Unforgiven", 1992) de Clint Eastwood. Modelo de western posmoderno desarrollado a la manera clásica, con un intimismo arrebatador y un soberbio estudio de personajes. No sólo desestructura la tradicional mirada que se da a los personajes arquetípicos del género, sino que plasma con acierto, el rol de la mujer dotándola de un peso decisivo en la acción. Grandes actuaciones del propio Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman y Richard Harris.

"El Forastero" /"El cowboy y la dama" ( "The Westerner", 1940 ) de William Wyler. La lucha por posesiones territoriales mueven este vibrante y singular western, que tiene un tono agradable y simpático. Se beneficia de las magníficas actuaciones de Gary Cooper y Doris Davenport, que hizo una breve carrera en el cine. Aunque el que realmente se lleva todas las alabanzas, es el genial actor de carácter Walter Brennan, interpretando al Juez Bean, obsesionado por el retrato pictórico de una actriz de la que está realmente enamorado. Producida por el independiente Samuel Goldwyn, en la mejor etapa de su carrera.

"Pasión de los fuertes" ("My darling Clementine",1946 ) de John Ford. No sólo me recuerda una de las canciones tradicionales más características del country, sino el duelo de Wyatt Earp, sheriff de Dodge City y Tombstone y "Doc" Holliday contra los Clanton en el O.K.Corral. Se trata de una de las obras maestras de su autor, con una extraordinaria fotografía de Joe MacDonald, que tiene toda la estética de un filme noir, lo que le da una atmósfera irrepetible. Además, contiene algunos momentos claves de la filmografía fordiana, trazados con tanta fidelidad realista como expresionista. Grandes roles para Henry Fonda, Linda Darnell y Victor Mature, que está siempre tísico y mientras sostiene un pañuelo blanco con una mano, con la otra empuña su pistola en medio de la polvareda.

"Johnny Guitar" ( 1954 ) de Nicholas Ray. Detrás del soberbio guión de Philip Yordan, se esconde un potente discurso contra el senador McCarthy , donde las mujeres son protagonistas absolutas del relato. En efecto, el choque de Vienna ( Joan Crawford) , la propietaria de un saloon, salvada por Johnny Logan ( Sterling Hayden), un pistolero eficaz y corajudo, contra las fuerzas siniestras de la malvada Emma Small ( Mercedes McCambridge), mantendrán en vilo esta historia, sobre "dos perdedores que creen en sus propios sentimientos y buscan una razón para vivir". Las estética del filme con sus negros violentos y los rojos encendidos en los labios de la Crawford, asimilan parte de la mitología que tiene esta obra maestra, cuyo tema musical interpretado por Peggy Lee se transformó en un hit radial en su época.

Al compás de mis recuerdos.

"Mary Poppins" ( 1964 ) de Robert Stevenson. "Supercalifrísticoespialidoso" ¿ Quién no entonó en su momento algunas de estas palabras mágicas de la baby sitter más entusiasmante de la factoría Disney ? La mezcla de animaciones y personajes en vivo, hicieron las delicias de grandes y chicos. Había que ir a ver en el "Cine Plaza" en Talca, las filas multitudinarias que se congregaron para asistir al estreno de la película. La recuerdo vívidamente, porque Julie Andrews y su portentosa voz, se transformaron en parte de nuestros mejores sueños de niño.

"Melodías de Broadway 1955" ( "The Band Wagon", 1953 ) de Vincente Minelli. Retrato del teatro musical en Broadway a partir del montaje de una obra con la música y las composiciones de Howard Dietz y Arthur Schwartz, estrenada en 1931, para mayor gloria del propio Fred Astaire y su hermana Adele. La disfunción que existe entre la bailarina Cyd Charisse y Fred Astaire, se corrige en el estupendo número "Dancing in the dark", una de las piezas más clásicas e inolvidables del musical americano.

"Cantando bajo la lluvia" ( "Singing in the rain", 1952 ) de Stanley Donen y Gene Kelly. No sólo es la película musical por excelencia que mejor identifica el gran público, sino que una obra maestra efectuada con el interesante tema de la transición del cine mudo al sonoro. La mayoría de las anécdotas que aparecen allí, fueron contadas por gente que vivió y trabajó en el cine, en ese período fundamental de su historia. La relación que se establece entre Don Lockwood ( Gene Kelly), estrella masculina de la Monumental Pictures, con la desconocida aspirante a actriz y cantante Kathy Shelden ( Debbie Reynolds), y de ambos, con la famosa intérprete Lima Lamont ( Jean Hagen), el amigo del actor Edmond Brown ( Donald O"Connor) y el productor ( Millard Mitchell), está tan bien enlazada, que las acciones fluyen con una naturalidad apabullante. Clásico de clásicos.

"La Novicia Rebelde" /"Sonrisas y lágrimas" ("The Sound of the music", 1965 ) de Robert Wise. La segunda película emblemática de la actriz británica Julie Andrews, es ésta comedia musical acerca de una intitutriz, una familia austríaca, su padre viudo y la amenaza del nazismo. Gran fotografía en De Luxe y Todd - AO del experimentado Tec McCord, que le saca lustre a los hermosos paisajes montañosos de Viena y una inolvidable banda sonora musical con las composiciones de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II. Con estás canciones aprendimos inglés en el colegio.

"Viva Las Vegas"/ "Cita en Las Vegas" ( "Viva Las Vegas", 1964) de George Sidney. La química brillante entre Elvis Presley y Ann-Margret, logra que este musical sea uno de los más significativos que rueda el ídolo del rock en su mejor momento. Cierto. Hay un paseo lúdico por los casinos, hoteles y resorts de la ciudad del juego, pero también una animada sutileza para captar el espíritu de la época. Es cine evasivo, hecho con holgura de medios y una fórmula de probada eficacia. Imperdible para los fans de Presley.

"Help!" ( 1965 ) de Richard Lester. El filme que terminó por consagrar al cuarteto de Liverpoool en el Cine. Especie de traslación del espíritu que animaban las canciones de The Beatles, que logra una modélica utilización del color, del surrealismo, de las locuras simpáticas de Paul. John,George y Ringo, y unos inolvidables clips en parajes que pasan del frío inclemente al calor tropical. La trama acerca de una secta que desea posicionarse de un anillo, en poder de Ringo, es de lo más deudora de la moda James Bond, y se remite a enlazar los distintos tópicos que los muchachos viven en esta aventura. Ojo con la escena en casa de los artistas. Es un puro gag visual colorístico y divertido.

En la ruta de Cupido.

"El Hombre Tranquilo" ( "The Quiet Man", 1952) de John Ford. Entrañable pareja conforman en este clásico Maureen O"Hara y John Wayne. No sólo se trata de una historia de amor distinta, sino que ellos dos rompen los arquetipos del cine meloso, con una ironía y un toque de brutalidad digno de los relatos de boxeo. El filme es también un homenaje a Irlanda, sus bellos paisajes, su contagioso espíritu musical y su singular estirpe cultural. Ford era un maestro de maestros, y este filme lo comprueba en extensión.

"Jules et Jim" ( 1961) de Francois Truffaut. La novela de Henri Pierre Roché, sirvió de inspiración para esta gran película de la "nouvelle vague" francesa. A partir del triángulo amoroso entre Jeanne Moreau, Oskar Werner y Henri Serre, se articula un relato que analiza las complejidades del amor y la amistad. Evitando la adaptación literaria anodina, Truffaut opta por el punto de vista omnipresente de su autor, que relata parte de sus memorias de juventud con un lirismo y nostalgia arrebatadores.

"El Intendente Sansho" ( 1954 ) de Kenji Mizoguchi. Basado en el cuento de Ogai Mori, esta notable película recrea una leyenda medieval, cuya temática gira en torno al poder. La historia de dos hermanos separados por la esclavitud, y la posterior búsqueda de la madre biológica por parte de uno de ellos, sirven al realizador japonés, para efectuar un melodrama categóricamente perfecto, que se nutre de la emocionalidad de sus personajes. El prestigio del cine nipón tiene en Mizoguchi, a uno de sus máximos exponentes y, sin duda, esta película es una de sus mayores logros. El desenlace es antológico.

"La Strada" ( 1954 ) de Federico Fellini. La entrañable pareja que conforman Giuletta Massina como Gelsomina y Anthony Quinn como Zampanó, está en los anales de la historia del cine. No sólo se produce una química perdurable en el proceso de las relaciones que se establecen entre ambos protagonistas, sino que, es capaz de dibujar una sonrisa con la Massina actuando de clown, en un cruce impagable de Chaplin y artista circense. Esta pareja de cómicos ambulantes, que recorren las aldeas y pueblos viene a confirmar el carácter neorrealista de Fellini y su aguda mirada respecto de los marginados por el sistema. Notable obra maestra italiana.

"El Río " ( "The River", 1950) de Jean Renoir. Se trata de una de las películas más bellas del Cine, basada en la novela homónima de Rummer Godden. Una obra modélica rodada enteramente en la India, y armada con el refinado gusto narrativo y pictórico de Renoir. El despertar sexual de un trío de adolescentes en ambientes exóticos, tiene una lectura póetica y misteriosa de encomiable repercusión estética. Narrada en "off" por una de sus protagonistas, es también un estudio profundo sobre la sicología de la mujer. En el recuerdo queda sin embargo, su magnífica fotografía en Technicolor del experimentado Claude Renoir.

"Muerte en Venecia" ( 1971) de Luchino Visconti. La compleja novela de Thomas Mann encuentra en la adaptación cinematográfica de Visconti, la rememoranza eterna sobre la crisis emocional de un compositor, que no puede seguir creando tras la muerte de su única hija y que en un viaje de descanso a Venecia del 1911, se enamora perdidamente de la imagen de un adolescente. Construída en bases a sucesivos planos-secuencia con largos zooms, el filme es un lujo de detallismo histórico y una refinada obra respecto al poder de la belleza y su incidencia en la creación del artista.

"Elvira Madigan" ( 1967) de Bo Widerberg. Una de las obras del cine sueco más populares de toda la historia. Menospreciada por cierta crítica, es una historia trágica de amor entre un oficial de la realeza y una chica que actúa como malabarista. Filmada en exteriores, cuenta con una bellísima música de Mozart, uno de cuyos temas caracterizó el espacio "TV Tiempo" de TVN, hace unas décadas. Pia Dagermark y Tommy Berggen están sublimes como la "pareja maldita" del relato, aunque lo verdaderamente significativo, está en la exquisita fotografía de Jörgen Persson, que después trabajó en "La Casa de los Espíritus", "Los Miserables" y "Pelle, el Conquistador".

"Senso" ( 1954 ) de Roberto Rosellini. Mantiene inalterable el espíritu estético de su autor, y se sitúa en la época garibaldiana justo en el ocaso de la aristocracia. Filme romántico por excelencia, introduce el tono operístico y acondiciona todos sus elementos para graficar la caída de la clase social conservadora, siempre con un aliento trágico y grandilocuente. Farley Granger, Alida Valli y Massimo Girotti, conforman el triángulo dramático de esta adaptación singular de la novela de Camillo Boito.

"Criaturas Celestiales" ( "Heavenly Creatures", 1994) de Peter Jackson. El descubrimiento crítico del realizador neozelandés Peter Jackson ("El Señor de los Anillos" "El Hobbit"), partió con esta película, un alucionante melodrama basado en la historia real de dos adolescentes lésbicas, que asesinan a la madre de una de ellas, dentro del juego onírico y obsesivo por las canciones de Mario Lanza. Humor negro, ironía, pasión, tristeza, imaginación desbordante, recorren sus imágenes, que hablan del patetismo de una adolescencia abandonada a su suerte. Más allá de explorar en los límites del bien y del mal, Jackson se da maña para profundizar en la rigurosidad de una época, en las complejidades de la conciencia humana y sus relaciones de facto. Con las actuaciones inolvidables de Melanie Lynskey y Kate Winslet.

"Belleza Americana" ( "American Beauty", 2000) de Sam Mendes. Parábola moral sobre el "american way of life" desde la testera de quienes se suponen viven el sueño americano. Annette Bening está estupenda como una agente inmobiliaria, obsesionada por tener la casa de sus sueños, aunque los que se llevan la precea son: Kevin Spacey que gusta masturbarse en el día porque no funciona con su mujer en la cama; Thora Birch una adolescente melancólica que escupe su mundo de apariencias, refugiándose con Wes Bentley, un aficionado a grabar con su cámara de videos, todo lo que se le cruza en el camino y su padre, Chris Cooper, un vecino fascista que colecciona vajilla del Tercer Reich. Se trata de una tremenda y escrutadora visión sobre el confort, las apariencias, las disfunciones de la vida moderna y la crisis existencial de un hombre en la plenitud de su vida.

"Pickpocket" ( 1959 ) de Robert Bresson. Cineasta místico que registra la ausencia de la gracia divina, en una puñado de obras maestras. Dentro de esta trayectoria, esta película relata las peripecias de un carterista que logrará abrazar la plenitud espiritual, cuando encuentre a la mujer de su vida, pasando por los estadios de la culpa a la redención. El director despoja de toda emocionalidad su propuesta, para ilustrar al hombre frente al mundo en toda su espiritualidad. Por eso, cobran importancia los momentos más austeros, los silencios más improbables y las miradas más discretas. Notable resultan todas las secuencias de los robos, donde sólo existen las manos de los carteristas que no se notan, ni se sienten.

"Enseñanza de Vida" ( "An Education", 2009) de Lone Scherfing. Si el amor es un tema rebuscado y cliché, esta gratísima película puede ser la más arquetípica de las seleccionadas. Carey Mulligan interpreta a una díscola y temperamental muchacha que está en el high school en la Era de los teddy boys, y Peter Sarsgaard a un seductor ladrón de guante blanco experto en pinturas de colección. Ambos, contra las ideas de Alfred Molina, el padre de la muchacha, se enamoran y viven una aventura que tiene mucho de simpleza y arrojado oportunismo. Scherfing que había rodado "Italiano para principiantes", efectúa una cinta de aparente simplicidad, pero que deja ver su garra de buen narrador y esteta. Una gozada para ver en pareja.

"Love Story" ( 1970 ) de Arthur Hiller. Le tengo un recuerdo nostálgico a este melodrama dulzón y meloso. No es que la taquilla ponga en descrédito a la crítica, pero fue uno de los hits del momento. Sin duda, su fama se debe a la pareja protagonista : Ryan O"Neal en el cenit de su juventud, unos años antes de "Luna de papel" y "Barry Lyndon" y Ali McGraw en la cúspide su morenaza belleza. El cuento del estudiante rico enamorado de la estudiante pobre, vino a revolver los conceptos teleséricos más futiles, y puso de moda en nuestro país, al compositor francés Francis Lai.

"Intermezzo" ( 1939 ) de Gregory Ratoff. Si la música hace el relato, entonces este clásico se nos quedó pegado a la memoria por el oído. Y es que la historia de amor entre un famoso pianista casado ( Leslie Howard) y su joven pupila ( Ingrid Bergman), cobran plena vigencia, en días en que las relaciones entre hombres mayores y mujeres jóvenes calzan como anillo al dedo. Yo la descubrí por mi madre, que la vió cuando joven y alucinó con la historia y su partitura musical. Fue la primera película que hizo la sueca Ingrid Bergman para el cine norteamericano.

"Muñequita de lujo" /"Desayuno con diamantes" ( "Breakfast at Tiffany"s, 1961) de Blake Edwards. Plagada de escenas modélicas, es un magnífico relato romántico de dos seres marginales : un aspirante actor ( George Peppard) , que actúa como gígolo de señoras maduras acomodadas y una joven soñadora ( Audrey Hepburn), que se hace pasar por sofisticada y culta, aunque oculta un pasado aburrido en el campo de pobreza y sumisión. Es una de las mayores obras de Edwards. Un festín de gags visuales y desbordes románticos, que integran a Mickey Rooney en un papel de asiático.

"Ghost : la sombra del amor" ( "Ghost", 1990) de Jerry Zucker. Otro hit de la cartelera para enamorados recalcitrantes. Queda la escena de la elaboración de una pieza de cerámica a cuatro manos, si bien, la historia tiene mucho de fantástico y nostálgico. Patrick Swayze y Demi Moore, saltaron a la fama como la pareja eterna que venció a la muerte. Aunque sin duda, lo que más reluce es la banda musical, y esa estética muy acomodaticia de largo videoclip, para enamorados de toda la vida. Me apunto.

"Casablanca" ( 1942 ) de Michael Curtiz. El accidente más feliz de la historia del Cine. Iba a ser una película del montón, de esas que rodaba comúnmente los estudios Warner. Pero su simplicidad y diáfana hermosura, han logrado convertirla en una película de culto. Modelos arquetípicos del cine evasivo son : Richard Blaine ( Humphrey Bogart ), propietario del "Rick"s Café Americain"; la bellísima Ilsa Lund ( Ingrid Bergman) ex-amante de Bogart y esposa del perseguido político Victor Kaszlo ( Paul Henreid); el capitán de la policía Louis Renault ( Claude Rains); el mayor alemán Strasser ( Conrad Veidt) y el pianista de color Sam ( Dooley Wilson). De acentuado tono progresista, la película tiene algunos de los momentos míticos más singulares de la historia del Cine.

"Sueño de amor eterno" ( "Peter Ibbetson", 1935 ) de Henry Hathaway. Alabada por los surrealistas, es uno de los melodramas más celebrados de los albores del sonoro. Un joven arquitecto inglés ( Gary Cooper), se reencuentra con su vecina francesa ( Ann Harding), de la que ha estado enamorado desde niño. Pese a que ella está casada, le sirve como modelo para construír los establos de caballos de pura de sangre, que tiene su adinerado marido ( John Halliday), hasta que éste les descubre en la infidelidad. La prisión no impedirá que los amantes se visiten en el mundo de los sueños. Su belleza no sólo estriba en la notable esplendidez con que está filmada, sino que, en la poética que se logra cuando una pareja de enamorados de toda la vida, se reencuentran en lo onírico. Tuve la ocasión de revisarla hace poco y me encantó por su originalidad y atrevimiento estético.

"Picnic"( 1955 ) de Joshua Logan. Si la mitología del Cine se alimenta de los grandes momentos, esta película debe entrar por derecho propio, en esos instantes inolvidables. Chico encuentra a chica. William Holden es el teddy boy que llega a un pueblo, justo en las celebraciones previas al Halloween y Kim Novak la chica de sus deseos y Reina de la fiesta. Toda, pero absolutamente toda la química que se produce entre ambos, hacen el resto de esta película, basada en la obra teatral de William Inge co-escrita con Daniel Taradash, que está muy bien narrada y con una grandiosa fotografía en technicolor del experto James Wong Howe.

"Melodía Inmortal" ( "The Eddy Duchin Story", 1956) de George Sidney. Después de "Picnic", la actriz de orígen checo Kim Novak, rodó esta maravilla de biopic sobre el pianista Eddy Duchin, interpretado con desgarrador desplante por Tyrone Power. No sólo la música envuelve las experiencias románticas de Power con dos mujeres de distinta personalidad ( la otra chica, es la hermosa y desaparecida actriz australiana Victoria Shaw), sino que además, contiene escenas amorosas de una ternura y una estilización dignas de ripley. Yo siempre la recomiendo, porque en casa de Mamá Hilda, existía un disco original con el soundtrack que hacía las delicias de los espíritus románticos cada vez que la colocaba en el pick up. Sublime película y emocionante historia de amor.

Suspense....Forever Suspense.

"Los Pájaros" ( "The Birds", 1963) de Alfred Hitchcock. Detrás de su tono apocalíptico, se esconde un discurso sobre los designios de la Naturaleza, que devienen en crisis tras la paulatina irrupción del mal. Seguramente, Hitchcock acomodó la novelita de Daphne du Maurier con guión de Evan Hunter, a su alambicada manera de enfocar los personajes. Una rica y elegante mujer ( Tippi Hendren ) atrapada en un pueblo costero por amor a un atractivo abogado ( Rod Taylor), que reflejan aspectos de la angustia y depresión de la vida moderna, también adiciona una lectura metafísica sobre el final de los tiempos. Extraordinario uso del montaje sonoro y visual. Una clase magistral de buen cine de suspenso.

"Onibaba" ( 1964 ) de Kaneto Shindo. Una de las películas más significativas del terror japonés, que revela los impulsos sicológicos que generan el horror. Alegoría sobre la bomba atómica, esconde tras su aparente sencillez, una compleja y simbólica forma de traducir la obsesión por descubrir lo desconocido. La máscara que oculta el rostro de un guerrero vagabundo, y la mujer que se obsesiona con descubrir quien está tras ella, cobran un arrebatador impacto, que es difícil de olvidar por sus logradas atmósferas y sus magníficas actuaciones. Shindo logra empalmar los clichés propios del género con una alegoría sobre los terrores reales que azotan a su país.

"Un profeta" ( "Un Prophete", 2000 ) de Jacques Audiard. Si bien es cine policíaco, a su manera también es un thriller carcelario que repercute en el conciente, por sus implicancias éticas. El relato cuenta la historia de un joven musulmán que mata a un hombre por orden de una pandilla corsa. El peso de la conciencia en el encierro, le hace interactuar con el espíritu del asesinado y, de paso, cuestionarse sus propios actos. Notable desde cualquier punto de vista, es una película que hipnotiza por su originalidad, contenida sensibilidad y logros estilísticos.

"El Silencio" ( 1963 ) de Ingmar Bergman. Punto final de la "Trilogía del silencio" que escribe y dirige el sueco Bergman, influído por el expresionismo alemán de los años 20. Dos hermanas y el hijo de una de ellas, de viaje por un país desconocido, pasan dos días en un enorme hotel, mientras se suceden distintas situaciones de interés y que hablan de la represión sexual, el erotismo y la candidez infantil. Todo ataviado de una encomiable factura, que reflejan las obsesiones autorales del singular cineasta.

"Suspiria" ( 1977 ) de Mario Bava. Rara, enigmática, terrorífica, excesiva, y estetizante. Esta obra maestra del giallo italiano, traduce todas las compulsiones que habrían de solidificar la reputación de Bava como maestro del género.Todo ocurre en una antigua Academia de danza, donde las muertes sorpresivas, incentivarán a una joven estudiante ( Jessica Harper), por descubrir que hay detrás de tantos enigmas. Lo más destacado de la cinta, está en sus recargadas atmósferas, en la significación de los objetos y en la gestualidad de los actores. Sin duda, para los amantes del gore, una pieza de incalculable valor.

"A pleno sol" ( "Plein solei", 1959) de René Clement. Basado en la novela de Patricia Highsmith, y con guión de Paul Gégauff, este estupendo thriller policial cuenta las andanzas de un joven ambicioso Tom Ripley ( Alain Delon), que asesina y suplanta al millonario Philippe Greenleal ( Maurice Ronet) , mientras enamora a su pareja Marge ( Marie Laforet). La narración es perfecta y ni siquiera escabulle los momentos más crispantes, porque se articula sobre el choque de los tres personajes, profundizando en sus caracteres y en las relaciones que se fomentan entre ellos. Además, tiene un final de antología. Delon recién estaba comenzando su fama de niño bonito del cine europeo. Esta película además, le ayudó a cimentar su prestigio de buen intérprete.

"El Salario del Miedo" ( "Le salaire de la peur", 1953) de Henri-George Clouzot. Uno de los grandes éxitos taquilleros del cine europeo, que le sigue la pista a cuatro aventureros ( Yves Montand, Charles Vanel, Peter van Eyck y Folco Lulli), que tienen la difícil misión de transportar dos camiones cargados de nitroglicerina por 300 kms de carreteras en mal estado, para una compañía norteamericana de petróleo. Toda la tensión en el trayecto y las relaciones interpersonales que se forman entre ellos, dibujan esta sólida y contundente experiencia, que tiene una fibra y una agilidad narrativa a prueba de aburrimiento.

"La noche del cazador" ( "The night of the hunter", 1955) de Charles Laughton. La única película que dirigió el actor inglés Charles Laughton, es una obra maestra legítima, que asume su estilizada concepción, en razón de una trama contada desde la mirada de unos niños perseguidos por el mal. Al soberbio tratamiento visual del relato, gracias al trabajo del veterano fotógrafo Stanley Cortez, se une la abigarrada trama, que mantendrá en vilo a los niños Billy Chapin y Sally Jane Bruce contra Robert Mitchum, estupendo como un falso predicador, que cada vez que entrega su discurso, junta sus manos escritas en sus nudillos con las palabras : "Amor" y "Odio". Quedan en la memoria : el extenso descenso en bote de los niños huyendo del falso pastor y la defensa de los chicos que tiene una maternal Lillian Gish, con la escopeta en la mano.

"El demonio de las armas" ( "Gun Crazy", 1949 ) de Joseph H,Lewis. Pieza capital del cine B policial y una de las obras más entrañables de su notable director. Una pareja de desquiciados asaltantes de bancos ( John Dall y Peggy Cummins), mantienen de cabeza a la policía, mientras recorren los pueblos y ciudades más apartadas de las grandes urbes. Inteligentes diálogos alusivos al sexo, grandes momentos de acción y una introducción de la etapa infantil del protagonista masculino, conforman esta elocuente película, que integra un fuerte tono personal, con angulaciones agudas de cámara y violentos primeros planos. Obra maestra del cine policial.

"La Sombra de una duda" ( "Shadow of a Doubt", 1943) de Alfred Hitchcock. Era la película más querida por su autor, porque rescataba parte de la vida tradicional familiar de un pueblo chico. El refutador escritor Thornton Wilder y Alma Reville, la esposa del director, elaboraron el guión y todos los exteriores fueron rodados en la localidad de Santa Anita en California. Subyugante historia que tiene a Joseph Cotten como un sádico asesino de viudas, perseguido por la policía, y que busca refugio en casa de su hermana, donde establece una estrecha relación con su sobrina mayor ( la estupenda Teresa Wright). El filme está rodado como si fuera una comedia de costumbres y ese aliento le permite a Hitchcock, traducir la simplicidad de una vida apacible, sólo interrumpida por la llegada del "Tío Charlie". Impagable reparto de actores que completan : Hume Cronyn, Patricia Collinge, MacDonald Carey y los niños Edna May Wonacott y Charles Bates.

En futuras entradas, habrá más momentos inolvidables de la historia del Cine.
¡¡¡ HASTA LA PRÓXIMA !!!

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