Séptimo 7 sello: Retratos de la Juventud Actual :

El Cine al ritmo de estos locos tiempos.

"Los desalmados"/"Los marginales" ("The Outsiders", 1983) de Francis Ford Coppola, es una de las películas más características del cine juvenil americano.

___ "Juventud divino tesoro", viejo refrán que se desmarca en medio de una realidad vertiginosa.
¿ En cuantos países del mundo, los jóvenes reniegan de las estructuras educacionales pasadas, para cuestionar el sistema y mostrarse disconformes ?
El Cine no ha estado ajeno a estos bruscos cambios, ni menos alejado de la realidad intrínseca que tiene la juventud en nuestros Continentes.
Frente a un mundo convulsionado por las guerras, el hambre, el calentamiento global, los problemas de analfabetismo, la desforestación ambiental, la corrupción, el tráfico, la drogadicción, el alcoholismo, el hacinamiento y la pobreza, las nuevas generaciones parecen estar desmarcadas, asumiendo la probidad del consumo, el avance sustentable de los medios de comunicación, la irrupción paulatina de la informática en la vida doméstica y la esperanza de un mundo, que se sustente en los ideales que ellos profesan.
Me discutirán que no hay una verdadera identificación de los jóvenes con el medio en que habitan, que tampoco están tan incentivados para imponer los proyectos que mejor se adapten al mundo que viene, y que pululan de un país a otro, en la búsqueda de respuestas que los conforme dentro de una globalización cosmopolita, anárquica y multidisciplinaria.
"Séptimo 7 sello" buscando respuestas concretas en las películas que se han hecho sobre los distintos temas que afectan o interesan a la juventud, establece esta entrada especial, con películas que hay que ver, sí o sí, para entender la problemática de estos tiempos.

"La Vida de Adele" :
La Obsesiva búsqueda del Amor en tiempos de crisis.

Las protagonistas del drama francés : Adéle Exarchopoulus y Léa Seyroux.

___ Tal vez "La Vida de Adele" ( 2013), los conmueva por sus escenas de sexo explícito, que incluyen apasionadas secuencias lésbicas o por sus arrebatos existencialistas, que manifiestan en algún sentido, la tremenda orfandad que tenemos en el mundo civilizado. O quizás, por sus voluntariosos modos de alcanzar la plenitud soñada de una obra modélica.
Sin embargo, con toda la polémica que generó en Cannes ganando la Palma de Oro en las tres categorías principales de Mejor Director, Mejor Actriz Revelación y Mejor Actriz , la cinta se queda corta para explicar la novedosa circunstancia que la antecede.
Detrás de "La Vida de Adele", hay una novela gráfica, cuyos capítulos uno y dos, le sirvieron de base narrativa al director Abdellatif Kechiché, que acomodó las circunstancias a sus propios intereses artísticos, optando por cambiar el final y aumentando el valor sentimental del conflicto central de su protagonista.
Potencialmente, el filme barrió con las críticas y alabanzas en todos los festivales donde se exhibió.
En alguna parte, Adele se nos aparece como una nueva y original manera de encarar el trabajo productivo de una película.
Kechiche la filmó en cinco meses, de los cuales, partió el trabajo con las escenas sexuales, que aparecen como más complejas de rodar.
Las actrices Adele Exarchopoulos y Lea Seyroux, se conocieron por casualidad, platicaron y manifestaron su forma de encarar las escenas, aún en momentos en que el relato no estaba del todo terminado.
Besos vaginales y masajes románticos en el cuerpo, en el busto y en las nalgas, preceden las agitaciones sexuales explícitas y compulsivas, que remarcan la apasionada relación que establecen Adele y su amiga, en un encuentro donde las pulsaciones íntimas son irrefrenables.
Si uno se queda exclusivamente con el morbo que probablemente despierten estas escenas en la mirada del espectador inculto, Adele le significará un real defraude. Porque no se trata de una película porno, ni mucho menos.
Ahora, si se queda uno con la idea de una historia sobre la relación homosexual de unas jóvenes proclives a los defraudes amorosos y que no saben encarar sus propios miedos y frustraciones, el análisis queda limitado a su exégesis.

Mosaico con escenas de la película.

En este sentido, "La vida de Adele" rompe los tabúes, para analizar desde el realismo más puro y espontáneo a los adolescentes de hoy día, con sus frustraciones, sus anhelos, sus aspiraciones y esos deseos de ocupar un lugar en el mundo civilizado, a expensas de saber que están en una época convulsionada.
Hace mucho tiempo, que un rostro como el de la actriz revelación Adele Exarchopulus, no llenaba la pantalla grande con toda la emocionalidad y "animalidad" expresiva de los grandes veteranos del cine.
Resulta una intérprete realmente conmovedora.
Hay tanto que ver en su soledad reprimida, en sus ansías por ser amada, en su desamparo y en su desaforada forma de trangredir el aparente orden de las cosas, que uno, nunca la juzga, sino que la termina queriendo.
Descubrir el sexo en su propio Eros, es asumir la naturaleza de su carácter fememino, pero con una ansiedad por "existir", que va más allá de la mirada furtiva de los jóvenes machos, que la reclaman en la cama recorriendo sus mieles y su aroma.
Kechiche remarca la sensualidad en Adele desde el objetivo de la cámara.
Sus besos, sus caricias, sus labios, su mirada, su voz, se nos aparece como la tentación de la chica que vive arriba en el segundo piso.
Ella personifica a la juventud palpitante, la que encara el descubrimiento del amor sin tabúes, ni traumas preestablecidos.
Pese a su inexperiencia y a su aparente ingenuidad, visita locales lésbicos buscando a la chica del cabello azul, que se le cruzó en el camino y con la cual ya tuvo su primera fantasia erótica.

Detrás del tema lésbico, hay una marcada y sobrecogedora demostración de soledad que conmueve y desarma.

Kechiche no insulta al espectador. Utiliza la improvisación de las escenas y acomoda en la mesa de montaje, los momentos más sensibles y decidores.
Hay en su manera de trabajo, un deseo obvio de sustentación.
Buscar la realidad inmediata, a la manera de los neorrealistas, sin disfraces, ni artificios teatrales.
Con una mayor influencia de la nouvelle vague, acomoda la cámara entre los personajes de la vida de Adele, para dibujar con ellos, la figura emocional de la muchacha.
Fiestas, reuniones familiares, paseos estivales, rutinarias lecciones educativas, visita a exposiciones, conversaciones adolescentes, salpican el relato para reflejar el día a día de esta chica poco común.
Su estilización es perfecta.
Pese a sus tres horas de duración, "La Vida de Adele" marca un antes y un despúes en el cine europeo.
¿ Cómo validar las imágenes de esta radiografía intimista a la sensibilidad de la mujer, a las costumbres de cierta juventud urbana y a la modalidad de la época que nos precede ?
Sencillamente, aceptando a Adele como parte de un universo válido y realista.
Es un cine que promueve la autenticidad, la verdad y la realidad que nos rodea y nos precupa. Una manera significativa de retratar estos locos tiempos urbanos.

"Trainspotting" :
La Era Narcotizada.

Poster de la película.

___ ¿ Habrá algo más naif que subliminar la propuesta del director Danny Boyle a estos tiempos de narco-terrorismo y drogadicción a gran escala ?
En su momento, el filme fue un éxito rotundo en todos los países donde se rodó , particularmente, porque reveló de manera novedosa, la vida de un adicto con un sesgo contestatario digno de ripley.
Han pasado 18 años desde su estreno, y la realidad que muestra allí, se nos "agiganta" con la realidad actual.
¿ Que ocurrió entonces ?
Pues, que la polémica novela del escritor Irvine Welch, se transformó en un referente sistemático sobre la actitud y el cambio de vida que vendría en un mundo convulsionado, desolado y triste.
Se trata de una impactante obra de autenticidad surrealista, sugestionada con el trabajo de Boyle, que impuso la figura de Ewan McGregor, como ícono de cierta cultura "yonqui" que subestima el poder de los alcaloides y la pasta base.
Parece irrisorio que las desventuras de su personaje, lleguen a dilapidar los valores de una sociedad, que hace tiempo perdió el rumbo y que se rindió a las "bondades" del sistema mercantilista.

Los actores revelación del filme : Ewan McGregor, Ewen Bremmer, Johnny Lee Miller y Robert Carlyle.

El desahogo de un "yonqui".

Sin duda, estamos en la Era de los subjetivismos narcotizantes.
En la vida real, numerosos empleados trabajan influenciados por las drogas comunes, para mantener el rendimiento que les exiguen en las empresas más competidores del sistema.
Secretos de pasillo. Hay veces que en el mundo "aparentemente cotidiano", los seres humanos funcionan en base a licérgicos, remedios antidepresivos, y alcaloides de fuerte impacto neurológico.
En otras, el abuso de las drogas, llega a enlodar las tareas más comunes de la vida hogareña doméstica.
Esto, no quiere decir que la sociedad toda, funcione en base a recetas médicas, antidepresivos y drogas blandas.
Pero en la insinuación de Danny Boyle con su película, queda en evidencia, lo atractivo que resulta conquistar otros estadios de la naturaleza cerebral, en base a esos excitadores bioquímicos.
La opción que tiene el personaje que interpreta Ewan McGregor, es muy atractiva y de ahí la ambigüedad que tiene la película, aunque deja ver, lo común que se ha transformado la adicción en la vida actual.
Las asquerosas alucinaciones de Renton, incluyen una accidentada zambullida en el mierdero del water y la reiterada aparición de un bebé muerto, que le persigue como alma en pena.
Si juzgar concientemente las actitudes de los drogadictos de la película, Boyle opta por evidenciar la caída paulatina de unos jóvenes de Edimburgo, en la ruina física y sicológica.
Desde ese punto de vista, "Trainspotting" se nos convierte en una película fascinante, sugerente y original, que reintegra el tema de la drogadicción con un apego verista, callejero y circunstancial, que se agradece de veras.

"Corre, lola, corre" :
El Cambio del punto de vista.

Franka Potente se reveló corriendo calles abajo y en un relato original y novedoso.

Franka Potente y Moritz Bleibtreu, una pareja anómala en un filme extraordinario.

___ Gran película alemana de culto.
Innovadora como pocas, alcanza el cenit con la incorporación de la revelación interpretativa del momento, Franka Potente, teñida de rojo corriendo de aquí para allá, en medio de un relato simple y directo.
Lola ( Potente ) recibe la llamada de su prometido Manni ( Moritz Bleibtreu), para que acuda a recoger 100 mil marcos de un gángster, cuya bolsa ha dejado olvidado en el metro.
Como la opción le deja 20 minutos para recuperar el motín, decide robar un banco, mientras Lola acude a recuperar el dinero.
El filme remarca los climaxs y las elipsis, para repetir desde distintos puntos de vista, la historia una y otra vez.
Así, conocemos diferentes resoluciones para el mismo cuento, y claro está, leves pero significativas inclusiones y agregados, que hacen más innovadora la propuesta narrativa y audiovisual.
El realizador germano Tom Twyker, se reveló con "Corre, lola , corre" ( 1998), al plantear desde distintos ángulos de vista, una situación circunstancial y gatillar la importancia del montaje y del ordenamiento narrativo, según distintos referentes estilísticos.
Fotos fijas, animaciones, golpes de efecto, videos musicales, virados en blanco y negro y color, sorpresas y angulaciones, logran contener con gran acierto, esta experimental obra, que es, sin duda, uno de los referentes posteriores del cine digital.
A la notable energía y vitalidad que destilan sus imágenes, se une la maravillosa fotografía de Frank Griebe y los magníficos acordes tecno de la música compuesta por Reinhold Heil, Johnny Klimet, y los mismos Franka Potente y Tom Twyker. Notable.

"El lobo de Wall Street" :
Ambiciones que Matan.

En la cumbre del éxito, los excesos y la corrupción.

___Nadie que no haya visto alguna vez, una película del maestro Martin Scorsese, entenderá su última obra, como una provocación al conciente reflexivo del espectador inteligente.
Y es que, "El lobo de Wall Street"( 2013), es una obra maestra, que gatilla la celeridad compulsiva de los "nuevos tiempos" de consumismo y vértigo, sobre las ambiciones por el dinero.
El filme está estructurado desde la óptica de "Ciudadano Kane", con la ascensión de un yuppie ( Leonardo Di Caprio), que practica su sicología de dominio, para obturar las ganancias que lo lleven al limbo de los multimillonarios.
Al impecable vigor narrativo de Scorsese, se une la estimable ironía en su propuesta más nerviosa, desde los viejos tiempos de "Taxi driver", aunque el filme es sobretodo, un reflejo de los "nuevos millonarios jóvenes" que han salido de las huestes de Wall Street.
No es extraño encontrar en su mirada, el acento crítico y reflexivo sobre la "filosofía de la ganancia", el éxtasis provocativo del dinero ganado a manos llenas y la corrupción que genera, cuando los excesos terminan por socavar los verdaderos intereses de los especuladores financieros.
Hay en esta ocasión, muchísimo humor negro, que acentúa los momentos más comprometidos en la vida "esplendorosa" del joven yuppie : las fiestas orgíasticas de dinero, alcohol y mujeres; las arremetidas homosexuales del mozo del departamento de lujo; la persecución de la FBI que lo victimiza frente a los medios de comunicación, y en fin, las pecaminosas maneras de encauzar la riqueza excesiva, instintiva y perenne.
Todo abarrotado con la pericia narrativa acostumbrada de Scorsese, para enrostrarnos la decadencia del capitalismo como modelo humano perfectible.

Martin Scorsese dirigiendo una escena de la película.

Un lobo astuto, cazurrero yambicioso que cae en la corrupción y el tráfico de dinero.

Puede sonar políticamente insurrecto, pero a la luz de las crisis económicas que se viven en países de Europa y Oriente, este yuppie y sus gangs de especuladores de oficina, no hacen sino reflejar, cuáles son los orígenes de la corrupción humana en tiempos de aparente modernidad y confort.
A la talentosa manera de editar de su colaboradora habitual Thelma Schoomaker, se une la notable capacidad de sugerir que tiene el fotógrafo Rodrigo Prieto, con sus contraluces y virados cromáticos, y la entusiasta cotidianeidad con que el director, subraya los momentos más sublimes , como cuando Di Caprio enseña a sus dirigidos como vender un lápíz.
Hay en toda esta filosofía del exitismo, un grito desgarrado de Di Caprio por la muerte de un mundo que, con él o sin él, se cae a pedazos.
Se trata, por cierto, de la obra más oscura y visceral, que ha hecho Scorsese en las últimas décadas.
Desde el punto de vista formal, Scorsese adiciona buenas dosis de ironía, humor, drama, suspenso, situaciones sorprendentes ( como el tráfico de dinero adherido al cuerpo de una belleza erótica), aunque hay en su mirada, consecuente con el resto de su filmografía, un desencantado aliento posmoderno, que habla de las virulencias de una época llena de excesos y transgresiones humanas.

"Ida" :
Llamada a la Fé Cristiana.

Una road movie original y emocionante.

___Difícil entender la extraordinaria película polaca "Ida" ( 2013) del director Pawel Pawlikowski, sin dimensionar cuál es el verdadero significado que tiene para una joven, la llamada a servir a Cristo, desde el noviciado.
El filme nos recuerda el estilo austero y monacal de: "La Pasión de Juana de Arco" de Carl T.Dreyer.
Sin embargo, su mirada minimalista y concentrada en unos pocos personajes, nos recuerda el sentido contemplativo de Ozu y Bergman, aunque la película va por algunos derroteros determinantes relativos a la propia historia del país.
"Ida" cuenta la historia de Ana ( la magnífica Agata Trzebuchowska), una novicia de claustro de 18 años que, en la década de los sesenta, está próxima a recibir los votos.
En esa espera silenciosa de extrema espiritualidad, recibe la visita de su única pariente cercana, una tía que fue jueza durante la época comunista y que le da a conocer sus orígenes judíos.
Ida resuelta a ubicar a sus padres perseguidos por el régimen, inicia una travesía por carretera con su parienta, para descubrir los deslices de su tía, y el triste destino que sufrieron sus padres.

En color , la actriz que interpreta a la joven novicia : Agata Trzebuchowska.

El ritual de "remover el pasado" para cicatrizar las "heridas del presente", tienen en el filme, una intensidad dramática efectuada con la sutileza suficiente, como para conmover al espectador menos sensible.
Se trata de una notable historia de justicia, en la búsqueda de la identidad familiar perdida de una muchacha, y de una dramática road movie donde una, no podrá sobrellevar el peso de la historia pasada, mientras la otra, crecerá en su opción de vida, no sin antes experimentar el dolor, el amor, el sexo y la revelación a la Fé.
Pawlikowski efectúa una obra maestra absoluta, de temática arriesgada ( no es masiva o popular), con unos perfiles sicológicos extremadamente perfectos, y un choque entre dos mujeres que han vivido en mundos opuestos.
El relato sobresale además, por el notable trabajo de fotografía en blanco y negro de Ryszard Lenczewski y Lukasz Zal, que condiciona los espacios y los paisajes desolados a los estados anímicos de sus personajes.

Una visita inesperada recibe en el convento la joven Ana.

Notable en la estructura estética, son los efusivos encuadres de rostros y figuras que mantienen un nivel conciente de constante desborde, para sugerir el estado de gracia de Ida en medio del caos y la muerte.
Este gusto estilizado, le da un sello audiovisual inolvidable a la historia, que es proclive a la sugerencia desde lo abstracto a lo impresionista, como no se veía desde los tiempos del cine mudo.
Ida es una joven en la transición a la renuncia de lo carnal por lo espiritual, pero como bien sustenta la trama, no superará la ansiedad de su búsqueda, hasta no "probar" el sentido del amor íntimo, con un joven que se le cruzará en el camino.
Película maravillosa, minimalista, simbólica, poética, que trabaja sobre "los tiempos muertos" con acentuada efectividad, y que logra plasmar toda la tragedia de los desaparecidos, en una época de totalitarismos utópicos, con un sobresaliente uso de los recursos expresivos del cine.
Imperdonable perdérsela.

"Carny" :
Inocencia Interrumpida.

Jodie Foster interpreta a una preciosa joven en una plaza de juegos.

__ De toda la etapa de transición ( de niña a mujer ) en la carrera de Jodie Foster, esta película parece ser la más osada y atrevida del conjunto.
Estrenada en 1980, bajo la dirección de Robert Kaylor, es su película más representativa como ícono de la juventud.
Superando sólo la medianía, la bellísima Foster sobresale dentro de una historia mediocre, sobre el triángulo amoroso entre dos amigos dedicados a la diversión de un Carnaval de Juegos, y la rubicunda chica seductora y apetecible.
Frankie ( un jovencísimo Gary Busey ), tipo buena onda pero con una suerte negra, y su buen amigo (Robbie Robertson), deciden formar parte de un grupo de artistas ambulantes, llevando a cuestas a la bellísima Donna ( la Foster más lindísima que nunca), quien se interpondrá en su relación de amistad.

Triángulo amoroso : Jodie es la carnada y los chicos los pescadores de sueños.

La escala moral de Donna, chocará con el ambiente donde ella se mueve y sobrevive.
Toda la película es un "menage a trois" en medio de tíos vivos, carruseles, montañas rusas y diversiones mecánicas de distintos interés.
Los villanos del cuento, son los prestamistas, siempre sedientos de dinero fácil y los "paternalistas" - algo caricaturizados por Kaylor- aparecen encarnados por gente como el veterano Kenneth McMillan, infaltable característico de producciones americanas de los 70-80 en la línea de : Hermanos de Sangre"; "Ragtime"; "Al fin y al cabo es mi vida", "Confesiones verdaderas"; "Duna", etc.
También integran el reparto : la actriz Meg Foster ("La Selva Esmeralda"; "Omega, el encuentro final"; "Leviathan") ; "Craig Wasson ("Cuatro Amigos"; "Doble de Cuerpo"), y el veterano Bert Remsen ("El Guardaespaldas"; "En un lugar del corazón", "Nashville").

"Sicópata Americano" :
Espejismo Cruel...

Las perversiones de un yuppie chalado y sádico.

___ Basada en la novela "maldita" del escritor Bret Easton Hills ( "Corrupción en Beverly Hills"), la directora indie Mary Harron, efectúa una cruda metáfora sobre la decadencia humana de la generación de los "young urban professional", para incluír en paralelo, una abierta crítica al capitalismo neoliberal.
Patrick Bateman ( el actor galés Christina Bale ), es un joven ejecutivo de 27 años que trabaja en Wall Street en Nueva York.
Hombre de éxito, millonario habitante de un pulcro departamento, admira la letra de las canciones de la música pop de su época ( los 80), en cuya lista incluye a: Whitney Houston, Phil Collins y Huey Lewis & The News.
Pero todo esto, condicionado por su amor a reconocer el éxito en base a las variabilidades de las encuestas, que publican las revistas sobre los CD más vendidos.
El mundo de Patrick es ambiguo y superficial.
Sus amigos gustan de competir en observar quien tiene la tarjeta personal más original, conversan de sus viajes al extranjero y se divierten en fiestas alocadas donde no faltan ni la droga, ni las relaciones sexuales reñidas con la moral.
En ese mundo aparentemente ordenado, matemáticamente correcto, metalizado y light, Patrick sucumbirá a sus deseos sádicos más ocultos, para convertirse en un monstruo.

Christian Bale como un nuevo Jekyll & Hyde.

La película se transforma en un itinerario oscuro y demencial, para mostrar cómo Patrick se transforma y pasa de una estabilidad cotidiana a una enajenación salvaje e irrefrenable.
Aunque el ritmo de la narración es disparejo, frío y calculador, ( no hay flash backs ), el racionamiento de la puesta en escena le sirven a Mary Harron, para surtir el relato de un control emocional, que sólo se desata en los momentos cuando ocurren los sangrientos homicidios.
Si bien tiene un comienzo que lo emparenta con "El lobo de Wall Street", la última obra de Martin Scorsese y el díptico de Oliver Stone sobre "Wall Street", la película prefiere avanzar por otros derroteros.
Sin duda, Mary Harron establece que su cinta es un thriller al más puro estilo Hitchcock, donde se remarca la ausencia de Dios y se asimila la sordidez de un mundo convulso y errático.
Completan el magnífico casting : Jaret Leto, Willem Dafoe, Chlöe Sevegny, Samantha Mathis y Josh Lucas. Terror posmoderno.

"Pleasantville" :
Amor en blanco y negro.

Poster original del filme.

__ Se trata de una de las películas fantásticas más inteligentes que se han hecho en los últimos tiempos.
Su originalidad no sólo radica en el tema de la incursión mágica en una popular serie de televisión de los años cincuenta, sino en el trabajo estético, subliminal a una búsqueda conciente de la belleza, pero sobretodo, a un planteamiento maduro sobre los límites de la censura y sus consecuencias en el arte audiovisual.
Escrita, producida y dirigida por Gary Ross ("Alma de Héroes"), retoma algunas de las ideas de Woody Allen en "La Rosa Púrpura del Cairo" ( de hecho, el reparto incluye a uno de los actores de la otra película, Jeff Daniels ), para someter a sus personajes, a una aventura por el universo de las viejas comedias serializadas de los años cincuenta.
A partir de la extraña experiencia que tienen dos hermanos ( Tobey MacGuire y Reese Whiterspoon ), Ross inserta un discurso novedoso sobre el choque cultural que se produce entre la mentalidad juvenil de los 50, y la actual.
Todo está matizado con un estupendo trabajo estilístico, que nos obliga a reflexionar sobre los criterios morales y religiosos de una época y otra.
Los protagonistas atrapados dentro de una idealizada familia típica del "american way of life", acartonados y esquemáticos, le darán conciencia y despertarán en sus corazones, la vida que los transformará de seres en blanco y negro a personajes en color.
Esta lectura del filme, muy condescendiente a las inquietudes del realizador americano Gary Ross, obliga a entender la historia, desde una perspectiva revisionista y crítica sobre los tabúes respecto al sexo, al amor y a las relaciones de pareja, en tiempos donde aún funcionaba el código Hays.

Choque simbólico entre el blanco/ negro y el color.

En ese choque que provocarán los dos hermanos del mundo real con el mundo ficticio de la televisión, los adolescentes de la serie, construirán un "nuevo habitat" más cercano a la realidad que se vive afuera del aparato del televisor.
El relato está erigido sobre inteligentes metáforas.
Así, en la prohibición de entrar en ciertos locales a los personajes que vivan en blanco y negro y eviten el technicolor, se esconde una metáfora sobre el racismo.
También se evitará bajo esos mismos preceptos, la difusión del arte pictórico y del graffitti, la transmisión de discos no conocidos y de la literatura más permisiva a los ideales del conservadurismo.
En este sentido, se esconde una metáfora acerca de la censura aplicada a la objetividad de los valores de la libertad de expresión.
Además, sólo se asumirán los límites geográficos del pueblo donde transcurre la serie, prohibiéndose hablar sobre lo que existe más allá de los límites de su propia creación, en una evidente metáfora sobre los límites de la conciencia creativa subestimada al subjetivismo de la ficción.

Entregándole una "vida en color" a la madre televisiva.

Gary Ross manifiesta estos discursos, en medio de una naturaleza, que sólo conocerá la luz del sol, cuando se revelen así mismos ( metáfora sobre la Fé ).
Gran película revalorizada con el correr de los años, que no ha tenido réplica y que asume, su maravillosa forma de encarar la magia que provoca la imagen en el medio colectivo.
Notable trabajo fotográfico de John Lindley y musical, donde a la banda sonora original de Randy Newman, se unen las canciones clásicas de : Elvis Presley, Buddy Holly, Perry Como y Pat Boone.
Al nivel de las actuaciones, Ross concientemente, le da a cada uno de sus intérpretes, un arquetipo específico.
De esta manera aparecen registrados, el padre cariñoso y feliz ( William H.Macy), la madre experta en cocina y en respuestas tontas ( Joan Allen ), los "hijos del exterior" que traen la "buena nueva" ( Tobey MacGuire y Reesee Whiterspoon), los buenos vecinos ( J.T.Walsh y Jeff Daniels) y los agradables pero cándidos compañeros del colegio ( Kevin Cameron y David Tom).
Cabe destacar que, aparece el veterano Don Knotts, en un papel hecho a su medida.
Ross equilibra su historia, dentro de un espacio que se caracteriza por su pulcridad, artificiosa e idealizada.
Para quienes sólo esperan divertirse, se trata de una comedia grata y simpática. Aunque es frente a todo, una inteligente metáfora sobre el conocimiento humano y el choque generacional del mundo civilizado.

"Y tu mamá también" :
Sexo, drogas y algo más.

Un trío en la playa.

___ Tenoch ( Diego Luna) y Julio ( Gael García Bernal), viven la adolescencia manteniendo el lenguaje cult y sus códigos de principios en la idea de alcanzar el máximo de conquistas con el mínimo de esfuerzo.
Ambos habitan en la populosa Ciudad de México y acaban de culminar sus estudios en el Instituto.
Aunque hacen girar sus vidas alrededor del sexo, no asumen mayores aspiraciones, tal vez, porque están adoctrinados en la vida fácil, sin apreturas económicas, sin desvelos financieros o circunstancias de riesgo.
Durante una fiesta tradicional, conocen a la españolísima Luisa ( Maribel Verdú), a quien invitan a un viaje a Boca del Cielo, una playa paradisíaca, aprovechando que sus novias están de vacaciones.
La narración en off acentúa los perfiles de los personajes del triángulo amoroso, ampliando el horizonte hacia los ambientes que les rodean.

Maribel Verdú paseando por la playa de Boca del Cielo.

El director mexicano Alfonso Cuarón, entremezcla el tono de comedia juvenil con una mirada desinhibida en las relaciones sexuales de los muchachos, pero además, incorpora un cuadro rico en detalles pintorequistas.
A las actuaciones de los juveniles Luna y Bernal - revelaciones del filme - se une el sensible trabajo de Maribel Verdú, tal vez, la base donde recae el peso moral y dramático del conflicto narrativo, aunque ello suponga una dura lección de vida, subrayada en su propia soledad de mujer abandonada.
La carencia afectiva que va más allá del compromiso sexual que tendrán ambos muchachos con la mujer, redondea la moraleja que tiene esta interesante obra azteca.
Se trata de un estudio sobre la existencia, la muerte y la complejidad de las relaciones afectivas.
Y también un valioso retrato de la sociedad latina, en vías de cambios sustanciales.
Es un trabajo que ya figura en las mejores historias del cine universal.

"Las Vírgenes Suicidas" :
Las Ninfas del Claustro.

Bellezas adolescentes entre la luz y las tinieblas.

___ El debut como guionista y directora de Sofía Coppola, es un relato oscuro, ácido, depresivo y minimalista, acerca de cuatro hermosas hermanas de 13 a 17 años de edad, criadas dentro de las cuatro paredes de su casa, en un exclusivo barrio americano.
El filme se ajusta a los patrones tributarios del mejor cine para adolescentes - como lo hizo su padre Francis Ford con el díptico de "La ley de la Calle" y "Los desalmados"-, pero se define por los preceptos más sórdidos del thriller hogareño.
En efecto, la película remata con el suicidio de la hermana menor, antecediendo el destino que tendrán todas ellas, y logra transformarse en un novedoso estudio sicológico, sobre la represión que ejercen los padres ( los magníficos James Wood y Kathleen Turner) sobre sus hijas, a las cuales no les permiten crecer en contacto con el resto de sus amigos del college.

Imaginativo uso de las formas, los espacios, el color y los planos.

Cuatro chicos y cuatro chicas: la admiración y el romance adolescente.

Basada en la novela de Jeffrey Eugenides, está ambientada en la década de los años setenta del siglo XX, durante la Guerra Fría, y escarba con decidido interés y creatividad, en las ansiedades y temores latentes de una sociedad dominada por sus propios miedos.
El fotógrafo Edward Lachman, juega con las pigmentaciones colorísticas del viejo "Technicolor" para subliminar los símbolos más siniestros de la historia.
Gracias a la potencial perspectiva que Sofía da a su relato, éste se nos presenta como un cuento macabro, novedoso, sugerente y dramático.
A la acertiva capacidad de incorporar recursos expresivos propios del lenguaje audiovisual como: ralentis , sobreimpresiones, subtítulos y trazos gráficos, la Coppola juega con el carácter casi atemporal de la historia, incorporándole guiños simbólicos a su película, como en el inicio, cuando un niño "simula" suicidarse por amor, o en la fiesta de cumpleaños, cuando el detonante resulta ser la actitud burlesca hacia un niño con discapacidad mental.
"Las Vírgenes Suicidas" ( 1999 ), es un debut notable, ingenioso, creativo, diferente e inconformista, que adiciona las estupendas actuaciones de un puñado de jóvenes actores, en su mayoría de reconocida trayectoria, como : Kristen Dusnt, A.J.Cook, Hannah Hall, Chelsea Swain, Josh Harnett, Michael Paré, Robert Schwartzman, Jonathan Tucker y Hayden Christensen.

"La Sociedad de los Poetas Muertos" :
La Reforma Educativa que Nunca llega.

El profesor idealizado, incomprendido en un sistema arcaico.

__ En Chile durante este año, la crisis educativa ha sido el pan nuestro de cada día dentro de la agenda noticiosa diaria.
Ya no sólo se habla de "Reforma", como la gran panacea de los conflictos juveniles internos, sino también se agregan ahora, temas que parecen de otra época : violencia dentro de las aulas, drogadicción, actitudes matonescas de los alumnos contra sus profesores, docentes desincentivados, marginalidad juvenil, desarraigo social y conformismo ciudadano.
De alguna manera, lo que no se ha hecho durante tantos años, ha producido un pandemonium demasiado grave considerando sus repercusiones sociales, políticas y culturales.
Nuestros jóvenes se violentan cuando los espacios de participación se cierran o se transforman en recurrentes acciones de la burocracia estatal.
Se ha perdido la confianza en la forma de hacer política, porque los aparentes grupos ideológicos, funcionan dentro de un círculo de privilegios y oportunismos empresariales, claramente identificables.
El consumismo, ha alienado la mentalidad en la participación.
La comodidad de unos pocos, terminó por repercutir en la ansiedad de los que no tienen acceso a las bondades del sistema financiero.
La triada de la simulación de los poderes que tutelan la Democracia, culmina con la triada de las modificaciones sustanciales que se viene pidiendo a gritos desde los años noventa, respecto a las leyes administrativas que manejan el Estado.
La tutela del poder por el poder, la política de pactos silenciosos y cubiertos de un misterio trangresor y la corrupción que crece como un monstruo, sin que nadie le detenga, ha llevado a un abismo peligroso a la Educación, la Salud y el Desarrollo Integral de las personas, lo que aumenta el riesgo potencial de una crisis institucional, la aparición de la anarquía y el terrorismo, el "cabreo" de los jóvenes que simplemente ante este panorama desolador, ya no creen en nada y en nadie.

El "padre escolar" y sus "hijos".

"La Sociedad de los Poetas Muertos" de Peter Weir, se nos aparece entonces, como un ejemplo valioso y categórico, de lo que muchos docentes de vocación, han intentado explicar en las complejidades del sistema.
¿ Hasta que punto el docente con verdadera vocación de servicio es aupado, acariciado, protegido y valorado por el medio donde se mueve, sin toparse con el interés burocrático de la política administrativa que maneja la docencia ?
El filme se exhibió en Chile, en funciones especiales para los profesores que acudieron en masa a verla.
Su fama, estriba en varias situaciones que es conveniente analizar.
Robin Williams que paradójicamente se suicidó este año, recupera el sentido vocacional de la profesión de hacer clases.
Su alma mater está con los chiquillos. El entiende el verdadero sentido de la vocación.
Su esfuerzo innovador de entender a sus jóvenes pupilos, le llevará a la obstinada tarea de hacer comprender al sistema, la importancia de "vivir al día" en razón de las inquietudes e intereses de los muchachos.
Un esfuerzo loable, que en un sistema permisivo se paga con un alto precio : la expulsión de la institución.
Chile no está ajeno a esta actitud.
A los docentes con conocimiento del tema, simplemente se les margina de los verdaderos cambios que se quieren gatillar en el sistema de la reforma, porque se desconoce la experiencia, el intelecto y la sagacidad de innovar, en momentos en que la tecnología irrumpió para quedarse.

Mosaico con escenas de la pelicula.

Además, la preparación para ejercer la profesión, es un proceso demasiado lento respecto a los cambios de mentalidad que tiene los jóvenes en distintas épocas.
Durante los cinco años de universidad que se exigen estudiar para obtener el título de docente, pasan dos generaciones de niños.
Al docente, se le enseña respecto a un tipo de alumno, que cuando sale con su título bajo el brazo, ya no está en el aula.
Y por otro lado, los profesores innovadores se enfrentan dentro de sus propios colegios, con administraciones demasiado arcaicas, avejentadas en la postración y la abulia, en el mandato jerárquico de viejos tiempos, en la doctrina de la imposición y en el burocratismo más abigarrado, que simula sus debilidades en el cumplimiento del "deberíamos hacer esto", que en el más práctico "esto hay que hacer".
Todo ello condicionado por administraciones municipales que reniegan de la importancia del área, que resulta ser una carga difícil de sobrellevar, por los gastos y esfuerzos económicos, que significa mantener cuerpos docentes medianamente estables, dentro de una malla curricular muy dispersa.
De algun manera, "La Sociedad de los Poetas Muertos" nos viene a recomponer la idea romántica del profesor ideal.
Ese que tuvimos en la secundaria. O en la Universidad. Y que, por la mala estructuración del sistema, terminó sus días trabajando para una empresa privada.
O cambió la tiza y el pizarrón, por algún negocio más rentable y menos complejo.
Cosas de la vida actual. Injusticias de la hora presente.

"Los Edukadores" :
El desencanto por la política.

Silenciosos revolucionarios que no creen en el bla, bla, bla.

___ Es una película ideal para repasar en DVD y Blu-Ray, que se estrenó hace nueve años y cuya temática está cada día más vigente.
Un drama inteligente y discursivo, basado en las propias experiencias de su director, el alemán Hans Weingartner.
Al respecto, el contó con ocasión de la premieré :
___" Cuando tenía 20 años era un chico enfadado que gritaba ¡ Cambiemos el mundo ! No luchábamos por los desamparados ni por un partido. Simplemente nos parecía que el sistema no funcionaba. Mis amigos pensaban como yo : ninguno de nosotros encontró un grupo político al que unirnos. No queríamos que nos dieran órdenes; queríamos ser libres".
El filme relata la insólita situación en que se ven envueltos, un grupo de amigos que perpetran todo tipos de acciones no violentas, para hacerles ver a los ricos, que sus días de abundancia están contados.
La situación se complejiza cuando secuestran a un empresario, y la chica del trío se enamora de los dos protagonistas suscitando las divisiones y los celos.

Un trío antisistémico : Daniel Brühl, Julia Jentsch y Stipe Erceg.

La película está atestada de discursos reflexivos sobre el mundo actual, la amistad, la deserción de la política, la corrupción, la mentira, el chantaje, la ira y la traición.
Frente al panorama que nos embarga en el acontecer diario, en nuestros países cualquiera sea su cultura, idioma y seguridad, la deserción que apuntaba Weingartner, es hoy pan del día.
A los políticos se les mira con recelo, distancia y cortesía.
La actividad misma de los ideólogos, se confunde con el formato de los "reality shows" y las estrategias de marketing utilizadas para capturar el voto de los contribuyentes, poco se diferencia de las efectuadas para vender un detergente o una pomada oftálmica.
En alguna medida, da la sensación que "Los Edukadores" ( 2004), se adelantó al "pesar ciudadano", de no "creer ni lo que hablan" quienes profitan del poder, quizás en un mundo demasiado convulsionado por los intereses personales, las componendas partidistas y los discursos exageradamente artificiales.
Si el relato asume el punto de vista del espectador de "estos tiempos de incredulidad", es porque en su propio eje dramático, incorpora muy adecuadamente una ideología abierta, que genera una libre interpretación de sus supuestos más controvertidos.
Notables actuaciones de Julia Jenstch, Stipe Erceg y Burghart Klaussner, que comparten el elenco central con el magnífico Daniel Brühl, sin duda, uno de los actores jóvenes más versátiles y profesionales de la pantalla europea actual. Imperdible filme sobre el desencanto de los políticos. Un deber cívico repasarla.

"Impulso adolescente" :
Adicción compulsiva.

Justin tiene la manía de chuparse el dedo gordo.

Lou Taylor Pucci en su filme- revelación.

Kelli Garner es una chica "yonqui" que enamora al protagonista.

___ De un tiempo a esta parte, el cine independiente americano ha dado prueba de su gran vigencia, notable creatividad y valentía para abordar todo tipo de temáticas con inteligencia, sensibilidad, olfato comercial y originalidad.
"Impulso adolescente" ("Thumbersucker", 2004),se exhibió hace algunos años en Chile y pasó desapercibida.
Ya es tiempo de recuperarla en su pase por el formato del disco digital.
El relato es atípico y escudriña por la sicología de la juventud actual.
Justin ( la revelación Lou Taylor Pucci ), es un chico de clase media suburbana, al que le encanta chuparse el dedo gordo de la mano, en una actitud inconciente que es reflejo de ciertas fobias familiares.
Su madre ( Tilda Swinton), - enfermera en un hospital de rehabilitación- , le mima demasiado, mientras que su padre ( Vincent D"Onofrio), - una celebridad que tuvo que retirarse del fúbol profesional por una severa lesión- , le odia de veras cuando empieza con esta manía.
Justin es el típico "young boy" rebelde, enojado con el mundo en el que le ha tocado vivir y tímido compulsivo, que se margina de cualquier situación expuesta, aún en el high school, aunque está enmorado de una compañera de curso.
Un día después de un examen médico para corregir este impulso adolescente, Justin comienza a ser tomado en cuenta en todas partes y ha transformarse en una celebridad, al que le crece el ego y la genialidad.
El retrato desencantado pero divertido que traza el debutante director Mike Mills, está más cercano a la verdad de miles de jóvenes, que no se sienten identificados con la vida que llevamos, de vaivenes diarios y complejas relaciones de sociabilidad.
Hay en toda la película, un aliento melancólico que subraya el desaparecido músico Elliot Smith y los Polyphonic Spree, pero además, una certera visión al universo de los jóvenes, que luchan por sus propios espacios en tiempos de incertidumbre, corrupción, hambre, soledad y tristeza.
Con todo, es una comedia muy divertida, aguda y singular.

"Una vida iluminada" :
En la búsqueda de Identidad.

Un trío en la búsqueda de las raíces.

___ Debut en la dirección del actor de cine y teatro Liev Schreider ( "Scream"; "X-Men"; "Salt"), que adaptó la novela autobiográfica del joven escritor Jonathan Safran Boer, "Everything is Illuminated", muy elogiada por la crítica en el mundo literario.
Recuerden que, es el mismo autor del drama infantil : "Tan fuerte, tan lejos" ( 2011).
El filme cuenta la historia del joven escritor ( Elijah Wood), que viaja a Ucrania para encontrar a la mujer que salvó a su abuelo del holocausto nazi.
En la travesía, se topa con el larguirucho Alex ( Eugene Hutz), su abuelo ( Boris Leskin) y la perra "Sammy Davis Junior", quienes le servirán de guía por el interior del país.
El relato se beneficia de la extraordinaria fotografía de Matthew Libatique, que sin ser preciosista, encuentra las adecuadas tonalidades, que son el reflejo de los estados anímicos del protagonista en sus distintas fases de búsqueda.

Idolatrando a la cultura americana.

Compañero de ruta : "Sammy Davis Jr.".

Pero el filme es más que la suma de sus partes.
Se trata de una inteligente comedia absurda que tiene mucho de Kusturica, algo de Wenders, y también su lado dramático que vuelve sobre la tragedia del Holocausto.
Y lo hace sin estridencias, excesos o lugares comunes.
Por primera vez, Elijah Wood se prueba el traje de la madurez interpretativa y lo hace construyendo un personaje real, con muchas trabas, temores, ansiedades, manías y un carisma que subraya la elocuencia en los momentos más emocionantes.
Se trata de un joven con una fijación conciente de descubrir a la mujer que le dió la vida.
No hay empacho, ni vanidad, en la posición del escritor que dará su empeño mayor por lograr su meta. Y que después el servirá de material literario para su novela.
A su lado, notable dueto conforman los actores Eugene Hutz y Boris Leskins, como el nieto y su abuelo ucraniano, que tienen momentos realmente brillantes.

Antología del Cine Juvenil.

___Nunca es tarde para enmendar el rumbo. Si algo ha reflejado el Cine de estos últimos sesenta años, es el cambio generacional que se ha producido entre la juventud de una época y otra, sus comportamientos, sus maneras de actuar, vestirse y definirse frente al mundo que desean cambiar a toda costa.
La siguiente entrada selecciona 21 películas de contexto juvenil, que han marcado la historia del cine. Es una lista subjetiva, pero que en sus fines didácticos, se transforma en una excelente muestra para profundizar, cómo en las distintas culturas se aborda la temática joven.

1) "Rebelde sin Causa" ("Rebel Without a Case", USA, 1955) de Nicholas Ray : Si existe una película emblemática del mundo juvenil, es esta obra maestra de Ray, un director cuyo universo estuvo caracterizado por sus obsesiones con las mujeres dominantes, los chicos en busca de una madre y los hombres violentos. Para el cineasta norteamericano que rodó 22 películas, el drama con James Dean, Sal Mineo y Natalie Wood, siempre fue su preferido "porque es el que pudo terminar con menos interferencias". Un retrato antológico sobre el abandono familiar, la desolación y frustración juvenil en un mundo en constantes cambios.

2) "Semilla de maldad" ("Blackboard Jungle", USA, 1957) de Richard Brooks : Una película que causó polémica en su día y fue censurada en varios países. La realidad de una escuela marginal llena de jóvenes de la calle, y un nuevo profesor ( Glenn Ford) que intenta abrirse espacio en un mundo hostil. ¿ Cuántos espectadores salieron de la sala con la idea de convertirse en profesores ? En la música de los créditos : "Rock Around The Clock" con Bill Halley y sus Cometas.

3) "La noche de un día agitado"/ "Qué noche la del aquel día" ( "A hard day"s night", GB, 1964) de Richard Lester : "The Beatles" no sólo hizo historia en la música, sino que también en el cine, con esta vanguardista película que rompe las estructuras establecidas : desprecio del argumento, prevalencia del montaje, integración del formato videoclip en el relato, alusiones simbólicas a la época, y un tono de comedia disparatada y surrealista a la manera de los hermanos Marxs. Eso sí, es un retrato fiel a la juventud desencantada y utópica de la época.

4) "Cenizas y Diamantes"( "Popiól i diamante" , Polonia, 1958) de Andrzej Wajda : Una mirada sobre la juventud rebelde e inconformista, que tiene un carácter cíclico, ya que no existe plena seguridad de que su historia no se vuelva a repetir. En la película "con más o menos justeza entran los movimientos de liberación, los grupos de resistencia, las fracciones terroristas y todos aquellos que han dejado una vida corriente porque la gran historia los ha puesto en un escenario y las ideologías les han asignado un papel que, con el tiempo, será desplazado por las mismas fuerzas". Un relato que habla sobre el destino de dos revolucionarios con un tono sugerente, humanista y trágico. Inolvidable la actuación del actor Zbigniew Cybulski, considerado el "James Dean" polaco, un ícono de la cultura europea que murió trágicamente y muy joven.

5)"La Ley de la Calle"("Rumble Fish", USA, 1983) de Francis Ford Coppola : La gran recuperación del genial Coppola después de sucesivos fracasos en la taquilla, es esta póetica y melancólica historia de un joven rebelde, que sueña con recuperar el espíritu de las viejas pandillas que su hermano mayor lideró en otros tiempos. El retrato de los marginales del sistema está matizado por una notable fotografía en blanco y negro, con leves y simbólicas inserciones en color; y una estupenda banda sonora-musical. Una obra modélica basada en el libro de Susan E.Hinton, con un magnífico tratamiento estético y que es una película de culto entre los jóvenes de su tiempo. Magníficas actuaciones de : Matt Dillon, Mickey O"Rourke ( el chico de la moto) y Dennis Hopper.

6) "Busco mi destino"/"Buscando mi destino" ("Easy Ryder", USA, 1969) de Dennis Hopper : El viaje en motocicleta de dos joven iracundos, se construye sobre la base del espíritu del neowestern, aunque su verdadero mensaje tiene que ver con la insatisfacción, la intolerancia y la búsqueda de un modo de vida en libertad, lejos de los esquemas establecidos. Financiada por Peter Fonda ( uno de sus protagonistas), Bob Rafelson y Bert Schneider, costó menos de 500.000 dólares, y a principios de los setenta, llegó a recaudar más de 50 millones de dólares de beneficio, inaugurando la Nueva Era de los filmes independientes.

7) "Relatos Crueles de Juventud" ("Seishun Sansoku Monogatari", Japón, 1960) de Nagisha Oshima : Segunda película del gran director nipón, que enfrenta a dos hermanas, la mayor contraria al intervencionismo de los norteamericanos y la menor, que expresa su ira, mediante una vida abierta y estéril. "Este constraste se aborda de un modo ambiguo. Oshima que contaba con 28 años de edad, explicó en su momento que el idealismo de la hermana mayor peca de ingenuo , pero la obsesión de la hermana menor por el sexo y la pasión sin sentimientos, no constituye ninguna alternativa. Oshima critica el conformismo de la sociedad japonesa, pero la alternativa que ofrece peca de incoherencia". Se trata de una sombría historia de rebelión que dibuja el carácter sicológico de los jóvenes de su época.

8) "My Summer of Love" ( GB, 2004) de Pawel Pawlikowski : Arriesgada apuesta del director y escritor polaco, el mismo autor de "Ida", que logra insertar el tema del lesbianismo desde la perspectiva de una pareja de adolescentes, que pasan un verano de amor en medio de un paisaje bucólico. Emily Blunt y Natalie Press, establecen una relación basada en una instigación. Rompiendo los códigos conservadores, las chicas se descubren así mismas, influenciadas sólo por los impulsos, la provocación y el deseo. Gran obra que conjuga el detallismo pintorequista, la riqueza fotográfica, la sensualidad y el simbolismo religioso.

9) "Good Bye, Lenin" ( Alemnia, 2003) de Wolfgang Becker : Una originalísima visión de la transición del pueblo gremano a partir de sus supuestos históricos. Dos hermanos de Alemania del Este ( entre ellos el genial Daniel Brühl), se esfuerzan por ocultarle a su madre convalesciente, de los acontecimientos que rodearon la caída del Muro de Berlín. Los símbolos más vetustos del régimen, aparecen para contrarrestar lo que pudo haber sido, el idealismo de un partido en el atardecer de su poderío. El tono de comedia mezclado con el drama familiar, equilibran una gozada de película, cuya caligrafía visual y narrativa, supuso un aire fresco en el cine europeo de entonces.

10) "El Graduado" ( "The Graduate", 1967) de Mike Nichols : No sólo retrata las experiencias de un joven tímido que cae en las redes de su suegra, quien lo inicia en el sexo, sino que es un gran retrato de una época. Las licencias de repetir "Mrs Robinson" a lo largo de la narración, identifican el filme con Simon & Garfunkel, que además, fueron emblemas de la música de su tiempo. Nominada a siete Oscar ganó el reservado a mejor director. Grandes actuaciones sobretodo de Dustin Hoffman y Anne Bancroft que se quedó pegada en la retina como la ansiosa Mrs.Robinson. Antológica toda la secuencia de la fuga en medio del matrimonio de Katherine Ross con otro tipo. Memorable.

11) "Barrio" ( España, 1997) de Fernando León de Aranoa : Todavía sigue siendo una potente historia juvenil, acerca de un trío de amigos de barrio periférico, que pasan en vacaciones de verano entre aventuras callejeras, abulia, decepción, drogas, conversaciones sexuales, asaltos a cementerios para vender las flores y fiestas donde no son acogidos. La ironía acentúa el discurso social, aunque la película es un certero retrato de la juventud hispanoamericana, perdida en los tiempos del consumismo y la farándula. Gran actuación de los muchachos : Críspulo Cabezas, Timy Benito y Eloy Yebra.

12) "Prisionero del Rock and Roll" ( "Jailhouse Rock", USA, 1957) de Richard Thorpe : El primer gran éxito en el cine del inmortal Elvis Presley, es también un filme realista, que captura la crudeza de su historia y la somete a un análisis dramático-musical para mayor gloria del ídolo. Presley es un reo que aprende a tocar la guitarra mientras está en el presidio, y una vez en libertad, llega ha transformarse en una estrella. Todos los clichés y esquemas básicos del relato, sirvieron de base para sus futuras películas.

13) "Trenes rigurosamente vigilados" ("Ostre sledované vlady", Checoslavaquia, 1966) de Miklos Jancsó: Basada en la novela de Bohumil Hrabal, esta película es la más característica del florecimiento del llamado "Nuevo Cine" checo, dos años antes de que los soviéticos aniquilarán el gobierno liberal imperante. A partir de la historia del abuelo del realizador, se construye un drama sobre la frustración sexual del vigilante de una estación de ferrocarriles de provincia. "Menzel dirige el filme con astucia y una invención constante, lo que muestra una deliberada informalidad en la composición que añade al carácter improvisado de la película. Dada su ligereza, el final implica una situación de choque, pero dice mucho sobre la experiencia trágica en la Europa central del siglo XX". Una obra recomendable bajo cualquier punto de vista.

14) "Los amos de la noche" ("The Warriors", USA, 1979) de Walter Hill : Una original visión de las pandillas juveniles callejeras en Nueva York. Se trata de una estilizada recreación sobre la novela de Sol Yurick, inspirada en la leyenda del griego Jenofonte, que muestra la confrontación entre la pandilla y la gente común. Con gran sutileza y notable inspiración, Hill compone un cuadro realista y marginal, sobre la anarquía, la desolación y el abandono, que incluye la mirada crítica-social y el sesgo psicológico.

15) "Los desalmados"/"Los marginales" ( "The Outsiders", USA, 1983) de Francis Ford Coppola : Junto con "La ley de la calle"- ambas basadas en sendas novelas de Susan E.Hinton -, Coppola dedicó su atención a la juventud americana, logrando un relato que se beneficia del color, de la caracterización de los personajes, del sentido trágico de la historia y sobretodo, de un aliento romántico, que tiene sus referentes inmediatos en Nicholas Ray y su "Rebelde sin Causa" y la épica "Lo que el Viento se llevó", cuyo cromatismo es homenajeado en los créditos iniciales. Se trata de un estupendo drama juvenil, que dió a conocer a un puñado de magníficos actores como : Matt Dillon, Emilio Estevez, Ralph Macchio, C.Thomas Howell, Tom Cruise, Patrick Swayze y Rob Lowe.

16) "Sexo, mentiras y videos" ("Sex, Lies and Videotapes", USA, 1989) de Steven Sonderbergh : La película independiente que conquistó el Festival de Cannes y que transformó a Sonderbergh en el realizador más joven en obtener la Palma de Oro, a los 26 años de edad. Como recordó el crítico Daniel Olave en su momento : "Escribió el guión en una semana, lo rodó en su propia casa en Baton Rouge, Louisiana, durante un mes y efectúo el montaje en dos meses, llegando a gastar la módica suma de 200 mil dólares". Cuatro personajes entrelazados, unos pocos escenarios, para relatar la historia semiautobiográfica de "un joven desarraigado que vaga con una cámara de video a cuestas y un pasado de sexo y mentiras que necesita urgentemente redimir". La película es una maravilla de economía de recursos, en función de un trabajo que profundiza en la sicología de sus personajes para armar un retrato de la juventud perdida, en el marasmo del confort, la falsa plenitud de los treinta años, y la insatisfacción de las relaciones humanas. Interesante visión sobre la futilidad del "american way of life".

17) "Mi mundo privado" /"Mi Idaho privado"("My private Idaho", USA, 1991) de Gus Vant Sant: Otra cinta del cine independiente americano, que escudriña con sensibilidad y emoción, en las relaciones de dos jóvenes prostitutos, amigos y compañeros inseparables, que se han dedicado a vender sus cuerpos, por distintas situaciones. Uno, porque sufre de narcolepsia y necesita encontrar a su madre: y el otro, como una actitud de rebeldía contra su padre que es alcalde. El conflicto parte, cuando uno de ellos se enamora de una chica. Van Sant dimensiona la tragedia y sin desarticular su visión homo-erótica, elabora una certera visión de la marginalidad urbana. En su estilo, es un drama revelador, soberbiamente interpretado por el recordado River Phoenix - que ganó en Venecia por esta actuación- y Keanu Reeves.

18) "American Grafffitti" ( USA, 1973) de George Lucas : Nostálgico y emotivo recuerdo de cuatro adolescentes hacia inicios de los años sesenta, antes de la guerra de Vietnam, sazonado de excelente música, alusiones a los clásicos del rock y a las fiestas de despedida de curso. Impagable como rememoranza estudiantil, y con las actuaciones de los "recién llegados" : Richard Dreyfuss, Paul Le Mat, Candy Clark y Harrison Ford, y el otrora niñito prodigio, Ron Howard, después convertido en un reconocido cineasta.

19) "Lacombe Lucien" ( Francia, 1974) de Luis Malle : Sobre un estupendo guión del escritor Paul Modiano y del propio realizador, Malle efectúa una de sus obras cumbres, que relata la particular historia de un joven campesino de 17 años, que se une a la Gestapo después de ser rechazado por la Resistencia. Esta dualidad le permite al cineasta, efectuar una mirada aguda sobre la brecha que separa al héroe del traidor, y asumir que, en la guerra, todos pierden el alma. Grandes actuaciones de los jóvenes debutantes Aurore Clément y Pierre Blaise, quien perdió la vida prematuramente, frustrando una promisoria carrera.

20) "Nadar Solo" ( Argentina, 2003 ) de Ezequiel Acuña : Recuperar el significado de la puesta en escena por sobre los diálogos, los espacios para el silencio, la mirada contemplativa y el tiempo que corre lento como cualquier rutina cotidiana, parecen caracterizar la apuesta de esta refrescante y original película juvenil trasandina. Especie de crónica existencial de Martin, sobre un estudiante de secundaria de clase acomodada, a lo largo de todo un mes, desde que lo expulsan del high school hasta que decide ir a buscar a Mar del Plata, en invierno, a su hermano mayor. Reconstruye con gran sutileza, la serie de incidencias que muestran a la juventud más acomodada, perdida en medio de su propia soledad. Notable reflejo de estos tiempos.

21) "Caluga o Menta" ( Chile, 1990) de Gonzalo Justiniano : Sobre una narración en off, la película cuenta las desventuras de dos jóvenes marginales, El Niki y el Nacho, que obtienen los beneficios de su vida, traficando drogas y asaltando personas. Gran trabajo de atmósferas y notable fotografía de Gastón Roca, deudora del mejor Wenders. El filme revela el triste destino de los cuneteros, que vagan de un lado para otro, sin destino y luchan por sobrevivir en medio de la pobreza extrema. Magnífico trabajo interpretativo de Mauricio Vega y Aldo Parodi, más el veterano Luis Alarcón que hace de un homosexual viejo y en decadencia. De lo mejor que ha dado el cine chileno en los años noventa.

Fotos-Gentileza : Paramount Pictures- Columbia Pictures- New Line Cinema Pictures- Cine Europa- Cahiers du Cinema- Variety- Archivo.-