Séptimo 7 sello: Especial de Halloween :

Dioses o Monstruos.

Un repaso antológico a los monstruos de los estudios Universal.

___ Por estas fechas, en que los niños se preparan a celebrar Halloween,- la noche de terror más divertida- , se nos ha venido a la mente, la ola de espantos que ha cosechado el Cine a lo largo de su historia.
En realidad, el género fantástico y terrorífico nunca gozó de más grata salud, que en estos años de convulsiones internas, azotes mediáticos con el Ebola, el VIH, las guerras, el hambre y la falta de agua, que sufren varios países del mundo, sobretodo de Africa.
No es raro que, en conjunto con las celebraciones de Semana Santa, florezcan los mitos y leyendas nórdicas, atribuíbles a los temores y espantos de otros tiempos.
Hay en todo aquello, un reflejo de los miedos atávicos, las frustraciones y ansiedades de la Humanidad que, cada cierto tiempo, vive al borde del abismo.
Nunca es tarde para repasar esos mitos, que el Cine ha convertido en verdaderas leyendas y que cautivan especialmente al público adolescente, siempre insuperable como espectadores a la hora de vivir emociones fuertes.
De todo eso, hay en esta entrada de "Séptimo 7 sello", que disfrutamos sobretodo cuando confeccionamos estas notas con los recuerdos más entrañables del Cine de Horror, donde depositamos algunos de nuestros propios temores infantiles y juveniles.
Con el aullido del hombre-lobo de fondo, les invitamos a repasar parte de la mitología de los seres monstruosos que nos ha dado el cine. ¡¡¡¡ Bienvenidos !!!!

Con un pie en el sepulcro :
Los Monstruos de la Universal.

Una insólita foto en color de Bela Lugosi vestido como Drácula.

Como "El Jorobado de Notre Dame" aparece Lon Chaney Sr.

El extraordinario Lon Chaney caracterizado para "El Fantasma de la Opera", en la versión muda de 1923.

___ Ciertamente, no hay monstruos más entrañables, que los producidos por los estudios "Universal Pictures" en la décadas de los años treinta y cuarenta del siglo pasado, al amparo de los productores Carl Laemmle y su hijo, dueños y propietarios del mítico recinto.
Todo partió cuando Laemmle tuvo que competir con las otras majors en la Era Muda, para solventar un negocio que se podía venir al tacho de la basura.
Le sacó lustre a un clásico: "El jorobado de Notre Dame" ("The huchback of Notre dame", 1923) que, comparado con las sátiras grotescas y barrocas del genial Erich Von Stroheim, no eran nada costosas, y lo convirtió en un gran espectáculo silente para las masas.
En efecto, la película dirigida por Wallace Worsley e interpretada por Lon Chaney Sr, considerado "el hombre de las mil caras" por su manera de maquillarse y desdoblarse en monstruosos personajes, se convirtió en el megaéxito del año.
Así que, Laemmle dió en el clavo. Para su satisfacción y de la de sus acreedores, el poderoso hombre del cine, eclipsó a la competencia y abrió la veta para el género, que haría reconocible en todo el mundo, la marca y el logo de la tierra rotando sobre su eje de poder.
Dos años más tarde, produce una adaptación de "El Fantasma de la Opera" ("The Phantom of Opera", 1925), otra vez con Chaney bajo la supervisión de Rupert Julian, degradado a la peor especie de insulto sobre la tierra, en un rol siempre magnífico y elocuente.
Se escribió mucho de la construcción de los decorados que reproducían con el menor detalle la arquitectura parisina, aunque en realidad, eran trucos muy efectivos, realizados para agrandar los espacios y el auditorium donde transcurría el relato.
Pese a sus limitancias interpretativas - salvo Chaney todos parecen "muertos vivos" de la vieja escuela de la gesticulación exagerada-, el filme constituyó un nuevo sello de marca para la productora.

Lobby-card de "El gato y el canario" ( 1927) de Paul Leni.

En "El hombre que ríe" ( 1928), el actor Conrad Veidt junto a Mary Philbin.

___ El último maestro del horror de la era silente en la Universal, fue Paul Leni, que dirigió "El legado tenebroso"/"El gato y el canario" ("The Cat and the canary", 1927), una notable cinta de terror matizada por el expresionismo alemán, una herencia estética que caracterizó la etapa sonora de esa casa productora.
"La heroína heredera pasa una noche en una mansión fantasmal que tiene un claque más o menos hostil, que anda a hurtadillas a lo largo de pasillos inestables y a través de paneles secretos con disfraces de monstruo. Ahí hay una amenaza real: aunque al final nada es ultraterreno".
Después, hizo: "El hombre que ríe" ( "The man who laught", 1928), con "Conrad Veidt con el rostro momificado por la cirugía torturadora en una mueca psicopática. Trata lo grotesco sin fantasía".
Notable realizador olvidado, Paul Leni murió en 1929, sin llegar a disfrutar de la era sonora, aunque su obra resurgiera en DVD y Blu-Ray, valorado por los cultistas de lo sobrenatural.
De algún modo, la "Universal" se apartó del estilo, pero fue más consecuente con el espíritu inicial, en la medida de aumentar el barroquismo de sus decorados, el expresionismo de su estilo visual por el lado más fantástico, y obtener así, un nuevo ciclo que lo llevó a las alturas del éxito global.

Bela Lugosi como "Drácula", bajando las escaleras de su castillo y con el candelabro en la mano.

Rodeando con su maligno poder a la dulce Helen Chandler.

Los escenarios barrocos y espeluznantes, caracterizan la primera adaptación sonora del mito.

Dorothy Tree, Geraldine Dvorak y Cornelia Thaw como las novias de "Drácula".

Irrumpiendo en el dormitorio de Frances Dade.

Abriendo sus alas de vampiro a Helen Chandler. Por extraña paradoja, Lugosi al morir, pidió que le enterraran con esa capa y este traje.

Todos los actores de "Drácula", leyendo el libro de Bram Stoker: Bela Lugosi, David Manners, Dwight Frye, Edward Van Sloan y Helen Chandler.

___ El ciclo sonoro se inició en 1931, con la adaptación de "Drácula" de Bram Stoker, que a su vez se inspiraba en el éxito de Broadway de 1927, con toda su carga de terror algo maníquea y artificial.
No ha envejecido bien, pese a la dirección del experimentado Tod Browning, un maestro de los clásicos como: "El trío fantástico" ( ("The Unholy Tree",1925); "La casa del horror" ("London After Midnight", 1927); "Freaks" ( 1932) y "Muñecos Infernales" ("The devil doll", 1936).
Y no es que la película sea insatisfactoria. Todavía resulta notable en su contexto histórico.
La escena cuando llega Dwight Frye al castillo y descubre la inmensidad de los dominios del Conde de Transilvania; y la primera aparición de Bela Lugosi, cuando baja por las largas y sinuosas escaleras, entre medio de cuts que simulan hasta un pequeño ataúd con un armadillo, sobresalen del conjunto, que tiene sus mayores dolencias en las actuaciones.
Un crítico americano escribió : "Buena parte del comportamiento de los actores se remite a procedimientos del cine mudo, pantomímicos más que naturales. La transformación del murciélago de Lugosi es técnicamente pobre, casi risible. Incluso el maquillaje es anticuado".
A su favor, corre el viento en la dirección de cimentar nuevos íconos para la cultura del terror en una época de entreguerras.
Lugosi aparece elegante, formal y distinguido y con un acento americano-húngaro que es digno de imitar.
En algún aspecto, se hace práctica la utilización del terror como algo horripilante pero omnipresente, en especial "cuando se transforma en metáfora de la sexualidad, la herejía y la culpa".
UNIVERSAL entiende desde "Drácula" al horror como la violencia de un mundo extraterrenal, mítico, legendario que claudicará todos los temores previos de la guerra.
La versión castellana de "Drácula"parece más atrevida y es superior respecto a las interpretaciones. Nunca fue muy bien conocida, aunque tiene unos valores estilísticos realmente sobrecogedores.

El laboratorio de "Frankenstein" con Colin Clive como el doctor y Dwight Frye como el jorobado Igor, que le secunda en sus experimentos.

Preparando a Boris Karloff, el especialista maquillador Jack Pierce, que creó las máscaras más horripilantes del cine de terror.

Entrando al set de rodaje, el mismísimo monstruo del doctor Frankenstein.

Uno de los escenarios que simulan un cementerio. Excavan los actores Colin Clive y Dwight Frye.

La exquisita estética del director James Whale, acentuada en el vestido de novia que usa Mae Clarke, aquí visitada por el monstruo.

___ Al momento, "Universal" vuelve sobre el género madre, con una extraordinaria adaptación de :"Frankenstein" ( 1931) sobre la novela de Mary Shelley, en una acabada transcripción estética del director James Whale.
Será la segunda gran película de monstruos de los albores del sonoro, y una de las más logradas.
La maldad no existe en el ser armado de restos de cadáveres interpretado por Boris Karloff, aunque se subentiende que la cordura en este personaje, está ausente desde que Frye destruyera el cerebro inteligente y lo sustituyera por uno defectuoso.
Whale se recrea en la conciencia precaria naciente del monstruo.
Encantado con el juego de la pequeña Marilyn Harris, que se divierte lanzando al agua margaritas en flor, Frankenstein no perderá el tiempo para "probar" si la niña también puede flotar.
Para su infortunio, el pueblo le perseguirá hasta quemarlo en un molino enclavado en un mirador sinuoso y accidentado.
Whale se entusiasma tanto con la historia, que opta por acentuar los momentos de climax, con una ironía rayana en la locura.
La mezcla de culturas tiene su cenit, en la secuencia de la persecución y la posterior "crucifixión" del monstruo.
Whale integra acentos bávaros con bailes tiroleses, mientras a la criada Una O"Connor se le escuchan diálogos en alemán.

Claude Rais como "El Hombre Invisible". Grandes efectos visuales de John. P. Fulton.

___ En la tercera gran película de monstruos, la "Universal" optará por el libro de H.G.Wells, "El hombre invisible" ( 1933), con Claude Rains en su papel revelación, aunque no le vemos el rostro en todo el metraje hasta el desenlace.
Dwight Frye que fue esclavo del vampiro chupasangre y sádico jorobado torturador en Frankenstein, se debe contentar con un pequeño papel de periodista.
Una O"Connor está estupenda, como la administradora de la pensión donde va a parar Rain.
Hay en su personaje, todo el nervio y la diversión de la fiesta de Halloween.
En un momento grita como loca, para después aclimatarse a los ritmos de la persecución de la policía, tras los pasos en la nieve del ambicioso científico invisibilizado por obra y gracia de su descubrimiento.
Los efectos visuales de John P.Fulton, merecen un aplauso.
Si se considera la época, logra un realismo avasallador, sobretodo cuando escapa de su cautiverio montado en una bicicleta.
"Aquí lo grotesco no es psicológico, sino científico, aunque el filme pulsa una nota profética en su punto de vista, de que la química no sólo altera la materia sino también el carácter. Rains cuyos experimentos lo han vuelto terminalmente invisible, es como un moderno adicto a la cocaína, inestable y asesino, que intenta un débil chantaje defensivo, un descarrilamiento ferroviario porque sí, mientras baila por un campo cantando "Here We Go Gathering Nuts in May". Este es Whale en la cumbre de su creatividad, la influencia mitigadora en un amargo y tenebroso ciclo".

Boris Karloff caracterizado para "La Momia".

En esta escena con la actriz Zita Johann, que hizo escasas películas, aunque resaltó vestida a lo egipcia.

Karloff en un escenario que simula un templo.

Leyendo sus diálogos en el guión de la película.

___ Más adelante, le llegará el turno a "La Momia"( "The Mummy", 1933), con David Manners como el elegante chiquillo, prendado de Zita Johann y Karloff asumiendo el rol del revivido sacerdote egipcio.
La recreación de Karl Struss ( en la vida real, el camarógrafo de Whale y su entrañable pareja ), es perfecta, aunque notamos la simulación de unos paisajes reconstruídos en estudio.
Toda la primera parte, con el ataque de la mole es notable y mantiene la tensión, utilizando únicamente la insinuación del "fuera de campo".
Más romántica es la segunda etapa, donde la Johann luce sus facciones algo adrógenas, en medio de un museo oscuro y barroco.
De todos los monstruos de la productora, La Momia deberá esperar hasta los años cuarenta, para conocer un nuevo ciclo B, que repercutirá décadas después en unos remakes, que aprovecharán la tecnología de efectos visuales por computadora.

"El Gato Negro" : Lugosi y Karloff se enfrentan primero en el tablero de ajedrez.

En la adaptación de "El Cuervo" de Edgar Allan Poe, Lugosi amenaza a Ian Wolfe, Irene Ware, Lester Matthews e Inez Courtney , muentras observa Boris Karloff.

En "La Novia de Frankenstein", Colin Clive debe volver al laboratorio para salvar su vida.

En la película, la ironía del director James Whale daba para todo. Vean como Ernest Thesinger cena con el monstruo, sobre un ataúd y un esqueleto. Hay humor macabro para gustos salados.

___ Los siguientes filmes "Universal", recorrerán a Edgar Allan Poe y autores más modernos que abrirán una sólida faceta para la perversidad, los elementos de la ciencia ficción y los artefactos de la tortura, en películas como : "El gato negro" ( "The black cat", 1934 ) de Edgar G.Ulmer, "El Cuervo"( "The Raven", 1935) de Lew Landers y "El rayo invisible"( "The invisible ray", 1936) de Lambert Hillyer.
Los monstruos serán caracterizados indistintamente por Lugosi y Karloff, para erigir contundentes metáforas sobre la guerra y el exterminio suicida, producto de las ambiciones en la búsqueda de imitar a la Naturaleza y a Dios.
Se estrenará el título cumbre del ciclo : "La Novia de Frankenstein" ( "The bride of Frankenstein",1935) de James Whale, para muchos, la mejor de todas las películas de horror de los míticos estudios.
Se trata de una original secuela con tres personajes auténticos - la escritora, su hermano y Lord Byron, que aparecen en el prólogo- y una representación faunística sólo comparable a los "muertos vivos" de George A.Romero, para extender las ramificaciones del mito : "le da nutriente de sexo, lleva la discusión hacia terrenos filosóficos, e introduce un nuevo personaje, el maligno doctor Pretorius, sobre cuya herencia, tres décadas después, Peter Cushing amplificaría al creador del monstruo".

Ernest Thesinger, Elsa Lanchester y Colin Clive en "La Novia de Frankenstein".

En la secuela, los escenarios son barrocos, amplios y sombríos.

El primer encuentro de Una O"Connor con el monstruo, es terrorífico y divertido.

Elsa Lanchester como la novia del monstruo, junto a Colin Clive y Ernest Thesinger.

La amistad del monstruo con un violinista ciego, resulta instructiva pero frustrante.

El legendario director James Whale, aparece junto al actor Ernest Thesinger, su "alter ego" en el filme.

Imitando el graznido de un cisne y con un peinado faraónico, la actriz Elsa Lanchester en "La Novia de Frankenstein".

___ La actriz británica Elsa Lanchester, logra su rol emblemático como Mary Shelley y también como la "encarnación perfecta" de la novia del monstruo.
Graznando como un cisne, con un peinado faraónico y unas tules largas como si flotara, asume la doble condición de Diosa creadora y engendro, en el relato más atrevido de todo el conjunto.
Profundiza en la conciencia del monstruo, jibariza los espacios para la exaltación dramática y adiciona secundarios impagables, que son parte antológica de los grandes personajes del cine terrorífico de siempre.
Ernest Thesinger es el modelo arquetípico de los mad doctors, que llega a compartir el vino y los puros con Frankenstein, porque a él, tampoco le gustan los vivos.
En este personaje se refleja la ambigüedad sexual de Whale, que vierte toda su escatológica insinuación homoerótica, con refinados diálogos y contundentes reflexiones fetichistas. Pero hay más.
Un violinista ciego que se hace amigo del monstruo y le enseña a pronunciar palabras humanas : "Good", "Friend", "Bad"; y una "novia" que resulta ser la antítesis de todos los engendros creados por la productora.
Lanchester encandila con su atrevido personaje, para denostar la propia existencia de Karloff, que opta por salvar a la pareja del relato y morir con los demás villanos en el sombrío castillo.
La reflexión final del cuento gótico, alcanza ribetes existencialistas. Ya no es el horror de la creatura lo que interesa, sino el absoluto desquiciamiento del genio creador, intentando imitar a Dios.

"El hombre lobo en Londres" : Henry Hull en su fantástica transformación.

En un duelo mortal con Warner Oland.

Henry Hull aparece un hombre normal antes de las transformaciones bestiales.

En "El Hombre lobo", Lon Chaney Jr. ceñido a una máscara con piel de yakat. La chilena Evelyn Hankers es su víctima.

Bela Lugosi como el gitano que contagia a Lon Chaney Jr.

En "La Hija de Drácula" : Otto Kruger y Gloria Holden.

Gloria Holden subraya su ambigüedad y tragedia, evitando observar la cruz cristiana.

___ Después, "El Hombre lobo en Londres" ("Werewolf of London", 1935)de Stuart Walker, renovará la leyenda del "Hombre lobo", con la novedosa idea de dos científicos que compiten por hallar una rara flor en el Tíbet.
Aunque se toparán con la maldición de una bestia de los tiempos remotos.
En efecto, Henry Hull es americano y Warner Oland es japonés, y ambos están "envenenados" con el poder mágico que, en noches de luna llena, los transforma irremediablemente en animales salvajes.
Pero hay una chica, Valerie Hobson - la de "Frankenstein"-, que lucha por amor a su pareja, aunque verá derrumbarse sus propósitos, una vez depositados los intereses reales del científico respecto a la materia.
La licantropía será tema recurrente de los estudios y conocerá un nuevo desplazamiento más clásico, en "El hombre lobo" ("The Wolf Man", 1940) dirigida por George Waggner con Lon Chaney Jr.
En "La hija de Drácula" ("Drácula Daughter", 1936) de Lambert Hillyer, se cuestiona la línea genérica del monstruo, para traspasar la maldad familiar a una condesa húngara, interpretada por la inexpresiva y distante Gloria Holden, que se atiende con un psiquiatra de estirpe, que es astuto y galante,- el inefable Otto Kruger-.
La historia juega con las confusiones atemporales y sexuales y se vuelca por un tono de comedia negra nada de banal.
Hay momentos lésbicos atribuibles al origen de la chupasangre, pero también una agresiva apropiación de las teorías freudianas.
Toda la película es una insubordinación al espíritu de los clásicos. Un gusto por modernizar el mito de los vampiros machos, en la búsqueda de chugulares femeninas.
Sin temor a equivocarnos, se nos presenta como el primer soplo de feminismo dentro de la estructura de la narrativa gótica clásica.

En "La Torre de Londres", Karloff es un sádico torturador que se divierte estirando los cuerpos de sus víctimas.

Mientras que Basil Rathbone interpreta al Rey Ricardo II, más malo que el natre.

En "El hijo de Frankenstein" destacan los actores secundarios, como el pequeño Donnie Dunagan y su doncella, Emma Dunn.

___ Después se insistirá en el género terrorífico, con las secuelas, utilizando los mismos personajes : Drácula, Frankenstein, La Momia, El Hombre Invisible y El Hombre lobo, a expensas de agotar el ciclo con una reunión de monstruos para beneplácito de las audiencias.
También habrá sendos remakes que no se agotan hasta nuestros días, con los clásicos "El jorobado de Notre Dame" y "El Fantasma de la Opera".
Cabe consignar que, a fines de los años treinta, aparecieron dos valiosas películas, que replican la ansiedad por convertir al género en algo muy digno : "La torre de Londres" ("Tower of London", 1939) y "El hijo de Frankenstein" ( "Son of Frankenstein", 1939), ambas dirigidas por el solvente artesano Rowland V.Lee.
En la primera, Boris Karloff alucina como un siniestro torturador que se deleita en su trabajo estirando el cuerpo de sus víctimas, mientras Basil Rathbone como Ricardo III, va retirando piezas de su juego de ajedrez, mientras destruye a sus enemigos.
El olvidado Rowland V.Lee, efectúa una revisitación del terror desde la simbiosis del drama shakespereano y el cruce estético del horror cinematográfico, para trascender con una mirada contundente sobre la guerra y la tortura.
Hay además, una notable variedad de aspectos estilísticos que la convierten en una pequeña obra maestra, con una primigenia aparición del recordado Vincent Price.

"El Hijo de Frankenstein" : Bela Lugosi en el cementerio de estudio.

En la citada película, Lugosi con Basil Rathbone, mientras el monstruo dormita.

En "Frankenstein y el hombre lobo" : Lon Chaney Jr. es el hombre lobo, Bela Lugosi el monstruo y la hermosa Ilona Massey la condesa y esposa del doctor.

Arriba en las alturas en "El Fantasma de la Opera", el versátil actor Claude Rains.

Julia Adams luchando con Ricou Browning en : "El Monstruo de la laguna negra".

___ Por su parte en: "El hijo de Frankenstein", Rathbone se transforma en el heredero de la maldición del científico, que trata de ganarse el afecto del pueblo para recibir el repudio, aunque sostendrá una nueva lucha contra el monstruo revivido de su padre.
Hay escenas antológicas, que resumen bien el estilo de Lee como director consumado.
Un castillo lleno de corredores en altura y escaleras perdidas, donde el pequeño Donnie Dunagan imitará a la mole, mientras su nodriza Emma Dunn intentará salvarle al último momento.
Pero también está la elegante Sra.Frankenstein,- Josephine Hutchinson-, bella y sufrida mujer, que doblegará el destino, para sopesar la seguridad legítima de su hijo y de su marido.
Otra vez la dupla Karloff-Lugosi destacará en una historia amena, divertida y terrorífica, siempre alucinante y original.
Hasta ahí, la primera gran etapa del ciclo de películas de terror "Universal" que ilustrará gran parte de las ansiedades y temores más recurrentes de la sociedad de entreguerras.
La segunda etapa, florecería con extensiones y cocteles de monstruos, en la línea de: "Frankenstein y el hombre lobo" ( "Frankenstein meets the Wolf Man", 1943) de Roy William Neill, y "House of Frankenstein" ( 1944) de Erle C.Kenton.
También los estudios "Universal" readaptan uno de sus éxitos mudos y lo convierten en un soberbio espectáculo, para lucimiento del Technicolor, el horror gótico y la música en : "El Fantasma de la Opera" ( "The phantom of the Opera", 1943) de Arthur Lubin, donde se lucen: Nelson Eddy, Suzanne Foster y Claude Rains.
Para culminar con una tercera etapa, inaugurada con el éxito de: "El Monstruo de la laguna negra" ("Creature from the black lagoon", 1953); "Tarántula" ( 1955) y "El Increíble hombre menguante" ( " The Incredible Shrinking man", 1957), todas dirigidas por el experimentado Jack Arnold.


Resucitando Mitos :
Los Monstruos de la Hammer.

Frontis de los estudios Bray Film de la Hammer donde se rodaron todos los clásicos de terror con Peter Cushing y Christopher Lee.

En "La Maldición de Frankenstein", Christopher Lee horrosamente maquillado como el monstruo.

___ La productora inglesa Hammer, a mediados de los años cincuenta, compró los derechos de las obras que adaptó la Universal en los años 30-40, con el objetivo de darle una vuelta de tuerca a los mitos del horror y revivir el buen gusto por el género.
Desde un principio, su perspectiva fue muy clara y se solventó en el buen quehacer de realizadores como : Terence Fisher, Freddie Francis, Roy Ward Baker, Don Sharp, Val Guest y John Gilling.
Los "Bray Studios", donde la "Hammer" rodó sus obras maestras, estaba conformada por dos formidables predios de concreto, al final del km 18 en el condado de Bray, próximo a Maidenhead, en las afueras de Londres.
En un principio, la producción estaba basada en dramas populares de radio, y a partir de 1954, se dedicaron al género de la ciencia ficción y del terror, cuando rodaron un suceso de la BBC: "El experimento del Dr.Quatermass" ( "The Quatermass Experiment").
Después readaptaron los personajes de Mary Shelley con : "La Maldición de Frankenstein" ("The Curse of Frankenstein", 1957) de Terence Fisher, con Christopher Lee y su metro 93 cms de altura, transformado en el monstruo y Peter Cushing, como el científico obsesionado con dar vida a cuerpos inertes.
La renovación fue evidente.
Terence Fisher y el guionista Jimmy Sangster, le dan mayor énfasis al conflicto interior del Barón Frankenstein, que aparece como un ser malvado y victimiza al monstruo, revelando la faceta más corrompida de la raza humana.
Sin duda, las escenas de creación del monstruo y de los asesinatos, compiten en elocuencia con algunas pinceladas de humor grotesco, un gore chocante y un atrevimiento a sugerir lo sexual, que incomodó a la censura de su época.
El filme se convirtió en un tremendo éxito en la taquilla de todo el mundo.
La "Hammer" instituyó un estilo, en base a correr riesgos y solventar el uso del color, como un elemento simbólico de calculados efectos emocionales.

En "La Maldición de Frankenstein" se insiste en los transplantes de cerebros.

Mosaico con escenas de "La Venganza de Frankenstein".

En "Frankenstein creó a la mujer" : Peter Cushing y la estupenda Susan Denberg.

___ De esta experiencia exitosa, saldrán las secuelas posteriores como : "La Venganza de Frankenstein" ("The Revenge of Frankenstein", 1958), "curiosa y truculenta obra que introducía una nueva variante : el cerebro que el doctor Frankenstein se hacía transplantar a otro cuerpo por su ayudante, era para escapar de la acción de la justicia".
El genial director inglés, volvería sobre el mismo personaje en otras tres ocasiones.
La siguiente vez, se utilizó el título como una simpática respuesta al filme francés "Y Dios creó a la mujer", pero en clave de terror y fue : "Frankenstein creó a la mujer" ("Frankenstein created woman", 1966), donde Peter Cushing le dió vida al científico, una vez más, pero ahora con la idea de revivir una exquisita creatura, interpretada por la sensual Susan Denberg.
El filme volvió a tener una cantidad de ideas singulares, respecto al uso del color, la tensión en base a los climaxs, el erotismo para amplificar los momentos decisivos y el equilibrio entre los instantes más truculentos con los más terroríficos.
Después rodó :"El cerebro de Frankenstein" ("Frankenstein must be destroyed", 1969) que "presentaba escenas especialmente antológicas y reincidía ante todo en los trasplantes de cerebros".
Culmina Fisher el ciclo, con "Frankenstein and the monster from hell" ( 1973), donde Peter Cushing supervisa un hospital siquiatrico y se vale de sus pacientes para efectuar nuevas experimentaciones.
El monstruo vuelve a ser interpretado por el gigantesco Dave Prowse - que ya lo repitiera en "El horror de Frankenstein"( 1970) de Jimmy Sangster-, y que más tarde se haría famoso como Darth Vader en el ciclo de "Star Wars".

La silueta del vampiro.

Posesionando a sus primeras víctimas.

La mirada maléfica despúes de morder a su víctima.

Peter Cushing como Val Hensing, alejando el ataque con la cruz de Dios.

Con una de sus víctimas en su castillo barroco.

___ En el caso específico de "Drácula" ( "Horror of Dracula", 1958), la reivindicación llegó de la mano de Christopher Lee - ahora en rol estelar-, y el extraordinario, Peter Cushing. Ambos compondrían una magnífica dupla como Lugosi-Karloff.
Detrás de los caballerosos modos y del atractivo sexual de Lee por las mujeres jóvenes, se esconde una maldad subterránea, que también puede ser una amenaza para toda una comunidad.
Fisher transformó al vampiro en una figura seductora, un animal que podía ser rabioso y feroz con sus víctimas como amoroso y sensual.
La mordida del chupasangre "puede transformar una mujer pía y frustrada en un ser lujurioso".
En "Drácula, príncipe de las tinieblas" ( "Drácula, prince of darkness", 1965) dirigida por Terence Fisher, que es la mejor del conjunto, "cuando él se descubre el pecho y lo rasga con la uña para que caiga sangre, lo que busca es la felación vampírica de otra mujer".
Además, en todas las estocadas perpetradas para matar a los engendros, lo que existe verdaderamente, son penetraciones fálicas sugerentes y simbólicas que anteceden los climaxs más evidentes.
Pero lo realmente sorprendente, es el ingenioso punto de partida que tiene la película.
Un grupo de veteranos de una villa cercana, transportan el cuerpo de una joven doncella en las inmediaciones de un bosque, para clavarle una estaca.
Hay una mujer que es la madre de la víctima, que intenta detenerles, pero no lo consigue, hasta que aparece un sacerdote montado en caballo, que prohibe tal herejía, pues se nos "informa" que, hace diez años que no se reproducen los hechos sangrientos, cuando Val Helsing detuvo a Drácula en su propio castillo.
Un nuevo cut, la escena se concentra alrededor de una posada, hasta donde llegan dos parejas de viajeros. Ambos matrimonios, se convertirán en el leit motiv del conflicto interno del nuevo relato, acomodado a los supuestos de la resurreción del vampiro.

En "Drácula: el príncipe de las tinieblas": Christopher Lee se transforma en un vampiro poderoso.

En el sueño de los inmortales.

En "Drácula vuelve de su tumba" se extrae una estaca y revive para gloria de sus fans.

___ En el intertanto, aparece el sacerdote crispando a los habitantes del lugar por colgar ajos y mantener el terror cuando ya ha desaparecido.
Integrado a la conversación de los afuerinos, el párroco les advierte que eviten a toda costa visitar Carlsband y su castillo, que está presumiblemente abandonado.
El les invita al monasterio de Klansberg, que queda a distancia, pero los cuatro viajeros insisten en visitar las inmediaciones del lugar prohibido.
Hasta este momento no hay sombra de Lee y su capa infernal, pero Fisher acomoda la situación con tal efecto, que ya tiene absortos a los espectadores con cuatro viajeros, que desobedecen todas las órdenes para introducirse en la boca del lobo.
El nacimiento de Drácula-Lee es excepcional. Una especie de misa ritual con un joven vasallo, que acondiciona sobre el techo de una buhardilla, un cuerpo, lo desangra sobre las cenizas del vampiro y en una secuencia prodigiosa de sobreimpresiones y efectos de humo, consigue revivir al monstruo con toda su fuerza maligna.
Simplemente estamos frente a la obra cúlmine de la "Hammer", dedicada a "Drácula" y que se caracteriza por su desenfrenado ritmo, su ingeniosa manera de enfocar el suspenso, y su desgarradora pugna entre Dios y la Muerte.
En toda la saga de Lee-Cushing, la lucha es atroz y vertiginosa. Esa fuerza instintiva de supervivencia del vampiro, que muere frente a la cruz y que aúpa los colgajos con ajo y se desvive por la sangre de vírgenes, se manifiesta en toda la nueva resurrección de monstruos consagrados al espectador moderno, que ya soporta lo soez, lo impúdico y la corrupción como parte de su vida.

En "Drácula vuelve de la tumba" aparece con Veronica Carlson.

Veronica en otra secuencia del filme en el coche del vampiro.

___ En "Drácula vuelve de la tumba" ("Dracula, has Risen from the grave", 1968) de Freddie Francis, Lee por primera vez, pronuncia diálogos inflexibles de mandato, después que ha poseído a un sacerdote de un condado vecino, que en un accidente le ha revivido sin desearlo.
La trama gira en torno a la venganza que desplegará el vampiro, contra los familiares de un obispo de una ciudad vecina, que ha exorcizado sus dominios clausurando el castillo con una gran cruz de bronce.
Francis acelera los ataques, complejizando las relaciones internas de sus personajes y manteniendo los climaxs con sorpresas espeluznantes y sensualidad elocuente.
El uso del color, le permite además, acentuar la estética gótica y asimilar convenientemente los orígenes fantásticos del relato.
Habrá más secuelas dedicadas al personaje de Bram Stoker, pero nunca a la altura de estas versiones efectuadas por la "Hammer".

Peter Cushing y su cucalón, tal como apareció en "La Momia".

Luchando contra la bestia en una escena antológica.

Christopher Lee como el sacerdote egipcio que idolatra a la princesa Ananka.

Las distancias que aumentan la altura de Lee, respecto al actor George Pastell.

Pastell no contaba con que, la señora de Cushing se pareciera demasiado a la princesa y la Momia se le rebelara.

La magnífica transmutación de Lee, como la mole egipcia resucitada.

___ Otro monstruo revivido por la productora inglesa, será "La Momia" ("The Mummy", 1959), también dirigida por Terence Fisher.
La historia insiste en la incansable búsqueda de los arqueólogos tras el tesoro de la Princesa Ananka. Todas las escenas que recrean a Egipto en el siglo XIX, fueron reconstruídas en el estudio, lo que permite a Fisher incorporar la simbología del color y manejar rigurosamente todos los espacios de la puesta en escena.
Gran profusión de verdes, hay en las secuencias que simulan la tumba de la doncella, y rojos anaranjados existen en las apariciones nocturnas de la Momia.
Peter Cushing que está en su mejor forma, simula cojera, y logra eclipsar a los actores más veteranos por una tensión interior, que sólo estalla cuando debe enfrentarse para salvar su vida con la mole.
Yvonne Furneaux está exquisita y es una de las bellezas clásicas de la "Hammer" aunque su papel pasa por decorativo y es menos sexual que otras actrices de la misma productora.
Christopher Lee se desvive como la mole, entre medio de colgajos, barro y máscaras que simulan el sufrimiento del castigo por sus tentaciones amorosas. El es la Momia y logra equiparar versatilidad con su imponente presencia.
George Pastell, actor cipriota radicado en Inglaterra, interpreta a Mehemet Bey, que revive con "el pergamino de la vida" a Lee.
Está en su mejor papel, aunque volvió a ser de egipcio, en una secuela : "The Mummy"s Tomb" ( 1964).

Mosaico de "Las dos caras del Dr.Jekyll".

"La maldición del hombre lobo" : Oliver Reed transformado en bestia.

___ De todo el ciclo, resultará más arriesgada su revisitación de los monstruos : "Las dos caras del Dr.Jekyll" ( "The two faces of Dr.Jekyll", 1960) y "La maldición del hombre lobo" ("The Curse of Werewolf", 1961), ambas dirigidas por Terence Fisher.
Las dos películas resumen muy bien el espíritu innovador de la productora inglesa.
En la primera, "la transformación libera todos los deseos y perversiones reprimidos en Jekyll, pero dando lugar, nó a un sádico de aspecto repugnante, sino a un joven tan seductor como depravado", interpretado por Paul Massie.
Hay un cruce con "El Retrato de Dorian Gray" y también una irónica manera de recrear al individuo de doble personalidad, no siempre efectiva, pero sí muy estimulante.
En la segunda película,- la única versión que efectuaron del mito licantrópico-, Oliver Reed se transforma en medio de una tormentosa relación romántica, que tiene a su favor, la valorización del maquillaje, la estimulante narrativa y el primer papel importante para un gran intérprete.
En resumen, el trabajo productivo de la Hammer, influenció de manera directa a especialistas como el director italiano Mario Bava y el realizador americano Roger Corman, que labraron sus propios cuentos cinematográficos en la serie B, con el rigor estético de la casa inglesa.
Sin duda, la casa inglesa convirtió a los grandes clásicos literarios en valiosas obras del cine, que podemos disfrutar hoy día, con la magia del disco láser.

Obra maestra :
Un Istmo de la "British Lion".

Paganismo religioso, culturas célticas y terror, caracterizan la obra.

Britt Ekland es una musa erótica, que atrapa con sus encantos, al pobre desdichado protagonista.

Edward Woodward es un policía virgen e ingenuo, que cae en una trampa de proporciones maléficas.

Christopher Lee en el sacrificio ritual, junto al "hombre de mimbre".

___ De todas estas obras entrañables del cine de terror inglés, hay un título de una pequeña productora : "British Lion", que para estas fechas, no podemos dejar afuera.
Se trata de un istmo maestro titulado : "El hombre de mimbre" ( "The Wicker Man", 1973) dirigida por Robin Hardy, tal vez el título más significativo de la "British Lion" en los años 70.
El relato confronta el paganismo religioso con la fé cristiana escocesa, para mostrar las desventuras de un policía devoto y virgen ( Edward Woodward), en una isla que cultiva las tradiciones populares, el erotismo, la doctrina neovictoriana y las leyendas druidas.
Cuento céltico de resultados telúricos, mantiene incólume la impronta de reflejar a una organización fetichista dirigida por un lord terrateniente ( Christopher Lee), entre engaños y brujerías sexuales, y que mantiene su tremenda fuerza visual, gracias al magnífico reparto que completan las exquisitas actrices: Diane Cilento, Britt Ekland e Ingrid Pitt.
Debido a la inteligente narrativa de Hardy, "El hombre de mimbre" es una película de terror, llena de sugerencias metafóricas y ambigüedades que desacomodan al espectador y no lo sueltan hasta el sorprendente desenlace.
Por cierto, es uno de nuestros filmes de horror favoritos. Muy Recomendable.

La Nueva Era del Terror :
Muertos Vivos y Asesinos en Serie.

El inicio de la saga de George A.Romero "La Noche de los muertos vivientes", fue en blanco y negro.

La propiedad más conocida del cine de terror : el Hotel Bates de "Sicosis".

___ "La noche de los muertos vivientes" ( "Night of the living dead", 1968) de George A.Romero, reconstituyó al cine de terror moderno y abrió una nueva veta que habrían de explotar en años venideros, realizadores de la talla de: Wes Craven, John Carpenter, David Cronenberg y David Lynch.
Cada uno ampliando los registros del gore a desparpajo de la censura, y administrando las angustias y aprehensiones de los tiempos modernos en razón de nuevas historias y creaturas.
El gore mezclado con los efectos del grand guiñol, demostraron que podían ser elementos rentables, a la hora de incentivar al público para que acudiera a las salas.
Títulos como : "Halloween", Pesadilla", "Martes 13", "La última casa a la izquierda", "La Matanza de Texas", "Ellos viven!", vinieron a prorrogar el encanto del mejor Hitchcock, surgido de una película modesta : "Psicosis" ( 1960), que nació para la televisión, pero que el realizador tuvo que efectuar para el cine, en momentos de una crisis personal.
Fue un feliz accidente atribuible al destino, aunque debió soportar la polémica de cierta prensa, que se desvió de los resultados contundentes del filme, para destacar la bazofia de los lugares comunes al género.
Incluso hubo críticos que juraron haber visto cuchilladas sangrientas en el cuerpo de Janet Leigh bañándose en la ducha, cuando en realidad, todo estaba inteligentemente montado por Hitchcock, sin mostrar jamás una estocada.
Si "Psicosis" a su modo, inauguró una nueva vertiente de "psichokillers" en el género del horror y recuperó para las fans, la figura de Anthony Perkins; entonces, "La noche de los muertos vivientes", demostró que, el cine barato también podía ser inteligente, innovador y original.

Zach Galligan en : "Gremlis".

Depredador y Alien jugando ajedrez.

___ De la nueva Era del cine de terror, quedan los monstruos más populares y reconocibles a través de sus películas.
Desde la amenaza en Amytyville de un escualo gigantesco, en "Tiburón" ("Jaws", 1975) de Steven Spielberg, que puso en práctica las primeras técnicas del marketing en momentos de crisis financiera; hasta el renacimiento de "La Mosca" ("The Fly", 1986) de David Cronenberg, que ya había inspirado una notable versión en 1958 y algunas secuelas freaks.
Del mismo modo, se produjo la resurrección de "King Kong", en dos versiones de distinto calado, con Jessica Lange y Naomí Watts, como las hermosas rubias codiciadas por el rey simio.
Gracias al avance en paralelo de la tecnología de efectos visuales, se hicieron más sorprendentes, las creaciones de seres malignos y amenazas apocalípticas a la Humanidad.
En un momento determinado, se estableció que cualquier relato puede ser adaptado sin mayores inconvenientes.
Además, surgieron las pesadillas posmodernas, alambicadas en la prosperity de la vida americana que profesaba la política conservadora de Reagan, con "Gremlins" ( 1991 ) de Joe Dante y que se burlaba del consumismo navideño, y sus remedos alternativos de menor estola como: "The Critters" y "The Ghoulies".
A la figura mortífera de "Alien" ( 1977) de Ridley Scott, toda una novedosa concepción del universo cósmico terrorífico, se vino a unir la terrible figura de: "Terminator" ( 1984) de James Cameron; "Depredador" ( 1987) de John McTiernan y "Robocop" ( 1987) de Paul Verhoeven, a su manera, nuevos "monstruos del sci fi", mejor recibidos entre la audiencia, que entre la crítica internacional.

"El Silencio de los inocentes" : la destrucción demente encarnada con el rostro de Anthony Hopkins.

"Sexto Sentido : el fenómeno parasicológico con Haley Joel Osment.

"El Orfanato".

___ Más allá del escapismo comercial, el cine B de terror se asentó con nuevas lecturas sobre la sacralización del sistema capitalista, tan evidente en la constatación del universo de George A. Romero y sus "Muertos Vivientes".
Toda la aberración mental de una sociedad en ciernes, vino a retratarse con mayor desencanto y horror en: "El Silencio de los Inocentes" /"El Silencio de los corderos" ( "The silence of the lambs", 1991) de Jonathan Demme, un nuevo viraje hacia el cine psicológico de horror y suspenso.
Por esa senda, se concentraron enfermos sicopáticos, seres paranormales y esquizofrénicos, que vinieron a reflejar otro de los sesgos del mundo moderno : la infinita soledad del hombre en tiempos de alta tecnología.
Otro título señero fue : "Los siete pecados capitales" ( "Seven", 1995) de David Fincher, que acentúo el terror en un relato de complejas ramificaciones bíblicas. Por otro lado, también reflotaron los fantasmas, las almas en pena, las posesiones, los muñecos infernales y las maldiciones familiares y comunitarias, atribuíbles a un destino incierto, como en : "Ellos viven" ( 1974); "The Amityville Horror" ( 1979); "El Ente" ("The Entety", 1982); "Poltergeist" ( 1982 ), "Los hijos del maíz" ( "The Children of Corn", 1984),); "La Niebla" ( "The Fog", 1980); "Cujo" ( 1983); "Los Creyentes" ( 1987); "Chucky, el muñeco diabólico" ("Child"s play", 1988), "Cementerio Maldito" ( 1990); "It" ( 1990); "Ecos Mortales" ( 1997); "La leyenda del jinete sin cabeza" ( 1999); "Sexto Sentido" ( "The sixth sense", 1999); "Los Otros" ( 2000), "Angel Negro" ( 2000); "13 Fantasmas" ( 2002); "La Aldea" ( The Village", 2004); "El exorcismo de Emily Rose" ( 2005); "Actividad paranormal" ( 2007); "The Attic" ( 2007); "El Orfanato" ( 2007); "Espejos sinisetros" ("Mirrors", 2008); "Invocando espíritus" ("The Hauting in Connecticut", 2009); "Demonio" ( "Insidious", 2010); "Estan vivos" ("It"s alive", 2010); "The Innkeepers" ( 2011); "Mamá" ( 2012); "La dama de negro" ("The Woman in Black", 2012); "Siniestro" ("Sinister", 2012); "El Conjuro" ( 2013); "Exorcismo en Georgia" ( 2013); "El heredero del diablo" ( 2014) y "Annabelle" ( 2014).
Hay ataques mortíferos de demonios invisibles en: "El Auto" ("The Car", 1977) y "Christine" ( 1983 ) y superhéroes surgidos de la noche oscura, como: "Hellraiser" ( 1987); "Darkman" ( 1990), "La Sombra" ( 1994), "Hellboy" ( 2004), "V de Venganza " ( 2006) y "Ghost Rider" : Espíritu de Venganza" ( 2011).

"Entrevista con el vampiro" : Tom Cruise entre llamas.

"Guerra Mundial Z" : la epidemia zombie a escala mundial.

___ También se revitalizó, el tema del vampirismo desde el punto de vista cotidiano, con la magnífica y subvalorada "Martin" ( 1977), antecedente directo de las más hiperquinéticas y modernas: "Nosferatu" ( 1979); "La Hora del espanto" ("Fright Night", 1985); "Generación Perdida" ( "The lost boys", 1987); "Drácula" ( 1992); "Entrevista con el vampiro" ( "Interview with the vampire", 1994); "Vampiros en Brooklyn" ( "Vampire in Brooklyn", 1995); "Del Crepúsculo al amanecer" ( "From Dusk Till Dawn", 1996); "Vampiros" ( "Vampires", 1998 ) ; "Santa Sangre" ( 2002); "Cirque du Freak : El Aprendiz de Vampiro ( 2009); "Déjame entrar" ( "Lat Den Rätte komma in", 1998 /"Let Me in", 2010); "Tierra de vampiros" ("Zombieland", 2010); "Guerra Mundial Z" ( "World War Z", 2013) y "Drácula : Untold" ( 2014).
Y aparecieron los monstruos freak de Troma Inc., como: "El Vengador tóxico" ("The toxic Avenger", 1984 ) y "Un monstruo en el closet" ("Monster in the closet", 1986 ).
Y los grandes saurios a la escala de "Parque Jurásico" ( "Jurassic Park", 1993); "Godzilla" ( versiones americanas de 1998, 2000 y 2014) y "Titanes del Pacífico" ( Pacific Rim", 2013).
Como para revisitarlos en futuras entradas y con más detenimiento.

Imagen icónica de "El Exorcista" con Max Von Sydow.

"La Profecía" Damien el hijo del demonio.

"Maléfica : Angelina Jolie todavía con sus alas.

___ Se hizo norma común, retratar temáticas relativas a las fuerzas sobrenaturales como en : "El Exorcista" ( "The Exorcist", 1973), "Carrie" ( 1975) , "El Resplandor" ( "The shining", 1980), "La Zona Muerta" ( "The dead zone",1983); "Candyman" ( 1992); "La Ultima Puerta" ( "The Ninth Gate", 1999); "La Célula" ( 2000); y "Oculus" ( 2013); los pactos con el demonio y las situaciones reñidas con la muerte, como en : "La semilla del diablo" ( "Rosemary"s baby",1968); "La Profecía" ( "The Omen", 1976); "La séptima profecía" ( "The seventh sigh, 1988); "El día de la bestia" ( 1995); "Identity" ( 2003); "Los Testigos" ("The Gathering", 2003); "La Protegida del Mal" ("Harms"s Way", 2007); "La Huérfana" ("Orpham", 2009); "Después de la vida" ("After Life", 2009); "Caso 39" ( 2009) y "The Uninvited" ( 2009); los relatos de brujería como : "Las brujas de Eastwick" ( "The Witches of Eastwick", 1987); "La maldición de las brujas"/ "Brujas" ( "The Witches", 1990); "El proyecto de la Bruja Blair" ( "The Blair Witch Project, 1999); "Espejito, Espejito" ( Mirror, Mirror, 2012); "Maléfica" ("Maleficent", 2013) e "Into the Woods" ( 2014) y la licantropía como en : "El Aullido" ( "The Howling", 1980); "Un hombre lobo americano en Londres" ( "An American Werewolf in London", 1981); "La marca de la pantera" ( "Cat People", 1981); "Lobo" ( "Wolf", 1994); "Pacto de los lobos" ( "Brotherhood of the Wolf", 2001) y "El hombre lobo" ( "The Wolfman", 2010 ), entre muchísimas otras.
Apareció la amenaza de los telépatas, en películas tan significativas como : "Carrie" ( 1976) y "La Furia" ( "The Fury", 1978) ambas de Brian de Palma; y "Scanners" ( 1981) de David Cronenberg.
También irrumpió con fuerza, la expansión del cine de terror japonés, gracias "Ringú", "El Ojo", "Agua turbia", y otras, que han conocido sendas adaptaciones americanas, y que podría ser materia de otra entrada futura dada su vastedad.

"Invasores de Marte" : una remake entretenida y muy divertida.

"Splice" : un fenómeno de la ciencia humana que se revela a su creador.

____ Surgieron los terrores en el núcleo familiar y laboral, desde la componenda de un cuerpo invasor alienígena venido de más alla de las estrellas o de la resultante contaminación ambiental o de experimentos maquiavélicos, como en : "Los usurpadores de cuerpos" ( "Invasion of the body snatchers", 1978/ "Body Snatcher", 1993); "El enigma de otro mundo" ( "The Thing", 1982); "Invasores de Marte" ( "Invaders from Mars", 1986); "La Mosca" ("The Fly" ( "La Mosca"; 1986); "Lo Oculto" ( "The Hidden", 1987) "Viven" ( 1990), "Terror bajo la tierra" ( "Tremors", 1990); "Especies" ( "Species",1995); "The Host" ( 2007); "Cuenta Regresiva" ( "Knowling", 2007) y "Splice" ( 2010).
A veces, los monstruos podían originarse de los saltos temporales del espacio-tiempo, de los rincones de la mente, de viejas leyendas tradicionales, o sencillamente, de épocas pretéritas, como en : "El Fuerte Infernal" ( "The Keep", 1983); "Cronos" ( 1993); "Mimic" ( 1997); "Desafío final" ( "Final destination", 2000); "The Hole" ( 2009); y "Troll Hunter" ( 2010).
También funcionan los reciclajes o la unión de los monstruos más clásicos, con la mirada joven e innovadora, como en las sagas de: "Harry Potter"; "El Señor de los Anillos" y "Crepúsculo", vertientes más directas del cine fantástico y mitológico.

El género del terror es uno de los más explotados y preferidos del joven espectador.

En "Exterminio", una plaga insospechada convierte en zombie a la Humanidad. Un tema recurrente en varias películas del género.

___ Se pusieron de moda, los psycho-killers con: "Scream" ( 1996) y "Sé lo que hicieron el verano pasado" ( "I Know What You Did Last Summer", 1991), para reacomodar las amenazas urbanas como las epidemias, virus, fiebres y plagas mortíferas apocalípticas, en la línea de: "Impacto profundo" ( "Deep Impact", 1998); "Exterminio" ( "28 Days Later", 2002), "Epidemia" ( "Outbreak", 2005); "Hijos del hombre" (" Childrens of Men", 2006); "Ceguera" ( " Blindness", 2008); "El Fin de los Tiempos"/"El Incidente" ("The Happening" ( 2008); "Soy leyenda" ( "I Am Legend", 2007); "El libro de Eli" ( "The book of Eli", 2009); "Solos" ( "Descendents", 2008); "2012" ( 2009); " y "La carretera" ( "The Road", 2009).
Con el comienzo de la centuria, apareció en el firmamento del horror, una nueva generación de cineastas como : Adam Wingard, James Wan, Ti West, Rob Zombie, Glenn McQuad, David Bruckner, Joe Swamberg, Eli Roth, Andy Muschietti, Hideo Nakata y Takashi Miike, entre otros que, con relatos arriesgados, ampliaron el universo narrativo de los cuentos de horror tradicionales, para darles una nueva dimensión más cercana a las personas, y por lo mismo, una visión más inquietante y tenebrosa.
La diversificación ha hecho del género, uno de los más accesibles para la producción y logra consumar el interés del público, mediante el aumento de los ciclos y festivales especializados, que resume los más kisch, gore, interesante, barato y subliminal, que existe en el mercado.

Galería nocturna :
Pastillas para no dormir.

___ En esta última entrada sólo fotografías con los monstruos y engendros más característicos del cine de terror de todos los tiempos.
Una interesante y divertida colección de creaturas para reproducir en tu disfraz de Halloween.

Drácula.

El monstruo del Dr. Frankenstein.

La Momia.

El Hombre Lobo.

El jorobado Igor.

El Fantasma de la Opera.

King Kong.

El Monstruo de la laguna negra.

Tarántula.

Diseño original de "Alien".

El disfraz del Alien.

Diseño de un alienigena.

Dr.Jekyll & Mr.Hyde.

Freddy Krueger.

Masacre en Texas.

Jason Vorhees.

Tiburon.

Sangre Eterna.

Scream.

El laberinto del fauno.

Ringú

Chucky.

Nosferatu.

Linda Blair en "El Exorcista".

Una anciana zombie para "Darkness Falls".

Doble animatrónico de Jack Nicholson para "Lobo".

Depredador.

Monstruo y creador : Nicholas Podbrey y el engendro de : "Underwold : Awakening" ( 2012).

Leonardo Di Caprio y uno de los "Critters", cuando recién comenzaba en el cine.

Los Critters en acción.

La "Pandilla Anti-Monstruos" lucha contra algunos viejos clásicos.

La Reina de los Zombies en : "Son of Monsterpalooza" ( 2012).

Los cenobitas de la saga de : "Hellraiser".

El creador de monstruos John Carl Buechler con el actor Kevin McCartney y algunas creaturas de "Gholies III : Ghoulies go to College" ( 1991).

El actor Doug Jones en un proyecto de David Lee Fisher para resucitar "El Gabinete del Dr.Caligari" en el 2005.

Un mutante arbóreo de : "Lady in the Water" ( 2006) creado por Mike Elizalde.

El monstruo de "Jeepers Creepers" ( 2001), maquillado por Brian Penikas con el actor Jonathan Breck.

En "Suburbio Commando" ( 1991) con Hulk Hogan, una creatura ideada por Steve Johnson.

Un títere animatrónico de "Enemigo Mío" creado por Chris Walas.

Un proyecto para resucitar a Reptilicus, el hombre serpiente.

"Inocencia en peligro" promoción publicitaria creada por la "Agencia Advertising" de Frankfurt en Alemania. Monstruosidades infantiles.

Otro proyecto de "hombre lobo".

Un mutante arácnido de "Tinsley Studio".

Otro mutante en carpeta de "Z Brush Art Album".

Colección de sicópatas : Jason Voorhees, Michael Myers, Chucky, Freddie Krueger, Buffallo Bill, El Resplandor, Norman Bates y Hannibal Lecter. Hay frases irónicas en inglés.

La Reina Alienígena.

El Rey Calabaza convertido en clown.

Fotos-Gentileza : Universal Pictures- Hammer Productions- Paramount Pictures- Columbia Pictures- 20th.Century Fox- Stan Winston School of Characters Arts- Tinsley Studio- Z Brush Art Album- Troma Inc- Leyendas del terror- Variety- FilmFax- Cine Gore- Fangoria- Macabro- Enfoque- Film Ideal- Premiere- Cahiers du Cinema- Sight & Sound- Peter Cushing Appreciation Society- BBC- Horror Movies Pictures- Little Gothic Horror- Classic Movie Monsters- Vintage Horror Movies- Classic Horrors- Archivo.-