Vanguardias del Cine 2 - La "nueva ola"/"nouvelle vague" francesa :

Entre la autoría, la militancia y la originalidad.

Rodaje de "Sin aliento/"Al final de la escapada" con Jean Paul Belmondo y Jean Seberg, película emblemática de la nueva ola francesa. Observen atrás, moviendo la cámara al director Jean Luc Godard.

 
Un grupo de entusiastas jóvenes franceses inconformistas, que amaban el cine de Hitchcock y las películas de Jean Renoir y Roberto Rosellini, y que trabajaban haciendo crítica en la revista "Cahiers du Cinema", comenzaron a dirigir por su cuenta, películas de contexto realista para demostrar que, el séptimo arte podía entretener y estimular a la reflexión, "mirando hacia atrás con ira".
El origen de este movimiento conocido como la "nouvelle vague" ("nueva ola"), se debe a dos personalidades únicas e irrepetibles : el conservador cinematográfico Henri Langlois, cofundador de la Cinemateca francesa  y el crítico André Bazin, uno de los fundadores de la conocida revista en 1950.
La génesis de la "nueva ola" partió con los avances tecnológicos y la toma de conciencia de  hacer un cine más cercano a la gente y menos "artificial" e impostado, que el que se estaba desarrollando en estudio.
Recuerda la montajista Cécile Decugis :
___"Con los nuevos y más ligeros modelos de cámara, los cineastas de la nouvelle vague pudieron rodar con mayor facilidad en locaciones - en apartamentos y en calles- y también ser más espontáneos. Esas fueron las marcas distintivas de un nuevo tipo de cine. Las nuevas técnicas posibilitaron una nueva estética. En especial, antes de que se utilizara el sonido magnético, la calidad del sonido en exterior era pésima. Por esa razón, postsincronizamos el diálogo en postproducción con los actores".

Características Fundamentales.

El director Francois Truffaut, fue el más popular de los realizadores generados con el movimiento vanguardista.

La revista "Cahiers du cinema" condenó abiertamente el matiz ultraconservador de las películas que se estaban ejecutando y decidió seguir por otros derroteros, más afines al cine norteamericano de la "teoría de autor".  
Los críticos de la revista exaltaron las virtudes de los grandes primitivos del cine y demostraron su admiración por la obra de : Howard Hawks, Alfred Hitchcock, John Ford, Samuel Fuller, Raoul Walsh, Stanley Donen y Vincente Minelli. 
A su vez, detestaron el estilo de Marcel Carné y William Wyler, aunque demostraron su entusiasmo  por los westerns y las comedias musicales, porque están más cerca de una concepción de la realidad o de la fantasía donde "se huele" un estilo personal del director.
El sello personal que define el trabajo de una obra, se consideraba una señal de grandeza e independencia.   
Los discípulos de André Bazin, oponían al cine de guionistas y al cine de productor, el "cine de autor" que buscaba su expresión en la puesta en escena.
Se trataba fundamentalmente de una voluntad de libertad y creatividad absolutas, que dejaban ver una forma de vivir , de comportarse, de tener relaciones sentimentales diferentes a los demás y que iban a la par con los tiempos de apertura político-expresiva.
Por eso, sus temáticas se volcaban por cuestiones más determinantes, relativas  a la marginalidad de los niños, a las relaciones conyugales íntimas y desprejuiciadas, a las aventuras humanas de raigambre social naturalista más cercana a la vida.
En este sentido, se le dió gran importancia y valor, al trabajo del director como autor único de una obra. 
Se determinó que, la puesta en escena era el elemento expresivo, que englobaba la voluntad y el sentimiento del "autor" respecto a sus inquietudes temáticas y artísticas. 
Francois Truffaut explicaba el "cine de autor" como "una manifestación cinematográfica escrita en primera persona, que se caracteriza por su intimidad, energía y carácter".
Se alentó la incorporación de autores que "amaban el cine" sobre cualquier otra cosa, sin necesidad de asistir a las Academias o Universidades, sino más bien, instruídos en la cinefilia del espectador gozoso y recurrente.
El movimiento se impuso, porque también se detectó una nueva generación de espectadores formados en los cineclubes, en las cinematecas, en la lectura gozosa de la crítica especializada, en el interés por el cine como un canal de expresión nuevo y gravitante de la cultura mundial.
Todos sus protagonistas, eran cineastas capaces de reaccionar respecto a la propia realidad y en temáticas tan diversas como : la guerra de Argelia, la Guerra Fría, la guerra de Vietnam, los problemas conyugales, las relaciones familiares, el maltrato infantil, etc.


Títulos determinantes.

"El bello Sergio" de Claude Chabrol, inició oficialmente la nueva ola francesa. En la foto, los actores Gerard Blain, Jean Claude Brialy y Bernardette Lafont.

La "nouvelle vague" ( nueva ola) comenzó oficialmente con el estreno de : "El bello Sergio" ( "Le belle Serge", 1958) de Claude Chabrol, que no llegó a ser tan famosa como sus predecesoras, "Los Cuatrocientos golpes" ("Le quatre cents coups", 1959) de Francois Truffaut y "Sin Aliento"/"Al final de la escapada" ("A bout de souffle", 1959) de Jean Luc Godard.
Atacado en Cannes por sus duras reflexiones contra el "cine de qualité" , Truffaut volvió al Festival un año después, con "Los Cuatrocientos golpes", y ganó con una película intimista rodada en las calles parisinas, y que relata la historia semiautobiográfica de un adolescente incomprendido por sus padres, aspirante a escritor, cinéfilo y marginal.  
La película está interpretada por el pequeño Jean Pierre Léaud, alter ego del cineasta, "cuyos amoríos y aventuras rodaría en cinco películas durante los próximos veinte años".
Jean Luc Godard  señalaba que una película necesitaba de "un principio, una mitad y un final, sólo que, no necesariamente en este orden".
Dicho y hecho. Captando el espíritu libre de la nueva ola, contribuyó al movimiento con "Sin Aliento"/ "Al final de la escapada", obra en la que destruyó casi todas las normas clásicas de narración, para homenajear , de paso, al cine negro de Hollywood y a Bogart como ícono de aquél.
Su estilo único, integró la experimentación, la poesía, el registro semántico de los sentidos, en una obra muy personal, rica en matices y muy vigorosa.
La montadora Cécile Decugis, agrega :
___"El estilo de la nouvelle vague no sólo surgía de las salas de montaje. Era el resultado de un conjunto de factores. Los actores cuyas interpretaciones montábamos también contaban. Había naturalidad en la interpretación, y se oían acentos extranjeros. No era cuestión de recrear el sonido real de las calles, mientras se trabajaba con un estilo de actuación envarado. Todo formaba parte de un conjunto". 
"Godard y Truffaut  se rebelaban contra el conformismo del cine francés. Lo que montábamos tenía que parecer todo lo vivo posible. A Truffaut no le interesaba demasiado el montaje, y tendía a concentrarse en la idea de la película en general. Le aburría trabajar el detalle. En cambio Godard, era increíble en el montaje. Para él, el cine se definía como tal, por el montaje. Para Godard el Cine es montaje", acota.

 
Directores Representativos :

Francois Truffaut ( 1932-1984) .

El realizador con los niños de su película "La Piel Dura" ( 1976).

Los amores de Truffaut se reparten por lo inobjetable : los niños, las mujeres, el cine. 
El más cinéfilo de los cineastas, crítico de las "Cahiers du Cinema", construyó un mundo adorable, atesorable, melancólico y sentimental, que lo refleja en sus pasiones personales, en su "yo interior", pero sobretodo, en la moralina de acercar la experiencia audiovisual a las personas con el abrazo del amigo y la comprensión del hermano.
En su cine, se conjugan el romanticismo más desatado ( "Las dos inglesas y el continente", 1971), con la mirada pesimista sobre el destino humano ("Farenheint 451",1966), y su capacidad extraordinaria de observar los distintos momentos emocionales en la vida de una persona, desde el matiz semi-autobiográfico ("Los Cuatrocientos Golpes", 1959; "Besos robados"1968; "Domicilio Conyugal", 1970), o como referencia literaria ("Jules et Jim",1961), o como realismo de época ( "La historia de Adele H", 1975).
Su admiración por Hitchcock, quedó revelada en : "Disparen contra el pianista"( 1960); "La sirena del Mississippi"( 1969) y "La novia vestía de negro"( 1967); y por el cine mismo en; "La noche americana" ( 1973), aunque nunca dejó de traducir el comportamiento transparente de los niños ( "El Niño salvaje", 1970 ; "La Piel Dura",1976).
Fruto de esta admiración por el maestro del suspense británico, surge un libro antológico "El cine según Hitchcock",  "una extensa entrevista en que maestro y discípulo abordan , de manera directa y profunda a la vez, los problemas fundamentales del quehacer cinematográfico". Se trata de una obra antológica que todo amante del cine debe tener en su estantería. Además, nos enseña a valorar la obra del director británico, pero sobretodo, la detallista visión crítica que tenía Truffaut respecto a las películas.
 

"Las dos inglesas y el continente" : una de sus obras maestras.

En palabras de la especialista Jacqueline Mouesca : "Truffaut ama a sus personajes, como sólo pudo enseñarle Jean Renoir, y en sus filmes su concepción del amor es desgarrada y esperanzada; creía en el amor más allá de la muerte como en : "La sirena del Mississippi"( 1969), "La mujer de al lado" ( 1981) o "La habitación verde" ( 1978). Pero tenía también del amor, una visión exultante y vital , como "El hombre que amaba a las mujeres" ( 1977).  En 1980, filmó otra de sus obras maestras "El último metro", una parábola sobre el papel del arte en el contexto de la ocupación y la guerra, que aprovecha lecciones recibidas de André Bazin, a quien Truffaut consideraba su maestro, y al que, por lo demás, dedica la película. Fue, junto con Chabrol, uno de los únicos autores de la Nueva Ola cuya obra logró eco importante entre el público".   
De un modo u otro, Truffaut vivió 52 azarosos años alrededor del cine, privilegiando siempre, aquellos relatos que se enmarcaban dentro de su particular visión de interés creativo.
Como apuntó el crítico y guionista chileno José Román : 
___"Aunque sus primeros pasos los dió con Godard, pronto se distanció de las exploraciones en el lenguaje de ese otro portento del cine y se abocó a la más modesta tarea de contar historias de amor. Estas poseían un lirismo, una ternura, una ferocidad, un desencanto, nunca vistos antes en el cine. Características que lo sitúan entre los grandes románticos del cine y entre sus mayores narradores, al referirnos a esos amores trágicos que tienen la belleza y la fuerza de la pasión total en : Jules et Jim"; "La historia de Adele H" y "La mujer de la próxima puerta".
Obras - claves : "Los Cuatrocientos golpes" ( 1959); "Jules et Jim" ( 1961); "El niño salvaje" ( 1970);  "Las dos inglesas y el continente" ( 1971); "La mujer de al lado" ( 1981); "El último metro" ( 1980).


Claude Chabrol ( 1930- 2010).

 

El recordado director fumando un habano.

 
El más prolífico autor de la nueva ola francesa. Comenzó como crítico en las "Cahiers du Cinema", después de estudiar farmacia y asumir como jefe de prensa de la Fox en Francia. 
Tuvo un resonante debut con : "El bello  Sergio" ( 1958), una modesta película que le financió su mujer con la herencia de un tío lejano.  
El mismo año, rueda "Los Primos" ( 1958), con un fuerte referente autobiográfico. 
Ambas películas, se convierten en la punta de lanza del movimiento vanguardista.
Después de un thriller policial "Una doble vida" ("A double tour", 1959), se vuelca por efectuar comedias costumbristas ambientadas en la burguesía parisina y con jóvenes como protagonistas : "Les bonnes femmes" ( 1960); "Les godelureauxs" ( 1960) y "L"Oeil du malin" ( 1961).
"Buscó refugio en unas parodias del género de espionaje, cuya solvencia fue mal reconocida : "Marie Chantal contre Docteaur Kha" ( 1965) o "El tigre se perfuma con dinamita" ("Le tigre sa perfume a la dynamite", 1965).
A fines de la década de los 60, "La Mujer Infiel" ("Le femme infidele", 1968) y "El Carnicero" ("Le boucher", 1969), restauraron su prestigio , sólo para verlo dañado por las aventuras - "Nada" ( 1973) , "Alice au la derniere fugue" ( 1976). a mediados de los 70. 
Es justo al fin de este período, donde se inicia la estabilización de Chabrol como cineasta de envergadura, aún dentro de formatos comerciales, donde se inserta la lograda "Relaciones íntimas" ( Les liens de sang", 1977).
De este período, destacan también : "Inocentes con manos sucias" ( 1975); "Violette Noziere: Niña de día, mujer de noche" ( 1978); "El caballo del orgullo" ( 1980); "Los fantasmas del sombrerero" ( 1982); "La sangre de los otros" ( 1983); "Pollo al vinagre" ( 1984) y "La Ceremonia" ( 1990).  
Durante un cuarto de siglo, Chabrol filma historias eminentemente moralistas, a menudo del género policial, y en torno a sus temas preferidos como : el engaño, la culpa y la alienación. 
"Tributario de Hitchcock, dotó a la metafísica del maestro inglés, de una "carga social", por lo cual sus películas suelen ser un retrato virulento de la corrupción en la sociedad burguesa".  
Obras- claves : "El bello Sergio" ( 1958); "Los Primos" ( 1958); "El Carnicero" ( 1969); "Relaciones Intimas" ( 1977); "Niña de día, mujer de noche" ( 1978); "La Ceremonia" ( 1996); "Gracias por el chocolate" ( 2000) y "Bellamy" ( 2009).


Jean-Luc Godard   ( nacido en 1930).

En sus tiempos de militancia ideológica.

 
El "enfant terrible" de la Nueva Ola, bien puede ser visto, como el gran testigo de los acontecimientos históricos de los últimos cincuenta años. 
Estudió en Suiza y en la Universidad de la Sorbona en París, mientras alimentó una voraz cinefilia con los programas de las exhibiciones de la Cinemateca francesa  y se inició como crítico en las "Gazatte du Cinema"  y "Cahiers du Cinema", bajo el seudónimo de Hans Lucas.  
Desde su debut estremecedor con : "Sin Aliento"/"Al final de la escapada" ( "A bout de souffle", 1959), un thriller con un aire desafiante de renovación del lenguaje cinematográfico, Godard ha dejado estampado en sus películas, los grandes conflictos intelectuales, sociales y morales de este tiempo, con una mirada inconformista, violenta y casi siempre desgarradora.
Su apuesta concluye con "Pierrot, el loco" ("Pierrot le fou", 1965) "donde en medio de la violencia , la picaresca y el romanticismo se teje una historia que podría estar sacada de un comic".  
Entremedio, efectúa media docena de películas de distinto interés como: "Vivir la vida" ( 1962) sobre el recurrente tema de la prostitución y "El desprecio" ( 1963), una adaptación libre y personal sobre una novela de Moravia. 

"Bande a part" uno de sus filmes característicos de los sesenta.

 
Parte fundamental de su cine, ha sido la reflexión sobre el lenguaje y los códigos narrativos y estéticos del Cine, en un aporte que, como Brencht para el teatro, casi no tiene parangón en la historia. 
Durante los años sesenta, esta búsqueda derivó hacia la militancia en todas las ideologías marxistas, desde la ortodoxa hasta la maoísta.
Su película "La Chinoise", es considerada precursora de la revuelta estudiantil de Mayo del 68. 
Después de ella, Godard se sumió en el anonimato experimentalista, hasta que resurgió en los ochenta, con materiales que restauraron su prestigio polémico, como: "Passion" ( 1982), espléndida lección sobre la magia de la imagen; y  la muy controvertida: "Yo te saludo, María" ( "Je vous salue Marie", 1985), una visión muy personal del nacimiento de Jesucristo. 
Como apunta la historiadora del cine Jacqueline Mouesca : "La obra de Godard no deja indiferente , incluso a sus peores detractores: ella es, aparte de sus reales aportes, un fiel reflejo de las contradicciones y las modas de nuestro tiempo". 
Su último filme : "Adiós al lenguaje"( " Adoeu au langage", 2014), ganó el premio ex-aquo en el último Festival de Cannes.
Obras- claves : "Sin Aliento"/"Al final de la escapada" ( 1960); "El desprecio" ( 1963); "Pierrot el loco" ( 1964); "La Chinoise" ( 1968); "Prénom- Carmen" ( 1982).



Eric Rohmer ( 1920-2010).

Retrato del cineasta.

Considerado el más exigente de los cineastas de la "nouvelle vague", un autor obstinado, celoso de sus hallazgos y persistente en sus búsquedas estéticas. 
Prototipo de un artista insobornable, a caballo de sus propios manifiestos estilísticos, original a carta cabal, personalísimo, que renunció voluntariamente a la alienación del cine comercial, por el arte del audiovisual con resultados inobjetables.
Se inició como crítico en las "Cahiers..." y su obra entera es un ejemplo de correspondencia entre su postura reflexiva y su arte; y de paso, la prueba más fidedigna, que un crítico  de cine también puede convertirse en un cineasta ejemplar. 
Rohmer revela que, para ser diferente y personalista, hay que ser un artista rupturista : de ahí el tono embriagador de su cine, que propone más allá de contenidos recurrentes, una mirada diáfana sobre la vida de personajes comunes metidos en situaciones cotidianas. 
Sus películas están recorridas por historias que desdoblan las diferentes facetas del amor, y valorizan el silencio y el sentido de observación para acercarnos a las complejidades de la naturaleza humana.
Fue el menos bullicioso de su generación pero el más curtido respecto al carácter intimista de sus temas y al uso transparente de una puesta en escena, recorrida por un profundo existencialismo, lo que complejizaba aún más, la abierta predilección del público por su obra. 

Haidée Politoff en "La Coleccionista".

La estética pictórica en "La marquesa de O".

Recuerda la crítico Constanza Johnson :
___"La carrera de Rohmer, es la de un artista pleno de energía, disposición y valor. Para "La Coleccionista" ( 1966), por ejemplo, no había ningún financiamiento y a nadie se le pagaba, pero él logró llevarla a término con brillantez. Luego de haber trabajado mucho tiempo con actores desconocidos , dirigió a estrellas del momento como Jean Louis Tritignant y Francoise Fabian para su siguiente película "Mi noche con Maud" ( 1969). Ambas son parte de su ciclo de Cuentos morales, y maravilla su coherencia a pesar de haber sido producidas en condiciones tan diferentes".   
Después se dedicó a adaptar grandes novelas, gozando de excelente presupuesto y estrenó "La Marquesa de O" ( 1975) y "Perceval" ( 1978), que aunque lo pusieron en las primeras planas de los magazines especializados, no nublaron su visión de continuar produciendo con recursos mínimos en rodajes discretos y con actores desconocidos.
Añade Constanza Johnson :
__"Ello ocurre en la obra que desarrolla después de los Cuentos Morales; la serie Comedias y Proverbios que se inicia con "La mujer del aviador" ( 1980), películas donde va cada vez más perfeccionando su estilo. Estilo que se perfila y se construye ya a apartir del período que va desde "El signo del león" ( 1959) , su primer largo, a los seis "Cuentos morales" : "La panadera de Monceau" ( 1962); "La carrera de Susana" ( 1963); "La coleccionista" ( 1966); ""Mi noche con Maud" ( 1969); "La rodilla de Clara" ( 1960) y "El amor por la tarde" ( 1972)".  
Su carrera posterior , principalmente valorada en Cineclubes universitarios y Festivales Internacionales de Cine, se completará con el Ciclo de las Cuatro Estaciones : "Cuentos de primavera" ( 1990); "Cuentos de invierno" ( 1992); "Cuentos de verano" ( 1996) y "Cuentos de Otoño" ( 1998); aunque también perfilan su inimitable estilo, sus extraordinarias películas : "El Rayo verde" ( 1980); "Cuatro Aventuras de Reinette y Mirabelle" ( 1987); y sus filmes de despedida: " "L"anglaise et le duc" ( 2001) y "Les amours d"Astrée et le Céladon" ( 2007), esta última, un drama romántico sobre la novela de Honoré d"Urfé.  
Obras- clave : "El signo del león" ( 1959); "Mi noche con Maud" ( 1969); "La rodilla de Clara" ( 1970); "La Marquesa de O" ( 1976); "El Rayo verde" ( 1986); "Cuentos de Otoño" ( 1998). 

Jean Pierre Melville ( 1917-1973).

Un retrato del cineasta experto en thrillers y cine policial.

Considerado como un caso singular de "cineasta independiente", entre los años 1945 y 1960. Precursor de la "nouvelle vague", debutó como realizador en 1945 después de desempeñarse en diferentes oficios , - como representante comercial - ; y con un corto "Veinticuatro horas de la vida de un clown"; y en 1947, se da a conocer con la adaptación de El silencio del mar" de Vercors, sobre los años de la ocupación alemana. 
Adapta una novela de Jean Cocteau, para su segundo largometraje: "Los niños terribles" ( 1950), y dirige el melodrama "Cuando leas esta carta" ( 1953) con Yvonne Sanson; para lograr renombre internacional con los policiales: "Bob le flambeaur"" ( 1956) y "Dos hombres en Manhattan" ( 1959).
Después de filmar la peculiar "Leon Morin, sacerdote" ( 1961), sobre la novela de Beatrix Beck, con Jean Paul Belmondo y Emmmanuelle Riva;  se dedica a profundizar en los esquemas del policial, convirtiéndose en uno de los maestros del género, gracias a películas como : "El Confidente" ( 1962) con Jean Paul Belmondo y Serge Reggiani; "El mayor de los  Ferchaux" ( 1963) con J.P.Belmondo y Charles Vanel; "El segundo respiro"/"Hasta el último aliento" ( 1966) con Lino Ventura, Paul Meurisse y Christine Fábrega; "El samurai" ( 1969) con Alain Delon; "El ejército de las sombras" ( 1969) con Lino Ventura, Paul Meurisse y Simone Signoret y "El círculo rojo" ( 1971) con Alain Delon, Gian María Volonté, Yves Montand y Francois Périer.
Sus últimos filmes evidencian un desgaste creativo, sólo mancillado por el enorme éxito que obtienen sus películas en la taquilla. 
Obras-claves : "Bob le flambeaur" ( 1956); "Dos hombres en Manhattan" ( 1959); "El Confidente" ( 1962); "El samurai" ( 1969): "El ejército de las sombras" ( 1969) y "El círculo rojo" ( 1970).


Jacques Rivette ( nacido en 1928).

Rivette con Jeanne Balibar y Hélene de Fougerelles de "Va Savoir".

Es el menos conocido de los realizadores de la "nouvelle vague" , debido a la incomprensión que ha tenido su obra entre los productores y los distribuidores, que se negaban a exhibir sus filmes debido a su excesiva longitud ( la primera versión de "Out One", por ejemplo, tenía una duración de trece horas, aunque la exhibición comercial, la redujese a poco más de cuatro horas y se estrenara con el título de "Spectre").  
Desde siempre ha estado vinculado al cine, como cofundador de la revista La Gazatte du Cinema, activo redactor jefe de "Cahiers du Cinema" y notable analista cinematográfico.
Debutó como director con la película "Paris non appartient" ( 1960), "un ensayo sobre la verdad y la mentira" desarrollado sobre un montaje teatral de Pericles de Shakespeare; para alcanzar el éxito con: "La religiosa" ("Suzanne Simonin, la religieuse du Diderot", 1966), adaptación de una novela de Diderot, que es vapuleada y juzgada con extremada violencia, lo que obliga a su prohibición.
Su película más popular es : "Celine y Julie van en barco" ( 1974), un profundo retrato sobre el alma femenina elaborado desde las divertidas relaciones que se establecen entre dos muchachas.
Su obra, se caracteriza por la combinación de la improvisación y la reflexión teórica que se produce, para originar un análisis muy sutil sobre la relación existente entre la realidad y las apariencias.
Obras-claves : "Paris non appartment" ( 1960); "Suzanne Simonin, la religieuse du Diderot" ( 1966); "L"Amour Fou" ( 1967); "Out One: Spectre ( 1971); "Céline y Juliette van en barco" ( 1974); "Duelle" ( 1975); "Noroi" ( 1977); "La bella mentirosa" ( 1991); "Jeanne la Pucelle" ( I y II, 1994); "No toques el hacha" ( 2007) y "36 vues du Pic Saint Loup" ( 2009).


Louis Malle ( 1932-1996).

En sus primeros años de carrera.

"Ascensor para el cadalso" , el debut prometedor de Malle.

  

"Niña Bonita" ("Pretty Baby" ), un retrato de la prostitución infantil con Brooke Shields.

En el set de "Adiós a los niños", con Gaspar Manesse y Raphael Fejto.

Durante unos años, la figura de Malle emergía como uno de los representantes más  característicos de la "nouvelle vague" francesa. 
Sin embargo, desde la segunda mitad de los años sesenta, esta idea había periclitado; ya no sólo era un "ciudadano francés con una visión muy particular de la existencia", sino un notable "cineasta del mundo", controvertido y polémico, catalogado por algunos críticos franceses como "el cineasta del escándalo por excelencia". 
Detrás de esta noción algo apresurada, se esconde un cineasta siempre capaz de revelar con madurez y sentido crítico, las diferentes disyuntivas de las relaciones sociales y los temas más provocadores de su tiempo como : la infidelidad y el erotismo ( "Los amantes" , 1958), el incesto ("Soplo al corazón", 1971); el colaboracionismo desde la perspectiva humana ("Lacombe Lucien", 1974) y la prostitución infantil ("Pretty baby", 1978).
Entonces, su cine revela un marcado cosmopolismo que universaliza su propuesta, para rodar en ambas orillas del oceáno con resultados extraordinarios, películas como : "Atlantic City" ( 1980), León de Oro en la Muestra de Venecia y en un sentido más personal y autobiográfico, una de sus obras maestras, "Adiós a los niños" ( 1987), que le replica el premio del evento internacional, confirmando su prestigio.
Con Malle se revelan los abruptos cambios en las relaciones familiares, la fascinación por la India, el apego inocente a la infancia y la americanización de su estilo en un exilio voluntario cuando se casó con la actriz Candice Bergen. 
Nacido en una acaudalada familia de fabricantes de azúcar, en el norte de Francia, vivió internado en un colegio de las carmelitas en la Fontainebleau donde se refugiaron algunos muchachos judíos cuyos padres habían sido deportados o asesinados.
Estas experiencias traumáticas de la Guerra, habrían de convertirse en materia prima de muchas de sus películas más famosas. 
Iniciado junto a Robert Bresson y perteneciente al equipo de Jacques Costeau, con el que recibe todos los honores cuando producen juntos, el largometraje documental: "El mundo del silencio" ( 1956); Malle en 40 años de carrera, tuvo una indomable mirada sobre la soledad y una pasión cíclica sobre los amores locos, imposibles, dañados o resquebrajados por el tiempo.
Obras-clave : "Ascensor para el cadalso" ( 1958); "Fuego fatuo" ( 1963); "Soplo al corazón" ( 1971), "Lascombe Lucien" ( 1974); "Niña bonita" ("Pretty baby", 1978); "Atlantic City" ( 1980);"Adiós a los niños" ( 1985); Obsesión" ( 1993).

 
Alain Resnais ( 1922- 2014 ).

Durante el rodaje de "Hiroshima mon amour".

Una escena de "Hiroshima mon amour" con Emmanuelle Riva y Eiji Okada.

A través de sus obras, Resnais juega con el espacio y el tiempo cinematográfico, con su manejo obsesivo de larguísimos travellings y con una revalorización del cine-montaje, caído en desuso y descrédito desde los primeros años del sonoro.
Retomando la tradición de Eisenstein, Resnais - como Godard- devuelve al montaje sus cartas de nobleza, en el período de plena madurez expresiva del cine sonoro.
Voraz lector de comics y admirador de Proust, se formó como montador después de una fugaz asistencia a los cursos del Instituto Cinematográfico de París. 
Partió con una serie de cortometrajes sobre el mundo artístico como "Van Gogh" ( 1948) o "Guernica" ( 1950); y derivó hacia el documental con "Nuit et brouillard" ( 1955), un elocuente recorrido por los museos del horror en los campos de concentración nazi.
Considerado el cineasta más destacado del documental francés, Resnais debutó en el largometraje con "Hiroshima mon amour" ( 1959), un original "poema filmado" sobre textos de Marguerite Duras, y que muestra el encuentro amoroso, que se produce entre un arquitecto japonés y una francesa, sobre la que giran los horrores de la guerra, la bomba atómica, la devastación humana.

"El año pasado en Marienbad" : el imponente escenario en Schleissheim.

De la citada película, otra escena con la particular estética simbólica de Resnais.

Este estilo vanguardista y experimental  habrían de caracterizar su siguiente obra :"El año pasado en Marienbad" ( 1961) sobre guión y diálogos de Alain Robbe-Grillet, que cuenta una historia que se resiste a ser narrada por medio de la lógica y las convenciones; algo indescriptible si no le revisita.
Como apuntó el coleccionista cinematográfico John Kobal :
__" La película fue rodada en Baviera , en Nymphenburg, y las escenas del parque en Schleissheim. Paseando a través y alrededor del jardín están los huéspedes anónimos, civilizados, inconfundiblemente ricos y ociosos, serios, pero desapasionadamente respetando las normas de los juegos en los que participan, de los bailes, las chácharas de sus discusiones en las que disparan con pistolas. Dentro de este asfixiante mundo, todos parecen estar hechizados, como en esos cuentos de hadas franceses en los que el tiempo no se mueve y todos esperan que un príncipe bese a la princesa para que el resto puedan continuar con sus asuntos. La película se convierte en una locura, en un acontecimiento de recepción, algo más de lo que hablar aparte del tiempo. Los festivales de cine apostaron por ella. En Venecia ganó el León de Oro de 1961. Es difícil recordarla hoy, o preocuparse por ella, excepto sus imágenes, de pingüinos humanos y cisnes en el jardín, de A apoyándose en X, o mirando a M, o apoyando su mejilla marmórea en el pie de mármol de una estatua y, de ese modo, recordando por un instante una imagen de Buñuel".    
Sus siguientes trabajos, remarcaron su fuerte preocupación por el lenguaje expresivo del cine, no exento de un carácter hermético, donde persisten sus obesiones temáticas respecto a la memoria , la persistencia del pasado en el presente, los refinados ejercicios de montaje, la planificación analítica y la contingencia política.
Obras-claves : "Hiroshima mon amour" ( 1959); "El año pasado en Marienbad" ( 1961); "La guerra se ha terminado" ( 1966); "Yo te amo, yo te amo" ( 1968); ""Stavinsky" ( 1974); "Providence" ( 1976); ""Mi tío de América" ( 1980); "Smoking" ( 1993); "No Smoking" ( 1993); " On commait la Chanson" ( 1997) y "Aimer, boire et chanter" ( 2014).
 
Otros :

Agnes Varda ( nacida en 1928).

Autorretrato de la cineasta por Natalia Obadia.

"Cleo de 5 a 7" : la belleza de la actriz Corinne Marchant.

 

En el set durante el rodaje.

"Jacquot de Nantes", la perspectiva infantil en el tributo a la vida del realizador Jacques Demy.

La única presencia femenina de la "nouvelle vague", nacida en Bruselas, Bélgica y que obtuvo el reconocimiento internacional con su película: "Cleo de 5 a 7" ( 1962), penetrante descripción de la mujer en la Europa de su tiempo. 
Luego de trabajar como reportera gráfica, debuta en el largometraje con la película "La pointe courte" ( 1954), donde expone su pasión por el documental y se adelanta a los preceptos de la nueva ola con una historia muy realista, acerca de una pareja metida en problemas con los pescadores de Sete.
Sus mayores trabajos están en el documental, ya sea en corto o largometraje, donde resalta su preocupación por la mujer en el mundo moderno.
Causó revuelo con el filme "La felicidad" ( 1964), por la original manera de graficar lo que pudiera denominarse "la dicha" en las relaciones de una pareja.
Gana el León de Oro en la Mostra de Venecia con la película: "Sin techo, ni ley" ( Sans toit ni loi", 1985), que incluye una grandiosa interpretación de Sandrine Bonnaire, como una mujer vagabunda y marginal.
Obras-claves : "La piont courte" ( 1955); "Cleo de 5 a 7" ( 1962); "La felicidad" ( 1964); "L"une chante et l"autre pas" ( 1976); "Sin techo, ni ley" ( 1985); "Jacquot de Nantes" ( 1991).



Alain Robbe Grillet (1922- 2008).

Un curioso retrato del guionista y director.

"Iniciado como novelista e ingresado al cine por la puerta ancha, como guionista de Alain Resnais, Grillet ha intentado traducir el "Nouveau Roman" al lenguaje más exigente del cine.
Muchas de sus obras, se miden por la morosidad y por extensiones inusuales. Es un autor total de la concepción de las historias.
Obras-Claves : "La inmortal" ( 1962); "Trans EuropExpress" ( 1966); "El edén y después" (1969).


Maurice Pialat (1925- 2003). 

Dirigiendo su penúltima película "Van Gogh" ( 1991).

Pintor profesional sin éxito, se acerca al teatro y luego al cine, donde debuta con "La infancia desnuda" ("L"enfant nue", 1967), que producen Claude Berri y Francois Truffaut, "un notable estudio sobre la adopción infantil".
Debido a la excelente recepción y tras un tiempo de trabajar en la televisión, filma después "No envejeceremos juntos" ( 1972), su mayor éxito, acerca de la separación matrimonial.
Su obra se caracteriza por un tono romántico, más amargo y oscuro que Truffaut, donde la existencia de la clase media remite a un pequeño infierno. 
"Cineasta del detalle, la meticulosidad física de Pialat confiere a sus películas un toque surrealista, que contrasta incómodamente con una cierta frialdad en la observación y que les ha atraído, desde alguna crítica, la calificación de "etnografistas".
Tal vez la cosa sea más simple: las suyas son obras siempre interesantes, nunca definitivas".
De todas sus películas y por ser superproducciones costosas, es muy famoso por la trilogía de filmes interpretados por Gerard Depardieu, "donde crea sólidos personajes masculinos, formados por "Loulou" ( 1980), sobre los amores de un marginado y de una pequeña burguesa ; "Police"( 1985) un tradicional policíaco sobre el juego de la verdad y la mentira; y "Bajo el sol de Satán" ( Sous le solei du Satan", 1987), controvertida adaptación de la novela de George Bernanos sobre la vida de un cura rural".
"Es un apasionado de la autencidad y de la verdad: en las historias que cuenta y en el trabajo con los actores".
Obras-claves : "La infancia desnuda" ( 1967); "No envejeceremos juntos" ( 1972); "Loulou" ( 1980); "Bajo el sol de Satán" ( 1987); "Van Gogh" ( 1991).


Jacques Demy  ( 1931-1990).

 

El director en el set de "Piel de asno".

 

El colorido musical "Los paraguas de Cherburgo".

 

"Las señoritas de Rochefort" : un musical a la francesa, que homenajea a Gene Kelly y a la comedia musical americana.

  
Estudiante de Bellas Artes en Nantes, se desempeña como dibujante de animación colaborando con Paul Grimault, y después como realizador de cortometrajes.
Dentro de la nouvelle vague, debuta con el largo "Lola" ( 1961), un retrato femenino  donde la estupenda Anouk Aimée, encarnó a una "chanteuse de beuglant", que lleva implícitas en su concepción muchas de las constantes del musical, género por el que Demy sería tremendamente admirado y criticado.
Su gran éxito es: "Los Paraguas de Cherburgo"( 1964), que obtiene la Palma de Oro en Cannes, y que es un melodrama colorido, pegajoso y dulzón, donde los personajes en vez de hablar, cantan en medio de una historia romántica destruída por la guerra de Argelia. Colorido pastiche, muy revalorizado, al que proseguiría su refinada concepción del "musical a la francesa"con : "Las señoritas de Rochefort" ( 1967), donde colaboró Gene Kelly.
Integran esta película, agradables  bailes y canciones con el enfrentamiento lúdico de Catherine Denueve y su hermana Francoise Dorleac, con un toque naif, y un acaramelado pastiche visual lo suficientemente contundente como para pasar dos horas muy gratas y simpáticas.  
Del resto de su cine, conviene destacar : "Piel de Asno"( 1970) , con Catherine Deneueve; la adaptación del cuento de Charles Perrault "El flaustista de Hamelin" ( 1972) con el cantante británico Donovan y "Una habitación en la ciudad" ("Une chambre en ville", 1982), un melodrama cantado, que sigue en su estilo algo manierista y muy sentimental.  


Alexander Astruc  ( nacido en 1923).

Rodando en exteriores.

Hijo de un periodista, se gradúa en Bellas Artes. Se inicia como crítico literario, patra derivar a crítico de cine trabajando en importantes revistas como : "La Gazette du Cinema", ""L"Ecran francaise", "La Nef", "Cine Digest" y "Cahiers du cinema".
Creador del Cineclub "Objetif 49" y del Festival de Cine en Maudit en Biarritz ( 1949-50).
Considerado uno de los precursores de la "nouvelle vague", Astruc ha llevado como autor una constante búsqueda formal establecida en las páginas que escribió sobre cine, su teoría de la "camera-stylo", ilustradas por escasos filmes de excelente calidad, que han influído decidididamente en la obra de varios directores franceses.
Obras-claves :"Une vie" ( 1958); "L"Edication sentimentale" ( 1961); "Sartre parLumiere" ( 1972).

 
Georges Franju ( 1912-1987).

Retrato del director.

Cofundador de la Cinemateca francesa con Henri Langlois, en 1937.
Se inició como archivista fílmico, para debutar en el cine en 1949, con el documental "Le sang des betes".
Su reputación habría de formarse, a raíz de la producción de un cine de terror bizarro, con películas como : "Ojos sin rostro" ("Le yeux  sans visages", 1960); "Judex" ( 1963), un tributo a la serie pionera de Louis Feuillade y "Thomas L"imposteur" ( 1964), una particular adaptación sobre una novela de Jean Cocteau.
Aunque su gran obra maestra, sea un filme desconocido "Therese Desqueyroux" ( 1962), la historia de una muchacha inteligente, que debe casarse en relación al interés familiar por unir tierras pródigas; y que planea un crimen pasivo, luego de descubrir a un joven judío cosmopolita y liberal, que le enseña lo triste de su encierro en los bosques y las dunas de Argelouse. Es una gran película de una sugerente belleza, elaborada en "sucesivos flashbacks , recogiendo la turbación moral y existencial de su protagonista". 
Los críticos nacionales  Ascanio Cavallo y Antonio Martínez, infieren que a Georges Franju se le debe una cosa rara en el cine francés : el individualismo radical de una filmografía que, en su independencia, casi no acepta clasificaciones.
Agregan, "los documentales y las películas de ficción de Franju, guardan una inusual coherencia : hay en ambos una mirada alucinada , un registro de detalles físicos que si primero parecen metafóricos, pronto resultan raros en su cruda materialidad. Ya contemplando los rastros de la guerra civil ("Hotel des invalides", 1951), ya fabulando la misteriosa crueldad de un hospital siquiátrico ("La teté contre les murs", 1958), la cámara de Franju está siempre atenta a descubrir la locura de lo cotidiano, el lugar donde la realidad se rompe para entrar en el cenagoso terreno de la pesadilla. Esta percepción lo acercaría al surrealismo buñueliano de "Las hurdes" ( 1932), sino fuera porque Franju, se sitúa en un confuso espacio entre la crueldad social y el desquiciamiento individual".
Del mismo modo, "todos los filmes de Franju hacen surgir la poesía, lo insólito y lo irracional en el propio núcleo de la realidad más cotidiana".
Obras-claves : "Los muros de obstinación" ( 1958); "Ojos sin rostro" ( 1960); "Therese Desqueyroux" ( 1962); "Judex" ( 1963); "El pecado del Abad Mouret" ( 1970) y "Nuites Rouges" ( 1973). 




André Techine ( nacido en 1943).

Con su característico cigarrillo.

 

Una secuencia de "Las hermanas Brönte".

Cineasta muy revalorizado en su propio país, se inició como crítico de cine en las "Cahiers du Cinema" entre los años 1964 y 1968.
Su cine se caracteriza por un fuerte sentido de la plástica y del espectáculo, aunque también como un anclaje literario indisimulado. 
Representa una cierta tendencia del "cinema de qualité", rodeado de prestigio, pero a veces, poco inspirado.
Se impone con "Barocco" ( 1976) y "Las hermanas Brontë" ( 1979), que es alabado por algunos críticos, aunque es reprochado por cierto gélido refinamiento.
Rueda con la famosa Catherine Deneuve: " Hotel des Ameriques" ( 1981) , aunque tiene más fortuna con Juliette Binoche en: "La cita" ( 1985) y sobretodo: "Los juncos salvajes" ( 1994) una impactante película sobre la guerra de Argelia, interpretada por desconocidos, y donde aprovecha de describir las incertidumbres afectivas y sexuales en la adolescencia.   
Obras-claves : "Barocco" ( 1976); "Las hermanas Brönte" ( 1979) y "Los juncos salvajes" ( 1994).
 

Marguerite Duras ( 1914-1996).

Un recuerdo en color de la famosa escritora y directora.

Nacida en el Sur de Vietnam, vivió en Camboya, Indochina y París. Trabajó como secretaria del Ministerio Francés en la Colonia entre 1935 y 1941. 
Desde 1943 y hasta 1993, se transforma e escritora famosa de 34 novelas. 
Ingresa al cine, como guionista de Resnais ("Hiroshima mon amour"), y aborda la dirección en 1967, en colaboración con Paul Seban, para la película "La musique".
Desde entonces, desarrolló una intensa actividad siempre caracterizada por su preocupación constante por la adaptación literaria a las imágenes, y por una cada vez, más estilizada búsqueda de lo formal que le llevó a efectuar un cine experimental de escasa repercusión comercial.
"Sus películas se caracterizan por el protagonismo de los personajes femeninos y la eterna imposibilidad de la consolidación amorosa". 
Es autora de "El amante", trasladada al cine por Jean Jacques Annaud, en 1992.
Dirigió 16 filmes y ganó por "Indian song" ( 1975), el gran premio de la Academia de Cine francesa.  

Obras-claves: "Nathalie Granger" ( 1972); "Indian Song" ( 1975) y "Le camion" ( 1977).



Roger Vadim ( 1928-2000).

Rodeado de mujeres hermosas y sensuales.

Uno de sus mayores descubrimientos fue Brigitte Bardot, en su película-revelación "Y Dios creó a la mujer".

Hijo de padre ruso-ucraniano y madre francesa, aristócratas de Kiev que huyeron de la Revolución en 1917. Vivió en su juventud en Turquía y Egipto, mientras su padre ejercía labores diplomáticas.
En París debutó como actor de teatro a los 16 años. Desde 1944-47 estudia en el Instituto de Estudios Políticos y en la Universidad de París, para comenzar después una carrera artística y literaria.
En 1950, presenta a la revista Elle, unas fotos increíbles de Brigitte Bardot con sólo 14 años de edad, y la transforma en estrella. Mismo mérito tuvo, cuando debutó en cine con la B.B. para "Y Dios creó a la mujer" ( 1956) que tuvo una tremenda repercusión mundial. 
Casado con Jane Fonda, la impone entre el público europeo con las películas que dirigió : "La ronde" ( 1964); "El Engaño" (" La Curée", 1966); "Historias extraordinarias" ( 1968) y "Barbarella" ( 1968) que también escribió, y que hoy es un clásico del cine camp.
Después del divorcio de la Fonda, se va a Estados Unidos para dirigir a Angie Dickinson en "Pretty Maid"s All in Row" ( 1971).
También descubridor de Catherine Deneuve, fue un cineasta eminentemente comercial, pese a que fue uno de los precursores de la "nouvelle vague" francesa.
 Obras-claves : "Y Dios creó a la mujer" ( 1956); "Relaciones peligrosas" ( 1959); "La Ronde" ( 1964); y "El Engaño" ( 1965).




Palabras al Viento.

"Jules et Jim" de Truffaut : uno de los filmes más característicos de la "nouvelle vague".

___"Pocos movimientos en la historia del cine fueron tan influyentes como la nouvelle vague francesa. Lo que empezó como una reunión de jóvenes críticos aspirantes que trabajaban sobre una revista de cine, se convirtió en una serie de directores cuyo trabajo redefinió al cine moderno. La aparición del movimiento se debe a dos individuos únicos : el conservador cinematográfico Henri Langlois y el crítico Andre Bazin. Este fue uno de los fundadores en 1950 de la revista  "Cahiers du Cinema" y Langlois cofundó la Cinemateca francesa, una filmoteca que proyectaba de manera regular en París. Muchos de los futuros miembros de la nouvelle vague conocía a Langlois personalmente y acudían a la Cinemateca con una devoción casi religiosa, muchas veces para debatir las películas que habían visto hasta bien entrada la noche.
Más tarde, los miembros de esta vanguardia se fueron diviendo por disputas y discusiones. A finales de la década de los sesenta, Godard y Truffaut apenas se hablaban. Pero en los primeros años de esa década, los miembros del grupo colaboraban y se ayudaban mutuamente".     

( Ian Hayd Smith, Editor británico del "International Film Guide" ).


Películas Emblemáticas :

"Los Cuatrocientos Golpes"

Jean Pierre Léaud y Patrick Auffray haciendo la "cimarra" escolar.

En el colegio Antoine es incomprendido como en su casa.

 

Después del accidente pirotécnico a Balzac, su padre le recrimina con su encendedor.

 

La fuga después de robar la máquina de escribir junto a su amigo René.

Acabo de revisar por enésima vez, esta maravillosa película realista con que Truffaut ingresó por la puerta ancha del cine internacional. 
Su espectacular estreno en Cannes en 1959, se centralizó en la figura del niño Jean Pierre Léaud de 14 años, que entusiasmó e impresionó a los expertos por el desenfadado realismo con que da vida a Antoine Doinel; y en el joven director de 27 años, Truffaut, que ya había sido excluído de la muestra el año anterior por su carácter polémico, aunque gozaba de una valiosa reputación como crítico de cine en "Arts" y "Cahiers du Cinema".  
La cinta dedicada al "alma mater" de la Nueva Ola, André Bazin, es un retrato naturalista sobre la infancia descarriada de un niño, Antoine Doinel ( J.P.Léaud), que es incomprendido por sus padres, por el colegio y por la mayoría de sus compañeros, salvo su fiel amigo René ( Patrick Auffray).
La mirada de Truffaut, es tremendamente escrutadora, fiel reflejo de su propia infancia, y algo más poética, en la consumación de la rebeldía, como elemento dramático impositivo, que también revela la fuerza y la energía de esos primeros tiempos de la "nouvelle vague". 
La cinta destaca por el dibujo que traza de sus personajes : la madre de Antoine ( Claire Maurier), es una mujer frustrada por las condiciones físicas en que habita y que tiene un "affaire", descubierto por su hijo en una de sus "cimarras" escolares.
El padre ( Albert Rémy), un mediocre funcionario de un AutoClub, es en realidad, un hombre comprensible cuando quiere dar amor y drástico cuando quiere infundir disciplina. 
En sus horas de ocio, Antoine admira la prosa certera de Honoré Balzac, a quien le rinde culto en una accidentada noche de santiguación.
En este sentido, el filme está cargado de anécdotas y viñetas realmente singulares. 
De esta manera, Truffaut se asegura mantener el ritmo de la acción, integrar el momento sorprendente, la mirada simpática, el suspenso de último minuto y la controversia que despierta una educación retrógrada.   
 

Los castigos escolares son agresivos.

El robo de la lobby card de Harriet Anderson en el cine.

Intentado hallar una solución a las escapadas del hijo.

La reclusión nocturna en el cuartel de policía.

Al inicio de la película, el profesor de lenguaje se pregunta : ¿ Cómo será Francia en diez años más con esta clase de niños ?  
Este tono de ironía, Truffaut lo integra para acentuar la distancia que existe entre los niños y el sistema educativo imperante. Pero además, para enrostrarnos, que "viejos" estamos respecto a la comunicación que debemos tener con nuestros hijos.
Pero hay más. Porque la película considera numerosos detalles relativos a un guión perfecto. Pequeños momentos que vigorizan una historia de la vida real:  El olvido de la harina para preparar la cena; los 500 estimulativos francos de papá; la acción de sacar la basura y apagar la luz, remarcados como epílogos sustanciales de los capítulos que conforman la trama; las cimarras recurrentes para ir al Cine, jugar en los flippers, pasear libres por la ciudad; la falsificación de los justificativos;  la desaparición de la guía Michelin de papá; la fuga a la imprenta del tío de René; las divertidas clases de inglés; el baño cariñoso de mamá antes de ir a dormir; las clases de Educación Física con las salidas a la calle del profesor y los alumnos que se fugan en masas disciplinadas y alternantes; la visita a la enorme casa antigua del amigo René entremedio de gatos y un caballo embalsamado; el robo de la lobby card de una película de Bergman en el cine; la función de títeres que captura las reacciones de los niños frente a una cámara "invisible"; el robo de la máquina de escribir que no pueden vender y deben devolverla a su proveedor con pésimos resultados; la reclusión nocturna en la policía; y el posterior traslado melancólico de Antoine a un Centro de Observación para menores delincuentes; la fuga onírica hacia el mar y el "congelamiento" antológico del rostro de Antoine.

La instantánea más característica del filme.

 

Léaud y Truffaut en Cannes.

 

Antoine en el Centro de Observación para menores delincuentes.

Rodaje de la secuencia final.

El crítico germano Jörg Hetebrügge, destaca que:
___ "A pesar de los amargos acontecimientos Los cuatrocientos golpes no es un filme pesimista. En realidad su tono está más bien marcado por una constante alternancia entre la melancolía y la exaltación. Por ejemplo, cuando la cámara acompaña a Antoine y René en sus correrías como un cómplice secreto, pone de manifiesto, qué significa exactamente ser jóvenes, gracias a las imágenes en blanco y negro y al amplio formato del Dyaliscope, que expresan la intensidad de las experiencias , la espontaneidad vital y la curiosidad inocente perdida, por lo general, los adultos".
En una medida mayor, la película mantiene una frescura vigorizante, y una verdad ineludible sobre las distancias entre los hijos y sus padres. También es una retrato magnífico de las aptitudes de la vida de las personas, en una época convulsionada que exigía urgentes cambios, y que en alguna medida, repite muchos de los tics neorrealistas del cine italiano de postguerra.
"Los Cuatrocientos golpes" es una obra maestra absoluta, que ningún adolescente debe dejar de ver. En su génesis se esconde la fruta madura del noble arte del Cine como reflejo de la vida.


"Sin Aliento"

Godard en pleno rodaje de la película en exteriores.

La pareja "maldita" : Michel Poiccard ( Jean Paul Belmondo), buscado por asesinar a un policía de regreso a París; y Patricia Francini ( Jean Seberg), una estudiante norteamericana que vende el "New York Herald" en los campos elíseos.

Durante el rodaje , Jean Luc Godard y Jean Seberg.

Escena icónica de la película por las calles parisinas.

La toma de la escena final.

Por alguna circunstancia, esta película llegó a mis manos en plena madurez. 
No es que negara el talento evidente de Jean-Luc Godard, pero su cine es anti-sistémico, y sólo con la ayuda de la Cinemateca de la Embajada Francesa en Chile, pudimos armarnos una idea de su talento y vigor. 
Ahora la película está en mi cinemateca hogareña. Y a pesar de los años, todavía resulta un manjar exquisito de vanguardismo, anti-esquemas, una provocación al lenguaje clásico del cine.
El filme es la historia de una traición, desde la obsesión del cultista del cine que admiró la obra del gran Nicholas Ray.
El relato con la estudiante americana Patricia Francini ( Jean Seberg ) que vende el "New York Herald" en los Campos Eliseos, y que entrega la ubicación exacta de su amante delincuente Michel Poiccard ( Jean Paul Belmondo ), puede estar en los anales del filme policial más categórico, sino fuera por la anarquizante manera de narrar que tiene Godard  y la rupturista forma de encarar su puesta en escena.
El retrato que hace Godard de Michel, se circunscribe al dogma de los "rebeldes sin causa" de Ray, aunque su verdadera naturaleza está en la sensibilidad para retratar un clima histórico alusivo al maoísmo. 
Como bien recalcan los críticos Ascanio Cavallo y Antonio Martinez :
___"Sin aliento es esencialmente esto :  un París filmado desde la calle, unos personajes vistos desde la desazón y la ambigüedad moral; un montaje sintético, menos preocupado de la continuidad que de la velocidad; un sistema de significantes capaz de incorporarlo todo, desde la metáfora poética hasta la cita ensayística; un registro de emociones quebrantado, como la siquis de sus personajes; en fin, una narración rápida , inventada sobre la marcha, ingeniosa por modestia y sintética por principio, que puede equiparse a la técnica del graffitti en su triple configuración de urgencia moral, improvisación expresiva y apropiación del espacio público".
Concebida a partir de un guión de Francois Truffaut, con la ayuda de Claude Chabrol, fotografía de Raoul Coutard y la colaboración de Jean Pierre Melville, Roger Hanin y Jean Domarchi, es la prueba más objetiva de la "nouvelle vague", como movimiento que deseaba romper con la tradición del cine de calidad anterior, y a la vez, un soplo de anarquismo que vislumbraría los movimientos ulteriores de mayo del 68.
Innovadores jump-cuts que suprimen todo lo banal, arman un cine experimental de excepcional impacto,  que mantiene inalterable su fuerza, originalidad y poder.


Un Comentario:

"Los cuatrocientos golpes" : atrapado en su propia trampa.

"Que cualquiera pueda ser crítico habla muy bien en primer lugar de la democratización del cine. Por fortuna, éste es un pasatiempo y un fenómeno cultural cada vez más reñido - por una parte- con los ritos y metalenguajes de las capillas y - por la otra- cada vez más abierto a las preferencias de la base, a las adicciones del pueblo espectador. 
Parte de este proceso, es el fulminante desprestigio de los últimos años de las expresiones más intelectualizadas del llamado cine de autor. 
La verdad es que, no sólo el mercado y la industria se encargaron de poner en su lugar esos rebrotes de pedantería, egolatría y bizantinismo. 
El castigo dispensado por el tiempo, a la larga, fue mucho más drástico y cruel. 
Baste ver hoy día, cualquiera de las películas que en los años 60 hicieron perder el juicio y el sueño a los vanguardistas, para verificar que esas idolatrías tuvieron una patética y prematura vejez.
A lo mejor en su época "Los cuatrocientos golpes" el primer largometraje de Truffaut , pareció un filme mucho más convencional y mucho menos osado que "París nos pertenece", la cinta de su amigo y colega Jacques Rivette. Pero hoy día, no hay donde perderse. 
La obra de Truffaut aún tiene una lozanía evangélica y una capacidad de revelación prodigiosa. 
El filme de Rivette, en cambio, vaga historia de un montaje teatral que fracasa y de una conspiración que no cuaja, se ve ahora denso, tieso, vacío, oscuro, aburridor e insufrible. La película, sobrestimada hasta el día de hoy, abrió una ruta, tras la cual muchos realizadores talentosos terminarían naufragando en Francia".

( El crítico de cine chileno Héctor Soto ).  




10 Actores Representativos :

Jeanne Moreau.

En sus comienzos en "Les Louves".

Con Truffaut dirigida en "Jules et Jim".

En "Jules et Jim"como Catherine, la belleza que se disputan dos entrañables amigos y cuyo rostro coincide con el de una estatua.

 

Como "La Reina Margot".

Aunque no está considerada dentro de las actrices más populares del cine galo, sí debe aparecer entre las más prestigiosas. 
Dueña de una personalidad fascinante, Jeanne Moreau ( nacida en 1928), de carácter  fuerte y muy femenina.
La crítica internacional siempre fue muy benevolente con ella, porque sabía lo que valía en acción. 
Una dama inteligente, culta, que transformó su ícono en carta de representación de la cultura francesa más poderosa del cine.  
Sus inicios, por tanto, fueron categóricamente alentadores : alumna del Conservatorio de París, actriz de la Comédie francaise donde llegó a actuar en 29 obras. 
Probó todos los clásicos imaginables ( Moliére, Shakespeare, Racine,etc,) y lubricó su expresividad corporal a las necesidades estéticas del medio audiovisual.
Debutó en 1949, pero sólo alcanzó notoriedad, en el filme histórico "La reina Mstgot" ( 1954).
En 1952 ingresa al Teatro Popular Nacional, al lado de Jean Villar y Gérad Philippe; para regresar al cine con una película mítica "Ascensor para el cadalso" ( 1957), el debut de Louis Malle. 
Se halló a sus anchas, interpretando el prototipo que la haría definir frente al público : el de la mujer apasionada, fuerte, dura , intransingente e indomable.
Cinta emblemática de la nouvelle vague, porque trató con óptica adulta, una temática de carácter sexual con aires intelectuales.
Simultaneando sus trabajos en teatro con la pantalla grande haría sus primeros pinitos la Moreau.
La controversia que despertaría: "Los amantes", su siguiente película, la encumbraría por los cielos de la fama, y la transformaría en la figura ideal para los directores sesudos de la nueva ola. 
Truffaut llegó a escribir en las "Cahiers du Cinema" acerca de la actriz, que ella era : "la primera noche de amor en la historia del cine", musa y amante del cineasta, apareció como ella misma en "Los cuatrocientos golpes" ( 1959).
Más adelante, habría de participar en : "Une femme et une femme" ( 1960) de Godard, "Las relaciones peligrosas" de Roger Vadim; Moderato Cantabile" ( 1960) de Peter Brook y "La noche" ( 1960) de Michelangelo Antonioni.
Para transformarse en mito duradero como la protagonista de: "Jules et Jim" ( 1961) de Truffaut, especie de hembra perfecta, esculpida en granito por los Dioses del Olimpo, integraba con soltura y emotividad esta notable película, donde se la disputaban dos viejos amigos encarnados por Oscar Werner y Henri Serre.  

Dos mitos del cine francés : Jeanne Moreau y Brigitte Bardot en : "Viva María".

Dirigida por Buñuel en "Diario de una camarera".

Cumpliendo un viejo sueño que es  actuar en un western : "Monte Walsh" con Lee Marvin.

Su carrera posterior, siempre estuvo en los márgenes del cine industrial, porque decidió transformarse con fortuna, en una actriz dramática ideal para grandes cineastas de la talla de: Joseph Losey ("Eva", 1962; "El Otro Sr.Klein", 1976; "La Trucha", 1982 ); Louis Malle ("Fuego fatuo", 1963; "Viva María", 1965); Orson Welles ("El Proceso", 1962; "Campanadas a medianoche", 1964; "Una historia inmortal", 1966); John Frankenheimer ("El Tren", 1963); Luis Buñuel ("Diario de una camarera", 1963); Francois Truffaut ( "Jules et Jim", 1961; "La novia vestida de negro", 1967); William A.Fraker ("Monte Walsh", 1970); Elia Kazan ("El ultimo magnate", 1976); Luc Besson ("Nikita",1990 ); Wim Wenders ("Hasta el Fin del Mundo", 1991); Theo Angelopoulus ("El paso suspendido de la cigüeña", 1991); Rainer Werner Fassbinder ("Querelle", 1982); Vincent Ward ("Mapa del corazón humano", 1992); Yves Desgagnés ("Romeo y Julieta", 2006) y Manoel de Oliveira ("Gebo et l"ombre", 2012).
También se transformó en directora, cuando escribió y supervisó "La adolescente" ( 1978), una interesante mirada al despertar juvenil, hecha con mucho tacto, sensibilidad y riqueza estética.



Anna Karina.

Cuando era una joven actriz enamorada de Godard.

 

En "Vivir su vida" de Jean Luc Godard.

 

En "Una bande a part" también de Godard.

La fotogenia de una belleza danesa.

En "Pierrot el loco", junto a Jean Paul Belmondo.

Actriz de origen danés, Anna Karina ( 1941-1983), cuyo nombre real fue Hanna Karin Bayer y que se hizo conocida como protagonista y amante del controvertido realizador Jean-Luc Godard.  
El cine romántico de Godard, quedó por cierto, atravesado por la existencia de Karina que también conoció su gloria en las marquesinas de cine.
Desde su debut en : "El soldadito" ("Le Petit Soldat", 1960) con Michel Subor, hasta la despedida con "Made in U.S.A." ( 1966) con Laszlo Szabó y Jean Pierre Léaud, la relación director- actriz, fue una de las colaboraciones más fructíferas del cine. 
Ella inspiró a Godard  muchas de sus aportaciones al problema de la dirección de actores, como respuestas a unas necesidades que desbordan los planteamientos clásicos de  la interpretación o el fingimiento.
Tras el pudoroso acercamiento y tímido acoso de la cámara de Godard, al rostro y cuerpo de Anna Karina  en "Le Petit Soldat", "Une femme est ume femme"( 1961), supone una absoluta declaración amorosa en la que el cine y la vida cómplices de la misma causa, se unen paulatinamente para enriquecerse.  
Con Godard, Karina filmó siete películas, donde también se incluyen :  "Vivir su vida" ("Vivre sa vie", 1962); "Band á part" ( 1964); "Alphaville, une etrange aventure de Lemmy Caution" ( 1965) y "Pierrot el loco" ( 1965).
 


Anouk Aimée.

En su máximo esplendor estético.

 

Un pequeño mito como "Lola" de Jacques Demy.

Idealizada por Federico Fellini en : "La dolce vita".

 

Con rostro intelectual en "Ocho y Medio" de Fellini.

 

En 1950, cuando era una desconocida.

 

Uno de los rostros enigmáticos del cine.

 

Con Gérard Philippe en :"Montparnasse 19".

 

Con Jean Louis Trintignat reviviendo el amor, en: "Un hombre y una mujer: veinte años después" de Claude Lelouch.

Es una de las actrices menos conocidas de la nouvelle vague francesa, aunque una de las más apreciadas por la crítica internacional.
Musa de intelectuales, Anouk Aimée ( nacida en 1932), sobretodo después de interpretar películas de Astruc y Fellini, logró la repercusión internacional con "Un hombre y una mujer" ( 1966), esa dulzona y pegajosa historia romántica de Claude Lelouch. 
Si bien su carrera se ha visto irregular, su nombre siempre estuvo incluído en producciones de interés y lustró en una vida muy sentimental donde optó por el amor, sacrificando la fama y las luces del show business.
Actriz enigmática, estudió danza y arte dramático y debutó en el cine, en una breve aparición en un melodrama olvidado : "La maison du mer" ( 1947).
Después de una revisión moderna al mito de Romeo y Julieta con "Los amantes de Verona ( 1947) de André Cayatté; Aimée filma en Inglaterra : "The Man Who Whatched Trains Go By" ( 1952) junto al gran Claude Rains.
Sus películas posteriores, no pasaron de la medianía, hasta "Montparnasse 19" ( 1958) de Jacques Becker, que la reveló como un mito oculto, siempre atractivo pero distante.
En este período filma para Hollywood "The Journey" ( 1958) de Anatole Litvak, con Yul Brynner y Deborah Kerr, donde hace de una partisana; y más tarde, su primera película famosa: "La dolce vita ( 1960) de Fellini, donde encarna una aristócrata ninfómana.
Fue su revelación,  que le permitió aumentar sus visas en películas de mayor brillo, como : "Lola" ( 1961) de Jacques Demy ; "Juicio Universal" ( 1961) de Vittorio De Sica; "Ocho y Medio" ( 1963) de Fellini , donde interpreta a la esposa compungida de Marcello Mastroianni; "El suceso" ( 1963) de Dino Risi, y "Un hombre y una mujer" ( 1966) de Claude Leloch, su filme portaestandarte.
Una música inolvidable de Francis Lai,  juegos chillones de colores tipo revista de modas; fluos y disolvencias, vinieron a remarcar el estilo Lelouch en una historia de amor que todavía funciona bien, a simple nivel del divertimento pasajero. 
En realidad, es una cinta exquisita,  que todavía respira nostalgias señeras, amores infinitos y  clichés de otra época.
Después filma "Una noche, un tren" ( 1968) de André Delvaux y "La Cita" ( 1968) de Sidney Lumet.
Con "Justine" ( 1969), Anouk ingresa por la puerta ancha al cine norteamericano. Película ambiciosa y desproporcionada, para la crítica es una obra modélica que urge reivindicar.
Más adelante, Anouk se casó con el actor británico Albert Finney y abandonó el cine por largo tiempo. 
Detrás del divorcio, llegaron ofertas de trabajo para películas irregulares como : "Salto al vacío" ( "Salto nel vuoto", 1980) de Marco Bellochio y "Viva la vie" ( 1984), otra de Lelouch.
Sus últimos esfuerzos por remontar, tuvieron un viraje favorable porque se dedicó a trabajar con gente de prestigio como : Bernardo Bertolucci ("La tragedia de un hombre ridículo", 1981); Jerzy Skolimowski, Jacques Demy y Agnes Varda.
En 1985, realizó la continuación de su éxito más popular : "Un hombre y una mujer : veinte años después" para justicia de una insípida historia, tan común como los clichés del Amor.


Catherine Deneuve.

 

El rostro más fotografiado del cine francés.

 

Curiosa fotografía de la actriz cuando niña.

Al altar en "La Sirena del Mississipi" de Truffaut, con Jean-Paul Belmondo.

En "Piel de Asno" de Jacques Demy.

En "Matter of Resistence" junto a Philippe Noiret.

Ejerciendo la prostitución en "Bella de día" de Buñuel.

Como una mujer reprimida sexualmente, en "Tristana" también de Buñuel.

Junto a David Bowie en "The Hunger".

Bailando tango en : "Indochina".

En su última película junto al niño Nemo Schiffman en : "Elle s"en va"/"On my way" ( 2013), dirigida por Emmanuelle Bercot.

Catherine Denueve ( nacida en 1943),  nunca fue una mujer muy "cálida y apasionante" , pero los franceses la transformaron en símbolo de la belleza clásica. 
Su rostro se acostumbró a las portadas de los magazines, los flashes de la televisión, y  la publicidad. 
No existe una Deneuve más atractiva que la que vislumbra el objetivo de una cámara.  
Su proceso, eso sí, ha ido de menos a más, en una carrera premiada por los Palmares, una constante mantención actualizada de su naturaleza como mitología del cine; y un peregrinar sin mucho esfuerzo, donde ha transitado de joven mozuela a dama de estirpe.
Debutó en "Les collegiennes" ( 1958) de André Hunebelle.
De cabellos negros, Vadim la transforma en rubia para: "El vicio y la virtud" ( 1962), donde encarnó a la virtud.
Con "Los paraguas de Cherburgo" ( 1965) de Jacques Demy, alcanzó renombre internacional. No sólo mostró que sabía actuar, también podía cantar, bailar y hasta mostrarse simpática y vitalista.
Los grandes directores han sabido extraer de ella, todos sus potenciales que se esconden tras una belleza algo gélida y distante. 
Recuérdenla arrastrando su locura en la claustrofóbica "Repulsión" (1965) de Polanski; como mujer sexualnente traumada en "Bella de día" ( 1966) de Buñuel o como
 heroína romántica en "Mayerling" ( 1968) de Terence Young.  
A no olvidarla en las películas :  "Las señoritas de Rochefort" ( 1967) de Jacques Demy; "Las Criaturas" ( 1967) de Agnes Varda; "La sirena del Mississippi" ( 1969) de Francois Truffaut; "Piel de asno" ( 1970) de Jacques Demy ; "Crónica negra" ( 1972) de Jean Pierre Melville; "La gran burguesía" ( 1974) de Mauro Bolognini; "Hustle" ( 1975) de Robert Aldrich; "Anima persa" ( 1976) de Dino Risi; "El último metro" ( 1980) de Francois Truffaut"; "Palabras y Música" ( 1984) de Elie Chouraqui; "Indochina" ( 1992) de Regis Wargnier; "Les Voleurs" ( 1996) de André Techine; "Genealogía de un Crimen" ( 1997) de Raúl Ruiz; "Place Vendome" ( 1998) de Nicole García; "8 Mujeres" ( 2002) de Francois Ozon ; ""Un cuento de Navidad" ( 2008) de Arnaud Desplechum; ""Mujeres al poder" ( 2010) de Francois Ozon y "Elle s"en va" ( 2013) de Emmanuelle Bercot.



Marina Vlady.

Con todo el furgor de la juventud.

 

Al lado de Marcello Mastroianni en "Días de Amor" ("Jours d"amour",1956).

Supervisada por Jean Delannoy en "La Princesa de Cleves".

 

En la película " 2 on 3 choises , que je sais d"elle".

 

Luciendo los colores de la naturaleza.

 
Hermana de las actrices Helene Vellier, Odile Versois y Olga Varen, Marina Vlady ( nacida en 1938), desde los nueve años, trabajó como bailarina en la Opera de París.
Debutó en el cine en 1949 en la película "Orage d"eté", y en el transcuros de los años cincuenta se dió a conocer como una actriz tremendamente sensible , hermosa y versátil.
Durante la filmación de "Los malvados van al infierno" conoció al actor Robert Hossein, con quien contraería matrimonio en 1955.
A los catorce años, Vlady rodó en Italia, "La Edad del Amor" junto a Aldo Fabrizi  y el niño actor Pierre Michel Beck. A los 15, protagonizó "Días de Amor" con Marcello Mastroianni y "Antes del diluvio" ( 1952) de André Cayatte.
Tanto en estas películas como en las que siguieron, Marina caracterizó a una adolescente llena de fuerza y picardía, capaz de sentir como una mujer adulta.
En el cine a lo largo de los años, Marina ha trabajado con algunos de los directores más destacados de su tiempo, entre los cuales hay que mencionar a : Jean Delannoy ("La princesa de Cleves", 1960);  Alberto Lattuada ("La Steppa" , 1961), Orson Welles ("Campanadas a medianoche", 1965); Jean Luc Godard ("Deux ou trois choses que je sais d"elle", 1966); Bertrand Tavernier ("Que empiece la fiesta", 1974); Clive Donner ("El ladrón de Bagdad", 1974); Fernando Solanas ( "Tango : El Exilio de Gardel", 1985); Ettore Scola ("Splendor", 1989) y Amor Hakkar ("Quelques jours de répit", 2010). 


Alain Delon.

En 1963, en una foto promocional.

En "A pleno sol", un thriller maestro donde el director René Clement, remarca la mirada del actor.

En "El Gatopardo" junto a Claudia Cardinale.

 

Junto a Romy Schneider y Jean Claude Brialy en "Christine".

Con Romy Schneider en "La Piscina".

 

Con Monica Vitti en "El Eclipse" de Antonioni.

 

En "Amores célebres" con la Bebé, Brigitte Bardot.

  
Nacido en 1935, tuvo una infancia difícil y cuando tenía 17 años se alista como paracaidista en la guerra de Indochina. 
De vuelta a casa, trabaja como cargador en el mercado en París, y más tarde, ingresa al cine gracias al director Marc Allegret quien le vislumbra un futuro prometedor.
Según todos los antecedentes, estaba destinado a transformarse en el niño bonito del cine francés. 
El notable éxito del policial "A pleno sol" ( "Plein solei", 1959) dirigido por René Clement, sobre una novela de Patricia Highsmith"Mr.Ripley", que le reveló como símbolo icónico de una época, le lleva a trabajar en Italia con Luchino Visconti, en: "Rocco y sus hermanos" ( 1960) y "El Gatopardo" ( 1963), sólidos melodramas de aliento costumbrista e histórico.  
Delon recordó una vez : 
___"Una carrera se va haciendo a lo largo de muchos años y de una vida entera, y se va construyendo como un edificio. Ahora bien, un edificio sólo se sostiene en pie, si sus bases son sólidas, si están bien secas y hundidas en el suelo. Y en lo que a mí se refiere, estas bases que están en el origen de mi carrera, se llaman Visconti, Melville, Losey y algunos más. Por eso, es por lo que sigo en pie. Debido a ellos , sigo adelante".
Sus cumbres cinematográficas logradas con películas como "Rocco y sus hermanos", "El Gatopardo", "El Samurai" y "El otro señor Klein", crearon en él, la seguridad de que era capaz de hacer cualquier cosa en el cine.
En "Rocco" representó al proletario con la figura de un noble; en "El Gatopardo" quiso ser noble y no fue más que un proletario; en "El Eclipse" ( 1962) dirigido por Michelangelo Antonioni, se hundió en los abismos de la incomunicación. 
También fue bribón, aventurero, seductor y personaje histórico, como en: "El asesinato de Trosky" ( 1972) y un notable hombre de negocios, productor y político en la vida real. 
 

En "Rocco y sus hermanos" : Annie Girardot, Alain Delon y el director Luchino Visconti.

 

En el lecho junto a Jane Fonda en "Los felinos".

Dirigido por Joseph Losey en "El Otro Sr.Klein".

 

Carátula de "El Samurai"de Jean Pierre Melville.

 

Con Vanessa Paradis y Jean Paul Belmondo en "Une chance sur deux".

El actor en una gala con Georgina May Jagger.

 
Recibió por primera vez el "César" francés por "Nuestra historia"/"Cuartos separados", y gracias a su instinto para producir gana muchísimo dinero con: "Borsalino" ( 1974)de Jacques Deray, junto a Jean Paul Belmondo, para desmentir ciertas rivalidades entre las dos superestrellas del cine galo.
Del resto de su filmografía son destacables además : "La Piscina" ( 1968) de Jacques Deray; "El clan de los sicilianos" ( 1969) de Henri Verneuil;  "El círculo rojo" ( 1970) de Jean Pierre Melville; "La viuda de Courdec"( 1971) de Pierre Granier Deferre: ; "El Zorro" ( 1975) de Duccio Tessari; "El gran amor de Swann" ( 1984) de Volker Schlöndorff ; "Notre histoire" ( 1984) de Bertrand Blier; "Nouvelle vague" ( ( 1990) de Jean Luc Godard ; "Casanova" ("Le retour  de Casanova", 1992) de Edouard Niermans; "Le jour et le nuit" ( 1997) de Bernard Henri-Levy y "Les acteurs" (2000) de Bertrand Blier.


Jean Paul Belmondo.

En los inicios de su carrera.

En "Sin Aliento"/"Al final de la escapada" junto a Jean Seberg.

 

En "Pierrot, el loco".

 

Con Jacqueline Bisset en "El Magnífico".

 

Paseando junto a Jean Gabin en "Un mono en el invierno".

 

A caballo acompañado de Marlene Jóbert en "Los maridos del año II".

  

Con Raquel Welch en "El Animal".

En el set de "Stavinsky" junto al director Alain Resnais.

Nacido en 1932,  su contacto con el arte fue siempre natural, pues su padre era escultor y director del Museo de Bellas Artes y su madre una distinguida pintora. 
Su hermana se convirtió en una destacada bailarina que estuvo en los años ochenta en Chile, con una compañía francesa y sorprendió a todos en el escenario y fuera de él, por su alto nivel intelectual.
Su primera vocación sin embargo, estuvo relacionada con la actividad circense, especialmente los acróbatas y trapecistas.
Recuerda el actor :
__"No faltó la ocasión , cuando aún no cumplía los diez años , fue cuando un artista me hizo subir  a los trapecios de prueba. La primera vez , me subí a uno de ellos y me sentí como un halcón o algo parecido, con el aire barriendo mi rostro".
Todo esto explica su larga permanencia como astro, y su predilección en la pantalla grande de aparecer el mismo haciendo muchas de las escenas riesgosas que requieren dobles.
Posteriormente,  se interesaría por el boxeo donde establecería grandes vínculos de amistad duradera con los excampeones mundiales de peso mediano, Juan Carlos Monzón y Rodrigo Valdés.
A los 16 años , decidió que iba a ser actor a pesar de los consejos de sus amigos y profesores del Conservatorio de Arte Dramático en París, quienes trataron de disuadirlo por su "falta de condiciones".
El se olvidó de todos y cumplió su vocación, llegando a convertirse en un gran astro del cine francés, después que interpretara al delincuente Michel Poicard en: "Sin Aliento"/"Al final de la escapada" ("A bout de souffe", 1959) de Jean Luc Godard, punta de lanza de la "nouvelle vague".
De todas sus películas, siempre han sido las más interesantes, las que efectúo durante la primera década de los años sesenta, como : "Moderato Cantabile"( 1960) de Peter Brook; "Dos Mujeres" ( 1960) de Vittorio De Sica; "El confidente" ("Le doulos", 1962) y "El guardaespaldas"("L"Ainé des Ferchaus", 1963) de Jean Pierre Melville; "Pierrot el loco" ("Pierrot le fou", 1965) de Jean Luc Godard; "El ladrón" ("Le voleur", 1967) de Louis Malle y "Las tribulaciones de un chino en China" ( 1965) de Phillippe de Brocca.
Del resto de su filmografía atiborrada de películas de acción, conviene detenerse en: "La sirena del Mississippi" ( 1969) de Francois Truffaut; "Stavinsky" ( 1974 ) de Alain Resnais y "Borsalino" ( 1970 ) de Jacques Deray junto a Alain Delon.
Convertido en una estrella, a partir de los setenta, sólo participa en producciones de consabido éxito en las boleterías, lo que transforma su carrera en algo rutinario, incapaz de descolgarse de la imagen del héroe del cine de acción, lo que dinamita sus posibilidades de evolucionar dentro de una carrera larga y fructífera. 



Jean-Claude Brialy.

Cuando era una de las estrellas de la nueva ola francesa.

En el set de "El Bello Sergio" con Claude Chabriol y Gérard Blain.

Jean Claude Brialy, Anna María Ferrero, Antonella Luadi, Laurent Terzieff, Elsa Martinelli y Franco Interlenghi en : "La notte brava".

Con "Los Primos" y "El Bello Sergio", Brialy se formó una carrera.

Con Jean Gabin en "Anne Sainte" ( 1976).

Junto a Jane Fonda en : "La Ronda", dirigidos por Roger Vadim.

Con Jacqueline Maillapan en "Cleopatra y César", un sketch para el programa televisivo "Maillan 33 33".

Compañero de Monica Vitti en "Chateau suede".

De barba en "La rodilla de Clara" de Eric Rohmer.

Se convirtió en una de las figuras emblemáticas de la "nouvelle vague", cuando integró el reparto de películas características del movimiento, entre las cuales destacan: "Ascensor para el cadalso" ( 1957) de Louis Malle; "El bello Sergio" ( 1957) y "Los Primos" ( 1958)de Claude Chabrol; "Los cuatrocientos golpes" ( 1959) de Francois Truffaut; "Une femme est une femme" ( 1961) de Jean Luc Godard y "Cleo de 5 a 7" ( 1962) de Agnes Vardá.
Jean Claude Brialy ( 1933-2007), es hijo de una familia militar, estudió en el Conservatorio de Strasbourgh y en "Saint Etienne Episcopal College" en Francia.
Debutó en teatro a principios de los años cincuenta del siglo pasado, y luego en el cine apareció como extra en "Elena y los hombres" ( 1956) y "La sonate a Kreutzer" ( 1956) de Eric Rohmer, para remontar y transformarse en una de las figuras más características del movimiento de vanguardia francés.
En 1971, dirigió su primera película "Eglantine" a la que siguieron después : "Le volets clos" ( 1972); "L"oiseau rare" ( 1973), "Un amor de lluvia" ( 1974), en los que también intervino como actor.   
Otras películas donde resulta inolvidable : "La novia vestida de negro" ( 1967) de Francois Truffaut ; "La rodilla de Clara" ( 1970) de Eric Rohmer; "El fantasma de la libertad" ( 1974) de Luis Buñuel; "El juez y el asesino" ( 1975) de Bertrand Tavernier ; "Barocco" ( 1976) de Andre Techine y "La Banquera" ( 1980) de Francis Girord. 



Jean Pierre Léaud.

 

Como Antoine Doinel, el personaje que lo acompañó por veinte años en el cine.

En "La noche americana" de Truffaut.

Alter-Ego del director Francois Truffaut, a partir del protagonismo de una de las obras emblemáticas de la Nueva Ola, "Los Cuatrocientos Golpes" ( 1959), es uno de los casos más brillantes de intérpretes formados y desarrollados a la razón de una unión profesional constante y que escribió algunos de los momentos más entrañables del cine moderno : las cinco películas que interpretó como Antoine Doinel desde la adolescencia a la juventud y madurez.
Ellas son : "Los cuatrocientos golpes" ( 1959); "El amor a los veinte años" ( 1962); "Besos robados" ( 1968); "Domicilio conyugal"( 1970) y "El amor en fuga ( 1978).
Nacido en 1944, es hijo de la actriz Jacqueline Pierreaux y del guionista y asistente del director Pierre Léaud. Sin duda, su destino estaba escrito desde sus primeros años de vida. 
Siendo un niño apareció  jugando en la película "La tour , prends garde!"( 1957) del veterano director Georges Lampin. 
Leyendo un artículo en el diario, donde aparecía Francois Truffaut buscando un actor para el rol central de la película "Los cuatrocientos golpes", Léaud acudió y ganó la selección para interpretar al joven Antoine Doinel.
El cineasta eligió al muchacho, por su espontaneidad y su virtud de improvisar frente  a cámara.
Gracias a Truffaut, Léaud fue conocido en todo el mundo. , aunque no se remitió a aparecer solamente en películas de este gran cineasta. 
También fue actor fetiche de Godard, en ocho filmes ( como "Pierrot el loco", 1964; "Une femme est une femme", 1964; "La Chinoise", 1967; "Week-end", 1967 y "Detective", 1985) y no perdió la ocasión, de trabajar con otros grandes realizadores como : los italianos Pier Paolo Pasolini ("Porcile", 1968) y Bernardo Bertolucci ( "El Ultimo Tango en París", 1972 ) ; el polaco Jerzy Skolimowski ( "Dialog 20-40-60", 1968); los brasileños Glauber Rocha ( Cabezas Cortadas") y Carlos Diegues ("Os Herdeiros", 1970); los franceses Jean Cocteau ("El testamento de Orfeo", 1960); Jean Granier Deferre ( "La coleur de vent", 1988); Bertrand Blier ("Mon Homme", 1996); Agnes Varda ("Jane B", 1988); Olivier Asayas ("Paris S"eveille", 1991; "Irma Vep", 1996); el taiwanés Tsai Ming-Liang ("Visage", 2009) y el finés Aki Kaurismakï ( "I hired a contract killer", 1990; "La vie de boheme", 1992) y "Le Havre", 2011). 
 


Stéphane Audran.

En una foto de estudio.

Con Jean Yanne en "El Carnicero".

En "Les Noces Rouges" abrazando a Michele Piccoli.

Seduciendo a Phillippe Noiret  en "Coup de torchon".

Con Jacqueline Sassard en "Les biches".

Con Jean Louis Trintignant en "Sin móvil aparente".

 

Arreglándose sus prendas íntimas en "La mujer infiel".

 

De nombre real Colette Suzanne Dacheville, Stephane Audran ( nacida en 1932), tuvo una infancia compleja y difícil, porque su padre médico, falleció cuando ella tenía sólo seis años y su madre estaba ausente.
Estudió Arte Dramático trabajando con Charles Dullin, René Simon y Tania Balachov.
Casada con el actor Jean-Louis Trintignant en 1953, se divorció de él, cuando descubrió el amor que existía con su coprotagonista Brigitte Bardot en: "Y Dios creó e la mujer" ( 1956). 
Después contrajo matrimonio con el realizador Claude Chabrol, entre 1964 y 1980, período en el cual, se transformó en una de las actrices fetiches de la "nouvelle vague" y de Chabrol que la convirtió en su musa.
Su tremendo registro histriónico, además de una inquietante presencia escénica,  le han permitido demostrar ser una de las actrices más interesantes del cine europeo de la hora presente, pese a que no hace películas desde el 2008.
De todas sus películas sobresalen : "El Carnicero" ( 1970) y "Violette Noziere" ( 1978) ambas de Chabrol; "El discreto encanto de la burguesía" ( 1972) de Buñuel ; "Vincente, Francisco, Pablo y los otros" ( 1974) de Sautet; "Días de Gloria" ( 1980) de Fuller ; "y "La Fiesta de Babette" ( 1987) de Axel, tal vez, la mejor de sus actuaciones.


Fotos-Gentileza : "Cahiers du Cinema" - "Positif" - "The New York Times"- "L"Ecran Cinematographic"- Pathé Productions -Les Films du Carosse- Societé Nouvelle de Cinématographe ( SNC)- Les Films des deux mondes - Anouchka Films- Orsay Films- Les Films de la Pléiade - Les Productions de la Gréville- Simar Films- Renn Productions- Artemis Productions- Argos Films- Como Films- Cine Tamaris- Nouvelle Editions de Films ( NEF)- Cinemateca Francesa- Archivo.- 
 

Poster de "Cleo de 5 a 7" de Agnés Varda.

 

Afiche de "Jules et Jim" de Francois Truffaut.

 

Poster de "Sin Aliento"/"Al final de la escapada" de Jean-Luc Godard.