Séptimo 7 sello: Pequeños Clásicos del Cine Familiar :

Horror y Travesura en 35 mm.

La despedida de Mickey Rooney, está tachonada de nostálgicas imágenes en el cine, como cuando estelarizó con Elizabeth Taylor y Jackie "Butch" Jenkins: "Fuego de Juventud" ("National Velvet").

La encantadora Shirley Temple, dejó un puñado de películas entretenidas, por redescubrir en formato DVD y Blue Ray.
Al alero de la "20th.Century Fox", ella fue la cara visible de la "New Deal", en tiempos en que era imprescindible recomponer el espíritu positivista de una nación.
Del recientemente desaparecido Mickey Rooney, descubrimos algunas cintas que reviven su figura, demostrando porqué era uno de los mayores showman del mundo.
Adicionamos, una galería de fotografías con su carrera y algunos momentos de su vida diaria.
También descubrimos a la "Universal" y sus clásicos del terror, por qué vinieron a cultivar el gótico, con su desaforado lirismo y particular estética en los años treinta y cuarenta del siglo pasado.
En esta ocasión, valorizamos algunas pequeñas joyitas con Bela Lugosi, Boris Karloff y el olvidado Otto Kruger, en uno de sus raros papeles estelares.
En la entrada de esta semana, le seguimos la huella a : comedias, musicales, aventuras, ciencia ficción y terror.
Un puñado de películas de tiempos pretéritos, cuando el cine era arte, pero también sabía ser evasión, con natural destreza e inteligencia.
Además, hay algunas comedias contemporáneas para revalorizar la producción actual.
Todas las películas recomendadas, están disponibles en disco láser, y cada uno, a su modo, representa el sentido artístico y la entretención de su tiempo.

"La Joven Rebelde" :
Progresistas versus Conservadores.

Los actores centrales del filme : Charlotte Greenwood, Shirley Temple y Jack Oakie.

La pequeña Shirley Temple, que nos dejó a los 85 años de edad en Febrero, fue uno de los pilares fundacionales del "star system" infantil en Hollywood.
Su encantador gracejo, la hacían especialmente dotada para estelarizar comedias mundanas y familiares.
Característica central de su personalidad, era su aliñado carácter, siempre dispuesta a no dejarse vencer por los obstáculos de la vida.
Ese espíritu emprendedor, propio de la Era de la "New Deal" de Franklin Roosevelt, se refleja en su rostro, con esa dulce sonrisa de oyuelos encantadores, y esos ricitos de oro, que la convirtieron en una prodigio inolvidable.
"La Joven Rebelde" ("Young People", 1940), dirigida por el experimentado Allan Dwan - con quien había rodado: "Heidi", 1937; y "Susana de las Montañas", 1938 - , nos devuelve a una Shirley electrizante, llena de energía y vitalidad, y en una comedia musical de estilo Broadway.
Cabe consignar que, fue su última película para la Fox.
Los Ballatine ( Jack Oakie y Charlotte Greenwood ), una popular pareja de actores de vodevil, se hacen cargo de la crianza de una niña abandonada ( Shirley Temple), integrándola en sus presentaciones públicas y sometiéndola a una vida llena de viajes y compromisos profesionales.
Cuando Wendy - así se llama la chica- cumple doce años, los Ballantine deciden dejar el teatro por una vida aparentemente tranquila en el campo.
Determinados a mudarse a un pequeño pueblo de la Nueva Inglaterra, llamado Stonefield, se esfuerzan por conquistar a sus lugareños, aunque fracasan debido a las antipatías con que los ciudadanos reciben a la familia.
En una reunión de vecinos, quedan al descubierto las diferencias acérrimas que existe entre los veteranos conservadores del lugar y los jóvenes progresistas, que apoyan las ideas de los Ballantine, a costa de las burlas y la instigación.
Wendy ( Shirley Temple), deberá soportar la afrenta en medio de un show infantil, que se desarma por la estricta disciplina de los padres, que no aceptan ideas tan liberales.
Se trata de la película "más política" de Shirley.
Un gran espectáculo musical, que somete la mentalidad avejentada de toda una población, contra la fuerza y astucia de un trío familiar abierto y transparente.
El realizador Allan Dwan ( 1885-1981), un pionero del cine, autor de películas como : "Robin Hood" ( versión muda de 1922); "Arenas de Iwo Jima"; "Suez" y "Horizontes de Odio", supervisa las mejores escenas, como si fuera un discurso abierto en apoyo de las políticas renovadoras de la "New Deal", subrayando la vieja idea de que el progreso, se construye entre todos y nó entre unos pocos.
Hay actores entrañables en papeles secundarios, como : George Montgomery ( sin bigote ), que aparece como Mike Shea, un joven periodista demócrata, ferviente defensor de las ideas de los Ballantine; Minor Watson, eterno característico de dramas y comedias, como Dakin, un insultante granjero, cuya ironía le juega más de una mala pasada y la veterana Kathleen Howard en el papel de Hester Appleby, la anciana profesora del pueblo, que ejerce de manera inflexible la posición del conservadurismo rural.
Entre los vecinos, desfilan también : Mae Marsh, Sarah Edwards, Irving Bacon, y los niños Darryl Hickman y Shirley Mills, que juntos reaparecerían en el clásico "Uvas de Ira" de John Ford.
"La Joven Rebelde" integra de manera efectiva y encantadora, números de baile, tapdance, ejercicios gimnásticos tan propios de la Greenwood, chistes, suspenso, algo de drama, y muchísimo positivismo para levantar los ánimos.
Además, la Shirley está en el apogeo de su fama infantil, justo antes de doblar a la esquina de la adolescencia. Recomendable.

"El Triunfo de la Vida" :
El Musical eleva la moral de un País.

Shirley y Buster.

La llegada de la Temple a MGM : Louis B.Mayer, Shirley, Judy Garland y Mickey Rooney, recientemente desaparecido.

Carátula del DVD.

Entre las rarezas por descubrir, está : "El Triunfo de la Vida" ( "Stand Up and Cheer", 1934), una modesta pero alentadora comedia musical de la Fox, dirigida por el artesano Hamilton McFadden.
Pertenece a la primera etapa de la carrera, de la incipiente Shirley Temple.
Estados Unidos sufre la Depresión económica y está al borde del colapso.
El Presidente Franklin Rooselvelt, nombra a Lawrence Cromwell ( Warner Baxter), un exitoso empresario de Broadway para encabezar el Ministerio de la Diversión, que tiene el objetivo de levantar los ánimos de la población.
Instalado frente a la Casa Blanca, recibe una oleada de artistas de distintas disciplinas provenientes de todo el país.
Cantantes, payasos, coristas, acróbatas, bailarines, actores, desfilan por su oficina.
Numerosos empresarios industriales, no ven con buenos ojos esta iniciativa y se reúnen para complotarla.
Sólo una hermosa profesora de actuación infantil, Mary Adams ( Madge Evans), una niña prodigio y su padre ( Shirley Temple y James Dunn), podrán demostrar que, la Risa es remedio infalible para superar cualquier problema.
El filme está estructurado en base a una sucesión de sketches ( el cómico de color Stepin Fetchit, aparece en un gag muy acuoso, junto a un pingüino con la voz de Jimmy Durante ); pero hay una sucesiva constelación de pequeñas figuras, como John Boles que canta melodías románticas, o Dick Foran que interpreta puro optimismo patriótico, montado en un caballo celestial.
Además, aparecen actores reconocidos como : Nigel Bruce y Ralph Morgan, o el veterano Morris Ankrum, infaltable secundario de clásicos de B de ciencia ficción, aquí jovencísimo, en un breve papel de corresponsal en Washington D.C.
Hamilton McFadden ( 1901-1977), fue actor y director de los albores del sonoro, sólo reconocible por algunos filmes de la saga "Charlie Chan", que logra enquistar y darle algún sentido a esta insólita historia.
Para los fans de Shirley, la niña aparece con un vestidito alechugado, bailando tap con James Dunn.
La película es pura y sana diversión. Nada más que eso.
Para Shirley, resultó ser uno de sus primeros papeles realmente importantes.
Interesante.

A Manera de Homenaje.

Mickey Rooney :
El legado del Artista Multifacético.

Preparando las tareas el pequeño Mickey en su infancia.

Como Puck en : "Sueño de una noche de verano".

Con Lionel Barrymore en : "Capitanes Intrépidos".

Tocando la guitarra junto a Judy Garland y Tommy Dorsey en : "Girl Crazy".

Con Virginia Weidler en "El Joven Edison".

Con Freddie Bartholomew en "Lord Jeff".

Mejilla con mejilla con Judy Garland en "Love Finds Andy Hardy".

Con Ava Gardner, quien fue una de sus esposas..

En "El Corcel Negro".

No fue cualquier prodigio, Mickey Rooney ( 1920-2004), que nos acaba de dejar a los 93 años de edad.
Su figura vitalista, energética, hiperquinética, exaltaba la era de la New Deal, con una regocijante celeridad en escena, una sonrisa que hacía palidecer a Ava Gardner, y unos extraordinarios recursos histriónicos.
Bajo de estatura lo compensaba con un potencial que era un torbellino en acción.
Su vastísima carrera con más de 300 apariciones en el cine y la televisión, desde que debutara en 1926, sólo vienen a confirmar que, el prodigio nació en el habitat adecuado para crecer y desarrollarse al amparo de las majors.
Podía hacer prácticamente de todo : cantar, bailar, nadar, montar a caballo, saltar, hacer morisquetas e imitar a sus astros favoritos como Clark Gable y Lionel Barrymore.
Su verdadero nombre era Joe Yule Jr, y saltó a la palestra cuando hizo de Buck, el serafín de "Sueño de una noche de verano" ("A midnight night dream", 1936), la brillante única obra de Max Reinhardt en conjunto con Willliam Dieterle, donde aparecía apenas ataviado de un taparrabo a prueba de frío y tempestades.
Después vinieron sus roles secundarios, de "compañero de aventuras" del pequeño Freddie Bartholomew en : "El Pequeño Lord" ("Little Lord Fauntleroy", 1936) de John Cromwell; "Capitanes Intrépidos" ("Captains Courages", 1937) de Victor Fleming; "The Devil is a Sissy" ( 1936) de W.S Van Dyke y "Lord Jeff" ( 1938) de Sam Wood.
Inolvidable fue su rol de partenaire con Elizabeth Taylor en : "Fuego de Juventud" ( "National Velvet", 1944 ) de Clarence Brown, un clásico familiar modélico de la MGM.

Su consagración definitiva, llegó en MGM con la serie del Juez Harvey y su familia, comprendida por 15 películas rodadas entre 1937 y 1946, donde interpretando al hijo del abogado de una familia típicamente americana, solía introducirse en romances imposibles con Ann Rurherford, Lana Turner y Judy Garland.
Será con Judy, que inmortalizaría su agradable presencia, personificando ambos " la vivacidad, la ocasional impertinencia y el talento para la parodia, el canto y el baile" en tres títulos de colección, dirigidos por Busby Berkeley : ("Los hijos de la farándula"/"Jóvenes a la lucha"( "Babes in Arms", 1939), "Strike like Band"( 1940) y "Babes on Broadway" ( 1941).
Culmina su proceso juvenil, con su aparición en : "Con los brazos abiertos" ("Boys Town", 1938) y "La Ciudad de los Muchachos" ( "Men of boys town", 1940), un díptico sobre los centros de acogida del Padre Flanagan ( interpretado por el gran Spencer Tracy), ahora convertido en líder de los jóvenes descarriados y sin hogar.
En su etapa adulta, se especializó en roles de carácter, preferentemente en dramas del estilo "Requiem para un luchador" ( "Requiem for a heavywight", 1962) espléndido trabajo junto a Anthony Quinn, y comedias del estilo : "Muñequita de lujo" /"Desayuno con diamantes" ("Breakfast st Tiffany"s, 1961), donde hizo de japonés, y "El Mundo está loco, loco, loco" ( "It"s a mad, mad , mad world", 1963), más cercana a su personalidad y encanto.
Inolvidable resulta su rol de viejo entrenador, en : "El Corcel Negro" ( 1981) de Carroll Ballard, uno de sus mejores papeles, que acondiciona los avatares de la superestrella en retiro, con el hombre vitalista que siempre fue.
No por nada, de sus numerosos matrimonios, Mickey siempre saltó a las portadas, como un padre querendón de sus hijos y un marido responsable.

Galería Fotográfica para el Recuerdo.

Como mejor se reviven a las estrellas del cine, es través de sus películas, pero también de las fotografías promocionales, que dejan en su paso por la vida.
Vaya este acápite, para recordar algunas instantáneas de Mickey Rooney.
La Mitomanía hecha ilusión y nostalgia.

Como Mickey MacGuire, debutó a los cinco años, en una serie de cortos titulados : "Baby Burkes".

Su rostro no fue ajeno a los productores, que lo encontraron un buen imitador.

Una norma fija : sacarse fotos con grandes estrellas como Clark Gable.

En su papel revelación en : "Sueño de una noche de verano".

En una pose melancólica.

En la pose alegre.

El trío de prodigios masculinos de la MGM: Mickey Rooney, Freddie Bartholomew y Jackie Cooper.

La foto valiosa con su autógrafo.

En "El Pequeño Lord" con Freddie Bartholomew.

En pose reflexivo.

Sacando fotos con Jackie Cooper.

Con Elizabeth Taylor en : "National Velvet".

En su casa, con su máquina de escribir.

Con Kathryn Grayson y Lewis Stone en "Andy Hardy"s Private Secretary".

Junto a Frank Morgan en : "The Human Comedy".

En la batería con Judy Garland en : Strike Up the Band".

Nuevamente con Judy en "Babes on Broadway".

Con Wallace Beery en : "Stablemates".

Con Freddie y Jackie, degustando sandías.

Al lado de Tom Drake, Betty Garrett y Janet Leigh en : "Words & Music".

En la playa con Lewis Stone y Cecilia Parker en : "You"re Only Young Once".

Con Spencer Tracy en el set de "Con los brazos abiertos".

En balsa con Rex Ingram en : "Las Aventuras de Huckleberry Finn".

De muletas con Karen Morley en "The Healer".

En la clásica "still pose".

Con sus hijos en un paseo por la playa.

Ya maduros con su eterna amiga y compañera Judy Garland.

Recibiendo el Oscar honorífico por su trayectoria.

"La Hija de Drácula" :
La secuela insolente.

Gloria Holden es la hija del Conde de Transilvania.

En un saludo casi amoroso, se encuentran Gloria Holden y Otto Kruger, mientras observa Irving Pichel.

Después que la "Universal" probó el éxito en las boleterías, con sus clásicos de horror : "Drácula" , "Frankenstein", "La Momia" y El Hombre Invisible", se armó de astucia, y explayó las ideas centrales de los clásicos góticos, para someter el material original a las secuelas y continuaciones, que hicieron las delicias de los fanáticos.
"La Hija de Drácula" ("Drácula"s Daughter", 1934), debe ser la secuela más insolente, que se ha hecho de Drácula, si se consideran sus lecturas interiores.
Por sugerencia del productor David O.Selznick, el guionista Garret Fort utiliza los personajes centrales de la novela Bram Stoker, como punto de partida, para una secuela con la atractiva y sugerente figura de la Princesa Marya Zeleska, la hija del Conde de Transilvania ( interpretada por la actriz inglesa Gloria Holden).
Dos policías ingleses ( los característicos Halliwell Hobbes y Billy Bevan, ex actor cómico del mudo), reciben los féretros de Drácula y uno de sus esbirros, después de detener por presunto homicidio, al mismísimo profesor Von Helsing ( nuevamente interpretado por Edward Van Sloan).
En el proceso de ser caratulado, la Princesa Marya irrumpe en el lugar , hipnotiza con un anillo a uno de sus guardias, y saca el cuerpo de Drácula que, con la ayuda de su fiel sirviente Sandor ( Irving Pichel ), quema en una ceremonia algo funesta.
La destrucción del cuerpo del vampiro, no detiene la maldición que pena sobre la familia, y la Princesa Marya deberá contentarse con raptar a la novia de un prominente sicólogo ( Otto Kruger ) para encontrar a la pareja ideal que le acompañe en las eternas noches de sacrilegios.
El filme está dirigido por el artesano Lambert Hillyer ( 1889-1969), periodista e hijo de una familia del show business, que se especializó en westerns y seriales B como : "The Cisco Kid" y "Batman".
Proclive a la agilidad y al desenfreno propio del serial, Hyllier integra el suspenso, y la ambigüedad en buenas dosis.
La Princesa Zeleska es una vampiro insaciable, que cuando ve un rostro hermoso no se inmuta frente a la nada, aunque sea de su mismo sexo.
Hay una escena lésbica, muy bien lograda, donde hipnotiza a una hermosa joven, que cae bajo su poder, y que después como comprobará Otto Kruger, aparenta ser violada sexualmente, muriendo en el proceso de su curación médica.

Otto Kruger en el castillo de Drácula, tras los pasos de la Condesa Zeleska.

No hay colmillos en este filme. Tampoco escenas de mordeduras aparentes. Sólo apariencias visuales, que amplían la sugestión errática de estar frente a una obsesa sexual.
Gloria Holden ( 1903-1991), tenía una bellísima voz, muy femenina y seductora.
Trabajó después en "La vida de Emilio Zola"( 1937) con Paul Muni y "Miracles for Sale" ( 1939) , pero está, fue su película más emblemática.
Del mismo modo, el excelente característico Otto Kruger, aparece en un rol estelar, donde presupone sus altos auspicios para descifrar el enigma, sin atisbar que, él es la presa de caza de la Condesa y sus huestes. Esta contrariedad, le lleva a extremos paradójicos. En un momento, parece advertir que, la oscura Princesa es una mujer que sólo espera cubrir sus deseos íntimos con unas buenas dosis de amor. Después, evoluciona hacia un profesional sacrosanto, demasiado ofuscado con el rapto de su amada. De Londres a Transilvania, el viaje es fugaz.
Otto Kruger ( 1885-1974), fue un notable actor de carácter, antepasado del presidente Paul Kruger, licenciado en actuación de la Universidad de Columbia.
Hizo su debut en Broadway a los 15 años de edad, y se convirtió en ídolo de matiné , especializado en papeles sofisticados.
En cine debutó en 1915, aunque su fama llegó en los albores del sonoro, siendo ocasionalmente el héroe como en : "La Hija del Drácula" ( 1934) y "Corregidor" ( 1943).
Era extraordinario y versátil, sobretodo cuando se convertía en villano amoral, hombre de negocios corrupto, espía nazi, malvado perspicaz o médico ilustre.
Es cosa de verlo en "La Isla del Tesoro" ( 1934) como el doctor Livesey; como otro Dr. Emil Von Behring en "Dr.Enrich"s Magic Bullet" ( 1940); el refinado "Charles Tobin" en : "Sabotaje" ( 1942) o Paul Hendrix en "Tarzán y el desierto misterioso" ( 1943).
En otra perspetiva, la "Universal" sabía sacarle el jugo a sus gastos.
Vuelve a utilizar los escenarios del filme de Tod Browning en está película, aunque insiste en la sofisticada ambientación de high life que tiene la vida del siquiatra.
Se trata de una cinta innovadora en los conceptos narrativos, porque el tema de la ambigüedad aparece lo suficientemente sugerido, como para suponer la ruptura vitalizante del drama gótico por el drama contemporáneo.
Hay fibra, estética, una ágil narración, y unos actores idóneos para sacarle el lustre necesario a esta sugestiva historia de terror. Recomendable.

"El Gato Negro" :
Reunión de Monstruos.

El juego de la muerte.

Enfrentamiento cara a cara. La figura necrofílica como mudo testigo.

¿ Hay algo más alucinante que ver a Bela Lugosi y Boris Karloff juntos en una sola película ?
La "Universal" los reunió tres veces, ésta fue la primera vez.
A propósito de un clásico de la literatura de Edgar Allan Poe, del estupendo guión de Peter Runic, Edgar G.Ulmer y Tom Fitzpatrick, se sirvió de los extraordinarios decorados de Charles D.Hall, y plasmó todo un universo barroco, demencialmente enfermo y lleno de simbologías terroríficas.
"El Gato Negro" ("The Black Cat", 1934), es la historia macabra de una venganza, a propósito de un ex soldado que dejó abandonada a toda una guarnición, que practica la necrofilia, y que construyó sobre un cementerio, un palacio donde almacena los cuerpos momificados de sus mujeres en cámaras de cristal.
Nunca antes la aberración había tenido un sentido artístico más contundente, que en esta producción, dirigida por el subvalorado Edgar G.Ulmer, un maestro del cine B.
"Cineasta barato, siempre a cargo de piezas de género trabajadas con pulcridad, vivió en un Hollywood que nunca valoró su pasado - director de ópera, alumno de Max Reinhardt, ayudante de Murnau-, ni tampoco su refinada sensibilidad".
Su estilo, que retorna una y otra vez a las fuentes del pecado original, grafican las complejas relaciones que existen entre la carne y el espíritu.
En este sentido, "El Gato Negro" es una de sus piezas maestras, porque replantea el eterno conflicto interior de la maldad desde una perspectiva casi surrealista.
En materia de imágenes, no sólo demanda la atención, el juego de ajedrez que se produce entre el esposo de una de sus víctimas, el Dr.Vitus Werdegast ( Bela Lugosi) y el victimario, Hjalmar Poelzing ( Boris Karloff), que seguramente, inspiró a Bergman para esa antológica secuencia de "El séptimo sello". Sino también, todo el estilizado conjunto donde habitan, la ambigüedad sexual, el aire nauseabundo de la maldad hecha carne, y la pétrea sugestión de estar en una pesadilla.

El maquillaje de Jack B.Pierce para "emsombrecer"el rostro de Karloff.

El Gato Negro", es la historia de una pesadilla apocalíptica. Un mal sueño del que es difícil despertar.
Cuando Bela Lugosi se espanta por la aparición de ese gato negro,- símbolo premonitorio de la pesadilla que se avecina- , nos queda claro que, el Infierno está a la vuelta de la esquina.
La aparente putrefacción de las almas humanas, reconvertidas por la guerra y la insanidad mental, son la materia dramática de este juego de apariencias.
En este sentido, la pareja protagonista David Manners y Julie Bishop, parecen ser los invitados no deseados, de un juego barroco, alienado, transgresor, impúdico, donde la muerte se contonea a cada paso, con la embriaguez del maldito hedor del mismo demonio.
Nótese el estupendo maquillaje del experto Jack B. Pierce para Boris Karloff, que en un momento se nos aparece como un nuevo Mefistófeles, ataviado para una ceremonia ritual.
Relato caustrofóbico, enfermizo y ambiguo, mantiene el atractivo mayor de confrontar a los dos rostros más singulares del cine de terror de su tiempo. Y de paso, recobra las atmósferas angustiantes de las novelas de Poe.
Una pequeña joya del cine. Valiosa.

"Tarzán y el desierto misterioso":
Entre malvados refinados y saurios prehistóricos.

Tarzán y Boy, vivirán la aventura más extraña de su existencia.

Rescatando a una prestidigitadora.

Los villanos de turno : indicando en la izquierda, aparece Otto Kruger y armado con pistola al frente, Joe Sawyer.

La sexta aventura del hombre mono, creado por Edgar Rice Burroughs y producida por RKO, es la más enfebrecida y nostálgica de toda la serie.
En algunos países se tituló: "Tarzán, el Temerario" y en otros, "Tarzan y el desierto misterioso".
Jane que sigue en Inglaterra sirviendo a las fuerzas médicas durante la Segunda Guerra Mundial, le escribe a Tarzán ( Johnny Weissmüller), para que le envíe un cargamento de medicina con droga suficiente, para mejorar a los soldados que han luchado en Birmania.
En su travesía por el desierto, acompañado de Boy ( Johnny Sheffield ), Tarzán se topa con la hermosa Connie ( Nancy Kelly ), una prestigitadora norteamericana, con quien llegará hasta la ciudad de Bil-Hehari, cuyo jeque ( Lloyd Corrigan) y su hijo, el príncipe Selim ( Robert Lowery) , son manejados astutamente por el malvado Paul Hendrix ( Otto Kruger), un funesto hombre que trabaja de espía para los nazis.
Inculpado falsamente de robar un caballo, el hombre mono será hecho prisionero, y deberá luchar contra las fuerzas de Hendrix, hasta encontrar refugio en una selva misteriosa plagada de saurios prehistóricos y tarántulas gigantes.
Es raro el concepto que manejaban los productores Sol Lesser y Kurt Newmannn.
Tarzán fue una serie fértil en los estudios Metro Goldwyn Mayer.
Había secuencias completas hechas con una prodigiosidad, que dejaba boquiabiertos.
En el estudio del léon, había recursos y se hacían sentir en cada secuencia.
En cambio, en la RKO, un estudio más pequeño, las cosas se efectuaban en plan económico.
Eso amedrentaba el discreto material, que no era más que, la prolongación de la popularidad del mito, con la excusa de formalizar la amenidad a costa de cualquier locura.
"Tarzán y el desierto misterioso", tiene un poco de todo.
Parece la sumatoria de varias pequeñas historias, apenas esbozadas por Burroughs.
Sin embargo, existe algo encomiable en la película, que es la fusión alegórica de cuento maravilloso con relato de aventuras exóticas. Una práctica en verdad, lograda hasta extremos paradójicos.
Se trata de un episodio extraído como de "Las Mil y una Noches", y adecuado a los estándares de la mitología del héroe.
Arabes furtivos, nazis actuando en las sombras, corceles hermosos, una maga todoterreno, un desierto viviente, una selva de otro tiempo, y Tarzán y Boy enfrentados a reptiles prehistóricos, en un trozo endiablado de "Jurassic Park" a la usanza de los años 40.
Si la cordura tuviera nombre, no calzaría en este episodio.
A la mezcla arquitectónica se une la mezcla racial. Semblanzas mexicanas desfilan con otras indoeuropeas en una explosiva constelación de anécdotas, que parece van a acuartelar al héroe, en una ciudad que se asemeja a Casablanca.

Nancy Kelly como una indomable aliada de las fuerzas antinazis.

Johnny Sheffield es Boy, Johnny Weismüller es Tarzán y Lloyd Corrigan como el Jeque.

Tarzán es el prototipo de Hércules, el arquetipo soñado de Rousseau, el "buen salvaje" que asume su condición de hijo pródigo del Continente africano, aunque esté en un habitat ajeno.
En un instante, el hombre mono debe luchar contra personajes con turbantes, porque cree, están asesinando a una chica por mera diversión. Error. Ella les estaba explicando como hacer magia sin que la noten.
Después hay espacio para que se luzca la mona Cheeta, quien aparece usurpando los turbantes de prestos señores, que pasan por una tienda de vestuario.
El robo tiene una explicación lógica. La unión de aquella prenda, le permitirá a Tarzán y a Boy, escapar de su cautiverio y huír de la prisión.
El director Wilhelm Thiele ( conocido como William Thiele- 1890-1975), era un artesano menor de los estudios en Hollywood.
De origen austríaco, se especializó en seriales como "El llanero solitario" ("The Lone Ranger", 1949) y "Cavalcade of America" ( 1952), que se reprodujo en la televisión.
Su estilo de formato corto, montaje rápido y alternante, se nota en cada plano de este capítulo de Tarzán. La acción nunca se atasca.
Ya lo había demostrado en : "El Triunfo de Tarzán" ("Tarzán Triumph", 1943), donde el que se "roba la película" es Boy y Zandra, una chica que escapa de las malas intenciones de los nazis.
Recuerden que el star system tenia una pléyade de estos artistas, para las unidades B, que nutrían los programas dobles con películas A, y que servían de relleno sustentable a las matinés infantiles de la época.
Demás está decir que, este capítulo, es entretenido y fugaz.
Un magnífico exponente de cine evasivo de otros tiempos, hecho con solvencia y oficio.
En rigor, una notable película B, que usufructa de aventuras descabelladas, para hacernos creer que el héroe existe, y se esconde en algún lugar de ese desierto misterioso.
Muy Entretenida.

"El Niño de Mercurio" :
Un Cuento a la Irlandesa.

Un niño que se cree extraterrestre.

Dentro del cine famiiar contemporáneo, hay películas que se te quedan en el recuerdo, por su original historia, sus paisajes entrañables o su innovadora forma de contarlas.
"El Niño de Mercurio" ("The Boy from Mercury", 1997) tiene algo de todo aquello, pero adiciona además, unas atmósferas muy logradas de la década de los años sesenta.
La acción transcurre en Dublín, cuando el pequeño Harry Cronin ( James Hickey ), un niño de ocho años, ha encontrado la explicación a sus problemas existenciales : él es un extraterrestre proveniente de Mercurio.
Su padre está muerto, su hermano adolescente parece ignorarlo, y su anciana madre parece lejana y perdida en otro hemisferio.
Amigo de un chico de sólida situación económica y familiar, es tanta su ansiedad identitaria con este muchacho que, llega a suponer que algún día acabará viviendo con la familia de su compañero.
El director irlandés Martin Duffy ( nacido en 1952), elabora un relato nada conformista y crítico acerca de la infancia abandonada, a partir de los temores y complejos que sufre el pequeño Harry.
Su mirada es irónica, amable, pero certera, capaz de integrar la sicología infantil en una aventura que tiene mucho de viaje en la búsqueda de una identidad.
En un rol secundario, aparece el veterano Tom Courtenay ("El Vestidor"), como el tío de Harry, que decide poner atajo a una crisis que podría concluír mal.
Al retrato inocente y desprejuiciado de la sociedad adulta, Duffy agrega una atenta observación sobre el crecimiento de un niño, en un medio que le resulta hostil.
Todo lo que rodea a Harry, incluyendo la escuela con su estricta disciplina, la casa vacía que supone el refugio maternal, la ciudad como un telón impersonal y desinteresado de los problemas del muchacho, están incorporados por Duffy como un reflejo agridulce de la condición de ser un niño en tierra de nadie.
De tono intimista, la película logra transmitir con sinceridad, la pequeña tragedia de un infante abandonado a su destino.
Se trata de un cine hecho para toda la familia, pero con un fuerte tono reflexivo, que enriquece sus objetivos básicos de simple pasatiempo de media tarde. Valiosa.

"El Poderoso" :
Recobrando el espíritu de las viejas leyendas de caballería.

Amigos en las duras y en las maduras.

Sharon Stone es la madre del muchacho minusválido.

Kieran Culkin en uno de los papeles más destacados de su carrera.

En casa, compartiendo la amistad.

Los personajes entrañables de esta original película familiar.

Esta película en su momento, pasó sin pena ni gloria, y sin embargo, sus valores más profundos, obligan a reivindicarla.
Con el transcurso de los años, ha demostrado que, es más que una película evasiva hecha para divertir.
En efecto, "El Poderoso" ("The Mighty", 1998) de Peter Chelsom, es una de esas cintas extraordinarias, que son verdaderas joyitas de talento, porque logran sensibilizar al público con mucha inteligencia y buenas dosis de acción.
El filme cuenta la historia de un pequeño minusválido, Kevin Dillon ( Kieran Culkin, que está extraordinario), que tiene una enfermedad congénita incurable, lo que le obliga a soportar, el desprecio de sus compañeros de colegio y las burlas de los que parecen no entenderlo.
En su beneficio, el muchacho ha logrado desarrollar un coeficiente intelectual asombroso, lo que le permite crear inventos con la capacidad de un genio.
Su madre ( Sharon Stone ), parece ser la única persona dispuesta a ayudarlo, en momentos cuando más lo necesita.
Todo ello, hasta que llega un nuevo vecino, el obeso y fornido Maxwell Kane ( Elden Henson), que es la antítesis del muchacho : pésimo estudiante, recurrente marginal, muy silencioso, despreciado por moros y cristianos, evita los conflictos después de un hecho traumático ocurrido en sus primeros años de vida.
Ambos, se transforman en entrañables amigos y a partir de esta amistad, se teje un relato de aventuras, entre simpáticas, divertidas y dramáticas, que hacen recapacitar las posibilidades de sumar entre ambos : fuerza bruta e intelecto.
También se alza el tono mágico que tiene el relato, al integrar los conceptos de las viejas leyendas de caballería del Rey Arturo y sus caballeros de la Mesa Redonda; y de fondo, una reflexiva mirada a la pérdida intelectual de los niños por la lectura.
El realizador británico Peter Chesom ( nacido en 1956), se transformó con el tiempo, en un eximio director de comedias, en el estilo de : "Señales de Amor" ("Serendipity", 2001); "No más Sexo" ("Town & Country", 2001); "¿ Bailamos ? ( 2004) y "Hannah Montana : la película ( 2009).
Un hecho no menor, que reivindica su primera película de trascendencia autoral.
En el elenco de actores, hay lúcidas intervenciones de Sharon Stone, como la madre del niño minusválido, y los siempre efectivos : Harry Dean Stanton ( "París Texas" ) y Gena Rowlands ( "Gloria" ). Notable.

"Esta es mi vida" :
Alegrías del diario vivir.

La risa es remedio infalible en el entorno familiar de esta actriz cómica.

"Esta es mi Vida" ("This is my life", 1992) es la película con que la directora Nora Ephron ( "Sintonía de Amor"), debutó en el cine.
Poderosamente concentrada en el acto narrativo, y con un conciente apego a la tradición literaria del relato autobiográfico, la cineasta efectúo una mirada cautivante, que está recorrida por la anécdota costumbrista de tono familiar.
Se establece a partir de las relaciones entre una madre que intenta ser una humorista de éxito, y sus dos hijas : la menor de once años ( Gaby Hoffman ) y la otra, adolescente ( Samantha Matis).
Norah Ephron ( 1941-2012) arma su relato, desde la mirada atenta de quien considera a las relaciones humanas como complejas y nada utópicas.
Jamás coarta las acciones de sus personajes con soluciones blandas y maníqueas.
De este modo, el personaje de la adolescente, parece ser el más fuerte de los tres, porque acapara la atención en su idolatría, marginalidad y desesperanza de "ser la hija de un payaso, que se ríe de las debilidades de sus congéneres", como subraya en uno de los diálogos de la película.
Sin desmerecer el tono agridulce de comedia festiva, el filme alterna adecuadamente los momentos incomparables en la vida de esta mujer y sus hijas, con un tono sensible, humano y sincero.
Su genialidad radica, en que no dibuja con trazos gruesos la aparente vida apacible de esta cómico del show business, sino muy por el contrario, profundiza en el rol de la maternidad, la educación de los hijos y la difícil tarea de soliviantar una profesión diferente y las obligaciones del hogar en la vida moderna. Divertida e Interesante.

Fotos - Gentileza : 20 th. Century Fox - Metro Goldwyn Mayer- Universal Pictures - RKO Pictures- Variety - Los Angeles Times - The New York Times- The Washington Post - Times- Hollywood Revue - A Certain Cinema- Doctor Macro - Archivo.-