UN REPASO DE PELICULAS INOLVIDABLES:

Entre la trilogía de Kieslowski y la obra maestra de Polanski.

Se reestrena en los cines españoles, la trilogía de Krzysztof Kieslowski, primero "Azul"/"Blue" y después "Blanco"/"White" y "Rojo"/"Red", películas fundamentales para entender la filosofía de un cineasta fundamental de la historia del cine. También destacamos "Chinatown" de Román Polanski, a cuarenta años de su estreno en salas y otras magnificas películas en esta nueva entrada del blog.

Una trilogía maravillosa.

"Azul"/"Blue" (1993) de Krzysztof Kieslowski. Julie (Juliet Binoche) pierde a su marido -un ilustre compositor querido por todo el mundo-, y a su hija en un accidente automovilístico. Decidida a intentar una nueva vida, refugiada en el anonimato más independiente, la mujer se aparta de sus amigos, del amor, y hasta de la música, o sea, de todo aquello que constituyo su mundo y su identidad y que ahora no formara mas parte de su existencia. 

Sin embargo, un especialista en música (Benoit Regent), afirma públicamente que podría haber sido Julie, la verdadera autora de las piezas atribuidas a su difunto esposo, y aunque ella niega el rumor, no puede evitar que los fantasmas de su vida anterior surjan como duros obstáculos en su camino actual. El director polaco reafirmo su prestigio en el mundo del cine que había llamado poderosamente la atención con su anterior filme "La doble vida de Verónica", con esta brillante película perteneciente a la trilogía de los colores de la bandera francesa: libertad, igualdad y fraternidad. 

La mano maestra de su director de manera casi imperceptible logra atmosferas y situaciones sugerentes gracias a un dominio absoluto de los recursos expresivos del cine. Esta constante en su estilo, es un sello arrebatador en BLEU, una historia que circula en torno al dolor de la génesis del amor. Los estados limites, la renuncia, la soledad, el renacimiento del encuentro amoroso, el sentido de perdida, el rigor en la entrega y el paralelismo entre la vida y la creatividad, en este caso musical, con algunas implicancias religiosas más cercanas a la fe cristiana, y el sentido crítico de la existencia que pasa por el dolor a la expurgación, remarcan la línea dramática de esta estupenda película.  

Película intimista como pocas, sensible, visceral, de un gusto y un discurso moral ejemplar, que crece aún más con la presencia de la estupenda actriz Juliette Binoche, ganadora del Cesar y del León de Oro en Venecia. El filme, por cierto, obtuvo el Premio a Mejor Película en el Festival de Venecia. Conmovedora, realista, escrutadora, porque nos lleva a entender el drama humano desde la sensibilidad de una mujer que desea rehacer su vida. Notable. 

"Blanco"/"Blanc" (1994). La segunda entrega de la trilogía de Kieslowski acerca de los tres principios de la bandera francesa, que inspiraron la Revolución (libertad, igualdad y fraternidad), se produce con algunos cambios. La figura femenina (Julie Delpy), pasa a segundo orden, para ceder el protagonismo a un atribulado peluquero polaco ( Zbigniew Zamachoski), que vive en Paris. A Karol su mujer, le solicita el divorcio porque nunca ha consumado el matrimonio. Después de una separación legal accidentada, donde el protagonista para volver a su país es ayudado por otro polaco e introducido en su propia maleta de viajes, reconviene su posición escapando de su situación chata y mediocre, en base a ciertos negocios y un compromiso, que lo transforma en un ejecutivo de buen pasar.  

"Blanco" puede resultar la más débil de las tres películas, pero en su complejidad, es un consecuente estudio acerca de la igualdad entre los roles, porque el protagonista pasa unas situaciones limites, y ella pagara entre rejas, todos los excesos de él, aumentando condescendientemente los sacrificios de la pareja. En este aspecto, la aparición de un personaje secundario decisivo en el giro que toma la película viene simplemente a recomponer el sentido vital y esperanzador, tan propio de Kieslowski, en esta su famosa trilogía.     

Puede que Blanc no logre sostener la tesis de que Kieslowski filma "caracteres femeninos" únicamente, sin embargo, en este nuevo enfoque dejo en vida claramente establecido, que sus preocupaciones fundamentales se mueven entre la fe y la razón, la vida y la muerte, el anonimato y la popularidad, el amor y la verdad y la perdida y el olvido. Consecuente con ello, se trata de una película muy interesante y con un excelente oficio cinematográfico. Mas que interesante.  

"Rojo"/"Rouge" (1994). Valentine (Irene Jacob) de 23 años, es una melancólica modelo publicitaria que atropella accidentalmente con su automóvil a una perra pastora alemana que resulta ser de un abogado retirado de 65 años de edad (Jean Louis Trintignant). Paulatinamente, la chica inicia una relación con el exjuez, y descubre indignada que él se dedica a espiar las conversaciones telefónicas de sus vecinos con un sofisticado equipo electrónico. Uno de sus vecinos es Augusto, un joven que comparte con el maduro personaje, una serie de paralelismos. Valentine y Augusto no terminan por conocerse en profundidad, pero compartirán sin saberlo un viaje en ferry a Inglaterra, que cambiara para siempre sus vidas, junto a otros personajes de la trilogía original.      

Rouge es el capítulo final del proceso de cambios interiores de un grupo de personajes, que Kieslowski ha trazado con singular profundidad y naturaleza. En este desenlace, una chica debe asumir la otra cara de la existencia, esa que evita para mantener intacta su fresca y juvenil personalidad. Hay en todo este cuestionamiento mucho de reflexión ética y moral. De hecho, el exjuez es realmente un voyeur, y desde esta perspectiva el hombre asumirá su pecado, para enlazar con el "amour fou" de la joven amiga. Cada uno de los personajes de esta historia, como en Blue y Blanc pasan por un proceso de evolución hacia Dios. O mejor dicho, con la omnipresencia de Dios, Kieslowski orienta los espacios pecaminosos no asumidos por inmadurez, perdida o simple banalidad, hacia una salida cristiana, humana y realista en sus cometidos prácticos.   

El rojo tiene que ver con la sangre de la perra atropellada, pero también con el rojo de la pasión amorosa, y con los tules y los fondos del trabajo publicitario. En realidad, Rouge es una extraordinaria parábola de la profundidad de los sentimientos humanos y de las pasiones accidentales. Esta obra fue ganadora del Premio a la Mejor Película Extranjera otorgada por la Asociación de Críticos de Nueva York, Los Ángeles y Boston. Resalta, además, como en las tres películas aludidas, la banda musical de Zbigniew Preisner, también autor de "La doble vida de Verónica" de Kieslowski, y de otras películas como: "El jardín secreto", "Olivier, Olivier", "Cuando un hombre ama a una mujer", "Cuento de Hadas", "Los jardines de la memoria", "Mi amigo hindú" y "La Reina de España".

Cosas que atender respecto a la Trilogía de los Colores de Kieslowski: En AZUL, el tema central es la Genesis del Amor. Los personajes más característicos son unos ancianos intentando colocar botellas dentro de los basureros callejeros, que es una reacción anímica clara de cada uno de los personajes de las tres películas. Kieslowski logra atmosferas y situaciones sugerentes: los estados limites, la renuncia, la soledad, el renacer del amor, la absorción de la perdida, el rigor en la entrega y el constante paralelismo entre la creación y la vida, el arte y la fe, Dios y el ser humano a escala objetiva y realista. En BLANCO, el tema central es la esperanza en los límites de la vida. Kieslowki habla acerca de la igualdad entre los sentimientos de la pareja, pese a sus aparentes diferencias, y las preocupaciones fundamentales que se mueven entre la fe y la razón, la vida y la muerte, la pérdida del olvido y el amor y la verdad. En ROJO, el tema central es la esperanza en el Amor, la Vida y la Salvación. Kieslowski efectúa una parábola sobre las profundidades de los sentimientos y de las pasiones accidentales. Un detalle estético singular, son los colores de la bandera francesa que, en cada capítulo, indican estados anímicos, símbolos metafóricos o subrayan las acciones más singulares de la historia global. Se trata, por cierto, de una trilogía que es una obra original, madura, reflexiva, brillante, y de gran compromiso personal.    

Esos viejos tiempos de amistades eternas.

"Melody"(1971) de Waris Husein. Dentro de todas las películas de educación primaria, esta debe ser por derecho propio, una de las más certeras de su época, porque refleja la moda, los manierismos y las excentricidades de una clase social británica apegada a ciertas normas y costumbres. Además, exterioriza la rabia y la insatisfacción de los jóvenes airados de su tiempo, contra la enseñanza arcaica y pueril, castigadora y castradora, aunque supone una puesta al día de lo que hizo IF de Lindsay Anderson, unos años antes con los high school.     

La premisa está en ¿por qué una pareja de niños púberes no se puede casar, si realmente se aman a rabiar, sin conocer aun las pulsaciones sexuales? El filme no contesta esta interrogante, pero se da el lujo de graficar con una mirada detallista y certera, la vida juvenil de esos tiempos en colegios suburbanos.  

El enfoque permite acomodar las tendencias populares de esos años, por ejemplo, la idolatría de las niñas a Mick Jagger, el compartir una mesa degustando trozos de jamón con queso, las salidas prófugas de la pareja a disfrutar de la playa comunitaria, y en fin, sostener el palpito de la onda hippie y rebelde de esos críos que no se dejaban celar por sus profesores y autoridades educativas. 

Pero hay algo más que la película subraya con especial interés, y que es, la perdurabilidad del descubrimiento cándido del amor adolescente.  Hay en esa relación limpia, virginal, púdica, el acomodo en la idea de que los niños y niñas desde sus primeros años, saben lo que es el sentimiento amoroso legítimo y lo practican a su forma, sin escandalo o rigideces morales y sociales.  

"Melody" sigue siendo una gran película de niños, para niños y para padres y docentes. Porque nos enseña más de lo que creemos, y nos obliga a entender porque todavía hoy los niños y adolescentes reclaman por mayores espacios para su integración y desarrollo. Aunque nos restriegan en la cara que la educación sigue quedándose atrás porque no considera en muchos casos, los temas que a los chicos les importan. Recomendable para ver con los alumnos en clases. Notables canciones sobre todo de Los Bees Gees que marcaron a toda una generación de espectadores y jóvenes iracundos.    

Dos obras fundamentales de Hitchcock.

"Intriga Internacional"/"North by northwest" (1958) de Alfred Hitchcock. En VistaVision rodada originalmente en 70 mm, es una de las obras fundamentales para entender que movía al maestro ingles en estos thrillers de suspenso. La idea del falso culpable ( Cary Grant), coquetea con temas adrenalínicos que el cineasta británico acomodaba a sus anchas, ya sea, la pulsación romántico-sexual con Eva Marie Saint, el delirio sustantivo de la guerra fría, el complejo de Edipo reprimido en una nueva forma de observar la relación hijo-madre, la ingenuidad versus la corrupción de fuerzas superiores que atacan los puntos débiles de un país-continente "garante" de los derechos democráticos.   

Además, la integración de Grant al elenco no es un accidente feliz. Simplemente la comprobación de que estamos frente a uno de los mejores comediantes que dio el cine clásico, como lo corrobora en cada una de las escenas donde aparece solo, atacado por fuerzas superiores. Su postura de galante y señor de alterne, publicista con corazón de playboy, alcanza aquí secuencias magistrales, apuntadas para un ciclo de buen cine que redescubra la obra de uno de los grandes cineastas de todos los tiempos.

El detallismo escrutador de Hitchcock está en breves escenas o en secuencias completas sin diálogos. El juego de tocarse las manos, manifiestamente sexual, alcanza parangones de autentico delirio, más sofisticado en los besos, girando con la cámara alrededor de la pareja en casi 180 grados. Esta agudeza de los sentidos en 70 mm, alcanza lo antológico, porque Hitchcock nunca pierde el sentido de lo realmente interesante. 

No hay que ser un experto para entender de adonde venia la mirada irónica, divertida y gozosa del rollizo cineasta. Su capacidad cognitiva para entender los sentimientos en una pareja y subvertirlos a una historia de persecuciones y de suspenso, alcanzan registros de auténtica maestría, porque esta película lo es. Por sus cuatro costados jamás perderás el interés, y lograras asumir que Hitchcock se divertía muchísimo rodando estas cosas. 

Todas las secuencias sin mayores diálogos tienen una sensibilidad extrema respecto a los recursos expresivos del cine. Desde el escape de una sospechosa avioneta que está fumigando en un suelo perdido, hasta la fuga por las cabezas del Monte Rushmore en las colinas negras en Dakota del Sur, alcanzar su cenit en esta notable y brillante película.  Además, esta la virtud maravillosa de Hitchcock para filmar en pantalla super ancha sin ponerse colorado.  Hay tomas en las avenidas de Nueva York en el Edificio de la ONU, que parecen sacadas de un documental de registro arquitectónico. Simplemente, espectaculares.    

Para los que aún no descubren el potencial creativo del maestro inglés, INTRIGA INTERNACIONAL debe ser una cinta para degustar como exquisito gourmet de turismo sustentable. Hay de todo en esta inolvidable película, romance, intriga, humor, suspenso, escenas sorprendentes, tensión dramática y personajes secundarios adorables o execrables. Un buen y suculento manjar para espíritus recalcitrantes, que creen en la bondad y exactitud del cine como arte de este tiempo.  

"Los pájaros"/"The Birds" (1960). Puede que Hitchcock se haya dispuesto a aventurar sobre la base de lo que posiblemente le hemos hecho mal a la Madre Naturaleza. Porque la película es sobre el ataque cada vez más multitudinario y aparentemente calculado de las aves en Bodega Bay, según la novela de Daphne Du Maurier, y el exhaustivo guion de Evan Hunter. Hasta allí llega Melanie, una sofisticada chica de sociedad ( Tippi Hedren) enamorada del joven abogado del lugar ( Rod Taylor) al cual decide darle una sorpresa dándole una pareja de periquitos. El profesional habita con su madre (Jessica Tandy) y su hermana menor (Verónica Cartwright), frente al pueblo en una casa que conecta con el embarcadero y desde el cual se domina "visualmente" las caletas de los pescadores.   

Es importante remarcar esa palabra: "visualmente", porque toda la película subraya nuestra condición de espectadores voyeristas, mirones al amparo de una historia intensa y compleja. En este sentido, "Hitchcock desarrolla el tema de la visión que uniera a los observadores de pájaros de presa en "Psicosis". Mas de cuarenta veces en "Los pájaros" los personajes dicen "Veo que..." o "Vea usted", y la mayor parte de estas afirmaciones son añadidos que el propio director hizo en el segundo borrador del script. Las palabras son como una cantinela punteando cada verso de su poema cinematográfico, del mismo modo que cada secuencia termina con un fundido de un personaje mirando hacia el espacio exterior".    

Los pájaros (cuervos) se agrupan para atacar a los humanos.

Suzanne Pleshette interpreta un rol fundamental para descubrir el pasado amoroso del protagonista masculino central. Como profesora de niños y niñas, ella tendrá un momento antológico en el desarrollo de los climaxs, donde el terror se adueña de la pantalla. Sin embargo, con toda su nobleza y espíritu libertino, no podrá sobrevivir del ataque sorpresivo de los pájaros de la bahia.   

Otro gran momento antológico se produce en un café frente a una bencinera, donde Hitchcock reúne a una representatividad del pueblo. Allí se discutirá sobre el ataque de los pájaros, desde el punto de vista científico y desde la experiencia terrorífica vivida por un accidente escolar. Habrá una pugna entre los que creen y no creen en el salvajismo de las aves, hasta que se les presenta una emergencia superlativa, que terminará por aumentar el pánico entre sus habitantes. 

Como dijo un especialista una vez, la cualidad única de retratar de forma visible acontecimientos psicológicos, alcanza en "Los Pájaros" lo simplemente maestro, hacia el hecho de que los interesantes y significativos problemas de la relación del hombre consigo mismo, y la fatídica alteración de las relaciones, encuentran aquí una imaginativa y portentosa representación. Es un filme único, singular, intenso, visualmente arrebatador y lleno de significancias interiores. Joya del cine de todos los tiempos. 

En el set de los pájaros, Hitchcock aparece rodeado de gaviotas y cuervos adiestrados para salir en escena.

Obra maestra de Polanski que cumplió 40 años.

"Chinatown" (1974) de Román Polanski. Puede que esta brillante transposición de cine negro en color no haya sido muy valorada en el momento de su estreno. El director polaco junto al eximio escritor y guionista Robert Towne, recién fallecido, se esmeraron en salpicar de estilo años 40, un relato sórdido, ambiguo lleno de reveses de corrupción e incesto, como acostumbraba el viejo cine negro. Jack Nicholson encumbró su reputación interpretativa y Faye Dunaway demostró que podía ser una femme fatale trágica creíble y morir en el intento. Pero además está la figura omnipresente del veterano director John Huston como un adinerado villano, más maldito que provocador. Sin duda, que en la composición de su papel ayudo el buen hacer de Polanski, a estas alturas considerado un gran narrador de espacios limítrofes y ambientes sórdidos y nauseabundos.  

Revivir este gran clásico de los años setenta, es revalorar el trabajo detallista de otros nobles oficios que tienen las películas. Por ejemplo, el magnífico diseño de producción del veterano Richard Sylbert que, a partir de las ilustraciones de Jon Hurley, desarrollo esa idea de impregnar a los espacios arquitectónicos del filme, incluyendo la casa de Ida Sessions ( Faye Dunaway), con los colores de la sequía, y la asfixiante sensación de calor. La mayoría de los espacios interiores del filme, constituyen una perfecta simetría entre los pasillos, los rincones, las oficinas y los hogares con el tema de la sequía, evocado de manera subliminal en los vidrios traslucidos en las puertas de los despachos, con blancos dominantes y de manera más evidente, en el paisaje del desierto de California.    

A cuarenta años de su estreno, "Chinatown" rejuvenece la idea de las nostalgias cinéfilas que tenían los directores de esa generación que renovó con sus obras el cine. Es una obra cumbre, con una meticulosa reconstrucción de las constantes estético y argumentales del cine negro norteamericano. Imposible dejarla pasar por alto. 

El caso Watergate en un relato maravilloso.

"Todos los hombres del presidente" (1976) de Alan J. Pakula. Esta semana se celebró el Dia del Periodista. Nada mejor que repasar esta gran película que, de manera minuciosa, reconstruye todos los entretelones del caso Watergate. Robert Redford y Dustin Hoffman se mueven como si fueran auténticos periodistas en las pieles de Bob Woodward y Carl Bernstein, mientras Garganta Profunda ( Hal Holbrook), lo introduce, más y más, en las intrigas surgidas desde la Casa Blanca. La película esta armada con un rigor casi reporteril, escudriñando en la vida profesional de esos reporteros de la prensa escrita, soslayando las presiones políticas y los cuestionamientos públicos con una intensidad demoledora.    

Alan J. Pakula en su mejor momento, llego a efectuar estos filmes-denuncia con altura de miras éticas y valorando los propósitos más nobles de la auténtica democracia comunicacional. Sin ser pájaro de mal agüero, ver a Woodward y Bernstein fustigando desde sus posiciones divergentes, al poder central, es una delicia para los espíritus jóvenes que hoy aun creen en los valores de una prensa libre y democrática. "The Post" (2017) de Steven Spielberg, es como la precuela a esta película, pero rodada con más medios con Meryl Streep y Tom Hanks. Muy recomendable ver las dos juntas.   

Frente al The Washington Post aparecen Robert Redford, Jason Robards, Jack Warden, Dustin Hoffman y Martin Balsam.  

Fotos y Datos Gentileza para estas entradas del blog: Diccionario Espasa CINE de Augusto M.Torres- Guía Cine Video de Carlos Aguilar- La Cara Oculta del Genio, Alfred Hitchcock de Donald Spoto- Universal Pictures- NETFLIX- 20 th. Century Fox- Archivos de Revista ENFOQUE ( Chile)- Arnaud Martin ( Cannes 2024- Francia)- Atalante Films ( España)- Filmland Empire- Enrique Lavigne ( Apache)- Mister Ig ( Cannes 2024- Francia )- Review ( USA )- The Hollywood Report" ( USA )- Variety ( USA)- Empire (GB)- Karma Films- Cines Verdi- Diario La Tercera ( Chile)- Centro Arte Alameda- Cine Arte Normandie- Cinemateca Nacional de Chile- Festival de Cine Internacional de Valdivia- FIDOCS- Cinema Chile- Cinemania- The End- Revista Wiken de Diario El Mercurio- FilmFax- Film Updates- Cinema Tweets- Discusing Films- Filmin- More Movies- The Film Stage- Deadline Hollywood- Días de Cine RTVE- Avalon- Seventies Films- Noirchick in Old Hollywood- Cinefilia Cult- Depressed Bergman- SensaCine- Ver Cine- Archivo.-

Cartel en idioma francés de "Intriga Internacional" de Alfred Hitchcock.

Lobby-card de "Los Pájaros" de Alfred Hitchcock.

Poster alternativo de "Azul" de Krzysztof Kieslowski.