ESPECIAL : / ¿ CUALES SON TUS DIRECTORES FAVORITOS ?

En cuestión de gustos, no hay nada escrito, pero...

Queríamos averiguar simplemente, que directores marcan la pauta cinéfila en estos años. Nos llevamos más de una sorpresa, y efectuamos este resumen con las opiniones de numerosas amistades cinéfilas, que participaron de esta encuesta.


Los Tops de Tops en el Cine de todos los tiempos.

 

No hay que ser muy entendido para saber que estos nombres siempre aparecen en las listas de preferencias de expertos y críticos mundiales. Están aquí : Robert Altman, Charles Chaplin, John Ford, Howard Hawks, Alfred Hitchcock, Akira Kurosawa, Martin Scorsese, Steven Spielberg, Billy Wilder y William Wyler. Pero hay muchos más y en esta entrada intentaremos responder al desafío. 

Se han escrito numerosos libros y publicaciones más o menos eruditas, con interesantes listas que consideran las 100 mejores películas, 500 películas favoritas o 1001 películas que hay que ver antes de morir. 

También se han efectuado encuestas con los 100 mejores directores de la historia del cine, o 1.001 figuras del cine por descubrir y revalorar.

"Séptimo 7 sello" quería hacer algo más simple y reductible. Una pregunta que sólo considerara : ¿ cuáles son tus 10 directores favoritos de la historia del cine? Un poco para subrayar la enorme importancia del cine como autor, pero además, para saber si en las listas actuales, las cosas han cambiado desde los tiempos en  que los Chaplin, Welles o Kurosawa, salían profusamente en estas encuestas. 

De manera determinante, les contaremos que "sí", por supuesto, las preferencias han variado ostensiblemente, aunque se nos repitan los Chaplin, Welles o Kurosawa.

Según la edad y la experiencia de vida, los invitados a esta encuesta nos dieron sus preferencias más importantes y recurrentes, y nos encontramos con varias sorpresas. No es nuestro menester elaborar "la lista de los 10 realizadores de todos los tiempos" que mejor la llevan en el gusto cinéfilo, porque en este aspecto, intentaremos ir un poco más allá de eso. 

Con la perspectiva que dan los años, siempre es importante valorar la votación de esos diez cineastas que mejor consideramos, para saber cuantos nombres más, han integrado estas listas de preferencias y que es importante posicionar en los charts más singulares que nos orientan sobre que ver, valorar y discutir en la comodidad del hogar. 

De todo esto, hablamos en esta entrada especial, también para invitarlos a ustedes a efectuar sus propias listas de preferencias y redescubrir toda la magia que proviene de las películas de siempre.  

Por sus obras, los conocerás...

Tyrone Power y Frances Dee en la estupenda película de aventuras, "El hijo de la furia" /"Son of Fury : The Story of Benjamin Blake" ( 1942 ) de John Cromwell. Pese lo famoso de sus intérpretes, esta película junto a su estimable director, son prácticamente unos desconocidos en los charts, que acomodan los mejores filmes y películas del cine. Sin duda que, cuando se confeccionan listas hay muchísimo material que queda descartado por simple  naturaleza de las encuestas, donde generalmente se citan a los maestros de maestros.   

El recordado crítico canadiense y coleccionista de la mayor cantidad de fotos y lobby cards de cine de todo el mundo, John Kobal, publicó en 1988 su valiosa obra "Las 100 mejores películas". 

Con un ojo analítico que Kobal tenía, no sólo para valorar la belleza estética de las fotografías de cine, sino que, para cuestionarse el valor que tenían las películas en el consciente colectivo en esos años, aún en despegue tecnológico, sin DVD, Blue Ray o iphone, escribió textualmente: "Las 100 películas que acabaron formando el libro, no tienen nada que ver conmigo. No entiendo nada de estas cosas, nunca lo he hecho y no quiero hacerlo. Sólo me intrigaba saber que películas gustaban , a quién y por qué, y descubrir hasta que punto nuestros gustos cinematográficos están regidos por la geografía, y la edad. Claramente "Ciudadano Kane" , la primera de la lista, como otras veces anteriormente, produce una respuesta especial que está por encima de sus raíces norteamericanas, atrayendo por igual a mujeres y hombres, a jóvenes y viejos, franceses y rusos, italianos y argelinos. Y sin embargo, a pesar de que como director Welles siempre tuvo el carisma de un James Dean, sólo otra película suya tuvo suficientes votos como para estar en la lista, "Sed de Mal", una maravillosa y destartalada película negra que dirigió 17 años y 7 películas después de Kane".

La época nos lleva a sostener que, hasta estos gustos tan clásicos y superiores cambian con el tiempo y el inexorable transcurso de los años. 

Muchos directores y expertos del cine hoy, reniegan de "Kane" porque la encuentran muy estéril, fría, distante, poco empática, extremadamente técnica y metódica, y contraponen la energía arrolladora de Martin Scorsese en "Taxi Driver" a la visualidad innovadora de Welles. 

El problema creo que yo, está en valorar con ojos demasiados actuales, piezas fundamentales del museo de la imagen, que son únicas e irrepetibles.

Descubrir la cinefilia de "Mank" - candidata a numerosos Oscar el año pasado- es recuperar el touch estilístico del cine clásico, que se rodaba con unas cámaras que pesaban toneladas y unos recursos técnicos y expresivos pasados de moda, pero que se adaptaron a la concepción artística de sus autores en su tiempo.  

Esta discusión que puede dar para llenar capítulos interminables de las preferencias del cine, sólo nos puede gatillar el mayor entusiasmo e interés para valorar desde el punto de vista de la satisfacción cinéfila, como votaron nuestras amistades cinéfilas. Exploraremos pues, en la selección apretada de nuestros amigos y amigas por el cine de sus vidas, como una forma de incentivar en cada uno de ustedes, la pasión desbordante por este arte maravilloso venido de las tierras de Oz.  

El chart de los 20 directores más recurrentes e influyentes de la historia del cine.

Han sido directores que el blog "Séptimo 7 sello", ha abordado en su oportunidad profusamente. Por eso, ahora hemos optado por suscribir las definiciones de comentaristas y estudiosos de su obra para mayor objetivismo y entretención. 

Se trata, por cierto, de incentivarlos a descubrir su filmografía y acercarse a sus películas, en la comodidad del reproductor hogareño. Nunca es tarde para ponerse al día, en materia de atender a los grandes realizadores de la historia del cine.

Ingmar Bergman. "Es el cineasta sueco del drama considerado como la manifestación de los elementos en conflicto del alma humana. Su estilo se basa en el retrato sicológico profundo de personajes, la recreación en la tortura sicológica, la continua reflexión sobre la propia autobiografía, la problemática del artista, la búsqueda de Dios, la angustia existencial, la soledad, la muerte, el proceso autodestructor de los personajes enfrentados por algún conflicto, el amor destructivo, la incomprensión y la incomunicación de la pareja y el análisis del alma femenina". 

"Persona" ( 1966 ). "Es el mayor esfuerzo del cine por penetrar en las zonas humanas incontrolables. Pero no es sólo una obra "hacia dentro" : el horror del ser está conectado con el horror público.... Y no es casual que Bergman, cineasta de mujeres, haya elegido protagonistas femeninas para semejante excursión, con ellas siente que puede llegar hasta las zonas menos accesibles, las que se vinculan con lo germinal y con lo líquido, con la ficción social y con el terror de un mundo brutal". 

Federico Fellini. "Producto de una educación cristiana que le fascina y le repele al mismo tiempo, desgarrado ante un abismo espiritual de ángeles y demonios obsesivos, y de belleza a veces monstruosa, Fellini comenzó a aplicar su carnavalesco sentido del espectáculo,- cada vez más barroco, fantasioso y exuberante- a su autoanálisis crítico como técnica o terapia a caballo de unas memorias íntimas y confesiones impúdicas de sus frustraciones personales".   

"Amarcord" ( 1973 ). Evocación personal de los días lejanos en Rímini natal, efectuado con nostalgia, sutileza, emoción, amor, belleza, sátira, humor, y que son pinceladas pintorescas que simulan caricaturas o bosquejos de pequeños sueños, insinuaciones eróticas, recuerdos nunca infectados por la fantasía pueril, pero sí ilusionados retratos de una adolescencia golpeada por la realidad histórica y los vaivenes de una familia disfuncional.

Alfred Hitchcock. Su magnífica y original obra, está influenciada por el psicoanálisis. Es un fino esteta del sadismo, que también presenta la belleza del amor desde su imposibilidad, la confusión de identidades y el engaño de las apariencias, el falso culpable, y el suspense, que surge de personajes en situaciones de extremo peligro. Gran manipulador de emociones, basa su estilo en la técnica de una planificación muy depurada, que considera una minuciosa construcción de historias, a partir del dibujo consciente de las storyboards, y una creación sonora con una función sicológica, que es provocadora, evocadora u opresiva. Instituyó una filmografía, que es casi un género en sí misma.  

"Vértigo" ( 1958 ). En esta obra maestra, "el estado líquido de los hechos, la conciencia y la moral están llevados hasta su grado extremo". Una intensa aventura romántica de carácter necrofílico, donde todo lo que aparenta normalidad no es tal, y donde puede haber "un doble y triple engaño, donde nada es lo que parece : ni la historia, ni los personajes, ni siquiera los vivos, tampoco los muertos". Una auténtica joya de la ilusión, que es también la materia de la cual se nutre el cine. 

Stanley Kubrick. "Se inició en el documental de donde nació un interés especial por la precisión en los detalles y la fidelidad a las estructuras de lo real, incluso en sus películas fantásticas. Cineasta que incursionó en todos los géneros, fue un innovador constante de las técnicas cinematográficas al uso, un director que marcó un antes y un después, que se reveló como un profundo analista de la trayectoria humana y de los cambios abruptos que sufre la sociedad, donde el esfuerzo por alcanzar las altas cotas del conocimiento, el poder, la maldad o el honor, se ve fatídicamente acompañado por la caída en la degradación y la muerte". 

"Ojos bien cerrados" ( 1999 ). Obra de despedida de Kubrick, con el que quiso cuestionar el verdadero valor que tiene la familia en el mundo actual. A través de la aventura nocturna de un joven médico, que de pronto se ve arrastrado hasta las puertas del infierno de una cofradía, donde parte del poder da rienda suelta a sus instintos, delirios y obsesiones sexuales, el director nos obliga a reforzar la auténtica salvación de toda corrupción y maldad que está en el núcleo familiar.

Akira Kurosawa. Hombre que amó los extremos, como señaló en un libro autobiográfico "amo los veranos tórridos, los inviernos gélidos, las lluvias torrenciales, y todos los extremos, lo cual se refleja casi siempre en mis películas", Kurosawa tuvo un carácter inconfundible. Sus obras fueron creciendo en magnificencia y delirio. Las últimas son francamente descomunales. Son inmensos y caudalosos ríos de imaginación trágica y limpieza visual. Como muchos otros gigantes del cine, Kurosawa se fue volviendo un gran contemplativo".  

"Los sueños" ( 1990 ). "Un hermoso largometraje que transmite sabiduría, confianza y tranquilidad. Kurosawa recupera a los 80 años en estas imágenes la pasión que le inspira la naturaleza, el respeto que profesa a la tradición y su reiterado rechazo a las expresiones más destructivas de la modernidad. Además de imponentes, estas imágenes tienen encanto y sencillez, porque son destellos de una imaginación muy libre, son visiones que no vienen a dar ni a pedir cuentas, son tributos de un realizador sabio y modesto que quiere compartir sus sueños con el público, no para efectos de una orgía freudeana- interpretativa sino sólo para fines de festejo de la vida, de prevención y consuelo".      

Charles Chaplin. "Nadie en la historia del cine logró, alternativamente que se viertan lágrimas y risas, porque su actuación delante las cámaras durante más de medio siglo, ha sintetizado con la mayor propiedad la miseria y la grandeza del alma humana. Artista múltiple : autor de sus guiones, actor, director, músico, un sólo gesto o mueca suya, ha significado mucho más que decenas de películas convencionales".

"Tiempos modernos" ( 1936 ). La esclavitud en la era del maquinismo, tiene en esta obra clásica, la metáfora más sutil y directa del progreso relativo a la serialización de los productos para hacerlos consumibles y perecibles. Relato de amor, supervivencia, miseria y confusiones divertidas, insuperable en su creatividad, en la justeza de sus situaciones y el delirio apabullante de sus gags, es también la prueba máxima del genio de Chaplin, ícono del cine de todos los tiempos, que aquí, por una sola vez, no queda solo y se va de la mano de su amada. 

John Ford. "Mucho más que cualquier otro cineasta, fue Ford quien construyó con el western la historia de un país sin historia. Se trata de una filmografía poblada con los ritos esenciales y con una intensa percepción de los ciclos de vida : siempre hay matrimonios, nacimientos y fiestas, como también despedidas y funerales. De todos los libros, el que nunca falta en John Ford, es la Biblia. Dado que estos relatos se ordenan sobre la construcción de la civilización, la familia es el núcleo esencial ; en los hijos recae la misión sagrada de hacer brotar otras familias. Son personajes que se esculpen así mismos y que no saben - en eso radica su grandeza-, que su destino será pasar a la historia."

"Más corazón que odio" /"The searchers" ( 1956 ). La vuelta a la esquina de la épica que el propio Ford ayudó a construir es este western, que también es un road movie por el desierto; la búsqueda incansable de los supervivientes de una familia fracturada por el ataque indio, que además es "la persecución que un perdido realizada sobre otro perdido : ni Ethan ni Scar tienen cabida en los territorios que dominaron. Que uno se imponga sobre el otro, es una cuestión de circunstancia, no de épica".      

Andrei Tarkovski. La singular obra de este cineasta ruso donde se mezcla la mística y la poesía, se caracteriza por "la búsqueda en el interior del ser humano , la necesidad de la fe, la presencia de la muerte, la impasibilidad emocional de los personajes, el misticismo estético, la magia, el sueño, la problemática del artista, y un pesimismo atenuado por la importancia concebida a la infancia como elemento de esperanza".  

"El sacrificio" ( 1986 ). "La idea del autor es provocar en el espectador sentimientos más que razonamientos. A Tarkovski, cineasta cristiano, le interesa mostrar la capacidad del hombre para sacrificarse y dejarse llevar por la fe. Una entrega contra la banalización de la palabra en el mundo actual".

Vittorio De Sica. El director y actor italiano dijo una vez : "En Italia habitualmente los hombres salen con sus hijos. Los hijos hablan con sus padres, se convierten en confidentes, y muy a menudo, dejan de ser niños para volverse pequeños hombres. Pienso que esto es universal". Cuando se estrenó "Ladrón de Bicicletas" ( 1948), fue atacada por los compatriotas de De Sica de todas partes, desde la prensa de derechas por su ofensiva visión de la Italia de posguerra, y desde la prensa de izquierdas por mostrar desesperación en lugar de revolución. Sin embargo, el mundo en general la aceptó y consiguió el Oscar a Mejor Película Extranjera en 1949. Sin duda, fue un modelo de minimalismo dramático para directores guionistas y técnicos : la cámara , como si se tratara de un espejo reflejaba el mundo de los sucesos cotidianos, con actores no profesionales y con historias extraídas de vidas rutinarias e imperceptibles.  

"Umberto D". Obra maestra del neorrealismo italiano. "La historia, en el non plus ultra de la insignificancia, consiste en registrar como el jubilado Umberto Domenico Ferrari se va reduciendo, se torna cada vez menos notorio y, finalmente, se borra del mundo. Es el viaje ya ingrávido, de miles de viejos que, sin fuerza, acción ni decisión, están marcados para volver a la nada".   

Orson Welles. El célebre cineasta norteamericano dijo una vez a Peter Bogdanovich : "Yo siempre estoy lleno de dudas sobre un filme : que el tono del conjunto esté equivocado, que su nivel sea erróneo, que todo el texto, las interpretaciones, el énfasis, lo que los actores dicen, cualquier cosa. Yo siempre estoy investigando, y tratando de buscar lo mejor, improvisando y cambiando. Pero en la única cosa que soy firme como una roca, es desde donde debe ser visto todo, con qué lente, etc. Y eso es algo de lo que debo estar agradecido, incluso si estoy equivocado".   

"Soberbia" / "Los magníficos Ambersons"/"El cuarto mandamiento" ( 1942 ). Crónica de una ambición, visión innovadora en su fondo y trasfondo, es también el drama de un joven ambicioso por naturaleza, egoísta y autosuficiente, y de cómo por su personalidad aplastante, frustra su propia vida y la de todos sus familiares que habitan a su alrededor. Es también la historia de amor de una pareja de fines del siglo XIX, que termina casándose con otros, y sus hijos enamorándose con las consecuencias catastróficas del caso. Una obra mayor de la historia del cine, menos estructurado y "frío" que Kane, que para muchos críticos es su mejor obra pese a las mutilaciones debido a los constantes cambios directivos de la productora.  

Martin Scorsese. Si existe un gigante del cine actual que sobrevive a su tiempo, atrevido, innovador, inconformista, capaz de explorar por los temas más profundos de la sociedad humana, es Scorsese, además cinéfilo fino, protector del patrimonio fílmico del séptimo arte, y un verdadero adalid de conocimientos y admiración por el Arte que cultiva. No es extraño entonces, que en la pequeña encuesta cinéfila que el blog ha efectuado, haya aparecido su nombre en el primer lugar de la lista. 

"Taxi driver" ( 1976 ). "Lo que Scorsese filma, es lo que hay entre la ciudad y su reflejo : los átomos de la violencia, la demencia imperceptible, la soledad absoluta, la angustia infinitesimal, ese hueco que no contiene nada y esa red invisible, endeble y peligrosa sobre lo que se levanta la sociedad, con todas sus instituciones, sus premios y sus sanciones". Una obra de inolvidable complejidad que es también una película imprescindible. 

Luis Buñuel. "Ha sido, no sólo el más genuino, ortodoxo y duradero representante del surrealismo en el arte cinematográfico, sino también un caso ejemplar de conciencia insobornable en el laberinto corruptor de la industria de sueños". La gran obra de Buñuel se caracteriza por el empleo de elementos surrealistas, la crítica a la religión y a la burguesía, y por el planteamiento de aspectos negativos del ser humano. Uno de sus temas recurrentes, por ejemplo, es el de la perversión a la que puede conducir la bondad cristiana. Sus personajes son por un lado perteneciente a la alta burguesía, y por otro, deformes y marginados.    

"Ese oscuro objeto del deseo" ( 1977 ). Ultima obra del célebre realizador español, que es algo así como una síntesis de lo mejor de sus películas : está el sexo como poder absoluto de la vida, como arma para negociar, como esclavitud permanente mientras duran sus influjos". Aunque también está la temática de la realidad y el sueño, y los símiles comunicantes entre ellos. En otra perspectiva, se encuentra además, el tema de la religión como invento y la Iglesia como gran negocio, todos ellos desarrollados con humor e ironía, y con una marcada falta de respeto por las convenciones cinematográficas. 

Sergei Einsenstein. El gran creador del "montaje de atracciones", padre espiritual de la MTV, representante del cine revolucionario ruso, que sin embargo, con los años se fue decantando a un cine histórico de características épicas, lejanas a los fines propios del movimiento ideológico. Su obra descomunal transita por la doble cuerda de la inspiración y la rebeldía, y nunca deja de ser refrescante, interesante y adelantada a su tiempo. Admirador de Griffith, amigo espontáneo de Disney, estudiante de Arquitectura, con dominio en varios idiomas, interesado en las Bellas Artes, director, escenógrafo y actor de teatro, fue un intelectual desmesurado, inconformista y siempre innovador del lenguaje fílmico, convencido que el cine es la clave para entender mejor al mundo y a la cultura humana.   

¡ Qué viva México ! ( 1931 ). Filmando con Tehuanas esta inconclusa obra maestra. Su ayudante, Eduard Tissé reconstruyó para homenajearlo en los 100 años del Cine, una versión que ahora está en digital. Auténtico cine documental, poético, experimental, vanguardista, elaborado sobre la base de la admiración por la cultura azteca, sus gentes y su variedad etnográfica. En México, Eisenstein descubrió como hombre, sus inclinaciones más íntimas por el mismo sexo, pero también su libertad absoluta como artista, sin restricciones, ni censuras, ni limitaciones ideológicas. 

Bernardo Bertolucci. "Es probablemente el realizador italiano más controvertido. Ha conseguido el respeto de la crítica tanto por lo innovador de su estilo, como por abordar temas difíciles y comprometidos desde el punto de vista inequívocamente izquierdista. Sus películas oscilan entre las minoritarias o de Arte y Ensayo, y las superproducciones espectaculares, o los grandes éxitos comerciales, pero cada nuevo título de Bertolucci, siempre abre nuevos horizontes para el debate cinematográfico y político".  

"Novecento" ( 1976 ). Enorme lienzo histórico inconcluso, que es también una obra extraordinaria sobre tres generaciones de dos familias  de la región de Emilia, de tendencia fundamentalmente comunista. El plano de tiempo que abarca la película desde 1900 hasta el presente, con buena parte de la acción desarrollada en el gran patio de una hacienda rural en el pequeño mundo de Parma, sirve como metáfora de toda la nación italiana y quizás de todo el mundo. Su grandiosidad es innegable y la majestuosidad de algunas secuencias dejan sin aliento, pese a cierta irregularidad, es una buena muestra de las capacidades creativas que tenía Bertolucci en el cine.  

Yazujiro Ozu. Ya en los años treinta del siglo pasado, era conocido como un cineasta con un sentido plástico superior. "En los 40 y 50, fue derivando a formas ascéticas de esa pictorialidad asociadas a una radical reducción de la intensidad dramática. Las películas de esa época pueden ser, en efecto, sistemáticas hasta la exasperación : motivos mínimos generalmente una muerte o un matrimonio, inmovilidad de la cámara, que está situada siempre a la altura de un sujeto sentado en posición del loto, títulos referidos a las estaciones, soluciones de continuidad con rasgos del paisaje, siempre los mismos ( trenes, cables, chimeneas, ríos, montes ), iguales equipos técnicos, la misma productora, idénticos repartos, y nombres de personajes repetidos hasta el infinito : Noriko, Attori, Hirayama, Koichi".    

"Historias de Tokio" /"Cuentos de Tokio" ( 1953 ). Es una película que se describe como una pieza fundamental sobre el fin de la familia tradicional, y la irrupción de la modernización en la post guerra. La manera que tiene Ozu de filmar es radical en su objetividad y contemplación. "Utiliza el espacio en 360 grados, se salta el raccord del contra campo tal como es concebido en Occidente, utiliza con frecuencia los planos medios frontales y a menudo se extasía en escenarios vacíos, antes o después que los personajes los ocupen. Pero es la elipsis lo que forma el nudo de su estilo. Omitiendo las escenas potencialmente dramáticas, se concentra en los momentos más triviales, para extraer de ellos la esencia de sus personajes".

Satyajit Ray. Si el neorrealismo caló hondo en un país, fue en la India cuando Ray cautivó a la crítica internacional con su Trilogía de Apu. Con una cámara de 16 mm y un presupuesto inicial de 710 libras, adaptó un relato realista sobre la vida de un niño sumido en la pobreza, la separación de su madre, y sus esfuerzos posteriores por sobrevivir laboralmente, estudiar una carrera, casarse y tener hijos. Se trata de una odisea humanista que tiene la virtud de estar fotografiada con una innovadora concepción estilística muy del gusto occidental, sin perder jamás, su impactante unicidad, sentido emocional y afecto. Fueron importantes puntos de partida para un cineasta fundamental de la historia del cine, que reveló la valiosa filmografía hindú, a los ojos de un Occidente cautivado por la belleza de sus paisajes, su cultura y su religión. 

"Aparajito" ( 1956 ). El joven Apu deserta de su familia para incursionar en una Universidad de Calcuta después de ganarse una beca. Relata la juventud de Apu en Benares y se expande en la idea de independizarse, para llevar una vida diferente lejos de la marginalidad y la pobreza. Detrás de su aparente simplicidad, se esconden unas verdades legítimas que realmente conmueven al espectador, porque dejan de manifiesto, el conflicto que hay entre Oriente y Occidente. Es una de las grandes películas sobre el proceso educativo cultural de un joven del tercer mundo, que se eleva por sobre sus resultados, gracias a la estupenda inspiración de Ray para contarnos con sabiduría y emoción, los avatares del muchacho en su lucha por salir adelante.  

Jean Renoir. "Cineasta de exquisita sensibilidad, justamente considerado como uno de los máximos pilares de la cinematografía mundial, asumió la gran contradicción de que para él supuso su origen intelectual y su adscripción y preocupaciones políticas concentradas en su apoyo al Frente Popular en las decisiones francesas de 1936. Alternó el documental y la ficción, y en sus obras maestras como: "Las reglas del juego" y "La gran ilusión", resumió todas sus preocupaciones estéticas, sociales, filosóficas y políticas.  

"El Río" /"The river" ( 1951 ). El impresionismo pictórico caracterizan las imágenes de esta gran obra maestra, producida por un inglés y rodada en auténticos escenarios hindúes por un equipo franco-anglo-indio. "El Renoir del frente popular se ha desvanecido y con el espléndido Technicolor de su sobrino Claude Renoir se entrega a una meditación quietista y brahmánica sobre el fluir de las cosas, como las aguas del Ganges, como el curso de la vida, que hace que unos nazcan mientras otros mueren". Film de insólita belleza que nos anuncia que el Renoir polémico de la anteguerra ha cerrado una etapa de su carrera, para dar curso a un Renoir romántico, más contemplativo y esteticista.   

Francis Ford Coppola. Es uno de los grandes cineastas del cine estadounidense que, recuperó al público de los años setenta encendidos en la beatificación de la televisión, con una firme remembranza por el cine de géneros ( gangsteril, relato de guerra, cine romántico y musical ). En una época muy colosal, mientras vio nacer y morir a su propia productora "Zoetrope", se dedicó a relatar historias de jóvenes marginales con un sesgo experimental y vanguardista realmente asombroso. Admirador de los grandes clásicos del cine, su obra es un homenaje encendido e inspirado a los fundadores del séptimo arte, sin renegar jamás de sus propias virtudes como narrador y esteta insuperables.   

"Apocalipsis, ahora " ( 1979 ). Inspirada adaptación de "En el corazón de las tinieblas" de Conrad, es una metáfora directa a la guerra de Vietnam, que muestra la bajada a los quintos infiernos de un joven soldado tras los pasos del mismísimo demonio. Alegoría sobre el mal, ejecutada con todos los elementos de una super producción, que enquista los colmillos en la supervivencia de un puñado de soldados, que viajan río arriba, siguiéndole la pista a un enajenado mental con dominio del absolutismo reverencial. Obra cumbre, no sólo del gran Francis Ford Coppola, sino que del cine americano de los años setenta, tan proclive en esos tiempos, a las experimentaciones vanguardistas buscando el interés de los nuevos públicos. 

Fritz Lang. El maestro alemán señaló una vez : "La lucha del individuo contra el destino quizás sea la base de todos mis films, el combate del hombre contra una violencia ejercida desde arriba, superior a sus fuerzas; sea la evidencia de una justicia aceptada por todo el mundo, sea la violencia de una sociedad, autoridad o de una organización corrompida". 

"Metrópolis" ( 1927 ). El tema del dominio de unos pocos sobre el resto, sirven de pretexto para elaborar una obra cumbre del expresionismo alemán, que es también una metáfora del ascenso del nazismo, y que le costó caro a Lang, porque debió refugiarse en Estados Unidos perseguido por los nazis. Sin duda que, estamos frente a una obra colosal de la UFA, llena de logros estéticos, narrativos, visuales, sugerente y minuciosa en el trabajo de producción, y que todavía es venerada como una de las mayores empresas realizadas sobre el cine fantástico, que influyó hasta hoy en el género madre.   

Steven Spielberg. Dos importantes aspectos fluyen en la carrera de este valioso cineasta norteamericano de la generación de los años setenta, que caracterizan su obra más categórica. Su interés por las recreaciones históricas que han marcado a la Humanidad ( "La lista de Schindler", "Imperio del sol", "Lincoln", "Rescatando al soldado Ryan"), y las adaptaciones fantásticas, tan propias del universo disneyano, que hacen aflorar su lado mas infantil y con el que renovó el relato de orden familiar y de matinée ( "E.T. el Extraterrestre", "Los cazadores del arca perdida", "Jurassic Park"; "Hook", "Inteligencia artificial"). Es un gran rey midas de Hollywood, capaz de emular a De Mille, y superarlo, con la ayuda del uso de los avances de la tecnología audiovisual e informática.   

"La lista de Schindler" ( 1993 ). Minuciosa recreación de época, sobre la irrupción nazi contra los judíos durante la Segunda Guerra Mundial, a partir de la experiencia real de un nazi que ayudó a rescatar a un puñado de perseguidos, con la solvente mirada emotiva y crítica de Spielberg. Filmada en un impresionante blanco y negro, como si fuera un documental dramatizado, es también una clase magistral de la ambigüedad de la guerra, la destrucción del hombre por el hombre y la extinción impuesta como soporte dramático.

Citas cinéfilas obtenidas de textos, críticas y libros de : Román Gubern, John Kobal, Ascanio Cavallo, Antonio Martínez, Héctor Soto, José Leal, Augusto M. Torres, Jesús Ramos, Joan Marimón. 

Resultado de nuestra breve encuesta. 

De un brevísimo universo de 10 encuestados, estos son los 10 directores favoritos de los cinéfilos en los primeros cinco lugares del chart. Se sostiene que, solo para eliminar la dispersión, nos concentramos en estas diez amistades cinéfilas que gentilmente aceptaron el desafío, y cuya votación individual aparece debajo de estos resultados muy simbólicos.

1) Martin Scorsese ( 6 votos ).

2) Stanley Kubrick y Steven Spielberg ( 5 votos c/ u ).

3) Charles Chaplin y Federico Fellini ( 4 votos c/ u ).

4) Akira Kurosawa, Alfred Hitchcock y Andrei Tarkovski ( 3 votos c/ u ).

5) Ingmar Bergman, John Ford y Vittorio De Sica ( 2 votos c/ u ).

Las 10 listas de los cinéfilos.

Ricardo Osvaldo Napoli, periodista argentino, crítico de cine, editor, Universidad Nacional de la Plata, y un cinéfilo latinoamericano de los más grandes y reconocidos, que es un asiduo promotor del Festival Internacional del Cine del Mar del Plata. 

"Primavera, Verano, Otoño, Invierno, y otra vez primavera" dirigida por el gran cineasta surcoreano Kim Ki Duk, que falleció prematuramente el año pasado, es uno de los directores favoritos de Ricardo Osvaldo Napoli.

Su votación es la siguiente:

1) Ingmar Bergman.

2) Orson Welles.

3) Federico Fellini,

4) Vittorio De Sica.

5) Charles Chaplin.

6) Buster Keaton.

7) Giuseppe Tornatore.

8) Martin Scorsese.

9) Andrei Tarkovski.

10) Kim Ki Duk.

Rodrigo Cumsille Labbé, abogado y administrador egresado de la Universidad de Talca, arqueólogo de la Universidad de Chile, corredor de propiedades ACOP Chile, es un gran cinéfilo animador de las antiguas funciones de cine en 16 mmm en el Museo O"Higginiano de Talca, experto en Welles y Chaplin, y un asiduo lector de literatura cinéfila e histórica. 

"El mundo de Apu" ( 1959 ) de Satyajit Ray, una de las grandes obras del realizador hindú que es uno de los predilectos de Rodrigo Cumsille.

Su votación es la siguiente:

1) Orson Welles.

2) Satyajit Ray.

3) Andrei Tarkovski.

4) Ingmar Bergman.

5) John Ford.

6) Federico Fellini.

7) Akira Kurosawa.

8) Alfred Hitchcock.

9) Luis Buñuel.

10) Stanley Kubrick.    

Adriana Contardo Poblete, estudió Pedagogía en Educación Musical en la Universidad de Chile, Programadora de las Radioemisoras de la Universidad de Talca, una auténtica institución dentro de esa casa de estudios superiores. Sin duda, es sinónimo de la sabiduría musical en el Maule, sobre todo cuando se habla de música docta, clásica y folclórica. admiradora acérrima del Arte en todas sus expresiones, especialmente el cine, la danza, la literatura, la composición, y gran amiga con la que producimos juntos durante unos años, los programas "Hora Verde" y "Cinemanía". 

"Los puentes de Madison" de Clint Eastwood, que es uno de los directores que más le gustan a Adriana Contardo. Por cierto, se trata de uno de los cineastas norteamericanos predilectos de nuestro tiempo. 

Su votación es la siguiente :

1) Steven Spielberg.

2) Oliver Stone.

3) Martin Scorsese.

4) Francis Ford Coppola.

5) James Cameron.

6) Clint Eastwood.

7) William Wyler.

8) George Cukor.

9) Roman Polanski.

10) Stanley Kubrick. 

Alfonso Morales Celis, licenciado en Comunicación Social y periodismo de la  Universidad de Santiago de Chile, magister en Ciencias Sociales de la Universidad de las Artes y las Ciencias Sociales, ARCIS, diplomado en Humanidades de la Universidad de Talca, sociólogo en la Universidad de Salamanca y asistente a los talleres de Técnicas Narrativas en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Es un asiduo cinéfilo, gran admirador de la Garbo y la Dietrich, que vive en España y que ha cultivado su pasión por la literatura, publicando numerosos libros de su autoría tanto en Chile como en Europa. 

"La vida de los otros", la estupenda película del director alemán Florian Henckel von Donnemarch, quien es uno de los seleccionados por Alfonso Morales desde España.

La lista de Alfonso, incluye la película que más ha destacado de su autor.

1) Alejandro Amenábar ( "Tesis").  

2) Bernardo Bertolucci ("El último tango en París").

3) Federico Fellini ( "La dolce vita").

4) Florian Henckel von Donnemarch ( "La vida de los otros").

5) Francis Ford Coppola ( "El padrino" ).

6) Martin Scorsese ( "La edad de la inocencia").

7) Pedro Almodóvar ( "Dolor y gloria").

8) Ridley Scott ( "Alien").

9) Roberto Benigni ( "La vida es bella").

10) Steven Spielberg ( "La lista de Schindler" ) 

Gonzalo Erices, coordinador de la Escuela de Espectadores Críticos de Chile, joven impulsor del programa de formación de públicos en la zona sur y el extremo sur de Chile, cinéfilo empedernido, sobre todo del cine como compromiso artístico, cultural y social, es un gran conocedor del cine documental y de vanguardista.

Portada del documental "Pelechian : cineasta y poeta de la realidad". Es el director favorito de Gonzalo Erices.

Su lista es la siguiente :

1) Artavazd Pelechian.

2) Patricio Guzmán

3) Akira Kurosawa.

4) Raúl Ruiz.

5) Naomí Kawase.

6) Agnes Vardá.

7) Abbas Kiarostami.

8) Werner Herzog,

9) Alain Resnais.

10) Víctor Erice.

Alejandro Kano Alarcón, profesor del Liceo de Cultura y Difusión Artística de Talca, coordinador de Audiovisuales, activo productor de cortometrajes y medio metrajes, cinéfilo de toda la vida porque su padre era un gran y fervoroso expositor de películas en colegios y liceos de la región del Maule, dibujante de comics, pintor y poeta maulino, ha logrado transmitir a sus alumnos y alumnas las técnicas del lenguaje del cine, a través de contundentes programas pedagógicos y proyectos de desarrollo artístico del Fondart.

"Perdidos en Tokio" /"Lost in Traslation" ( 2003 ) de Sofía Coppola, la cineasta favorita de Alejandro Alarcón.

Su votación es la siguiente:

1) Stanley Kubrick.

2) Alfred Hitchcock.

3) Emir Kusturica.

4) Jim Jarmusch.

5) Silvio Caiozzi.

6) Miguel Littin.

7) Helvio Soto.

8) Martin Scorsese.

10) Sofía Coppola.

En puestos superiores también nombró a : Akira Kurosawa, Luc Besson y Jean Jacques Annaud.

Renato Velásquez Rojas, Profesor, egresado de la Universidad Católica del Maule, coleccionista de DVDs y Blu Ray con películas de todos los tiempos, y un asiduo animador en talleres de apreciación cinematográfica. Alumno de la Escuela de Espectadores Críticos, es un docente que ha practicado siempre el buen gusto por ver películas entre sus alumnos y alumnas.

"El viento se levanta" del maestro del animé japonés Hayao Miyazaki, director seleccionado por el profesor Renato Velasquez.

Su lista de selección es la siguiente:

1) Charles Chaplin,

2) Vittorio De Sica.

3) Bernardo Bertolucci.

4) Hayao Miyazaki.

5) Stanley Kubrick.

6) Elia Kazan.

7) Woody Allen.

8) Steven Spielberg.

9) Jean Jacques Annaud.

10) Raúl Ruiz.   

Roberto Ludueñas Mella, cineasta con mención en producción y postproducción en la Universidad de Valparaíso, con post título en producción gráfica, video y fotografía en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Director en la productora Maule Films, planner en "Somos novios" y gerente en "Nativo". Curicano de corazón y origen, ferviente admirador de las bellezas naturales que tiene la región del Maule, como lo demostró en la película "Maule Indómito" y secuelas. Advierte que su lista es más reducida, porque a Herzog lo clasifica entre los cuatro primeros lugares.

De antología, fueron los constantes choques en el rodaje de "Aguirre, la ira de Dios", entre el actor Klaus Kinski y el director alemán Werner Herzog, el predilecto del cineasta maulino Roberto Ludueñas. Actualmente, Herzog también es un extraordinario documentalista.

La lista especifica de Roberto es la siguiente :

1) Werner Herzog.

2) Ridley Scott.

3) Quentin Tarantino.

4) George Lucas.

5) Denis Villeneuve.

6) Steven Spielberg.

Gonzalo Espinoza Torres, un gran artista pictórico de la región del Maule, especialista en Chaplin y Eisenstein, a quienes admira desde muy joven, es también un asiduo animador de exposiciones y muestras gráficas. Desde hace mucho tiempo, es un coleccionista de películas, revistas, libros, y sobre todo, de las bellezas de la pintura humana. 

"El gran dictador" de Charles Chaplin, el director favorito de Gonzalo Espinoza, es también uno de los nombres más admirados y característicos de la historia del cine. 

La lista de Gonzalo es la siguiente :

1) Charles Chaplin.

2) Steven Spielberg.

3) Jean Renoir.

4) John Ford.

5) Sergei Eisenstein.

6) George Cukor.

7) Stanley Kubrick.

8) Andrei Tarkovsky.

9) Martin Scorsese.

10)Emir Kusturica.

Felipe Saldaño Valladares, Director del Proyecto FELINA, Festival linarense de Cine Nacional e Internacional, de profesión sicólogo, es un experto en cine de vanguardia y experimental, asiduo coleccionista de películas, gran motivador de actividades artísticas y culturales. Fans asiduo de Hitchcock y Kazan, nunca reniega de revalorar al cine clásico, siempre desde la testera universal que tiene el séptimo arte.   

"Nido de ratas", es la obra cumbre de Elia Kazan, uno de los directores predilectos de Gustavo Saldaño que votóa sus favoritos desde Linares.

La lista de Gustavo, que nos insistió en que no hay orden de preferencia, es la siguiente :

1) Alfred Hitchcock

2) Elia Kazan

3) Martin Scorsese

4) Charles Chaplin

5) John Huston

6) Orson Welles

7) Billy Wilder

8) Abbas Kiarostami

9) Akira Kurosawa

10) Federico Fellini.

Agradecimientos especiales a mis amistades cinéfilas por la confección de estas listas, compartidas en esta entrada especial del blog : Ricardo Osvaldo Napoli ( Argentina )- Alfonso Morales Celis ( España )- Adriana Contardo Poblete ( Chile )- Rodrigo Cumsille Labbé ( Chile ) - Gonzalo Erices ( Chile ) - Alejandro "Kano" Alarcón ( Chile )- Renato Velazquez Rojas ( Chile )- Roberto Ludueñas Mella ( Chile )- Gonzalo Espinoza Torres ( Chile )- Felipe Saldaño Valladares ( Chile ).-   

Gracias por compartir esta entrada y ahora si te atreves, no lo dudes tanto y  confecciona tu propia lista de favoritos de la historia del cine.