RECUERDOS PAGANOS DE PELICULAS INSUPERABLES :

Ver no es mirar, pero si sentir.

Nunca es tarde para recapitular sobre películas que vimos en su oportunidad en la sala de cine o en alguna función de trasnoche de la televisión. "Busco mi destino" ( 1969 ) de Dennis Hopper debe ser por derecho propio la master de las cintas independientes, y reflejo fiel de la época hippie, con toda su sicodelia, pan, amor y rosas. Como ella, repasamos en esta entrada varios títulos para redescubrir al calor del recuerdo nostálgico de tiempos remotos. 

En la revolución de las flores.

El recién desaparecido actor Peter Fonda se transformó en ícono de una época, gracias a "Busco mi destino" /"Easy Ryder" ( 1969 ), película emblemática de la Era Hippie.  Es el filme de carretera por excelencia, y un grito desesperado contra el sistema que obliga a legitimar la diversidad étnica, social, política, religiosa y cultural. Desde los primeros minutos del relato, se nos da a entender esta posición radical, cuando sus protagonistas lanzan sus relojes en un gesto anárquico y emprenden el viaje montados en sus potentes "caballos de acero".      

Dennis Hopper, Peter Fonda y Karen Black en un cementerio, sufriendo los efectos alucinógenos de las drogas. / Esta ruta que se inicia con gran optimismo, les acerca  hacia comunidades hippies que sobreviven en contacto con la tierra, y que simbolizan a una nueva América, aunque poco a poco, se irán defraudando cuando el viaje se les haga más accidentado y violento, con su paso accidental por la cárcel, su mala experiencia con los ácidos, la hostilidad más visceral de los pobladores y las autoridades, hasta terminar en una muerte violenta en el Sur profundo, territorio ultra conservador y racista.  La película es un documento que ostenta gran vitalidad, un trabajo fotográfico excepcional del operador Lászo Kovacs, y que considera actuaciones brillantes, incluso bajo los efectos de las drogas.   

El conocido Jack Nicholson interpreta a un abogado desencantado de la sociedad en que habita y que potencia su idealización, viajando con los protagonistas en una jornada donde sufrirá lamentables consecuencias. Su relato sobre los secretos de la Casa Blanca y los extraterrestres, está entre los diálogos antológicos de este gran clásico del cine independiente. Es un modelo del rasgo irónico e inconformista que tendría la carrera del famoso intérprete, hoy día en retiro obligado por el Alzheimer.  

La Ruca Astral, primera manifestación grupal del movimiento hippie como una comunidad ecológica que practica el sexo libre, el culto a la vida en contacto con la Naturaleza, el consumo de yerbas y otras sustancias alucinógenas y la renuncia al sistema político imperante. Transgresora a su modo, el filme también se caracteriza por incluir una banda musical de excepcionales características donde hay mucho rock, pop y folk.  

Con Luke Askew como líder de la comunidad que vive de la tierra. Todos los personajes que se cruzan en el camino de los protagonistas, representan a parte de la nueva América forjada en función de la libertad como valor único e intransable.   

A la orilla del camino / "On the road" la novela de Jack Kerouac publicada en 1957, influyó grandemente en la visión que tuvo Hopper para filmar su película.

Una road movie en toda su espacialidad paisajística, caracteriza esta obra cumbre que recordamos con nostalgia considerando la desaparición reciente del actor Peter Fonda. Es una película que, el paso del tiempo ha fortalecido en su propuesta estilística, debido a la variedad de recursos narrativos y técnicos que Hopper acomoda a total libertad, como la repetición instantánea y secuencial de escenas cuando pasa de un momento a otro, o los juegos de deformación óptica, cuando sugiere el éxtasis sicodélico que provoca el consumo de las drogas.  

El vuelo de las águilas.

No la recordaba tan entretenida y grandiosa como la repaso ahora a propósito de una colección de cine bélico recién editada en Chile. "El crepúsculo de las águilas"/"The Blue Max" ( 1966 ) dirigida por John Guillermin, es una película que tiene la facultad de recrear con gran sentido del espectáculo, las aventuras áereas de Bruno Stachel ( George Peppard ), joven alemán de la fuerza aérea que combatió durante la Primera Guerra Mundial, de origen humilde y que debió  sortear las sensibilidades de sus aristocráticos camaradas para ser aceptado.   

El filme destaca por sus grandiosas escenas áreas de combate, siguiendo los códigos éticos establecidos. El enfrentamiento en el cielo es entre ilustres caballeros, por lo que varias de las secuencias, el director las acomoda con inteligencia creando gran tensión, una movilidad vertiginosa gracias al uso de la cámara subjetiva y que incluyen eficaces filmaciones sobre globos y avionetas. El relato también es entretenido, interesante y versátil, con alusiones al Barón Rojo, a los valientes pilotos de ambos bandos, a la dramática ecuación que resulta de las masacres y de los bombardeos sorpresivos y que van superando los contendientes en escalada, en su afán por obtener la preciada medalla azul. Pero también está la historia de Bruno Stachel, tratando de sobresalir en un mundo de hienas sociales, que terminarán sacrificándole en función del misticismo de su atractiva figura de héroe nacional.   

La película también es una interesante recreación de la manipulación del poder que hacen los altos mandos castrenses, en función de la creación de expectativas a través de los medios de comunicación, sobre el supuesto heroísmo patriótico. En este sentido, el personaje que interpreta James Mason como el general Count von Klugermann, revela de manera contundente, las intencionalidades encubiertas que despiertan ciertas figuras públicas que combatieron durante la Gran Guerra. Todo ello, para mantener el idealismo de la valentía y supuestamente enraizar en el consiente colectivo, la adoración por estos nobles y valientes soldados, que de manera desinteresada se enfrentaron con el peligro y la muerte. El tono romántico lo trae Kaet ( Ursula Andress), que mantendrá un idilio amoroso clandestino  con el idolatrado Bruno Stachel, para sucumbir con él, en un desenlace sorprendente. 

En las trincheras se vive la sangrienta masacre humana, mientras desde el aire, se domina la escena con los aviones ametrallando soldados como moscas. La película le saca buen partido a estas escenas masivas, para subrayar las inconsecuencias que tienen las guerras humanas.  Estamos sin duda, frente a una película muy recomendable que ahora puedes redescubrir a través de la magia del DVD / Blu Ray.   

La comedia disparatada de un loco genial.

"El Matasanos/"The Disordely Orderly" ( 1964), dirigida por Frank Tashlin. Debe ser una de las comedias más disparatadas del comediante norteamericano Jerry Lewis, trabajando ya en solitario, después de una larga jornada de éxitos junto al cantante Dean Martin. Es la historia de un joven enfermero, Jerome Littlefiled ( Lewis, claro está ), que  lucha por contrarrestar un tremendo síndrome que le hace creerse todas las enfermedades que tiene los pacientes de la clínica privada donde trabaja, y que en su transcurso, se enamora perdidamente de una chica que ha intentado suicidarse, menospreciando los arrebatos románticos de una compañera de labores.  

Eterna secundaria de sus películas, la actriz de carácter Kathleen Freeman desempeña un divertido papel de enfermera neurótica, con la que Lewis se cruza a cada momento siempre originando el caos y la destrucción dentro de un orden establecido. Ella supuestamente perfila la neurosis de una época, pero también las inexactitudes de un sistema de salud aparentemente solidario y eficaz.

El espejismo de un amor idealizado por Jerry Lewis, está encarnado en el personaje de la chica suicida, interpretada por la olvidada Susan Oliver, y que nos da a entender que, la chica real siempre cautiva al final el corazón del galán de turno, y la chica idealizada sucumbe consumada por el sueño de lo que pudo ser y no fue.

Una figura antipática transformada en agradable, por obra y gracia de la dupla Tashlin-Lewis interpreta la actriz Susan Oliver ( 1932-1990), que trabajó a lo largo de tres décadas en cine y preferentemente en series de televisión, como : "Star Trek", "El Fugitivo", "El agente de la CIPOL", "Galería Nocturna", "Dr.Kildare", "Peyton Place", "El Virginiano", "Alias Smith & Jones", "El Crucero del amor" y "Magnum".  

Hacia el desenlace de la película, el frenesí de la persecución loca, atrevida, surrealista, y que termina en un pandemónium muy risible. Recuerden que Jerry Lewis representó en esta época, toda la  neurosis compulsiva de la sociedad americana, vilipendiada por circunstancias políticas, raciales, sociales y culturales. Esta en su hábitat como un pez en el agua, y la comedia logra divertir a costa de salidas de madres, golpes de efecto, gags insuperables ( como el del paciente totalmente enyesado y que se pierde en una vertiginosa caída por el parque ). Otra película para ver en familia. 

Quien a hierro mata, a hierro muere.

"The Sisters Brothers" ( 2018 ) de Jacques Audiard. En el momento de su estreno en cines, ya la alabamos por su certeza narrativa, su originalidad temática dentro del western y su clasicismo crepuscular. Ahora que apareció en Blu- Ray conviene detenerse un poco en su estructura narrativa. En la década de 1850, los hermanos Sisters le siguen los pasos a unos buscadores de oro, dejando tras de sí, una friolera estela de odio, sangre y muerte. La película mantiene un aliento clásico, pero moderniza su vertiente, con la imagen de unos perdedores no-santos ( John C.Reilly y Joaquín Phoenix ), que claudican su pasado en relación a un acomodo que pudiera surgir de un botín considerable de oro. Esta premisa es ambivalente, corre para todos lados y la narración juega con lo subjetivo, hasta crear una atmósfera de inestabilidad próxima al apocalipsis. Adaptación de la novela de Patrick DeWitt es precisa, solvente y atractiva de principio a fin. Tras su complejidad se esconden las raíces del miedo, del asesinato, de la maldad vista sin códigos éticos detrás, sino como consecuencia de una vida escaldada en fatalidades y limitancias existenciales. 

Los protagonistas, son dos hermanos de caracteres muy opuestos, que se atraen en las situaciones riesgosas y que están al límite de perderlo todo. Profesionales de la aniquilación, practican con sus pistolas recorriendo medio Oeste tras los pasos de un químico, que tiene la fórmula perfecta para lavar oro. El resultado de esta quimera donde también participan Jake Gyllenhall y Riz Ahmed, hace indiscutible, la metáfora más cercana al filme "El Tesoro de la Sierra Madre" de John Huston que a los filmes épicos de John Ford. 

El paisaje por correspondencia, vuelve a ser un personaje más en la trama, y sumerge detrás de colinas, senderos pantanosos, desierto, colinas rocosas, la insinuación de quien a hierro mata, a hierro muere. Estos asesinos transformados en buscadores de oro, se rendirán a la idealización de la comodidad absoluta, que sólo les atraerá mayores desdichas y consecuencias nefastas para su integridad física y mental.  

El dibujo nostálgico de un pasado idealizado se pierde en este notable western por una cercanía sicológica a los personajes, que la hacen más natural, brutal y humana, pese a la escalada de violencia que desencadenarán sus personajes. Hay en este canto radical a las tentaciones del oro, una metáfora gozosa sobre las debilidades humanas y sus frustraciones en tierras inhóspitas y salvajes. 

El detallismo nocturno de Audiard, con las conversaciones alrededor de una fogata, no trastocan la idea de que venimos a este mundo solos, y que solos nos despediremos de él. Hay en esta triste idea un concepto que lo acerca poderosamente a los clásicos narradores que desmitificaron el Oeste.

Nos atreveríamos a asegurar que, este western es más cercano a la mirada desmitificadora de Clint Eastwood en "Los Imperdonables " que, a las arrebatadoras historias míticas de Howard Hawks, pese a que se circunscribe a un puñado de personajes en eterna pugna por alcanzar la meta presupuestada. Estamos frente a una obra mayor del cine actual. Muy recomendable.

El refinamiento de un asesino con guantes de seda.

"Monsieur Verdoux" ( 1947 ) de Charles Chaplin. Una obra cumbre que escapa a los presupuestos habituales que nos dio su célebre realizador. Motivado por una idea de Orson Welles, Chaplin se embarcó en una comedia negra, negrísima, que le saca provecho a un hecho delictual famoso acontecido en París. Los crímenes de Mr Landrú transformado en Verdoux para las plateas y fustigado por una vida de intenso juego de crímenes y cambios de personalidad, víctima de la depresión económica de los años treinta. 

El personaje central es un empleado de banca que tras treinta años de ejemplar conducta, es despedido de su trabajo y se ve obligado a agudizar su ingenio para mantener a su esposa, una mujer inválida, y a su hijo. Monsieur Verdoux seduce a viudas adineradas, contrae con ellas falsos matrimonios y las asesina impunemente una vez se ha asegurado el traspaso de sus bienes. La película se detiene en esta aventura sangrienta de amor y muerte, casi siempre cercana al espectador y con grandes dosis de humor corrosivo e irónico. Chaplin trata con exquisita ternura a la chica que intenta suicidarse, y que como el personaje central, suscita la compasión y la ternura. Y en este peregrinaje comparte distintas mujeres de pasar discreto, solitarias y vetustas, en el manejo de las inclemencias maritales. 

En una actitud muy propia de Chaplin, su personaje mira de frente a la cámara, y obliga al espectador a tomar partido en situaciones realmente jocosas, ambiguas y criminales. En un momento del relato pasamos de ver a un barba azul sádico, elegante y quejumbroso, a una especie de pygmalion que protege a la muchacha de pasado turbulento. El desenlace no puede ser más crítico. La chica invita a Mr.Verdoux arrepentido de sus faltas, pero a su vez, este acto de contrición y humildad implica también su condena ya que será precisamente en el restaurante donde será identificado por sus perseguidores policiales.   

La chica que doblega el acto mortal, es también la que provocará la ruina y la condena del criminal. Chaplin estaba muy orgulloso de esta película a la que consideraba "como la más inteligente y más brillante de las que he hecho hasta ahora". Aunque sus constantes censuradores, le llevaron a sufrir el corte de las tijeras. Hoy en una colección especial con todas las obras de largometraje del artista, circula la versión íntegra, que resume la extraordinaria capacidad dramática y narrativa que tenía el genial artista inglés. 

Suma para la raya. Estamos con la obra más atípica de la filmografía de Chaplin, y por lo mismo, una película maestra en su conjugación de humor negro, suspenso, drama, comedia, terror, y por qué no, espejo de sus mayores virtudes como artista múltiple del cine de todos los tiempos. 

En el jardín de las delicias.

"El jardín secreto" ( 1949 ) de Fred M.Wilcox. Un clásico MGM infantil con Margareth O"Brien, Dean Stockwell y Brian Roper interpretando los personajes más característicos de la novela de Frances Hodgson Burnett. Una auténtica delicia rodada en blanco y negro y con un tramo en technicolor cuando el jardín de las delicias  florezca con la fuerza de la primavera. A destacar la actuación de los niños en situaciones desesperadas, como cuando Dean Stockwell - aparentemente minusválido y postrado en su cama eterna- le da una de esas rabietas histéricas para estresar los ánimos más tranquilos. Entusiasma, divierte y es una película muy entretenida.  

"El jardín secreto" ( 1993 ) de Agnieszka Holland. La adaptación más reciente conocida por nosotros en salas, es también la más hermosa estéticamente hablando. Una notable película que restituye el contenido del drama original y lo traslada a un castillo lúgubre y tenebroso rodeado por infinitos jardines y senderos interminables. Producción estadounidense dirigida por una realizadora polaca y con apoyo británico, que con justicia se transformó en un éxito de taquilla en su traspaso a los antiguos formatos VHS. Su música compuesta por Zbigniew Presiner será difundida en el programa CINEMANIA de Radio Universidad de Talca FM el próximo miércoles 11 de septiembre.    

El debut de la actriz británica Kate Maberly, junto a Andrew Knott, resulta ser todo un hallazgo contundente pues su personaje lleva gran parte del peso dramático de esta película. El elenco lo completan : Heydon Prowse, Maggie Smith, y John Lynch entre otros. 

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"Oliver Twist" ( 1948 ) de David Lean. El mérito de esta adaptación inglesa es su fidelidad al libro. Hay escenarios oscuros y siniestros, personajes complejos, y un niño huérfano que clama por sobrevivir en un mundo decadente. Es el libro clásico de Charles Dickens traducido con entusiasmo y sólidos medios por el solvente Lean, que tiene la particularidad de definir el universo infantil más realista y cercano a la visualidad de los italianos de la posguerra. Resulta un hallazgo la actuación del niño prodigio John Howard Davies, pero los mayores  elogios se lo llevan, sin duda, Robert Newton y Alec Guinness. Una auténtica joya familiar. 

"Oliver" ( 1968 ) de Carol Reed. Crecimos admirando la versatilidad del prodigioso Mark Lester, que saltó al estrellato con esta versión musical atendible en varios aspectos. Primero, una puesta en escena brillante. Unas coreografías espectaculares. Un trabajo en los detalles estéticos y de época, sólo alcanzable cuando hay detrás, un buen director manejando el barco de la producción. Y actuaciones deslumbrantes. No sólo Lester está  absolutamente inolvidable, sino que también su par, Jack Wild que mereció el Oscar y Ron Moody como un Fagin, divertido, astuto, corrosivo, antológico. Eso, sin olvidar la hermosa voz de Shani Wallis y los arrebatos coléricos de Oliver Reed colgado en los techos con el chico cautivo escapando de la policía. El tema de la Overtura de Lionel Bart también aparecerá en CINEMANIA. 

"Oliver Twist" ( 2005 ) de Roman Polanski. Adolece de candor y sensibilidad esta versión cinematográfica algo fría y esquemática del cuento de Charles Dickens. Es raro, considerando el currículum de su director, pero parece que no estaba tan inmerso en el trabajo narrativo y estético de esta película. Aburrida y algo ñoña, sólo se recomienda verla como una experiencia fallida. Pese a los logros en ambientación y diseño de producción. Mucho envoltorio para un dulce sin mucho sabor. 

"Pinocho" ( 1940 ) de Norman Ferguson, T. Hee, Wilfred Jackson, Jack Kinney, Hamilton Luske, Bill Roberts y Ben Sharspteen. Si la humanidad tuviera nombre, debería partir por seguir las enseñanzas éticas del gran Pepe Grillo cuando le señala a Pinocho los peligros que recorrerán su aventura. Es un clásico animado que no envejece, porque Disney se preocupó de hacerlo atemporal, multicultural, entremezclando diseños, fondos y estructuras de distintos países europeos. Es un lujo de película para toda la familia, con unos personajes muy logrados, canciones y situaciones extremadamente perfectas, y un tono de solidez, sólo atribuible a la época dorada de esta legendaria casa productora de animación. 

Pepe Grillo actúa como la conciencia positiva del muchacho. Un personaje ético que interpreta la canción más nostálgica de la casa productora animada, que ganó el Oscar. Esta mágica sinfonía la escucharás también en el programa radial CINEMANIA el próximo miércoles 11 a las 22: 00 horas. 

El oblondo y perverso Stromboli, es una de las amenazas que deberá enfrentar pinocho en su viaje para convertirse en un niño de verdad.

Los actores Dickie Jones y Cliff Edwards que prestaron su voz para la versión original en inglés del célebre clásico animado.

"Alicia en el país de las maravillas" ( 1951 ) de Clyde Geromini, Wilfred Jackson y Hamilton Luske. No es que sea la película animada más enigmática de la historia del cine. ES la película más compleja, producto de una novela llena de claves y símbolos atribuibles a un genio de la narrativa como fue Lewis Carroll. Disney encaró el desafío, agregándole el entusiasmo de trabajar sobre la base de lo atendible. Niñita en etapa de crecimiento sicosexual, metida en una aventura llena de peligros, momentos sublimes, acontecimientos sorprendentes y metáforas para resolver como una caja china. Es una película maestra en la consumación de un intelecto, un filme dirigido a la mentalidad del espectador estimulado por los colores, las formas, los diálogos en clave numérica, las metáforas sobre el transcurrir del tiempo y sobre la madurez de una niña en su tránsito a la adolescencia.

Con la Reina de Corazones, Alicia se mide en inteligencia y talento, a costa de perder la humildad y someterse a los estallidos neuróticos de la soberana. Cada personaje que aparece en el libro y en la versión Disney, tiene una relación empírica y metafórica con la idea del crecer, o sea, dejar la infancia por una adolescencia algo molesta y rebelde.

"Alicia en el país de las maravillas" ( 2010 ) de Tim Burton. La visión personalista de un director singular para un cuento atípico, tuvo como resultado esta versión divertida, socarrona, insurgente, rebelde como su personaje central, que logra equiparar las claves del libro original con la madurez a que es sometida Mia Wasikowska. Una divertida mirada que fusiona el universo de Carroll con el universo de Burton, y la transforma en una refrescante y moderna constatación sobre lo difícil que resulta crecer en un mundo de intolerantes. El músico Danny Elfman hizo la soundtrack, de la que escucharás el tema más característico en la próxima edición de CINEMANIA.  

"La bella durmiente" ( 1959 ) de Clyde Geromini. De todas las películas Disney que atesoro como cofre de piratas cargado de oro y rubíes, ésta es indiscutiblemente, para mí, la obra cumbre de su etapa dorada. Hay en ella, perfeccionamiento a grados superlativos. Todo es belleza en la película, incluso las líneas oscuras que definen a Maléfica y sus esbirros. Para rematar el logro estilístico, los fondos parecen sacados de un buen sueño donde se conjugan los escenarios del ballet y la ópera. El uso de la pantalla ancha le permite a Disney experimentar con los juegos de color, las extensiones de la cámara multi-plana, y las ubicaciones de los decorados que están dibujados en estricto rigor con una arquitectura solvente y una plasticidad irrepetible. 

Las hadas madrinas Fauna, Flora y Silvestre que protegen a la Princesa Aurora en cautiverio en el bosque de las garras malintencionadas de Maléfica, representan todas las buenas virtudes de la Naturaleza. Ellas cultivan los quehaceres domésticos con cierto atolondramiento, pero aman a la Princesa y la defienden con su propia vida. 

La Princesa Aurora en su despertar a la madurez, se enamora del príncipe ideal y canta su romanticismo junto a los animalitos del bosque. Este retrato pictorequista lo tomó el equipo Disney para estilizarlo hasta transformarlo en un escenario casi surrealista, más cercano a los dibujos de Doré y a las pinturas barrocas de la Opera.  

La secuencia antológica cuando la pareja de enamorados baila al ritmo de la música sinfónica, en una conjunción maestra en el mejor momento del clasicismo animado. Repetiremos esta secuencia en la difusión de la música de Georg Bruns y Evelyn Kennedy en CINEMANIA. 

"La Isla del Tesoro" ( 1934 ) de Victor Fleming. De todos los clásicos que atesoro de la MGM de sus primeros tiempos sonoros, siempre me resulta fascinante comprobar como trabajaba el star system en esos años y las unidades de producción del estudio del léon. A través de esta sensible y bien llevada adaptación por el magnífico Fleming, interpretada por el prodigio Jackie Cooper y Wallace Beery, en su primera reunión de otras varias que abrían de venir más adelante, se nos despliega toda la sutileza magistral de trabajar a conciencia sobre la base de clásicos literarios legendarios. MGM en esta época, exponía todo su talento de unidad, con estos trabajos perfectos, donde asomaban las mayores virtudes de la maquinaria productiva : sólidas actuaciones, exquisita recreación de época hecha en estudio, admirable trabajo de edición y narración, y una contundente manera de llevar la médula de los clásicos al espectador menos letrado. Suficientes alabanzas para una obra mayor basada en el clásico de aventuras de Robert Louis Stevenson, que permite acercarnos con amenidad al concepto literario

"La Isla del Tesoro" ( 1950 ) de Byron Haskin. La versión Disney está conjurada para espíritus fiestoqueros, porque lo que tiene esta adaptación en color, es su perfección idílica que alcanza las motivaciones y emociones logradas en una fiesta. Todo es aquí descubrimiento. Hay acción, suspenso, emoción, aventuras, pero también ternura y descubrimiento. El descubrimiento de saber que, un entrañable pirata como es Long John Silver ( Robert Newton), puede animarse a ser tu amigo y también tu protector. Le sucede a Bobby Driscoll como Jim Hawkis, pero también al espectador infantil común, que cree encontrar en el pirata a la quintaesencia de los aventureros del cine. Y está la norma de Disney, de transformar el clásico literario, en un gran espectáculo para el disfrute de los grandes y los chicos.   

"La Isla del Tesoro" ( 1985 ) de Raúl Ruiz. Una versión de lo más moderna y surrealista del recordado cineasta chileno que está filmada en Portugal con amplitud de medios. Se puede discutir que, en este trasvasije, se pierden los significados categóricos de la moral y del didactismo del texto original. Pero en su conjunto, es una película de lo más extraordinaria, diferente, atrevida, cerebral y muy divertida.  Además, tiene todo el sello ruiz-soniano, la huella indeleble de un gran realizador, que entendía de sobra que estaba adaptando un libro avaluado como un gran clásico. Imperdible si aún no la has visto. 

"La Isla del Tesoro" ( 1990 ) de Fraser C. Heston. Un telefilme que por aquí se estrenó en VHS como una película de cine. En CINEMANIA, nosotros recordaremos la magnífica soundtrack a partir de tres temas compuestos por Paddy Molonoy e interpretados por The Chieftains. Esta versión resulta entretenida como  un pasateimpo degustable, principalmente porque existe química entre el veterano Charlton Heston y el casi debutante Christian Bale. Además, nunca traiciona el espíritu de la novela original.   

Fotos- Gentileza : Metro Goldwyn Mayer - Warner Brothers- Walt Disney Pictures- Paramount Pictures- The New York Times- Variety- Entertaiment Weekly- Universal Pictures- United Artist Pictures- Archivo.-

Poster en alemán de la celebrada película independiente de Dennis Hopper.

Cartel de "El Crepúsculo de las águilas" una amena y bien narrada película bélica dirigida por John Guillermin, ambientada en la Primera Guerra Mundial.