Séptimo 7 sello: OFICIO DEL CINE : EL PRODUCTOR- I PARTE.

Convirtiendo los sueños en realidad.

En otros tiempos, la meca del cine estaba en la asoleada California. Se construyó sobre terrenos, que en el siglo XIX habían servido para la plantación de naranjales.

____ Soñar no cuesta nada.
Lo difícil es concretar los sueños en realidad.
En el Cine, el papel de los productores es vital.
Sin ellos, la industria no existiría. Así de simple.
Lo irónico está en la eterna diatriba.
Cuando se tiene una idea brillante, sin dólares, auspicios, patrocinios o apoyo financiero, las ideas siguen siendo ilusorias.
Como toda empresa de emprendimiento, "Séptimo 7 sello" también ha logrado entender la importancia radical que hay entre la iniciativa y la concretación de dichos supuestos, toda vez que, sin auspicios o patrocinios los proyectos mueren siendo papel e ilusión.
En el caso de la producción de películas, es muy similar.
Por eso, resulta necesario conocer más en profundidad, qué aspectos considera este "Oficio del Cine".
Inauguramos así, un tercer ciclo con esta sección, que se ha transformado en una de las más características del Blog.
En tres entradas ( una mensual), conoceremos la historia de las grandes productoras del cine americano.
Por otro lado, aplicaremos el papel de la nostalgia, a los grandes pioneros en la producción, que crearon Hollywood en California.
Ello nos incentivará, ha repasar algunas de las películas emblemáticas que labraron el prestigio de la industria en su época de oro.
Al final de esta trilogía, dedicaremos un espacio para recordar los nombres de los productores más significativos del cine mundial.
¡¡ Sean todos bienvenidos a este nuevo viaje por el tiempo en 35 milímetros !!

¿ Quién es el productor ?

"Más estrellas que en el cielo", pareció ser la consigna que utilizaron durante décadas, los grandes productores de Hollywood. Su trabajo vino a crear toda una mitología, que influye hasta hoy día en el conciente colectivo.

____ Para definir el rol que tiene este importante oficio dentro del proceso de producción de una cinta, atenderemos primero a la definición de Producción considerando algunas variables.
La producción de un filme, es el período de rodaje, en contraposición al período de preproducción y postproducción.
También se le denomina producción a la película que está en proceso de rodaje y a la financiación de una obra.
En otro aspecto, se le considera producción al conjunto de situaciones, tareas y actividades que efectúa el productor para llevar a cabo una película.
De alguna manera, el productor es como "El Rey Midas" de los cuentos legendarios; que pone en marcha la realización de una obra con financiamiento particular, préstamos bancarios, asociatividades corporativas, utilizando el dinero de inversores externos o a través de una mezcla de todos estos aspectos.
Es atendible su vital importancia, porque sin él, no hay película.
Su tarea es muy necesaria pues, él crea el "package", contrata a los actores principales y al director, y en algunas ocasiones, a los demás miembros de un equipo de rodaje.

Otras subdivisiones.

Tres grandes estrellas del Hollywood sonoro : Marilyn Monroe, Lauren Bacall y Betty Grable en "Como atrapar a un millonario" /"Como casarse con un millonario" ("How to Many a Millionaire", 1953) de Jean Negulesco.

__ Junto al productor también participan : el productor asociado y el productor ejecutivo.
Entendiéndose como asociado, al miembro del personal que tiene la misión de mantener una coordinación fiable entre la oficina productora y el equipo de postproducción, y que éstos últimos, cumplan con sus labores según lo estipulado.
El Productor Ejecutivo entretanto, es responsable de administrar los aspectos económicos de una película y de la ejecución de la producción.
Es el administrador de los fondos económicos, el "tipo pesado del cuento", que tiene que mantener alejados los gastos excesivos, las demoras en el rodaje y los aspectos salados del trabajo en equipo.
También logra financiamiento externo y aporta parte del capital, y por lo general, cobra un porcentaje del presupuesto de la película, a cambio de sus servicios.
Claro que todas estas situaciones, también revisten cambios según el momento histórico vivido por los países productores, los abruptos manejos de la política, y las implicancias externas en la distribución, aspecto nó menor, considerando que, en muchos países de menor densidad poblacional, los flujos financieros para cubrir los gastos en la producción, retornan después que las películas itineran por otros países del mundo.

Nacimiento del Comercio y de la Industria.

León Gaumont ( centro ), un notable negociante que terminó industrializando el cine en Francia.

El francés Charles Pathé, pionero de la producción cinematográfica.

___ Después que el ilusionista y prestidigitador francés George Méliés, encontró en el Cine un canal de expresión espectacular para adaptar los sueños más increíbles, surge en París, la necesidad de comercializar e industrializar las películas, proceso en el que tuvieron directa participación León Gaumont y Charles Pathé.
Según recuerdan René Jeanne y Charles Ford, en uno de los capítulos iniciales de su "Histoire Ilustrée du cinemá" : "No habían estado tentados a comprar su aparato a los Lumiére, porque, uno y otro, eran propietarios de patentes que pronto iban a permitirles competir con el cinematógrafo : León Gaumont la del cronofotógrafo , debido al ingeniero Demeny, y Charles Pathé la de un aparato imaginado por Henry Joly.
León Gaumont era un notable negociante que fabricaba aparatos fotográficos e instrumentos de precisión, lo que no le había dejado tiempo para sacar partido de la patente de Demeny. Pero después de asistir el 22 de marzo de 1895 a la sesión realizada por la Sociedad de Fomento de la Industria Nacional, donde los Lumiere habían presentado su cinematógrafo, comienza a construír aparatos tomavistas y de proyección , y emprende la realización de pequeñas cintas , de las que su secretaria Alice Guy, asumiría la responsabilidad".
Así se inició la industrialización del Cine en Europa, con León Gaumont y la productora más antigua del mundo, que hasta hoy se mantiene en activo, y que, ya en 1914, contaría con 52 sucursales en todo el país y su marca de fábrica- una margarita- como símbolo de calidad y probidad.
Charles Pathé, por su lado, hijo de un pequeño comerciante de Vincennes, después de abandonar el invento del fonógrafo a su hermano Emile, recorrió las ciudades de provincia con su aparato de proyección y emprendió la producción, construyéndose un estudio y una imagen a partir de un gallo muy reconocido en todo el orbe.
Gracias a su estrecha colaboración con el realizador Ferdinand Zecca, creció ostensiblemente, hasta poseer unos inmensos estudios, fábrica de películas, talleres de revelado y edición, despachos de venta y alquiler de filmes, establecimientos públicos de proyección y un noticiero "Pathé Journal", primera manifestación de lo que se conocerá después como noticiero de actualidades.

Los Grandes Productores de Hollywood.

El productor David O.Selznick en el rodaje de "Lo que el viento se llevó"aparece con la actriz Vivien Leigh. Fue uno de los grandes productores de cine norteamericano que se caracterizó por efectuar superproducciones de enorme costo.

___ El Cine nació como industria en Estados Unidos, cuando la necesidad creó la oportunidad de repetir a las fábricas de serialización de los Ford T, en la producción de películas para un público demandante.
El "star system" vino a constituír en sí mismo, una manera consecuente de explotar la imagen de una estrella, a partir de códigos pre-establecidos por cada una de las grandes productoras, que vieron la ocasión de cimentar la popularidad de sus actores y actrices.
Jacqueline Mouesca señala en su libro biográfico "Erase una vez en el cine" :
"La estrella de cine pasa a ser, algo así, como la marca de fábrica de un productor o de un estudio, para quienes llega a constituír un componente fundamentalmente de su capital.
En las películas, la estrella pasa a ser lo más importante; todo se dispone a su alrededor para crearle una imagen : desde el argumento de un filme hasta vitales aspectos técnicos como la iluminación y la fotografía.
Se le fabrica una historia y se procura mantener vivo el interés popular, movilizando el aparataje periodístico y publicitario, convirtiendo en noticia sus amores y divorcios, sus casas, sus vestimentas, sus caprichos, y hasta sus gustos más extravagantes".

El gran set de "Qué bello es vivir" ( 1936) de Frank Capra. Dentro de los foros se construían los escenarios, que simulaban calles, paisajes y ciudades enteras a escala natural.

Ingrid Bergman en el set de "Cuentame tu vida" ("Notorius" ) de Alfred Hitchcock quien le da instrucciones a su cameraman.

___ Para entender la importancia que adquirieron las majors de cine en Estados Unidos, debemos remontarnos a sus albores en 1908.
Ethan Mordden, lo subrayó con insistencia en su magnífico texto sobre "Los Estudios de Hollywood" : "Las películas, en el momento en que Griffith vino a la Biograph, eran un entretenimiento discutible para la clase trabajadora, inferior en intención y en ejecución a las peores ediciones ambulantes de pacotilla de las obras más toscas. Los filmes se producían, cuan cena de estofado, a partir de sobras de cosas: viejos argumentos de melodrama, trajes polvorientos, trajes de los clásicos".
En un momento de insatisfacción por lo repetitivo del esquema, se suprimieron las restricciones en la duración de las películas, y "algo" transformó a una Florence Lawrence , Mary Pickford, Bronco "Billy" Anderson o Francis X.Bushman, en símbolos de la belleza fotográfica de su tiempo.
Por ese "algo" ( que los expertos denominaron la fotogenia, o sea, el valor potencial del close up ), los llamados productores independientes aplicaron la fórmula que abría de regir al cine en los próximos 100 años.
Venderían las películas, a partir del atractivo de sus estrellas.
Sobre ellos, crearon todo un engranaje publicitario y noticioso, que nutrió la aparición de magazines, diarios y revistas especializadas, desde los cuales habrían de elaborar un nuevo Olimpo con los ídolos más rutilantes del firmamento californiano.

La inolvidable Rita Hayworth se transformó en un mito del cine cuando estelarizó "Gilda".

Lana Turner fue la representante más categórica del glamour hollywoodense.

Ingrid Bergman poseía una fotogenia que "enamoraba" a la cámara.

Hedy Lamarr era preciosa a rabiar y su rostro perfecto para las portadas de los magazines.

Marilyn Monroe, uno de los grandes mitos del cine. Ella representó el sexo pícaro y afectivo. Ideal como compañera de almohadas y sábanas blancas.

Kim Novak y William Holden fueron la pareja ideal en "Picnic" ( 1955) de Joshua Logan. La publicidad le sacaba partido a la belleza de ella y a la sensualidad a torso desnudo de él. Una química perfecta armada por Hollywood.

John Wayne en su debut en el cine, para el western "La Gran Jornada" ( "The Big Trail" ( 1930), junto a Marguerite Churchill. El actor se transformó en un ícono del patriotismo americano, condescendiente a las tradiciones más conservadoras, y fue el actor predilecto de John Ford que lo transformó en una extensión de sí mismo. Wayne era un actor químicamente puro.

James Dean sólo hizo tres películas como estelar que bastaron para consagrarlo.

Kirk Douglas asumió la independencia de su propia carrera y fue uno de los primeros que evidenció el final del "star system" en los años sesenta.

Gregory Peck con Claude Jarman Jr. en "El despertar". Su fuerte personalidad le llevó a interpretar roles decisivos, que contribuyeron a ampliar los valores de la democracia.

___ Con el establecimiento del star system, nacieron también las biografías míticas y los cambios de identidad en numerosos intérpretes que habrían de conquistar la fama y la gloria eterna. Personas desconocidas transformadas por la industria, en representantes de la belleza ideal, vinieron a desfilar como comparsas necesarias para mantener la maquinaria productiva en marcha.
Algunos ejemplos entre las actrices :
Margarita Carmen Cansino sería conocida como Rita Hayworth.
Greta Lovissa Gustafson en Greta Garbo. Lillian Diana de Guiche en Lillian Gish.
Julia Jean Mildred Francis Turner pasaría a transformarse en Lana Turner.
Norma Jean Baker Mortenson en Marilyn Monroe. Clara Lou Sheridan en Ann Sheridan.
Betty Joan Perske en Lauren Bacall. Sarah Jane Fulks en Jane Wyman. Edythe Marrander en Susan Hayward. Frances Ethel Gumm en Judy Garland. Constance Ockleman en Veronika Lake. Harlean Carpenter en Jean Harlow. Hedda van Heemstra Hepburn en Audrey Hepburn. Phillys Isley en Jeniffer Jones. Vivian Mary Hartley en Vivien Leigh.
Algunos ejemplos entre los actores :
Frederick Austerlitz sería conocido en el Cine como Fred Astaire.
Eugene Patrick Curran Kelly, aparecería bautizado en el celuloide como Gene Kelly.
Issur Danielovitch Demsky en Kirk Douglas. Marion Michael Morrison en John Wayne. Frank James Cooper en Gary Cooper. Melvyn Edouard Hesselberg en Melvyn Douglas. Douglas Elton Eullman en Douglas Fairbanks. Gwyllyn Samuel Newton en Glenn Ford. Julius Garjinkle en John Garfield. Archibald Alexander Leach en Cary Grant.
Charles Carter en Charlton Heston. William Franklin Beedle O"Fallon en William Holden. Theodor Friedrich Emil Janenz en Emil Jannings. Emanuel Goldenberg en Edward G.Robinson. Spangler Arlington Brough en Robert Taylor. Y un largo etc.

Una foto histórica de excepción : en 1923 se perfilaba el nombre "Hollywoodland" atrás en los cerros de California.

___ Como insinúan los historiadores, Hollywood se construyó sobre un sueño.
En 1883, Horace Henderson Wilcox. un hombre que se dedicaba a comprar y vender terrenos, se trasladó a Los Angeles con su mujer, donde adquirió un rancho situado en una zona plana del noroeste, al pie de las colinas y a trece kilómetros de distancia del centro de la ciudad.
En 1887, comenzó a dividir su territorio y a venderlo, con la intención de alcanzar una utopía, un reino de valores cristianos moderados por el metodismo y contra el alcohol. Incluso, llegó a donar parte de sus terrenos a quien quisiera construír iglesias, en un gesto suficientemente práctico para lograr su mayor aspiración.
Sin embargo, esta honorable familia de Hollywood - como le llamaban a una finca de unos amigos suyos en Ohio- , lugar de procedencia de los Wilcox, sólo vino a transformarse en el cuartel de operaciones más grande de la industria del cine con el correr del tiempo.
Paradojas del destino, que alcanzó su máximo desarrollo a fines de la década de los años veinte.
Como apunta Mordden : "Los estudios son ahora virtuales estados de talento, desparramados, densos y diversos. La Biograph es un edificio arruinado en una callejuela de un vecindario urbano. La Universal, la Paramount y la MGM, destellan en los suburbios con entradas tan prometedoras como la torre de un castillo, las oficinas, tiendas y fachadas falsas de las escenografías importantes y los patios de las escenas callejeras, alamedas de colegios, curiosas plazas pueblerinas, sabana, bosque, selva, y una estación de ferrocarril en funcionamiento. Los ranchos adyacentes de los estudios y la conveniente cercanía del oceáno, de las praderas salvajes y del desierto, proporcionan una extensa variedad de escenarios naturales que ni siquiera el romántico y peligroso Fort Lee en Nueva York podía ofrecer. Además, el contingente humano entre bastidores ha crecido considerablemente. Tropas enteras de artesanos e ingenieros contribuyen al proceso de producción".

En los albores del cine sonoro, los musicales llegaron a ser apoteósicos derroches de glamour, sofistificación y boato. Escena caleidoscópica de "Foolight Parade".

___ En esta nueva ciudadela alzada en plena California, se abría de desarrollar la industria más poderosa de la Tierra.
Su influencia en las Artes, la moda, las costumbres, y las culturas multilingües, habrían de transformarlo en una simbólica prorrogación del Olimpo grecorromano.
Entendámonos que, un estudio en esta época es un lugar sagrado, un templo donde los sueños se convierten en realidad.
Pero un estudio también es un nivel de pericia, una política que depende de la manera cómo los productores, directores y escritores observan el mundo.
También un lugar desde el cual, los magnates asimilan de manera diferente a la noción de una estrella prestigiosa, un director famoso o una película de calidad.
Al respecto, señala Mordden :
"Esta es la generación de los magnates que fundaron Hollywood y lo vieron a lo largo de su época dorada. Junto con los veteranos Carl Laemmle, Adolph Zukor y William Fox; los nombres de Louis B.Mayer, Irving Thalberg, Samuel Goldwyn y Jack Warner se convirtieron en figuras importantes durante el período mudo, y justo después que se introdujo el sonido, Darryl Zanuck, David O.Selznick y Harry Cohn, se les unieron".
"Así, nuestra comprensión del funcionamiento de los estudios, debe tomar en cuenta la naturaleza contradictoria del magnate, su innoble tratamiento de los artistas inseparable de su aparente amor genuino por el cine, sus accesos de rabia inextricablemente ligados a su sabiduría, su implacable egotismo constantemente humillado por el servil celestinaje hacia el gusto nacional y el aplacamiento de varios intereses en discordia. Lo que el magnate debió conseguir fue el prestigio".
Este prestigio es el que, en definitiva, constituiría la imagen de una major frente al resto del mundo.
En tres distintas entradas mensuales, intentaremos revelarles las características más representativas que tiene el oficio del productor, y para ello, nos centralizaremos en conocer a las grandes productoras del cine en Hollywood en su época de máximo esplendor, como una manera categórica de asumir el papel que tienen los productores en el mundo de las películas.

Zukor y la "Paramount".

El logotipo corporativo.

El padre fundador de la prestigiosa productora.

El actor Douglas Fairbanks Jr. arriba con su automóvil a los estudios "Famous Players- Lasky Corporation" pertenecientes al conglomerado de la "Paramount Pictures".

Rodaje de una película en ambiente tropical en los sets de la Paramount.

La clásica entrada a los estudios.

___ La "Paramount" era una productora sofisticada rodeada de grandes estrellas.
Eso significaba mucho poder de inversión. Y una cuota de incertidumbre.
Un día, muchas estrellas podían estar en el cielo del Olimpo de los Dioses, debido a un hit de la cartelera, y tiempo después, caer como piedra al precipio sin fondo.
Podían incluso escapar a otros estudios.
La inteligencia estaba en mantenerlas, siguiendo algunos códigos que marcaran su arquetipo en el conciente popular.
Rodolfo Valentino fue un "Sheik" de arenas americanas, que terminó financiándose el mismo sus propias películas.
Nancy Carroll fue muy bien acogida, aunque nunca llegó a recaudar una cantidad interesante de entradas.
Y Gary Cooper llegó muy lejos como cowboy y aventurero, pero cuando decidió desplegar sus alas, lejos del estudio que le dió origen.
Pese a todo, las estrellas se transformaron en un elemento básico para atraer al público a las salas.
Este hecho lo produjo Adolph Zukor, fundador y promotor de la Paramount hasta su muerte longeva en 1976 a los 103 años.

Afiche para conmemorar los 100 Años de la Empresa y con logos alusivos a sus mejores películas año a año.

La evolución de los siete logotipos de la productora americana.

Una imagen del rodaje de una película en sus años dorados.

___ Zukor fue el fundador de la consigna hecha empresa "Actores famosos en obras famosas" y eligió para trabajar a los más prestigiosos directores.
Nunca se escandalizó cuando decidió asociarse con varios empresarios, para la creación de la "Paramount Corporation", que contaba con unas cinco mil salas a lo largo de todo el país. Por su naturaleza instintiva, presagiaba que "la unión hace la fuerza" siempre y cuando se consideren estrategias definitorias para lograr las metas.
Padre indiscutido de la moderna industria del cine americano, era astuto, sagaz, trabajólico, estratégico, autosuficiente e imaginativo.
Dividió su producción en letras, como la leche de los supermercados.
A: para las películas con megaestrellas.
B: para las películas de serialización hechas a bajo costo y mediante una filmación rápida.
C: para los rellenos de los programas dobles.
Se dió cuenta que las estrellas no la constituían los actores famosos sino las personalidades atractivas.
Entonces con un croquis en su mano, estableció los parámetros que fundamentaron el trabajo industrial posterior.
Zukor escribió su fórmula que revolucionaría el sistema productivo californiano.
1) Una buena película es mejor cuando la hace una estrella.
2) Una buena película con una estrella es mejor cuando la hace un director.
3) Por lo tanto, las estrellas son inseparables de una dirección con talento.
Hollywood necesitaba ambas cosas.
El cine tiene que ser popular, pero también puede ser artístico.
Esta teoría, mantuvo a Hollywood en el pináculo de la producción mundial durante décadas y convirtió el papel del productor en la columna vertebral de los créditos de una película.

Mary Pickford, "la novia de América", fue la Reina indiscutida del estudio en la era muda.

Lillian Gish, actriz favorita de Griffith, fue la actriz dramática más respetada de su tiempo.

Jean Arthur fue la actriz favorita de Capra y De Mille, que encarnó a la mujer independiente en las películas de la "Paramount".

Veronika Lake se impuso con el "peek-a-boo-bang", un singular corte de cabellos platinados que le cubría un ojo.

En los albores del sonoro, Marlene Dietrich fue la Reina del estudio.

Gary Cooper alcanzó el cetro de galán romántico, héroe de aventuras exóticas y cowboy del far west.

Cary Grant fue insustituíble como galán de turno, en comedias eróticas y relatos de aventuras.

Para las comedias musicales, Paramount tenía al cantante y actor Bing Crosby.

Alan Ladd se movió con igual ductibilidad en thrillers policiales, dramas y westerns.

___ Por la "Paramount" pasaron las grandes estrellas del momento, en una época donde llegó a transformarse en líder supremo del sistema.
En efecto, hacia 1917, "no era tan sólo el más exitoso de los estudios, sino el más competitivo, intentando incesamente forzar su ventaja".
Buena parte de la historia primitiva de Hollywood puede ser vista en las instigaciones de la Paramount y en la resistencia o imitación del resto de la industria.
Sus ventajas se explican en dos instancias superlativas : ella tenía las estrellas y los cines.
Desde la pequeña Mary Pickford, las hermanas Lillian y Dorothy Gish y Mae Marsh, hasta los olvidados galanes Richard Barthelmess, Henry B.Walthall y Robert Harron, en los albores del cine silente.
Con la irrupción del sonido, su galería creció hasta superar las estrellas del firmamento y desfilaron por sus staffs : Gary Cooper, Marlene Dietrich, Gloria Swanson, Wallace Reid, Carole Lombard, Maurice Chevalier, Claudette Colbert, Jean Arthur, Fredric March, Sylvia Sidney, William Powell, Richard Dix, Adolph Menjou, Cary Grant, Harold Lloyd, los hermanos Marxs, Mae West, W.C.Fields, Fred MacMurray, Alan Ladd, Veronica Lake y Bing Crosby, Bob Hope, entre otros.
En paralelo, no faltaron los grandes realizadores como: Cecil B.De Mille, Herbert Brenon, Ernst Lubistch, Frank Borzage, Rouben Mamoulian, Josef Von Sternberg, Mitchell Leisen, Preston Sturges y Billy Wilder, que se caracterizaban por mantener un espíritu individualista y una disciplina que imponían en los rodajes muy estricta y metódica.
De algún modo, ellos labraron los éxitos consecutivos que tuvo la productora a lo largo de sus décadas.
Su prestigio se formó con el aporte de todos ellos.
Cada uno, cumpliendo un rol en este largo entramado serializado, como sólo "una fábrica de sueños" podía hacerlo realidad.
Siempre activo, Zukor instuyó las ventajas de aquél negocio y logró organizar a través de sus métodos, a todos los independientes, cerrando un ciclo caótico que se imponía a punta de latigazos.

El poder de la exhibición y dirección.

El realizador berlinés Ernst Lubistch influenció el cine, con su lenguaje de sugerencias y su toque de ironía ejemplar, en las comedias que hizo para la Paramount.

"Un ladrón en la alcoba" con Miriam Hopkins y Herbet Marshall, la comedia más característica de la productora.

Cecil B.De Mille dirigiendo una escena de "Buffalo Bill".

En "El signo de la cruz" ( 1932 ), De Mille sugiere explícitamente el sadismo más cruel.

En la remake de "Los diez mandamientos", aparece el marcado gusto pictórico de De Mille.

___ La "Paramount" tenía una cadena de cines en todo el país.
Su poder emanaba de esta circunstancia, porque era una ventaja fundamental para motivarse a efectuar otras cosas.
De alguna manera, podía ganar todos los beneficios de una película, porque contaba con una cadena de salas de exhibición que le aseguraba un retorno equivalente y la mayoría de las veces, superior a sus gastos de producción.
En realidad, al monopolizar el mercado en los principales centros capitales de Estados Unidos, podía arriesgar y trascender probando nuevos géneros e innovando a partir del aporte de célebres directores.
Ahí está para probarlo, el realizador berlinés Ernst Lubitsch, que impuso con sus comedias y sátiras de tocador, un particular estilo, caracterizado por la sugerencia elegante de la graciosa naturaleza del erotismo.
Notables comedias como : "Un ladrón en la alcoba" ("Trouble in Paradise", 1932), "Design for living" ( 1933), "Angel" ( 1937) y "La octava mujer de Barba azul" ("Bluebeard"Eight Wife", 1938), vinieron a influenciar a los realizadores de la competencia, con triángulos amorosos de fuerte estructura, magníficas interpretaciones y un elaborado estilo, que juega con la insinuación y la picardía que se esconde detrás de las puertas.
El más característico de los directores Paramount, es el ecléctico Cecil B.De Mille, que de la adaptación de obras de teatro y novelas de sus primeros años, pasó luego a las reconstrucciones históricas, con un gusto por la superproducción con grandes decorados, miles de extras y figuras estelares de primer nivel, una manifiesta inclinación por las escenas espectaculares, un detallismo pictórico en la puesta en escena y una habilidad narrativa encomiable, propia de los primitivos de Hollywood.
Entre los títulos emblemáticos de su filmografía, se consideran : "Rey de reyes" ("The King of Kings", 1927); "El signo de la cruz" ("The Sign of the Cross", 1932); "Cleopatra" ( 1934); "Las Cruzadas" ("The Crusades", 1935); "Sansón y Dalila" ("Samsón and Delilah", 1949) y "Los diez mandamientos" ("The Ten commandments", 1923 y 1956); los westerns "Buffalo Bill" ("The Plainsman", 1936); "Union Pacific" ( 1939) y"Policía Montada del Canadá" ( "North West Mounted Police", 1940); la cinta de aventuras naúticas "Piratas del mar Caribe" ("Reap the Will Wind", 1942) y el drama circense : "El Espectáculo más grande del mundo" ("The Greatest Show on Earth", 1952).

Clásicos de la "Paramount".

"Marruecos" ("Morocco", 1930) de Josef Von Sternberg : El debut de la alemana Marlene Dietrich en Estados Unidos. Cambio de estética y vestuario, para la historia de una cantante de un café, frecuentado por los legionarios en Marruecos, entre ellos Gary Cooper, que termina enamorándola perdidamente, hasta dejarla que abandone un matrimonio por conveniencia. Notable fotografía, y una pareja icónica de los albores del sonoro.

"El Ocaso de una vida" /"Crepúsculo de los dioses" ("Sunset Boulevard", 1950) de Billy Wilder: La película más autobiográfica de Hollywood, es este drama acerca de las relaciones laborales e íntimas, que se producen entre un guionista convertido en gígolo ( William Holden) y una vieja gloria del cine mudo ( Gloria Swanson), que se obstina en la ilusión por la fama de su pasado. Narrada por el cadáver del guionista, a través de un flashback con su voz en off, tiene un planteamiento modélico, innovador y sugerente. Gana dos Oscar y en su estilo, es un gran clásico, que incluye a figuras legendarias de la era muda, como la propia Swanson, Erich von Stroheim que hace de su chofer, Cecil B. De Mille y Buster Keaton.

"Cleopatra" ( 1934) de Cecil B.De Mille: Una de las megaproducciones de De Mille, donde vuelve a demostrar su gran sentido del espectáculo, su habilidad como narrador y exquisito gusto por la adaptación histórica. Claudette Colbert está impagable como la Reina de Egipto y Warren William no desentona, gracias a la presteza del director por darle un peso dramático. Esta épica fue filmada después por Elizabeth Taylor, en una larga y sustanciosa remake dirigida por Joseph L.Mankiewicz, revalorizada en la versión del cut del director aparecida en DVD y Blu Ray.

"Peter Pan" ( 1924) de Herbert Brenon: Es tiempo de reivindicar esta pequeña joya del cine fantástico silente. Escenarios que remiten a la mágica concepción posterior de los cuentos de hadas, sólidos intérpretes, magníficas recreaciones del país del Nunca Jamás, y efectos visuales inteligentes según la época, sirven para recrear la historia de James M.Barrie, con holgura de medios y sentido plástico y narrativo. Toda la secuencia con los niños perdidos, sirvió de inspiración a Walt Disney y Steven Spielberg.

"El Profesor Chiflado" ("The Nutty Profesor", 1963) de Jerry Lewis: La obra maestra de Lewis, es una reversión en tono cómico de "Dr.Jekyll & Mr.Hyde". Especie de ajuste de cuentas con su pasado, cuando formaba dúo con Dean Martin, el comediante prorroga la aprehensiones y tensiones con aquél, interpretado los dos papeles : como el chiflado doctor y el galán de turno, para establecer una análisis sicoanalítico sobre la personalidad masculina. Entre la miopía y torpeza del intelectual y el poder de seducción del joven mundano, Lewis especifica que hay dos mundos inconexos y en constante pugna, donde la atracción por el sexo opuesto puede ayudar a mantener el equilibrio, pero nó su integridad. Con la impagable Stella Stevens.

"Sabrina" ( 1954) de Billy Wilder : Ya la habíamos destacado, pero insistimos en su solvencia y modélica concepción narrativa. La hija del chofer de una millonaria familia ( Audrey Hepburn) regresa de París transformada en una sílfide, que se la pelean los dos hijos de los patrones del lugar ( William Holden y Humphrey Bogart). Los esfuerzos de ella por llevar al altar a su antiguo amor, le originarán más de un dolor de cabeza, entre divertidas humoradas y alusiones al cultismo de la sofistificación. Wilder remarca el estilo algo naif que adquiere la chica, recompuesta por obra de unos cursos europeos en masterchef. Deliciosa comedia de situaciones con un trío mítico del cine americano.

"El Hombre que sabía demasiado" ("The Man who knew too much", 1956) de Alfred Hitchcock: La remake de una película que ya filmara el director en 1934 en Gran Bretaña. Pese a las controversias que originó en su día, mantiene inalterable su extraordinaria contensión del suspense, su magnífica manera de enlazar situaciones sorprendentes y su apego a dulcificar las relaciones entre la madre y su hijo secuestrado, a la manera de un puzzle, cuyas piezas terminarán por solventar toda la secuencia maestra desarrollada en el Teatro Albert Hall. Este matrimonio interpretado por James Stewart y Doris Day, que descifrará las claves de un secreto delegado por un moribundo, aprisiona buena parte de los intereses más recurrentes de Hitchcock : el falso culpable, la duplicidad de las apariencias, la urgencia por salvaguardar la normalidad cotidiana en pos de mantener un equilibrio constructivista. Un thriller donde Doris Day canta "Que será será", para descubrir donde ocultan a su hijo secuestrado, y que se transformó en un hit radial y discográfico.

"La Isla de las almas perdidas" ("The Island of the lost souls", 1932) de Erle C.Kenton: Notable adaptación de la novela de H.G.Wells, influenciado por "Frankenstein" de la Universal, que tiene unas atmósferas realmente logradas, y un relato ágil, atractivo, exótico y terrorífico. El Dr.Moreau que en una isla desconocida efectúo una serie de experimentaciones prohibitivas, intentando crear una nueva raza de animales con características humanas, cuenta con la afortunada actuación de Charles Laughton, absolutamente excesivo pero ideal en el rol del científico, obsesionado con sus creaturas. Richard Arlen y Kathlee Burke interpretan a la pareja que lucha por su vida, en medio de una selva construída con gran realismo en los estudios Paramount.

"Grease" ( 1978) de Randall Kleiser : Resucitación de la comedia de high school en onda cincuenta, con toda la moda revival y la pareja John Travolta y Olivia Newton John haciendo de las suyas, enamorándose y evolucionando, entre canciones y clips clásicos del repertorio pop de esos años. Kleiser era un artesano eficaz, nunca bien valorizado, que le sacaba el jugo a los clichés y a los momentos de belleza fotográfica - como lo demostró después en "La laguna Azul"- y un narrador eficiente. Puede que su fama haya crecido con los años, y permita acercarnos a la notable capacidad lúdica de extraer de un viejo concurso de bailes, toda clase de situaciones interesantes para la juventud. Es cine comercial traducido en éxito taquillero, que no conoció igual réplica en su secuela con la emergente Michelle Pfeiffer.

Mayer y Thalberg en la "MGM".

El logotipo corporativo.

Louis B.Mayer todopoderoso magnate de la MGM.

El joven Irving Thalberg, el genio detrás de la productora.

Los estudios en la época dorada.

___ El estudio del león que ruge, tiene su característica más notoria, en el favoritismo que le daba al rol del productor.
Si en "Paramount" el rey era el director, en MGM ese puesto perteneció al productor.
Esta diferencia viene marcada por sus padres-fundadores.
Adolph Zukor era un tremendo negociador que empleaba a jóvenes ejecutivos que hacían las tareas domésticas con puntualidad, mientras él se preocupaba de las fusiones, la emisión de bonos y los certificados bancarios.
Louis B.Mayer, el todopoderoso detrás de la MGM, muy por el contrario, era una presencia que se hacía respetar mediante la camaradería espontánea, y tomando decisiones sobre las películas en el terreno.
Apunta Ethan Mordden : "En los estudios de la Metro, todo se ve diferente, grande, bonito.
¿ Y saben como lo mantenemos diferente, grande y bonito ?
Vigilamos paso a paso a esos hijos de directores y esas arrogantes estrellas de tres al cuarto.
La furia de Mayer. El fanatismo conservador, la herida abierta de su chantaje, el sentimentalismo untuoso enmascarando la tiranía.
Sus temas eran Dios, el país y la sopa de pollo de mamá. Sus iguales eran tipos como William Randolph Hearts y Franklin Roosevelt; y el hombre que odiaba hasta amarlo era Irving Thalberg, un colega productor y, opuestamente a Mayer, un genio del cine. Thalberg era las ideas detrás de la MGM. Thalberg producía. Mayer supervisaba."
En este ambiente se creó una de las majors más singulares de la época de oro del cine en Hollywood.

La evolución del león que ruge.

Thalberg, su esposa la actriz Norma Shearer y Mayer en la gala del Oscar.

En pleno rodaje de una producción de época.

"El Mago de Oz" inició en MGM la era de los grandes musicales en Technicolor.

También instituyó un puñado de actores de carácter, que hicieron carrera en el cine.

___ La historia de la MGM, comienza cuando el exhibidor Marcus Loew buscaba un estudio para controlar.
Compró la Metro, la primera "M" de la futura "M.G.M".
Sin embargo, la Metro era un verdadero caos con directores indómitos y actores mimados.
Para su fortuna, la Goldwyn era otro estudio que estaba en igual descrédito, simplemente porque Goldwyn lo había abandonado a su suerte, y entonces, se produjo la combinación perfecta : "Metro Goldwyn", originalmente Inceville, bautizado así en honor al contemporáneo de D.W.Griffith, Thomas H.Ince.
Fusionados los dos estudios, ¿ quién manejaría este barco ?
Apareció Louis B.Mayer que supervisaba un pequeño estudio, y se produjo la total conjunción : "Metro-Goldwyn-Mayer".
El léon del logotipo, surgió como símbolo de su poderío.
Y la publicidad, replicó que harían una película de largometraje a la semana, en tiempos en que aquello, sonaba muy descabellado y peligroso para un negocio incipiente.
Trabajar para la compañía, exigía aceptar su corporativismo, respondiendo siempre con lealtad absoluta.
Aquí no funcionaban ni los actores muy independientes, ni los directores con ínfulas de total libertad expresiva.
Cuando había que sesgar, Mayer cortaba por la yugular y lo hacía sin compasión.
Recuerda Mordden : "La MGM era el estudio más autoritario. Un lugar de magnates. Así la nueva compañía oficialmente fundada en 1924, instituyó un importante rompimiento con las viejas tradiciones del cine : las del director independiente sirviendo cual fuente del arte, al estilo Griffith. En la MGM, hacer cine era una línea de montaje formada por departamentos. Cada uno responsable ante un productor, cada productor responsable ante el jefe de producción, y el jefe responsable ante Mayer.
Las estrellas de la MGM, además, no serían como los alegres actores de los viejos tiempos, que seleccionaban a sus directores favoritos, hombres con ideas, actores que constituían la base de los miniestudios y que escogían su utilería y montaban sus películas.
La MGM sería quien escogería, seleccionaría, montaría.
Los directores dirigirían, los escritores escribirían, los actores actuarían...separadamente, y todos ellos supervisados".

El director George Cukor aparece dirigiendo una escena de "La dama de las camelias" con Greta Garbo y Robert Taylor.

El realizador Alfred Hitchcock, saliendo de los estudios en su automóvil.

La química que se producía entre Judy Garland y Mickey Rooney, favoreció el éxito taquillero de sus musicales dirigidos por Busby Berkeley.

____ En MGM en aquellos años, brillaban los directores que intensificaban a sus personajes, cuidando hasta los mínimos detalles en los rodajes, para que el público entendiera sin muchos contratiempos, las motivaciones que se producían en las tramas de sus películas. Pero que eran obedientes y leales al sistema, y más que todo, eran técnicos de confianza que respetaban el estilo del estudio.
Observen la cantidad de artesanos sin resonancia personal, pero cuyas obras marcaron una época : Sidney Franklin, Richard Thorpe, Sam Wood, Jack Conway, Robert Z.Leonard, Harry Beaumont.
Había realizadores que se lo pasaban toda la vida trabajando en el estudio, sin desbordarse.
Clarence Brown, manejó con gran acierto los primeros avatares sonoros de Greta Garbo y nunca se desmadró, razón por la cual, permaneció trabajando más de cincuenta años.
Era un director quitado de bulla, pletórico de buenas ideas y maravilloso como narrador, si tenía un equipo que le respondiera a conciencia.
W.S.Van Dyke, apodado "una toma" por su rapidez para filmar sin repetir las escenas, fue un artesano eficaz cuando debió enfrentar la saga de "Tarzán de los Monos", y darle un contexto atractivo a las sutilezas domésticas del hombre de la jungla, en la selva africana idealizada en los estudios.
Mientras que, Victor Fleming se mostró avezado y eficaz, en el desarrollo de aventuras masculinas, melodramas clásicos, comedias urbanas y musicales fantásticos.
Era un tipo que salvaba toda clase de historias, y que Mayer cuidó hasta sus últimos días, pese a tener un carácter arrogante, eufórico, machista y dominante.
George Cukor fue el "director de mujeres" por excelencia, idolatrado como cineasta, le provocó varios disgustos al todopoderoso Mayer, cuando intentó ocultarle a los medios de Hollywood, sus inclinaciones homosexuales que lo hacían un amante siempre insatisfecho y en eterna búsqueda de muchachos gays entre los castings de sus propias películas.
A su modo, Cukor apuntó varios de los elementos comunes de la "otra cara" del mundillo de las apariencias, en eterna discordia con los arrebatos fetichistas algo impostados de la meca del Cine.
"No todo lo que brilla es oro, Georgie".
Mayer no era un intolerable de las minorías sexuales.
De hecho, sus películas tienen varias de las estrellas gays del momento.
Sin embargo, exigía respeto y un orden que esperaba nunca se le fuera de las manos.
De algún modo, entre el autoritarismo egocéntrico de Mayer y la genialidad de Thalberg, Metro Goldwyn Mayer llegó a transformarse en un estudio supremo. Superior en la constelación de la producción de películas y con la imposición de hacer un cine de calidad, apoyado en los grandes clásicos de la literatura y del teatro, sin aparecer demasiado anticuado, y sí, muy preciosista y sofisticado.

Greta Garbo y Fredric March en "Anna Karenina". La Garbo se transformó en una de las divas del cine MGM.

La bailarina de tap Eleanor Powell, en "Broadway Melody of 1938", un musical que llevó a la cúspide de la taquilla a la casa productora.

Fred Astaire y Cyd Charisse en "Melodías de Broadway 1955". Una pareja irrepetible en la danza.

____ Por la MGM, pasaron las actrices más celebradas del oropel cinematográfico como : Greta Garbo, Katharine Hepburn, Joan Crawford, Judy Garland, Jeanette MacDonald, Marion Davies, Myrna Loy, Jean Harlow, Rosalind Russell, Norma Shearer, Mary Astor, Paulette Goddard, Eleanor Powell, June Allyson, Cyd Charisse, Leslie Caron... y entre los actores no faltó celuloide para difundir la imagen de gente como : Clark Gable, John Gilbert, Spencer Tracy, Lewis Stone, Lionel Barrymore, Jean Hersholt, Robert Taylor, Mickey Rooney, Fred Astaire, Gene Kelly, Van Johnson, Peter Lawford, Frank Sinatra.
Su especialidad estaba en las comedias sofisticas, las aventuras de oropel y el musical con la Unidad del productor Arthur Freed, que contó con toda la libertad del mundo para llevar a la casa del león, a la cúspide de su fama.
En la introducción a su obra de dos volúmenes "Cinema : A Critical Dictionary", Richard Roud denominaba a las producciones de Freed, como "las cuerdas más gloriosas del musical en la historia del cine".
Si consideramos que de esa unidad, salieron títulos emblemáticos como "Easter Parade", "Cantando bajo la lluvia", "La Rueda de la Fortuna" ("Meet Me in St.Louis"), "El Pirata", "Siete novias para siete hermanos" y "Gigi", entenderemos su significado.
Apunta Mordden en su célebre libro sobre los estudios de Hollywood : "La Unidad Freed demostró su fuerza no tanto en la originalidad, como en la libertad con que sus artesanos hacían uso de las herramientas inventadas por sus predecesores. Los musicales de Freed eran artísticos, raras veces experimentales".
En realidad, las películas de Freed impresionan por su gran variedad temática y su estilizada manera de amalgamar la música con el color, la fantasía con la magia, el sentido invariable del espectáculo con la magnificencia de las coreografías, el vestuario y el diseño de producción.
La gente de Freed, saltaba de la fantasía al naturalismo, de la herencia cultural americana al vestido moderno europeo, de la adaptación de Broadway a la concepción de Hollywood. Hay algunos elementos básicos para la Unidad : la contratación constante de los grandes compositores de Broadway, de Cohan, Berlin, Gershwin, Porter, Arlen, Bernstein, Lerner y Loewe; un uso pronunciado del baile; la habilitación de la canción de la historia y los regulares Judy Garland, Gene Kelly y Fred Astaire, además de los técnicos de Freed.
En este entramado de artistas, brillaron los nombres de los realizadores : Vincente Minelli, Stanley Donen, Gene Kelly, el coreógrafo Michael Kidd y el jefe de decoradores Cedric Gibbons, que le impuso un toque elegante a las películas.

Prodigios Infantiles.

Jackie Cooper en los tiempos, en que su imagen concentraba a las familias en los teatros de provincia.

Cooper, Rooney y Bartholomew , los tres rostros juveniles de la Metro.

El trío de prodigios en : "The devil is a Sissy" ( 1936 ) de W.S.Van Dyke.

El pequeño Freddie Bartholomew y Greta Garbo se abrazan en una escena de "Anna Karenina".

Margaret O"Brien cultivó con optimismo, la gracia de sus ancestros españoles e irlandeses, en una serie de películas costumbristas y musicales.

En la adaptación de "Un Cuento de Navidad" ("A Christmas Carol", 1938) jugando al caballo, el niño Terry Kilburn y Reginald Owen.

Jackie Searl hizo roles de chico algo travieso y saladillo.

Prueba de vestuario de Elizabeth Taylor para su debut en "La Cadena Invisible" ("Lassie come home", 1943 ).

Johnny Sheffield debutó como comparsa en un musical de Mickey Rooney y Judy Garland y pronto pasó al serial B con "El Hijo de Tarzán" ( "Tarzan a Finds Son", 1939) de Richard Thorpe. Terminaría en la RKO como Boy y luego haciendo de "Bomba, el niño de la jungla".

___Otra de las ramas que MGM explotó como filón de gran éxito, fueron las comedias familiares que hablaban de las cazuelas de pollo de mamá, las cosas simples de la vida con papá, y también la adaptación precisa de los grandes clásicos de Charles Dickens, Robert Louis Stevenson y Frances Hogdon Burnett.
Desde el serial del Juez Harvey con Mickey Rooney y Lewis Stone, hasta las magníficas recreaciones de época como : "David Copperfield", "La Isla del Tesoro", "El Pequeño Lord Fautleroy" y "El Jardín Secreto"; sin descuidar los dramas realistas en el estilo de : "El Campeón", "Capitanes Intrépidos", "Con los brazos abiertos" y "La Ciudad de los Muchachos", el estudio se especializó en películas familiares, según los conceptos que manejaba el productor David O.Selznick, y Mayer que adoraba estas cuestiones relativas a las nostalgias infantiles.
La escuela de actuación y preparación de nuevos artistas de la Metro, incluía estrellas de la estatura de : Jackie Cooper, Freddie Bartholomew, Mickey Rooney, Judy Garland, Margaret O"Brien, Dean Stockwell, Elizabeth Taylor; y otras menores que llegarían a cultivarse en el serial B, como Johnny Sheffield, Marcia Mae Jones y Jackie Searl.
Indistintamente, la ternura y el carisma de estos niños vinieron a llenar las tardes de cine con gratas películas de matiné y una idealización de la vida americana, que se apoyaba en la exaltación de los valores tradicionales.
Surgieron producciones de hermosas repercusiones plásticas como "Mujercitas" o "La Rueda de la Fortuna", y no faltaron los filmes B que protagonizaban las jóvenes promesas del momento, aunque algunas eclipsarían con el inicio de la adolescencia.
La figura paternal de Louis B.Mayer quedaría patentizada en la celebración que tributaba a sus "hijos" adoptivos, en los cumpleaños de Jackie Cooper y Liz Taylor, siempre atendiendo con un criterio publicitario, la atenciones de la prensa respecto a estas fiestas.
Además, existía un trato preferencial a las madres de los muchachos, toda vez, que ellas representaban para Mayer, la maternidad de un país en épocas convulsionadas por la guerra.

Jackie Cooper en una actitud a regañadientes, para una foto promocional de su época infantil.

En "La Isla del Tesoro" con Wallace Beery.

Freddie Bartholomew en "Anna Karenina" como el "hijo cinematográfico" de Greta Garbo.

En una foto hogareña junto a una de sus mascotas.

Mary Astor, Walter Pidgeon, Judy Garland, Freddie Bartholomew y Scotty Beckett en : "Listern, darling" ( 1938) de Edwin L.Marin. Una típica comedia familiar de la Metro.

Mickey Rooney y Judy Garland en "Babes on Bradway" ( 1941) de Busby Berkeley. La MGM explotó el filón del musical con esta pareja, que tuvo gran éxito entre la juventud de su tiempo.

Junto al director Norman Taurog en el set de "Con los brazos abiertos" ("Boys Town", 1938).

Margareth O"Brien, Edward G.Robinson y Jackie "Butch" Jenkins en "El Rosal de la vida" ("Our vines have tender grapes", 1945), otra comedia familiar rural de la Metro.

____ No es extraño que, el inglés Freddie Bartholomew reflexionara sobre esos tiempos infantiles, en el documental "Cuando ruge el león", y que su partner Jackie Cooper emocionara a las plateas siendo ya adulto, reviviendo lo que parecía ser un cumpleaños espontáneo, para celebrar sus diez años de vida.
La cantera de niños y niñas prodigios produjo para la MGM sólidos dividendos, que eran invertidos en los colegios de actuación, dicción, danza, idiomas, y disciplinas deportivas, para mantener a estos "hijos de Mayer" lúcidos y atractivos ícono de la mass media juvenil.
Mientras en 20 th.Century Fox , la rutilante Shirley Temple congregaba la atención en comedias donde hacía un poco de todo y en la Universal los gorgoritos líricos de una refrescante Deanna Durbin extasiaban al público, papá Mayer se solazaba luciendo a sus angelitos, en historias que recreaban novelas de prestigio y cuentos de interés popular.
Jackie Cooper nunca desentonó al lado de Wallace Beery y cuando papá Mayer lo reunió a sus pares, en la combustible "Boy of the streets" ( 1938), solventó su liderazgo sin bloquear el interés que despertaban sus compañeros de aventuras.
Mickey Rooney venía con un prestigio ganado en el teatro de variedades, pero en el cine se impuso rápidamente, porque era como Shirley Temple, un showman que hacía prácticamente todo : actuaba, bailaba, cantaba, imitaba, con una espontaneidad atrevida para su época, y lograba concretar hasta las situaciones más inverosímiles, como cuando imitó a Clark Gable y Lionel Barrymore en "Jóvenes a la lucha" ( "Babes in Arms", 1938) , una de las comedias musicales modélicas del gran Busby Berkeley, en sus días MGM junto a Judy Garland.
Freddie Bartholomew llegó de Inglaterra para actuar en la versión de "David Copperfield" y su exquisito lenguaje british, además de sus modales de caballerito atento y educado, hicieron las delicias de tías y madres primerizas, que vieron en el muchacho, la síntesis perfecta del hijo pródigo.
Judy Garland que ya era una adolescente, reemplazó a la Temple, que la Fox no cedió para interpretar su versión de "El Mago de Oz", a regañadientes, simulando tener menos edad y mostrando porque papá Mayer se encariñó con ella.
Después vinieron los éxitos que la transformarían en estrella a tiempo completo en la MGM, pese a que, en sus últimos años había tenido serias faltas de probidad por su constante uso de estimulantes y alcohol.
En todo caso, en el estudio se le daba un obvio interés a los prodigios infantiles, actitud que imitaron todas las grandes productoras, en su afán de no quedarse atrás en la competencia por llevar más público a las salas de proyección.

Clásicos de la "MGM".

"La dama de las camelias" ("Camille", 1935) de George Cukor : No hay cliché más melodramático que la novela de Alejandro Dumas hijo, explotada por su perspectiva romántica en el Hollywood dorado, y con una versión que supera a toda las otras, gracias a la sensibilidad y el talento narrativo de Cukor, y a la química que se produjo entre Greta Garbo y Robert Taylor. Según el mito, Taylor se subía a un taburete cuando debía besar a Garbo, o ella parecía convenientemente recostada para evitar las comparaciones de altura. En todo caso, quedan para el bronce, las magníficas recreaciones de época y esa secuencia magistral donde Margarite, ya tísica y enferma, muere en los brazos de su amado. Para ver con el pañuelo en la mano.

"La Multitud"/"Y el mundo marcha" ("The Crow", 1928) de King Vidor : Después de revelar toda su fuerza emocional en "El gra desfile" ("The Big Parade", 1925), Vidor adquirió un prestigio que reforzó con esta entrañable película experimental acerca de la historia de un hombre común, sacrificando todo por surgir en la gran ciudad. Con un estilo excepcional, Vidor convierte un relato convencional en un estudio inolvidable sobre el hombre y su lucha por supervivir en medio de la muchedumbre. "La fatalidad, la quiebra del sueño americano y el hastío conyugal" aparecen dentro de una trama modélica que convirtió a la película en una de las cumbres del cine americano.

"San Francisco" ( 1936) de W.S.Van Dyke : El precedente más idóneo del filme catástrofe, elaborado como un drama de personajes, situados en el terremoto previo, que destruyó a San Francisco a principios del siglo XX. Clark Gable es el gígolo que se prenda de la soprano Jeanette MacDonald, pero Spencer Tracy está mejor que todos, como el sacerdote que intenta volver a su amigo al cauce correcto. Sin duda que, lo más elocuente está casi al final, con el lucimiento de los efectos viasules para recrear la destrucción de la ciudad y la posterior lucha de los supervivientes. Todavía sigue siendo un trozo rabiosamente realista.

"El Circo Barnum" / "Freaks" ( 1931) de Tod Browning : Un clásico del terror, interpretado en su mayoría por actores con problemas físicos, deformaciones y limitaciones. Gran cultor de lo anómalo y esotérico, Browning se arriesga a plantear la historia trágica del romance no correspondido, entre un enano de circo y una trapecista. Todos los artistas de la arena, vengarán las burlas e inquisiciones de los seres despiadados del relato, que pagarán muy caro sus faltas. Inolvidable toda la secuencia bajo la lluvia de la venganza contra la trapecista y su posterior exhibición como conejillo de indias. "Si la normalidad puede ser un consuelo patético de la arrogancia, la anomalía puede también transportar el rugido del mal con toda la fiereza de la humillación". Audaz y sorprendente retrato sobre el horror humano.

"La Rueda de la Fortuna" ("Meet Me in St.Louis", 1944) de Vincente Minelli : Si existe una comedia musical que abrió una nueva Era en el cine hollywoodense, es ésta exquisita adaptación sobre el libro "5135 Kesington Avenue" de la escritora Sally Benson. El relato que gira alrededor de los pequeños conflictos que vive la familia Smith, trastocada por el futuro cambio de casa que deberá llevarlos a vivir en Nueva York, es la primera película en technicolor de Minelli y su muestra más categórica de su estilo : las canciones son parte de los argumentos lo que mantiene la continuidad de las acciones; el color y los decorados, subrayan las motivaciones interiores de los personajes, y el montaje paralelo está para remarcar el suspenso y el sentido anecdótico que tiene el argumento. Inolvidable la fiesta de Halloween con Margareth O"Brien y Joan Carroll, el viaje en trolebus de Judy Garland y Tom Drake, y todas las secuencias de las fiestas navideñas. Gran trabajo fotográfico del veterano George Folsey y soberbias canciones con la partitura musical de Hugh Martin y Ralph Blane. Una de las grandes obras maestras del productor Arthur Freed.

"David Copperfield" ( 1936) de George Cukor : Filme atesorable que se considera una de las adaptaciones más perfectas de Charles Dickens. "Los grandes momentos y los coloridos retratos iluminan la fuente original, como en la vertiginosa mitrada que lanza Cukor a su joven héroe y a un compañero de juegos corriendo por un embarcadero mientras el oceáno los embiste desde abajo, o cuando los endiablados Murdstone llegan para llevarse a David y la Tía Betsy ( Edna May Oliver), los echa de su casa". El dibujo que hace de los personajes están tan cercanos al universo Dickens, que parece que el escritor hubiese dirigido la película. Freddie Bartholomew se revela como el gran niño prodigio que fue, con todos sus arrebatos sentimentales y sus manifestaciones de dulzura y candor ; y el resto del gran elenco, como W.C.Fields, Basil Rathbone, Elizabeth Allan y Jessie Ralph alcanzan lo magistral. Una película con toda la fibra de una época romántica y lúdica.

"El Pirata" ( "The Pirate", 1948) de Vincente Minelli : Considerada como la más espléndida de todas las comedias de la Unidad Freed, con partitura de Cole Porter y ambientada en el Caribe. Todo en esta película, está matizado por la belleza que colma la vista. Los colores, las excentricidades en el vestuario, cada plano matizado con los detalles de los decorados, los muebles, las joyas y los balcones. Desde la irrupción de Gene Kelly montado sobre el mástil de un carguero, lanzando un salvaje grito a lo pirata Macoco, hasta la irrupción de Walter Slezak, el verdadero pirata y novio de Judy Garland. En este juego de suplantaciones, se impone la música, la acción y la fuerza de una pareja, que funcionó a las mil maravillas en atmósferas paradisíacas.

"Un día en Nueva York" ( "On the town", 1949 ) de Stanley Donen : Rodada en auténticos escenarios con el público abarrotando las avenidas para ver a Frank Sinatra, Donen inaugura una nueva etapa en el musical con un aire realista, sincero, positivista y urbano. El día de asueto de tres marineros ( Gene Kelly, Frank Sinatra y Jules Munshin), que buscan chicas como león hambriento, ( una taxista, una etnóloga y una bailarina, o sea, Betty Garrett, Ann Miller y Vera Ellen), sirve de pretexto para elaborar una divertida, espontánea, ágil y refrescante parábola sobre la felicidad. Por primera vez, se prescinden de las justificaciones para dar paso a los números musicales, y se agrega el componente urbano realista, lo que crea una empatía superior con el espectador. Pese a estar basada en una obra de Broadway, queda muy poco de la original, ya que se agregó a la partitura primitiva de Leonard Bernstein, nuevos números de Roger Edens. Inolvidable la secuencia del ballet del desenlace.

"La Cadena Infinita" /"Lassie vuelve a casa" ( "Lassie come home", 1943 ) de Fred M.Wilcox : Ninguno de nosotros que haya sido niño alguna vez, dejó de ver una película de la collie Lassie. No ya convertida en serie de televisión, sino en la heroína de una travesía siempre apegada a su amo ( el joven Roddy MacDowell), pese a los esfuerzos de Elizabeth Taylor y su rico abuelo, por adoptarla. Todavía conmueve cuando llega a casa, sucia y llena de heridas en sus cuatro patas, por recorrer cientos de kilómetros en la búsqueda de su hogar, después que fuera vendida por urgencia financiera. Hay en esta comedia familiar un aliento vigoroso de candor y ternura, y guarda un espacio especial en la videoteca de la mente.

"Cantando bajo la lluvia" ("Singing in the rain", 1952) de Stanley Donen : Clásico de clásicos. El punto cúlmine de la factoría MGM en los musicales technicoloreados. Gene Kelly, Debbie Reynolds, Donald O"Connor y Jean Hagen están estupendos recreando el advenimiento del sonido en el mundo del cine en Hollywood. No sólo hay vitalidad y belleza en este retrato amable - pero nunca complaciente- del mundo de las estrellas. Sino una singular manera de referirse al "star system" y a la producción de películas en los instantes en que Warner revolucionaba todo con su "Cantante de Jazz". Inolvidable todas las secuencias cómicas de la filmación de una película, que manifiesta las primeras experiencias con el sonido, aunque quedan para siempre en el corazón cinéfilo, el romance entre canciones de la Reynolds y Kelly, los malabarismos de O"Connor y la chillona voz de la ambiciosa Hagen. Es cine imaginativamente evasivo, a la altura de la mitología que encierran las películas "Lo que el Viento se llevó", "Casablanca" y "Rebelde sin causa".

"Brigadoon" ( 1954) de Vincente Minelli : Un abrupto recorte en el presupuesto original obligó a Minelli a rodar en estudio y nó en la Escocia original. Sin embargo y pese a lo discutible de la falsedad que huelen los lagos y paisajes, se trata de un musical en la lógica de Culver City. Esta afectación no disminuye el poder de ensoñación que tiene este relato mágico, sobre la mítica Brigadoon que aparece cada cien años relegada a un exilio voluntario en el espacio y el tiempo. Gene Kelly y Van Johnson encuentran la belleza y el amor entre canciones y danzas; mientras el público queda lo suficientemente atraído por la legendaria cultura escocesa, de un pueblo que todavía existe en la dimensión desconocida.

"Doce al patíbulo" ( "The Dirty Dozen", 1967 ) de Robert Aldrich : Doce prisioneros de guerra a cambio de su libertad y dirigidos por un recio oficial ( Lee Marvin), efectuarán una misión de vida o muerte tras las líneas alemanas. Arquetipo del cine espectáculo hecho con medios, soltura narrativa y eficacia visual, que no alcanza a trastocar el mensaje ideológico y supera con creces, cualquier película de acción superficial por las características con que dibuja a sus personajes. Grandes actuaciones de un soberbio elenco que integran también : Ernest Borgnine, John Cassavetes, Robert Ryan, Jim Brown, Telly Savalas, Richard Jaeckel, Donald Sutherland, Ralph Meeker, George Kennedy y Robert Webber. Fue uno de los éxitos taquilleros de su tiempo.

"El Corcel negro" ("The black stallion", 1979) de Carroll Ballard : Maravillosa aventura infanto-juvenil con Kelly Reno sobreviviendo al naufragio del barco en que viajaba con su padre, gracias a la empatía que se produce en una isla, con un corcel árabe de indómita presencia. El posterior regreso a casa con su madre, estará marcado por las relaciones que establece con un viejo entrenador ( Mickey Rooney, repitiendo a su personaje de "National Velvet" ) y la preparación para el Derby del dichoso caballo. Magnífica recreación de época, soberbia partitura musical y fotografía, para otra de las joyas familiares de la MGM. Producida por Francis Ford Coppola.

En la "Warner": Hermanos en Acción.

El escudo corporativo.

Los hermanos Warner : Albert, Sam, Harry y Jack.

Jack asumió la cara visible de la productora hasta su deceso.

Jack Warner con dos de sus actores característicos : Alan Ladd y Edward G.Robinson.

___ En la época dorada del cine, muy distinta es la capacidad productiva que tiene el sello "Warner Brothers".
En las películas de su fábrica, los relatos son directos, rápidos, baratos y furiosos.
No hay tiempo para pensar en detalles minuciosos o componendas complejas.
Si tienes una idea brillante, házla con nosotros y ¡ yá !
Una película "Warner" es una película hecha a prisa, porque el costo en la demora del rodaje debe ser económico.
Esta espontaneidad romperá todas las estructuras de la competencia.
De alguna manera, los actores no tenían por qué memorizar sus diálogos.
Tampoco servían en Warner, los vetustos escenarios, los lujos y brillos insinuadores de la MGM y la alta sofistificación de la Paramount.
Jack Warner decía : "No la quiero buena, la quiero el martes".
Entonces, la velocidad de producción se concentraba en el montaje.
De algún modo, la Warner pensaba que "el ritmo, el suspense y el involucramiento lo arrastran a uno con más fluidez que los detalles y las explicaciones".
Por eso, su cine se salió de los márgenes más glamorosos, para cubrir las pantallas con un realismo a ultranza.
Sus guiones provenían de los titulares de los diarios, de la realidad diaria, y esta imbricación lo hacía especialmente moderno para sus pares.
El estilo de Warner era tocar la pelota y correr.
Sus actores eran tipos dinámicos, bien vestidos, pero combinados con un toque de sentimentalismo y uno fuerte de humanidad.
La exposición de las producciones Warner, era especialmente cercana a la gente, espontánea, simple y con una naturalidad que abarrotó la mayoría de sus obras maestras.
En este sentido, se transformaron en uno de los estudios especializados en filmes de acción: policiales, relatos de piratas, aventuras exóticas a ritmo trepidante, comedias mundanas, musicales realistas y dramas entre bastidores de obvia atmósfera cotidiana.

El Teatro de los hermanos Warner, en Wilshire Boulevard en Beverly Hills en 1931. Fue demolido en 1988.

En los años veinte, así era el incipiente ingreso a los estudios Warner Brothers.

En uno de los sets , dirigiendo una película con niños actores.

Vista del estudio de sonido en la Warner.

Entrada emblemática a los famosos estudios de producción.

Evolución del logo corporativo.

___ Debido a una filosofía de abaratamiento, los Warner no tenían una constelación de estrellas como la MGM, ni tampoco podían darse el lujo de prepararlas como en Paramount, simplemente dejaban entrar a actores de Broadway, característicos algo marginales y personalidades en vías de desarrollo.
Los hermanos Warner a diferencia de casi todos los magnates judíos que manejaban Hollywood, eran de extracción social baja, y tampoco se esforzaron rápidamente hacia la cima, porque preferían aparecer en un plano secundario, dejando que los más audaces se devoraran compitiendo.
Esta estrategia les permitió asumir la evolución más significativa del cine, que ellos tradujeron con el advenimiento del sonido.
Sí, porque la Warner Brothers hizo historia con una audacia que afectó a todo Hollywood, "una pulcra acrobacia para un estudio menor".
Ella instituyó el sonido.
"El Cantor de Jazz" ("The Jazz Singer", 1927), vino a abrir una nueva Era para los estudios que se caracterizó por una reinterpretación del lenguaje audiovisual, lo que llevó a la Warner a transformarse en el motor de proa de un barco lleno de innovaciones técnicas.
No es extraño entonces que, en sus estudios se concibiera a un ritmo furioso, casi la exclusividad en la producción de películas policiales.
Este campo tiene sus subdivisiones como : gangsteril, carcelario, periodístico, de tahúres, boxístico, de detectives y de abogados, pero la "Warner administró el género desde sus inicios, hizo la mayor parte de las entradas ejemplares y propuso la mayoría de los elementos clave".
De esta manera, tipos que no hubiesen calzado en ninguna película de las Paramount o MGM, alcanzaron la fama, convertidos en arquetipos clásicos de los thrillers policiales. Recuerden a : Edward G.Robinson, Paul Muni, George Bancroft, George Raft, Edward Woods, Warren Williams, James Cagney, Humphrey Bogart, Alan Hale, y entre las chicas de alterné a: Mae Clarke, Claire Trevor, Gladys George, Bette Davis, Joan Blondell, Ann Sheridan, Aline MacMahon, y después, Ida Lupino y Lauren Bacall.

Edward G.Robinson encarnó a mafiosos y criminales con un realismo sorprendente para la época.

El Rey del estudio fue James Cagney, que estableció la imagen del tipo rudo pero con gran corazón.

Pareja del cine negro, Humphrey Bogart y Lauren Bacall se conocieron y se enamoraron dentro y fuera del set.

Paul Muni en "Scarface" y algunos filmes carcelarios, rompió todos los moldes con una actitud desenhibida y agresiva.

Errol Flynn en "Capitán Blood" y "Las Aventuras de Robin Hood", fue el ícono Warner de las películas de capa y espada.

Bette Davis estuvo siempre ideal en papeles de mujer perversa o dramática de armas tomar, bajo las órdenes de William Wyler y Edmund Goulding.

Olivia de Havilland estuvo siempre a la altura, como inseparable compañera de Flynn en películas de aventuras y westerns.

Joan Blondell colocaba la picardía erótica, en comedias mundanas y musicales urbanos.

Ann Sheridan arrebataba a los hombres con su mirada somnolienta y su belleza bruna.

Ida Lupino fue compañera ideal de Bogart, aunque después se lució como productora y directora de inquietudes feministas.

Lauren Bacal teñida de rubio platino, aparece igual de femme fatale con su voz ronca y sensual.

___ La Warner tampoco desvarió cuando hizo popular el genéro de aventuras con piratas y corsarios en alta mar.
Errol Flynn fue una de las figuras predilectas de la casa productora , casi siempre acompañado de la bellísima Olivia de Havilland.
"El Capitán Blood" y "Las Aventuras de Robin Hood", son obras maestras absolutas en este estilo.
En materia de dramas de época, Bette Davis también probó fortuna transformándose primero en víctima, y después en la villana más famosa de la historia, alter ego de dramas románticos.
Su personalidad en "Jezabel" ( 1938) , "Amarga Victoria" ("Dark Victory", 1939) y "La Solterona" ("The Old Maid", 1939), hizo correr mucha tinta en los periódicos de la época.
El musical realista, alcanzó su primera etapa de madurez con "La Calle 42" ( 1933) de la Warner, que insistió en este género manteniendo la fórmula sobre el montaje de un espectáculo entre bastidores en sucesivos estrenos.
A los mayores mitos de la casa productora como "El Halcón Maltés" y "Casablanca", se unen también los designios que transformaron en ícono, al actor que con el tiempo se transformaría en realizador absoluto de su obra : Clint Eastwood.
En este sentido, por los pasillos de la Warner desfilaron algunos de los directores más singulares de su tiempo como : Michael Curtiz, Raoul Walsh, Lloyd Bacon, William Wyler, John Huston y Mervyn Le Roy.
Todos ellos, formaron el prestigio de la Warner y mantuvieron la política del "házla yá porque el jefe no la quiere buena, sino que la quiere para el martes".

Clásicos de la "Warner Brothers".

"Las Aventuras de Robin Hood" ( 1938) de Michael Curtiz y William Keighley: Sin duda, el filme de aventuras más emblemático de la Warner. No sólo porque están sus estrellas favoritas encabezadas por Erroll Flynn, Olivia de Havilland y Basil Rathbone, sino porque da cuota suficiente para armar el esquema más categórico de cine de acción, entretenido, dinámico, atractivo, solvente y divertido. Difícil olvidar a Flynn, disfrazado para que no le reconozcan en el campeonato de arquería. Ni menos, la sublime belleza de su historia amorosa con la Havilland, en un instante secuestrada por las hordas de Hood, para después recomponer el sentido del espectáculo, mediante unos duelos a espada que son inolvidables. Gran uso del Technicolor y la prueba fehaciente de que la Warner, también sabe rodar películas de gran presupuesto con destreza y oficio.

"Gold Diggers of 1933" ( 1933) de Lloyd Bacon : Pese a que no es un musical perfecto, debido a su convencional argumento, contiene el número cumbre en la carrera del coreógrafo y luego director Busby Berkeley " Lullaby of Broadway". Considerada como "una auténtica muestra de inventiva y fluidez cinematográfica" deja muy claro que, Warner había instituído el sonido para experimentar con él y sacarle mayor provecho creativo. Merece conocerse en las copias que andan circulando en DVD.

"El último refugio" ( "High Sierra", 1941) de Raoul Walsh: La trágica historia de un viejo gángster ( Humphrey Bogart), que quiere retirarse aunque planea un último golpe del que no saldrá vivo. Dimensiona la humanidad de un personaje marginal y le da cuerpo Bogart con absoluta maestría, en el cenit de su carrera estelar. A las magníficas actuaciones de Ida Lupino, Alan Curtis y Arthur Kennedy, se une la pericia narrativa de Walsh para armar un alegato social y llevarlo a buen puerto con la sustancia de los recursos audiovisuales en su punto máximo. Inolvidable el desenlace en la alta montaña con Bogart escapando de la policía. Todavía resuenan los balazos de esa fuga imposible.

"Jezabel" ( 1938 ) de William Wyler : Un melodrama sureño que se adelantó a "Lo Que el Viento se llevó " y que guarda algunas relaciones temáticas singulares con aquél clásico épico, como el dibujo que hace de una mujer independiente y posesiva, moviéndose en aguas tradicionalistas y machistas. Henry Fonda está sorprendentemente natural y su refinamiento es pura apariencia. Bette Davis dejó la escoba cuando en una escena antológica, decidió vestirse de rojo ( en blanco y negro se sugiere el color ) y asistir así, a una fiesta de aristocráticos terratenientes. Grandes secundarios como Fay Bainter y Donald Drisp, colaboran en sendos roles de apoyo.

"Al Este del Paraíso" /"Al este del Edén" ("East of Eden", 1955) de Elia Kazan : Adaptación de la novela de John Steinbeck que "marca las preocupaciones morales y religiosas de Kazan sobre el puritanismo americano". Es una gran película, que juega con la idea de Caín y Abel a escala moderna, y le da refugio a una notable banda musical de Leonard Roseman y a una estupenda fotografía. Todas las motivaciones internas de los personajes, se sugieren con el uso de los claroscuros y el cinemascope. Realmente un trabajo meritorio que tuvo gran éxito por el cultismo que originó James Dean. Actúan además : Julie Harris, Raymond Massey y Burt Ives.

"El Halcón Maltés" ( "The Falcon Maltese", 1941) de John Huston : La extraordinaria novela policial de Dashiell Hammett, es origen de cinco películas muy diferentes entre sí, de las cuales ésta, sigue siendo una obra maestra. Casi recortada al pie de la letra, le sigue los pasos al investigador privado Sam Spade ( Humphrey Bogart ), que es contratado por la misteriosa Mary Astor, para encontrar la estatuilla de un halcón, que se supone de oro macizo y cubierto de joyas. Detrás de esta figura que representa la codicia humana, también van en su búsqueda Sydney Greenstreet y Peter Lorre. Inolvidable el párrafo cuando Bogart aduce que el famoso pájaro está fabricado del "material con que están hecho los sueños", acentuando una de las temáticas recurrentes en la filmografía de Huston : la ilusión que viaja en tranvía. Obra maestra que populariza a Bogart, como el arquetipo del detective incansable tras la pista de un enigma.

"Uno contra todos" /"El Manantial" ("The Fountainhead", 1949) de King Vidor : ¿ Habrá una película que sugiera más efectivamente el torrencial amoroso entre Gary Cooper y Patricia Neal dentro y fuera del set ? La historia de un arquitecto que sigue sus sueños a contracorriente, está tan bien planificada por Vidor, que se palpa la pasión y la simbología erótica. Trabajando en una cantera evitando traicionar sus idealismos, Cooper afrontara la atracción de una rica heredera para terminar destruyendo una de sus creaciones. Notable.

"Harry el Sucio" ("Dirty Harry", 1971) de Don Siegel : El clásico policial de Clint Eastwood como protagonista, en una persecución modélica llena de ideas, mucho nervio y contenido suspenso. Siegel acomodó la acción a las calles auténticas y le dió un valor potencial al subjetivismo en la puesta en escena y un sentido del ritmo asombroso, que culmina con el enfrentamiento entre el policía y el sádico delincuente. Para verla pegada al sillón. Tremendo desenlace. Originó cuatro secuelas igual de efectivas, aunque sin la garra que tiene esta magnífica película.

"Harry Potter y la piedra filosofal" ( 2001) de Chris Columbus : El punto de partida de la saga del aprendiz de mago de la escritora inglesa J.K.Rowling, que se transformó en el gran éxito taquillero de la Warner de principios de siglo. Tiene un ritmo algo recargado de diálogos, pero que el realizador de "Mi pobre angelito" somete con alguna indulgencia a sus personajes en la fantasía, para revelar los momentos mágicos de este cuento para niños de la generación del Internet. Todavía son increíbles los primeros vuelos en escobas , las salidas de madre del trío protagónico y esos fantasmas en los cuadros de la Academia, que divierten a grados sustentables. Más allá de su sentido del espectáculo, es una saga que incentivó a los niños a la lectura. Un valor potencial para estos complejos años de revolución digital.

La saga de "Batman": Christopher Nolan recapituló al célebre personaje de los comics de Bob Kane y le dió una nueva sustancia : su oscurantismo rayano en la paranoia producto de un trauma infantil. Las historias tienen además, una compleja profundidad sicológica que habla sobre nuestros propios temores, ansiedades e incertidumbres. Christian Bale siempre adecuado, pasa a una extensión a escala fantástica, del personaje de sádico de "Sicópata americano". Grandes secundarios y villanos para una saga que aún no culmina del todo.

La nueva Era de "Superman" : MARVEL se asoció con la Warner para explotar el filón de los superhéroes del comics nacidos de Stan Lee. Pero había dejado de lado, el primigenio personaje vestido con los colores de la bandera americana. Siempre es gratificante volver a los viejos mitos. Superman lo es. Nunca más reposado que en las series que se produjeron en los cuarenta. Superman se renovó para beneplácito de sus seguidores y lo hace en una versión moderna, rápida y llena de FXs, con supervillanos a la altura del héroe. Sin más preámbulo, Warner ha logrado llenar un nicho con estas películas, que beatifican a los héroes de tinta y papel.

Fotos -Gentileza : Paramount Pictures- Metro Goldwyn Mayer Productions- Warner Brothers Productions- Academy of Motion Picture Arts and Sciences- Entertaiment Weekly- Variety- 25 Media- Classic Movies- Old Hollywood- The Art of Movement- Just Dance- Filmstars- Doctor Macro- Shorpy- Fine Art America- Fondation Jerome Seydoux- Hollywood Photographs- Holywood Canteen- Movie Studios- Hollywoodland- Vintage Hollywood Photos- Hollywood Walk of Fame- Archivo.-

Afiche original de "El Pirata" de la Metro Goldwyn Mayer.