Séptimo 7 sello: "ALMA SALVAJE" Y "LA TEORIA DEL TODO"

Cuentos de mochilera y genios memorables.

La actriz Reese Whiterspoon interpreta a una mujer en la búsqueda de sí misma, en la película "Alma Salvaje", rol por el que postula al Oscar.

___ No hay nada como disfrutar de una película interesante en pantalla grande.
Siempre tiene un sentido catártico, pero también una directa interrelación personal con las emociones y los estados anímicos diarios.
No es lo mismo, ir a ver una película por obligación, que asistir a un estreno, cuando sabes que viene precedido de excelentes críticas.
Aunque tampoco conviene hacerse muchas expectativas.
Es mejor quedarse con algunas pequeñas consideraciones en la mente, y disfrutar de la exhibición, sin nada que te ate, o te estimule a sobrevalorarla o justificarla en sus motivaciones expresivas.
Esta semana, "Séptimo 7 sello" dedica una mirada a tres películas que están candidatas al Oscar en distintas categorías, así como lo hemos hecho antes, con "Un momento de vida"/"Boyhood" y "Birdman".
Es un viaje por el corazón humano de una mujer que viene de vuelta de todo.
También el biopic de uno de los pensadores más populares del mundo científico.
Y finalmente, la comedia musical de los cuentos de Grimm en la oscuridad de un bosque.
Además incluímos,- como es nuestra característica-, un resumen con varias otras películas inolvidables de todos los tiempos, desde los géneros más diversos y para públicos multiculturales.

"Alma Salvaje" :
Relatos de una mochilera.

Caminante no hay camino, se hace camino al andar.

Una aventura existencial bordeando las montañas de Oregón.

__ La "road movie" es uno de los géneros por excelencia del cine americano de acción, como lo es, el western y la comedia musical.
Se trata de uno de los recursos narrativos más antiguos de nuestra cultura.
La idea del viaje, proporciona la conexión temática del lector o espectador, desde los hechos en que se basó la Odisea, la búsqueda del Santo Grial, y los clásicos literarios de "Don Quijote de la Mancha", "Los viajes de Gulliver", "La vuelta al mundo en ochenta días" y "Las Aventuras de Tom Sawyer".
La novela "On the Road" de Jack Kerouac, publicada en 1957, fue la primera en "expresar la idea de la libertad de la carretera, y resulta curioso que, el Cine tardase tanto en apoderarse del tema" y hacerlo recurrente hasta convertirlo en norma práctica para ilustrar a los personajes.
Los relatos "de carretera", le permiten a los realizadores explayarse en las distintas experiencias vitales que les suceden a los protagonistas, y que en sus distintas fases, van creciendo internamente hasta superarse.
"París- Texas" de Wim Wenders, "Dos en la carretera" de Stanley Donen, "Cuenta Conmigo" de Rob Reiner o "Hacia Rutas Salvajes" de Sean Penn, son clásicos indiscutibles del género.
"Alma Salvaje" ( "Wild", 2014), sigue esta tradición, aunque desde una perspectiva más intimista, a partir de la sicología de una mujer que viene escapando de todo y de todos.
En efecto, Cheryl Strayed ( Reese Whiterspoon, en el rol de su vida), viaja cargando un pasado complejo y angustioso.
El símbolo de la enorme mochila que tiene a sus espaldas, y que después en una parada se la alivianan, por la cantidad injustificada de cosas inútiles que lleva para un paseo de esta naturaleza, viene a representar toda la carga emocional de su propio pasado.

El descanso al footing, rememorando su pasado inmediato.

Atravesando ríos, quebradas y precipicios, la muchacha reconstruye los vaivenes de su existencia.

____ Circunstancialmente, el viaje de la mujer que considera un largo recorrido de 700 kilómetros bordeando las montañas de Oregón, remite a un calvario humano, un via crucis que sólo irá superando en la medida de sus encuentros con otras personas, que vagan igual que ella, en la búsqueda de una respuesta vital a su existencia.
La idea es que, Cheryl deberá reconocer sus debilidades para fortalecerse en razón de este autoanálisis, que le significará casi tres meses fuera de su habitat.
La primera escena, es clave para entender la sicología del personaje.
Frente a un precipicio, Cheryl se arranca una uña en mal estado.
Uno de sus zapatos de montaña, cae por el desfiladero.
Ella lanza el otro y grita como un lobo salvaje. Cut.
Esta actitud frente a la vida, le plantea al espectador desde las primeras secuencias, que estamos frente a una mujer en problemas que expurgará en casi dos horas, su propia alma salvaje.
En sucesivos flashbacks, conoceremos las motivaciones que le llevaron a efectuar esta arriesgada proeza caminera.
Las relaciones con su madre ( Laura Dern), casada con un marido alcohólico y violento, y sus posteriores actitudes de rebeldía acentuadas por una compulsión sexual evidente, gatillan un cuadro emocional que culminará en drogadicción y pérdida.

En el camino, Cheryl conocerá diferentes personajes de la vida real.

Durante el rodaje, Reese logró transformarse en una verdadera trotamundos.

____ El filme conserva la estructura de road movie, y está estructurado con pequeños subtítulos, que asumen el avance de los días en el extenuante recorrido caminero.
Intimista y afectivo, el cuadro realista no decae jamás, aunque juega con las emociones del espectador, subrayando la condición de víctima de su protagonista.
En este sentido, el arquetipo que traza el director canadiense Jean Marc-Vallée ("C.R.A.Z.Y.; "The Young Victoria" y "Dallas Buyers Club"), según la novela autobiográfica de la propia Cheryl Strayed, es propio de la mujer golpeada por la vida y que intentará salir adelante, con el sacrificio de destruír sus propias pesadillas.
Este tipo de personajes gusta mucho al público, porque le provoca una inmediata empatía, quizás asumiendo que la existencia está plagada de altibajos, llena de sacrificios, disgustos, alegrías y fracasos sentimentales.
El argumento subraya las nociones valóricas de la amistad, maternidad, amor, vida, muerte, soledad, terror, culpa, fracaso, redención, odio, dolor, fortaleza y destino.
Los sucesivos personajes que Cheryl encuentra en su camino, como unos jóvenes mochileros muy amistosos y divertidos, dos cazadores furtivos que le intimidan sexualmente, una familia de viejos "hippies", etc..., vienen a reforzar el sentido que tiene para la mujer, esta odisea obsesiva y desgarradora.

El desgarrado grito de una mujer lastimada por las circunstancias de su propia vida.

Los momentos sorprendentes también caracterizan la película.

____ Resulta vital la actuación de Reese Whiterspoon, porque la película gira en torno a su personaje.
Hay en su trabajo, mucha sensibilidad para exponer con la crudeza necesaria a la mujer que crece emocionalmente, cuando acepta sus propios errores y salta a otro estadio, más equilibrada y conciente de sus propios miedos y temores.
Reese logra transmitir toda esa carga emocional con una naturalidad aplastante.
A su lado, Laura Dern está insustituíble como la madre que sufrió la violencia intrafamiliar y terminó ilusionándose con iniciar una nueva vida, estudiando en la Universidad, aunque el destino le tenía preparado otro camino.
Ambas actrices, postulan al Oscar como Mejor Actriz y Mejor Actriz Secundaria, respectivamente, aunque también hay que decirlo, el ritmo narrativo que impone Vallée a su relato, es realmente adecuado y tiene toda la provocación de una confesión realista sobre la existencia al borde del precipicio.
La secuencia final con Reese frente a un puente, nos remite a nuestras propias vidas, que parecen eternamente integradas, en un viaje de reconocimiento constante, sobre sí mismos y el mundo que nos rodea. Sobresaliente.

"La Teoría del Todo" :
El Origen de la Memoria.

El reconocimiento del amor, entre dos almas aparentemente complementarias.

Un matrimonio que fue feliz hasta que lo golpeó la rutina.

Confesiones de almohada.

La genialidad del teórico y físico inglés Stephen Hawkins, en una película que maneja el preciosismo fotográfico con solvencia.

___ Se puede entrar adorando la figura del teórico y físico inglés Stephen Hawkins, que visitó Chile hace algunos años, si se aceptan las condicionantes de esta película como genio y figura.
Sin muchos deslices, transparente y cerebral, enamorado de su mujer y obsesionado con lograr "la teoría del todo", que nos explique de adónde venimos y para dónde vamos, la película se arma desde los esquemas más clásicos del melodrama romántico.
Este biopic tiene la suficiente garra como para entusiasmar a los más jóvenes a que estudien una carrera científica e intelectual.
En tiempos convulsionados donde campea sin distingos geográficos, la corrupción, las epidemias, el calentamiento global y sus consecuencias climáticas, el hambre, la angustia, la banalidad y la insatisfacción humana, siempre es interesante desviar el objetivo hacia los grandes pensadores, que han armado una filosofía de vida, a partir de sus originales trabajos.
En este aspecto, Hawkins no es ningún aparecido.
Su juventud estudiantil cuando demostró que era un tipo brillante, sin ser autoexigente, lo transformó en un ícono de la cultura posmoderna.
Actualmente, nadie que sepa de personajes célebres, desconoce la validez del pensamiento de Hawkins, aunque sus teorías huelan a filosofía de otra época.
De alguna manera, el director británico James Marsh ("The King", "Man on Fire" y "Shadow dancer"), acierta al adaptar las memorias de Jane Hawking, -la primera mujer del físico-, como un acertado y ágil retrato intimista.

Camino a la Universidad.

El director James Marsh con sus jóvenes actores en pleno rodaje de la película.

La fusión real : Hawkins y Reymane.

___ Sin ser peyorativo, "La Teoría del Todo" ("The theory of everything", 2014), funciona adecuadamente por el magnífico montaje de Jinx Godfrey y el solvente guión de Anthony McCanten, que subraya las anécdotas más relevantes en la vida de Stephen y su familia.
Lo más interesante del relato, parece estar relacionado con la amistad de Hawkins y un solitario hombre que vino a reemplazar su soledad, con la familia del físico, despertando el impulso sexual de su mujer, cuando éste ya estaba postrado en silla de ruedas.
La mirada es amable, esquemática y algo soporífera, e incluye varias secuencias que huelen a melodrama conocido.
Sin embargo, está siempre apoyado en grandes actuaciones protagónicas.
Eddie Redmayne hace un papel que gusta mucho a Hollywood; y Felicity Jones logra capturar los contrastes entre su personalidad y la del teórico con una ligereza conmovedora.
Ellos interpretan a una pareja perfecta, que logra empatizar con el espectador desde los primeros momentos del filme.
En su modestia, la fotografía de Benoit Delhommo, captura las tonalidades primaverales del romance y los cambios anímicos que van sucediendo a lo largo de la narración.
Sin ser una obra perfecta, convierte las teorías de la Vida en el Universo, en algo mucho más esplendoroso, con la incorporación del aspecto amoroso y conyugal de Hawkins, siempre en constante diatriba con sus propias debilidades físicas y fortalezas intelectuales.
Una película que gustará sobretodo a los fans del drama romántico. Interesante.

"En el Bosque":
Mamá, cuentame un cuento.

La magia de los cuentos tradicionales en una versión musical anodina.

___ El Cine Musical, vivió su mayor auge en la década de los 30 a los 50, cuando se instaló el sonido para perpetuar las voces de los artistas y se fueron aligerando las cámaras, para bailar con Fred Astaire y Gene Kelly al compás de los recuerdos.
Después con la irrupción de nuevos espectadores, el género que mejor representó "la alegría de vivir" se fue al traste del olvido.
Durante décadas, medró de la televisión a Broadway.
A nadie se culpó de su muerte.
Simplemente, los gustos del público fueron variando hasta su segundo revival, en los setenta, que se solidificó al entender el interés de las generaciones jóvenes de espectadores.
Nacieron así : "Fiebre de Sábado por la noche"; "Grease", "Hair", "Jesucristo Superestrella", "Flashdance", "Footloose" y "Annie".
Todos referentes automáticos de los nuevos tiempos.
Adiós a la levita, al sombrero de copa y al glamour.
Bienvenidos : rock, hippismo, disco, retro, pueblos perdidos de los centros urbanos y barriadas neoyorquinas de los barrios populares.
El realismo invadió entonces el musical.
Ya existían atisbos desde "Amor sin Barreras" ( 1961) con Natalie Wood, pero en su renacimiento, el musical optó por tonalidades más cercanas al espectador medio.

Príncipes desarticulados por sus doncellas enamoradas.

El matrimonio del panadero, que ansía tener un bebé.

___ "En el bosque" ("Into the Woods", 2014), es un intento frustrado de la Disney, por recuperar el espíritu de los grandes musicales de Broadway para todo público.
Detrás de esta producción, está el celebrado director norteamericano Rob Marshall ("Chicago", "Nine", "Memorias de una Geisha", "Piratas del Caribe : En el Fin del Mundo"), lo que no justifica la aridez intelectual que tiene esta adaptación de un éxito de Broadway.
La idea de entremezclar los personajes de "Jack y las habichuelas mágicas", "Caperucita Roja", "Rapunzel" y "La Cenicienta", adolece en su traspaso al cine, de mayor atractivo visual, que hunde el esfuerzo porque el musical cinematográfico, no logra sintonizar con los aspectos fundamentales de un relato de estas características.
El hecho de convertir historias infantiles en cuestiones atractivas, donde todos se integran siguiendo una sola huella, adolece de cualquier explicación lógica. En la lógica, claro está, de los cuentos infantiles.

Además, la opción de ambientar todo el relato en un bosque oscuro y tenebroso, le restó colorido y gusto estético.
Al final, cabe preguntarnos si es factible el esfuerzo de producción.
¿ Se trata de una historia de terror, fantasía o una comedia musical para bohemios trasnochados ?
Lo malo no está en el subjetivismo atemporal de los hechos, ni en la mezcla de géneros, ni siquiera en la ironía de los diálogos, que se hace de los personajes de los cuentos tradicionales.
Lo fallido está en la indefinición de sus ejes motivacionales centrales, en el desperdicio de canciones elementales y en la floja explotación de los recursos expresivos del audiovisual, para sobrellevar el relato a los terrenos de una fantasía de mayor vuelo artístico.

La vaca blanca es uno de los elementos que solicita la bruja, para deshacer un antiguo maleficio.

Los prodigios Lilla Crawford y Daniel Huddleston como "Caperucita Roja" y "Jack", retratados para "Teen Vogue".

La actriz Meryl Streep como la bruja sobresale de todos los intérpretes y parece entender las diferencias entre teatro y cine.

___ Seguramente, en la versión teatral original, esta fórmula resulte plausible al representar personajes característicos de la mitología literaria con un aliento posmodernista.
En el cine, eso huele a patrañas.
No hay efectos colaterales cuando la historia se vuelve monótona, cursi, lineal, elemental y discursiva.
Cierto. Tiene humor.
Pero eso, tampoco logra elevar el ritmo caduco de su propuesta estilística.
Además, sus efectos visuales parecen de otra época.
Hay una mujer gigante que no conmueve, ni logra aterrorizar.
Su presencia es casi subjetiva, pues nunca vemos su rostro.
La economía de los FXs en una producción de esta naturaleza, es un riesgo suicida.
Unos príncipes que parecen modelos de vestuario de shopping center.
Unas doncellas algo casquivanas, independientes y que sospechosamente actúan de la misma forma, sin un registro que las individualice.
Unos niños atrevidos que actúan como adultos, sin alcanzar la estatura como héroes de una película de tono familiar.
En fin, Meryl Streep es la única que como la bruja del cuento, logra entender la diferencia entre actuar para Broadway y para una cámara de cine.
Y claro está, Johnny Deep también hace lo suyo, en el breve rol de lobo feroz.
Existe en la actriz, toda la nostalgia por revivir los viejos tiempos del musical, cuando la belleza y el amor eran los ejes centrales de los relatos del género.
Y eso, que ella representa a la bruja.
¡¡¡ Uff, que decepción !!!!
No importa, ya vendrán otros musicales.
En resumen, "En el bosque" ("Into the Woods", 2014), es una adaptación algo oscura y olvidable, que se quedó en lo más profundo de la floresta para que se lo coma el lobo feroz.

Xavier Dolan:
El Niño Terrible del cine actual.

Este joven realizador canadiense es un auténtico genio en el uso de los recursos expresivos del cine.

___ Esta considerado como un "enfant terrible" del cine actual.
Su obra es una excepción dentro del panorama internacional.
Pertenece a la generación de nuevos directores de Canadá, que han dado mucho que hablar en los festivales de cine internacionales como : Atom Egoyan ("Exótica", "El dulce porvenir"; "Chloe"), Denis Coté ("Vic + Flo ont vu un ourd"); Kim Nguyen (" Rebelde") y "Denis Villeneuve ("Incendies").
En realidad, es un artista en toda la extensión de la palabra, capaz de provocar al espectador con una utilización de los recursos audiovisuales, digna de un Orson Welles de estos tiempos.
Desconocido por estos lados del planeta, sin embargo, los premios acarreados desde Festivales tan prestigiosos como Cannes o Montreal, le aseguran un interés creciente dentro del panorama de los realizadores jóvenes más prometedores del momento.
No es extraño refutar que, Xavier Dolan ( nacido en 1989 en Québec ), tiene el alma mater en la cinefilia compulsiva.
Utiliza la expresividad audiovisual para recorrer los pasillos de su conciente, logrando filmar aspectos relativos de su propia existencia con una singular sensibilidad.
Como muchos genios, guarda en su yo interior un lugar oscuro, complejo y ambiguo, que ha transmitido a través de sus cinco largometrajes, donde se constata una refrescante visión, ataviado de relatos en constante renovación de los supuestos narrativos, estéticos, filósoficos, realistas, oníricos, y estilísticos.

Convertido en auténtica revelación en Cannes y Montreal.

Escenas surrealistas que valoran el color, caracterizan sus relatos más originales.

"Mommy" su película más reciente, fue aclamada en Cannes.

___ En sus rodajes, Dolan efectúa las tareas de director, guionista, actor, vestuarista, editor y controla hasta los mínimos detalles como el uso de la música y de la fotografía.
En su grado inferior, no escabulle hablar de sus complejos edípicos, su orientación homosexual, su melomanía, su exquisita manera de plasmar el arte pictórico y la gráfica publicitaria en el trabajo fílmico, y su gestualidad arrebatadora que copia de James Dean, uno de sus ídolos favoritos.
Sus películas gustan por igual a jóvenes y adultos, crítica y público, heteros y homosexuales, genios y seres comunes y corrientes, que divagan tras cada función, cómo este chico logra obras culturales tan redondas e interesantes.
En su grado superior, Dolan ha logrado recordarnos que, todavía existe la esperanza de reconocer en él, la pureza magistral del lenguaje cinematográfico.
Un realizador muy original, que mantiene un renombre en el comienzo de una carrera cada vez más sobresaliente y meritoria.

"Yo maté a mi madre":
El debut de Dolan.

Relaciones marchitas por el amor-odio.

La tigresa de la casa. Ojo con los detalles de la decoración, el vestuario y la pintura.

___ Hubert ( Xavier Dolan) de 16 años, intenta convencer a su madre que es lo suficientemente maduro como para vivir en su propio departamento.
Las relaciones con ella, son complejas.
Mujer sobreprotectora, arrebatada, dependiente, algo egoísta y muy impositiva, la mujer lo reclama para sí misma, casi como una actitud obsesiva, que manifesta una marcada inseguridad emocional frente a la vida.
Entonces, Hubert deberá ganarse el afecto de su madre, para intentar hacerle comprender que "él es muy especial".
¿ Por qué ?
El chico vive una homosexualidad abierta y sin complejos.
Su madre se enterará por la madre del chico que es ahora su pareja y con el que convive en un apretado departamento.
Cuando los padres de Hubert terminen por enviarle a un internado, el joven revelará toda su ira contra su madre.
Esta relación amor-odio, caracteriza todo el relato de Xavier Dolan, con un abierto sentido autobiográfico, casi como un gesto de expurgar sus propias culpas, temores y actitudes irritables.
El filme es visceral, crudo, auténtico, lleno de diálogos ingeniosos, con subtítulos transformados en poesía y unos encuadres que aprovechan los recursos expresivos del Cine con gran inteligencia y oficio.
Por ejemplo, hay recurrentes planos-secuencia enfocados con el protagonista de espalda a la altura del cuello, y que utiliza la elipsis, así como un montaje rápido y sensorial, para fraccionar el tiempo y el espacio, acomodaticio a las situaciones realmente importantes.

Compartiendo el techo, el pan y la cama.

____ Dolan también inserta grabaciones en blanco y negro, reflexionando a la cámara sobre su vida, sus experiencias y sus relaciones materno-filiales.
El estilo mantiene una estética atractiva, con colores vivos y salvajes para las escenas desarrolladas en su casa y tonalidades deslavadas y ocres para las secuencias que ocurren en el internado.
Por otra parte, la música acentúa los ralentis en los instantes más románticos o dramáticos.
El complejo edípico es uno de los temas centrales del relato, que Dolan subraya en los momentos cruciales, como la llegada sorpresiva de regreso a casa, para hablar con su madre de cuestiones que no se han dicho nunca.
También el joven realizador, utiliza escenas subjetivas ( propias de la conciencia del protagonista ), como cuando la madre aparece en un féretro o es convertida en una vírgen mártir, producto de la imaginación del muchacho.
Nunca evita transmitir los momentos anímicos, con efectos visuales de real consistencia, como una vitrina que explota en mil pedazos.
Hay en este sorprendente debut, la inteligencia de un cinéfilo, pero sobretodo, la genialidad de un artista. Muy recomendable.

"Los amantes imaginarios" :
Una obra ejemplar.

Tres no hacen pareja.

Dolan efectúa una inteligente muestra del amor ilusorio.

____ Esta segunda película de Dolan, cuenta las disyuntivas de un trío de amigos , una mujer y dos hombres -entre los cuales está Dolan-, en las diatribas del amor.
"Tres no hacen pareja", pero el filme es muy novedoso en su aspecto formal, pues analiza los sentimientos en las relaciones de pareja desde la ilusión de creer estar corrrespondido, en una situación romántica demasiado ilusoria.
Es como el espejismo cruel de sentirse amado, cuando en realidad, entre la admiración, el fanatismo y la verdadera naturaleza del Amor, hay distancias demasiado angustiantes.
El relato se desarrolla como un documental con entrevista, donde los zooms nerviosos y el montaje funcional, profundizan en las complejidades de las relaciones de pareja.
Las entrevistas sirven de prólogo a cada capítulo, en que una mujer comparte la amistad y el amor por dos hombres.
Aunque a medida avanza la relación, se da cuenta, que uno de ellos ama al otro.
Estas alusiones al cine romántico clásico, van desde Audrey Hepburn a James Dean, desde "Jules et Jim" hasta "Muñequita de lujo"/"Desayuno con diamantes".
Una chica de gafas gruesas con la fisonomía de un Woody Allen femenino, y otra de origen alemán, intercalan sus apreciaciones personales demostrando distintos estados anímicos respecto a la decepción amorosa.
El uso de la música- se incluyen piezas clásicas en francés, italiano e inglés-, subrayan los expresivos ralentis de los momentos más sensibles del relato.
Es un cine alternativo, diferente y colosal, que se respira auténtico y refrescante.
Un soplo de aire fresco dentro del panorama del cine actual. Sobresaliente.

Otros filmes de Dolan.

En "Tom en la granja" (" Tom á la ferne, 2012) : Dolan da un giro después de su "trilogía de la identidad", para adaptar una de sus obras teatrales. Desarrollada en 10 actos, para el rodaje aumentó a 113 y ejecutó con acierto un estudio sobre la homosexualidad , a partir de la experiencia que vive un joven en el campo, cuando asiste al funeral de uno de sus amigos íntimos. En el trayecto, se le cruza el hermano del fallecido, con el que tendrá una relación que pasará de la seducción a la perversión más angustiante.

En "Laurence Anyways" ( 2012) : Dolan explora por el concepto del cambio de identidad y la aceptación o rechazo que ese efecto provoca en las personas. Es una película arriesgada, visceral y muy actual, acerca de un joven de treinta años que decide travestirse, con todas las consecuencias que reviste esta decisión. Grandes actuaciones para un filme cult, que recuerda al "Glen or Glenda" de Ed Wood, pero a una estatura superior. Notable.

"Mommy" ( 2014) : La angustiante vida de un joven de 16 años ( la revelación Antoine- Olivier Pilon), hiperactivo y neurótico, que está educado por una madre viuda. La extensión de su mirada sobre los complejos de Edipo, alcanzan la maestría en esta película premiada en Cannes. Su expresividad visual se refina y logra transformar un relato agudo, en una sensible y poética recreación con visos autobiográficos.

"Las 50 Sombras de Grey" :
El fenómeno cinematográfico del momento.

Recién se acaba de estrenar en el Festival Internacional de Cine de Berlín, y también en 40 países incluyendo Chile. En nuestro país, la pre-venta de 50.000 entradas, vino a romper la cifra histórica y revela la importancia que se le ha atribuído a la adaptación original del best seller de E.L.Johnson.

La primera parte de la trilogía erótica sadomasoquista, ya ha originado revuelo entre la crítica y el público. "Séptimo 7 sello" adelanta algunos comentarios, que ya le atribuyen a la trama un "erotismo light" algo trasnochado. Justin Chang de "Variety" escribe : "No es una película muy inteligente, pero el romance porno que se esperaba, es mejor que el que relatan las novelas". Scott Mendelsson de "Forbes" indica : "Johnson hace lo que puede con su papel. Mientras que, Claudia Puig de "USA Today", la califica de "sosa, mal actuada, risible y aburrida. Los que buscan sexo salvaje quedarán defraudados".

Como ha pasado en otras ocasiones, cuando uno se hace muchas expectativas con películas basadas en literatura popular, siempre las ventajas las tienen los libros. Habrá que verla, para después sacar nuestras propias conclusiones. Cut.

Otras Películas Inolvidables.

"Pequeña Miss Sunshine" ("Little Miss Sunshine", 2006) de Jonathan Dayton y Valerie Faris. Fue una de las películas independientes más exitosas de la temporada. Una comedia auténtica, llena de diálogos divertidos y con espléndidas actuaciones, desde la revelación de la pequeña Abigail Breslin hasta Paul Dano como un impulsivo adolescente que pierde su ingreso en la milicia, Steve Carrell que hace de profesor universitario gay, Alan Arkin como un abuelo a prueba de tontos y la estupenda Toni Collette, como el alma maternal de esta disfuncional familia. Una deliciosa película para elevar el espíritu y gozar de buena gana con las originales anécdotas. De paso, una road movie ejemplar.

"Busco mi destino" ( "Easy Ryder", 1969) de Dennis Hopper. Cinta de culto para iniciados en las beaterías del cine independiente. Una tremenda historia, vigorosa y actual, con el viaje en motocicleta de dos jóvenes inconformistas, que pasan de la aventura de carretera a vivir en los esquemas del neo western. En sus comienzos, Jack Nicholson hace un papel muy preponderante, aunque los que se llevan la precea, son Peter Fonda y el propio Hopper, que dirige y escribe en colaboración, este mítico "canto a la libertad, las drogas y la música rock". Financiada por Fonda, Bob Rafelson y Bert Schneider, costó bastante menos que 500.000 dólares y en su momento, generó ganancias por más de 50 millones.

"París-Texas" ( 1984 ) de Wim Wenders. La road movie más significativa de la década de los ochenta del siglo XX. Una joya del cine, que con el correr de los años mantiene intacta su sensibilidad, su improvisación, y su refrescante manera de mostrar los esfuerzos de Travis ( Harry Dean Stanton ), por recuperar al amor de su vida, Jane ( Nassstassja Kinski) y de su único hijo ( Hunter Carson). Después de vagar por el desierto llega a París en Texas, donde se contacta con su hermano Walt ( Dean Stockwell), con quien compartirá el sacrificio de la búsqueda familiar. Notable la estética fotográfica del operador Robbie Müller, habitual colaborador de Wenders. Una película fascinante, que crece a medida avanza el viaje sorprendente de Travis de Texas a Houston. Inolvidables toda la secuencia en el peep show y del primer encuentro con el niño.

"Forrest Gump" ( 1994 ) de Robert Zemeckis. Otra estupenda road movie con el largo itinerario de un simpático retrasado, que pasa a vivir los acontecimientos que marcaron la historia de Estados Unidos entre los años cincuenta y ochenta. Sensiblera y melosa, la película transformó la figura del actor y comediante Tom Hanks, en un ícono de la cultura pop. Nunca olvidaremos el viaje de esa pluma, que es absolutamente icónica del cine taquillero de los noventa. Momentos cruciales como los encuentros con los presidentes John F.Kennedy, Lyndon Johnson y Richard Nixon, convierten a Forrest en un héroe de Vietnam, aunque el tema es otro más significativo. En efecto, se trata de la fábula de un minusválido, que llegó a todas las situaciones en el momento preciso, pese a sus limitancias mentales. Un destino armado de puras casualidades afortunadas. En el reparto también figuran : Robin Wright Penn, Gary Sinise, Sally Field, Rebecca Williams y el debutante Haley Joel Osment en un breve papel ( en la foto).

"Apocalipsis, ahora" ("Apocalypse , Now", 1979) de Fracis Ford Coppola. La afortunada alianza entre el liberal George Lucas y el nacionalista John Milius, para desarrollar un guión que se basa en la obra "En el corazón de las Tinieblas" de Joseph Conrad publicada en 1902, logra una visión, que readapta la acción a la guerra de Vietnam, y la transforma en inolvidable. No sólo por la épica grandilocuente que Coppola efectúa con escenarios reales, bombas, armas y helicópteros auténticos, sino porque dimensiona una alegoría sobre el viaje al infierno que es modélica. La versión Redux del director, agrega casi una hora adicional al relato, con grandes personajes y una estructura ejemplar.

"Sammy: Huída hacia el Sur" ("Sammy Going South", 1963) de Alexander Mackendrick. Es una de las películas subvaloradas de su genial director,y una ocasión ideal para considerarla en su justa medida. Road movie acerca de un niño de diez años, que huye de la guerra por territorio africano. La película integra el humor, el suspenso y la acción en grados superlativos. Hay una estupenda actuación del prodigio Fergus McClelland, que debiera haber inspirado a Christian Bale para "El Imperio del sol". El veterano Edward G.Robinson hace un gran papel de explotador clandestino de minas de diamante, y su lado paternalista aflora con la llegada sorpresiva del niño. Hay que observar detenidamente secuencias como la de la caza del tigre o toda la inicial desarrollada frente a un ataque sorpresa desde el aire. Una película amena y muy acertiva.

"Intriga Internacional"/"Con la muerte en los talones" ("North by Northwest", 1959) de Alfred Hitchcock. Una de las obras maestras del genio británico, siguiéndole las desventuras a un publicista ( Cary Grant ), confundido por un espía y falso culpable de un asesinato. El galán debe enfrentarse con un agente enemigo ( James Mason), mientras deambula ocultándose de sus fuerzas con la ayuda de una real espía ( Eva Marie Saint). Inolvidable toda la secuencia del ataque de la avioneta, donde no hay diálogos, y esa otra paradigmática en el Monte Rushmore.

"Mad Max 3 : Más allá de la Cúpula del Trueno"( "Mad Max Beyond Thunderdrome", 1985 ) de George Miller y George Ogilvie. El punto final de la trilogía con el "Guerrero de la Carretera" interpretado por Mel Gibson, en una producción australiana, desarrollada en un desierto peligroso, donde deambula una pandilla de niños y jóvenes y la figura legendaria de una Tina Turner, en la justa convicción de ser una antagonista ideal para el personaje masculino. Sin ser una obra lograda, cuenta con un interés atractivo, porque lleva el ícono de la violencia a su lado más paternalista y está pensada como una cinta para todo público. Amenidad ternurista.

"La Gloria de mi padre" ("La gloire de mon pére", 1990) de Yves Robert. El primero de un díptico, con los recuerdos infantiles del realizador francés Marcel Pagnol. Exquisitamente ambientada con algunas secuencias dignas de Hollywood, extrae todo el potencial humanista de la historia de un profesor rural que, de la noche a la mañana en el principio del siglo XX, debe hacerse cargo de las clases en un colegio de la gran ciudad. Lo mejor son las escenas desarrolladas en torno a las vacaciones familiares y que incluyen algunas escenas de caza. Entretención garantizada.

"Ayer y Hoy"/"Amigas por Siempre" ("Now and Then", 1995 ) de Leslie Linka Glatter. La versión femenina a "Cuenta Conmigo" de Rob Reiner, en clave de recuerdos nostálgicos de una infancia irrecuperable. Se suceden las viñetas y anécdotas con personajes juveniles, así como el análisis a los traumas infantiles. Es una obra menor, hecha con la exquisita artesanía del cine sensiblero y dulce. Lo mejor: la estupenda actuación de la niña prodigio Christina Ricci, y esas secuencias humorísticas de las niñas espiando a los niños, en esa edad donde casi todo el interés gira en torno al sexo opuesto. Nostálgica aventura veraniega.

Fotos-Gentileza : 20th.Century Fox- Disney Productions- The New York Times- People- Daily News- The Hollywood Report- Variety- Fotogramas- Cinemanía- Cahiers du Cinema- Archivo.-