ESPECIAL : Grandes Directores del Cine de Todos los Tiempos :

Una Agenda para valorizar el Arte de la Imagen.

"Pan" con el niño prodigio Levi Miller, en la nueva versión al cuento de J.M.Barrie, dirigida por el británico Joe Wright, uno de los grandes realizadores que destacamos esta semana.

___ Es tiempo de revalorizar el Arte de las Películas. 
"Séptimo 7 sello" nació como una necesidad para transmitir el cine que nos gusta. 
Como toda selección hay subjetivismo, pero tratamos de abarcar en cada entrada, realizadores y películas de todas las cinematografías del mundo.
También intentamos, en la medida de lo posible, integrar la mirada crítica de los expertos. Nunca es tarde para asomarnos a nuevas culturas a través de las películas del Cine.   
Quizás, una de las mayores dificultades que enfrenta el cine clásico en blanco y negro, es su atrevimiento a ser valorizado en tiempos de revolución digital, donde todo es color y de alta definición.
Cuando uno enseña el lenguaje cinematográfico en los Colegios y Universidades, siempre se enfrenta al mismo dilema: 
¿ Cómo interesar al espectador más joven por las clásicas películas de la Historia del Cine, que están rodadas en un efusivo blanco y negro ?
No sólo es una tarea necesaria y valiosa, sino a veces, motivante, pero también sorprendente.
Hay en toda esta entrada del Blog, un sabor a nostalgia; porque se consideran filmes de época pasadas, con artistas que reviven en cada función.
Respecto al tema, muchos jóvenes desvalorizan el arte cinemático antiguo, porque "las películas están narradas a otro ritmo, son más lentas y demasiado clichés". 
O porque "simplemente son freaks, como albinos en lugares extraños donde la vanguardia se prueba a cada minuto".
Entonces, las películas antiguas aparecen como seres anómalos en tiempos de colorización digitales, 3D y HD, calidad inmejorable de las nuevas tecnologías informáticas.
Aunque, no es todo. 
¿ Que pasa con los directores de estos nuevos tiempos de producción digital ?
No hemos querido olvidar lo actual. 
Por eso, hemos estructurado esta nueva entrada con realizadores "de todos los tiempos". 
Hemos dado preponderancia para partir este nuevo viaje por el mundo del cine, a los nuevos realizadores que están dando que hablar en los festivales internacionales, gracias a obras realmente interesantes y valiosas.
Se incluyen : breves reseñas personales, transcripción de comentarios de la crítica especializada, numerosas fotografías - como es nuestra costumbre-, y algunas recomendaciones al paso, que es valioso considerar. ¡¡¡¡ Bienvenidos !!!!!

De la Nueva Trova.

Nana Ekvtimishvili ( Nacida en 1978 en Tiflis, Georgia, Rusia ): Estudió Filosofía en la Universidad de Tiflis. Después cursó Guión y Dramaturgia en la Academia del Film y la Televisión ( HFF). En el 2011, dirigió su primera película: "Deda"/"Waiting of Mum", codirigida por Simon Groft, con quien efectúo su primer largometraje: "Eka & Natia" ( 2013), notable drama juvenil ambientado en la Georgia de la guerra, que recibió el máximo galardón en el Festival de Cine de Berlín, así como en muestras internacionales efectuadas en :  Hong Kong, Tokyo, París, Los Angeles y Sarajevo, entre otras.

"Eka & Natia" ("In bloom", 2013) : Una historia realista ambientada en la convulsionada provincia de Abkhavia en 1992,que tiene un ritmo y un estilo muy objetivo para retratar las vivencias de unas jóvenes de 14 años, a partir de sus propias familias. Mientras Ekia lucha contra una madre que no le comprende, Natia intenta sobrellevar el triste panorama de tener un padre alcohólico, con una familia amenazada por su violencia. Se trata de una atractivo relato condimentado por una serie de viñetas y personajes, que se dibujan alrededor de unas amigas adolescentes, siempre golpeadas por el rigor y el caos de la violencia.

Los directores Simon Groft y Nana Ekvtimishvili junto a las actrices Lika Babluani y Mariam Bokevia en el Festival de Cine Internacional en Berlín.

Clio Barnard : Directora británica de cine independiente. Graduada del "Newcastle Polytechnic" y de la Universidad de Kent donde estudió Cine, hizo un postgrado en Imagen Electrónica del "Duncanof Jordanstone College of Arts and Design", para debutar en el video en 1988. Su primer largo fue: "Arbor" ( 2010), un documental experimental que tiene muchos puntos en común con su segunda gran película: "El Gigante Egoísta" ( 2013), una libre adaptación al clásico cuento de Oscar Wilde, por el que ha recibido una vez más, las alabanzas de la crítica especializada.

El niño actor Connor Chapman, es el protagonista de un relato realista que contrapone la esencia lírica de Wilde, con la cruda realidad  de los muchachos que sobreviven robando cables de cobre para sobrevivir. El chico tiene una especial predilección por las arremetidas sorpresivas y llega a robar a uno de sus proveedores, con el objetivo de aumentar sus ganancias económicas.  

Shau Thomas es el amigo fiel de Connor y una de sus víctimas accidentales en esta aventura por las calles británicas. El adora las carreras clandestinas de caballos, y en este sentido, logrará hacer realidad uno de sus sueños más anhelados.

Directora y actores en el Festival Internacional de Cine en Cannes.

Hirokazu Koreeda ( nacido en 1962, en Tokio, Japón  ):  Después de intentar dedicarse a la Literatura, tras graduarse de la Universidad de Waseda, trabajó como asistente de dirección para la televisión, hecho que definitivamente, lo volcó a la cinematografía. Debutó en 1991, y desde esa fecha, ha rodado 15 largometrajes ( uno en proceso de edición),, tres documentales y ha intervenido en otras tres series de televisión. En Koreeda se palpan las influencias del cine de Ozu, Bergman y De Sica, aunque reniega de varias de ellas, porque su temática intimista tiene el poder de analizar a la familia, a partir de la mirada infantil, la memoria, la muerte y el destino dentro de la cultura nipona.

En sus películas más características, los niños juegan un rol preponderante, toda vez que es a través de ellos, que disecciona a la sociedad. Uno de sus mayores logros, está en la película "Milagro" ("Kiseki", 2011).

A Kooreda le interesan también, los asuntos relativos a los choques generacionales, los cambios en los modos del comportamiento frente a la naturaleza de las acciones, las implicancias que tienen los recuerdos en el presente y su incidencia en el futuro, y la paternidad como un gesto de amor por sobre el acto de la procreación. Entre sus películas más destacadas, se cuentan : "Maboroshi" ( 1995); "Nadie Sabe" ( 2005); "Milagro" ( 2011) y "De tal padre, tal hijo" ( 2013).

En "De tal padre, tal hijo" ( 2013) su más reciente película; explora en los aspectos relativos a la paternidad, la causalidad de los errores humanos, el despertar en los comportamientos en la crianza de los niños, y en fin, las variables que manifiestan los chicos acorde a una educación y un modo de vida determinado. Se cuestiona ¿ Cuál es el verdadero rol de los padres en el proceso de enseñanza, si una vez condicionados a ciertos comportamientos, resultan descubrir la verdadera naturaleza de su origen ?

Pawel Pawlikowski ( nacido en 1957, en Varsovia, Mazowieckie, en Polonia): Aunque de origen polaco, se trasladó a Inglaterra, donde en 1987 ingresó a la BBC, para efectuar " Lucifer over Lancashire" ( 1987) y "Palace Life" ( 1988), documentales para canales locales de gran repercusión mediática. Se hizo muy conocido, al rodar documentales que analizaban el exilio y la cultura rusa, en : "Dostoevsky"s Travels" ( 1992), "Serbian Epics" ( 1992) y "Tripping with Zhirinovsky" ( 1995). Desde 1998, se dedicó a dirigir dramas en la línea de " Last Resort" ( 2000), que obtuvo el premio a la mejor película en Edimburgo.Con "My summer of love" ( 2004), la experiencia de unas jóvenes en un romántico relato lésbico, ganó el BAFTA y se hizo conocido internacionalmente. Tras la muerte trágica de su mujer, volvió al cine en el 2010, con "The Woman in the Fifth" , sobre la novela de Douglas Kennedy.

En "My summer of love" ( 2004), "Pawlikowski utiliza una fotografía expresiva y el colorido de su amigo Pole Ryszard Lenczewski, para remarcar el contraste entre los entornos naturales y artificiales del área semidesolada de Hebden Bridge, al oeste de Yorkshire en GB. Allí es donde se conocen la soñadora Tamsin ( Emily Blunt) , alumna de un colegio público, y la casi huérfana Mona ( Natalie Press), y establecen una relación basada en una curiosidad rebelde, un distanciamiento personal y una necesidad disimulada". Se trata de una gran obra, plena de sensualidad, lirismo y realismo.

"Ida" ( 2014), es la confirmación, de que estamos frente a un gran maestro del lenguaje audiovisual. Con un minimalismo arrebatador y utilizando los desbordes del encuadre y del "fuera de campo", con una estética que recuerda los clásicos de Bresson, el polaco insinúa la tragedia de dos mujeres en búsqueda de su identidad familiar. Hay algo de sintomático en esta pulcra y bella película. Un soplo de originalidad, pero principalmente una lograda manera de transmitir la emoción, con sólo las imágenes en blanco y negro y la sugerencia poética que alcanzan momentos verdaderamente sobrecogedores. Una de las grandes películas de este año.

Paolo Sorrentino ( nacido en 1970 en Nápoles, Italia): Considerado uno de los realizadores emergentes más significativos de este siglo, se inició como guionista de Antonio Capuano para el filme "Polvore di Napoli" ( 1998). Debutó en la dirección en el 2001, con "L"uomo di piú", ganadora a Mejor Película con el David de Donatello. Luego filma: " Las consecuencias del amor" ( 2004), "un estudio de carácter existencial oculto como drama de la mafia", que lo dió a conocer internacionalmente y que fue nominada  a la Palma de Oro en Cannes. Más tarde, dirige: "L"amico di famiglia" ( 2006), otro estudio acerca de un prestamista misántropo; para ganar el premio del jurado en Cannes con "Il divo" ( 2008). Tras el documental " Napoli 24 " ( 2010); efectúa su primera película en inglés : " This must be the place" ( 2011), acerca de un veterano artista del rock - Sean Penn- que  va tras los pasos de un antiguo oficial nazi que mato a su padre en los campos de concentración. Con "La Gran Belleza" ( 2013), obra maestra absoluta, logra el Oscar a  la Mejor Película Extranjera. En estos momentos termina, la edición de "In the Future", su nueva pelicula que se estrenará próximamente.

"La Gran Belleza" ( 2013): Es una de las grandes películas de los albores de este siglo. Siempre interesante y asombrosa, recupera un estilo cercano a Fellini en "La dolce vita", aunque acentúa un tono surrealista, que se acomoda excelentemente bien a una trama llena de personajes insólitos. Como olvidar la secuencia de la madre benefactora rodeada de flamencos, o las fiestas nocturnas al ritmo de música dance; o la mujer que se golpea sobre un muro o la niñita que desahoga toda su rabia paternal sobre un gran lienzo. Inolvidable.

Derick Martini ( nacido en 1972, en Nueva York, USA) : Hizo su debut como co-guionista, productor y actor en la aclamada cinta independiente: "Goat on Fire and Smiling Fish" ( 1999), ganadora de los Festivales de Toronto y Milán. Un nuevo guión coescrito con su hermano Steven : "Lymelife" ( que en algunos paises hispanoamericanos se tituló "Aprender a Vivir"), le llevó a ganar el premio FIPRESCI, por su gran originalidad y calidad estilística. Después de rodar un corto: "The Proposal", efectúa "Hick" ( 2011), una comedia dramática con visos de road movie y thriller, interpretada por Chlöe Grace Moretz, Blake Lively y Rory Culkin, su actor fetiche. Este año, estrenó el relato de horror, "The Curse of Downers Groove" ( 2014) con Kevin Zegers, Lucas Till y Helen Slater, para abocarse en rodar para el próximo año, el western "A Worthy Man" ( 2015), otra vez con el solvente Rory Culkin.

El realizador de cine americano independiente, con su actor fetiche Rory Culkin y su hermano mayor Kieran, ambos intérpretes de la estupenda "Lymelife" ( 2008).

En la película "Aprender a Vivir" ("Lymelife", 2008), se conjugan dos aspectos relativos a la estructura de una historia original  : un relato que disecciona las relaciones familiares entre padres e hijos, y a su vez, entre madres y padres; y una atenta observación de época respecto a los valores y los principios, de cierta juventud, dispuesta a hacer oír su voz, pese a la naturaleza social que les impone el sistema. Grandes actuaciones de Rory Culkin, Emma Roberts, Alec Baldwin, y un montaje que es una clase de ejercicio estilístico, para esta notable película producida por Martin Scorsese.

Joe Wright ( nacido en 1972 en Londres, Inglaterra ): Después de rodar algunos cortos y episodios para series de televisión, debutó en el largometraje, con la estupenda nueva versión de: "Orgullo y Prejuicio" ( "Pride & Prejudice", 2005), sobre la novela de Jane Austen, con la interpretación de Keira Knightley, su actriz fetiche. Más tarde, efectúa la magnífica :  "Expiación, deseo y pecado" ( "Atonement", 2007) con la que conquista a la crítica y a los principales festivales de cine del mundo. Esforzándose porque su estilo narrativo sea muy versátil, rueda un biopic musical "The Soloist" ( 2009) con Jamie Foxx y Robert Downey Jr.; un notable thriller de acción y suspenso, "Hanna" ( 2011) con Saoirse Ronan y un remake sobre el clásico de León Tolstoi "Ana Karenina" ( 2012), siempre con la estupenda Keira Knightley. Regresa a los grandes clásicos de la literatura inglesa, con "Pan" ( 2015), para darle un nuevo enfoque al cuento "Peter Pan" de J.M.Barrie, que se estrenará el próximo año. 

"Ana Karenina" ( 2012), al boato embriagador de la puesta en escena de esta nueva versión al clásico literario de León Tolstoi, Wright integra elementos teatrales y subjetivismos atemporales, que la hacen muy atractiva en su contexto. Es una versión distinta, pero que conserva los planteamientos estructurales de la obra original.

El joven Levi Miller efectúa su primer rol estelar en "Pan" ( 2015), una versión que le da otro sentido a la obra de Barrie, incorporando a Huck Jackman como el Pirata Barbanegra y a una pareja de enamorados, que deberá ayudar el famoso personaje infantil. La puesta en escena es soberbia, como adelantan los trailers que ya circulan por las redes digitales.

Paul Haggis ( nacido en 1953, en Londres, Ontario, Canadá): Es uno de los grandes guionistas de Hollywood, que debutó como director en 1993, con la modesta "Red Hot", un drama musical con Balthazar Getty y Carla Gugino, sobre un grupo de rock de los años cincuenta, en un viaje a Unión Soviética. Su filmografía se destaca por elaborados relatos, con numerosos personajes y complejas tramas, que incluyen: intriga, drama, suspenso y acción. Ha obtenido el Oscar al Mejor Guión, en dos ocasiones y en el mismo año, por : "Million Dollar Baby" ( 2004) que dirigió Clint Eastwood y "Crash" ( 2004) que supervisó él mismo. Sus siguientes películas, denotan sus preocupaciones centrales : en "La Conspiración" ("In the valley of Ellah", 2007), con Tommy Lee Jones y Charlize Theron, revelaba las intrincadas situaciones sobre el desaparecimiento de un joven militar; en "Sólo tres días" ("The next Three days", 2010), con Russell Crowe, Elizabeth Banks y Liam Neeson, mezclaba el thriller con el romance para una historia llena de suspenso: y en "Third person" ( 2013), con Liam Neeson, Mila Kunis, Adrien Brody, Maria Bello y Kim Basinger, se atrevía a contar tres distintas historias de amor, que transcurren en tres ciudades emblemáticas como son : Roma, París y Nueva York. También es el autor de los guiones de recientes aventuras de James Bond, como : "Casino Royale" ( 2006) y "Quantum of Solace" ( 2008).

"Crash" ( 2004) es una compleja historia con varios personajes que analiza en profundidad, temáticas recurrentes como : el racismo, la tolerancia, el sentido de pérdida, la redención y la espiritualidad en tiempos convulsionados.

En "Third person" ( 2013), integra tres historias de amor en tres ciudades diferentes para analizar las complejidades entre las relaciones de pareja, los cambios sociales en la urbanidad y los comportamientos culturales.

Kim Ki- Duk ( nacido en 1960 en Corea ) : Figura emblemática del cine oriental actual, director mimado de festivales internacionales, autor de un cine personal que se caracteriza por el simbolismo, la poesía, la misoginia y el machismo en grados superlativos. Intelectual de tomo y lomo, sus creaciones respiran una originalidad raras veces encontrada en el cine actual, y por lo mismo, goza de un prestigio ganado a esfuezos de creatividad  y virulencia. "En su ópera prima "The Cocodrile" ( "Ag-o", 1996) así como en Bad Guy" ( 2001), "los protagonistas no casualmente interpretados por el mismo actor, ignoran como es amar sino es besándo con su garra retráctil en guardia, apresando a la chica sin el menor sentido de romanticismo". En "Primavera, verano, otoño, invierno... y otra vez primavera" ( 2003), asume la enseñanza de un joven monje, desde la experiencia de un viejo que sólo le abrirá la puerta para reconocer sus propios deseos;  y en "Hierro 3" ( 2004) y "El Arco" ( 2005) escudriñará con inteligencia, en el mutismo de las relaciones de pareja. Con "La Isla" ( 2000) un thriller sangriento, se abre a la controversia desde el misticismo atronador de sus imágenes. Amplificará su estilo y su vigencia, con las singulares "Aliento" ( 2007); "y "La Piedad" ( 2012), que recogen algunas de sus preocupaciones existenciales y pictóricas. Este año, simultáneamente estrenó : "II-dae-il" ( 2014) un thriller sobre la muerte de unos adolescentes por una organización terrorista y "Mei-deu in Chai-na" ( 2014), un drama intimista.  

"Primavera, verano, otoño, invierno...y otra vez primavera" ( 2003), una inolvidable historia de aprendizaje, delito, muerte y redención, que solaza por sus exquisitas imágenes y su elocuente uso del montaje, en función de una cámara siempre atenta a los acontecimientos. Una clase magistral de buen cine, que evita el uso de los diálogos, para acentuar el valor de la imagen, el sonido y la música.

"Hierro 3" ( 2004) : Un joven que se gana la vida repartiendo publicidad puerta a puerta, conoce a una mujer que es violentada por su marido. El joven que está acostumbrado a habitar las casas abandonadas que visita, irrumpirá en la vida de la muchacha, actuando como una sombra y evitando que su cónyuge le vea, para mantener una relación amorosa, sin que éste, se dé cuenta. Kim Ki-Duk aseguró que, la historia se le ocurrió cuando despegaba un volante que le habian puesto en su casa. "Me dí cuenta que las casa en que esos volantes quedaban durante varios días, estaban vacías. Y esa imagen, la de una casa vacía en la que nadie entra, me llevó a escribir la historia de una persona solitaria y aislada. Fue entonces, cuando decidí que, quería hacer una película sobre un hombre que comienza a llenar de calidez esos vacíos".

Torun Lian ( nacida en 1956, en Noruega) : Es reconocida en su país como dramaturga, y sus novelas han sido la materia fundamental de su trabajo, como directora de Cine. Debutó como guionista en 1991, cuando escribió "Frida : Con el corazón en la mano", dirigida por Beri Nesheim, un gran éxito en TV y Cine. Como realizadora hizo su debut en 1998, con el drama infantil: "Cuando las nubes mueven las estrellas", exhibida en el Festival de Berlín. Después trasladó en imágenes su novela: "El color de la leche" ( 2004), un regreso al mundo adolescente; para rematar con su adaptación de "Victoria" ( 2013), notable drama romántico de época. En Torun se conjugan: el buen gusto estético, la naturalidad de las acciones, el trabajo con los actores y el detallismo en la puesta en escena.

"Cuando las nubes mueven las estrellas" ( 1998): Es una gran película que se atreve a incursionar en el complejo tema de la muerte en la infancia. En efecto, María ( la extraordinaria Thea Sofie Rusten), acaba de perder a su hermano menor de nueve años víctima de cáncer, lo que le incita a transformarse en una rebelde frente a la vida, cuestionándose la existencia de Dios, la prevalencia de una madre que se sume en la melancolía y la triste situación de un padre, que no sabe como actuar frente a la tragedia. Un día de vacaciones en casa de sus abuelos, descubre a un amigo que le hará cambiar la vida. Torun privilegia los momentos naturales y les da un tono realista que conmueve de veras. Hay sustanciosas reflexiones y un climax inolvidable, cuando María confronta a su madre frente a la pérdida de su hermanito. Es urgente revalorizarla.

"El color de la leche" ( 2004) : Tal vez, es la película más conocida de Turun. También basada en su propia novela, cuenta las andanzas de Selma, una niña de trece años, en el despertar a la Adolescencia. Marcan su personalidad : su negativa a interesarse por los muchachos y su desapego de las amigas que encuentra inmaduras, porque a ella simplemente le interesan cosas más importantes como la Ciencias y obtener algún día el Premio Nobel. Hasta que entra en su vida, un muchacho de su misma edad. Romance en paisajes bellísimos, y con una música que imita a Enya y que le da el tono agridulce a la entretenida trama. Notable recreación de la sicología juvenil en ambientes veraniegos.

Richard Linklater ( nacido en 1960, en Houston, Texas ) :  Esta considerado uno de los realizadores y guionistas más importantes de Estados Unidos. Su vida profesional partió de manera casi accidental. Suspendió una carrera educacional en la Universidad Estatal de Huston, para trabajar en el golfo de México. De regreso a Austin, debutó en la dirección en 1987, con la película : "It"s Impossible to learn to plow by reading books". Tres años después, dirigió: "Slacker" ( 1991), título emblemático del cine independiente, que fue aclamado en Sundance. Su cine, explica la rebelión juvenil desde diferentes ópticas, remarcando los conflictos generacionales, las complejas relaciones familiares y las disyuntivas del amor. De sus 19 largometrajes, 2 documentales, 1 video, y 3 series y telefilmes, también destacan : "SubUrbia" ( 1996), una original historia de teenagers; "La Pandilla Newton" ( "The Newton Boys", 1998), un thriller de gángsters sobre unos célebres asaltantes de bancos; "Waking Life" ( 2001) otra original historia que rotoscopia a actores reales para convertirlos en animaciones para adultos; "Me and Orson Welles" ( 2008) un biopic que reconstruye los entretelones del célebre realizador en el teatro; y la trilogía romántica : "Antes del Amanecer" ("Before Sunrise", 1995); "Antes del Atardecer" ("Before Sunset", 2004) y "Antes del Anochecer" ("Before Midnight", 2013) con Ethan Hawke - su actor fetiche- y Julie Delpy.

"Antes del Amanecer" ( 1995) : Es el punto de partida de una trilogía, que desnuda las relaciones de pareja, a partir del fortuito encuentro que tienen en un tren, un joven periodista norteamericano ( Ethan Hawke) y una estudiante francesa ( Julie Delpy). La película revela, la significativa inteligencia que tiene Linklater, para profundizar en las complejas relaciones de pareja y en los cambios sociales y culturales que influyen en sus reflexiones personales y en sus comportamientos modales. Simplemente imperdonable, si no has visto algunas de las tres películas, que conforman esta madura reflexión sobre el Amor, la Vida, la Naturaleza Humana y el Mundo. 

"Momentos de una Vida" ("Boyhood", 2014) :  Rodada en 12 años alrededor de la vida de Mason ( el debutante Ellar Coltrane), un muchacho tranquilo, sensible,  amante de la fotografía, desde los 5 a los 18 años. Su vida en familia con una madre ( Patricia Arquette ), que pasa de la separación, a ocupar un lugar gravitante en la vida de tres distintas parejas y en casas ajenas. El filme es un realista análisis a los cambios sociales y culturales que sufre la familia de Mason, pero también un homenaje encubierto, al rol de la madre luchadora que se la juega por sus hijos. Momentos entrañables como: las conversaciones de hombre a hombre con papá ( Ethan Hawke); las peleas con el profesor alcohólico Bill Welbrock ( Marco Perella), y las salidas con los amigos del college, hacen de esta obra entrañable, un estudio valioso sobre el valor de la familia en el siglo XXI. Sin duda, uno de los mejores estrenos de la cartelera de este año.

La Metamorfosis de Mason.

El pequeño Mason ( inolvidable Ellar Coltrane ), en segundo año básico.

Ahora en cuarto basico.

El castigo capilar del padrastro.

Un año después cuando vienen los cambios de estado.

El crecimiento de Mason, va a acorde a los intereses juveniles.

La juventud en el high school lleno de sueños como fotógrafo profesional.

El último año, antes de viajar a la Universidad.

De la vieja guardia.

John Ford.( 1895-1973). Se le atribuye a este maestro del cine, la construcción desde el western y del drama épico, de "la historia de un país sin historia". Es una obra extraordinaria, poblada con los ritos y costumbres de épocas y una modélica percepción de los distintos ciclos de la vida, alrededor de matrimonios, bautizos, funerales, duelos, viajes, búsquedas, interrelaciones entre los distintos personajes y un valor intrínseco por los "tiempos muertos", a partir de los cuales "fluye la vida" como si se tratase de ficciones finamente elaboradas. Obras maestras : "El delator" ( "The Informer", 1935); "La diligencia" ( "Stagecoach", 1939); "Uvas de Ira" ( "The Grapes of Wrath", 1940); "¡ Que verde era mi valle! ( "How Green Was My Valley", 1941); "Pasión de los fuertes" ( "My darling Clementine", 1946); "El hombre tranquilo" ( "The Quiet Man", 1952) y "Un tiro en la noche" ( "The man who shot Liberty Valance", 1962).

Charles Chaplin. ( 1889-1977). Inolvidable bufo del cine mudo, integró la poesía en la concepción de historias extremadamente elaboradas, ingeniosas y originales. La soledad del vagabundo construída por Chaplin, no es existencial, es social. La suya es una inadaptación radical a las formas y normas sociales, que lo convierten en un transgresor ocasional y en una víctima frecuente. Sus obras maestras, certifican su genialidad : "El emigrante" ( 1917); "Una vida de perro" ( 1918); "El Pibe" ( "The Kid", 1921); "La Quimera del Oro" ( "The golden rush", 1925); "Luces de la ciudad" ( "City Lights", 1931); "Tiempos Modernos" ( "Modern Times", 1936) y "El Gran dictador" ( "The great dictator", 1941). Como argumentan sus estudiosos : "Chaplin potenció, con unos medios técnicos rudimentarios, las posibilidades del encuadre y de la cámara inmóvil. Fue el primer artista del fuera de campo, explotando el espacio virtual que sale de los bordes de la pantalla, y del espacio horizontal, en correspondencia con una vocación social identificada con el realismo estricto y cívico". 

Billy Wilder. ( 1906-2002). El más hilarante de los maestros de la comedia americana, es también el más corrosivo, ácido y mordaz de sus autores, al denunciar la moral, las relaciones sexuales, las costumbres, la política, el matrimonio, la infidelidad y la lucha de sexos, cuyo cinismo descubre a un crítico ético implacable. Sus películas más clásicas : "El Ocaso de una vida" ( "Sunset Boulevard", 1950); "La Comezón del séptimo año" ( "The seven year Itch", 1955); "Una Eva y dos Adanes" ( "Some like it hot", 1959); "Piso de Soltero" ( "The Apartment", 1960); y "Bésame de tonto" ( "Kiss Me, Stupid", 1964), descubren a la masculinidad en sus complejas supercherías, relativas a la mujer que es objeto del deseo, carnalidad arrasadora y, a veces, motivo de fatalidad.    

Elia Kazan. ( 1909-2003). Su rol de perseguido político y, después de, delator, le transformó en un estigmatizado, que purgó muchas de sus faltas, en un registro inaúdito para su época, a través de un puñado de valiosas películas como : "El sol sale para todos" ("Gentleman"s agreement", 1948); Pánico en la calle" ( "Panic in the streets",  1950); "Un tranvía llamado deseo" ("A Streetcar named desire", 1951); "Viva Zapata! (1952); "Nido de Ratas" ("On the waterfront", 1954); "Al este del Edén" ( "East of Eden", 1955); "Baby doll" ( 1956); "Río Salvaje" ("Wild River", 1960) y "El arreglo" ("The Arrangement", 1969). "Kazan fue el campéon indiscutido de lo que los teóricos y directores rusos vieron al comienzo- el cine como espectáculo de masas que deslumbra, controla y guía las emociones-, un artista de la demagogia, capaz de calentar o enfriar el discurso a su amaño, un genio calculador como ha de serlo, probablemente, un hombre perseguido". 

Howard Hawks. ( 1896-1977). Considerado uno de los grandes maestros del cine americano, pese a que no introdujo ninguna innovación en su mirada, integró el universo fílmico, un escrutador análisis de personajes libres, independientes y sólidos, que buscan su trascendencia a través del cumplimiento del deber y de una intachable moralidad conciente en sus actos. Abordó todos los géneros y dibujó su virilidad en personajes dispuestos a la acción, en historias policiales, en la guerra, en la aviación, en la cacería y en el automovilismo, con la disciplina de hablar lo suficiente, tratar a la muerte como un hecho previsible y reducir la expresión de sentimientos a sólo un gesto. Entre sus mayores obras, deben considerarse : "Scarface" ( 1931); "La fiera de mi niña" ("Briging up baby", 1939); "Sólo los ángeles tienen alas" ("Only angels have wings", 1939); "Al borde del abismo" ("The big sleep"; 1946); "Los caballeros las prefieren rubias" ( "Gentlemen prefer blondes"; 1953) y "Río Bravo" ( 1959).

Buster Keaton.( 1895-1966). En palabras de los estudiosos de su obra, "Keaton fue el gagman más prolífico y creativo que tuvo la comedia cinematográfica". En contraste a Chaplin, su ausencia de sentimentalismo, obedece a una opción por la comedia física. Sus personajes son sujetos que están dispuestos a vivir sin dignidad y se tipifican en la medida de sus actos y sus arranques de defensa o locura. Famoso por su rostro imperturbable y casi emulando a una máscara, Keaton logró las más altas cotas de la comedia, con un puñado de películas inolvidables como : "El Espantapájaros" ("The Scarecrow", 1920); "El Rostro Pálido" ("The palaface", 1921); "La Casa Eléctrica" ("The Electric House", 1923); "El Navegante" ("The Navigator", 1924); "Siete Ocasiones" ("Seven Chances", 1925); "El Maquinista de la General" ("The General", 1926) y "El Cameraman" ("The Cameraman", 1928), ésta última dirigida por Edward Sedgwick.    

W.S.Van Dyke. ( 1889-1943). Fue uno de los ayudantes de David W.Griffith en la mítica "Intolerancia". Apodado "Una toma" por su rapidez para filmar, su carrera se desarrolló casi exclusivamente en los estudios MGM. Sus películas son exitos consistentes y revelan al artesano eficiente y al prolífico director, formado en los estudios en la Era Dorada. Detrás de : "Tarzán, el rey de los monos" (1932); "La Cena de los Acusados" ("The Thin Man", 1934); "San Francisco" ( 1936); "María Antonieta" ( 1938); "Sweethearts" ( 1938) y "Bittersweet" ( 1940); se esconde un narrador aplicado, que conocía muy bien los gustos del espectador y las virtudes del montaje y de los secretos de los FXs. 

Frank Capra. ( 1897-1991). Se movió con gran sutileza por los terrenos del melodrama y de la aventura, hasta encontrar en la comedia, un terreno fértil para adquirir un nombre a título de maestro absoluto. "Sus películas son himnos a los valores de la democracia, la libertad, la justicia, la igualdad, o la bondad social, pero no significa que ignore su dramática ausencia en el siglo que con más retórica pretendió protegerlos". En películas suyas como : "Sucedió aquella noche" ("It Happened One Night", 1934); "El Secreto de vivir" ("Mr.Deeds Goes to Town", 1936); "Horizontes perdidos" ("Lost Horizon",1937); "Vive como Quieras" ("You Can"t Take It With You", 1938); "Caballero sin espada" ("Mr.Smith Goes to Washington", 1939); "Juan Nadie" ("Meet John", 1941); "Qué bello es vivir!" ("It"s Wonderful Life", 1946) y "Milagro por un día" ("Pocketful of Miracles", 1961), Capra dictaminó con optimismo que las personas son buenas, de espíritus nobles y solidarios, y que triunfan sobre la corrupción y las ambiciones del poder.  

Busby Berkeley.( 1895-1976). Coreógrafo y realizador, que con sus cámaras en altura, creó toda una nueva forma de filmar comedias musicales para elevar el concepto creativo de la danza, la música, el espectáculo, y el simbolismo erótico. "Gracias a una hábil síntesis entre las evoluciones de los bailarines, los movimientos de cámara y los ritmos del montaje, los filmes de Berkeley marcan simultáneamente el nacimiento y la madurez de uno de los géneros más característicos del cine hollywoodiano". Recomendamos ver de su autoría : "Gold Diggers of 1935" ( 1935);  "Los hijos de la farándula" ("Babes in Arms", 1939); "Strike Up the Band" ( 1940) y "Babes on Broadway" ( 1941).

Rouben Mamoulian. ( 1897-1987). Llegó a Hollywood en los años treinta, con una sólida carrera como director teatral y operístico. Su aporte es significativo, pues acomodó sus conocimientos de la puesta en escena al lenguaje audiovisual, otorgándole gran celeridad y alto vuelo expresivo, mediante la "cámara subjetiva", como en: "Dr.Jekyll & Mr.Hyde" ( 1932), donde se percibió una novedosa manera de enfocar a los personajes. Experimentó con el sonido como en "Applause" ( 1929) y "Calles de la ciudad" ("City Streets", 1931), y también se dió el tiempo para innovar con el color y los estilos, como en "La feria de las vanidades" ("Becky Sharp", 1935). Fue un progresista a contracorriente de modas y clichés rebuscados, y  un narrador dramático refinado, como en : "Reina Cristina de Suecia" ("Queen Christina", 1933) y "El chico dorado" ("Golden Boy", 1939) .  

Sergei Eisenstein. ( 1898-1948). Artífice del"montaje de atracciones" en las míticas: "La huelga" ( 1923); "Acorazado Potemkim", 1925) y "Octubre" ( 1927), descubrió en el cine, la manera de propagar ideas revolucionarias y subjetivismos metafóricos, con una gran fuerza estética y un ingenio superior. Fracasada su inserción en Hollywood, rueda la inacabada "¡Que viva México !" ( 1931) en tierras aztecas, para concluír su breve, accidentada y portentosa carrera, con "Alexander Nevsky" ( 1938) e "Iván el terrible" ( 1945), piezas antológicas de la historia del séptimo arte.

Sam Wood. ( 1883-1949). En la foto junto a Jackie Coogan. Se inició como ayudante de Cecil B.De Mille. Hombre sobrio, llegó a destacar por magníficas comedias, efectuadas para mayor lucimiento de los hermanos Marxs, como : "Una noche en la Opera" ( "A night at the Opera", 1935) y "Un día en las carreras" ( "A day at the races", 1937). Desde los albores del sonoro, trabaja para la MGM, dirigiendo a algunas de las grandes estrellas del estudio, como : Joan Crawford ("Paid", 1930), Clark Gable y Jean Harlow ("Hold Your Man", 1933); Wallace Beery y Mickey Rooney ("Stablemates", 1938); Freddie Bartholomew y Mickey Rooney ("Lord Jeff", 1938); Franchot Stone ("Adiós Mr.Chips"/"Goodbye Mr.Chips", 1939) y Gary Cooper ("El Orgullo de los Yankees"/"The Pride of the Yankees", 1942), estas dos últimas, consideradas sus obras modélicas. 

Michael Curtiz. ( 1888-1962). El más prolífico de los directores del "star system" americano. Correctísimo artesano, incursionó con igual talento por dramas, thrillers policiales, comedias, filmes de época y relatos de aventuras, resaltando por su firme dominio del lenguaje y un aplicado gusto por los conceptos del montaje. Sólo entre 1930 y 1939 dirigió 44 películas, llegando a rodar hasta nueve películas en un año, sobretodo para el gálan Errol Flynn y su pareja filmica Olivia De Havilland, desde "El Capitán Blood" ( 1935), pasando por "Las Aventuras de Robin Hood" ( 1938) hasta "Santa Fe Trail" ( 1940). Es el autor de la mítica "Casablanca" ( 1943), aunque también hizo películas muy estimables, como : "Doctor X" ( 1932); "20.000 Years in Sing Sing" ( 1933); "La Carga de la brigada ligera" (1935); "Kid Galahad" ( 1937); "Angeles con Caras Sucias" ( 1938); El lobo de mar" ("The Sea Wolf", 1941); "Pasaje a Marsella" ("Passage to Marseille", 1944); "El Rey del Tabaco" ("Bright Leaf", 1950); "Navidad Blanca" ("White Christmas", 1954); "King Creole" ( 1958); "El rebelde orgulloso" ("The Proud Rebel", 1958); "Las Aventuras de Huckleberry Finn" ( 1960) y "Los Comancheros" ( 1961). 

Anthony Mann. ( 1906-1967). Fue un realizador con una mirada única e invariable. Se podía mover con igual versatilidad, en los terrenos del western y del filme épico, sin perder estilo y coherencia. En los estudios de su obra, queda especificado que : "En sus películas, el padre sea terrateniente, patrón o bandolero, tiene un Caín en la descendencia y para reemplazarlo hay un huérfano, sea capataz rural, desheredado o capataz romano, que ha de reconvertir la estructura social y familiar : un rancho , una banda de forajidos o incluso el imperio romano. En el héroe de Mann, hay un hombre que busca al padre, que se enfrenta con sus hermanos y que redime su destino por la violencia". Cítanse entre sus obras mayores: "Winchester 73" ( 1950); "El hombre sin destino" ("The far country", 1955); "El hombre del Oeste" ( "Man of the West", 1958); El Cid" ( 1961) y "La caída del Imperio Romano" ("The fall of the Roman Empire", 1964).

Abel Gance. ( 1889-1981). Tuvo una de las carreras más curiosas y agitadas de la historia del cine. Conoció el fracaso y la incomprensión como ningún otro director y, sin embargo, sus monumentales proyectos y sus delirios adelantaron muchas de las fórmulas técnicas, que hoy son patrimonio del cine moderno. Fue sobretodo un notable innovador, gracias a su vocación experimental que le llevó a inventar deformaciones ópticas, la pantalla triple y las bases del sonido estereofónico, en una búsqueda expresiva que no conoció límites, ni frenos. Su primera película data de 1911, pero sus grandes títulos comenzarán a conocerse a partir de los años 20, del siglo pasado. Epico y grandilocuente, su personalidad quedará reflejada en las imágenes rotundas de : "Yo acuso" ( 1919); "La Rueda" ( 1922); "Napoleón" ( 1925-27); "El Fin del Mundo" ( 1930); "Mater Dolorosa" ( 1932); "La dama de las Camelias" ( 1934); "Lucrecia Borgia" ( 1935); "Beethoven" ( 1936) y "El Paraíso perdido" ( 1938).

Otto Preminger. ( 1905-1986). Considerado uno de los más destacados exponentes del clasicismo cinematográfico norteamericano, pertenece a ese grupo de realizadores que llegaron a Hollywood en la década de los años treinta, aportando lo que en general, se ha denominado el "touch-vienés", mezcla de elegancia estilística, humor amablemente corrosivo y visión objetiva de las relaciones humanas. Durante su juventud, realizó una importante labor como autor y director teatral. En Hollywood, se incorporó de forma estable a la industria, con el filme "Laura" ( 1944), uno de los grandes clásicos del cine negro. En una gran variedad temática abordó también: comedias ("La luna es azul"/"The Moon is blue", 1953), thrillers policiales ("Anatomía de un asesinato"/"Anatomy of a murder" 1959; "Bunny Lake ha desaparecido"/"Bunny Lake is missing", 1964); musicales ("Porgy & Bess", 1958 ); relatos bélicos ("Primera victoria"/"In Harm"s Way", 1965 ); filmes políticos ("Tormenta en Washington"/"Tempestad sobre Washington"/"Advise and Consent", 1962 ); superproducciones ("Exodo"/"Exodus", 1960 ); narraciones con planteamientos religiosos ("El Cardenal"/"The Cardinal", 1963 ; "Santa Juana"/"Saint Joan", 1957); dramas sicológicos ("El hombre del brazo de Oro"/"The Man with the Golden Arm", 1956; "Buenos días tristeza"/ "Bonjour Tristesse", 1957) y westerns ("Almas perdidas"/"Río sin retorno"/"River of not return", 1954). Su estilo se caracterizó por la inteligencia de la puesta en escena, la justeza dramática y la descripción objetiva de los hechos, las anécdotas y sus personajes. 

Jacques Tati. ( 1907-1982). Fue un gran deportista que practicó el boxeo, el fútbol, el rugby y el tenis. Actúo como mimo y en el music hall, desempeñó pequeños papeles en películas y en 1932, se inició en el cine con el corto: "Oscar, champion de tenis" que también produce, escribe y dirige. Su carrera como realizador de largos, parte en 1947 con el estreno de: "Día de fiesta", que se transforma en un gran éxito de boleterías. En referencia a su obra, cierta crítica destaca : "Las vacaciones de Mr.Hulot" ( 1953), como su mejor película y una de las mejores comedias de la posguerra, que confirma la aparición de un cómico personal con un discreto y particular sentido de los gags, así como de un personaje muy definido que tiene una relación muy particular con las personas y las cosas". Entrañable resulta así mismo: "Mi tío" ( 1958) donde Mr.Hulot resalta sobre un discurso respecto a la maquinización tecnológica de la vida doméstica". Completan este panegírico las irregulares: "Playtime" ( 1967); "Trafic" ( 1971) y "Parade" ( 1974).

Jean Luc Godard. ( n.1930).  "Enfant terrible" de la "nouvelle vague" francesa, es también un genio de la descomposición, atento a los cambios sociales y culturales de Europa, a las virulencias del lenguaje audiovisual y a los constantes experimentos subjetivos, que revolucionaron el cine, con el uso frecuente de cámaras móviles, encuadres anticonvencionales, rupturistas elipsis narrativas y total desajuste del raccord en el montaje de planos sucesivos. Su frenético estilo, lo convirtió en un rebelde romántico, capaz de reflejar los vaivenes de las transformaciones ideológicas de la posguerra, y circunstancialmente, gestor de las nuevas e innovadoras lecturas del empleo de las técnicas audiovisuales en el Cine. Películas emblemáticas : "Sin aliento"/"Al final de la escapada" ( "A bout de souffle", 1959); Lemmy contra Alphaville" ("Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution", 1964); "Pierrot el loco" ("Pierrot le fou", 1965); "Tout va bien" ( 1972); "Prénom Carmen" ( 1983); "Yo te saludo, María" ("Je vous salue, Maria", 1985); "El Rey Lear" ("King Lear", 1987) y "Adiós al lenguaje" ("Adieu au laugage", 2014).  

John Huston. ( 1906-1987). Hombre alto, apuesto a su manera, elegante  e irresistiblemente encantador y con un insaciable gusto por la vida, por los caballos, las mujeres, el juego, la aventura, el trabajo, la lectura, el Arte, Irlanda y por casi todas las cosas agradables de este mundo. Se transformó casi en un ícono de sí mismo. Hijo del actor Walter Huston, compartió la vida casi igual de aventurera de su madre, amante de los viajes y las carreras de caballos. Desde siempre en el negocio del cine, convenció a los hermanos Warner, de dirigir la remake de "El Halcón Maltés" ( 1941), pieza maestra del cine negro, e inició una brillante carrera. "Sus mejores personajes son precisamente aquellos que recogen, a como dé lugar, ese modo ingenuo, algo cínico y generalmente malaventurado de vivir. La peripecia del cine de Huston, no tiene más sentido que mostrar, que la única grandeza posible es la lucha. La lucha crucial y definitiva es cada quien contra sí, y que sólo dos cosas son tan futiles como desgarradoras e irreversibles : el fracaso y la muerte". Sus obras mayores, deben incluír títulos como : "El Tesoro de Sierra Madre" ("The treasure of Sierra Madre", 1947); "Mientras la ciudad duerme" ("The asphalt jungle", 1950); "La roja insignia del valor" ("The red badge of courage", 1951); "La Reina Africana" ("The african queen", 1952); "Moby Dick" ( 1956); "Sólo el cielo lo sabe" ("Heaven known, mister Allison", 1957); "Los Inadaptados" ("The mistifs"; 1961); "El hombre que sería rey" ("The man who would be king", 1975) y "Bajo el volcán" ("Under the volcano", 1984). 

Max Ophüls. ( 1902-1957). "Con una carrera repartida en cinco países y apenas 23 títulos, Ophüls nacido en Sarre y de vocación vienesa, devino uno de los talentos solitarios de medio siglo. En una época y naciones asoladas por la guerra , fue un artista errante obsesionado con las tragedias de las mujeres, tragedias de la soledad en su sentido más sutil y femenino. Puestos a elegir algunas de sus solemnes obras maestras, los conocedores suelen dividirse : "Lola Montes" ( 1955); "Madame de..." ( 1953), "La Ronde" ( 1950) y "De Mayerling a Sarajevo" ( 1940), figuran normalmente en sus antologías, tal como "Carta a una desconocida" ("Letter from an unknown woman", 1948). La virtud peculiar de esta última, es la combinación entre un aliento trágico de grandes proporciones y un minimalismo deliberado en la selección de la intriga, una rareza que el cine se permite pocas veces".

George Stevens. ( 1904-1975). Hijo de actores, su vocación se vió marcada por la tradición familiar. Contratado por Hal Roach, se instaló en Hollywood en 1921, y trabajó como fotógrafo, gagman, etc. A partir de 1929, rodó algunos cortometrajes que le permitieron acceder al cine comercial, siendo sus primeros éxitos, la comedia: "Sueños de juventud" ("Alice Adams", 1935) con Katharine Hepburn, y sobretodo, el relato de aventuras, "Gunga Din" ( 1939), sobre un poema de Rudyard Kipling. Los años cuarenta marcaron un cierto retroceso en su cine, pero a partir de 1951, con la magnífica: "Un lugar en el sol" ("A place in the sun" ) recuperó su situación privilegiada en la industria americana, que asentó más si cabe, con la estupenda "Gigante" ( 1956). El western "Shane" ( 1953), es una de sus obras maestras, que utiliza la fotografía en color de manera magistral, para acentuar los climaxs con una inteligente utilización del montaje visual y sonoro. De sus últimas obras, "El diario de Ana Frank" ("The diary of Ana Frank", 1959) destila emoción pese a lo claustrofóbico y soporífero del relato; y "La historia más grande jamás contada" ("The greatest story Ever Told", 1965), resulta más espectacular que algunas otras épicas superproducidas.

George Mélies. ( 1861-1938). Ilusionista, prestidigitador, empresario, artista, técnico, inventor y poeta francés, que observando las grandes posibilidades del invento de los hermanos Lumiere, construyó ingeniosos aparatos de impresión y proyección de películas y fue el primero en acondicionar una sala especial de filmaciones, utilizando luz artificial. Además, llegó a utilizar el trucaje, inventando los primeros que todavía se utilizan. Interpretó el mismo sus películas, esbozando sus decorados, diseñando su vestuario e inventando sus historias. Su primer corto data de 1896: "Une partie de cartes", y llegó a la maestría con: "El hombre de la cabeza de goma" ( 1900); "Viaje a la luna" ( 1902); "Viaje a través de lo imposible" ( 1904) y "A la conquista del Polo" ( 1912). La competencia organizada y la Primera Guerra Mundial le arruinaron y terminó vendiendo caramelos y chucherías en la Estación de París, como sugiere la película homenaje de Martin Scorsese: "La Invención de Hugo Cabret" ("Hugo", 2012). Identificado en 1929 por un empresario admirador, se le rindieron toda clase de homenajes y honores como bien merecía su carrera de pionero.

Raoul Walsh. ( 1887-1980). Se interesó por el teatro en 1910. Se inició en el cine en 1912. Los comienzos de su carrera se desenvolvieron bajo la tutela de David W.Griffith, bajo cuya supervisión realizó en México, un filme sobre el revolucionario Pancho Villa. Fue ayudante de dirección de Griffith en otros filmes, y encarnó al asesino de Lincoln en "El Nacimiento de una Nación" ( 1915), año en que comenzó a dirigir , configurando una de las carreras más prolíficas, interesantes e intensas del cine norteamericano. Heredero de la tradición clásica, Walsh realizó notables películas, ya en la época muda, destacando en particular: "El ladrón de Bagdad" ( 1924) con Douglas Fairbanks. Su extensa filmografía de más de 130 películas, abunda en hallazgos, sobretodo en los géneros que mejor se adaptan a su sentido del ritmo y la acción física: el filme de aventuras ("El Caballero Audaz"/"Gentleman Jim", 1942), el cine bélico ("Aventuras en Birmania"/"Objetive Burma", 1945; "Más allá de las lágrimas"/"Battle Cry", 1955; "Los desnudos y los muertos"/"The Naked and the dead", 1958); el thriller policial ("El Ultimo Refugio"/"High Sierra", 1941) y el western ("Murieron con las botas puestas"/"They died with their boots", 1941; Tambores lejanos"/"Distant Drums", 1951; "Fiebre de Venganza"/"Gun Fury", 1953 y "La Brigada de los valientes"/"A distant trumpet", 1964). 

Luchino Visconti. (1906-1976). Su singular carrera se caracteriza por sostener un estilo, que va desde el verismo más implacable de la primera época neorrealista, hasta el refinamiento estético abducido por el decadentismo de sus relatos más singulares. Toda su filmografía revela un acervo cultural e intelectual nutrido en la Opera y en el Teatro, pero adaptado al lenguaje audiovisual, con una riqueza estética de exquisita sensibilidad. Se consideran sus mayores obras : "El Gatopardo" ( 1963) y "Muerte en Venecia" ( 1971), aunque hay que agregar : "La Terra Trema" ( 1948); Rocco y sus hermanos" ( 1960); "La caída de los dioses" ( 1970) y su último filme "El Inocente" ( 1976), en cuyo proceso de edición, fallece a los 69 años de edad.

Vittorio De Sica. (1901-1974). El "Cine de la Insignificancia" tuvo en este realizador italiano a su más certero y original autor. Sus más reputados trabajos, conforman la trilogía de : "Ladrón de bicicletas" ( 1948); "Milagro en Milán" (1950) y "Umberto D" ( 1952), notables historias sobre el desempleo, la pobreza y la marginación de la tercera edad respectivamente, que se benefician de la influencia del teórico neorrealista Cesare Zavattini. Con De Sica, los personajes cinematográficos bajan a la altura de las personas comunes y corrientes y se ponen en campaña de las revelaciones sociales y culturales más trascentes del siglo XX.

Luis Buñuel. (1900-1983). Sin duda, es la personalidad más significativa del movimiento surrealista español en el Cine. No es extraño que, se le atribuya un ateísmo "por la gracia de Dios", que reflejan la complejidad de "un artista nacido de lo más profundo de la cultura española - un torbellino católico, anticlerical, pagano- y que fue protagonista del surrealismo, acaso el movimiento artístico clave del siglo XX. Buñuel registró en sus películas, las obsesiones de la Era - religión, burguesía, sexo, poder-, pero no para dar cuenta de los acontecimientos de la historia, algo demasiado fugaz para un caballero español, sino para liberar sus propias dudas y obsesiones". De su notable filmografia, inconformista y original, destacan : "Un perro andaluz" ( 1928); "Los Olvidados" ( 1950); "Nazarín" ( 1958); "Viridiana" ( 1961); "Bella de día" ( 1966); "La Vía Lactea" ( 1969); "El discreto encanto de la burguesía" ( 1972) y "Ese oscuro objeto del deseo" ( 1977).

Frank Borzage. (1894-1962). Desde 1912, el director Thomas H.Ince le contrata como actor secundario para sus westerns, que comienza  a estelarizar en 1914, para iniciarse en la dirección dos años más tarde. Después de conocer todos los "secretos de la profesión", se especializa en el melodrama, con clara dependencia de los estudios, incluyendo algunas concesiones temáticas y de estilo, pero revelando una gran sutileza y emoción. En este sentido, hay que ver : "El Séptimo Cielo" ("Seventh Heaven", 1927), su obra maestra del mudo; Adiós a las Armas" ("A farewell to Arms", 1932) sobre la novela de Ernest Hemingway; "Fueros Humanos" ("Man"s Castle", 1933); "Deseo" ("Desire", 1936); "Tres Camaradas" ("Three Comrades", 1938) sobre la obra de Erich Maria Remarque; "The Mortal Storm" ( 1940) y "China Doll" ( 1958).

Alfred Hitchcock. ( 1899-1980). Tal vez, no exista un ícono más imperecedero en la historia del cine, que este director y productor inglés que le sacó lustre a su propia imagen y que reformuló las bases del marketing de una película. Su innovadora manera de utilizar los FXs, de innovar desde la premisa de guiones inteligentísimos y de manejar las basas de la emocionalidad y el suspenso, le llevó a experimentar con gran acierto y aplicar sus conocimientos en personales y brillantes obras maestras como : "Rebeca" ( 1940); "La sombra de una duda" ( 1943); "Recuerda" ("Spellbound", 1943); "La soga" ("Rope", 1948); "Extraños en un tren" ("Strangers on a train", 1951); "La ventana indiscreta" ("Rear Widow", 1954); "Vértigo" ( 1958); "Intriga Internacional"/"Con la muerte en los talones" ("North by Northwest", 1959); "Psicosis" ( "Psycho", 1960) y "Los pájaros" ("The Birds", 1963).

Francois Truffaut. ( 1932-1984). Si hubo un cineasta más singular al exponer las complejidades del amor, del mundo de los niños y del cine negro, ese fue Truffaut, formado como crítico en las "Cahiers du Cinema" y punta de lanza del movimiento de la "nouvelle vague" francesa. Su cine poseía "un lirismo, una ternura, una ferocidad, un desencanto, nunca vistos en la pantalla grande". En las historias de sus películas más famosas, los hombres aparecen como figuras vulnerables, que pierden el control frente a la llegada del amor, ya sea por demencia, pasión o misterio. En contraste, "las mujeres son fuertes, dotadas de una inescrutable belleza interior y perciben que el amor convoca una estética y una moral especiales: su desgracia es la incapacidad de los hombres para comprenderlo de ese modo". Piezas fundamentales de su filmografía son : "Los Cuatrocientos Golpes" ( 1959); "Jules et Jim" ( 1962); "La novia vestía de negro" ( 1967); "La Sirena del Mississippi" ( 1969); "El Pequeño Salvaje" ( 1970); "Las dos inglesas y el Continente" ( 1971); "La historia de Adele H" ( 1975); "La Piel dura" ( 1976) y "La mujer de la próxima puerta" ( 1981).

David Wark Griffith. ( 1875-1948). Sus biógrafos atribuyen el nacimiento del lenguaje audiovisual con su nombre. "Muchas de las innovaciones de Griffith tales como el iris-in, la viñeta, el enmascaramiento, y la iluminación por la parte de atrás de la escena, fueron inventos suyos, para los cuales a menudo contó con la colaboración de su camarógrafo, el estimable Billy Bitzer. Todavía es más importante el hecho, que Griffith haya sabido aprovechar en forma creativa los recursos técnicos como el close-up, el travelling y el montaje paralelo, para darles una significancia mayor en la narrativa audiovisual. Contratado por la Biograph, dirigió más de 450 cortos entre 1908 y 1914, pasando por la mayoría de los géneros, y experimentando con las reglas narrativas para transformar el "espectáculo de feria" en un Arte. De sus obras mayores, caben destacar títulos como : "El Nacimiento de una Nación" ("The Bird of a Nation", 1915); "Intolerancia" ("Intolerence", 1916); Corazones del Mundo" ("Hearts of the World", 1918); "Lirios Rotos"/"La Culpa Ajena" ("Broken Blossoms" ( 1919); "Las dos tormentas" ("Way Down Eat", 1920); "Las dos huerfanitas" ("Orphans of the Storm", 1922); "América" (1924); "Dreams of Love" ( 1928) y "Abraham Lincoln" ( 1930), esta última, una de sus dos únicas películas sonoras.

Fred Zinnemann. ( 1907-1992). En la foto, es el de la izquierda, junto a los actores Montgomery Clift y el niño Ivan Jandl, en el rodaje de "Angeles perdidos" ("The Search", 1948). Nacido en Austria, estudió Música y frecuentó los cursos de Derecho en la Universidad de Viena, antes de estudiar fotografía en París. En 1929 emigró a Estados Unidos y trabajó como actor secundario en "Sin novedad en el frente" y luego como ayudante de dirección, hasta que filma en México el documental "Redes" ( 1934). Para la MGM, supervisa 18 cortometrajes y durante los años cuarenta filma ocho largometrajes de interés, entre los cuales destacan : "La séptima cruz" ("The Seventh Cross", 1944); "y "Los Angeles Perdidos" ("The Search", 1948), donde debutan Montgomery Clift y el niño Ivan Jandl. Su carrera posterior, resalta por un western maestro ( "A la hora señalada"/"Sólo ante el peligro"/"High Noon", 1952); singulares melodramas ("The Men", 1950, donde debuta Marlon Brando; "Teresa", 1951; "De Aquí a la Eternidad"/"From Here to Eternity", 1953; "Julia", 1977 ); musicales de excepción  ("Oklahoma!", 1955) y filmes épicos ("Un hombre de todas las estaciones"/"Un hombre para la eternidad"/"A Man all seasons", 1966).  

Preston Sturges. ( 1898-1959). Guionista desde 1930, se sentía eclécticamente motivado por el mundo del Cine. "Dramatizó la obra de época de la Paramount "Si yo fuera Rey" ("If I Were a King", 1938) y la comedia de enredos de la Paramount "Una chica afortunada" ("Easy Living", 1937) y para la Fox , "El Poder y la Gloria" ("The Power and the Glory", 1933), trabajo que en cierta manera, allanó el camino de "Ciudadano Kane". Escribía tan bien que, a finales de los años treinta del siglo XX, decidió convertirse no únicamente en el autor de los guiones, sino también en el autor de las películas, y le dijo a la Paramount que no cobraría nada si le dejaban dirigir su guión de: "The Great McGinty" ( 1940). La Paramount estuvo de acuerdo, y el filme fue un éxito, iniciando una obra que nos dió siete filmes en cinco años : "The Great McGinty"; "Navidades en Julio" ("Christmas in July", 1940); "Las tres noches de Eva" ("The Lady Eve", 1941); "Por meterse a redentor" /"Los viajes de Sullivan" ("Sullivans"s Travels", 1941); "Un marido rico" ("The Palm Beach Story", 1942); "The Milagro of Morgan"s Creek", (1944) y "Hail the Conquering Hero" ( 1944). Todas obras mayores de su mejor etapa.    

Tod Browning. (1880-1962). Uno de los pioneros del cine de terror y fantástico en el cine. Provenía del circo y en 1912 pasó al cine, contratado como actor por la Biograph. Fue ayudante de dirección de Griffith, en "Intolerancia" ( 1916) y trabajó como guionista de Douglas Fairbanks y Dorothy Gish. Desde 1917, se dedica a la dirección y no será hasta 1925, con la magnífica : "El trío fantástico", que logrará un gran éxito y la temática por la que se le reconocerá, su especial adicción a contar relatos extravagantes, llenos de suspenso y terror. Imperdibles para el espectador iniciado son las películas : "Drácula" ( 1931); "Freaks" ( 1932) y "Muñecos Infernales" ("The Devil Doll", 1936).  

Kaneto Shindo. (1912-2012). Se inició en el cine como escenógrafo en 1934, y fue ayudante de Kenji Mizoguchi, aunque también se destacó como un ingenioso guionista. Su película más célebre, es: "La Isla desnuda" ( 1961), aunque tiene mayores méritos estilísticos la claustrofóbica y terrorífica "Onibaba" ( 1964). Se mantuvo activo hasta el final de sus días, completado 45 créditos como realizador. "Siempre a tu lado" con Richard Gere, es una remake de uno de sus guiones más famosos.

Gordon Parks. (1912-2006). Desde los asientos de los cines norteamericanos, detestó como se trataba a la gente de color en Estados Unidos, lo que le incentivó a dirigir películas para cambiar esa triste mirada segregacionista. Si bien partió como fotógrafo, en 1948 se convirtió en el primer reportero gráfico de color de la revista "Life", medio en el cual trabajó durante veinte años, obteniendo distintos premios por su magnífica labor. Después de asistir al rodaje de "Stromboli" ( 1950) de Rosellini, Parks comenzó a interesarse profesionalmente por el Cine. Las complejidades multirraciales de su tiempo, le llevaron a sobrevivir como escritor, director de televisión y reportero gráfico. Su debut, fue en 1969, con "The learning tree", animado por John Cassavetes y basado en sus propias experiencias autobiográficas. Tras lo cual, llegó su primer gran éxito comercial : "Shaft" ( 1971), un thriller policial emblemático que trasladaba el mito del detective privado a lo Bogart a las calles del Harlem de color. Más tarde, rodó : "Shaft big Score! ( 1972) secuela de la anterior y "The Super Cops" ( 1974), sobre la corrupción y la lucha de dos honrados policías blancos en Nueva York. Su obra más ambiciosa fue, sin embargo, "Leadbelly" ( 1976), biografía del cantante negro de country-blues que fue considerada por "Los Angeles Times" "como una de las mejores películas de todos los tiempos". 

Andrei Tarkovsky.( 1932-1986). Uno de los genios más significativos del cine, que redescubrió el valor simbólico de la imagen y capturó "la vida como un reflejo, como un sueño". Su primer largometraje le supuso un éxito imediato. En efecto, "La Infancia de Iván" ( 1962), que se adjudicó el León de Oro en Venecia, le anima a escribir con Andrei Konchalovsky, "Andrei Rublev" ( 1966), mal comprendida obra maestra. Sus siguientes películas, se caracterizan por integrar un lirismo arrebatador, con un gran sentido plástico, capaz de reflexionar sobre la realidad, sin dejar de lado un impresionismo simbólico, que tiene distintas lecturas. "Solaris" ( 1972); "El Espejo" ( 1975); "Stalker" ( 1979); "Nostalgia" ( 1983) y "El Sacrificio" ( 1986) y que vienen a reafirmar un estilo siempre original y embriagador. 

Auguste Lumiere ( 1862-1954). Junto con su hermano Louis Lumiere, considerados los padres fundadores del cinema. Ellos hicieron la primera proyección pública en París, un 28 de diciembre de 1895. Casi 119 años atrás.

Akira Kurosawa. (1910-1998). El más occidental de los realizadores japoneses, es también el más "sabio, desmesurado y genial", cuya temática universal, versa sobre el eterno conflicto entre el mundo antiguo y el moderno, entre lo tradicional y lo contemporáneo. Su cine es reflejo de los períodos más complejos por los que atraviesa la cultura japonesa. "Si Vivir ( 1952) es dueña de un gran intimismo, películas como "Los siete samurai" ( 1954) o "Rashomon" (1950), prueban que el dominio del director sobre los mecanismos del cine de acción, está templado por muchas y muy bien asimiladas lecciones del western. "Kagemusha" ( 1980) y "Ran" ( 1985), por su parte, son solemnes ceremoniales dramáticos que progresan en función de una liturgia densa, coral, pesimista e ingrávida. En cualquier caso, nunca está ausente de la puesta en escena su notable manejo de la acción física. De todos los cineastas que han hecho profesión de fé en el montaje, Kurosawa quizás sea quien ha ido más lejos trabajando en la recuperación de las percepciones de la integridad y continuidad espacial que están, como diría Bazin, en la ontología del Cine".

Ingmar Bergman. (1918-2007). Un cineasta que ha impactado en la cultura moderna, a través de una cinematografía que, con planteamientos metafísicos y sicológicos, penetra en las grandes interrogantes acerca de la condición humana : su problemática dependencia de un mundo sobrenatural, su sed de absoluto, su soledad, egoísmo y cobardía. "Varias de sus películas más famosas, fueron trabajadas con referencias a un simbolismo teologal, como : "El séptimo sello" ( 1956), o sicoanalítico , como "Fresas salvajes" ( 1957). Con "Persona" ( 1966) salta desde éstas interrogantes, hasta las dimensiones infranqueables del ser, inaugurando así, un nuevo proceso creativo para detenerse en: "Fanny & Alexander" ( 1982), donde no sólo retrocederá hacia temas más tranquilizadores, sino que también ajustará cuentas consoladoramente , con su propia biografía, alterada para el optimismo".  

James Whale. (1889-1957). Extraordinario cineasta norteamericano, que amplió las ramificaciones de las mitologías del terror para integrarle las nutrientes del sexo, la filosofía existencialista y la ambigüedad con una ironía y sarcasmo sólo atribuíble a sus mejores obras : Frankenstein" ( 1931) ; "El hombre invisible" ("The Invisible Man", 1933);  ("La Novia de Frankenstein" ( "The bride of Frankentsein", 1935) y "El hombre de la máscara de hierro" ("The man in the iron mask", 1939).  

Erich von Stromheim. (1885-1957). Sus estudiosos afirman que, si existe un cine de la crueldad, él es su único inventor. "Colaborador y actor en las obras de Griffith, creador de una de las filmografías más castigadas por los productores y cineasta que dejó la dirección en los comienzos del sonoro - su última película es de 1933- para entregar en adelante sólo actuaciones memorables , como las de: "La Gran Ilusión" ( 1937) y "El ocaso de una vida" ( 1950)". Fue le primer cineasta maldito de la historia, cuya crudeza y ferocidad moral resultaban indignantes para su época. Obras maestras : "Esposas frívolas" ("Foolish wives", 1921); "Avaricia" ("Greed" , 1924); "La Marcha Nupcial" ("The wedding march", 1927) y "La Reina Kelly" ("Queen Kelly", 1928).

Josef von Sternberg. (1894-1969). "Maestro del barroco cinematográfico, injustamente asociado al éxito de Marlene Dietrich, cuando debieran lógicamente invertirse los términos, es una de las personalidades más fuertes de la historia del cine". Finalizada la Gran Guerra, viaja por Europa, trabaja en distintas producciones y se instala en Hollywood, debutando como director en 1925 con "The salvation Hunters", que escribe, produce y dirige por cinco mil dólares de la época. Desde este debut y hasta 1953 dirigirá 25 películas, entre las que destacan : " Underwold" ( 1927); "La última orden" ( "The last command", 1928); "Los muelles de Nueva York" ("The dooks of New York", 1928); ""El Angel Azul" ( 1930); "Marruecos" ("Morocco", 1930); "Fatalidad" ( Dishonored", 1931); "El Expreso de Shangai" ( "The Shangai Express"; 1932); "La Venus Rubia" ( "The Blonde Venus", 1932); "Capricho Imperial" ("The Scarlet Express"); "Tu nombre es tentación" ("The devil is a woman", 1935); "Crimen y Castigo" ("Crime and Punishment", 1935) y "Jet Pilot" ( 1950).

Charles Laughton. (1899-1962). Gran actor inglés, que debuta en los años veinte como actor de teatro y en 1928 en el cine, para componer principalmente personajes desmesurados, debido a su corpulencia y gran expresividad.  Se hace famoso por "La vida privada de Enrique VIII" ("The private life of Henry VIII", 1933) con la que gana un Oscar; "La Isla de las almas perdidas" ("The island of lost souls", 1933);  "Los Miserables" ( "Les Miserables", 1935); "Motín a bordo" ( Mutiny on the Bounty", 1935) y "El jorobado de Notre dame" ( 1939); entre otras. Su única película como director, le consagra para siempre. Se trata de la fábula infantil " La Noche del Cazador" ( "The night of the hunter", 1955), un feroz cuento de iniciación " cuya imaginería visual - el expresionismo de fuertes contrastes, los escenarios de cartón piedra, las posiciones de cámara- pertenece a la visión de un niño", donde coexisten el Bien y el Mal.   

Yasujiro Ozu. (1903-1963). El gran tema de las películas de este singular realizador japonés, es el ciclo de la vida, "la circularidad que, junto con hacerlo todo efímero, lo vuelve también recurrente". Su estilo radical, subraya las tomas a la altura de un sujeto sentado en posición del loto, saltándose el raccord del contracampo, y utilizando los planos medios frontales, generalmente sobre espacios vacios y con un uso frecuente de las elipsis. De todas sus películas, las más famosas las dirige en los años cincuenta, como : "Viaje a Tokio"/"Cuentos de Tokio" ( 1953); "Crepúsculo en Tokio" ( 1957); "Las hierbas flotantes" ( 1959) y "Flores de Equinoccio" ( 1958), "desdramatizadas historias de familias japonesas amenazadas por la rápida evolución de las costumbres debida a la presencia norteamericana". 

Jean Renoir. (1894-1979). Probablemente, el cine francés más vitalista de comienzos del sonoro, está en la obra de Renoir, hijo del célebre pintor impresionista. Su alegría de rodar transmitía una fuerza avasalladora y contagiosa, que transformaba en piezas de culto, películas emblemáticas de su carrera como : "Boudú salvado de las aguas" (1932); "Toni" ( 1934); "El crimen de M. Lange" ( 1935); "Los bajos fondos" ( 1936) y "La Regla del Juego" ( 1939). Sus grandes obras de madurez, serán : "El Río" ("The River", 1950), rodada en la India y de una belleza plástica arrebatadora; "La Carroza de Oro" ( 1952); y "Elena y los hombres" (1956).

Melvin Van Peebles. (n.1932). Como otros aspirantes a director de raza de color, intentó mostrarles tres de sus cortos a los magnates del cine americano en 1964, pero le respondieron ofreciéndole trabajo como ascensorista o encargado del packing de los estudios. Su esfuerzo personal, le hizo rodar "La Permission" ( 1967), que se exhibió con gran éxito, en el Festival de Cine de San Francisco. Su carrera posterior, está caracterizada por su ardiente lucha contra el racismo y la apología de la violencia. Valiosos son sus filmes : "Watermelon Man" ( 1970) con Godfrey Cambridge y Estelle Parsons, sobre un hombre blanco racista , que despierta un día, convertido en un ser de color para desdicha de su sufrida esposa; "Sweet  Sweetbacks"s Baadasssss Song" ( 1971), un thriller sobre policías racistas y los panteras negras de la época de las reinvindicaciones sociales; "Don"t Play Us Cheap" ( 1973), basada en una de sus obras musicales de Broadway; y "Le Conte du ventre plain" ( 2000), que revive algunos de los movimientos políticos y sociales, ahora en la Francia de los años sesenta.

Leo McCarey.( 1896-1969). En la foto con los actores Irene Dunne y Cary Grant. Sus biógrafos destacan que : "Desde 1926 escribió docenas de libretos para el productor Hal Roach y para los cómicos Charley Chase, Harry Langdon, Laurel & Hardy; después comenzó a dirigir comedias para Eddie Cantor, Charlie Ruggles, Los Hermanos Marxs, Harold Lloyd. Su carrera comenzó a brillar con luces propias como realizador, desde "La pícara puritana" ( "The awful truth", 1937) y en la producción, "Mi mujer favorita" ( "Love Affair", 1940), dos comedias deliberadamente anárquicas con Irene Dunne, que integraron uno de los brillantes momentos del género en la época. Sin embargo, también coexisten en su interés, los relatos melodramáticos como: "Las Campanas de Santa María" ("The Bells of St. Mary"s, 1945) y "My son John" ( 1953), románticos en la línea de: "Un día para recordar" ("An Affair to remember" , 1957), aunque también es famosa la comedia "Siguiendo mi camino" ("Going My Way", 1943).   

Cecil B.De Mille. (1881-1959). Realizador más bien ecléctico, supo pasar con gran desenvoltura de un género a otro, para demostrar siempre un agudo sentido del espectáculo. Es el paradigma de las superproducciones, entendidas como espectáculos de masas, con grandes decorados, miles de extras y la incorporación de superestrellas en elencos numerosos. Entre los filmes más característicos de su filmografía se cuentan : "Los 10 Mandamientos ( 1923 y 1956); "Rey de Reyes" ( 1927); "Cleopatra" ( 1934) ; "Las Cruzadas" ( 1935); "Buffallo Bill" ( "The Plainsman", 1936); "Union Pacífico" ( 1940); "Los Inconquistables" ("The Unconquered", 1947); "Sansón y Dalila" ( 1949) y "El Espectáculo más grande del Mundo" ( 1952).

Walt Disney. ( 1901-1966). Si algo grandiosa tiene la obra de este productor, director y dibujante norteamericano, es su accesible búsqueda del perfeccionamiento técnico y refinado estilístico, su encomiable mirada al universo de los cuentos europeos transformados en magia y diversión; y su decidida manera de adelantar muchos de los avances de la Ciencia y del marketing publicitario, a través de sus ferias de la entretención. En Disney se conjugan, el placer por el trabajo minucioso, el valor de la ecología y la monumental forma de transformar, el espíritu de los viejos cuentistas en acerbo cultural mediático propio del lenguaje universal. Obras maestras absolutas : "Blancanieves y los siete enanitos" ( 1937); "Pinocho" ( 1939); "Fantasía" ( 1941); "Bambi" ( 1942); "La Cenicienta" ( 1950); "Alicia en el país de las maravillas" ( 1951); "Peter Pan" ( 1953); "La dama y el vagabundo" ( 1955); "La bella durmiente" y "Mary Poppins" ( 1964), a su modo, piezas singulares del cine fantástico y animado.    

Jacques Tourneaur. (1904-1977). " Propietario de una filmografía salpicada de títulos inquietantes, como: "La marca de la pantera" ( "Cat people", 1942); "Caminé con un zombie" (" I walked with a zombie", 1943) o "El gran día en la mañana" ("Great day in the morning", 1956), invirtió toda la inspiración de una rara sensibilidad obsesionada con la idea del tiempo, y toda la de un género próximo al existencialismo, en la ejecución de una obra maestra "Traidora y Mortal" ("Out of the past", 1947)".

Blake Edwards. (1932-2010). Maestro de la comedia destructiva, en alusión al mecanismo de los dibujos animados de la Warner, y de la comedia bufa de tortazos y persecuciones, revitalizó el género con una mirada siempre colérica y aplastantemente divertida. Sus obras maestras, reflejan el ingenio, el humor y la vitalidad de un cine siempre interesante y atractivo. Debe su mayor éxito comercial, a la saga de "La Pantera Rosa" ("The Pink Panther", 1964), aunque tiene obras valiosas como: la comedia romántica "Muñequita de lujo" ("Beakfast at Tifanny"s , 1961); un magnífico drama sobre el alcoholismo, "Días de vino y rosas" ("Days of Wine and Roses", 1962); una comedia loca, "La Fiesta Inolvidable" ("The Party", 1968); y una comedia sexual capaz de expurgar los traumas de una sociedad que castiga la castidad como en la novedosa: "10: La Mujer Perfecta" ( 1979).

Clarence Brown. (1890-1987). Estudió la carrera de Ingeniero Mecánico y Electricista, y se decidió finalmente por el Cine, cuando entró como auxiliar del realizador Maurice Torneaur, con quien estuvo trabajando durante seis años. Abandona la mecánica y el pilotaje de aviones por la dirección, y debuta con "La copa misteriosa" ("The light in the dark", 1922), después de ayudar a Torneaur a terminar el rodaje de "El último de los mohicanos" ("The last mohicans", 1920). Tras el éxito de varias de sus primeras producciones,  como "El Aguila Negra" ("The Eagle", 1925) con Rodolfo Valentino, firma un contrato con los estudios MGM, estudio para el cual haría todo el resto de su carrera, hasta su retiro en 1953. "Especializado en melodramas, comedias sentimentales y crónicas familiares ambientadas en un medio rural, sus repetidos éxitos lo convierten en el realizador favorito del productor Louis B.Mayer, lo que le permite tener un control absoluto sobre sus películas y desarrollar un eficaz estilo propio". Entre sus películas más características, se cuentan : "Anna Karenina" ( 1935); "María Waleska" ("Conquest", 1937); "Edison , el hombre" ("Edison the Man", 1940); "Las blancas colinas de Dover" ("The White Cliffs of Dover", 1944); "National Velvet" ( 1944); "El Despertar" ("The Yearling", 1946) e "Intruso en el polvo" ("Intruder in the Dust", 1949). 

Delmer Daves. (1904-1977). Licenciado en Derecho de la Universidad de Standford, se convierte en actor teatral en la década de los años veinte, y en guionista del cine en los años treinta, debutando en la dirección con el drama bélico "Destination : Tokyo" ( 1943), que explora en el lado humano de unos soldados a bordo de un submarino. Su carrera comprende treinta largometrajes hasta "La Batlla de Villa Fiorita" ("The battle of the Villa Fiorita", 1965) un melodrama con tintes humorísticos. Su reputación, sin embargo, está contenida en un puñado de notables westerns que rodó durante los años cincuenta, y que comprende títulos valiosos como : "Flecha Rota" ("Broken Arrow", 1950); "Return of the Texan" ( 1952); "Tambores de guerra" ("Drum Beat", 1954); "Jubal" ( 1956); "The last train " ( 1956); "El tren de las 3:10 a Yuma" ("3:10 to Yuma", 1957); "The Bandlanders" ( 1958) y "El árbol del ahorcado" ("The Hanging Tree", 1959). Sus últimas películas son también escritas por él, y reflejan algunos de sus aciertos en la comedia romántica y sentimental como en: "Parrish" ( 1961); y "Una aventura en Roma" ("Rome Adventure", 1962).

Henry King. (1886-1982). Trabajó en teatros y circos por más de diez años. Comenzó como actor para la empresa Lubin. Pathé le hizo estrella y luego director. Durante su extensa carrera como realizador, filmó más de 100 películas, la mayoría de ellas para la 20th Century Fox, y en especial para el productor Darryl F.Zanuck. En la larga lista de sus películas mayores, se destacan : "La Canción de Bernardita" ("The Song of Bernardette", 1943); , "El Príncipe de los Zorros" ("Prince of Foxes", 1949); "Las nieves del Kilimanjaro" ("The Snows of Kilimanjaro", 1952); "El amor es algo esplendoroso"/"Angustia de un Querer" ("Love is a many splendored thing", 1955) y "Tierna es la noche" ("Tender is the night", 1961). La vitalidad de su cine no fue más que un reflejo de su propia vida : hasta los 94 años jugó golf y piloteó su avión deportivo, convirtiéndose así, en el piloto más antiguo en la historia de la aviación civil norteamericana.

Gregory La Cava. (1892-1952). Fue uno de los pioneros del la animación junto a Walter Lantz. Editor internacional de la "Comic Film Division", accede al cine como director de cortos animados en 1920. Especialista en comedias mundanas, trabajó bajo el alero de los estudios "Paramount", donde desarrolló un estilo que se caracteriza por el constante "enfrentamiento entre personajes de diferentes clases sociales". Entre sus filmes más significativos hay que considerar : "Al servicio de las damas" ("My man Godfrey", 1936) ; "Stage Door" ( 1937); "La Muchacha de la Quinta Avenida" ("Fifth Avenue Girl, 1939) y "Living in a Big Way" ( 1947), la última de sus 35 películas. 

George Sidney. (1916-2002). Heredero directo de las tradiciones musicales cinematográficas de Busby Berkeley y Vincente Minelli, no sólo era un artesano eficaz que sabía narrar visualmente. Su cine con un fuerte apego al "Technicolor", a los números de "music hall" y a los grandes escenarios, tuvo en "Leven Anclas" ( "Anchors Aweigh", 1945), una de sus máximas expresiones. El número cantando por Frank Sinatra "I fall in love too easity", alcanzó rápidamente la popularidad, así como hoy, la histórica secuencia en que Gene Kelly baila con el célebre ratón Jerry. 
Sidney podía ser un director versátil condicionado a un gusto estético, siguiendo los patrones de la "Unidad Freed" en MGM. De sus películas más características, hay que considerar : "Los Tres Mosqueteros" ( 1948); "Annie, la Reina del Circo" ("Annie Get Your Gun", 1950); "Magnolia" ("Show boat", 1951); "Bésame Catalina" ("Kiss Me Kate", 1953); "Pal Joey" ( 1957); "Pepe" ( 1960) y "Bye Bye Birdie" ( 1963). Una de nuestras películas favoritas es: "Melodía Inmortal" ("The Eddie Duchin Story", 1956), un entrañable melodrama romántico, remarcado por las melodías de Eddie Duchin, con Tyrone Power. 

Frank Lloyd. ( 1886-1960). "Estaba en Hollywood desde 1913 y gozaba de una sólida fama cuando llegó al cine sonoro. Desde entonces su mejor línea fue el filme de época, realizado en términos de superproducción con espectáculo y multitudes, pero también con un firme sentido dramático : "Cabalgata" ("Cavalcade"; 1933), "La Plaza de Berkeley" ("Berkeley Square", 1933), "Motín a bordo" ("Mutiny in the Bounty", 1935), "La doncella de Salem" ("Maid of Salem", 1937), "Si yo fuera rey" ("If I Were King", 1938). Dependió mucho de productores, pero cuando él mismo se dedicó a la producción, comenzó a caer sin pausas". 

Henry Hathaway. ( 1898-1985). Su madre era una actriz de teatro y su padre, un empresario del espectáculo, por lo que fue fácil, que se familiarizara con la farándula, en una época en que Hollywood respiraba esplendor a todo nivel. Por descendencia, Hathaway era marqués, título que heredó de su abuelo, a quien le fue conferido por el rey de Bélgica a mediados del siglo XIX. Actor infantil, protegido de Allan Dwan, desempeñó varios oficios en los estudios, antes de convertirse en realizador, en 1932 con el filme : "Herencia del desierto" /"El legado de la estepa", un western protagonizado por Randolph Scott. Generalmente se identifica a Hathaway con el cine de aventuras, terreno en el cual se movió en verdad, con gran naturalidad y talento. Algunos de los más destacados títulos de su filmografía, deben considerar: "Tres lanceros de Bengala" (" The lives of Bengal Lancer", 1935); "El beso de la muerte" ("Kiss of death", 1947); "Niágara" ( 1953) con Marilyn Monroe; "Furia de Alaska" ( North to Alaska"; 1960); "Los hijos de Katie Elder" ("The Sons of Katie Elder", 1965) y "Nevada Smith" ( 1966). Una de sus películas de los años treinta: "Sueño de amor eterno" ("Peter Ibbetson", 1935), fue venerada por los surrealistas, y hoy es considerada como un título sagrado de la historia del cine parlante.

Lloyd Bacon. (1889-1955). Debutó en la dirección en 1922, y se mantuvo activo hasta 1954. Filmó 128 películas, casi siempre para la Warner, donde resaltó por su pericia narrativa y su versatilidad para abordar distintos géneros, especialmente : comedias mundanas ("Mrs. Pirkenton", 1932); musicales de excepción ("La Calle 42", 1932; "Footlight Parade", 1933; "Gold Diggers of 1937" , 1936 ); thrillers y películas de acción ( "Picture Snatcher", 1932; "Frisco Kid", 1935), la mayoría interpretadas por el actor James Cagney. 

Charles Walters. ( 1911-1982). En la foto con la actriz Grace Kelly en "Alta Sociedad". Actor, bailarín, coreógrafo, guionista y director del cine norteamericano, educado en la Universidad de San José en California. Debutó en la dirección, luego de haber supervisado las escenas musicales de: "La Rueda de la Fortuna" ("Meet Me in Saint Louis") y "Summer Holiday", con la película corta : "Spreadin"the Jam" ( 1945), un musical de jazz. Y en los terrenos del largometraje, con "Good News" ( 1947), una comedia musical de ambiente estudiantil muy energizante y vitalista. De sus demás trabajos, es imprescindible conocer : "Easter Parade" ( 1948), un maravilloso musical navideño con Judy Garland y Fred Astaire; "Vuelve a mi lado" ("The Barkleys of Broadway", 1949), la comedia que marcó el reencuentro después de diez años de la pareja Fred Astaire y Ginger Rogers; "Lili" ( 1953) con la inolvidable Leslie Caron y "Alta Sociedad" ("High Society", 1956), refinada comedia musical con Bing Crosby, Grace Kelly y Frank Sinatra.  

Richard Quine. (1920-1989). Siguiendo la tradición familiar, a los once años debuta como actor de teatro y hace su primera película en 1933, manteniendo una carrera como intérprete, hasta 1950. Desde inicios de los cincuenta, dirige siete comedias de bajo presupuesto para los estudios "Columbia", que lo sitúan entre los más eficientes directores adictos a la comedia de situaciones. Sin dejar de producir, escribir y dirigir con Blake Edwards, consigue un estilo singular, que se frena violentamente en los sesenta, debido a sucesivos fracasos financieros. Entre sus películas más destacadas figuran : "Pushover" ( 1954); ""Mi hermana Elena" ("My sister Eileen", 1955); "Un cadillac de oro puro" ("The Solid Gold Cadillac", 1956); "Bell, Book and Candle" ( 1958); "La Misteriosa dama de negro" ("The Notorius Landlady", 1962); "Sex and the single girl" ( 1964) y "Como asesinar a su esposa" (" How to Murder Your Wife",1965), la mayoría interpretadas por Jack Lemmon y Kim Novak. 

Robert Altman. (1925-2006). Educado por los jesuitas, luego de diplomarse en Matemáticas, ingresa en la "Wentworth Military Academy", y pilotea un bombardero en Borneo al final de la Segunda Guerra Mundial. En la posguerra tras pasar por varios oficios en Nueva York, se instala en Hollywood, aunque sólo consigue vender algunas historias en los estudios RKO. De regreso a Kansas, su ciudad natal, se dedica en los años cincuenta a efectuar spots publicitarios y documentales industriales, con los que financia sus primeras películas : "The delincuents" ( 1957) y "The James Dean Story" ( 1957), con los que pasa a la televisión. Tras largos años como productor en su propia compañía "Lion"s Gate Films", inicia su carrera como realizador en 1968, para convertirse en uno de los directores independientes más famosos de los años 70 al 90. Entre sus películas más características, donde depura un estilo personal y forma un equipo de colaboradores habituales, están : "M.A.S.H." ( 1970); "El volar es para los pájaros" ("Brewster McCloud", 1970); "El largo adiós" ("The Long Goodbye", 1973); "Nashville" ( 1975); "Buffalo Bill y los indios" ("Buffalo Bill and the indians or sitting bull"s story lesson", 1976); "Tres Mujeres" ("Three women", 1977); "Día de boda" ( "A Wedding", 1978); "Popeye" ( 1980); "Vincent & Theo" ( 1990); "El Pez Gordo" ( "The Player", 1992); "Pret a porter" ( 1994); "El doctor y las mujeres" ( 2000) y "Godford Park : Crimen de medianoche" ("Godford Park", 2001).

Sam Fuller. (1912-1997). Ex-reportero policial, escritor desde 1926 y cineasta desde 1948, ha cruzado por todos los frentes del cine de acción, colocando la cámara en el lugar preciso, relatando historias que llegan a la piedad por la vía de la violencia y desatando el lirismo en medio de la odisea, dura y oscura de nuestros días. Delincuentes y policías, soldados y vaqueros, dementes y aventureros, componen su mundo de riesgo y enfrentamiento. Le obsesionaron la guerra y el hampa, y todas las situaciones desesperadas donde a un hombre se le obliga a defenderse contra viento y marea. En la mayoría de sus filmes emblemáticos como : "Bayonetas caladas" ("Fixed Bayonets!, 1951); La Casa del sol naciente" ("House of Bambu", 1955); "La Ley del hampa" ( "Underworld U.S.A.", 1960); "Delirio de Pasiones" (" Shock Corridor", 1963), "El Beso Amargo" ("The Naked Kiss", 1964) y "Más allá de la gloria" ( "The Biog Red One", 1980), "Fuller expone códigos de conductas que suponen permanente decisión y arrojo".

Fritz Lang. (1890-1976). Considerado uno de los máximos representantes del expresionismo cinematográfico alemán. Se inició como guionista de la UFA en 1916 , y como director tres años más tarde, revelándose como un gran narrador por "Las tres luces" ( 1921); "El doctor Mabuse" ( 1922) y "Los Nibelungos" ( 1924). Sin embargo, su filme más característico del mudo, sigue siendo :"Metrópolis" ( 1926), una monumental película de ciencia ficción que retrata una sociedad del siglo XXI, donde el hombre está totalmente mecanizado. La mítica cinta ocupó ocho actores principales, 750 secundarios, 25 mil extras masculinos y 11 mil femeninos, 100 mil personas calvas, 750 niños, 100 negros y 25 chinos, según la publicidad de la época. Sus siguientes películas : "M, el Vampiro de Dusseldorf ( 1931) y "El Testamento del Doctor Mabuse" ( 1932) cimentaron una carrera gloriosa que terminó en el autoexilio, tras la llegada al poder de Hitler. Radicado en Estados Unidos, rodó la magnífica "Furia" ( 1936) relato acerca de un linchamiento; y las estupendas : "Sólo se vive una vez" ("You Only live One", 1937); "El Regreso de Frank James" ("The Return of Frank James", 1940); "Western Union" ( 1941); "La mujer del cuadro" ("The Woman in the widow", 1944); "Perversidad"/ "La calle escarlata" ("Scarlet Street", 1945); "Secreto tras la puerta" ("Secret Beyond the door", 1948); "Rancho Notorius" ( 1952); "The Big Heat" ( 1952); "Moonfleet" ( 1955) y "Mientras la ciudad duerme" ( White the City Sleps", 1956), que demostró su particular estilo expresionista en relatos policiales, melodramas y westerns. Acerca de su cine, Lang señaló en una ocasión : "La lucha del individuo contra el destino quizás sea la base de todos mis films; el combate del hombre contra una violencia ejercida desde arriba, superior a sus fuerzas: sea la violencia de una injusticia aceptada por todo el mundo, sea la violencia de una sociedad, autoridad o de una organización corrompidas". 

Douglas Sirk.  (1897-1987). En la foto con la actriz Lana Turner, en el rodaje de: "Imitación de la vida". Después de brillantes estudios universitarios en Derecho, Filosofía e Historia del Arte, este director alemán, hijo de padres daneses, se dedicó a dirigir obras de teatro. En 1937 frente al avance del nazismo, emigró a Estados Unidos donde comenzó a dirigir filmes de bajo presupuesto. En la década de los años cincuenta, se convirtió en autor de los más brillantes melodramas románticos del cine estadounidense. Entre 1951 y 1957 trabajó con el actor Rock Hudson en nueve películas, entre las cuales destacan : "Magnífica Obsesión" ("Magnificent Obsession", 1954); "Lo que el Cielo nos da" ("All That Heaven Allows", 1955); "Palabras al Viento" ("Written on the wind"; 1956); "Himno de Batalla" ("Battle Hymn", 1957) e "Imitacion de la vida" ("Imitation of Life", 1960), todas obras clásicas de gran belleza estética y abigarrada narratividad. Hizo 36 largometrajes entre 1935 y 1959.

William Wyler. (1902-1981). Fue uno de los más grandes directores de la época del "star system" en Hollywood. Capaz de transformar mediocres guiones en grandes películas, y un director de actores por excelencia. Señalan sus biógrafos : "Contaba con 28 films del Oeste y varias comedias triviales cuando el cine sonoro le dio sus primeras oportunidades importantes. Desde 1936, cuando comenzó su vinculación con el productor Samuel Goldwyn, se especializó en la adaptación de novelas y piezas teatrales como : "These Three" ( 1936); "Dodsworth" ( 1936);  "Come and Get It! ( 1936) ; Dead End" ( 1937); "Jezabel" ( 1938); "Cumbres Borrascosas" ("Wuthering Heights", 1939); "La Carta" ("The Letter", 1939) y "La Loba" ("The little Foxes", 1940). En esa serie que incluye dos títulos de producción Warner, el director impuso algunos rasgos propios: la limpieza para mostrar posiciones opuestas de distintos personajes, la objetividad para definir sicologías y actitudes, y sus conflictos sin artificios nimios; y el uso intencionado de la luz y de los elementos escenográficos sin violentar la naturalidad del relato. A él se deben también, obras posteriores como : "Carrie" ( 1952); "La Princesa que quería vivir" ("Roman Holiday", 1953); "Horas desesperadas" ("The desperate hours", 1955); "La Gran Tentación" (" Friendly Persuasion", 1956); "Horizontes de Grandeza" ("The Big Country", 1958); "Ben Hur" ( 1959); "La hora de los niños" ( "The Children"s hour", 1962); "El Coleccionista" ("The Collector", 1965) y "Funny Girl" ( 1968).       

King Vidor. (1894-1982). Revalorizado conforme el tiempo, Vidor fue un cineasta proclive a mostrar los conflictos entre el hombre humilde y la sociedad todopoderosa. Cineasta maldito al ser incomprendido por los productores, se mantuvo en la industria pese a renegar de ella, luego de probar las mieles del éxito con una productora formada junto a su padre. Uno de sus temas predilectos como señalan los críticos, fue "el castigo a la debilidad del orgullo, que está siempre presente en sus películas, se trate de las trincheras de la Primera Guerra Mundial en "El gran desfile" ("The Great Parade", 1925); o del tórrido romance prohibido en "Duelo al sol" ("Duel in the sun", 1947), o los torvos financistas en "El Manantial" (" The Fountainhead", 1952), o de la arrebatadora pasión que preside La furia del deseo" ("Ruby Gentry", 1952), por sólo nombrar las obras maestras mejor conocidas de su filmografía". También dirigió : "La Multitud" ("The Crow", 1928); "Hallelujah" ( 1929); "La calle" ("Street Scene", 1931); "El Campeón" ("The Champ", 1931); "El pan nuestro de cada día" ("Our Daily Brad", 1934); "Stella Dallas" ( 1937); "La Ciudadela" ( The Citadel", 1938); "Un romance americano" ("An American Romance", 1944); "Más allá del bosque" ("Beyond the forest", 1949); La Guerra y la Paz" ("War and Peace"; 1956) y "Salomón y la Reina de Saba" ("Salomon and Sheba", 1959).

Ernst Lubistch. (1892-1947). Junto a otros directores emigrantes en Hollywood, instauró la idea de que el "Rey de una película" no eran los astros y estrellas, sino el director. Partió en Alemania y en el cine mudo americano había probado todos los géneros, aunque en el sonoro se especializó en la comedia sofisticada "explotando amables confusiones, insinuando picardías sexuales que eran insólitas para la época e inventando eficaces recursos visuales para concentrar situaciones, que otros realizadores expresaban con diálogos". "Una hora contigo" ("One hour with you", 1932); "Un ladrón en la alcoba" ("Trouble in Paradise", 1932); "Si yo tuviera un millón" ("If I had a million", 1932); "Rumbos de Vida"/"Una mujer para dos" (" Design for living", 1933); "Angel" ( 1937); "La octava esposa de Barba Azul" ("Bluebeard"s Eidght Wife", 1938); "Ninotchka" ( 1939) y "El bazar de las sorpresas" ( "The shop around the corner", 1940), son sus películas más características.

Norman Taurog. (1899-1981). Es uno de los representantes más típicos de los artesanos de Hollywood, que ejecutaba con simétrica cronometría la fórmula del cine comercial de buenas intenciones. Si bien su carrera está plagada de películas por encargo, no es menos justo atribuírle a Taurog, los resultados asombrosos conseguidos en : "Las Aventuras de Tom Sawyer" ("The adventures of Tom Sawyer", 1938); "Con los brazos abiertos" ("Boys Town", 1938) y el biopic de "El joven Edison" ("Young Tom Edison", 1940); más algunas comedias afortunadas del tándem Jerry Lewis- Dean Martin como: "The Caddy" ( 1953) y "Partners" ( 1956). Ya veterano, rodó nueve películas para mayor gloria del cantante y actor Elvis Presley, como : "Blue Hawai! ( 1961); "Chicas, chicas, chicas" ("Girls, girls, girls", 1962) y "Vivir un poco, amar un poco" ("Live a little, love a little", 1968). 

Robert Aldrich. (1918-1983).  Procede de una acaudalada familia de políticos y financieros, estudió Ciencias Económicas en la Universidad de Virginia, después de haberse diplomado en la "Moses Brown School" de Providence. En 1941 se casó y se instaló en Hollywood, para trabajar en la RKO. Durante un tiempo fue ayudante de dirección de Chaplin, Jean Renoir, William A. Wellman, Fred Zinemman, entre otros. Trabajó como guionista y realizador para la televisión. Debutó como realizador en 1953, y se mantuvo activo hasta 1981, período en el cual dirigió 30 largometrajes, entre los cuales sobresalen : "Apache" ( 1954); "Veracruz" ( 1954); "El beso mortal" ("Kiss me deadly", 1955); "Attack" ( 1956); "¿ Qué pasó con Baby Jane? ("What ever happened to Baby Jane ?, 1962); "El vuelo del Fénix" ("The flight of the phoenix", 1966); "Doce al patíbulo" ("The Dirty Dozen", 1967); "La venganza de Ulzana" ("Ulzana"s raid", 1972); "El Emperador del Norte" ("Emperor of the North Pole", 1973) y "El rabino y el pistolero" ("The frisco kid", 1979). Se trata, por cierto, de uno de los realizadores norteamericanos más importantes de la postguerra, y un inconformista a carta cabal, que alcanzó como pocos a efectuar "un análisis implacable de las contradicciones específicas de la sociedad estadounidense". 

Carl Theodor Dreyer. ( 1889-1968). Defendió siempre el realismo como un deber cívico del Cine. Su estilo "rehuyendo la tentación naturalista o pintorequista, es ascético hasta los límites. Como en Rosellini más tarde, el realismo de la imagen, no es en Dreyer, un mecanismo ingenuo, sino una actitud de recogimiento, un modo de explorar la revelación, el signo de Dios sobre los cuerpos físicos. Con su obra, el cine salta de la ventana abierta hacia el vitral que reúne y proyecta la luz superior". Imposible no dejar de ver sus obras maravillosas como : "La Pasión de Juana de Arco"  ( 1928); "Vampyr" ( 1931); "La palabra" ( "Ordet", 1954) y "Gertrud" ( 1964).   

Orson Welles. ( 1915-1985). No es exagerado afirmar, que el cine moderno debe más a Welles,- perpetuo inventor de formas y reto permanente a las posibilidades de la técnica -, que a cualquier otro realizador. Su biografía tachonada de anécdotas, es ampliamente conocida, pero a satisfacción de los cinéfilos entusiastas, su relación con el mundo del cine y de las comunicaciones, partió con el incidente de la transmisión radiofónica de "La Guerra de los Mundos" ( 1938 ), hecho recurrente que se enseña en las escuelas de Periodismo. Sin embargo, su debut promisorio y brillante en el cine, a los 26 años, es con: "El Ciudadano Kane" ("Citizen Kane", 1941), pieza de culto cinéfilo, donde dejó confluír sus conocimientos en radiofonía, teatro y fotografía de la mano del experimentado Gregg Toland. Quedan para la posteridad, sus reiteradas luchas contra los recortes presupuestarios, los productores inescrupulosos, los amedrentamientos de autor nato, que vivió, sufrió y lo mantuvo activo hasta su muerte como actor colosal. No dejes de revisitar también : "Los Magníficos Amberson" ("The Magnificent Amberson",1942); "El Extraño" ("The Stranger", 1946); "La dama de Shangai" ("The Lady from Shangai", 1948); "Otelo" ("Othello", 1952); "Mr.Arkadin" ( 1955); "Sombras del mal" ("Touch of Evil", 1958); "El Proceso" ("The Trial", 1962); "Campanadas de medianoche" ("Chimes at Midnight", 1966) y "Una historia inmortal" ("Une historie inmortelle", 1968). 

3 X 1

En esta nueva entrada, una fotografía del realizador y tres películas recomendadas, para que te incentives a hurgar por sus carreras.
Es un rápido sumario que pretende orientar respecto a directores destacados de la Historia del Cine.
Bonne Apetite !!!!!

John Cromwell. ( 1887-1979). Filmes destacados : "El Pequeño Lord Fauntleroy" ("The little Lord Fauntleroy", 1936); "Argel" ( 1938) y "Ana y el Rey de Siam" ("Anna and the King of Siam", 1946).

Anatole Litvak ( 1902-1974). Filmes recomendados : "Confesiones de un espía nazi" ("Confessions of a Nazi Spy", 1939); "Nido de víboras" ("The Snake Pit", 1948) y "Decisión al amanecer" ("Decision Before Dawn", 1951).

Ernest Schoedsack ( 1893-1979). Filmes recomendados :  "Las Cuatro Plumas" ("The Four Feathers", 1929); "King Kong" ( 1933) y  "Dr. Cíclope" ( 1939).

Richard Brooks ( 1912-.1992). Filmes recomendados :  "Semilla de maldad" ("The blackboard jungle", 1955); "El fuego y la palabra" ("Elmer Gantry", 1960) y "Lord Jim" ( 1965).

Mervyn Le Roy ( 1900-1987). Filmes recomendados : "Anthony Adverse" ( 1936); "El puente de Waterloo" ("Waterloo Bridge", 1940) y "Mujercitas" ( Little Women", 1949).

John Sturges. ( 1910-1992). Filmes recomendados : "Escape del Fuerte Bravo" ("Escape from Fort Bravo", 1953); "Conspiración del silencio" ("Bad day at black rock", 1955) y "Los Siete Magníficos" (" The Magnificent seven", 1960).

William A.Seiter ( 1890-1964) . Filmes recomendados : "Sons of desert" ( 1933); "Pimpollo" ("Dimples", 1936); y "La pequeña rebelión" ("Allegheny Uprising", 1939).

Frank Tashlin ( 1913-1972). Filmes recomendados : "Artistas y Modelos" ( "Artist and models", 1955); "En busca de un hombre" ( "Will sucess spoil Rock Hunter ?, 1957) y "Tú, mi conejo y yo" ("The Geisha boy", 1958).

Donald Siegel (1912-1991). Filmes recomendados : "La Invasión de los ladrones de cuerpos" ("Invasion of the body snatchers", 1956); "Harry el sucio" ("Dirty Harry", 1971) y "El Pistolero" ( 1977).

Ted Tetzlaff. (1903-1995). Filmes recomendados : "La Ventana" ( "The Widow", 1949); "Sentencia de muerte" ("Under the gun", 1951) y "El hijo de Simbad" ("Son of Sinbad", 1955).

William Dieterle. (1893-1972). Filmes recomendados : "Sueño de una noche de verano" ("A Midsummer Night"s dream", 1935); "La vida de Emile Zola" ("The life of Emile Zola", 1937) y "El hombre que vendió su alma" ("The devil and the Daniel Webster", 1941).

Nicholas Ray. (1911-1979). Filmes recomendados : "En un lugar solitario " ("In a lonely place", 1950); "Rebelde sin Causa" ("Rebel without a case", 1955) y "Rey de Reyes" ("Kings of Kings", 1961).

David Lean. (1908-1991). Filmes recomendados : "Breve encuentro" ("Brief Encounter", 1945); "Lawrence de Arabia" ( 1962) y "Pasaje a la India" (" A Passage to India", 1984). 

Carol Reed. (1906-1976). Filmes recomendados : "El idolo caído" ("The fallen idol", 1948); "El Tercer hombre" ("The Third Man", 1949) y "Oliver" ( 1968).

Henri D"Abaddie D"Arrast ( 1897-1968). Filmes recomendados : "Laughter" ( 1930); "Raffles" ( 1930) y "Topaze" ( 1933).

Louis Malle. (1932-1995). Filmes recomendados : "Los Amantes" ( 1958); "Soplo al corazón" ( 1971) y "Adiós a los niños" ( 1987).

Allan Dwan ( 1885-1981). Filmes recomendados : "Robin Hood" ( 1922); "Suez" ( 1938) y "Arenas de Iwo Jima" ( 1949).

William Wellman ( 1896-1975). Filmes recomendados : "Alas" ("Wings", 1927); "Beau Geste" ( 1939) y "Battleground" ( 1949).

Edward Dmytryk ( 1908-1999). Filmes recomendados : "Historia de un detective" ( "Murder, my sweet" ( 1945); "El motín del Caine" ("The Caine Mutiny", 1954) y "Lanza Rota" ("Broken Lance", 1954).

John Cassavetes ( 1929-1989). Filmes recomendados : "Maridos" ( "Husbands", 1970);  "Gloria" ( 1989) y "Torrentes de Amor" ( 1983).

Philip Dunne ( 1908-1992). Filmes recomendados : "Three Brave Men" ( 1956); "Hilda Crane" ( 1956) y "El amor y la Guerra" ("I love and war", 1958).

John Brahm ( 1893-1982). Filmes recomendados : "The Lodger" ( 1944); "El ladrón de Venecia" ( Il ladro de Veneza", 1950) y "El Milagro de Nuestra Señora de Fátima" ("The Miracle of our Lady of Fatima", 1952).

Joseph Leo Mankiewicz ( 1909-1993). Filmes recomendados : "La Malvada" ( "All about Eve", 1950); "La Condesa descalza" ("The Barefoot Contessa", 1954) y "Cleopatra" ( 1963).

Mauritz Stiller ( 1883-1928). Filmes recomendados : "Erotikon" ( 1920);  "La Expiación de Gösta Berling" ( 1923) y "El Torrente" ( "The Torrent", 1926), codirigido con Monta Bell.

Norman Foster ( 1903-1976). Filmes recomendados : "Journey into Fear" ( 1943); "Raquel y el Extraño" ("Rachel and the dtranger", 1948) y "David Crockett : Rey de la Frontera" ("Davy Crockett, King of the Wild Frontier", 1955).

Henri Georges-Clouzot ( 1907-1977). Filmes recomendados : "El Salario del Miedo" ("Le salaire de la peur", 1951); "Las diabólicas" ("Les diaboliques", 1954) y "La Verdad" ( "La verité").

John S.Robertson ( 1878-1964). Filmes recomendados : "Dr.Jekyll & Mr Hyde" ( 1920);"Tentación" ("The Single Stardard", 1929) y "El viajero solitario" ("One Man"s Journey", 1933).

Sam Peckinpah ( 1926-1984). Filmes recomendados : "Pistoleros al Atardecer" ("Ride the high country", 1961); "La Pandilla Salvaje" ("The Wild Bunch", 1969) y "La Cruz de Hierro" ("Cross of  Iron", 1976).

H.C.Potter ( 1904-1977). Filmes recomendados : "El cowboy la dama" ("The cowboy and the lady", 1937); "Hellzapoppin" ( 1941) y "Los Bladings ya tienen casa" ("Mr.Bladings builds his dream house", 1948).

Robert Florey ( 1900-1979). Filmes recomendados : "Coconuts" ( 1929); "Asesinato en la Calle Morgue" ("Murders in the Rue Morgue", 1932) y "Tarzán y las sirenas" ("Tarzan and the mermaids", 1948).

Ford Beebe ( 1888-1978). Filmes recomendados : "Flash Gordon Conquista el Universo" ("Flash Gordon conquest the Universe", 1940);  "La Venganza del Hombre Invisible" ("The Invisible Man Revenge", 1944) y Bomba, el niño de la Jungla" ("Bomba, the Jungle Boy", 1949).

Val Guest ( 1911-2006). Filmes recomendados : "El Experimento del Dr.Quatermass" ( "The Quaterman Experiment", 1953); "El Abominable Hombre de las Nieves" ("The Abominable Snowman", 1957) y "Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra" ("When Dinosaurs ruled the Earth", 1970).

Edmund Goulding ( 1891-1959). Filmes recomendados:  "Gran Hotel" ("Grand Hotel", 1932); "Amarga Victoria" ("Dark Victory", 1939) y "La Gran Mentira" ( "The Great Lie", 1941).

Alfred L.Werker ( 1896-1975). Filmes recomendados : "La Casa de los Rotschild" ("The House of Rotschild", 1934); "Las Aventuras de Sherlock Holmes" ("Adventures of Sherlock Holmes", 1939)  y "Lost Boundaires" ( 1949).

Frank Tuttle ( 1892-1963). Filmes recomendados :  "Escándalos romanos" ("Roman Scandals", 1933) ; "La llave de Cristal" ( "The Glass Key", 1935) y "El Cuervo" ("This Gun for Hire", 1942).

Bert I.Gordon ( n.1922) . Filmes recomendados : "The Amazing Colossal Man" ( 1957); "El niño y los piratas" ("The Boy and the pirates", 1960) y "La Espada Mágica" (" The Magic Sword", 1962). En la foto, con la actriz June Kennedy en el rodaje de : "Earth vs. Spider".

Archie Mayo ( 1891-1968). Filmes recomendados : "El Bosque Petrificado" ("The Petrified Forest", 1936); "Tiburones de Acero" ("Crash Dive", 1943) y "Una noche en Casablanca" ("A night in Casablanca", 1946). En la foto, con la actriz Bette Davis.

Richard Boleslavski (1889-1937). Filmes recomendados : "Los Miserables" ("Les Miserables", 1935); "El Jardín de Alá" ("The garden of Allah", 1936) y "Clive de la India" ("Clive of India", 1936).

Stanley Donen ( n.1924). Filmes recomendados : "Un día en Nueva York" ("On the town", 1949); "Cantando bajo la lluvia" ("Singing in the Rain", 1952), considerada la más perfecta comedia musical de la historia del Cine; y "Charade" ("Charade", 1963). En la foto, durante el rodaje de "Indiscreta" junto a Cary Grant e Ingrid Bergman.

Robert Flaherty (1884-1951). Filmes recomendados : "Nanook el esquimal" ("Nanook of the north", 1921), considerado el primer gran documental de la historia del Cine; "Tabú" ( codirigido con F.W. Murnau, 1931 )  y "Louisiana Story" ( 1948). En la foto, con los protagonistas de "El hombre de Arán" ("The man of Aran").

Roy del Ruth ( 1893-1961). Filmes recomendados : "Broadway Melody of 1936" ( 1935); "El Regreso del fantasma" ("Topper Returns", 1941) y "Ziegfeld Follies" ( 1945).

George Fitzmaurice (1885-1940). Filmes recomendados : "El hijo del Sheik" ("The son of the Sheik", 1926); "Mata Hari" ( 1932) y "Suzy" ( 1936). En la foto, con el fotógrafo Arthur Miller en el rodaje de : "To have and the hold".

William Keighley ( 1889-1984). Filmes recomendados : "El Príncipe y el Mendigo" ("Prince & the Pauper", 1937); Las Aventuras de Robin Hood" ("Adventures of Robin Hood", 1938, codirigida con Michael Curtiz) y "The Bride Came C.O.D." ( 1941), a la que corresponde la fotografía, donde aparece acompañado por el fotógrafo Ernest Haller.

Ken Annakin ( 1914-2009). Filmes recomendados : "La Espada y la Rosa" ("The Sword and the Rose", 1953); "La Familia Robinson Suiza" ("Swiss Family Robinson", 1960) y "Esos magníficos hombres en sus máquinas voladoras" ("Those magnificent men in their flying machines or how I flew from London to Paris in 25 hours 11 minutes" ( 1965).

Sidney Franklin ( 1893-1972). Filmes recomendados :  "The Barrets of Wimpole Street" ( 1934); "The dark Angel" ( 1935) y "La Buena Tierra" ("The Good Earth", 1937), a la que pertenece la fotografía del rodaje, junto al fotógrafo Karl Freud.

Mark Robson ( 1913-1978). Filmes recomendados :  "The Champion" ( 1949); "La Caldera del diablo" ("Peyton Place", 1957) y "Terremoto" ("Earthquake", 1974). En la foto, con el actor Horst Bucholtz.

Mitchell Leisen ( 1898-1972). Filmes recomendados : "Midnight" ( 1939); "Arise, my love" ( 1940) y "Lady in the dark" ( 1944).

Joshua Logan ( 1908-1998). Filmes recomendados : "Picnic" ( 1955); "Nunca fui Santa" ( "Bus Stop",1956) y "La leyenda de la ciudad sin nombre" ( "Paint Your Wagon", 1969).

Budd Boetticher ( 1916-2001). Filme recomendados :  "El hombre de Alamo" ("The man from Alamo", 1953); "The Tall T" ( 1956 ) y "La ley del hampa" ("The Rise and Fall of Legs Diamond", 1960). En la foto, con la actriz Julie Adams y un stuntman ensayando una escena de acción.

George Marshall ( 1891-1975). Filmes recomendados : "Arizona" ("Destry rides again", 1939); "Texas" ( 1941) y "La dalia azul" ("The blue daliah", 1946).

Elliot Nugent ( 1896-1980). Filmes recomendados : "Splendor" ( 1935); "Rumbo a Oriente" ("Up in Arms", 1944) y "El Gran Gatsby" ("The Great Gatsby", 1949).

F.W. Murnau ( 1888-1931). Filmes recomendados ; "Nosferatu" ( 1922); "El Ultimo" ( "Der Letzte Mann",1924) y "Amanecer" ( "Sunrise", 1927). Maestro indiscutido del Expresionismo alemán.

Irving Pichel ( 1891-1954). Filmes recomendados : "El malvado Zaroff" ("The most dangerous game", 1932) codirigida con Ernest B.Schoedsack; "She" ( 1935) codirigida con Lansing G.Holden y "Destino a la luna" ("Destination : moon", 1950).

George Seaton ( 1911-1979). Filmes recomendados : "Milagro en la Calle 34" ("Miracle on 34th Street, 1947 );"Sucedió en Berlín" ("The Big Lift", 1950) y "Aeropuerto" ("Airport", 1970).

Alexander Hall ( 1894-1968). Filmes recomendados : "El difunto protesta" ("Here Comes Mr.Jordan", 1941);  "My sister Eileen" ( 1942) y "La Diosa de la danza" ("Down to Earth", 1947). En la foto, aparece con la actriz Rosalind Keith en los exteriores de: "Annapolis Farewell".

Robert Rossen ( 1908-1966). Filmes recomendados : "Cuerpo y alma" ("Body & Soul", 1947); "Decepción" ("All the King"s Men", 1949) y "Alejandro el Grande" ("Alexander the great", 1956). En la foto, con la actriz Rita Hayworth en el rodaje de "Volvieron a Cordura" ("They came to Cordura").

Alexander Mackendrick ( 1912-1993). Filmes recomendados : "Whisky, galore ! ( 1949); El Quinteto de la Muerte" ("The ladykillers", 1955) y "A High Wild in Jamaica" ( 1965).

Vincent Sherman ( 1906-2006). Filmes recomendados : "The Return of doctor X" , 1939); "Las Aventuras de Don Juan" ("Adventures of Don Juan", 1948) y "Estrella del destino" ("Lone Star", 1952).

George Roy Hill ( 1921-2001). Filmes recomendados : "Butch Cassidy and the Sundance Kid" ( 1969); "Un pequeño romance" ("A little Romance", 1979) y "El mundo según Garp" ("The World According to Garp", 1982).

Richard Lester ( n.1932). Filmes recomendados : "La noche de un día agitado"/¡ Que noche la de aquel día! (" A Hard Day"s Night, 1964); "Help! ( 1965) y "Superman II" ( 1980).

Burt Kennedy ( 1923-2001). Filmes recomendados : "Jinetes Intrépidos" ("The Rounders", 1963); "El Regreso de los siete magnificos" ( 1967) y "Hannie Coulder" ( 1971).

Valerio Zurlini  (1926-1982). Filmes recomendados : "La chica de la maleta" ("Ls ragazza con la valigia", 1960); "La primera noche de la quietud" ("La prima notte di quiete", 1972) y "El desierto de los tártaros" ("Le désert des tartares", 1977).

René Clement ( 1913-1996). Filmes recomendados :"La Bataille du rail" ( 1945); "Juegos Prohibidos" ("Jeaux Interdits", 1951) y "A pleno sol" ( "Pleine solei", 1959).

Robert Bresson ( 1901-1999). Filmes recomendados : "Un condenado a muerte se ha escapado" ( 1956); "Pickpocket" ( 1959) y "Mouchette" ( 1965).

Alain Resnais ( 1922-2014). Filmes recomendados : "Hiroshima mon amour" ( 1959); "El año pasado en Marienbad" ( 1961) y "Providence" ( 1976).

Richard Attenborough ( 1923-2014). Filmes recomendados :  "Un puente demasiado lejos" ( "A bridge too far", 1977); "Gandhi" ( 1982); y "A Chorus Line" ( 1985).

Franklin J.Schaffner ( 1920-1989). Filmes recomendados : "El Planeta de los Simios" ("Planet of Apes", 1968); "Patton" ( 1970) y "Papillon" ( 1973).

Vincente Minelli ( 1910-1986). Filmes recomendados : "La Rueda de la Fortuna" ("Meet Me Saint Louis", 1944); "El Pirata" ( "The Pirate", 1948) y "Sinfonía de París/"Un Americano en París" ("An American in Paris", 1951).

Michelangelo Antonioni (  1912-2007). Filmes recomendados : "La Noche" ( 1961); "Blow Up" ( 1966) y "Zabriskie Point" ( 1970).

John Schlesinger ( 1926-2003). Filmes recomendados : "Perdidos en la noche" ("Midnight cowboy", 1969); "Maratón de la Muerte" ("Marathon Man", 1976) y "Los Creyentes" (The Innocent", 1994).

Jack Clayton ( 1921-1995). Filmes recomendados : "Almas en Subasta" ("Room at the top", 1959); "Posesión satánica" ("The Innocents", 1961), a la que corresponde la foto junto a la actriz Deborah Kerr; y "Esclava y seductora" ( "The pumkim eater", 1964).

Sergio Leone ( 1929-1989). Filmes recomendados : "El bueno, el malo y el feo" ( 1966); "Erase una vez en el Oeste" ( 1968) y "Erase una vez en América" ( 1984).

Martin Ritt  ( 1914- 1990). Filmes recomendados : "Hud , el indomable" ("Hud", 1963); "Conrack" ( 1974) y "Norma Rae" ( 1979).

Mark Rydell ( n.1929). Filmes recomendados : "Los Cowboys" ("The Cowboys", 1972); "La Rosa" ("The Rose", 1977); y "Los Años Dorados" ("On golden pond", 1981).

Mike Nichols ( 1931-2014). Filmes recomendados : "El Graduado" ("The Graduate", 1967); "Silkwood" ( 1983) y "Lobo" ("Wolf", 1994).

Richard Donner ( n.1930). Filmes recomendados : "La Profecía" ("The Omen", 1976); "Superman" ( 1978) y "Arma Mortal" ( "Lethal Weapon", 1987).

Bob Fosse ( 1927-1987). Filmes recomendados : "Cabaret" ( 1972); "Lenny" ( 1974) y "All that Jazz" ( 1979).

John Frankenheimer ( 1930-2002). Filmes recomendados : El Candidato de Manchuria" ("The Manchurian Candidate"; 1962); "Siete días de Mayo" ("Seven days on May", 1964) y "Ronin" ( 1998).

Karel Reisz ( 1926-2002). Filmes recomendados : "Sábado noche, domingo mañana" ("Saturday night and sunday morning", 1960); "La Amante del Teniente Francés" ("The French Lieutenants "s Woman", 1981) y "Dulces Sueños" ("Sweet dreams", 1985).

André de Toth. (1912-2002). Filmes recomendados : "Aguas turbias" ( "Dark Water", 1944); "Ramrod" ( 1947) y "Los Crímenes del Museo de cera" (" House of Wax", 1953).

De la guardia contemporánea.


Esta última inserción es más sumarial, ya que se incluyen, excelentes fotografías de los realizadores del cine actual.
Es un aperitivo, que los invita en casa a acercarse al Arte del Cine, desde la emoción del trabajo creativo, de un puñado selecto de grandes realizadores que gravitan en la actualidad cinéfila. 
Sus rostros para contextualizar algunos filmes, que no deben estar ausentes en sus dvdtecas.

Martin Scorsese.

Francis Ford Coppola.

Steven Spielberg.

Woody Allen.

David Fincher.

Mike Leigh.

Brian de Palma.

James Cameron.

Ridley Scott.

Clint Eastwood.

John Carpenter.

Wes Craven.

Peter Jackson.

George Lucas.

Roman Polanski.

Werner Herzog.

Rainer Werner Fassbinder.

Takeshi Kitano.

Bernardo Bertolucci.

David Cronenberg.

Wim Wenders.

Spike Lee.

David Lynch.

Pedro Almodóvar.

Lars Von Trier.

George A.Romero.

Milos Forman.

Bertrand Tavernier.

Sam Mendes.

Nuri Bilge Ceylan.

John Boorman.

Alex de la Iglesia.

Raúl Ruiz.

Youssef Chahine.

Quentin Tarantino.

Carroll Ballard.

Frank Oz.

Harold Becker.

John Avildsen.

John Sayles.

Ivan Reitman.

Paul Schrader.

Michael Ritchie.

Herbert Ross.

Paul Verhoeven.

Peter Weir.

Lewis Gilbert.

Michael Apted.

Simon Wincer.

Alan J. Pakula.

Paolo y Vittorio Taviani.

Nick Castle.

Joe Dante.

John Landis.

Ethan y Joel Coen.

Robert Zemeckis.

J.J. Abrams.

Taylor Hackford.

Apichatpong Weerasethakul.

Michael Haneke.

Rob Reiner.

Jean Louis y Luc Dardenne.

Guillermo del Toro.

Constantin Costa-Gravas.

Carl Franklin.

Jean-Jacques Annaud.

Peter Bogdanovich.

Dennis Hopper.

Roland Joffé.

Sofía Coppola.

Kathryn Bigelow.

Manoel de Oliveira.

Penny Marshall.

Francois Ozon.

Ang Lee.

Alejandro González- Iñárritu.

Jeff Nichols.

Steven Soderbergh.

Paul Thomas Anderson.

Park-Chan-Wook.

Kevin MacDonald.

Oliver Stone.

Jason Reitman.

Michael Cimino.

Christopher Nolan.

Walter Salles.

Kelly Reichart.

Carlos Saura.

Imanol Uribe.

Naomi Forner.

Fotos-Gentileza : Unifrance Films- The Times- The New York Times- Entertaiment Weekly- Agatha A. Nitecka Photos- Warner Bros.- Pathe- Universal Pictures- Magnolia Pictures- Culture Films- Film Polski- Cine Oriental- Variety- Cahiers du Cinema- Movies & Music- A Certain Cinema- Dr.Macro- Fabolous People- People & Work- Directors- Film Directors Looking Up- Detrás de las cámaras- Dauman Pictures- Cinema Italiano- Cinematographic- Harcourt París-The Directors- VF- The New Hollywood- Filmmakers- Imaginary Friends- Classic Movies-  Occhi Che Guardano- Old Hollywood-  Archivo.-

Poster de "Aprender a Vivir" ("Lymelife" ) del director estadounidense Derick Martini, con Rory Culkin y Emma Roberts.

Cartel de "Eka & Natia" ("In bloom"), de los realizadores georgianos Nana Ekvtimishvili y Simon Gross.

Poster en inglés de "Ida" del realizador polaco Pawel Pawlikowski.

Afiche de "Time" del director coreano Kim Ki-Duk.

Poster latino de "Momentos de una Vida" de Richard Linklater.