Séptimo 7 sello: El Cine Periférico y de tierras lejanas :

Al Otro Lado de la Berma.

La película "Touki Bouki" del senegalés Djibril Diop Mambety, es una sátira notable sobre la colonización occidental y su influencia en la cultura africana.

___ Desde que existen los Festivales Internacionales de Cannes, Venecia y Berlín, que el cine de otras latitudes ha tenido un espacio destacado para revelarnos cuánta belleza, imaginación y talento existe en países alejados de la aparente monopolización de la industria norteamericana.
Gracias a la competencia y a las muestras paralelas organizadas en éstos eventos, que países como Japón, China, Taiwán, Hong Kong, Malasia, Singapur, India, Irán o Corea, han logrado revelarse con un cine fresco, original, distinto, significativo, dinámico, identitario, y culturalmente atractivo.
En la misma medida, se han revelado en las últimas décadas, el cine persa, árabe, israelí, turco, ruso, otomano o africano para ampliar las fronteras del arte más completo del siglo XX.
"Séptimo7sello" integra en la siguiente entrada, un puñado de películas de todos los tiempos de aquellos países que consolidaron una imagen característica, con el trabajo de conocidos realizadores de los llamados "cines periféricos" y de otras fronteras, que nos restituyen la capacidad de comunicación y significación que tiene el medio audiovisual, concebido desde naciones distantes y exóticas, lejanas y desconocidas.
También incluímos, los estrenos del cine que vienen de éstas y otras naciones, como una manera de complementar y enriquecer esta visión somera sobre la cultura audiovisual de otras latitudes.
Se trata de un viaje interesante, motivador y de inquietantes resonancias antropológicas. ¡¡¡¡ Bienvenidos !!!!

Estrenos del Cine.

___ Partimos el viaje con los estrenos de la cartelera cinematográfica hispanoamericana. Películas de distintos confines que se han estrenado en España, México, Argentina y Chile, con algunas recomendaciones que esperan atentamente su entrada en nuestras salas.
Recuerden que las películas que no logran su ingreso por sala, se estrenan directamente en formato DVD o Blue Ray. Paciencia, paciencia.

"Omar" ( 2013) de Hani Abbu-Assad.

Un relato romántico en medio de la lucha entre palestinos e israelitas.

__Historia de un joven panadero Omar ( Adam Bakri), obligado a pasar de un lado al otro de la frontera palestino-israelí, y que está comprometido políticamente con una célula israelí donde comparte el amor de una chica.
El filme dirigido por el israelí Hani Abbu- Assad ( "Paradise Now"), entremezcla un drama al estilo "Romeo y Julieta" con el trasfondo político y que le sigue la vertiente a Shakespeare, en el que los personajes se ven atrapados por su propio destino.
Nuevamente aparece el tema del choque religioso y moral entre ambas naciones, aunque Assad desperdiga a lo largo de la acción, algunas dosis de humor costumbrista, y repliega la contingencia al drama romántico que la precede.
Lamentablemente, el tema de esta película, vuelve a estar de plena actualidad, tras los bombardeos en Gaza esta semana.
El filme estuvo nominado al Oscar a Mejor Película Extranjera. Muy Interesante.

"New World" ( 2013) de Park Hoon-Jung.

Encarnizadas y violentas luchas por acceder al poder absoluto.

Certero trabajo del encuadre y del cromatismo de la fotografía.

___ El extraordinario director coreano Park Hoon-Jung, que fuera alabado por su notable "Old Boy", regresa con otro "thriller" licérgico, auténticamente endemoniado y febril, que le sigue el patrón a Martin Scorsese y su desenfrenado montaje, aunque tiene unos visos de contundente originalidad y grandilocuencia visual.
La historia se gatilla después de la muerte inexplicable y oscura del Jefe de la mafia, que controla tres sindicatos del Crimen. El camino queda abierto para la competencia más demencial y ambiciosa, que enfrentará a dos personajes de rasgos muy diferentes.
La batalla por hacerse del poder central, será desenfrenada y caótica, aunque en verdad, todos luchan por sobrevivir en un mundo anárquico y violento.
Tres grupos en disputa por el dominio territorial; un infiltrado que trabaja como policía y que puede no ser el único, codiciosos esbirros de la delincuencia organizada, acaparan las líneas del argumento llenas de giros y dobles vueltas de tuerca, que se estira en su larguísimo metraje de 134 minutos, muy bien aprovechados por el suspenso, la acción y las luchas encarnizadas.
La visión de Park Hoon-Jung, sigue siendo pesimista y se remite al submundo delictual, oscuro, sombrío, descarnado y cruel.
Ideal para los fans del género de la acción.

"Fox Fire : Confesiones de una banda de Chicas" ( 2012 ) de Laurent Cantet.

Gran recreación de época.

Escena del rodaje de la pelicula.

___ El cineasta francés Laurent Cantet ( "El Empleo del Tiempo", "Hacia el Sur", "La Clase"), efectúa en su quinto largometraje, una desmitificación precedida por su interés al mostrar, el "aspecto más crudo de la realidad", como lo insinúo en una entrevista reciente.
La epóca elegida por Cantet, es la década de los años cincuenta en Nueva York, Estados Unidos, que paradójicamente resulta ser una de las más idealizadas por Hollywood, desde la mirada independiente de Laszlo Benedek ("El Salvaje", 1953, con Marlon Brando) y Nicholas Ray ("Rebelde sin Causa", 1955, con James Dean).
El relato cuenta la historia de seis muchachas que deciden formar una agrupación para evitar el machismo y la marginalidad en que están sumidas, por los estándares conservadores de la sociedad de la época. Sus ideas de libertad absoluta, terminarán por chocar con la propia realidad.
Se trata de una adaptación de la novela "Puro Fuego" de la escritora neoyorquina Joyce Carol Oates,que ya había servido de base literaria para otra película americana "Fox Fire" ( 1996), dirigida por Annette Haywood- Carter con una primigenia Angelina Jolie.
Esta nueva versión se destaca porque subraya un retrato naturalista y desencantado de una época demasiado idealizada, logrando recomponer una imagen más realista y cruda de la vida de esos años.
Notables actuaciones de : Alie Liebret, Michelle Noldes, Tamara Hop y Brandon McGibbon. Muy Interesante.

"La Vida de Adele" ( 2013) de Abdellatif Kechiche.

Admiración romántica.

Relaciones muy particulares.

___La sorpresa del año pasado, sin duda, una película notable que no debes dejar pasar por alto. Cuenta la historia sentimental de una adolescente de 15 años ( Adele Exarchopoulus), que decide experimentar sus relaciones íntimas con una chica , Emma ( Léa Seydoux) que le muestra el camino ambivalente de sus propias pulsaciones sexuales y sus sentimientos amorosos.
La adaptación de la novela "Blue"/"El Azul es un color cálido" de Julie March ( por los cabellos teñidos de azul de Emma), resalta por su elocuente visceralidad - no sólo muestra las relaciones lésbicas en su total magnitud, con una desnudez golpeadora que tiene su fin en el impacto conciente del espectador-. sino que mantiene un desenfadado lirismo, arrebatador, envolvente y transparente.
Kechiche no sólo es un magnífico creador de ideas, sino que las lleva a la práctica utilizando los recursos expresivos del cine. Así le da un valor agregado al uso del color, a los espacios urbanos y a las situaciones más inspiradas ( como la escena de la cafetería).
Utilizando los saltos temporales en el tiempo, además, demuestra un notable poder de síntesis narrativa y sobretodo, transforma los estereotipos de la novela gráfica en personajes realistas que viven, sueñan y aman al ritmo desenfrenado de estos tiempos.
El filme ganó la Palma de Oro en Cannes 2013, y se transformó en la regalona de las minorías sexuales del mundo, sin obviar sus notables recursos narrativos y su naturaleza intrínseca de obra polémica y realista.
Un cine que sopla vitalidad y naturalidad pese a su controvertido tema.
Aborda con tajante acertividad, parte de la realidad sexual juvenil de estos años. Sobresaliente.

"Ismael" ( 2013) de Marcelo Piñeyro.

Cosmopolismo familiar.

El director Marcelo Piñeyro dándole instrucciones al pequeño Larsson do Amaral.

Belén Rueda, Mario Casas y Larsson do Amaral durante un descanso del rodaje en exteriores.

___ El realizador argentino Marcelo Piñeyro ("Tango Feroz", "Plata Quemada", "El Método"), regresa sobre una tema infantil, para hablar de las raíces familiares y culturales, de la identificación paternal y del cosmopolismo racial en tiempos de globalización y multimedia.
Como lo hiciera antes en "Caballos Salvajes" y más recientemente en "Kamchatka", dimensiona las inquietudes de un niño, Ismael Tchou ( el solvente Larsson do Amaral) de ocho años de edad, que se fuga desde su hogar en Atocha para viajar rumbo a Madrid, tras la búsqueda de su padre biológico, Félix Ambrós ( Mario Casas).
Los 600 kilómetros que hay de Barcelona a Madrid, vienen a recomponer las basas de un itinerario existencial, donde el chico se revelará tan sorprendido como su abuela ( Belén Rueda) de la existencia de su "otra familia".
Un papá que se ha mudado a Girona; una mamá Alika ( Ella Kweku) que con su nueva pareja ( Juan Diego Botto) que van tras la pista del muchacho, conforman el resto de los personajes de esta interesante película de visos dramáticos.
La cinta vuelve sobre los temas de la identidad, la revelación del descubrimiento de las verdades ocultas y esos enfoques tan propios del cine de Piñeyro, que permiten al cineasta efectuar un retrato agudo sobre el cosmopolismo en tiempos de crisis. Muy Interesante.

"La Gran Belleza" ( 2013) de Paolo Sorrentino.

En medio del bacanal, Jeff Gambardella reflexiona sobre su pasado y su presente inmediato.

Una manifestación artística y política radical.

La religión también tiene una manifestación surrealista en la película.

El rodaje de la escena de la jirafa.

___ Seguramente Tú ya la viste ¿ Comprendiste la película ? ¿ No es una obra original y distinta que te atrapa sin medida ?
Asumámoslo de una vez. Se trata de una de las películas más significativas de la última década. Una obra maestra en su completitud, sólo atribuíble al genio del director y guionista Paolo Sorrentino ( Un lugar donde quedarse"; "Il Divo"), a su equipo de artistas y al sentido lúdico que tiene el cine para restregarnos en la cara, todo tipo de sensaciones, vivencias, emociones y múltiples lecturas de un mensaje superlativo, que homenajea al cine de Federico Fellini y a la cultura barroca y surrealista.
Fábula encantada acerca de un escritor-gígolo , Jeff Gambardella ( Torni Servillo), que se deja seducir por la noche romana de bohemia y que al cumplir 65 años, revive algunos pasajes atribuibles a su vida, pero también, a sus emociones más profundas.
Cine puro, cine sicológico, cine surrealista, cine emocional, cine humanista, cine culto, cine emblemático, cine subyugante, cine hipnótico.
Todos los adjetivos calzan para calificar esta obra gigantesca, que reconstruye las vivencias de un hombre desde la testera de su superficialidad y monotonía nocturna, agazapado entre faldas de lujuria femenina y encuentros sublimes con la religión, la poesía, el Arte y la muerte.
Se trata de una trabajo técnico exquisito, que privilegia el uso de grúas, travellings y "steady camp", para abarrotar un constante golpeteo de sensaciones y emociones, cercanas a la "drogadicción" que provoca la música disco, que atrapa en sus calculadas manifestaciones con las voces de Raffaéla Carra y Bob Sinclair.

Las fiestas romanas que rememoran a "La dolce vita" de Fellini.

El actor Toni Servilo en el papel del "Rey y Señor" de las noches de bohemia".

Un momento sublime : la visita de los flamencos en la terraza romana.

Notable fresco sobre la decadencia de las sociedades "cultas" europeas, es también un cuadro desolador de la soledad en el mundo contemporáneo, del egoísmo y la comodidad de los privilegiados, del esnobismo en su fase terminal, del aprisionamiento de las estructuras consagradas a la expresividad, la fé y la razón.
Es un relato que interactúa con el espectador, para acomodarlo a una reflexión más aguda de la precariedad de la vida mundana, la fragilidad del arte vanguardista, las sutilezas de las emociones amorosas, el fracaso personal, la ostentación de una vida superficial, la obsolecencia del confort y la comodidad, el individualismo como referente creativo, el intelecto como reacción y la espiritualidad como acción, la vida y la muerte, el sin-sentido de las cosas cotidianas, el sacrificio como respuesta a la inmovilidad del caído y la perennidad de la cultura sobre el hombre.
Notables frases que subrayan el actuar del personaje central, vienen a enrostrarnos la ambigüedad de sus acciones :
___"La regla fundamental es que, en un funeral no hay que llorar nunca, porque no hay que robar la escena al dolor de la familia".
__"Yo no sólo quería participar en las fiestas, quería tener el poder de hacerlas fracasar".
Viaje a ninguna parte, que sin embargo, en su exégesis logra apabullarnos con toda clase de misterios visuales de encendido lirismo, desde las expresiones más radicales del arte ( la chica con el tatuaje político que se golpea sobre un muro; la niñita que desahoga las presiones paternales en un enorme lienzo, lanzando litros de pintura para elaborar una obra de gran belleza o el tipo que se fotografía desde niño todos los días, para elaborar un enorme muro de rostros con su vida cotidiana ), hasta las sugerencias iconográficas más subjetivas ( la monja anciana que atrae a los flamencos; la directora enana de la revista de chismorreo; la jirafa que pasea en descampado).
Todo tiene cabida en este universo que plasma Sorrentino con real deleite, utilizando el lenguaje expresivo con certera eficacia e integrando a los personajes como lo hacía Fellini, desde el impacto visceral de sus comportamientos, modismos y apariencias. Simplemente, una obra inolvidable.

"Ida" ( 2013) de Pawel Pawlikowski.

La dinámica de los espacios arquitectónicos.

El clima ideal para solventar el drama interior del relato.

La nostalgia por el recuerdo del pasado.

___ Nadie reniega del talento del realizador polaco Pawel Palikowski, que ha logrado con escasos cinco largometrajes argumentales, labrarse un nombre en el panorama cinematográfico mundial.
Graduado en Literatura y Filosofía, y becado en Inglaterra en la Universidad de Oxford, donde se especializó en Literatura germana, trabajó en la televisión inglesa realizando controvertidos documentales sobre Europa Central y el Este, donde analizaba temas como el exilio y la cultura rusa.
Su revelación cinematográfica internacional partió con la notable "My Summer of love" ( 2004), adaptación de la novela de Helen Cross, sobre dos quinceañeras de diferente clase social que, durante un verano breve y fugaz, tienen una relación lésbica.
Después de la muerte de su mujer, Pawlikowski continúo un período de esterilidad, hasta el rodaje en París de "The Woman in the Fifth" ( 2010) , una interesante adaptación a la novela de Douglas Kennedy.
"Ida" ( 2013), parece ser la confirmación definitiva, que estamos ante uno de los realizadores más destacados de este milenio.
En un estilo seco, reposado, contemplativo, emocional, Pawlikowski recupera los rasgos de un cine muy característico de Bresson y Ozu.
Sin ser una obra que imita a los maestros, "Ida" fustiga los colores por el soberbio blanco y negro de Ryszard Lenczewki y Lukasz Zal, para contar la historia de la recuperación de una identidad perdida. O mejor aún, describe el viaje de dos mujeres - para una iniciático, para la otra, nostálgico- , que reafirma el valor de la fé, la razón y la familia.
En efecto, la protagonista del relato es una novicia de 18 años de edad, Anna ( Joanna Kulig ) que a punto de obtener los votos, abandona el claustro por una invitación de la madre superiora, para que acuda a conocer a su única parienta con vida, su tía Wanda ( Agata Kuleszka), una jueza de vida bohemia y pasado antifascista. Todo ello, ocurre en la Polonia socialista de los años sesenta.
Su tía le cuenta que se llama en realidad Ida Lebenstein y es de origen judío. Sus padres murieron en la Segunda Guerra Mundial.
Ambas iniciarán un viaje tras los pasos de los restos de los padres de Ida. Un itinerario existencial, que trazará el compromiso sublime de la novicia y mancillará los recuerdos de la tía.
Una magnifica puesta en escena, subraya el tono intimista del drama y lo sostiene con un estilizado minimalismo en los espacios y las acciones.
A la manera de los cineastas nórdicos, Pawlikowski crea atmósferas sensoriales donde se puede leer la frialdad y el aislamiento, el sentido de culpa y las nostalgias por el pasado.
Hay en todo este esfuerzo un tremendo trabajo interpretativo, que lleva a puerto seguro, una obra maestra inolvidable.
"Ida" ( 2013) obtuvo los premios de Mejor Película en los Festivales de Cine de Londres, Toronto y Gijón. Además, este año fue galardonada por la "American Society of Cinematograpics". Valiosa y sobresaliente.

"El Viento se levanta" ( 2013) de Hayao Miyazaki.

Nueva obra maestra del gran maestro nipón.

La película se destaca por el maravilloso trabajo en las animaciones, los escenarios y la historia.

La inspiración que le ayuda a perseguir un sueño.

El maestro en su oficina, comunicándose por celular.

__ Difícil superar el arte que nace desde los estudios Ghibli en Japón.
En tiempos de informática y 3 D, la casa animada optó por mantener la técnica que popularizó Walt Disney en todo el mundo en su primera etapa.
Eso de dibujar sobre hojas cells , tal como Emile Cohl, cada escena relevante de un largometraje y mantener la sofistificación estética con un armónico trabajo de fondos y escenarios extraídos de la realidad o la ficción.
Ghibli es "sinónimo" de Hayao Miyazaki y su equipo. Un portentoso estudio que replica los efectos visuales de la animación tradicional con un sesgo de creatividad singular y característica.
No es extraño que, "El Viaje de Chihiro" ( 2001), obtuviera el Oscar a Mejor Película Animada ese año, toda vez que, el mismo Estados Unidos, descubrió desde sus orígenes, el sabor inteligente de las producciones de los estudios Ghibli.
Sin desmerecer, la sordina apabullante que ya venía acaparando en los festivales internacionales europeos.
"El Viento se levanta" ( 2013), se ha anunciado como la obra cúlmine de despedida del gran Miyazaki.
Fábula de la obsesiva recurrencia por lograr los sueños más increíbles, es también un retrato histórico certero del diseñador de la aeronáutica nipona, Yiro Horikoshi, creador del famoso "00", el avión que bombardeó Pearl Harbour.
El relato reconstruye desde la nostalgia sus años de formación, su pasión por llevar a puerto los aviones que emanaban de su mesa de trabajo, sus relaciones empíricas con el ingeniero italiano Giovanni Caprioni, que le inspiró una carrera profesional, y el trasfondo histórico que incluye unas secuencias prodigiosas del terremoto de Kanto en 1923, donde conoció a su pareja de toda la vida.
El filme es un trabajo modélico, avanzado, sutil, lleno de matices, que manifiesta el interés de Miyazaki por abrirse a públicos más adultos, con un tema entusiasmante y una lograda concepción narrativa y audiovisual, que se caracteriza por el estilizado concepto humanista que logra de las animaciones, desde la cual se elevan sus registros expresivos, estéticos y emocionales.
Una obra maestra de la animación.

"Ilo Ilo" ( 2013) de Anthony Chen.

La desnudez natural en el juego de los afectos maternales.

La maternidad abúlica.

El afecto que mueve montañas.

__Siempre ha sido debatible cuántas consecuencias acarrean en una nación, las crisis financieras y políticas. Ejemplos saltan a la vista todos los años.
La crisis económica y laboral de España, Grecia e Italia, el corralito argentino, la devaluación del real brasileño hace unas décadas y el tequilazo mexicano, son sólo algunos hechos ilustrativos acerca de esta dolorosa circunstancia.
Entonces, no es lejano suponer, que hay una relación directa, fuerte y categórica en la estabilidad de una familia.
"Ilo Ilo" ( 2013), una película de Singapur dirigida por el debutante Anthony Chen, apuesta a esta suposición desde el lado autobiográfico.
En efecto, el relato nos traslada a la crisis financiera de 1997, y sus impactos en la familia del pequeño Says Jia Ler de doce años de edad ( el extraordinario niño actor Kohn Jia Ler).
La historia parte con la llegada de Teresa, la empleada doméstica de origen filipino ( Angeli Bayani), que viene a trabajar a su casa en la búsqueda de nuevos horizontes.
"La Nana" película chilena de Sebastián Silva, es una buena referente del tema.
Adecuarse al carácter y personalidad de la empleada, implica una tensión recurrente, hasta que se establece una fuerte relación casi-maternal con el hijo único de este matrimonio de clase media acomodada.
La descripción de los acontecimientos desde el punto de vista personal, acapara los mejores momentos del filme, pese a cierta aridez y minimalismo en el tratamiento de las acciones.

Los actores recibiendo galardones.

Ko Jia Lehr, su madre y hermanas.

Presentando el premio de "EuroAsia" en una entrevista para la televisión.

En el set de rodaje con el director Anthony Chen.

El filme respira verdad y una corriente etérea que superpone el amor maternal de una "nana" por un niño rebelde y problemático, con la destrucción paulatina de una familia.
El amor es capaz de vencer todas las barreras parece subrayar la película.
Anthony Chen ( nacido en 1984), logra debutar en el largometraje después de realizador ocho cortos de distinto interés.
Alumno del prestigioso "Berlinale Talent Campus" y de la "Golden Horse Film Academy", mantiene un trabajo regular entre las ciudades de Londres y Singapur.
La película "Ilo Ilo" destaca la actuación del pequeño Koh Jia Ler, un verdadero prodigio del cine asiático, que recibió recientemente el "EuroAsia" al mejor actor revelación.
Hijo de una familia numerosa de Singapur, le gusta el baile, la actuación, las artes marciales y es un talento en potencia, que espera iniciar una carrera delante de las cámaras con esta interesante película intimista.
Su papel ( como el director de la película cuando niño) es magnífico, pues debe contener el peso dramático de la historia pasando por diferentes curcunstancias emocionales que lo revelan versátil y natural.
No sólo ejecuta con plasticidad una relación afectiva con su empleada, que le lleva a conocer el sentido de la maternidad ausente; sino que despliega diferentes expresiones para demostrar que, un niño se ve profundamente afectado por la crisis matrimonial de sus padres, sino hay un apoyo emocional que lo sustente y lo levante.
Esta película que ha ganado numerosas distinciones en festivales de cine asiático, recibió el año pasado la Cámara de Oro en el Festival de Cannes a la Mejor Opera Prima y también el premio en el Festival de Gijón. Recomendable.

Clásicos para ver en Casa.

___ Continuamos el viaje con estas colosales películas en DVD y Blue Ray.
Siempre con la venia de estar frente a trabajos diferentes, originales y de cinematografías desconocidas.
Aquí hemos optado por integrar títulos realmente innovadores, periféricos y culturalmente distintivos.
No se sorprendan, si encuentran algo del cine africano. Siempre es importante abrirse mentalmente a todas las culturas que nos preceden.

"El Color de las Granadas".

Un exquisito mosaico con símbólicas figuras considera la película.

Angel con alas.

Simbolismo, poesía y metáforas visuales.

___ Imposible pasar desapercibido por esta pequeña obra maestra del controvertido director armenio Sergei Paradjanov ( 1924-1990).
Data de 1969 y es un mosaico místico e histórico sobre la vida y obra del poeta del siglo XVIII Aruthin Sayadin, popularmente conocido como "Sayat Nova" ("El rey de la canción"), "que únicamente pudo verse en una versión rusa purificada de elementos étnicos".
En realidad, es una notable e innovadora visión del cine como arte estético, artístico e intelectual.
A la manera de los viejos retablos, la película reconvierte el juego de lo simbólico en una provocación. Es una maravillosa anomalía narrativa, cubierta de metáforas que describen un viaje fascinante hacia el simbolismo abstracto, la lírica avezada y el subjetivismo análogo, que potencia sus contenidos para subrayar los momentos más importantes mediante insertos subtitulados - como si fuera una película silente-.
Se inicia con la imagen de un niño encargado de "secar" en los techos de una imprenta, las hojas de los textos del poeta.
Después diferentes imágenes paganas de hombres semidesnudos y cultismo homoerótico, le agregan resonancias ancestrales a un entramado que concede grandes espacios para la contemplación de los cuerpos, objetos y decorados.

El ritual modal.

Cuerpos y objetos cobran gran significación.

El juego cándido que observa al espectador.

Espacio, forma y color.

Las texturas e iconografía, asemejan pequeños cuadros persas, que mantienen una obsesiva búsqueda de la belleza, pulcridad y ascetismo.
Destaca la exquisita fotografía de A.Samvelyan, Martyn Shakhbazyan y Suren Shakhbazyan, que privilegia la riqueza estética con sentido pragmático y el formalismo de los espacios del encuadre.
Escenas como el sacrificio de los cabríos, sólo pueden entenderse en el contexto político beligerante, y aunque resulta indigestos, logran expresar la rebeldía de su director respecto al momento histórico ruso.
Paradjanov sentía una admiración notable por Dovjenko y Pasolini, algo que denota en su influencia estética y su obvia constatación de un mundo irreal, místico, abstracto, ambivalente, metafórico, supremo.
"Tras rodar "El Color de las granadas" ( "Sayat Nova", 1969), Paradjanov fue detenido bajo la acusación de contrabando e incitación al suicidio y a la homosexualidad, cargos por los que en 1974 fue encarcelado. No tardaron en llegar protestas de cineastas de todo el mundo, que presionaron para lograr su puesta em libertad, conseguida cuatro años después.
A principios de los años ochenta fue encarcelado de nuevo, más tarde rodó tres películas más y finalmente murió de cáncer en 1990 a los 66 años de edad".
Sólo porque se trata de una obra de arte, esta película merece su atención y rescate de un olvido injusto. Notable.

"Un Verano con Mónica".

El fuego de la pasión inicial.

Compartiendo sueños y frustraciones.

La actriz sueca Harriet Andersson en el apogeo de su belleza.

La fierecilla indomable.

___Si existe un cine sin recetas, es el que nos legó el director sueco Ingmar Bergman ( 1918-2007).
No tan sólo fue "escuela" de una nueva clase de cine psicológico, autoral, radical en sus formas y visceral en sus modos; sino que además, se convirtió en un extraordinario explorador de la mente, capaz de armarse una filmografía autoreferente, reflexiva , abstracta y metafísica.
"Un Verano con Monica" ("Sommaren med Monika", 1953), subyuga por su transparencia y sanidad estética.
Se trata de una comedia romántica con visos de drama, de una aventura veraniega romántica, acerca de una pareja juvenil ( Harry Lund de 19 años y Monika de 17 años ),que escapa de los conservadurismos extremos para vivir su propia vida lejos de las obligaciones familiares y laborales que les impone la sociedad.
Los aires neorrealistas se imponen en el trabajo fotográfico de Gunnar Fisher, su colaborador habitual en aquel período primigenio, aunque las tomas interiores denotan un gusto por los contrastes de luz y sombras para acentuar los cuerpos y los rostros en sitios encerrados.

La sexualidad femenina en cubierta.

La belleza del paisaje sueco, resalta en la "escapada" de la pareja en un pequeño bote, donde vivirán toda clase de experiencias, desde la alegría del contacto salvaje con la naturaleza en absoluta libertad, hasta el intento de robo de la barcaza.
Lo que nunca se pierde del magnífico relato, es su tono romántico...pese a la angustiante resolución final que revela la sicología de una mujer acostumbrada a no estar sujeta, ni a las reglas de otros, ni a las obligaciones de ser madre, esposa fiel y dueña de casa.
En un gesto de rebeldía extrema, Monika es una chica "suelta al mundo", que no resiste ningún rol preconcebido, aunque éste sea establecido por sus ancestros familiares.
De ahí que Bergman, retrata la figura del joven ordenado y sutil, como la de un pequeño héroe anónimo, capaz de trabajar y cuidar de su hija, a costa de ajustarse a un trabajo rutinario con la esperanza de estudiar una carrera en la Universidad.
Extraordinarias actuaciones de Harriet Anderson ( nacida en 1932) y del desaparecido Lars Ekborg ( 1926-1969), agregan un encanto adicional a esta magnífica película, que retrata las relaciones amorosas y conyugales de una joven pareja en la crisis de su existencia. Brillante.

"Touki Bouki".

¿ Pasión por Africa ?

La ironía del estigma racial.

Un "Easy Rider"en Senegal.

Desde el paisaje agreste replica "París, París" con Josephine Baker.

___ El realizador senegalés Djibril Diop Mambety ( 1945-1998), nació en el seno de una familia muy estricta.
Su amor por el cine le llevó a rodar a los 28 años, "Tuki Bouki" ( 1973), en el acerbo crítico considerada : "una sátira de la pomposidad y el vestuario de los colonizadores, que es también una divertida comedia en la que aparecen las fantasías del Africa moderna mostradas por primera vez en la gran pantalla".
La película goza con los guiños a "Sin Aliento" de Godard y "Easy Rider" de Dennis Hopper, aunque manifiesta una aguda visión al costumbrismo africano, desde sus actitudes más peculiares y sus eventos costumbristas más simbólicos, como las luchas en la arena.
El relato cuenta los esfuerzos de dos jóvenes africanos por llegar a París.
Moury ( Magaye Niang) montado en su enorme motocicleta, trabaja en el matadero y se pasa media película intentando conseguir el dinero para viajar entre sus amistades.
Anta ( Mareme Niang), su eterna pareja, es una chica buena para dar y recibir sexo a las orillas del mar, aunque no tiene dinero ni para caerse muerta.
Mambety alterna escenas del sacrificio sangriento de unos bueyes, con escenas que transcurren entre palmeras, arena y sol, para acentuar su ironía y sarcasmo con notable ingenio y salacidad.

Hay ironía y humor negro. Nada de racismo. Sólo una notable transcripción algo pervertida de los gestos occidentales.

Secuencia prodigiosa con el recibimiento de los nuevos millonarios. Lúdicamente, claro está.

Las relaciones sexuales están sugeridas con el fuera de campo.

La cámara se jacta en primera persona, de las ambigüedades de una vida desequilibrada.
Unos niños corren detrás de la motocicleta taquillera de Mouri. Cut. Detrás de unos paneos a una agencia de viajes, aparecen las chabolas, mediaguas y la pobreza extrema. Hay enormes terrenos cubiertos de miseria, que chocan irremediablemente con las postales que promueven las excentricidades de los viajes a Europa.
Además, Mambety subraya la ambigüedad de las situaciones, incluyendo a los acomodados como seres pedestres, homosexuales refinados que corrompen el sistema policial con sus regalos de whisky, mujeres y jóvenes efebos.
Los golpes de efecto narrativos, consideran escenas oníricas donde cobran gran importancia los sonidos, los ruidos, la música y las escenas fuera de campo.
En la banda sonora resuena el clásico "París, París" de Josephine Baker insistentemente, para remarcar los sueños aspiracionales de una pareja de freaks.
"Touki Bouki" significa en el dialecto wolof, la lengua de Mambety "el viaje de las hienas", animal que volvería aparecer sugerentemente en la filmografía del cineasta, como símbolo de la maldad humana.
Debieron transcurrir veinte años, para conocer su segunda película "Hyénes" ( 1993), cuya visión es más desgarradora y sombría.
Sin duda, se trata de una pequeña joya del cine para ver sin contemplaciones.
Magnífica obra del cine africano.

"El Río".

Soledad y hermetismo.

Accidente con repercusiones físicas y emocionales.

__No confundir con el clásico de Jean Renoir.
Esta película taiwanesa, "El Río" ("He Liu", 1997), premiada en distintos Festivales Internacionales y dirigida por Ming -Liang Tsai, es una elocuente, perturbadora y contemplativa producción dramática, acerca de la soledad humana en la urbanidad actual.
Como los grandes filmes impresionistas, el relato le da gran preponderancia a los acontecimientos, sin estar acentuados por una línea determinante, debido a la incomunicación que manifiestan sus personajes.
Se trata de una metáfora intimista, que se nos revela frente a la mesa de un comedor o en los plieges recortados de un dormitorio.
Por ahí se cuela algo de Antonioni, aunque toda la acción, interpela a una corriente metafísica vulnerada por la errática relación entre sus pares.
La acción parte desde lo cotidiano.
En plano general, observamos arriba de unas escalinatas a una pareja conversar. Es el encuentro fortuito entre Xiao-Knag ( Lee Kang- Shang), un joven que deambula por Taipei y que es convidado por una chica, a participar de "extra" en el rodaje de exteriores de una película.
Su papel es el de un cadáver que baja flotando por el río. Se trata de una metáfora anticipada de la propia existencia que tendrá Xiao con su familia, al sufrir éste una paulatina y dolorosa infección al cuello. Dolor sólo comparable a la tremenda soledad que tiene con sus padres.
Ming Liang-Tsai dirige con una parsimonia propia de la filosofía Zen, y que comparte también algunos puntos estéticos con el cine de Ozu.
Largos planos secuencias, absolución del montaje y concientes claroscuros para acentuar el clima errático del drama interior que sufre el personaje.
El elocuente desenlace, donde padre e hijo cubren la carencia afectiva con la ambigüedad del deseo masturbatorio, tiene mucho de doloroso y pudoroso.
No ya sólo en el efecto que provoca la acción, sino en la manera con que Ming redondea las claves del enigma que solucionan la problemática central.
Relato hermético, soterrado por una desgarradora ansiedad y carencia afectiva, se destaca por su notable economía de diálogos en función de la utilización inteligente de los recursos expresivos del cine.
Completan el elenco de intérpretes : Miao Tien Chang Long, Lu Shiao-Ling,Anne Hui y Chen Chao -Jung. Recomendable.

"Antes de la lluvia".

El regreso al hogar en medio de la devastación bélica.

Tres relatos con personajes que se cruzan en el camino.

El sin sentido de la guerra.

___ Primer largometraje del macedonio Milcho Manchevski, "Antes de la lluvia" ("Before the Rain", 1994), "que concibió la idea de visitar a su país natal después de varios años de ausencia. Inspirado en la guerra civil, escribió tres relatos sencillos. Sus protagonistas viven varias historias de amor, determinadas por la violencia de la guerra".
En el primer relato ("Faces"), un joven monje macedonio esconde a una joven albanesa musulmana perseguida por la comunidad cristiana. Es el más significativo de los tres, que incluyen la reconversión del voto de silencio por salvar una vida en peligro.
En el segundo relato, una directora de una agencia de noticias vive una tensa relación amorosa con un fotógrafo de origen macedonio, al punto que decide volver al país.
Este personaje estelariza la última historia, que gira en torno al regreso al hogar en medio de la debacle.
El filme es extremadamente sutil, emocional y realista.
Todas las visiones pasan por un prisma que es Alexander Kirkov ( el actor Rade Serbedzija de "Ronin"), un fotógrafo profesional, premiado con el Pulitzer y que vuelve a sus tierras después de dieciseis años.
Alexander intenta comprender las motivaciones de la guerra :
___"La guerra es un virus, nos dividimos en dos : su pueblo y nuestro pueblo", acota.
Relato circular que se inicia con el desenlace de la historia, logra interesantes momentos expresivos gracias a una notable austeridad.
Hermosa y auténtica experiencia cinematográfica, integra temáticas de gran valor como la condición humana, el amor, el odio, la fragilidad del destino, la fé y la intolerancia.
Ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia. Valiosa.

"Las Tres Estaciones".

Carátula del DVD.

__ Una hermosa y melancólica mirada al nuevo Vietnam nos ofrece el director Tony Bui, a partir de las historias de cuatro personajes desconocidos de Saigón, que sufren la marginación en su propio país, ajenos a los polos de desarrollo que se producen en Occidente.
El destino de estos personajes habrían de cruzarse, dentro de un paisaje invadido por los símbolos más recurrentes de la cultura anglosajona.
Una joven Kien An ( Ngoc Hiep Nguyen), trabaja recogiendo lotos en el tanque del maestro Lao.
Ella desata la envidia de sus compañeras más antiguas, aunque conquista el corazón de su jefe confinado desde hace años, por un pasado tormentoso. La personalidad de la muchacha le inspira a volver a escribir poesía en medio de una enfermedad, con la ayuda encomiable de la chiquilla.
Mientras que, en el centro de la ciudad, un ciclotaxista Hai ( Don Douong), se enamora de una joven prostituta Lan ( Diep Bui), ambiciosa e independiente.
La chica le reniega su pasión, porque tiene metas desmedidas, lo que inicia una compleja tarea de seducción por parte del hombre que ansía perdidamente su corazón.
Finalmente, un niño Woody ( Duoc Huu Nguyen), vive como vendedor callejero, hasta que conoce a James Hager ( Harvey Keitel), un norteamericano que fue soldado y que sólo regresa a reordenar su existencia tras los pasos de su hija que dejó por la guerra.
Un trío de representantes característicos de la nueva Vietnam, que vienen a construír un fresco dinámico, sugerente, estéticamente arrebatador, con sesgos humanistas, poéticos y realistas.
Integramente rodada en Saigón, el filme obtuvo el Gran Premio del Jurado, el premio del público y el premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Sundance y fue seleccionada para competir en el Festival de Berlín. Muy Interesante.

"Tess".

La plasticidad de la fotografía subrayada por la belleza de Nastassja Kinski.

El paseo del destino.

Elixir romántico.

___ La narrativa del escritor Thomas Hardy "con sus argumentos sencillos , pero llenos de acción, sus logradas descripciones del campo y la naturaleza, sus pintorescos personajes y su propensión al simbolismo", parecen elementos ideales para transcribir al cine, aunque sus libros raras veces han logrado ser adaptados adecuadamente en la pantalla.
Esta es la excepción.
Publicada en 1891, ya llevada al cine en 1913 y 1924, merecía una tercera oportunidad, toda vez tratándose de la historia de una inocente chiquilla de campo, que por sus ambiciones desmedidas se lanza a la vida seducida por su primo.
La "remake" se debe al cineasta polaco Roman Polanski, que efectúa una historia romántica, trágica y hermosa de connotaciones sociales, subrayada por una estupenda puesta en escena y una notable fotografía del recordado veterano George Unsworth, que murió durante el rodaje de ocho meses, aunque su impronta estética identifica la belleza de la película.
Tess ( la sensual Nastassja Kinski, en su primer rol estelar ), es la hija de dos pobres campesinos endurecidos por el rigor de la Naturaleza, que se ve obligada a trabajar para mantener a sus padres y a su numerosa familia.
Violada por su primer amor y nunca redimida por sus exparejas, grafica una época neovictoriana llena de conductas ambiguas y perversas.
Siempre evitando los desbordes melodramáticos más recurrentes, Polanski construye su película considerando toda la fuerza literaria de Hardy, acentuando la riqueza de los ambientes en función de la capacidad descriptiva de la obra original.
Este gusto pictórico amalgama la contención interna de la sicología del personaje central con la fugacidad de los acontecimientos a un ritmo contemplativo de las emociones.
Se trata de una simbiosis concluyente, que certifica el dominio que tiene Polanski de las situaciones y su magnífica manera de extraer todo el potencial de los personajes y de los ambientes.

Cada plano de la película, asemeja un cuadro pictórico.

Luces y sombras para las escenas interiores.

Un empleo sustancial de la pantalla ancha.

El veterano George Unsworth detrás de las cámaras. Cuando falleció la película la terminó el operador francés Ghislain Cloquet.

Gran empleo de los espacios y las formas.

¿ Matrimonio ideal o por conveniencia ?

La fuga final a ninguna parte. Esta escena está filmada en Stonehemge, basada en un cuadro de Turner.

El cineasta polaco urga en los vericuetos del alma femenina, sometiéndolos a las rigideces morales y sociales de una época.
Nada disminuye este caudal de sentimientos encontrados que personifica la preciosa Nastassja Kinski, "un ángel" de Boticelli en medio de una jauría de lobos en celo.
"Tess" ( coproducción franco- británica, 1979), es por tanto, un estudio profundo de las desdichas humanas, la imposibilidad de llegar a concretar la relación amorosa ideal cuando se está constreñida a un tiempo histórico extremadamente cerrado y omnisciente.
Escenas inolvidables como: la secuencia del novio que pasea en brazos a las trabajadoras enamoradas del chico, cuando Tess no se imagina aún que ha sido la elegida para convertirse en esposa del codiciado galán; o esa otra, del entierro del bebé perdido, o el contundente desenlace que integra la tragedia sangrienta como salida a ninguna parte, acentúan los climaxs más dramáticos de esta obra maestra contundente.
Nada falta, nada sobra, en este magnífico retrato sobre la lucha de una mujer que se creyó independiente en tiempos de ostracismo.
Ni siquiera la duración de 172 minutos, debiera asustar a los espectadores que aún no conocen la belleza de esta película.
Pese a las divisiones que provocó su estreno en cierta crítica, que la encontró una película floja y desabrida, los años han logrado recapturar todo su encanto, su poesía y el sutil manejo de las emociones que Polanski logra con sólo el pintorequismo arrebatador de su puesta en escena.
Es ése elixir romántico, el que eleva su propuesta a grados superlativos.
Sin duda, una obra magnífica que merece una reconsideración por parte del espectador más exigente.
Completan el elenco de actores : Peter Firth, Leigh Lawson, John Collin, Rosemary Martin, Sylvia Coleridge, Tony Church y John Bett. Muy Recomendable.

Fotos-Gentileza : Medusa Films- Pathé - Cahiers du Cinema- Film & Sound- Cinemanía- Cine Europa- EuroAsia 2013- Animation Magazine- Ghibli Studios- Archivo.-