Séptimo 7 sello: Un Retrato del Mundo desde la pequeña mirada :

Abuelo, Cuentame un Cuento...

Marie Annete Tanderod Berglyd y Otto Garli con el resto de los actores infantiles de la película noruega "Totally True"("Jorgen + Anne =Sant") dirigidos por Anne Sewitsky, una de las novedades cinematográficas que destacamos esta semana.

Nunca es fácil partir con una entrada si no se tiene en cuenta el tema a abordar. Pero esta semana decidimos ampliar los artículos y comentarios sobre películas infantiles y juveniles, toda vez, que nos escriben y nos solicitan más insertos relativos al tema.
Cuando uno es profesor, tiene el anhelo justificado que sus alumnos vean y valoren las películas que uno ha tenido la suerte de conocer para ampliarles la cultura que ellos tienen del mundo.
No es una tarea fácil si se considera que los chicos y chicas tienen establecidos ciertos parámetros sobre el cine como evasión y entretención popular, lejanos a los valores que certifican que las "movies" también pueden transmitir preocupaciones más profundas, que la sociedad atisba y que necesita reflexionar para obturar los cambios necesarios y mejorables.
El mundo actual es una vertiente de buen cine, si se utilizan los medios informáticos y digitales que están a la mano, se determinan los visionados como instrumentos adecuados para el aprendizaje y la riqueza intelectual de los muchachos; y se logra establecer al cine como un reflejo idóneo para conocer el mundo de la infancia y la adolescencia en todas sus magnitudes.
Que esta entrada, donde agregamos muchos títulos por descubrir, sea un aporte significativo a las inquietudes de los espectadores y revele cuántas maravillas hay detrás de una película de latitudes lejanas o cercanas, como una manera de extender las aguas territoriales del séptimo arte en la formación de nuevos espectadores, tan necesarios para la subsistencia del arte y de la industria cinematográficas.
Bienvenidos a esta nueva aventura con películas que tratan el tema infantil y juvenil en distintas formas y manifestaciones. Que la disfruten.

Grandes Curiosidades.

En este apartado, hay películas por redescubrir que recordábamos vagamente o que, sencillamente no habíamos visto con anterioridad, pero que tienen en común, un relato original y curioso. Para armarse una pequeña matiné en casa y en compañía de la familia.

"Los Muchachos de la Calle Paul" :
Las Aventuras de la Pandilla.

El pequeño Nemecsek en el colegio junto a Boka ( el primero a la derecha), intentará ser aceptado por la pandilla del barrio.

El pequeño actor Anthony Kemp en el papel de su vida, aunque tuvo intervenciones en películas como : "Crywolf", "Toggle", "Cromwell" y "Twinky".

El ingreso del pequeño líder es accidental y fortuito.

___ La recordaba vagamente en una exhibición en blanco y negro que dió la TVN hace cuarenta y tres años, en uno de los espacios de trasnoche con películas clásicas de todos los tiempos.
Mi arrebato de niño de ocho años hizo el resto. Me quedó para siempre grabada en la memoria la escena de la enfermedad del protagonista y las luchas entre pandillas en un espacio abierto, que utilizaban como un improvisado campo de beisból.
No es una película americana. Se trata de la vigésimo tercera película del realizador húngaro Zoltan Fabri, considerado como el más famoso de los cineastas de su generación, gracias a películas como : "Hannibal tanar úr", "Veinte horas", "La frase inacabada y "Magyarok".
El filme coproducido por Hungría y Estados Unidos, está rodado en pantalla ancha y fue rescatado en su formato original para el DVD, editándose en inglés como "The boys from Paul Street" ( 1968), hace unos años.
Basado en el libro de Ferenc Molnar, es una novela de culto en su país, ya filmada en 1924 por Bela Balogh y reproducida para la televisión en el 2005 por Ferenc Tótok.
Esta según la crítica, es la mejor adaptación del texto original a la pantalla grande.
En realidad, la película es una gozada de principio a fin, que no sólo se queda en el retrato minucioso de una época - transcurre en Budapest en un barrio popular en Abril de 1902-, sino que es capaz de trazar un interesante dibujo de los adolescentes desde las actitudes y anécdotas que los enfrentan por el dominio de un terreno que será utilizado después para la construcción.
El relato gira en torno a Nemecsek ( Anthony Kemp), un chico de doce años que intenta ingresar al grupo liderado por Boka ( William Burleigh), un adolescente de quince, y que recibe una mojada en un río, sin tener más remedio que demostrar su coraje en medio de una enfermedad incierta.
Aunque las motivaciones del conflicto están en la lucha que sostendrán con la banda rival, utilizando estrategias calcadas de los viejos conflictos bélicos y que rememora "La Guerra de los Botones" y "El Señor de las Moscas", el filme profundiza en los valores de la nobleza, la ética de los acuerdos, la amistad, la solidaridad, la muerte, y la espiritualidad de la música que surge desde cuando el protagonista silba el tema central del filme de manera insistente.

En las travesuras del curso en el colegio, Nemecsek aprenderá los sinsabores de la vida.

En Budapest, el recuerdo emotivo de la película con estas estatuas callejeras.

Fabri no descuidó detalles en la recreación de época, y tampoco en la progresión narrativa de la que extrae serias lecciones de vida. Su mirada no es complaciente. Muy por el contrario. Al manifestar su interés por profundizar en la sicología de sus personajes adolescentes, logra matizar los choques valóricos entre sus protagonistas y entrega un relato aleccionador concluyente y satisfactorio.
Dentro del despliegue de recursos puestos en juego para ambientar la acción, resulta magnífico el diseño de producción, el vestuario y los decorados que aseguran un realismo abrasador en medio de las pugnas reiteradas entre las tribus de niños rivales.
La cinta rescata el gusto por la aventura adolescente deudora de Mark Twain, y acierta en la incorporación de personajes adultos algo esmirriados, lejanos y exigentes; salvo la dulce madre del protagonista que sufre las desdichas de su hijo con el corazón en la mano.
Se trata de un pequeño clásico del cine juvenil, que cuenta con grandes interpretaciones de actores ingleses, norteamericanos y húngaros donde también sobresalen: Mari Töröcsik, Sandor Pecsi, John Moulder-Brown, Marc Colleano, Robert Efford, Gary O"Brien, Martin Beaumont y Paul Bartleft. Sobresaliente.

"La niña y el eco" :
Poesía hecha imágenes.

La niña, el corno, el abuelo, el bote y el mar.

Las salidas de Vika son recurrentes y expuestas.

____ El cine soviético del final del período de la guerra fría, trajo consigo una renovación en los temas que subvirtió las temáticas más contingentes por una valorización del entorno cultural y un trabajo metódico de la imagen en extremo plástico y sugerente.
Andrei Tarkovski debutó en el largometraje con "La Infancia de Iván" ( que destacamos en otras ocasiones), una notable parábola sobre la guerra desde la mirada de un niño que espía a los nazis en el frente.
El director lituano Arúnas Zébriunas ( 1931-2013) - un desconocido por estos pagos-, se dió a conocer internacionalmente con películas que rasguñan el hambre del realismo menos complaciente, alegórico y de aliento casi documental.
"La niña y el eco" (" Paskutine atostogu diena"/ "Girl and the eco", 1964) es su segundo largometraje de nueve trabajos filmados entre 1960 y 1988 y una representante imprescindible para valorizar sus virtudes como narrador inspirado y poeta de la imagen.
El filme está basado en el cuento corto "El Eco" de Yuryi Nagibin, con guión del propio Zébriunas y se arma a partir de un relato casi exclusivamente protagonizado por niños.
La historia se desarrolla en los últimos días de vacaciones de Vika ( la pequeña Lina Braknyte) de ocho años, que pasa el verano en compañía de su abuelo, un pescador que habita cerca del mar.
La chica adora bañarse en las aguas después de tocar su corno frente a las rocas, con la sutileza de su naturalidad displicente, sin medir los riesgos de aparecer desnuda en medio de las olas.
Un día se le cruza un amigo de su edad ( Valeri Zubakev), un chico simpático, aparentemente valiente y divertido.
La amistad es consecuente con las entretenciones que comparten con una pandilla de niños playeros, aunque se pondrá a prueba, cuando a Vika le corresponda sufrir la hegemonía del grupo mientras se baña desnuda; sin contar con la defensa real del que cree su amigo y compañero de correrías.
En algo más de una hora, Zébriunas elabora una gran película infantil veraniega, que privilegia la sugerencia visual por sobre los diálogos.
La relación de amistad entre los niños se va construyendo en función de las anécdotas, aunque el director se asegura de trazar una línea gruesa en los comportamientos de los personajes para aleccionarnos en razón de una diáfana historia de amores encontrados, admiraciones nunca concluyentes y una defensa hacia la mujer, que tampoco parece manifestarse en el momento de la verdad.
Zébriunas privilegia la plasticidad del encuadre y el sonido, acentuando los momentos de tensión con pequeños detalles en el montaje muy sutiles y meritorios, como la música que emite una radio portátil, el chasquido de las olas, el repetitivo eco entre los riscos y las plácidas tonalidades del corno.
Se trata de una pequeña obra maestra en su estilo, una película que merece una urgente reivindicación, al menos para valorar a un director por estos lados, desconocido y original. Valiosa.

"El Dirigible robado"/ "La Nave robada" :
Verne y la revolución industrial.

Un sensacional viaje en un globo robado emprenden cinco niños.

Cara a cara con el mismísmo Capitán Nemo en el Nautilus.

El detallismo en la recreación de época es notable.

___ Nunca bien conocido en Latinoamérica debido a los conflictos políticos, la guerra fría y las distancias geográficas, el realizador Karel Zeman ( 1910-1989) es sin duda, uno de los maestros de la animación de la vieja escuela checa que encabezó al lado de Jiri Trnka.
Innovador afortunado como lo fue Georges Mélies, su filmografía está plagada de ingenio, mezcla de técnicas y soportes fotográficos, alambicadas historias basadas en Julio Verne y los hermanos Grimm.
Títulos imprescindibles de su carrera como : "El Rey Lavra", "El tesoro de la Isla de los pájaros", "Viaje a la Prehistoria", "Cuentos de las mil y una noches" "El aprendiz de brujo" y "Hansel y Gretel", hablan de un autor nato y un director original y perseverante.
"El Dirigible robado" ( 1967) debe estar por derecho propio, entre sus obras maestras.
Un relato basado en Julio Verne, es también una alegoría al maquinismo y al período inicial de la Revolución Industrial con toda su carga ingente de inventos.
Cinco niños astutos e inquietos - incluyendo al hijo del procurador de la ciudad- , se roban un globo aerostático y cruzan por continentes hasta llegar a los dominios del Capitán Nemo y su Nautilus.
Detrás de los niños está casi toda la ciudad: el periodismo que dibuja historias irreales de la proeza aérea; un espía de un grupo de seguridad ultrasecreto, los piratas algo viejos de un barco cautivo, los padres de los muchachos, cada uno con rasgos distintivos a considerar.
En este marasmo de personajes, el relato fluye con prodigiosa celeridad.
Además, están las magníficas recreaciones de época. Un detallismo abrumador que le saca partido a los decorados y a las maquetas.

Desde el cielo, todo es más pequeño y cautivante.

El espía secreto en tonos sepias y virados, que caracterizan el cromatismo de la obra.

Zeman la rodó en "CinemaScope", en sepia y con virados según las acciones y atmósferas ( magenta, dorado, verde, rojo y azul).
También insiste como en sus obras anteriores ( "Viaje a la Prehistoria") en la maravillosa dualidad de la aventura física en contraste con la aventura de la imaginación.
Su estilo ocupa una amplia variedad de técnicas : aguasfuertes, dibujos en crayon, decorados, xilografías, maquetas, sobreimpresiones, filmaciones de otras películas reutilizables, escenarios surrealistas y una estética característica de su estilo, muy original y distintiva.
Apreciada por las cúpulas más privilegiadas de la crítica internacional, estas películas son verdaderas joyas del cine que aplican todos los elementos de la técnica cinematográfica para recrear universos realmente sobrecogedores, cautivadores y fantásticos. Imprescindible.

"Oscar y la dama de rosa" :
La herencia de un niño.

El primer encuentro accidental.

Amistades cómplices.

La bola de cristal que inspira los desbordes oníricos.

El pequeño Amir Ben Abdelmoumen es Oscar.

El veterano actor sueco Max Von Sydow como el doctor Dusserdorf y la actriz francesa Michele Laroque es Rosa.

____ "Al adoptarte, Oscar te hizo su Heredera"...
Mostrar el tema de la muerte en los niños es cosa dramática.
Evitar el sufrimiento y la ansiedad, es quizás una las sensaciones más amargas si se toma en consideración que los niños no han tenido aún la oportunidad de vivir plenamente y desarrollarse en completitud.
"Planta Cuarta" y "Vivir para siempre" han sido películas recientes que han abordado esta temática desde un punto de vista agridulce, realista y siempre indulgente.
"Oscar y la dama de rosa" ("Oscar et la dame rosa", 2009) coproducción franco-belga-canadiense tiene a su favor, presentar la situación desde un principio, sin disfrazar los momentos dramáticos y con un aliento vigorizante que nace de la construcción de los personajes.
Oscar ( el extraordinario niño actor Amir Ben Abdelmoumen) de once años, sufre de cáncer terminal y sólo se entera cuando el doctor Dusseldörf ( Max Von Sydow) que lo atiende en su clínica, le cuenta secretamente a sus padres la delicada situación por la que atraviesa.
El chico oculto en el pasillo, se informa de su complejo estado de salud, lo que desencadena un violento aislamiento, sólo mitigable con la presencia de Rose ( Michele Laroque), una mujer dura, lenguaraz e independiente que se dedica a fabricar pizzas.
Convidada por el doctor, Rose entra en comunicación con el niño sólo a cambio de que la Clínica le adquiera diariamente las deliciosas pizzas.
La relación que se establece entre el niño y la mujer es únicamente atribuíble a la maternidad no asumida de ella, y a la soledad de él, que odia a sus padres porque nunca le han contado la verdad.
El director Eric-Emmanuel Schmitt ( autor del libreto de "El Sr. Ibrahim y las flores del Corán" y del largometraje "Odette Toulemonde"), escudriña con gran inteligencia y sensibilidad en el tema de la muerte en la infancia, sin escudar los momentos trágicos, aunque manteniendo un tono amable, cariñoso, divertido y hasta esperanzador.
A los desbordes oníricos del relato, cuando Rose le relata cuentos como luchadora en el ring; el director contrapone los momentos de gran emoción, que permiten vivir a Oscar en la idea de la existencia de un Dios omnipresente, que le cuida y le protege.
El juego de Rose, es que cada día vale por diez años de vida del muchacho; así Oscar conocerá las mieles de la adolescencia, el primer amor, el matrimonio, la separación, la reconciliación, la madurez y la senectud, como si su existencia estuviera concentrada en diez días, los justos para descubrir temáticas relativas a la Vida, la muerte, el sufrimiento, la compasión, la caridad, la tolerancia, la amistad, la Fé, la espiritualidad y la imaginación.
Un trabajo sensible con los actores principales, y las sabias cooperaciones secundarias de Max Von Sydow y Mylene Demongeot como la agradable Lily, hacen el resto de esta interesante película familiar. Recomendable.

"Totally True"/"Jorgen + Anne= Sant":
Amor Infinito.

Un momento del rodaje de la película.

La pareja protagonista conformada por Marie Annette Taderod Berglyd y Otto Garli.

La amistad entre Anne y Beate, es puesta a prueba en el relato.

__El Cine noruego desde hace algún tiempo que viene produciendo películas infantiles y juveniles, con absoluta convicción que la óptica infantil tiene un lugar asegurado en el corazón de los espectadotes.
Ahí están para corroborarlo: "The Color of Money" y "Hur Wolken Bewependie sterne" de Torum Lian, que en buena medida nos habla del concepto del amor en los niños.
"Totally True"/"Jorge+ Anne = Sant" ( 2011) dirigida por la solvente Anne Sewitsky ("Happy happy!"/"Sykt Likkeling", 2010), es otra fiel representante de esa clase de películas, que nos permiten contemplar la notable belleza de los paisajes nórdicos, para ambientar una historia romántica entre niños de diez años.
Dos amigas entrañables : Anne Lunde ( la magnífica actriz infantil Marie Annette Tanderod Berglyd) y Beate ( la solvente Aurora Bach Rodal) que estudian juntas en el Quinto B, ponen en riesgo sus afectos cuando se les cruza en el camino un nuevo chico Jorgen Ruge ( el carismático Otto Garli), que llega a habitar la casa de Helga, donde supuestamente ocurrió un asesinato.
Integrar a Jorgen en el grupo del curso significa crecer en la medida de estrechar un lazo afectivo con el muchacho que va más allá de la mera amistad.
Anne está perdidamente enamorada de Jorgen, ya que estimula sus sueños en virtud de su idolatria por él. Lo convierte en crack de la selección noruega de fútbol, en el compañero idealizado de las tardes de natación y en el amigo ideal para pasear en bicicleta y compartir el tiempo libre. Todo va perfectamente hasta que se le cruza en el camino la rubicunda Ellen ( Vilde Fredirksen Verlo), una modelo de spot televisivos que se nutre de la imagen y la egolatría.

Marie Annette interactuando para la cámara.

El curso de Anne ( la tercera de derecha a izquierda), es protagonista secundario de la historia.

La chica "de plástico" que rivaliza con Anne, por amor a Jorgen.

Los actores en Oslo en la premiére de la película.

La película rastrea con gran sensibilidad y un toque de dramatismo en la capacidad de amar en los inicios de la pubertad.
No se cuestiona la imposibilidad de estrechar una relación duradera, sino más bien, en la visión compleja y madura de una niñita por un niñito al que cree el amor de su vida.
Como en "Melody"( 1971), esa obra mayor del cine infantil armonizada con la música de The Bee Gees, el amor aquí es alcanzable, eterno, puro, virginal, sin miramientos sexuales, simplemente afectos que nutren el entramado de una historia coloquial, sincera y realista
La directora Anne Sewitsky adaptó la novela de Vigdis Hjorth coescrita para el cine con Kamilla Krosveen. Todas mujeres. El tacto femenino y la sutileza por tanto es extremo.
Hay también un trabajo magnífico con los niños actores.
La mayoría no supera los diez años de edad y conjugan a la perfección el grupo de amistades colegiales de Anne Lunde.
También hay un trabajo estético en la fotografía de Anna Myking, que logra entronizar la vertiente realista con la onírica, sobretodo cuando matiza los sueños en la leyenda de Helga, la supuesta chica que murió por amor en la casa donde ahora vive Jorgen.
Para los espectadores más recalcitrantes, el filme integra una mirada crítica a los "realities" de la televisión, al excesivo culto de la imagen y a la belleza del gimnasio y la publicidad, encarnada en la pequeña niña que juega eternamente a ganadora, sin medir sus ambiciones personales.
La fiesta de cumpleaños de la niña modelo y la posterior huída en la lluvia, se cuentan entre los momentos más emocionantes y realistas de la película. En ellos, también sobresalen las magníficas actuaciones de estos prodigios del cine europeo. Notable.

Los Temas Controvertidos.

En este segmento, incluímos sólo películas que tratan temáticas polémicas, tabúes o controvertidas.Desde la pedofilia y la violencia sexual contra los niños hasta la castradora denuncia social de cierto tipo de cine combativo y valiente. Emigración, pubertad sexual, aborto, cosmopolismo racial y otras problemáticas, aparecen en este interesante compilado. Es un manjar para paladares exigentes. Títulos para apreciarlos en compañía de los padres y profesores.

"Arvacska"/"Nobody"s Daughter" :
Brutalidad contra lo desconocido.

Asalto a los sandiales.

El niño y el viejo, grandes amigos que sólo separará la muerte.

___ Hay películas infantiles que trabajan sobre la emocionalidad y el instinto básico del espectador. No lo condicionan a una historia preconcebida como un relato tradicional; más bien, se construyen sutilmente a medida avanzan los acontecimientos privilegiando el valor de la imagen por sobre los diálogos e invitando al público a armarse su propio criterio.
"Arvacska" ( 1976) dirigida por el húngaro Lászlo Radony ( 1919-1983) y su asistente Gyula Mészaros; es una de aquellas películas que exige el trabajo del espectador para entender y aceptar la triste realidad de una anomalía.
En efecto, el relato se nos abre con un chico que transita desnudo por la campiña, en una atmósfera de gran pobreza y miserabilidad.
La desnudez del chiquillo puede dar pie a malos entendidos, ya que no se trata de una provocación a la pedofilia como lo han querido entender en ciertas cúpulas; muy por el contrario; se trata de mostrar el estado salvaje en que vive el chico - y aquí está el motivo central de la historia- que se muestra físicamente ambiguo.
Radony insiste en las escenas de la desnudez del niño trabajando en el campo y jugando con su vaca protectora, sólo para mostrar que lo que vemos en realidad no corresponde a la naturaleza de su apariencia.
En efecto, el cuerpo del niño tiene una indefinición física, que sólo es posible visualizar en el salvajismo con que habita entre medio de sandiales y campos agrestes desolados y lejanos. De este modo, el filme escudriña con madurez y visceralidad por el tema del niño hemafrodita y lo hace desde la óptica del realismo rural más agresivo y marginal.
A la belleza bucólica de la pradera agraria, Laszlo contrapone la brutalidad paternal contra el niño, que sólo cuenta con la amistad y compañía cercana de una vaca lechera.
El director acentúa el valor de la fotografía de Sandor Sara y el montaje funcional de Mihaly Morell, para darle cuerpo a los significativos momentos de buen cine que tiene la película.
En exteriores, remarca concientemente los hermosos encuadres de rasgos pictóricos y con los contrapone a las tomas intimistas más oscuras y lóbregas.
El aislamiento del niño-niña es cada vez más opresivo y claustrofóbico. Su familia le ha negado un sitio en la mesa para comer junto a sus hermanos; ir al colegio o vestirse como los demás.
Cuando intentan adoptarlo al enterarse de su anomalía, niegan la responsabilidad para hacerse cargo de él; aunque terminará protegido por un viejo agricultor pobre y enfermo.
Con el anciano, el infante conocerá la paternidad negada, la protección y el calor humano, aunque no le durarán demasiado.

La belleza pictórica del paisaje.

Reconociendo el cariño protector del anciano.

Notable por su crudeza y poesía, el filme interesa sobretodo, porque aborda con un sentido elocuente, una realidad innegable respecto a los niños que nacen con esta distorsión sexual.
Más aún, en ambientes de extrema miseria y vulgaridad donde campea el machismo más abrumador, el castigo más indolente y la amenaza de un mundo hostil que aprisiona las posibilidades de un niño por desarrollarse plenamente.
El relato nos recuerda al filme italiano "Padre, Padrone" de los hermanos Taviani, aunque su exegesis va por otro lado.
Sin duda, estamos en presencia de una película que no es para todos los gustos, pero que se ve con interés por la sugerente puesta en escena que acentúa la belleza rural por sobre la pobreza humana con resultados más que meritorios.
Inolvidable la actuación de la pequeña niña Zsuzsa Czinkóczi, que fue seleccionada entre 5.000 niños a los siete años de edad, para interpretar el rol central de la película.
Después siguió una carrera en el cine, aunque se casó a los 17 años, y se transformó en una actriz fetiche de la directora Marta Mészaros.
El desenlace del relato es cruel y patético pero encierra las constantes del mensaje que nos deja desoladoramente tristes, con esta historia de un niño en la indefinición de su propio destino y sexualidad. Notable.

"Amistades Particulares" :
Poesía de la Indulgencia.

Relaciones peligrosas.

El viaje determinante.

Compañeros de la insinuación.

___ Es complejo determinar cuando apareció el cultismo del Arte por la belleza infantil, aunque se asegura fueron los Griegos y luego los Romanos, los que extrajeron toda la certera idolatría por los efebos y querubines andróginos en la escultura, y luego en la pintura y todas las Artes Plásticas.
Insinuar que la pedofilia es una aberración sexual de estos tiempos, es desconocer los orígenes del Arte, toda vez que sus más reconocidos artistas ( Miguel Angel, Leonardo Da Vinci, etc) cultivaron la idolatría por el Eros masculino y se recrearon en la belleza adolescente como expresión visceral de unos tiempos decadentes y misteriosos.
Ciertamente, el tema pedófilo aparece con insistencia por la redes sociales, debido al explosivo aumento de la prostitución infantil en los países que explotan y sobrexplotan sus recursos naturales, para beneplácito de unos pocos que lucran con estos negocios, satisfaciendo las pulsaciones sexuales de quienes comercializan a los niños como mercancía erótica.
Ya no sólo se habla de pedofilia en las cúpulas de las Iglesias o las Instituciones públicas que tienen la misión de velar por la protección infantil, sino también en el cine, aunque muchas de las películas sean vedadas y atacadas por expresar de manera convincente, las raíces de un fenómeno que habla de la soledad, el miedo, la impotencia, la violencia y el traumatismo emocional de la Humanidad.
Recientes estudios dados a conocer por la BBC, hablan insistentemente del explosivo crecimiento que han tomado en las redes informáticas la pornografía infantil y la pederastia.
Insistimos que los niños necesitan leyes que refuercen su protección y los padres deben velar porque sus hijos cuenten con su guía atenta y siempre valiosa.
Nunca es tarde para enmendar rumbos. Sólo así, evitaremos males mayores.
La película "Amistades Particulares " ("Les amisties particulaires", 1964), es una obra maestra en toda su magnitud, pese a remover el tema de la pedofilia en grado superlativo, ya que el motivo central del relato, va más por el lado de la contemplación de la belleza en la adolescencia y sus trágicas consecuencias.
Esta insinuación homoerótica sólo puede ser entendida en el contexto de un proceso de admiración extrema, remarcada por la ausencia paternal, la estricta disciplina educativa y la soledad en un mundo monacal ausente de valores externos.
El director francés Jean Delannoy ("Sinfonía Pastoral", "Marie-Antoinette", "Nuestra Señora de París"; "La Princesa de Cleves"), abordó la compleja novela de Roger Peyrefitte y "reconstruyó el clima de sobriedad y castidad de un internado religioso en el que surge la intensa amistad que une a Alexander Motier ( Didier Haudepin) y George de Sarre ( Francis Lacombrade), los adolescentes protagonistas del filme rodado en 1964, con guión de Jean Aurenche y Pierre Bost".

El retrato que desencadena la pasión.

La admiración infantil por la figura juvenil.

Cómplices de una atracción mutua.

La película se beneficia del magnífico talento narrativo de Delannoy para dimensionar sin prejuicios, los avatares que sufren los internos cuando en medio del proceso del despertar sexual, se siente atraídos por uno de sus compañeros.
El juego lúdico del relato alcanza la emocionalidad, cuando descubrimos que han habido casos anteriores de alumnos enamorados de sus compañeros de curso.
Delannoy grafica la intensa relación que surgirá entre el pequeño Haudepin y su aparentemente amigo mayor, en unos encuentros que tiene más de lúdicos y poéticos, que de sexuales.
Aquí las sugerencias son evidentes y determinan la ambigüedad del fenómeno ( el compartir la sangre como los vampiros de la noche; escribir poesía dedicada a la belleza del niño-hombre; comparar la escultura a la figura del púber, regalar perfume en su cumpleaños ), demuestran la complejidad de unas pulsaciones no siempre categóricas, que hablan desde el drama del abandono, la soledad, la complacencia y el autoritarismo.
Parece prematuro tachar a esta notable obra maestra como arquetipo clásico de un filme homosexual ( pese al cultismo que le dan las minorías sexuales y a la admiración que despierta entre los heterosexuales ), cuando en realidad se trata de una intensa película sobre amores equívocos, en tiempos de rara afectación espiritual y familiar.
Un drama en toda su regla, sobre el despertar de los sentimientos y las atracciones más radicales.
No hay mayor fetichismo que seguirle la carrera al bueno de Haudepin, un prodigio extraordinario del cine francés, que saltó al estrellato con esta película y logró transformarse en ícono de cierto cine controvertido, independiente y contingente.
El filme se puede exhibir en la Enseñanza Media ( sin censura), pues logra tratar con altura de miras un tema siempre vigente. No la dejes pasar por alto, aún si lo deseas comentar con tu familia. Valiosa y corajuda.

"Juegos Prohibidos" :
La orfandad en la guerra.

El pequeño Michel, su padre y Paulette.

Rescatando a la mascota moribunda.

Huyendo de un escarmiento.

____ Desde que el cine existe que los temas infantiles sobre la guerra han despertado el interés recurrente de cineastas y público. Ahí están para demostrarlo, películas que utilizan el trasfondo bélico para elaborar interesantes retratos sobre la vida en momentos de extrema crisis social, política y económica como : "Ladrón de bicicletas"; "Germania, año cero"; "Los Angeles perdidos"; "La Infancia de Iván", "Adiós a los niños"; "La Esperanza y la Gloria"; "La Vida es bella"; "Imperio del Sol"; "El laberinto del Fauno" y "La ladrona de libros".
"Juegos Prohibidos" ("Jeux Indertis", 1952), debe ser uno de los mayores aportes al tema, sobretodo por su elocuente y conmovedor naturalismo y espontaneidad.
El director francés René Clement ("La bataille du rail", "A pleno sol", "¿ Arde, París ?), que venía del documental dramatizado, la hizo en momentos en que el mundo saltaba a la amenaza atómica, si bien, su motivación central era volver a poner en ristre, la destrucción que provoca la guerra.
La película se beneficia de un tono melancólico que nos devuelve a los viejos romanceros de la época medieval ( no en vano la banda musical está compuesta y ejecutada por el guitarrista español Narciso Yepes, y es una gozada), aunque se sitúe en plena Segumda Guera Mundial, cuando los bombardeos alemanes cobran el precio de los padres de la pequeña Paulette ( la magnífica revelación de cinco años, Brigitte Fosey), que mueren acribillados desde el aire por salvar a su hija..
La niña es adoptada por la familia del pequeño Michel ( el gran Georges Poujouli), el hijo menor de once años de un grupo de campesinos pobres, que se transforma en su mejor amigo y protector.
Esta vinculación afectiva les lleva a crear un mundo secreto dentro de un molino abandonado, que refleja la muerte que ellos vislumbran a su alredor y donde construyen un cementerio de animales e insectos, con las cruces robadas desde un cementerio católico.
Cuando el mundo adulto se entera de estos "juegos prohibidos", la relación se destruye acentuando la orfandad de la niña y la soledad inexplicable del chico, que decide lanzar todas las cruces al río y mascullar su angustia y tristeza en la soledad del molino.
Clément es un maestro indiscutido del cine francés, que matizó el relato sobre el guión coescrito con Jean Aurenche, Pierre Bost y Francois Boyer.
Su sensibilidad permite incluír en la trama, desde la inocencia de los niños al salvajismo de los ataques aéreos y a la brutalidad del campo, con unos acertados matices pintorequistas no exentos de humor, ironía y humanidad.

Amigos entrañables.

Explicaciones obligadas.

Retrato de Brigitte Fosey.

Inocencia interrumpida.

La extremada estilización del relato, integra desde la óptica infantil del mundo adulto observado como un paisaje salvaje y mezquino, hasta la inocencia de los niños respecto a temáticas diversas como la muerte, la Fé, la Iglesia, la amistad, el amor, el sentido de protección y la familia.
René Clément acentúa esta polaridad entre adultos y niños, para quedarse con la pureza y ternura de los chicos aunque el final sea abierto y emocionante.
Cabe destacar, la actuación de los niños protagonistas, la pequeña Brigitte Fosey ( nacida en 1946), que comenzó una destacada carrera en cine y televisión; y que se le recuerda en la pantalla grande por películas como : "The Happy Road"; ""Adieu l"ami", "Les Valseuses"; "Les Enfants du Placard" y "Quartet", entre otras; y del recordado Georges Poujouli ( 1940-2000), que también gozó de una trayectoria meritoria en el cine de su pais, gracias a actuaciones en filmes como : "Les diaboliques" y "Ascensor para el cadalso".
Lamentablenente, falleció a los 60 años en el 2000, víctima de cáncer.
Por otra parte, René Clément no olvida a sus personajes secundarios, todos correctamente interpretados por actores como : Lucien Hubert, Laurence Badie, Amédée, Suzanne Coutart, Jacques Marin, André Wasley, Denise Péronne y Louis Saintéve, como el sacerdote del pueblo.Cada uno de ellos, tiene una personalidad que los define y los empatiza frente al público, desde el enfermo que muere lentamente golpeado por la coz de un caballo hasta la pareja de enamorados que oculta sus deslices en la parva de paja.
En rigor, hay un trabajo metódico que se subvierte a los vicios que podría haber generado el cuento de los niños vejados por la guerra.
Clément nunca cae en esquemas preconcebidos y opta por retratar con espontaneidad la sicología infantil en momentos de crisis.
"Juegos Prohibidos" es una gran película que recobra su magnificencia y efectividad con el correr del tiempo. Obra maestra.

"La Belleza de las cosas" :
La pubertad sexual en época de crisis.

En la intimidad la profesora y su alumno.

Las amables conversaciones con el marido de ella.

___ Una de las temáticas más recurrentes del cine adolescente, es el despertar sexual que impone el paso de la juventud a la etapa adulta.
Rompiendo tabúes y mitos helénicos, los directores de cine se han empeñado en volver una y otra vez al tema, porque se supone, al espectador le interesan los filmes que revelan aquellos secretos inconfesables que tiene que ver con el comportamiento sexual de los jóvenes. Esos meandros de almohadas calientes, que satisfacen el morbo y a veces hasta la ansiedad juvenil, de ver en pantalla grande cómo chicas hermosas y adultas desvirgan a púberes ansiosos de conocer las prácticas del Kamasutra.
Nada más alejado de la realidad objetiva, que contextualizar ese momento sublime en la vida íntima de una persona, con el enfoque comercial rayano en el erotismo burdo y picaresco.
"La belleza de las cosas" del magnífico director sueco Bo Widerberg, fue su película-testamento interpretado por su hijo Johann, en momentos en que sufría una penosa enfermedad.
La cinta tiene la virtud de ennoblecer el tema con un solvente concepto estético muy de su manierismo estilístico.
Recuerden la poco valorada "Elvira Madigan" ( 1967), para unos escasos críticos una obra maestra, para otros un excesivo melodrama romántico ultra-estetizante, que se beneficia de la música y los ambientes naturalistas.
El relato se desarrolla durante 1943, en Malmö, cuando Stig ( Johann Winderberg), estudiante de secundaria, se enamora perdidamente de la recién llegada profesora de inglés ( Marika Lagercrantz ).

Las vicisitudes de una relación amorosa.

Johann Winderberg conocido prodigio del cine sueco, amplió su imagen internacional con esta película dirigido por su padre.

La pasión de la relación es candente y el riesgo que los descubran en tiempos de guerra es una motivación justificada para intensificar el análisis de las conductas de sus personajes.
El joven Stig es hijo de una familia fracturada por un padre machista y violento que asume las pulsiones sexuales de la juventud, desvirgando a su mejor amiga.
La sensual Viola, infelizmente casada con un vendedor alcohólico, busca aventuras que le saquen de la chatura matrimonial.
Los dos se encuentran en la cama para replantear las circunstancias que los obligan a transformar esta relación en algo marginal, asqueroso y rebelde.
Hay en la mirada de Winderberg una notable belleza intimista, que intensifica los arrebatos de la pasión juvenil y los contrasta con el defraude aparente del matrimonio.
Esta disyuntiva es lo más interesante que tiene el relato, el cual grafica la expiación de las culpas, el sopor y la sensualidad en la relación íntima, y el análisis determinates de la sicología en la pubertad.
Se trata de una interesante y a veces desgarradora película sobre el descubrimiento del amor y del sexo. Por la pantalla se suceden las anécdotas que registran los diversos momentos de la sugestiva relación destacándose : el primer encuentro, la primera decepción, el contacto amistoso con el desdichado marido, la pérdida del hermano al llorar frente a las imágenes que testimonian la tragedia, la irrupción en la Iglesia y luego en la Escuela, donde se revela ansiosa técnica narrativa de Winderberg, para entremezclar emociones y sensaciones humanas.
Completan el elenco de intérpretes : Tomas von Brömssen como el marido alcohólico de Viola; Nina Gunke y Kenneth Milldoff, como los padres del muchacho. Muy Interesante.

"L"estate di mio fratello":
Aborto : El Hermano Imaginario.

Enviando al cadalso a su hermano imaginario.

Privilegios no compartidos.

___ Se estrenó en Chile, hace algún tiempo en un ciclo de Cine Europeo, aunque pasó prácticamente desapercibida.
"L "estate di mio fratello"( 2005) escrita y dirigida por el realizador italiano Pietro Regianni, obtuvo el reconocimiento significativo de festivales internacionales como Tribeca, Montreal y Bergano.
La película tiene la virtud de transformar la aparente trivialidad en la vida de un niño, en un juego lúdico con un hermano imaginario en el supuesto temático del aborto.
Transcurre en Verona, en 1970.
El pequeño Sergio ( el carismático y ronco Davide Veronese) de doce años de edad, hijo único de un matrimonio acomodado, se evade de la realidad inventándose un mundo vicario, fantástico, ameno y divertido donde imita situaciones calcadas de la televisión y el cine.
Un día puede ser el héroe en un juego de gángsteres. En otra ocasión, se transforma en un pistolero en un duelo de cowboys o en el verdugo de las legiones romanas, que manda al cadalso a su peor enemigo. Eso, sin dimensionar, qué es real o ficticio.
Sus desbordes son constantes y diarios. En la cocina, un pollo le sirve para creerse el cuento, que es un médico en medio de una cirugía de extrema complejidad, al estilo de Chad Everett en el recordado serial "Centro Médico".
Sumiso y algo tímido, se ha construído una dimensión extremadamente imaginativa que lo revela en su soledad de hijo único acomodado dentro de la rutina de una vida cómoda y servil.
Cuando sus padres deciden tomar unas vacaciones en la campiña y se entera que su madre está embarazada, se construye situaciones ficticias donde interactúa con dos hermanos - un niño de siete años y una niñlita de cinco -, hasta sorprender a sus padres que le creen con un síndrome incurable.
El problema se agudiza cuando su madre aborta después de un embarazo delicado y no deseado.

Cartel de la citada película italiana.

El magnífico guión del director Pietro Regianni, juega con las elipsis y los saltos temporales, para integrar los juegos lúdicos del muchacho, en un entramado que perfila la sicología de un niño solitario y los complejos de culpa que se desatan cuando ocurre la muerte del feto.
La estructura narrativa del filme, predispone al espectador a un ritmo trivial y cotidiano que recupera la vida aparentemente lejana de otros tiempos.
Los niños se divertían así; jugando a situaciones donde imitaban a sus héroes de la televisión y del cine.
Sin Internet, TV Satelital, celulares o informática la vida transcurría a otro ritmo, donde lo familiar era preponderante y los chicos se veían obligados a estimular sus neuronas para entretenerse.
La película es particularmente detallista en reflejar esta época.
Una escena magnífica es la del encuentro de Sergio y su primo con dos vecinas amigas.
La interacción con las chicas todavía es estéril.
En el camino de jugar con una cometa, las niñas gustan de otros intereses y los chicos parecen atraídos pero lejanos. Sergio se ríe de las tonteras de su primo.
Regianni acentúa los "tiempos muertos" del relato, en función de decir cosas interesantes, sólo con la significancia de los gestos y los movimientos corporales.
Su agudeza le permite describir los distintos estados aníminos de Sergio, cuando sueña que sale a recuperar al hermano perdido en medio de un acantilado.
Tremendamente efectivo y minimalista, Reggiani perfila las costumbres de una época con una riqueza sicológica y antropológica, digna de los maestros del cine neorrealista, particularmente Rosellini y Visconti.
Ademas, la música clásica de Mahler, Beethoven, Mozart, Bach y Vivaldi en la banda sonora, le permiten subrayar los distintos estados mentales de sus personajes con una maestría sobresaliente.
Se trata, sin temor a equivocarnos, de una gran película sobre el sentido de culpa en los niños, sus comportamientos lúdicos y sus frustraciones internas, soterradas en el marasmo de una cotidaneidad aplastante. Muy Recomendable.

"Fratricide"/"Brodermord" :
La Crueldad de la guerra.

La vulnerabilidad infantil corrompida por la violencia.

Intentando mantener las tradiciones en un mundo desconocido.

En la cuerda floja.

___ La llegada del niño Azad ( el melancólico y talentoso Erdal Celik) de 11 años, al refugio de exiliados kurdos en Berlín, desencadena esta historia de realismo dramático, que se arma cuando el niño conoce y se hace amigo entrañable de Ibo ( Xevat Gectan), un joven de 18 años que se dedica a cortar barbas y afeitar clandestinamente en los inodoros de la ciudad.
El pequeño es huérfano de guerra y el joven barbero, un exiliado que utiliza el dinero para mandárselo a sus padres para una operación.
Escenas breves de gran crueldad, como el asesinato a sangre fría de un refugiado que es ultimado por el estómago, o aquella otra, de la violación del niño y su amigo golpeado hasta morir, dan cuenta que el director turco Yilmaz Arslan no da concesiones al espectador. Simplemente nos revela la crueldad de la guerra desde el lado de las víctimas inocentes. Ello no es óbice de integrar numerosas secuencias oníricas, como la escena animada en blanco y negro donde el niño visita a sus padres fallecidos en sus tumbas en el Paraíso.
El estilo nervioso de Arslan, se caracteriza por el uso de una cámara inquieta, móvil, urbana, siempre atenta a la denuncia figurativa sobre los refugiados e ilegales que habitan en Europa.
Más cercano al neorrealismo, el director y guionista Yilmaz Arslan se apoya en las interpretaciones de actores no-profesionales, mostrando la situación de los desarraigados, el choque cultural, la marcada desunión de un pueblo en tierras lejanas y ese soplo vital de mantener las raíces culturales contra viento y marea.
Semo, el hermano proxeneta del joven Ibo; la irrupción catártica de la policía y la familia de un refugiado acuchillado en la calle, están dimensionados como elementos dramáticos que resaltan la crudez y crueldad en que se mueve la marginalidad de los expatriados.
Desde esta perspectiva, la mirada de Arslan es controvertida, dura y visceral.
El cineasta es un "detonador emocional" conciente de una realidad objetiva y marginal que crea el impacto suficiente en el conciente del espectador, para atisbar la masacre kurda como un problema sin fondo.
"Fratricide" ( 2005), es una película fuerte, emocionante y muy comprometida con las causas humanistas de estos tiempos de convulsiones extremas. Interesante.

"Fris Moi Des Vacances" :
La Emigración y el desarraigo cultural.

Un sueño anhelado.

Por la campiña en búsqueda del mar.

___ El fenómeno de la emigración se ha vuelto un síntoma de la crisis que se vive en el mundo, respecto a la estabilidad económica, social y laboral.
Miles de personas abandonan sus paises de origen en busca de mejores expectativas de vida en lugares desconocidos.
Algunos viajan clandestinamente con lo puro puesto, arriesgando su propia integridad .
Otros, llegan a países desarrollados con carreras de larga trayectoria, para abultar oficios menores que salvaguardan una entrada de subsistencia en culturas lejanas.
Los más privilegiados, acceden a estudios superiores reconocidos por sus pares, a sabiendas de la cosmopolita realidad que caracteriza al mundo moderno.
"Frois Moi Des Vacances" ( 2002) del director francés Didier Biver, tiene la virtud de reflejar el síntoma de la multicultura que se vive en ese país, desde la perspectiva de los niños.
Adama ( Ibrahim Koma) es un refugiado africano de doce años, que habita con su familia en una pequeña casa de emergencia en el centro de París.
Lucien ( Aymen Saidi), es un inmigrante magrebí de la misma edad, que vive en un departamento con sus padres y su hermano mayor José ( Nabil El Bouhaini), la "oveja negra" que se dedica a negocios ilícitos para subsistir.
Ambos niños son amigos entrañables, que sueñan con pasar unas vacaciones en la playa, aunque no cuentan con los recursos económicos suficientes para viajar al mar.

Planificando el viaje de sus vidas.

Soñar no cuesta nada.

La película se concentra en los esfuerzos que emprenden los muchachos, por lograr el sueño anhelado.
El viaje que realizan a bordo de una casa rodante, les llevará tragicómicamente hasta un camping nudista, lo que les obligará a alterar el trayecto y continuar sin rumbo fijo a pie por la carretera.
Creyéndoles habitantes de una pequeña villa, una hermosa inglesa ( Rochelle Redfield) y su hijo, les invitará a pasar una tarde en su piscina.
Pernoctar en el lugar no es tarea fácil. Los chicos asaltarán una casa para dormir bajo techo, aunque serán descubiertos y deportados a sus respectivas familias.
El filme se beneficia del marcado tono de denuncia social que mantiene el relato y por el acertivo trabajo con los actores.
Bivier muestra una ciudad plagada de marginados, desarraigados y transhumantes que, roban para sobrevivir o trabajan en labores menores, siempre condicionados por su color, su cultura y sus raíces.
Lo complejo nos dice Bivier, es la adaptación a un mundo que les parece hostil, indiferente y lejano.
Desde este punto de vista, la cinta no escabulle los temas más ácidos de vivir en países desconocidos.
La estigmatización racial, las diferencias culturales, los peligros y hostilidades del desarraigo social, caracterizan las temáticas más valiosas que expone esta película.
La mirada a los niños resulta prodigiosa en su descripción naturalista, pues Bivier da amplios espacios para la improvisación de sus actores y logra notas de plena autenticidad y emocionalidad contenida.
El accidental robo del pato, el castigo de José a su hermano menor y el conflictivo choque entre José y su padre, reflejan lo difícil que es subsistir en culturas distantes. Sobresaliente.

"Boyhood" :
Un estreno esperado.

El próximo 18 de Julio se estrena en Estados Unidos esta original película infanto-juvenil.

___ Arrasó con las críticas positivas en el último Festival de Sundance, y aunque preveemos que se trata de "una obra maestra" absoluta, como la calificó la revista "Rolling Stone", esta película nos lleva a reflexionar sobre lo que puede efectuar con mucha inteligencia, tacto, originalidad y rupturismo. Sí, porque la película rompe con todos los esquemas de rodaje imaginables, al efectuar un relato en el espacio de doce años en la vida de sus actores-personajes.
Como lo hizo en cinco capítulos el realizador francés Francois Truffaut y su personaje "Antoine Doinel" de "Los Cuatrocientos golpes", el director norteamericano Richard Linklater adecúa su historia a la evolución "real" de sus personajes, para elaborar una sola película, producida en distintos lapsos de tiempo, en el curso de doce años en la vida de su protagonista.
Esto justifica el minucioso trabajo en la puesta en escena, que brinda una evolución completa en la vida humana, como nunca se había hecho antes.
Además, hay una inteligencia en el tratamiento del relato- según la crítica especializada-, que permite seguir con gran atención la historia en su desarrollo general.
Nunca está demás reconocer que, Richard Linklater ( nacido en 1960 en Houston, Texas), es uno de los autores más significativos del cine americano de las últimas décadas.
Un gran innovador que ya había hecho obras experimentales, como cuando rotoscopió la acción de actores reales para transformarlos en dibujos animados, en la significativa "Waking Life" ( 2001).
Linklater no es un mero artesano. Sus películas más personales, intensifican los contenidos con un dibujo notable de los personajes y una profundización que permite integrar matices emocionales y sicológicos de gran acertividad.
Revisen en DVD, el biopic que retrata al gran Orson Welles en sus días de radio, preparando "La Guerra de los Mundos", en la notable "Me and Orson Welles" ( 2008), un subvalorado trabajo de Linklater.
Extraordinario también es el tríptico sobre la evolución que sufre una pareja de enamorados conformada por Ethan Hawke y Julie Delpy, en el curso de los años, cuando se casan y sufren también los altibajos de sus existencias en : "Antes del amanecer" ( 1995); "Antes del Atardecer" ( 2004) y "Antes de la medianoche" ( 2013).
Se trata de un retrato sugerente y logrado de las complejas relaciones amorosas, soberbiamente interpretada y narrada.
De sus 17 largometrajes argumentales "BOYHOOD" ( 2014), que se estrena en Estados Unidos oficialmente el próximo 18 de Julio, es tal vez, el más complejo.
Armar una planificación del rodaje en un espacio de doce años, requiere de un sentido de la organización simplemente extraordinario.
Además, narrar la vida de Mason ( Ellar Coltrane) desde los cinco a los 18 años de edad, es un proceso degastador, que debió ser extremadamente difícil de organizar en lapsus de tiempo determinantes, que destaca el crecimiento físico de sus interpretes; los notorios cambios y avances tecnológicos que nos da la vida doméstica.
Desde este punto de vista, BOYHOOD es una obra inusual, diferente, atractiva y original. Habrá que esperar ansiosamente su estreno en Latinoamérica.
Por ahora nos conformamos con estos avances fotográficos.
Próximamente en las salas de Cine.

Una escena del esperado estreno mundial.

El pequeño Ellar Coltrane ( hoy de 18 años), interactuando con Ethan Hawke en el filme.

Otra escena de la película.

La vida de Mason desde los 5 a los 18 años de edad.

Mason frente a un computador. De esos modelos que ya no existen.

Los actores y el realizador durante una presentación de la película.

Cartelera Instantánea.

En este apartado van algunas películas de todos los calibres y países que tiene una relación con el tema expuesto esta semana: la visión de los niños y adolescentes respecto al mundo que les rodea.

"Ni uno menos" ("Not One Less"/"Yi ge dou bu neng shao", 1999) de Zhang Yimou : Premiada en Cannes, esta notable película china nos cuenta las accidentales circunstancias que llevan a una adolescente a transformarse en profesora, mientras reemplaza al profesor que ha tenido que abandonar sus funciones para atender a su madre moribunda. Como "El camino a casa" su obra precedente, se trata de un imaginativo díptico que retrata el ocaso de la vida rural de la China actual, de la autenticidad y nobleza de su gente frente al absoluto desapego de las grandes urbes, y de la marginación respecto a los avances de la tecnología y la modernidad aparente. Tanto localizaciones como vestuario y actores no profesionales, se ponen al servicio de una historia anticonvencional que es un elogio a la educación en ciernes, en tiempos en que lo estatal está minimizado al máximo. Cine periférico de gran autenticidad y realismo.

"Nico, el unicornio" ( 1998) de Graeme Campbell : Producción canadiense hecha con oficio y buenas intenciones. El relato gira en torno a un niño de doce años ( Kevin Zegers) , fustigado al llegar a un poblado rural por la invalidez de una de sus piernas; que adopta a un ponie que actúa en un circo como un unicornio. Que gran sorpresa se van a llevar los dueños del animal, cuando descubran que realmente está preñada de un unicornio de verdad. Michael Otkean es el policía enamorado de la madre del muchacho ( Anne Archer), y el niño se hará amigo entrañable de una niñita que como él rescatarán al corcel de las numerosas amenazas que le rodean, como el ataque de un puma, el intento de muerte contra el viejo cuidador y unos jóvenes paparazzis. Cine evasivo para pasar un rato agradable. Tiernucho como bebé de pecho.

"El Campeón" ( 1979) de Franco Zefirelli : Tal vez la versión de King Vidor, sea imperfecta y demasiado ñoña, pero mantiene inalterable la magnífica química que se produjo entre los actores Wallace Beery y el pequeño Jackie Cooper. La "remake" también goza de esta perfecta simbiosis hijo-padre, aunque el que realmente está insuperable, es el pequeño Ricky Schroder, que saltó al cine con esta película desde la publicidad en Kodak. La tragedia del padre retirado del boxeo, que vuelve al ring sólo por amor a su hijo, cuenta además, con un despliegue de vestuario y escenarios light donde Faye Dunaway replica con su estatura de gran actriz y como la madre del chico. Para estrujar los pañuelos.

"Zmory" ( 1979) de Wojciech Marc Zewski : Producción polaca que se inspira en los recuerdos de un niño de la aristocracia, que habita en el campo en el período de la Gran Guerra, con el peso agridulce de recibir una educación arcaica. El relato recrea una época con gran acierto, remarcando el tono oscuro y soterrado de una sociedad reprimida. Pese al esquematismo algo soporífero de la trama, se revelan temáticas valóricas como el despertar sexual del adolescente, la desesperación de la masturbación de rasgos homoeróticos, el sentido de culpa y los deslices de la pubertad. Todos elementos dramáticos sugeridos, aunque nunca tan bien correspondidos por el hermetismo que se impone en el desarrollo. Interesante.

"Menino Maluquihno" (2004) de Helvecio Ratton : Basado en un célebre personaje del comic brasileño, equivalente a "Daniel, el travieso" o al literario coterráneo de "Papelucho", esta película adapta las travesuras de un niño de ocho años en la escuela, en su casa, con sus amigos y de paseo al campo. Siempre divertido y fundamentalmente cómico, Maluquihno recrea la vida brasileña en los años sesenta, tomando como punto de vista las aventuras del escolar muchacho interpretado por el sonriente Samuel Costa. La música incluye una canción de Milton Nascimiento. Es un filme, que no indigesta si se desea ver con los niños de esa edad. Muy dulce, travieso y ripipí. Existe una secuela, fechada en el 2009.

"Adeus Pai" /"Adiós, papá" ( 1996) de Luis Filipe Rocha : Las últimas vacaciones que vive el pequeño Filipe ( José Afonso Pimentel) con su padre ( Joao Lagarto), que viajan desde Lisboa hasta las Azores, centralizan el argumento de este relato autobiográfico sobre las complejas relaciones entre un padre ausente, enfermo de cáncer terminal y su hijo de trece años. La película tiene varios lugares comunes - y un lirismo casi forzado-, pero se deja ver con complicidad, por la serie de anécdotas que la conforman sobretodo cuando éstas se muestran plagadas de un pintorequismo regional. Es una película sobre el ajuste de cuentas de un hombre que se sabe dejará este mundo en unos meses, con su vástago a quien descubre en insospechada pubertad. Emotiva y fundamentalmente nostálgica producción portuguesa.

"Wide Awake" ( 1997) de M.Night Shyamalan : MIRAMAX produjo y distribuyó este primer largometraje del reconocido realizador hindú americano , autor de "Sexto Sentido" y "El Protegido" que dejaba ver algunas de sus constantes temáticas y obsesiones estilísticas. Joshua ( el genial Joseph Cross) que está en Quinto grado en un exclusivo Colegio Católico en Pennsylvania, acaba de perder a su abuelo ( Robert Loggia), que murió de cáncer pulmonar. Sus padres ( Dana Delaney y Denis Leary), preocupados por el estado de ánimo del muchacho, le estimulan a levantarse temprano y a no desobedecer las estrictas normas de las monjas. Joshua comparte un gran anhelo con su mejor amigo Dave ( Timothy Reinsnyder), encontrar a Dios para constatar que su abuelo está feliz en el Cielo. La omnipresencia silenciosa de Dios y la desesperada búsqueda de un niño por respuestas lógicas acerca de la muerte y la vida, convierten esta comedia familiar en una película auténticamente interesante. Aprendizaje moral, observación teológica de la existencia a escala infantil y una atenta insistencia por el lado fantástico de las emociones humanas. Completa el elenco : Rossie O"Donnel. Recomendable.

"Huyendo del pasado" ("Tumbleweeds", 1999) de Gavin O"Connor : Drama intimista acerca de una madre divorciada ( Jane McTeer) y su pequeña hija ( la extraordinaria Kimberly J.Brown), que le acompaña en un viaje a California en la búsqueda de nuevos horizontes. No es la primera vez que Mary Jo y su niña huyen del pasado. La madre se relaciona con hombres de ocasión, que no se amoldan con la personalidad de ella. Ya en CA, conoce a Jack ( O"Connor actuando), camionero de media tarde y desempleado. La relación parece perderse, pero esta vez la hija desiste acompañarla. Notable relato de crecimiento interior, que se beneficia de un estupendo guión y unos notables actores. Gigantesca Kimberly J. Brown que a sus escasos doce años, rie, llora, baila, nada, grita, canta, ama y madura sus experiencias vitales de acuerdo a un contundente y realista personaje infantil. Muy grata y refrescante comedia sobre las complejas relaciones humanas.

"Flipper" ( 1995) de Alan Shapiro : Para los nostálgicos de corazón que idolatraban las series televisivas de los años sesenta, esta película que rememora al gran delfín, es una gozada. Simplemente una película veraniega, divertida, emocionante, tierna y simpática, que logra empatizar con el público gracias al carisma de Elijah Wood y del comediante australiano Paul Hogan, el recordado "Cocodrilo Dundee".

"Leones de segunda mano" ( 2003) de Tim McCanlies : La última película infantil del gran Haley Joel Osment, el niño maravilla de "Sexto Sentido" e "Inteligencia artificial". Interpreta a un chico retraído que viaja al campo con sus abuelos y cambia la vida de los vejetes con los animalejos de un circo de segundo orden. Gran relato que incorpora un cuento mítico y sustancialmente bien narrado y actuado. Sobresaliente.

Cortos de Excepción.

La amplitud de la producción de películas en cortometraje, ha corrido en paralelo a la masificación de las redes digitales, lo que ha permitido una mayor profusión de títulos y una variedad amplia de relatos provenientes de todas partes del mundo.
El Internet ha sido el culpable justificado que nos ha acercado a esta realidad. Desconocemos las cifras de cortometrajes que están circulando por las redes, pero intentamos recomendar algunos títulos que no hay que dejar pasar por alto.
Un gesto para disuadirlos de la enorme capacidad que tiene el corto para transmitirnos múltiples emociones y sensaciones a flor de piel.

"Aqualorius!" ( 2009) de Nikolaj Tarp : Este corto danés de doce minutos, es la prueba fidedigna de lo que se puede lograr con ingenio, recursos técnicos, excelentes actores y un buen guión. El relato de terror, nos cuenta la proeza del pequeño nadador Lars ( August Igor Svideniouk Egholm) de once años, obligado por Jayms ( Jonatan Tulestedft Jarvel) y Sherin ( Sara Nybo Vinther) a recoger del fondo de la piscina escolar una valiosa moneda antigua. Lo que cuenta el mito es que en el fondo de la piscina vive un monstruo colosal. Así que la única salida de Lars, es atreverse a hallar la moneda para recuperar su libertad mancillada por estos dos muchachos.

El malvado Jayms es un niño tatuado como los viejos vikingos, que aparenta llevar la maldición de su endiablado carácter.

Uno de las grandes momentos del cortometraje son las tomas submarinas, realzadas por una notable banda sonora y musical, que aclimatan el momento final con la monstruosidad haciendo de las suyas.

"Secret" ( 2013) de Rob Birks : El pequeño Tommy ( Reese Webster), es abusado sexualmente por su profesor, que le saca fotos en la intimidad cuando está desnudo. El nudo de este drama, nos lleva a reflexionar sobre el gran impacto que causa la violencia sexual contra los niños. Sin ser una obra redonda, logra armar una seria reflexión sobre un candente tema de interés universal.

"Iver" ( 2004) de Christian Lo : Esta película noruega ha recorrido innumerables festivales internacionales de cine infantil, y ahora se presentará en Jakarta, Indonesia, en el próximo evento organizado para mostrar los trabajos en cortometraje que se realizan con la temática de los niños. Al pequeño Iver ( Erik Naesback Brenden), le gusta chapotear en la piscina donde intenta bañarse. Con tan mala fortuna, que es expulsado del lugar por un instructor, cuando se desordena en el agua.

Oculto del profesor, pasará desapercibido cuando intente efectuar un clavado desde el trampolín.

El filme es simpático y divertido, aunque tiene el objetivo de mostrar la aleccionadora parábola del respeto por los demás y de lograr los sueños pese a todos los obstáculos que se nos presenten en el camino. Bien por Iver.

"Alone"( 2013) de Brock Torusnki : Es el sueño de un adolescente que de la noche a la mañana despierta una y otra vez, en un mundo desierto donde habita él únicamente. La clave del asunto está en un automóvil que le transporta y del cual brota agua cuando abre la puerta. Simbólico "short movie" con algunas buenas ideas en el montaje.

Fotos-Gentileza : Film Cine- PIM- Svenka Productions- Notre Cinema- Cahiers du Cinema- Dagbladet Kultur- GirlLife- Durchlink Films- Cinemanía- The New York Times- Fandeloup- Kobal Collection- Luis Mendes Brum- Boyhood- Paris Match- Archivo.-