El Otro Cine :

Oye, atento con estas películas que tienen mucho que contar...

"Otto es un rinoceronte" ("Otto is a Rhino") es uno de los estrenos europeos que tendrán distribución internacional este año.

Esta semana, como una manera de incentivarles a descubrir cine de otras latitudes, seleccionamos un puñado de películas de excepción que nos permitirá conocer el Cine de otras latitudes. 
Hay películas de los últimos 40 años, pero también filmes de reciente data y por estrenarse.
Desde Oriente, alguna película japonesa o vietnamita de indudable categoría. 
También algo del cine iraní y algunos filmes de Europa y Latinoamérica.
"Séptimo 7 sello" amplía su mirada al mal llamado "Cine Arte", para entregarles un panorama cosmopolita, interesante y valioso.
Por esta razón, hemos decidido en esta ocasión, dejar de lado las películas más taquilleras y populares para incluír el "otro cine", ése que nos llega por los circuitos alternativos, los cineclubes universitarios, las ediciones especiales de DVDs y Blue Ray y los eventos de cierto nivel cultural.   
Se trata de un rescate que sólo tiene el propósito de incentivarles en la búsqueda y selección para armarles un panorama distinto en el cine de su casa o cuando se trate de asistir a las salas de exhibición.¡  Bienvenidos !


"Kanzo Sensei"/"Dr.Akagi" :
La lucha por la vida.

Investigando una cura contra la hepatitis.

La mirada contemplativa de Imamura incluye a la mujer.

___El doctor Kanzo Sensei ( Akira Emoto), combate la hepaptitis que se ha propagado por las principales ciudades de Japón, durante la Segunda Guerra Mundial.
Su hijo es médico militar y desde hace algún tiempo intenta comunicarse con su padre, aunque según cuenta en sus cartas, el muchacho está muy ocupado en el frente.
Kenzo, en verdad llamado Akagi, es un doctor por vocación de servicio, admirado por sus propios colegas , sobretodo por la enorme cantidad de información que ha acumulado a través de sus experimientaciones e investigaciones, con el objetivo de descubrir el virus de la enfermedad que le permita crear una cura definitiva.
El soberbio director japonés Shohei Imamura ( 1926-2006), autor de "La balada del Narayama", "La Anguila" y "Agua tibia bajo un puente rojo", en plena forma de su oficio, logró desarrollar un curioso fresco que es una mirada coral de época. 
Akagi trabaja en un pueblo costero de Okayama, donde es muy respetado, pero su decidida vocación se transforma con el tiempo, en una obsesiva búsqueda de la cura de la hepatitis y en un desafío infrahumano, producto del sentido de culpa que le embarga debido a un hijo metido en problemas.
El desenlace onírico casi surrealista, donde la colaboradora del médico ( una prostituta redimida en su amor por el médico intentará cazar una ballena mientras se produce la explosión nuclear en Hiroshima ), es articulado en razón de los propios síntomas sico-sociales que expone la película.
Basada en la novela "Dr.Hígado" de Ango Sakaguchi, es una obra vigorosa y original, donde todo cabe dentro de la recreación de época : la crítica social, el valor profesional, el fanatismo vocacional, el compromiso ético y el sentido de culpa. 
Sin duda, es una gran película complementada por una magnífica banda sonora musical con toques jazzísticos de Yosuke Yamashita. Muy Recomendable.  

"Lautrec" :
Incorruptible de las Academias.

La mirada apasionada del pintor impresionista.

 

Un trío de amigos inseparables.

 
___Coproducción franco-española "Lautrec" ( 1998), es una reconstrucción personal de la vida, obra y mundo que acompañó al célebre pintor impresionista Henri-Toulouse Lautrec.
Si en "Moulin Rouge" ( 1952), el director americano John Huston, intensificaba el enfoque del artista rupturista poco convencional en su época; en esta versión del director y guionista francés Roger Planchon ( 1931-2009), se juega con la especificidad del individuo rebelde, irónico, mujeriego, trangresor de las normas y los códigos éticos de su tiempo, sin alarde ni artificios teatrales, más bien, sostenidos por la estética colorinche del filme. 
Condimenta la especificidad de su puesta en escena, la riqueza arquitectónica de los ambientes reproducidos al detalle por un excelente diseño de producción.
El realizador Planchon retrata el nivel de las sugerencias psicológicas de sus personajes, a Lautrec y sus amigos como una camada de "freaks", incorruptibles a los designios de las Academias, que dejan fluír los conceptos del Arte en la marginalidad de los bares, nightclubes y prostíbulos baratos.
Sin renunciar a su condición de "niñito bien", Lautrec entenderá la pintura como un modo de expresión libre a los albeldríos, sin encasillamientos metodológicos, ni escuelas de enseñanza disciplinarias o formulas concebidas por las altas burguesías parisinas.
Como construcción dramática, "Lautrec" puede resultar algo esquemática; sin embargo, se la juega en la comprobación de un compromiso más allá del lenguaje pictórico, en la moral ( y amoralidad) de unos tiempos de egolatría e hipocresía.
Sin enjuiciar o dogmatizar al pintor, Planchon se apoya en la espléndida actuación de Regis Boyer y Elsa Zylberstein, para elaborar una trama que es romántica, apasionada, irónica, emotiva, y muy humana. Interesante.


"Nadie Me Quiere" :
Amiga Soledad.

Una celebración de cumpleaños diferente.

María Schneider y Elisabeth Trissenaar en constante fricción.

En otra escena, aparecen María Schneider e Ingo Naujoks.

 
____Fanny Firk ( María Schrader ), tiene 30 años de edad y vive sola en un apartamento en Berlín.
"No fue por elección" - como ella explica  a la cámara de video-. 
Tuvo dos relaciones largas. Después conoció sólo a hombres casados y homosexuales.
Su amor propio es casi ínfimo. 
"En tu lugar, jamás me enamoraría de tí", confiesa sin pudor a la cámara.
En sus desvaríos románticos, se prenda del administrador del edificio de departamentos donde ahora vive, que le rechaza por su mejor amiga, hasta que conoce más profundamente a un cocinero de color, "gay", que se dedica a ver las cartas y a curar conciencias con mágicas fórmulas esotéricas.
La directora alemana Doris Dörrie ( nacida en Hanoever en 1955), que estudió Teatro, Semántica y Psicología en Estados Unidos , además de  "Televisión y Cine" en Munich, realiza una sensible aproximación al alma femenina desde la perspectiva de la soledad humana.
Desarrollada en clave de comedia, integra reflexiones ácidas y certeras sobre las relaciones humanas en el mundo desarrollado.
Fanny, es una mujer de excelente situación económica, pero cuyo amor propio se minimiza frente a una madre emocionalmente desequilibrada y ante las soporíferas relaciones íntimas con el sexo opuesto.
"Nadie Me Quiere" ("Keiner Liebt Mich", 1994), se trata de una radiografía atractiva y realista a los seres mínimos, disgregados en la soledad absoluta, incapaces de solventar relaciones duraderas pero tremendamente emotivos.
Novena película de la Dörrie, que aglutina muchas de las disyuntivas de la mujer en el mundo moderno, y una odisea más que manifiesta acerca del descubrimiento del "yo interior". Notable.

"Kenoma" :
El Hombre y Dios.

Buscando la perfección natural de los objetos.

____Desde tiempos inmemoriales, el hombre ha intentado crear "la máquina del movimiento perpétuo", un instrumento perfecto que no necesita de intervención humana para moverse y actuar por sí mismo. 
Los perpetuistas alcanzaron su máximo esplendor en la Edad Media y el Renacimiento, sin embargo, la película sostiene que actualmente existen representantes en algún lugar del mundo, intentado lograr crear la máquina perfecta.
La directora brasileña Eliane Caffé ("Narradores de Javé"; "O sol so Meio Dia") postula, tomando en cuenta estos alcances, la posibilidad de que en su país, exista un hombre que se la juegue más de veinte años por alcanzar la máquina perpetua y que trabaja oculto al interior de la Amazonia.
Con este novedoso argumento, Gaffé entrelaza una serie de pintorescas escenas culturales del pueblo donde el inventor reside y hasta donde va a parar Jonás ( José Dumont ), un joven en busca de sí mismo que termina trabajando para Lineau , el arquitecto del mentado aparato, y enamorándose de paso de Etari, la hija de éste.
La película resalta por la fotografía colorida y sugerente de Hugo Kovensky. 
Se agradece a la directora el rodaje de una historia que presenta como rasgo característico, la economía de diálogos en función de una cámara siempre atenta a cada episodio, gesto, actitud, hecho o acontecimiento digno de destacar. A ello, contribuye un sólido guión estructurado por un marcado esteticismo y pintorequismo localista. Novedosa.

"Genealogías de un Crimen" :
Misterios por resolver.

El onirismo de Ruiz en un thriller.

  

El recordado director chileno en el set con Catherine Denueve.

 
___Una sicoanalista infantil ( Catherine Denueve ), que detectó tendencias homicidas en su sobrino cuando éste aún era un niño, cree que la personalidad de una persona se determina a los cinco años de vida.
Aplicando esta tesis, decide resolver el caso Higgings-Engel, donde el veinteañero sospechoso ha muerto en extrañas circunstancias, y se le ha incinerado, dejando una estela de rocambolescas sospechas por descubrir.
Desde una laberíntica trama que juega con la realidad de las apariencias ( a lo Hitchcock), y utilizando el juego lúdico del intercambio de personalidades, la sicoanalista descubrirá una sociedad franco-belga involucrada en una serie de crímenes sin resolver  y que está regentado por el ambiguo Georges Didier ( Michel Piccoli ).
De hecho, la madre de la terapeuta, Louise ( la veterana Bernardette Lafont ), se atiende con este extraño personaje que es clave para descifrar rodo el misterio.
Coproducción franco-belga del recordado cineasta chileno Raul Ruiz, que nos introduce por una inquietante aventura a la conciencia del ser.
Determinante del esquema del clásico thriller sicológico, es su acabado uso de la puesta en escena, su milimétrico uso de los espacios, los decorados, su equilibrio cromático y la alternacia en los planos de sugerente concepción intelectual.
Ruiz observa la acciones con una cámara distante, que observa desde detrás de los objetos las relaciones que se establecen entre sus personajes. 
Las metáforas saltan a la vista. Todo en orden a originar el desconcierto. 
Un gesto, un "flash back", una fotografía travestida, un intercambio de miradas, una actitud sorprendente, un cambio en el tono de los diálogos.
Las alusiones filosóficas a Freud, la sutileza en la ironía de los diálogos, el constante juego lúdico de las imágenes ( el recuerdo infantil, por ejemplo, es una sombra chinesca que se desvanece en el tiempo ), está manejada por Ruiz con un extraordinario uso de los recursos expresivos del cine, en una de sus obras más logradas. Muy recomendable.

"Cosas bellas y sucias" :
Lo que está oculto a los ojos.

La estética colorinche de una narración original.

 

La joven marroquí interpretada por Audrey Tatou.

___En el Londres actual, los grupos étnicos de emigrantes ilegales le sirven de excusa temática al director británico Stephen Frears, para construír un notable drama urbano acerca de la marginalidad, la dignidad y el cuestionamiento moral del tráfico de órganos.
Okwe, un médico senegalés  (  el estupendo actor de color Chiwetei Ejofor ), que trabaja de recepcionista en un lujoso hotel escapando de la policía por ser un "ilegal", se enamora de una joven marroquí, Senay ( la maravillosa actriz francesa Audrey Tatou); y decide defenderla del mafioso que es también administrador del lugar donde está, y aprovecha su posición para efectuar operaciones clandestinas a los emigrantes y traficar órganos a cambio de visas falsificadas.
Este potente thriller inglés, funciona maravillosamente a nivel expresivo, estético e interpretativo, colando en medio del drama actual, la visión costumbrista de los emigrantes que habitan ocultos en los barrios periféricos desempeñando cargos menores en la morgue, el hospital o los clubes nocturnos.
"Cosas bellas y sucias" es también una aventura moral, tremendamente realista en su concepcion objetiva de una problemática que aflige a muchos países.
Elocuente y significativamente honesta, asume con verdad impúdica, los riesgos de vivir en sociedades lejanas buscando la estabilidad y el confort. 
Stephen Frears ("Ropa limpia, negocios sucios"; "Los Tramposos", "Relaciones Peligrosas"; "Cheri", "The Queen"), integra diálogos y hechos insólitos ( como cuando Okwe descubre un corazón humano en el inodoro del hotel), que le dan un tono de horror soterrado, cruel y oportunista, que se aprovecha de la vulnerabilidad de los emigrantes en el mundo actual.
Sin duda, se trata de una obra maestra en su contexto temático pero también de una película maravillosa, sutil, sensible y antojadiza. Gran obra cinematográfica.

"Reconstrucción" :
Verdad o Mentira.

El amor a dos bandas.

Dos hermanas gemelas tras la misma presa.

___En una Copenhague urbana, plagada de colores nocturnos, helada y melancólica, llena de callejuelas y suburbios iluminados por el neón, Alex ( Nikolaj Liekaas ), se topa en el Metro con Aimée Holme ( Krister Henrikson ), una mujer joven, buenamoza, sensual,  casada, que iniciará un "affaire" con el joven entusiasmado por tanta belleza.
Lo que no sabe el muchacho es que también le ama su hermana gemela, hecho que le relaciona con ambas, sin que éste salga de su asombro pues al comienzo el muchacho pierde la noción de la realidad.
Utilizando como subtítulos los nombres de cada personaje, el realizador danés Christopher Boe ("Allegro"; "Offscreen"; "Beast"), elabora un psicodrama que nos habla sobre la pasión amorosa, su alienación y los vericuentos sentimentales de las tentaciones nuestras de cada día.    
La estética de la película remarca la dureza, marginalidad y gelidez de los paisajes urbanos, donde avenidas y edificios anónimos son parte del ambiente claustrofóbico del relato central.
El director en medio de estas atmósferas, plantea las dualidades del amor y las múltiples personalidades que se crean en el conciente del propio narrador.
Tipo "Memento" sin llegar a la radicalidad de aquél, "Reconstrucción" fracciona la estructura narrativa con efectos de congelados, ralentis, repeticiones de escenas y picados aplastantes, acercándonos a la idea del "doble" discurso y de la propia dualidad de los encuentros heterosexuales, menos discretos y más condescendientes a la pasión sexual, al arrebato carnal y a la satisfacción del Eros.
Si las chicas parecen idénticas, son sus personalidades las que determinan la prolongación de una relación duradera y armónica.
Una: es una mujer casada, insatisfecha que le teme a la soledad; la otra,  una solterona cándida y amable, aunque incapaz de prolongar las brasas del amor. 
Existe en Boe una mirada escrutadora acerca del transcurrrir del tiempo en el amor.
La pasión por el amor se apaga, parece decirnos desde la distancia.
Así sutilmente, realidad y ficción se anexan en una narrativa inteligente, compleja y lúdica. 
Muy valiosa.

"Todo Comienza Hoy"/"Hoy empieza todo" :
Por la vocación profesional.

Un profesor del servicio público.

 

Poster del citado filme.

___El profesor Daniel Lefebre ( Phillippe Torreton), del Colegio "Leo Lagrange" de una provincia francesa, decide regresar a casa con la pequeña Laetita de cinco años y con Damien, su hermanito de meses, cuando su madre alcohólica los abandona en la escuela.
Al devolver a los niños, descubre que la Sra Henry -. la madre de los muchachos -, habita un departamento desordenado, húmedo y oscuro, porque no ha pagado la electricidad, como consecuencia de un marido que ha quedado cesante y que ha emigrado a Bélgica a buscar trabajo.
Después en casa de su pareja, una mujer obrera que trabaja como soldadora y que es la madre soltera de Remy, su hijo de diez años y alumno del colegio, se cuestiona el rol que tiene la docencia en el mundo actual.
Su discurso es exponencial, y asume la crítica realista de estos convulsionados tiempos.
Desarrollar la vida de Daniel, hijo de un padre que le golpea en casa, lleva al director y crítico francés Bertrand Tavernier ("El juez y el asesino"; "La muerte en directo"; "El relojero de Saint Paul" ; "Un domingo en el campo"), a elaborar una visión cuestionadora del sistema burocrático en que se mueve la Educación pública.
La relación del pequeño Daniel con sus padres, la motivación del docente con los niños del primer nivel de estudios, sus rebeldías con las autoridades, los roces con el pequeño hijo de su pareja, su propia actitud con sus padres ya ancianos revisitan las complejidades de las relaciones humanas en el mundo globalizado.
Comedia y drama se funden en una película muy interesante, sobretodo porque cuestiona situaciones reales que tambien nos atañen como países latinoamericanos.
El fracaso de la educación pública, la incertidumbre de la enseñanza infantil, los complejos de la autoridad, los sinsabores de la labor docente, las pequeñas satisfacciones en un mundo insolente, asumen sus espacios en esta interesante producción francesa de incuestionable verdad. 
Con la "cámara al hombro", que le otorga cierta soltura a las actuaciones y situaciones descritas, Tavernier ejecuta con mano maestra, una visión realista del caos en el sistema educativo vigente, sin eludir ningún aspecto y afianzando el valor de la vocación profesional en medio de la crisis.
Es una película que merece una urgente reivindicación para exhibir en las escuelas y liceos. Magnífica.   


"La Piel Dura" :
Los niños no votan.

Divertidas viñetas infantiles incluye la película.

Georgy y el hijo de la peluquera, de la cual se enamora al niño.

 

En vacaciones veraniegas surge el primer amor.

___En 1975, el recordado director francés Francois Truffaut ("Los Cuatrocientos Golpes"; "El Niño Salvaje") se fue a una localidad de Thiers, al interior de París, para filmar en el verano, las aventuras de un curso de niños en su proceso de formación, sus relaciones con los padres y el ambiente en que habitan sin trastocar ni acentuar las relaciones cotidianas.
La experiencia tiene mucho de "nouvelle vague" ( filmación en las avenidas y casas reales, utilización de actores no profesionales, relato con amplios espacios para la improvisación), logrando una de sus películas más acabadas y refrescantes sobre el universo infantil. 
Construída sobre la base de viñetas y episodios casi unitarios, Truffaut se da tiempo para analizar la estructura educacional desde la mirada crítica y reflexiva, con la suficiente cordura como para motivar a los propios niños sobre el valor de ser escuchados en un mundo burocrático y lejano.
Alrededor de la figura del pecoso Georgy Desmoceaux de nueve años, que cuida de su padre enfermo en silla de ruedas y que descubre el amor maternal ausente en la figura de la madre de un compañero de estudios, el director traza una obra nostálgica, emotiva, divertida, agradable, crítica y motivacional sobre los sabores agridulces de la vida en provincias.
La marginalidad es vista por Truffaut con un sentido de denuncia social ( el niño golpeado y vejado por su madre y abuela es un símbolo de aquello ); así como el discurso casi final del profesor del curso, que señala que "la educación pública no importa a los políticos, porque sencillamente Ustedes, los niños, no son electores".
A toda esta sabia coral, el cineasta incorpora anécdotas simpáticas y humorísticas ( el corte accidental de cabellos; el documental del cine sobre un tipo que sobrevivió toda su vida silbando como ruiseñor; la niñita que clama alimentación en su encierro en un edificio y los vecinos que corren a auxiliarla; el desafortunado pololeo del pequeño Georgy en la sala de cine que pasa por inocente y pueril; etc), aunque también somete el material a la imaginación literaria del relato ( el pequeño que cae de un noveno piso sin un rasguño desde la que emana la explicación lógica del título de la obra, o sea, "Piel Dura").
Se trata de una pequeña obra maestra, cuyo interés crece con el tiempo. Valiosa.    



"Ponette" :
Vivir sin mamá.

Buscando a mamá sin encontrarla.

 

El abrazo idealizado de la niña.

 

El amigo fraternal.

 
___Señala la vieja premisa, que trabajar con niños y animales en el cine es casi prohibitivo.
Una cábala que con el tiempo se derrumbó, primero, con la irrupción del star system infantil desde Hollywood, y segundo, con el neorrealismo italiano y la "nouvelle vague" francesa que demostró que, hacer películas desde la óptica infantil también es un arte expresivo insustituíble. 
En eso, la industria norteamericana parece llevar la delantera, aunque en verdad, los países de Europa del Este, se han especializado en esta modalidad desde hace décadas.
"Ponette" ( 1996), la decimo quinta película del realizador francés Jacques Doillon ("El pequeño criminal"; "Raja"; "Un enfant de toi"), que trabajó ahora en Suiza con el apoyo del productor Alain Sarde, nos demuestra que, no toda la veta del cine con niño ha sido lo suficientemente explotada.
La cinta es una amarga, dolorosa, realista y espontánea demostración, de que los temas de la infancia parecen inagotables, ya que con sutileza desgarradora y una agudeza sicológica envidiable nos sumerge por el complejo tema de la muerte y el abandono maternal a temprana edad.
En efecto, su protagonista la "Ponette" del título, ( la inolvidable actriz espontánea de cinco años, Victoire Thivisol que cautivó en Cannes ), enyesada de un brazo, se recupera del accidente automovilístico que le costó la vida a su madre ( Marie Trigtinant).
Su padre ( Xavier Beauvois), decidida a mejorarla del trauma que la aqueja, la inscribe en un colegio rural donde encontrará la amistad en el pequeño Mathías ( el magnífico prodigio Matíaz Bureau Caton), quien se transformará en su mejor amigo, confidente y protector.
A su lado, deberá asumir la pérdida maternal, sólo para madurar la despedida abrupta de su progenitora en un encuentro onírico con su espíritu.

Compartiendo experiencias infantiles.

 
Película de crecimiento personal, es ante todo, un extraordinario estudio sobre la sicología infantil respecto al mundo adulto que le rodea. 
Surgen temas como : el matrimonio, la soltería, la amistad, la muerte, la vida, el miedo, la soledad, el dolor, la fidelidad, la pesadilla, Dios, Jesús, lo inexplicable, dentro de la conversación de los niños.
En este aspecto, Doillon extrae la mirada realista de un hecho lamentable, con la sutileza suficiente como para convertir la película en una reflejo exacto de la vida desde los primeros años.
La aptitud de ver a Ponette desgarrada, buscando a su madre e implorando frente a un Dios silencioso y omnipresente, aquellas respuestas que le brinden tranquilidad,  se encuentra entre lo mejor de la estructura dramática de la cinta.
Para afianzar la emoción, Doillon concentra la puesta en escena en sólo dos escenarios fundamentales : primero,  la casa de campo de la tía de Ponette y después, el internado donde la niña interactúa con sus compañeros de juegos  
Es un excelente drama, que se atreve a escudriñar en el difícil tema de la muerte y la ausencia maternal desde la pérdida y la vulnerabilidad infantil. Sobresaliente.

 
"La Buena Vida" :
Retrato de la adolescencia.

Las primeras experiencias de un chico con el sexo opuesto.

Un fresco pintoresco sobre la juventud actual.

___El cine español ha dado muestras de una diversificación temática de indudable interés. Sin obviar sus raíces culturales y sus modismos populares, se ha integrado al quehacer crítico de estos tiempos de complejidades sociales, aperturas morales y crisis políticas.
"La Buena Vida" está escrita y dirigida por David Trueba  ("Vivir es fácil con los ojos cerrados"; "Bienvenido a casa"; "Obra maestra"), y es una especie de revisitación acerca del inagotable tema del despertar adolescente, aunque también es un fresco pintoresco sobre un pueblo, sus gentes, y la entrañable relación que existe entre la juventud y la tercera edad.
En efecto, Tristán ( el magnífico actor Fernando Ramallo), es un adolescente en crisis existencial, que va a pasar una semana de vacaciones acompañado de su abuelo a su pueblito natal.
Las relaciones con el anciano, recuerdan las que sostuvo con su pareja y el posterior éxito en el teatro que culminaría con su primera relación sexual con su prima, en un desborde surrealista donde se imaginaría volando por París sobre la cama con su amante y sus padres.  
Se trata de una historia del descubrimiento del amor, de la pasión por el sexo opuesto, de las inclinaciones románticas de un chico por una chica en la crema y nata de su vida.
Sin grandes pretensiones, nos cuenta con un sesgo casi autobiográfico sobre las disyuntivas del primer amor, con un tono humanista sorprendente. Entretenida.


"Salaam Cinema" :
Películas, niños y Oriente.

Una obra casi experimental de cine dentro del cine.

 

El picado multitudinario.

___Poco a poco, el cine iraní se ha revelado en Occidente como uno de los más consistentes y consecuentes con su propia cultura y referentes temáticos. 
Directores de prestigio como : Abbas Kiarostami, Jafar Panahi, Mohsed Makhmalbaf y su hija Samira Makhmalbaf, han sido referentes destacados en festivales internacionales de la estatura de Cannes, Venecia y Berlín.
"Salaan Cinema" es una pequeña obra maestra del realismo infantil. Una joyita menor que se disfruta por su espontaneidad, su falta de pretensiones y su marcado esteticismo.
La cinta gira en torno a una pequeña con características bien especiales ( muy espontánea como estudiante de segundo básico, muy directa y transparente), que es convidada a estelarizar una película, donde debe interpretar al estereotipo de "niñita adorable y ripipí."
Lo inaudito del asunto es que la chica se niega a seguir actuando en medio del rodaje. Entonces, el director Mohsen Makhmalbaf ("Gabbeth", "El Silencio" "Kandahar", "El grito de las hormigas"), le sigue desde lejos con la cámara a cuestas, en sus denodados esfuerzos por volver a su casa.
Sin utilizar preponderantemente el montaje, inclinado por el plano secuencia, Makhmalbaf opta por dilucidar las aptitudes de la niña sin retoques artificiales, imprimiendo la realidad tan cual se le aparece frente a sus ojos.
La niña se desentiende de la actuación porque sencillamente la obligan a aparecer como un bebé, y en su itinerario de regreso al hogar dialoga con taxistas, choferes, policías y diversas personas que transitan en su camino.
Todo filmado en "tiempo real", sin la contracción o extensión que procura la edición, con sonido directo, hasta que la niña entrega el micrófono y la película se acaba. 
Es una película diferente, una experiencia realista vital y objetiva, con un concepto de la inocencia que intenta valorizar el lenguaje del cine a secas. Muy interesante.


"Juegos, Trampas y dos armas humeantes" :
Un thriller a la inglesa.  
 

Tipos rudos, rebeldes, iconoclastas y de armas tomar.

 

Cosmopolismo racial, linguístico y cultural en una obra insuperable.

___Al director Guy Ritchie, le interesan sobretodo los personajes desarraigados, cuneteros, marginales y rebeldes.
Preocupado de una narrativa compleja que obliga al espectador a aceptar su juego, adapta los códigos del thriller policial, de la aventura masculina y de la originalidad estética, con un atisbo refrescante y novedoso que a nadie deja indiferente.
"Juegos, Trampas y dos armas humeantes" ("Lock, Stock and two smoking barrels"), supuso su revelación internacional. 
Adaptando los códigos del "thriller" , integra una galería de "outsiders", descarnados, malditos, miserables, entre los límites de la cordura, el desorden, el caos y la estupidez.
No es extraño entonces, la fauna cosmopolita de personajes y sitios insólitos que presenta esta película, como  un bar samoano, tugurios de mala muerte, sitios clandestinos donde se mueven apostadores, tahúres, estafadores y drogadictos, líderes del mercado negro londinense, ladrones desmadrados y todo tipo de individuos insurrectos y marginales.
Como en "Snatch : Cerdos y Diamantes", la película que le precede, Ritchie vuelve a construír innumerables viñetas de acciones que corren en paralelo para juntarse en un desenlace imprevisible.
Heredero del corte rápido y del montaje frenético propio del videoclip, Ritchie utiliza los recursos expresivos sin abusar demasiado de ellos. Así desfilan por la pantalla: travellings circulares, encuadres asimétricos, ralentis abruptos, angulaciones atípicas, tomas en video casero, repeticiones cinéticas y superposiciones visuales que enriquecen la particular caligrafía del filme. 
Significativos también son los nombres de los personajes : "J", "Harry, el hacha", "Nick, el griego", "Bazz", "Plank", "Lenny", "Willie" o "Eddie", que delimitan el uso del lenguaje a los códigos de los bajos fondos. 
Las reflexiones se suceden con cierta ironía y crítica :
__"El Imperio británico se construyó sobre la base de las tazas de té".
___"Golpealo !!!!!....Pero ¿ Con qué ? ...No sé. Usa tu imaginación. Ya es bastante con que crean que soy un imbécil".  
___"Algo apesta aquí....Mmmm sí es tu colonia".
___"Iré a ver Scarface. Si quieren aprender a vender droga, vean esa película".
El uso de la música característica de "Zorba, el griego" y "El bueno, el malo y el feo", acentúan además el humor negro, cierto manierismo narrativo del western aunque la dirección de Ritchie es originalísima y muy inteligente.
La fotografía de Tim Maurice-Jones, el acertado montaje de Niven Howier y la interpretación de Jason Flemyng, Dexter Fletcher, Jason Straitam, Steven Mackinstosh, Vinnie Jones, y Sting, le agregan un encanto adicional al sugerente relato. 
Se trata de "cine negro" codificado con la estética del audiovisual de estos tiempos. Película ganadora del Festival de Venecia. Inolvidable.


"Triciclo" :
En las cunetas del anonimato.

Un filme de realismo mágico a lo vietnamita.

 

La corrupción acecha a la pareja.

___Un retrato descarnado y realista sobre la vida marginal en la Vietnam actual, nos ofrece esta significativa co-producción entre Corea, Vietnam y el Canal Plus de Francia, dirigida por Tran Ang Hung ("El sabor de la papaya verde"; "Norwegian Wood").. 
A medio camino entre el neorrealismo más emblemático y la vanguardia del policial parisino, "Triciclo" reconstruye la historia de un puñado de seres anónimos, que se mueven entre la delincuencia, el abandono, el negocio ilícito, la mendicidad y la pobreza extrema. 
El filme no escatima esfuerzos por mostrarnos los instantes más crudos y elocuentes, como la primera experiencia de una joven en la prostitución donde su pareja nocturna le obliga a beber y orinar; o aquella del asesinato a sangre fría con una puñalada en la yugular de un hombre, en un ajuste de cuenta entre pandilleros. 
Aunque también la película está recorrida por momentos de melancólica belleza : la pintura erótica de la chica en las uñas de los pies; el encuentro en un restaurante de lujo donde actúa una hermosa cantante de la pareja marginal.
El crítico oriental Adisadki Tantimedh escribió sobre la película:
"El argumento toma su punto de partida de "Ladrón de bicicletas" de Vittorio De Sica, pero no es un ejercicio de realismo. El tono, por el contrario, se acerca al realismo mágico , concentrándose en unos estallidos inesperados de extraña belleza, por ejemplo, cuando los personajes se detienen súbitamente a mirar un helicóptero militar que cae de un transporte terrestre en medio de un inmenso tráfico, o cuando la película, se centra de repente, en la poesía minimalista de Poet ( que hace honor a su nombre), emparejando las estrofas con imágenes de inmovilidad elíptica. Es extraño ver tantos momentos de belleza en un relato de corrupción, inocencia perdida, violencia, drogas y muerte".

El picado simbólico.

El valor cromático.

El filme se caracteriza por el significativo uso del montaje sonoro, recurrente es escuchar por ejemplo, los ruidos urbanos que se cuelan por los ventanales de edificiós derruídos que se desintegran como la felicidad ausente de estos seres del submundo.
Los vestigios de la guerra anterior ( el helicóptero y los aviones que aparecen deteriorados por el paso del tiempo); la lucha por sobrevivir en medio de una atmósfera nauseabunda; las claves simbólicas como el pez extraído violentamente del acuario que muere en medio del amoníaco; y la eterna búsqueda de una razón valedera para aceptar la desproporcionalidad de trabajos ilegales, son temáticas que vienen a enriquecer la visión realista de esta interesante obra coral.
El realizador asume esta obra como algo muy personal, donde efectúa un contundente análisis de caracteres de los personajes, remarcando su dimensión interior con simbologías realmente efectivas. Pintarse el cuerpo, por ejemplo, en medio de una reunión o una borrachera de una noche febril, asume su contexto en medio de una depurada puesta en escena. 
Nada falta, nada sobra de esta imaginativa y perfeccionista obra que refleja  la miseria moral de vidas anónimas. Sobresaliente.


"Divino Ned"/"Despertando a Ned" :
Con Irlanda en el corazón.

Comedia original, divertida, irónica y humana.

 

La suplantación que beneficiará a todo el pueblo.

___ Difícil desentenderse de la materia primigenia de esta notable comedia irlandesa.
Por un lado, el elocuente aporte del director Jim Sheridan ("Mi pie izquierdo"; "En el nombre del padre"; "In America" ; "Hermanos"), sin duda, promotor de un cine de personajes, condescendientes a los ideales del período post Margareth Thatcher. 
Por otro, la exquisitez de un relato imaginativo, refrescante, estimulante, lleno de anécdotas locas y agradables que se conjugan en los hermosos paisajes de la Isla, con la suficiente afinidad con el espectador como para transformarla en una cinta inolvidable.
Cine intimista hecho a la medida de sus magníficos actores, pero sobretodo, una comedia transgresora armada de una historia que podría ser verídica en cualquier rincón del mundo.
Ned, es un anciano pescador que muere de la impresión cuando se entera por televisión que ha ganado siete millones de libras esterlinas en la última Lotería, cuando aún no se ponía en práctica lo de la Unión Común Europea.
El pueblito donde vivió Ned encabezado por dos patriarcas en directa complicidad, deciden ocultar a la Lotería la auténtica identidad de Ned, y cobrar el premio gordo.
Todo ello condicionado por el sueño de uno de los amigos del pescador, que decide transmitirle espiritualmente los verdaderos anhelos del recién desaparecido : compartir la Lotería con el resto del pueblo.
Lo que se desencadena luego, es la filigrana de la suplantación de identidad, de revertir las expectativas inciertas de un villorio casi marginal, y convertir la vida cotidiana llena de obligaciones, deberes y cumplimiento, en una gran fiesta.
Ingeniosa y divertida, esta magnífica comedia nos insinúa lo compleja que resultan para el ser humano las tentaciones del dinero. El comportamiento de los habitantes del pueblo, el silencio aleccionador y el destino "trágico" de la "bruja" del lugar, aparecen como guiños contundentes que el director acomoda para asumir el sentido crítico de la situación.
Gran película para reír, divertirse y reflexionar. Agradable comedia de situaciones. Interesante.

 
"Cenizas del Paraíso" :
La Corrupción Latinomericana.

Leticia y Nicolás por las nocturnas calles bonaerenses.

 

Héctor Alterio como el padre de los tres hijos sospechosos de un crimen.

___Tercer largometraje del realizador argentino Marcelo Piñeyro ("Tango Feroz", "Caballos salvajes"; "Plata Quemada"; "Kamchatka"; "Ismael" ), que se inició en el cine como asistente de Eliseo Subiela.
Gracias a un sólido guión, una astuta forma de encarar los recursos expresivos del cine, y un excelente uso del flash backs como elemento catalizador del conflicto central ( a la manera de "Rashomon" de Kurosawa ), Piñeyro efectúa una película reveladora, intrigante y muy efectiva.
Es un thriller policial bonaerense de raíces judiciales, que se arma a partir de la violenta muerte de la joven Ana Muro ( Leticia Brédice), hija de un poderoso empresario trasandino; de 22 años de edad y estudiante de Antropología.
La investigación de la jueza Beatriz Atellar ( Cecilia Roth ), descubre la relación que la joven tuvo con tres jóvenes hermanos, hijos del connotado abogado Costa Makantasis ( Héctor Alterio).
Por un lado, Pablo Makantasis, abogado, auxiliar de Cátedra en Filosofía del Derecho en la Universidad.
Por otro, Nicolás Makantasis, médico cardiológo, que "nunca anda con plata" y que tuvo una pareja a la que abandonó. 
También está, Alejandro Makantasis, fotógrafo periodístico que aparece como el novio de la víctima.
La película se trata de una denuncia política que deja al descubierto un nuevo caso de corrupción, pero narrado desde la perspectiva de los personajes más jóvenes. 
Cada episodio está subtitulado con los nombres de los protagonistas : Pablo-Nicolás-Alejandro-Ana.
Pero además, existe un inteligente retrato de la mujer que invade un mundo machista, en la cual, todos los chicos están enamorados de Ana.
Hay aquí una doble lectura, muy bien narrada, excelentemente actuada, pero sobretodo, con una magnífica metáfora acerca del poder y la corrupción en el mundo. 
En resumen, la película asume temas de candente actualidad con una refrescante narrativa que lo acerca al thriller europeo. Notable.

 
"La Chispa de la Vida" :
El Patetismo de los parados.

Accidente fatal y la posibilidad de hacerse millonario. Qué ironía.

Salma Hayek interpreta  a la compungida esposa de la víctima del accidente.

___Es uno de los directores españoles más singulares de la actualidad. 
Alex de la Iglesia ha logrado posicionarse del pináculo de las vanguardias gracias a un cine novedoso, original, divertido, terrorífico, que sabe pasar con absoluta versatilidad de la tragedia a la comedia negra. 
De muestra basta con sólo ver : "El día de la bestia", "La Comunidad", "Los Crímenes de Oxford", "Balada triste de trompeta" o "Las Brujas de Zugarramundi".
"La Chispa de la VIda" es una notable metáfora sobre la situación de la cesantía. 
Roberto felizmente casado con Luisa, lleva dos años en paro, accede a buscar empleo en una empresa donde le recuerda a un amigo, que él fue el creador absoluto del spot "La chispa de la vida" de Coca Cola. 
La alusión es directa. Desahuciado y traicionado por sus pares, Roberto se desahoga lanzándose en automóvil y mandando todo a la mierda.
Por accidente cae en la conferencia de prensa del Alcalde de la ciudad, que revela un hallazgo arqueológico sorprendente, pero en el lugar, sufre un trágico accidente que lo deja al borde de la muerte.
De la Iglesia estira la tragicómica actitud del accidentado, para enrostrarnos la ironía, hipocresía y maldad de un mundo en caos.  
Sus pinceladas dan para todo : alusión a la cesantía en Europa y España, la corrupción de la clase política, los manejos de los medios de comunicación especialmente televisivos, las malversaciones del marketing y la publicidad, el aprovechamiento del débil, las ambiciones materiales del desahuciado, los subterfugios de la burocracia, en una amalgama notable y certera. 
Se trata de una crítica mordaz a los desvaríos de la crisis; pero sobretodo, una valiente toma de conciencia del papel de los medios masivos de comunicación en la creación indolente de héroes donde no los hay; asumiendo a los esbirros de la masacre utilitaria, la expiación de un mundo sin sentido, oligárquico, que vive del "reality" y del espejismo cruel de lo artificial y maníqueo. Sobresaliente. 


"Crystal Fairy y el cactus mágico" :
Una mirada diferente desde el norte de Chile.

 

Portando el preciado cactus mágico, aparece Michael Cera en el norte de Chile.

Los actores junto al director Sebastián Silva que aparece de gorro rojo.

___Puede que esta película chilena no le guste a todo el mundo. Sencillamente porque se desconocen las motivaciones del realizador nacional Sebastián Silva ("La nana"), por un tipo de obras que escapan de la mera diversión evasiva. 
Su cine habla en espacios más concentrados, sobre las verdades que molestan y que tiene relación con los comportamientos humanos, los choques culturales y las evoluciones caracterológicas de los personajes.
Aquí, Jaimie ( Michael Cera de : "Juno" y "Superbad"), un joven norteamericano égocéntrico y caótico, recorre con sus amigos el desierto de Atacama, en la búsqueda del legendario cactus de San Pedro del cual se extrae un poderoso alucinógeno chamano.
En su camino se les cruza Crystal Fairy ( Gaby Hoffman, de "Ayer y Hoy"; "Vulcano", "200 Cigarrillos"), una chica de espíritu liberal  en la búsqueda de sí misma.
Mantenido una unidad de tiempo y lugar satisfactoria, y aprovechando los hermosos parajes del norte de Chile destacados gracias a la notable fotografía de Cristian Petit-Laurent, el director Silva no hace otra cosa que escudriñar por las sicologías de personajes de diferentes culturas, para efectuar una especie de "road movie" donde el trayecto es subliminal al crecimiento interior de los personajes.  
Después del paseo por la playa cuando los chicos se toman el brebaje mágico, hay una reinversión mental que los mostrará en su auténtica vulnerabilidad para hacerlos más cercanos al público. 
Ojo con el desnudo de Gaby Hoffman, uno de los "topless" más celebrados de una actriz en el cine latinoamericano el año pasado.
Cine de personajes, de análisis sicologicos más contundentes y de arriesgada compostura intelectual. Original.


"Bombal" :
El biopic de una compleja personalidad.
 

Un melodrama que cede al peso del esteticismo de época.

Blanca Lewin como María Luisa Bombal, una de las intelectuales chilenas  más destacadas del siglo XX.

___Al director chileno Marcelo Ferrari se le conoce por la adaptación de la obra de Baldomero Lillo, "Subterra", que destacó más que nada, por su rigurosa recreación de época.
Dedicado a la televisión, reingresa a la pantalla grande con "Bombal"( 2011), un biopic sobre la escritora chilena María Luisa Bombal, autora de la celebérrima "La Amortajada".
El filme es una excusa pintoresca para retratar a partir de las relaciones tormentosas de la Bombal con su pareja, la realidad oculta de la sociedad conservadora de Santiago.
La mirada es intimista, casi claustrofóbica, apelando a las bondades del close up, aunque no desestima el sentido crítico y reflexivo de una época.
Ferrari no es un mal narrador, pero se instuye en el material algo literatoso, el esquematismo abrasador de un relato demasiado artificioso. 
Su estética es digna del cine de los años cuarenta. Con algunos rasgos de cine negro y melodrama pasional de trágicas consecuencias policiales. 
Son lugares comunes de una insípida narración que no termina por alzar vuelo expresivo.
No es que la película peque de poco interés; sin embargo, la figura de la Bombal encarnada por Blanca Lewin, aparece como lejana y distante, demasiado "acartonada" en un mundo de tradiciones obsoletas.
Pese a su lacitud, el filme logra empatizar en el descubrimiento de las ambigüedades siempre controvertidas de una clase superior, que cuida su imagen y la licúa en función de los idealismos foráneos y los tics de sociedades europeas.
A la compleja personalidad de la Bombal, se une un retrato histórico casi nocturno de la vida de los grandes intelectuales de su tiempo.
En este sentido, Ferrari no descuida detalles en el vestuario, los ambientes, el maquillaje, los decorados, la fotografía de época, etc.
Completan el cuadro de personajes "reales", los actores : Alejandro Goic en un rol de homosexual que escapa de lo maníqueo, Marcelo Alonso, Monserrat Prats ( uno de los rostros más bellos del cine criollo ); Ximena Rivas, María José Prieto, Ana María Palma, Delfina Guzmán y Arnaldo Berríos. Interesante.

 
"El Violinista" :
El minimalismo hecho Arte.

Un talento prodigioso de la música clásica.

 

Padre e hijo en la aventura de sus vidas.

___ El director Chen Kaige ( "Adiós a mi concubina", "El Rey de los niños"; "El Emperador y el asesino"), cuenta la historia de un prodigio de trece años en la China del deshielo cultural.
Su padre, un campesino analfabeto, le lleva a la ciudad con la esperanza de que su hijo sea una estrella de la Orquesta Sinfónica de Pekín.
Lo que se produce en el intertanto es la mirada candorosa de estilo neorrealista, sutil y emotiva, del encuentro del chico con ese universo distinto de la exigencia, la renuncia, el celo, la rivalidad y la competencia. 
La película destila humanidad por sus cuatro costados. Pero también revela un riguroso trabajo argumental, una inteligente planificación en la puesta en escena y una notable constatación de un universo cultural siempre en eterno descubrimiento.
Chen Kaige opta por integrar las motivaciones del muchacho, su despertar amoroso que es idílico con una amiga que ejerce la prostitución; la relación filial con su primer maestro, un profesor menoscabado por un antiguo amor; y su estricta relación de apadrinamiento con el exigente profesor de la Sinfónica.
"El Violinista" es una gran película minimalista, llena de detalles en torno a los objetos  ( el violín, el sumo de naranjas, la foto perdida dentro de un calcetín o el marco sobre un piano solemne) y una astuta recreación de atmósferas, como un cuarto estrecho y reducido, o una confortable habitación donde no existe la armonía aunque prima la exigencia.
Gran película sobre el sacrificio y la abnegación de un prodigio por alcanzar un sueño. Valiosa.

 
"Temporada de patos" :
Un ejercicio de humor absurdo.

Cuatro personajes transforman un domingo en algo diferente.

 

El juego y el ocio.

 

La amistad en la adolescencia en los bordes de la ambigüedad.

___ Novedosa y minimalista película mexicana con que debutó en el largometraje el realizador Fernando Eimbcke, director de videoclips para grupos como "Molotov" y "Plastilina  Mosh" y de las posteriores "Lake Tahoe" y "Club Sandwich".
El profesional asume una historia que le interesa mucho, acerca del mundo de los jóvenes en el medio urbano. 
En este caso, Moko ( Diego Cataño) y Flama ( Daniel Miranda) de catorce años de edad, amigos que pasan el domingo en el apartamento elevado de un edificio, en pleno barrio azteca.
¿Como matar el aburrimiento cuando están solos ?
Nada mejor que ponerse a jugar videos, aunque esta tranquilidad sosegada y rutinaria la terminen rompiendo dos singulares personajes : Rita ( Danny Perea), la vecina adolescente que les enseña a los muchachos a preparar un queque alucinante mezclado con droga; y Ulises ( Enrique Arreola), un repartidor de pizza algo defraudado con su vida profesional y que encontrará en un singular cuadro ( que da título al filme), las motivaciones más gratas de su existencia.
El director extrae una estilizada concepción audiovisual que entremezcla ruidos de reloj o del goteo de una llave semicerrada, para acentuar los valores estéticos de la notable fotografía en blanco y negro. 
En algún sentido, Eimbcke logra transmutar la aparente soledad en que están sumergidos estos adolescentes en medio de la selva de asfalto, con las incertidumbres de su propia sexualidad y origen. 
En un momento de la película, uno de los jóvenes duda de que sea hijo legítimo; y el otro, prueba las mieles del sexo opuesto aunque sueña con su amigo en una latente homosexualidad encubierta por sus cortos años.
A nivel de la fotografía, priman los detalles de la arquitectura de los edificios, las avenidas y las calles y el manejo de los espacios urbanos con un abundante significado respecto a la naturaleza que circunda el lugar. Detrás de las empinadas edificaciones departamentales y del atestado tráfico vehicular, se esconden los seres humanos aletargados por una vida futil, monótona, cancina, repetitiva y complaciente.
Las tomas interiores también están rigurosamente planificadas. El departamento de la acción central, pese a ser espacioso se va cerrando a medida avanza la acción, no sólo por el caos que se origina en la cocina, sino por la solvente metáfora que hay respecto a la soledad, la transitoriedad y el avance vertiginoso del tiempo.
El argumento incluye un cúmulo de temas por reflexionar y el descubrimiento de las latentes ansiedades sexuales de los adolescentes con toda su carga errática y homoerótica.
Hay además, una magnífico trabajo de cámara subjetiva, una gran banda sonora, y por supuesto, valiosas actuaciones considerando la juventud de la mayoría de sus intérpretes.
La temática adolescente vuelve a aparecer en una película en nuestra lengua que no debe dejarse pasar por alto. 
El director insiste : "Puede ser que los adolescentes no sepan lo que quieren, pero saben lo que no quieren". Muy Interesante.
  
 


"Cuestión de principios" : 
La ética en tiempos de crisis.

Federico Luppi interpreta  a un funcionario de sólidos principios morales.

Norma Aleandro como su compungida mujer, que ha sufrido del encierro hogareño y la rutina doméstica.

Pablo Echarri como el joven ejecutivo que aprisiona a sus subalternos con el valor del dinero.

Un matrimonio en la disyuntiva de cambiar su vida o dejarla pasar.

___ Basado en un cuento de Roberto Fontanarrosa, el director argentino Rodrigo Grande ("Rosarigasinos"), elabora una entrañable comedia de personajes, desprejuiciada y muy crítica sobre la dignidad y el choque de costumbres entre los principios y deberes.
La historia gira alrededor de Adalberto Castilla ( Federico Luppi, siempre notable ), un viejo funcionario de una empresa pesquera de Rosario, que vive su carrera de acuerdo a los viejos principios que le enseñó su padre : la moral más estricta y práctica, el sentido de la pertenencia social y familiar y los rasgos autosuficientes de ser un modelo gestor de equilibrio entre sus pares. 
Casado con Sara ( Norma Aleandro, siempre magnífica), una ama de casa de vida estéril que se la juega por su hijo adoptivo Rory, un gigantesco jugador de rugby, que hace lo que puede para convencer a su padre que venda a su jefe el número valioso de una revista, y de paso, obtener el financiamiento para viajar con su selección a Australia.
El problema es que en ese magazine, aparece una fotografia de su padre con los monarcas españoles que tiene un valor sentimental más allá de cualquier propuesta económica.
Entonces se origina el choque entre el joven ejecutivo y el viejo empleado por obtener la dichosa revista y demostrarle a uno de los dos, cuales son los valores morales que priman en el mundo laboral moderno.  
El filme está tremendamente sólido y mantiene un interés creciente gracias a las estupendas actuaciones de los veteranos Luppi y Aleandro,  a los divertidos planteamientos anecdóticos y a las  sabrosas "puyas" que afloran de labios de la esposa del funcionario.
Detrás del humor corrosivo y sentimental hay una reflexión sobre la vida monótona de un veterano oficinista, las vicisitudes de la tercera edad, la infidelidad, las tentaciones en el otoño de nuestras vidas, la monotonía de la vida laboral, pero sobretodo, una mirada ácida y crítica sobre la falta de ética en todas las acciones que se emprenden por llegar a la cima del mundo.
En este caso, Silva ( Pablo Echarri, una verdadera revelación en el papel del joven ejecutivo), tiene una vida personal fracturada y en caos; aunque sostiene la imagen del "yuppie" de éxito en su empresa, con una compleja insistencia rayana en la obsesión. Detrás del ejecutivo perfecto, se esconde el monstruo de la animosidad complaciente que cree posible manejar todas las situaciones lucrando y salvaguardando sus ambiciones, con una vanidad exacerbada. 
Rodrigo Grande amplifica hacia el desenlace el choque entre el veterano con principios y el ejecutivo ambicioso y materialista, para mantener el interés de una trama siempre divertida, grata, simpática y realista.
A todo ello contribuye la integración de canciones simbólicas, como la hermosa "Venecia, sin tí" que interpreta Charles Aznavour.
Una comedia lograda, amable y sincera. Muy Recomendable.



La Crítica Internacional Opina.


De un puñado de películas magníficas - algunas desconocidas aún por estos lugares- resaltamos las mejores críticas aparecidas en prestigiosos medios escritos y digitales. 
Como una manera de complementar este suculento manjar de películas artísticas provenientes de distintos países del mundo. 
Cada opinión como verán, incluye gustos personales y mirada periféricas siempre gratificantes dentro del acostumbrado panorama comercial.  
La Crítica especializada en diferentes idiomas, matiza de algún modo y orienta a los cinéfilos en la enorme y oceánica vitrina de estrenos.
 

"Funny Games" ( 1997) de Michael Haneke : "Una familia de clase media formada por Anna  ( Susanne Lothar), Georg ( Ulrich Mühe), y su hijo, pasa el fin de semana en su aislada casa frente a un lago. Dos hombres jóvenes ( Peter Giering) y Paul (Arno Frisch), aparentemente educados, invaden su casa y les someten a una terrible sucesión de eventos mientras los filman. Lothar, cuyo personaje es el que más sufre, consigue una interpretación realmente sincera y conmovedora. Encarna a una persona inocente que intenta endurecerse in extremis, pero el realizador no le concede ninguna piedad, lo mismo que los allanadores. El director austríaco de origen alemán Michael Haneke quiere deconstruir y criticar casi toda la cinematografía anterior, enfrentando al propio espectador a su hipocresía. Ataca el thriller de suspenso, pero también demuestra que es un realizador con talento, , un maestro de la manipulación como lo fue Hitchcock" ( Kim Newman, crítica de "Empire" y "Sight & Sound").

 

"El abuelo que saltó una venta y se largó" ( 2013) de Felix Herngren :"Basado en una conocida novela del sueco Jonas Jonasson que publicó en el 2009 y fue un récord de ventas en su país. Estamos ante la típica película del hombre tanto afortunado como habilitoso, que ha vivido mil y una aventuras y que las va contando en flash back a algún cercano... Felix Herngren , logra mantener dos horas de comedia con una buena realización, donde destacan los efectos especiales, que cumple a las mil maravillas con su cometido de hacer reír al público" ( Alvaro Casanova de "Cine maldito").

"El Círculo" ("Dayereh", 2000) de Jafar Panahi : " Esta extensa antología de historias contemporáneas de las calles de Teherán es la tercera película de Jafar Panahi, alumno de la nueva ola iraní, imbuída de una tosca urgencia y un sobrio mensaje político que podrían haberse arrancado de las páginas de Franz Kafka o George Orwell. La película acusa con valentía a una sociedad que impone a una población unas leyes draconianas y a menudo discriminatorias" ( David Jenkins crítico del "Time Out London").

Finn ( 2013 ) de Frans Wiesz : Una entrañable historia de relación entre un viejo músico y un niño en medio de un paisaje campestre hermoso y bucólico. El filme coproducido entre los Países Bajos y Bélgica, es una magnífica historia acerca de la vocación, las aptitudes, la magia y el oficio. Finn tiene un padre que detesta cualquier manifestación que no sea la trazada por su carácter excesivamente autoritario. El niño se escapa y en una granja encantada descubre la verdadera naturaleza de sus dones. Una película familiar entrañable" ( Antonio E.Díaz de "Circumcinema").

 

"Yesterday" ( 2004) de Darrell James Roodt :   "Yesterday ( Leletti Khumala) vive en Roolhoelk una remota aldea en Zululand, Sudáfrica. Su vida cotidiana no es fácil : hay poco dinero, escasas facilidades modernas y su marido esta lejos, en Johannesburgo, trabajando en una mina de oro. Sin embargo, ella posee un espíritu alegre y disfruta de Beauty ( Lihle Mvelase), su hija de siete años. Este precario equilibrio se verá súbitamente amenazado cuando a Yesterday le diagnostiquen Sida y deba emprender un largo viaje para comprender y confrontar su enfermedad. El motor de su lucha será siempre su hija. Se trata de un sencillo y a la vez poderoso relato que cosechó una nominación al Oscar como Mejor Película Extranjera, y que pone de manifiesto la cruda y descarnada realidad de uno de los continentes más golpeados por la indiferencia de las grandes potencias" ( Felipe Tizón crítico de "Cinemania").

"Yi Yi" ( 2000) de Edward Yang :"Es uno de los grandes logros del cine taiwanés moderno, una película con un enfoque más bien íntimo, pero épica en su duración y alcance. Con una boda, un nacimiento y un funeral, el filme comprende las experiencias de tres generaciones y recorre la vertiente familiar, romántica y profesional a través de un hombre maduro N.J. ( ( Nien-Jen Wu), y los que le rodean. A pesar de su tono melancólico, la visión oscura de Yang de la vida moderna de Taipei no resulta nunca deprimente, y aunque el director mantiene muchas veces su cámara a cierta distancia, el público nunca se siente alejado de las emociones de sus personajes" ( Alexander Jacoby, crítico de The Times, CineAction y Film Criticism). 

"My summer of love" ( 2004) de Pawel Pawlikowski :  "La segunda película del escritor-director polaco Pawlikowski ( la primera que produjo de manera independiente), anunció la llegada de una nueva voz original y desafiante. Se trata de una versión de la cinematográfica novela de Helen Cross de temática variada, sobre dos quinceañeras de clases diferentes que tienen un romance de verano, breve y arriesgadamente pasional. La película puso en contacto la sensibilidad internacional y la mentalidad iconoclasta del director con algunas convenciones ( literarias, románticas de realismo social), del cine británico de principios del siglo XXI. El cineasta fusiona a la perfección sensualidad, detallismo realista y fantasía lírica, sin mencionar el simbolismo religioso y psicológico, momentos de sarcástico terror y una auténtica sensación de amenaza, a la vez que respeta el ritmo emocional al que laten los corazones de sus dos jóvenes protagonistas".  (  Wally Hammond de "Sigh & Sound").

"Vete y Vive"/"Ser digno de ser" ("Va, vis et deviene", 2005) de Radu Mihalleanu : " La primera película épica dedicada a la emigración de judíos etiopes a Israel, sigue una fórmula que permite a los espectadores involucrarse emocionalmente en una historia, que la mayoría de la gente ajena a la zona implicada debe conocer muy poco. Schlomo es un niño etiope de nueve años que su madre envía a la Operación Moisés, un programa que devuelve judíos etiopes a Israel. Pero Schlomo tiene un secreto : ni es judío ni es huérfano, dos mentiras que tiñen su existencia. En Israel, Schlomo tiene la suerte de ser adjudicado a una familia feliz y cariñosa, compuesta de una madre protectora, un padre afectuoso y un abuelo sabio. En el fondo, se trata de un drama familiar, que abarca la compleja y divisoria política israelita, donde los moderados se enfrentan a los fundamentalistas por la mismísima alma del país" ( Kathryn Bergeron ).

"Quiereme" ( 2007) de Beda Docampo Feijóo: " Una interesante película de emociones y ternurismo,  que nos descubre el lado ácido y amable de las cosas. Rodada en Buenos Aires, Madrid, Sitges y Alicante, cuenta la historia de un cocinero cincuentón que regenta un exclusivo restaurante ( Darío Grandinetti, notable), al que un día, le llega la visita inesperada de una niñita, Amparo ( la hermosa Cluadia Valdivieso), de origen español. El viaje que inician ambos buscando la seguridad de la chica, es de descubrimiento, pero también de asumir un pasado dramático imperfecto caracterizado por la frivolidad y el egoísmo más escrutador. El director fue uno de los guionistas de la celebrada "Camila", uno de los grandes éxitos del cine argentino de 1985. Esta comedia de valores humanos, asume desde la modestia y la belleza de los paisajes, la complejidad de las relaciones de pareja y el desafío de los cambios reales". ( Antonio Eduardo Díaz de "Circumcinema").

"Tiempo de volver a amar" ("The Queen of Sheeba"s Pearls", 2004) de Colin Nutley : "El director británico ha hecho varias películas donde indaga sobre la mentalidad sueca, pero ahora vuelve a sus raíces y se ocupa de la rigidez inglesa. El tema central es el choque entre esos dos mundos. Uno de ellos es representado por Jack ( y su familia) , quien en su adolescencia debe enfrentarse a la llegada de una mujer con notable parecido a su fallecida madre. Nancy (Helena Berström, esposa y musa de Nutley), es la bella visitante, quien personifica la espontaneidad, el erotismo pero también lo oscuro. Lo interesante de la película es como maneja la ambigüedad de su personaje femenino central, un ser desdoblado y enigmático hasta el final" ( Milagros Amondaray de "Cinemanía").

"El Jugador" ("The Gambler", 2013) de Ignas Jonynas : "Exhibida en el Festival de San Sebastián, es un magnífico thriller original, que recicla algunas ideas de la obsesión por el juego. Se trata de una coproducción lituano-letona, que cuenta la historia de un paramédico metido en grandes problemas, cuando compromete a su propio trabajo al acumular deudas originadas por su compulsiva afición a las apuestas. En el elenco encabezado por el actor Vytautas Kaniusonis, actúa Oona Mekas, la hija del mítico realizador underground Jonas Mekas".  ( A.P.).

"Mortalmente parecidos" ("Dead Rigers", 1988) de David Cronenberg : "Wayne Drew divide en cinco pasos la desestabilización del espectador que producen las películas de David Croneneberg : 1) cuerpo y mente; 2) identidad sexual ; 3) familia e instituciones sociales; 4) códigos morales y creencias metafísicas; y 5) estructuras económicas y políticas. Estas descripciones recogen bien la originalidad del cine del director canadiense, su posición única y su condición profética en el último tercio del siglo XX, los años de la ciencia estupefacta, de la tecnología desbordante y del Sida. Esta película ocupa un lugar central en él por su radicalidad clínico-siquiátrica, pero también por su extrema contención, que la dota de una textura casi esterilizada, por donde emerge con más claridad el tipo de vértigo que Cronenberg propone". ( Ascanio Cavallo y Antonio Martinez).

"Pieza inconclusa para piano mecánico" ( 1976) de Nikita Mijalkov : "Con esta película, el director ruso encontró su mejor registro, aquel que le ha dado resonancia internacional: la recreación del universo temático de Anton Chejov ( 1860-1904), notable dramaturgo considerado uno de los padres del teatro moderno y cuentista. El filme presenta una docena de personajes de la aristocracia rural de principios del siglo XX, que se reúnen en una casona campestre durante un día entero a disfrutar de una reunión social. A través de sus conversaciones y de pequeños incidentes, se establecen las relaciones entre estos seres y así se llega a configurar el mundillo ociosamente banal propio de la Rusia zarista; en ese retrato hay sin duda una intención crítica. Pero tras la frivolidad aparente, existe en estos seres un trasfondo de frustraciones, ilusiones perdidas y amores desencontrados; pese a su circunstancia, ellos buscan desesperadamente la felicidad" ( Pedro J.Labra de "Cosas").

"Confidencialmente Tuya" ("Vivement dimache", 1983) de Francois Truffaut : Basada en una novela de Charles Williams ( The long Saturday), un poco conocido autor del género negro, la película testimonia el placer de Truffaut por la precisión del relato, el juego de equívocos y dobles vueltas y las emociones a flor de piel característicos de ese género. Nunca antes el director francés había hecho tan explícitas las referencias a sus modelos: la fotografía en blanco y negro, iluminación de contrastes y contraluces, ambientación preferentemente nocturna, abundante diálogo, condensación de la acción en unas pocas horas. La filiación de Hitchcock, es desde luego, directa. Hay un falso culpable acosado, una muchacha que debe salvarlo y un proceso de redención movilizado por el sufrimiento que ocasiona el peligro". ( José Román de "Primer Plano" y "Enfoque").

"Principiantes Absolutos" (Absolute Begineers", 1986) de Julien Temple : "Ambientada en el Londres de 1958, esta película recorre múltiples ejes temáticos envolviéndonos en una colorida y llamativa puesta en escena que revitaliza el género de la comedia musical, a través de un estilo inspirado en las técnicas del video clip. El eje central que yace bajo las múltiples historias que desborda el delirante guión, es el establecimiento de las bases de una nueva sociedad determinada por las consecuencias de la posguerra. En ella surge una serie de fenómenos que conformarán el futuro ( a veces apocalíptico) del decadente Imperio Británico; es una suerte de variante postmoderna de lo que describen ( también desde el plano musical visual), pero desde una perspectiva mucho más trágica densa y oscura, Roger Waters junto a Pink Floyd en el álbum y el filme The Wall. Toda esta sociedad huérfana, cuya figura paterna a desaparecido con la guerra , se encarna en la aparición de una nueva estirpe : los adolescentes". ( Daniel Olave de "La Tercera" y "TodoCine" del Canal 13).

"A través de los Olivos" ( 1994) de Abbas Kiarostami : "En esta extraordinaria película, Kiarostami no oculta al director sino que lo muestra, lo esconde para volver a mostrarlo y finalmente, como en un acto de magia, lo convierte en omnipresente. Esta película está hecha con toda la magia del cine por un prestidigitador que enseña las manos vacías para colmarlas en imágenes en un pase ante los mismos ojos. Kiarostami es, efecto, un mago persa". ( El recordado crítico de cine Guillermo Cabrera Infante).

"La consecuencia del amor" ( 2004) de Paolo Sorrentino : "El nuevo milenio vio una promesa del renacimiento del cine italiano con uno de los directores con más talento de la vanguardia. Paolo Sorrentino ( "La gran belleza") es un estilista visual y un narrador único; y esta película una de sus obras más seductoras. Se trata de un estudio de carácter existencial oculto como drama de la mafia ( o viceversa), con Tonino Servillo en el papel de Titta Di Girolamo, un húesped permanente en un hotel de Lugano, Suiza. El director no facilita más información sobre la vida del personaje excepto algún comentario esporádico en off del mismo Di Girolamo. El filme le pide al espectador que ignore la banalidad superior de la vida por descubrir toda una serie de emociones, traiciones pasadas, sueños frustrados y vanas esperanzas". ( Ian Hayd Smith editor del "International Film Guide").

"La Jaula de Oro" ( 2013 ) de Diego Quezada- Diez :  El realizador azteca sencillamente puede haber producido, la película mexicana definitiva sobre la migración del Sur al Norte en el continente de los últimos años. El prólogo de la película atrapa al instante : dos adolescentes se preparan para viajar de Guatemala al Norte; uno de ellos es una jovencita quien se interna en un baño para cortarse el cabello y diafrazarse con la finalidad de pasar inadvertida en la travesía, mientras que el otro chico guarda sus escasos billetes en sus preciadas botas, como si este calzado representara un signo de autoridad. No hay diálogos ni música. Son los simples pero contundentes actos realizados por estos personajes, los que marcan la norma con la cual está realizada la película" ( Oscar Uriel de "Cine Tradicional").

  

"Heart of a Lion" ( 2013) de Dome Karukoski : Notable coproducción finlandesa-sueca que habla sobre la intolerancia en la Europa actual. "Karukoski vuelve a sus temas preferidos sobre los desgastes desfavorecidos de las normas sociales", a través de una trama muy interesante acerca de un neonazi que se enamora de una mujer que tiene un hijo negro y que se encontrará luchando con sus principios ideológicos. "Si bien la configuración de los personajes tiene un toque apresurado, el filme consigue crear un retrato de agitación capaz de cambiar las mentes y los corazones, manteniendo eso sí, todos los aspectos viles y viciosos de la intolerancia" ( Nicholas Bell de "Ion Cinema!").

"La distancia más larga" ( 2013) de Claudia Pinto : "Especie de road movie existencial precedida de flash backs y un itinerario que habla sobre la segunda oportunidad. Martina ( Carme Elías) es una mujer madura, que recibe la triste noticia que está enferma terminal. Esta situación desencadena en ella un deseo tremendo por emprender un viaje a la Gran Sabana, y específicamente al monte de Roraina y dejarse morir. Sin embargo, la aparición de su nieto ( Omar Moya), que le acompañará en la travesía, le doblegará con recuerdos más que entrañables. Las relaciones familiares, la seducción y la libertad como ejes motores de un relato sobre crecimiento personal y segundas oportunidades, convierte a esta comedia dramática en un portento de buen cine de personajes" ( A. K.).

  

"I"am Yours" ( 2013) de Iran Haq : "Producción noruega de la actriz, guionista y directora Iram Haq, que escudriña con sensibilidad en el controvertido tema de las relaciones familiares después del divorcio. En efecto, Mina ( Amrita Acharia) es una joven paquistaní de 27 años de edad, divorciada de un arquitecto y con un hijo pequeño que mantener. Ella pese a la oposición familiar, reencontrará el amor en un joven sueco Jesper ( Ola Rapace), inseguro y trabajólico que se desempeña como cineasta. La película tiene la capacidad no sólo de hablar del amor y la segunda oportunidad, sino también de la familia y la vocación profesional. Muy intensa y lograda, es un tratado sobre las relaciones interculturales de parejas emigrantes en el mundo actual". (A.E.D.).

"El Regalo" ( 2008) de Cristián Galaz y Andrea Ugalde : Fue uno de los éxitos del año del cine chileno. Imperativo revisitarla, toda vez que recibió críticas no muy estimulantes, cuando en verdad, se trata de una comedia de personajes, lograda, ingeniosa, atractiva, fundamentalmente simpática y con algunos temas interesantes que reflexionar. El filme reúne además a algunos de nuestros mejores actores y asume con oficio e inteligencia, el retrato de la tercera edad, sin excluír el sexo. El relato parte cuando un profesor jubilado ( Nelson Villagra) a punto de suicidarse, es invitado por dos viejos amigos a las Termas de Chillán. Allá conocerá a una mujer que le devolverá las ganas de vivir. El contrapunto : terquedad versus libertad no está demás en el trazo atento de los realizadores chilenos, que extraen toda la comicidad y diversión que se puede esperar de una comedia a la criolla. Sinceramente, una obra positivista, realista y humana" ( Antonio E.Diaz).

  

"La Señal" ( 2007) de Ricardo Darín y Martín Hodara : "Esta fue la película que proyectó el realizador argentino Eduardo Mignogna cuando le sobrevino la muerte. Basada en su libro, el actor Ricardo Darín y su asistente, tomaron el proyecto y le dieron vida con todas las circunstancias del caso. Se trata de un ejercicio de estilo. Un thriller ambientado en 1952 mientras Eva Perón agoniza, que le rinde homenaje al cine negro americano. No es que la película pierda inconsistencia dramática, aunque están todos los estereotipos del género : el detective marginal, antisistémico y pueril  ( Darin), el colega sabio y astuto ( Diego Peretti) que puede ser duro y cauteloso; y la femme fatale ( Julieta Diaz), una Veronika Lake en negro, ambiciosa y peliaguda, sensual y sexual. Al notable diseño de producción que recrea otros tiempos, contribuye una canción de Frank Sinatra; pese a que la trama se resiente por su linealidad. Sin ser una obra perfecta ( faltó definición argumental y cierta espontaneidad), la película es una obra interesante y cautivante si se le toma como lo que es, un ejercicio de estilo al cine policial norteamericano de los años cuarenta". ( P.G.V.). 

  

"Otto is a Rhino" ( 2013) de Kenneth Kainz : "A partir del clásico literario "Otto es un Rinoceronte" de Ole Lund Kirkegaard, está es la primera película danesa que será distribuida por una major americana: " Universal Pictures" que comenzará su exhibición el 26 de junio en Alemania. Escrita por Rune Schjott y codirigida por Erik Schmidt, ganó el premio a la mejor película del Festival Internacional de Cine Infantil de Chicago. Cuenta la historia de un niño que echando mucho de menos a su padre en plenas vacaciones, se encuentra con un lápiz mágico. Cuando dibuja un rinoceronte en la pared, éste cobra vida. Bautizado con el nombre de Otto, el rinoceronte come pan negro y bebe un refresco de frambuesa antes de comerse todos los muebles". ( Jorn Rossing Jenssen de "Cine Europa").

Fotos-Gentileza : Cine Europa- The New York Times- CineExpress- Les Filmes de la Carrose- The Guardian- Pathé - Diario LaTercera- El Excelsior- Los Angeles Times- Cine Chino- Cinemania- BBC - Archivo.-

Poster de la película estadounidense- chilena de Sebastián Silva.

 

Cartel de la película de Shohei Imamura.

 

Coproducción entre Países Bajos y Bélgica dirigido por Frans Wiesz.

 

Cartel de la película noruega realizada por Iram Haq.

 

Poster del clásico del realizador taiwanés Edward Yang.