LA PELICULA DE HOY: "LA HISTORIA SIN FIN", A 40 AÑOS DE SU ESTRENO.

 La fantasía como relato interminable.

Bastián leyendo "La historia sin fin" o historia interminable, la clásica adaptación cinematográfica del realizador alemán Wolfgang Petersen al libro de Michael Ende. Se cumplen 40 años de su estreno y en esta entrada nos dedicamos a descubrir por qué su repercusión fue tan grande.  

La sorpresa de la cartelera 1984.

Corría el mes de enero de 1985 en Talca y el Cine Plaza dedicaba las marquesinas a resaltar las lobby- cards y los afiches de "La historia sin fin". En Europa, su estreno había coincidido con la llegada del verano en 1984, y nosotros la recibimos meses después, sabiendo el impacto público que había provocado en todos los países donde se había exhibido. La Revista "Scala" que en aquellos años recibía por correo, le dedicó un número especial para dar a conocer la apuesta de los Estudios Bavaria, donde se filmó la obra, pero hablaba también del renacimiento de la nueva ola alemana, a propósito de la obra de Wolfgang Petersen, que antes había triunfado con "El barco"/"Das Boot". La fotografía de Petersen con sus jóvenes prodigios, Barret Oliver y Tami Stronach, era un tesoro para cinéfilos.

Yo lleve a mis sobrinos pequeños Daniel e Ignacio, y algo paso cuando se abrió la imagen de la sala en pantalla ancha, con esa escena del gigante come piedras calizas montado en una motocicleta de rocas, el duende nocturno con el murciélago dormilón, y el hombre montado en el caracol veloz, desde ahí para adelante, la historia no logro desprenderse de ninguno de nosotros. Quedamos simplemente cautivados y sorprendidos por su originalidad, sus colores, sus conceptos visuales, la puesta en escena, y por supuesto, sus magníficos efectos visuales que, para esa época, eran de la última etapa de la animación clásica, entendida como algo exclusivamente fotográfico, lejano aun a las bondades de la informática. En la foto, el príncipe Atreyu y su fiel amigo corcel Artax. 

¿Qué hace imperecedera la historia sin fin? Sus entrañables personajes, desde el niño Bastián que ha perdido recientemente a su madre y que sufre de bullying en el colegio, y que sencillamente, busca refugio en la lectura de aventuras y fantasías literarias. El joven Barret Olivier que se dio a conocer en "Mi adorable fantasma" una comedia que es casi un remake a "Doña Flor y sus dos maridos", junto a Sally Field y James Caan y salto al estrellato con esta película para gloria de su nombre. Si bien tuvo una carrera interesante con títulos como "D.A.R.Y.L.", las dos partes de "Cocoon", nunca estuvo mejor que en esta clásica cinta familiar.

El príncipe Atreyu, interpretado por Noah Hathaway, al que todos creen un adulto, será el que se arriesgue en la travesía de salvar a Fantasía de la seria amenaza de la nada. La nada es el vacío intelectual en que están sumergidos muchos niños y jóvenes, cuando dejan de fantasear o imaginarse historias lúdicas que fomentan las neuronas y multiplican el conocimiento humano y la sabiduría. En este sentido, la metáfora percibe el mensaje: "La gente sin esperanza es fácil de controlar, y el que tiene el control, tiene el poder". Fantasía se borra del mapa y tiende a diluirse en el vacío espectral que supone la desesperanza humana que destruye el mundo.

Tami Stronach es la princesa de la Torre de Marfil en Fantasía, una bellísima niña que tutela los rincones más significativos del mundo de las creaciones humanas. Ella en la vida real, es una celebre bailarina, y nunca ha dejado de admirar la obra de Ende. Detrás de su cándida y angelical belleza, se esconde la semilla que Bastián/ Atreyu deberán hacer germinar, tras el paso inexorable de la Nada. Ende efectúa una certera metáfora acerca de la esperanza después de la destrucción del pensamiento creativo.  

Engywook ( Sidney Bromley) y Urgl (Patricia Hayes), indistintamente guían al príncipe a completar su misión, con la ayuda de unos simpáticos teleobjetivos, donde ocurrirán algunas divertidas situaciones y escalofriantes como enfrentar los ojos del Oráculo del Sur. Petersen rodeaba a los niños protagonistas de personajes alambicados en el mundo de Fantasía, como Morla/ Moldor, la sabia tortuga que estornuda, Artax el fiel corcel del joven príncipe, Gmork, el lobo sirviente de la Nada, entre otros, y que Ende tradujo, como seres traviesos, eruditos y de gran bondad o maldad.

Tal vez, es el personaje más característico de la película, Falkor, el dragón de la suerte, que tiene la sonrisa y la apariencia de Einstein. Amigo inseparable de Atreyu, le transporta entre espacios temporales de distinta magnitud, y le socorre en momentos realmente limites, donde pone en peligro su propia existencia. Petersen extrajo del imaginario de Ende, este fabuloso personaje, dándole vida con los conceptos tributarios de los muppets y la electrónica (para el movimiento de sus ojos), en una simbiosis muy conseguida.

Uno de los momentos clave del relato, es la conversación que tiene el príncipe Atreyu con Morla, la vieja y resfriada tortuga. Petersen incorpora a la sabiduría, el humor que le permite equilibrar ciertas secuencias, donde se matiza el trabajo con personajes concebidos por efectos especiales. Este equilibrio es el logro perfecto para subrayar el espíritu que tiene el libro, y solventar una película que está dirigida a los niños, niñas, jóvenes, pero también a la familia. 

El director con una de sus colosales creaturas. Dentro del equipo de esta película inolvidable, no podemos dejar de mencionar el trabajo fotográfico en pantalla ancha de Jost Vacano, que hizo también cosas maravillosas en "El barco" en un lugar cerrado y claustrofóbico, y en "Robocop".  Los directores de arte, Johann Kott, Herbert Strabel y Götz Weidner, el maquillaje de Brigitta Ansary y los sets de Rolf Zehetbauer contribuyeron a armar bajo techo y en estudio el universo de Fantasía. La mayoría de estos profesionales pertenecen a la escudería de los Estudios alemanes de Bavaria.

Los efectos visuales comprendían el trabajo de dobles acrobáticos para simular escenas de alto riesgo. Este lobby card, lo guardo con especial devoción del estreno de la película en el Plaza. ¡¡ Como pasan los años!! 

Un nuevo comienzo. Es la esperanza del génesis, mensurable en un cuento que es muy recomendable para grandes y chicos, y que, a cuarenta años de su estreno, sigue siendo un filme de culto. Sin duda, una de nuestras películas infantiles favoritas para transmitir a las nuevas generaciones. Si no la has visto, no te la puedes perder.   

Una canción hit.

El cantante Limalh (nombre artístico y anagrama del apellido real de Christopher Hammil), líder de la banda ochentera Kajagoogoo, interpreta la canción "Never Ending Story", que habla de observar más allá de lo evidente y descubrir la magia que se oculta en cada rincón de los sueños. La letra nos anima a volar en la fantasía y creer en lo imposible. Recordemos que la música de la película fue compuesta por Giorgio Moroder y que Limahl interpreto dos versiones, una en ingles con Beth Anderson y otra en francés con Ann Calvert y fue un hit radial ocupando el número uno en las listas de países como: Chile, Argentina, Noruega, Suecia y España. En "Radio Futura" la versión doce pulgas estuvo meses pegada en el programa "Stereo Disco" que efectuábamos con Pedro Marchioni y el jefe, Pancho Rodríguez, en esos lejanos tiempos. Hace poco se le homenajeo en un espacio televisivo alemán.   

Michael Ende, el autor original.

Cabe recordar que, Michael Ende (1929-1995) no quedo conforme con la producción germano-estadounidense que se hizo de su obra, porque trata solo la mitad del relato e hizo quitar su nombre de los créditos finales. El rodaje se efectúo en el Studio 1 de los Bavaria Studios en Múnich, exceptuando las escenas callejeras donde persiguen a Bastián algunos de sus compañeros de clases y que fueron rodadas en Vancouver, Canadá y las arenas donde cae Atreyu que fue filmada en las playas de San José, en Almería, España. El rodaje de la película fue en el verano de 1983, con temperaturas extremas en Alemania, que derritieron parte de los escenarios. También se trabajó con F/ Xs sin ordenador, incluyendo titiriteros que, en algunos casos, requirieron cerca de15 sólo para mover a un solo personaje. 

Finalmente, este año se supo, que la obra tendrá una serie de películas que expandirán el mundo del Reino de Fantasía. Eso, considerando las tres películas previas sobre la original y los diversos spin off que se han escrito con diversos autores. La productora See-Saw Films trabajara en conjunto con Michael Ende Productions, que son los herederos autorales del desaparecido escritor que murió en 1995. Sin duda que, la historia sin fin...no tiene un desenlace definitivo. Y es más bien, un mundo que se expande con la fuerza que solo da la imaginación humana.    

Recuerdos de Fantasía.

Los niños protagonistas junto al dragón risueño.

Estas fotos están en el catálogo alemán del Filmmuseum en Berlín. 

Fotos-Gentileza: Warner Bros Pictures- Revista Scala- Historic Photographs of Filmmuseum -Diario La Tercera- Premiere- Variety- Archivo.-

Afiche original de la película.

Sugerencia de nuevo afiche en lápiz crayón. 

LA PELICULA DE HOY /"TUCKER, EL HOMBRE Y SU SUEÑO".

 Un aventurero e innovador automotriz.

La familia de Tucker en los años cuarenta del siglo XX, que fue un ícono del diseño automotriz, inspiro al director Francis Ford Coppola, para efectuar una extraordinaria película no muy valorizada en su momento, y que es bueno recuperar para su reversionado en las generaciones actuales. Del realizador de "Megalópolis" escribimos en la siguiente entrada. ¡¡Bienvenidos!!  

Estética publicitaria en un filme modélico.

"Tucker, el hombre y su sueño" (1988) de Francis Ford Coppola. Ha envejecido bien esta película, quizás porque refleja a modo de metáfora, parte de la existencia de su director, acomodado a la figura icónica de un innovador de la industria automotriz, como lo fue, Preston Tucker. Este era un proyecto de largo aliento de sus días de estudiante, alentado en elaborar, primero, una comedia musical, y después, una película de tesis.

Entonces, con la ayuda de su amigo, el productor George Lucas, retomo la idea de llevarla a la pantalla grande, ahora como un filme de estética publicitaria y después de la tormentosa perdida de su propia productora Zoetrope, en San Francisco. Ciertamente, Coppola quiso una vez más, desafiar el imperio de los grandes, con "Golpe al corazón", mal comprendido filme romántico- musical y una obra maestra en su forma y estilo, y esta vez, se salió con la suya, al contar con los medios para efectuar esta especie de biopic sobre los esfuerzos de este aventurero e innovador de la industria automotriz, un símil en personalidad y obsesiones profesionales.  

Su identificación con la figura de este personaje real va más allá de los puramente emocional, y logra adicionar una dimensión política sobre cómo superar las barreras de la incomprensión, con el arrojo, la valentía, la vehemencia y la locura de lograr las metas propuestas, sin menoscabo, de entender la génesis del empuje y el desarrollo norteamericano.   

Como remarca el crítico Héctor Soto: "Tucker tiene un candor deliberado, un ritmo acelerado en el cual no caben retoricas ni discursos y, un sentido del humor que, antes que, del guion, es de la puesta en escena: alocada, de gran energía y desenfado- a pesar de los manierismos fotográficos en que suele incurrir a veces Vittorio Storaro- visualmente muy poderosa y con diversos efectos de elipsis y continuidad (las llamadas telefónicas, la presentación del auto, los pasos de un decorado a otro, la promoción comercial del vehículo)".  

En su cuidadosa elaboración estética, donde priman los colores chillones del Technicolor, el brillo y la esplendidez, Coppola nos regala el mejor de sus tratados estilísticos. Sin duda, no se trata solo de una película para enaltecer la figura de un inventor incomprendido por sus financistas, sino también, para declamar desde su similar posición de artista en ciernes, la madura reflexión de un hombre que se ha dado el placer de filmar lo que más le gusta por amor al arte, al cine y a la génesis del autor completo.    

En la cadena de montaje, Coppola revela los vaivenes de una fábrica de aliento casi familiar. Se insiste en la milimétrica puesta en escena, donde sobresalen auténticas réplicas de los automóviles que construyo en su fábrica Tucker.

Los modelos que sobreviven a su creador son sin duda, la mejor muestra de su trabajo. Hay en esta tensión dramática que tiene la película, el cariño de un hombre por el ingenio creativo de otro icono, que logro superar las barreras del infortunio para llegar a la meta. Detrás se simula con abierta admiración, la respuesta de Coppola a los poderosos que no entienden por qué él, se ha dedicado toda su vida a filmar historias originales y arriesgadas, asumiendo que el cine es también un arte. 

Joan Allen y Jeff Bridges asimilan el carácter de sus personajes, gracias la habilidad narrativa de Coppola para transformar este material realista, en una ficción de envergadura estilística, donde rinde tributo a la genialidad de un aventurero e innovador de la década de los años cuarenta del siglo XX. Recordemos a Joan Allen en películas tan interesantes como ésta, "Peggy Sue, su pasado le espera" del mismo Coppola, "Nixon", "Pleasantville","Las brujas de Salem", "La tormenta de hielo", "Después de la guerra" y "Cazador de hombres". Jeff Bridges, por su parte, está impagable en: "La última película", "Las puertas del cielo", "Starman", "A la mañana siguiente", "Los fabulosos Baker Boys", "El gran Lebowski" y "Valor de ley".  

Martin Landau es el amigo abogado de Tucker, que deberá sufrir las consecuencias de un hombre que quiso ser pionero a su forma y modo. Atento guía en un mundo de locos lindos, este personaje, es una de las actuaciones más sensibles del gran actor de Ed Wood, Crímenes y Pecados, la serie "Espacio 1999" y de la clásica Intriga Internacional de Hitchcock.  

Frederic Forrest, habitual colaborador de Coppola en esa época, interpreta a Eddie que se la juega por convertir en realidad los sueños de Tucker. Recordemos que el actor estuvo antes bajo las órdenes del cineasta, para las películas: "La Conversación", "Apocalipsis, ahora" y "Golpe al corazón". Además de actuar para Arthur Penn, Wim Wenders, Abel Ferrada, y Constantin Costa-Gravas.

Mako, encarna a Jimmy, uno de los más cercanos colaboradores de Tucker. Fue uno de los rostros más emblemáticos del cine norteamericano. Nacido en Japón, estuvo en roles de carácter, en películas de todos los gustos y calibres, desde los tiempos de "El cañonero de Yangtzé" con Steve McQueen, hasta "Conan, el bárbaro" y "Conan, el defensor" con Arnold Schwarzenegger, sin desmerecer en producciones como "Harry y Tonto", "Aristócratas del Crimen", "El último vuelo del arca de Noé", "Pearl Harbor" y "Millonario al instante".

Cristian Slater es Junior en Tucker, hijo y cómplice del genio inventor. Especie de icono juvenil de cierto tipo de cine en los años ochenta, también se convirtió en productor. Su carrera esta tachonada de películas para todas las preferencias, entre las cuales sobresalen: "El nombre de la rosa", "El príncipe de los ladrones", "Los jóvenes gánsteres", "Entrevista con un vampiro", "Código: Flecha Rota", "Jimmy Hollywood" y "Austin Powers".

Coppola hace una obra a la medida de su tema, porque logra entusiasmar y confiere a la historia verídica, un sesgó de espectacularidad a lo Hollywood. Nunca dilapida con explicaciones banales los arranques de genialidad de Tucker, sino más bien, comparte sus celos y entusiasmos, para lograr el modelo descapotable perfecto de un automóvil familiar. 

Además, como podemos comprobar, recrea fotografías de época para ensamblar su ficción, al desarrollo realista de los hechos con la mirada de un admirador que efectúa un homenaje, a un hombre olvidado por las historias. Esta simulación alcanza el efectismo cromático fundamental, que atisba el cine de otros tiempos como testimonios sublimes de superación y riesgos.  

No es estúpido pensar que, Coppola quedo muy conforme con Tucker, porque solo esperaba efectuar un proyecto largamente anhelado, como lo hizo recién con "Megalópolis", al recrear esos desbordantes momentos de metáforas sobre la genialidad incomprendida de un diseñador de autos y un arquitecto, en distintas décadas, pero con toda la potencia creativa de un hombre que siempre se identificó con la pasión de estar produciendo algo distinto.  

El verdadero Preston Tucker (1903-1956), que inspiro a Coppola para realizar su película. Recordemos que, este inventor de Michigan es recordado por su gran personalidad, su simpatía y su amor por los autos, que a los 16 años partió cuando le toco reparar y vender un auto viejo. Como empresario y diseñador el más célebre de sus creaciones fue el Tucker Torpedo 1948, que introdujo muchas de las características de los modelos automovilísticos actuales, pese a no ser comprendido en su tiempo.  

Jeff Bridges en su personificación del genio automotriz, uno de sus papeles más logrados de su carrera. Para lograr su detallista caracterización, Bridges se hizo asesorar por el propio Coppola, quien le facilito imágenes documentales y fotografías de época. 

En definitiva, Tucker como película, tiene mucho de homenaje y fábula, pero también de afirmación personal. Como "Megalópolis", solo el tiempo lograra revalorizar estos esfuerzos que, sin duda, alcanzan la apoteosis creativa en la correcta amalgama de los recursos expresivos del cine, pese a sus excesos, sus reflexiones autocriticas y sus exuberantes puestas en escenas. Muy recomendable para revalorizar con el trascurrir del tiempo, toda la maestría de uno de los genios del cine contemporáneo.   

Este es uno de los modelos originales que sobreviven de Tucker. 

Fotos y Opiniones-Gentileza: American Zoetrope- Lucas Films- Variety- Premiere- Revista Enfoque- Diario El Mercurio- Archivo.- 

Cartel germano de la película original de Francis Ford Coppola. 

LA PELICULA DE HOY/ "ALICIA YA NO VIVE AQUI" :

 El intimismo naturalista del primer Scorsese.

Con "Alicia ya no vive aquí"/"Alice doesn"t here anymore" (1974), el maestro Martin Scorsese entra de lleno en un realismo intimista con sesgos feministas, que lo elevan sobre el resto de sus compañeros de correrías fílmicas en Hollywood. Acerca de esta entrañable y emotiva película, escribimos en esta entrada con la que retomamos esta sección de La película de Hoy, donde integraremos films de todos los tiempos, países y épocas. ¡¡¡Bienvenidos!!!    

Un soplo feminista de los años 70.

Con esta interesante película, el genial Martin Scorsese ingreso a la gran producción, cultivando un tipo de cine cercano al naturalismo que seguían con devoción, algunos compañeros de su generación como Paul Mazursky y Hal Ashby. Con absoluta libertad, el maestro se planteaba a estas alturas, un relato de tema feminista, que subrayara el potencial autosuficiente de una mujer en medio de un mundo exclusivamente machista.  

En efecto, la historia sobre Alice Hyatt (Ellen Burstyn), una triste y sometida madre que ha quedado repentinamente viuda, porque su marido chofer de la Coca Cola muere en un accidente automovilístico en Socorro, Nuevo México, nos descubre la vida pueblerina de absoluta medianía que tiene esta chica de sueños no cumplidos. Con Tommy (Alfred Lutter III), su hijo único preadolescente que se encierra a escuchar a todo volumen los hits musicales del momento, cuando atisba que la relación de sus padres estaba devastada, la mujer decide abandonar su "antigua vida" y viajar por el suroeste de Estados Unidos en búsqueda de su felicidad.     

Alice opta por aclimatarse en Monterrey, California y para sobrevivir golpea puertas como cantante y pianista de bares de media estola. Tommy no es muy colaborador en estos nuevos rumbos con ella, y hay momentos, en que le hace la vida insoportable. La disciplina que impondrá en el muchacho le llevará a soliviantar el doble rol de madre y padre que en tierras muy conservadoras no es bien visto.   

Atrás dejara los recuerdos con su amiga de sufrimientos y anhelos, que es también su vecina entrañable, para amortiguar sola las exigencias de un mundo que parece romperse en mil pedazos. El director subraya la despedida de ambas, en una escena algo tragicómica.

Por momentos, Scorsese muestra con absoluta veracidad, las relaciones que hay entre la madre y el hijo, sin edulcorar o alterar el entorno en que se desarrollan los conflictos. Ella busca tanto la estabilidad laboral como la afectiva, y ambos procesos le obligan a tomar decisiones nos siempre muy plausibles, lo que refleja muy bien el filme en su contexto.  

Como destaca el crítico José Román en un estudio de su filmografía: "Esta suerte de crónica de dificultades y tropiezos que va enfrentando Alice en su trayecto, no desdeña los hechos mínimos, las reiteraciones, la observación de la cotidianeidad como un dato estético, a la manera de los neorrealistas. No hay idealización de los personajes y la heroína está lejos de constituirse en paradigma de la mujer emancipada". Al contrario, ella se muestra insegura, inestable e inmadura, y son estos rasgos los que acercan el personaje a la realidad más ineludible.  

En su encuentro accidental con un hombre más joven que ella (Harvey Keitel), comete el error de aceptar salir, sin sospechar que esta frente a un mitómano ultraviolento, machista, obcecado y pendenciero. Esta experiencia le enseñará a andar con los ojos más abiertos y la obligará a abandonar el pueblo para trasladarse a Tucson en Arizona. Scorsese no disimula las amenazas latentes que existen en la sociedad para una mujer vulnerable, y cuenta esta anécdota, con un tono amargamente siniestro.  

Por su parte, la adaptabilidad del pequeño Tommy en su nuevo hábitat pasa por conocer a una joven rebelde (Jodie Foster), que, en sus clases de guitarra, le atrae y le convierte en un nuevo amigo que domesticar. Toda esta relación infructuosa, terminara con una borrachera y una detención en la comisaria. Scorsese tampoco adorna el concepto de una "parranda" adolescente, simplemente la muestra con algunos toques de humor y picardía.   

En la experiencia de Alice atendiendo a los numerosos comensales que llegan hasta una cafetería, se hace muy amiga de Florence (Diane Ladd), camarera mundana de vasta trayectoria sentimental, quien le mostrara la otra cara de la realidad, sin ocultar la crítica mordaz a un sistema gobernado por el hombre y donde la mujer está sometida arbitrariamente a trabajos que parecen insostenibles.   

La personalidad de Alice se ira cultivando a medida sufra o viva estas experiencias que la fortalecerán para lograr sus sueños más íntimos, como robustecer una estabilidad sentimental y laboral que le permita criar a su hijo, sin mayores dificultades y vivir una existencia más plena. 

Justamente atendiendo la cafetería, conocerá a David (el recién fallecido Kris Kristofferson), cliente habitual, cuya mayor pasión son los caballos, y con el cual establecerá un vínculo sentimental, a pesar de que éste utilizará a Tommy como puente para conquistarla. Todo este proceso afectivo, lo muestra Scorsese con una distancia y a la vez con una afectividad, sincera y entrañable.     

Una escena aparentemente decisiva en la vida de ambos.

Lejos de su visión más intimista, el director sitúa a sus personajes en un contexto social y geográfico que tiene una activa presencia dramática, por lo tanto, son indisolubles a las características tipológicas de sus caracteres. Hay en esta radiografía de almas humanas, una sincera muestra de la maestría de Scorsese para situarnos en la realidad de su verdad temática, sin artificios o clichés.   

Así, la abnegada y a veces desdichada Alice, se transformará a medida viaje y se posesione de sus fortalezas, para menguar sus debilidades, y asumir, que la vida puede ser hermosa, si se llega a una meta donde la idea de familia supere la soledad, la tristeza y la perdida. 

Compartir la música con Tommy asumiendo sus caprichos de hijo único, significa para David, llegar al corazón de Alice, aun a costa de perderla, si la situación escala a mayores dificultades y alteraciones emocionales. Scorsese dignifica la labor de Alice como trabajadora integral, pero también como madre y pareja, sin menoscabar que está trabajando con sentimientos complejos en un mundo complejo.  

La vida también se arma de momentos felices, que a veces duran solo unos instantes. Alice subyugada por amor a David, asumirá que esta primero su rol de madre, para después aclimatar sus necesidades afectivas y emocionales más íntimas. 

El director neoyorquino tiene la virtud de profundizar en la psicología de sus personajes centrales, con la sutileza de fortalecer a los secundarios y en momentos muy decisivos. Diane Ladd efectúa uno de sus mayores roles, así como también Ellen Burstyn, que están a la altura de las expectativas de una película del maestro del cine. Burstyn ganó el Oscar y Ladd estuvo nominada.  

Con los años se supo, que la historia de esta película se basa en hechos reales que le ocurrieron al propio Scorsese con su pareja, después de romper su relación con Larraine Brennan. En una entrevista, el director señaló: "Teníamos que plasmar este caso muy personal y mostrar la diferencia y representar a personas que cometían tremendos errores, que arruinaban su vida cuando intentaban dar marcha atrás".

Con "Alicia ya no vive aquí", Scorsese ingresa en la elite de los grandes cineastas de Hollywood, aunque para nosotros, es la muestra más efectiva de su estilo de cine intimista, sobrecogedor, naturalista, empático, crítico y reflexivo. Desde esta cinta, todo lo que viene después es la constatación de un cine visceral, personal, agudo e inconformista, que nos obliga a mirar bajo la cama más allá de toda perturbación y de todo sarcasmo. Muy recomendable.  

Acerca de la película, Thomas Sotinel escribió: "El joven Scorsese logrará salir con cierto éxito de su primera experiencia con un estudio. Obtiene el beneplácito para endurecer un poco el guion introduciendo un elemento de ambigüedad en el final feliz original y para improvisar bastantes secuencias".  

En pleno rodaje de la película, director e intérpretes.

Fotos y Opiniones-Gentileza: Warner Bros Pictures- Childstarlets- Solaris Distribution- BFI- Cult Film- Chicago Music Store- TCM- Estudio de Martin Scorsese "La Ira y la Piedad" por José Román- Martin Scorsese por Thomas Sotinel- Archivo. -

Primera opción de afiche de la citada película.

Segunda opción de afiche de la película comentada.