Séptimo 7 sello: LAS PRIMERAS PELÍCULAS Y OBRAS CUMBRES:

Cazadores del Arca de Ilusiones Perdida.

"Los Duelistas" (1979), fue el interesante y estilizado debut del gran realizador Ridley Scott. Como esta primera obra, analizamos otras tantas que han hecho circular el amor por el cine en estos notables directores. También incluimos obras cumbre, que son como el resumen temático de los estilos y características más destacadas de sus autores. Todo en una sola entrada para disfrutar en familia.

Puro Cine.

"Los duelistas" (1977) de Ridley Scott: Un relato acerca de dos soldados del ejército de Napoleón, que se baten a un duelo que nunca termina, sirve de pretexto al debutante realizador británico, para demostrar su apabullante sentido estético, su rigor narrativo y su encomiable talento, para sacar de sus intérpretes lo mejor de sus carreras. Harvey Keitel y Keith Carradine están insustituibles en esta trama original, y durante quince años donde serán distinguidos como generales, observaremos como su odio y enemistad acrecentará el choque entre ambos y el drama de vivir soporíferamente ensimismados por una invitación macabra a perder la vida. Premiada en Cannes a Mejor Opera Prima, es sin duda, el punto de arranque perfecto para el creador cinematográfico de "Alien" y "Blade Runner".

La apreciada novela de Joseph Conrad ( "En el corazón de las tinieblas" ), es un cautivador ejercicio de estilo que asume el género de aventuras con un auspicioso esplendor visual. Se le criticó en su momento, su aparente frialdad para alternar las pasiones individuales de sus personajes, pero en realidad, la película es mucho más que eso, pues en su exégesis literaria recrea la eterna confrontación de dos hombres que se baten entre el honor y las reglas supeditadas a una metáfora más concluyente sobre el sentido último que tiene la existencia. Una película asombrosa, que vale la pena redescubrir, a la luz de los nuevos tiempos de parafernalia fantástica con superhéroes inmortales solo vulnerables a la taquilla.

"El fantasma del Paraíso"/"Phantom of the Paradise" (1974) de Brian De Palma. Continúa siendo una película de culto esta versión daft punk a tres clásicos como son "Fausto", "El Fantasma de la Opera" y "El retrato de Dorian Gray". Puede que la premisa colorinche y algo exagerada indigeste a unos pocos, que buscan una película más seria, más gótica y más clásica. De Palma la rompió con canciones del rubicundo Paul Williams y narración del mítico Rod Serling y concibió una comedia "para los adolescentes" de su tiempo, que no se toma muy en serio, pero si resulta un manjar para espíritus rupturistas.

El diseñador de producción Jack Fish elaboró unos escenarios propios de la estética punkie, y subrayó el tono dulce y melancólico con potentes lubricaciones al futuro que se nos venía encima, lleno de sintetizadores y electrónica de formato informático. En su conjunto, William Finley esta brillante como William Finley y el Fantasma, alucinante Jessica Harper como Phoenix y Paul Williams se asegura el papel estelar de Swan y es la voz en la música del Fantasma. Mas adelante, De Palma nos acostumbraría a su predilección por el thriller a lo Hitchcock, pero en estos primeros estertores, era muy vanguardista y experimental.

"Estrella oscura"/"Dark Star" (1974) de John Carpenter. Una sátira de ciencia ficción acerca de unos astronautas en su misión de sobrevolar un planeta inestable. Esta producida con unos pocos dólares, por lo que se agradecen los efectos especiales de cine C, y sin duda, la inteligencia que demostraba ya Carpenter para sobrellevar el material escrito por Dan O"Bannon y él mismo. Es cine barato, hecho con mucho talento narrativo y algunas brillantes ideas, superadas después por "Star Wars".

Redescubrir de las fauces del olvido, esta curiosa película nos lleva a replantearnos porque el cine comercial estadounidense está en una profunda crisis imaginativa. Sin duda, todo lo que tiene esta modesta producción en imaginación, conceptos temáticos e ideas, supera a cualquier cine adrenalínico de estos angustiosos años de sobreexplotación de continuaciones, precuelas, secuelas y demás. Divertida e ingeniosa.

"Asalto al presidio 13"/"Assault on Precinct 13" ( 1976 ) de John Carpenter: La primera obra maestra del admirado realizador norteamericano, es también un homenaje al cine de Howard Hawks y su clásico "Río Bravo", pero hay más. La historia de un policía de Los Ángeles que recibe su primer destino en una comisaría que está de mudanza a un nuevo edificio, y hasta donde trasladan a un peligroso criminal, le permite a Carpenter ejecutar con mano maestra, todas las claves del thriller de suspenso con grado máximo en adrenalina, sorpresas, golpes bajos y soluciones de último minuto muy bien encriptadas en el relato. A nivel formal, además, logra compenetrarnos en cada una de las personalidades que quedarán en un minuto aisladas del resto del mundo y en manos de ataques indefinidos. Todo ello, llevado al extremo con gran sensibilidad y sentido de la acción y del suspenso.

Carpenter organiza su primera obra maestra desde lo trivial para ir asestando golpes a lo extraordinario y accidental, sin siquiera palidecer, hasta conformar una historia que se disfruta de principio a fin, porque logra mantener pegada la atención en la pantalla sin dejar de pestañear siquiera. Crea una atmósfera de inestabilidad emocional a partir de la acumulación de acontecimientos que desencadenaran en un clímax claustrofóbico y agobiante. Con escasos elementos, el cineasta organiza una obra mayor que seguramente te dejara sin aliento. Completamente recomendable.

"Loca Evasión"/"The Sugarland Express" (1974) de Steven Spielberg: Un thriller policial original que supuso la revelación del padre de "Tiburón" y "E.T.", que habla de la paternidad, aunque de un prófugo de la justicia y su pareja, él presidiario veinteañero y ella una jovencísima madre, ambos tras los pasos de su hijito entregado en una familia de acogida. Goldie Hawn y William Atherton están maravillosos, pero lo que hace la película es el buen pulso de Spielberg, que entiende los efectos del montaje paralelo y de la acumulación de problemas que debe ser subsanados para dicha de los espectadores. Es cine entretenido, apreciable, vitalista, ameno, estimulante, síntesis del dominio que ya tenía Spielberg cuando joven, acerca de los gustos y preferencias del espectador.

Esplendorosa escenificación visual, llena de persecuciones y choques que posiblemente adolezca de mayor profundidad, pero que, en cambio, nos hace disfrutar de las carreras, los cambios de último minuto, y los mil obstáculos de un viaje inesperado. Aquí está la esencia del director que fue después Spielberg, y para muchos, la solvencia y pericia narrativa de una mirada innovadora que le dio al cine capital, sus mayores éxitos de taquilla durante 40 años.

"Bolas de Fuego" /"Great Balls of Fire!, (1989 ) de Jim McBride: La obra cumbre de este realizador independiente es también un brillante ejercicio de nostalgia para contar el biopic del mítico rocanrolero Jerry Lee Lewis. El relato se concentra en los primeros años del mito, cuando surgieron sus primeros hits y sus espectaculares recitales donde quemaba el piano, y su posterior caída, cuando decidió casarse con su prima de trece años. No es un análisis a la aparente pedofilia del personaje, sino más bien, una colorida e idílica visión al pasado, que Lewis vivió a concho con todas sus cargas, frustraciones, delirios y fama. Para los fans de Lewis, resultará una auténtica mirada a la leyenda del rock and roll, que recrea con gran riqueza colorística la génesis de una época.

El relato destaca por la actuación de Dennis Quaid y Winona Ryder, que componen una pareja única y extraña, donde se comparte el amor, la inmadurez, la trivialidad, el egocentrismo y la liquidez de una estrella. Aunque también hay apuntes casi satíricos a los años cincuenta, la locura y lo freak de unos tiempos absolutamente destapados y rebeldes. Para los exegetas de Lewis, encontraran aquí la totalidad de sus mayores éxitos, que él personalmente reinterpreto para la película. Con todo, es una obra muy a tomar en cuenta dado el perfil siempre al margen de las cunetas que tuvo Jim McBride.

"Crímenes del futuro"/"Crimes of the future" ( 1970 ) de David Cronenberg: Un anticipo a las preocupaciones temáticas del cine del realizador canadiense en una película de solo 70 minutos. Una secta comienza a secuestrar a las mujeres que no han padecido una extraña dolencia provocada por un cosmético. Una de ellas, es una niña que comienza a buscar un agente secreto. Cine B que explora con sigilo en las profundidades del terror corporal, muy acorde al sentido estético y temático que adquiriría con el tiempo el cine de su autor.

Esta primera película de Cronenberg está interpretada por Ronald Mlodzik , Jon Lidolt y Tania Zolty, desarrollada con todas las mínimas exigencias de una película a costo cero, filmación rápida, escenarios naturales, y potenciación de un tema medianamente interesante. La prueba de ensayo del futuro autor de " Scanners", "eXistenz" y "Mortalmente parecidos". Para comprobar cuando se avanza en los cánones estilísticos y estéticos del cine de autor.

"Berta, ladrona y amante"/"Boxcar Bertha" ( 1972 ) de Martin Scorsese : Después de su debut con ¿Quien llama a mi puerta?" y algunos cortos y documentales, el maestro ítalo americano ejecuta la primera película que lo reveló frente a la crítica internacional. Todavía desconocido para el gran público, Scorsese realizo su segunda película con el auspicio del productor Roger Corman y basado en "Sister of the Road", autobiografía de Boxcar Bertha Thompson, una legendaria asaltante de trenes de la época de la Gran Depresión. Ambientada en los miserables arrabales que vive el personaje, en su relación amorosa con un líder sindical que ha sido arrastrado por los dueños del ferrocarril a una auténtica revolución, la película subyuga por cómo está contada, con ese característico estilo violento, de cuts rápidos y en acumulación fortuita e instantánea, donde combina su sensibilidad lírica y algunos toques de humor.

El filme nunca pierde interés por la vitalista y nerviosa visión que Scorsese tiene de la historia, pero porque, además, construye una tragedia desde la cercana vulnerabilidad de su personaje femenino, que, dentro de su independencia y autosuficiencia, debe prostituirse para sobrevivir en una época absolutamente decadente. Contribuyen a ello, la espléndida química que se produce (dentro y fuera del escenario) entre sus actores centrales, Barbara Hershey y David Carradine y ese audaz sentido de libertad "en el que abundan audaces efectos de fotografía y de montaje, y en el que la narración avanza sin sujeción a las leyes tradicionales de la continuidad, sea la fragmentación, en breves tomas o por la recurrencia a grandes saltos temporales". Una obra cumbre que evidencia la maestría prematura de este brillante realizador.

"La última casa a la izquierda"/ "The last house on the left" ( 1972 ) de Wes Craven : El punto de arranque del terror a lo Craven, es también la constitución de un estilo absorbente, subrayado por el montaje, los golpes de efecto, las insinuaciones visuales y los climaxs. A partir del ataque que sufren dos adolescentes que solo desean acudir a un concierto de una de sus bandas favoritas, Craven ejecuta un relato abominable de perversión, sumisión y repulsión. No es perfecta en lo artístico, pero es una muestra valedera, del talento que tenía su desaparecido realizador para elaborar sustos violentos y crear ansiedades claustrofóbicas.

Para los fans de Craven, es solo un borrador, lleno de exageraciones y de perturbadora nebulosa, que no da tregua al espectador. Un relato en crudo, duro y sin tecnicidad, amparado en las beaterías del horror práctico, telúrico y vomitivo. Lo más llamativo, es que representa fielmente lo que es la violencia humana llevada al máximo de sus componentes salvajes, y en una época, donde este salvajismo parece estar al lado afuera de la casa. Para verla con el estómago vacío, si resistes en las repulsiones más oscuras de la humanidad.

"Una noche por la ciudad"/"Adventures of Babysitting" ( 1987 ) de Chris Columbus: El debut del director de "Mi pobre angelito" y de las primeras entregas de "Harry Potter", es esta aventura aparentemente trivial dirigida a los adolescentes. Una chica luminosa ( Elizabeth Shue) accede a ser niñera de dos hermanos ( Keith Coogan y Maia Brewton), y su aparente tranquilidad la rompe su mejor amiga ( Penelope Ann Miller ) que se escapó de casa y está en serios problemas en Chicago. La chica decide viajar a ayudar a su amiga con los chicos a cuestas, lo que le traerá una serie de situaciones en plan de aventuras. Columbus que era guionista de "Los Gremlins" y "Los Goonies" apadrinado por Spielberg, efectúa ésta que es su primera película, que resulta una deliciosa matiné para disfrutar con la familia. Muy bien armada, es una encantadora simbiosis de comedia y suspenso, que resulta la típica película para matar el ocio y salir de la sala con una sonrisa. Para no tener complejos, además logra transmitir el espíritu que tuvieron las películas ochenteras donde ir al cine era costumbre y máxima diversión.

Hay algo importante que recalcar, que es el valor estético que Columbus integro en sus comedias familiares. Todas sus películas taquilleras - porque esta lo fue para sorpresa de la crítica-, recuperan el cromatismo de los clásicos familiares en technicolor, y lo subrayan con ese sentido de evasión, tan característico de esos nostálgicos años del cine comercial norteamericano. Infaltable matiné para disfrutar el fin de semana.

Fotos-Gentileza: Paramount Pictures- American Internacional Pictures- Touchtone Pictures- Universal Pictures- 20th. Century Fox Pictures- Metro Goldwyn Mayer Pictures- Archivo.-