Séptimo 7 sello: GRANDES Y PEQUEÑAS PELICULAS PARA REPASAR EN CASA:

Cuando el Cine es el séptimo arte.

Lee Marvin y Angie Dickinson en "A quemarropa"/"Point Blank" dirigido por John Boorman, uno de los policiales más inteligentes producidos en la década de los años sesenta. Como esta película, hay un puñado de otros títulos por revalorizar en la comodidad del video hogareño.

La modernidad de un policial ejemplar.

"A Quemarropa" /"Point Blank" de John Boorman: Es uno de los policiales más inteligentes e innovadores de los años sesenta del siglo pasado. Una lección de como hay que utilizar la banda sonora, el estudio psicológico de los personajes y las virtudes estilísticas de una sublime edición. John Boorman edifica un thriller que tiene la consistencia de esas viejas novelas negras de Raymond Chandler, pero ataviadas de sensibilidad contemporánea y ambigüedad. En este caso, sobre la base de la novela de Donald Westlake : The Hustler, Boorman parte su relato con un guiño cómplice, pues muestra la aparente muerte del protagonista central, un Lee Marvin en todo su estoicismo orientalista a la manera de uno de los personajes de Akira Kurosawa.

Walker ( Marvin ) a quien todos dan por muerto, revive después de que ha sido traicionado por un amigo, el gángster Mal Reese ( el inconfundible John Vernon con su característica voz nasal),y decide recuperar a como de lugar, los 93.000 dólares que éste le ha robado y vengarse de todos quienes le han jugado sucio, incluyendo a su propia mujer Lynne ( Sharon Acker). Crea un plan que necesitará de la ayuda de Chris ( Angie Dickinson en todo su esplendor erótico), , hermana de Lynne y amante de Mal. La potencia del conflicto central, Boorman la elabora utilizando inteligentemente los recursos expresivos del cine, especialmente la banda de sonido. Hay secuencias completas que manejadas elípticamente logran internarnos por una compleja red de extorsiones y vueltas de tuerca que parecen no tener un fin. Sin embargo, en el desenlace todo queda claramente ajustado para solventar un relato cautivador, brillante y entretenido. Se trata, por cierto, de una obra maestra en su género, un logrado ejemplo de plasticidad urbana ( nunca antes se había utilizado a la ciudad de manera tan simbólica casi como una protagonista más de todo el relato), y con unos personajes inolvidables. Dos momentos para la cinefilia: uno violento tras bambalinas mientras se proyecta de una película underground y canta una banda de jazz, y otro que subraya la irrupción de Walker en lo alto de un edificio para ajusticiar a Mal. Definitivamente una película muy recomendable.

Afiche original de la película estrenada en 1967.

El actor Lee Marvin ( 1924-1987 ): Hijo del administrador de una agencia de publicidad y de la redactora de una revista femenina, es uno de los grandes actores de carácter y principales que tuvo el cine de Hollywood, dueño de una gran reciedumbre y de una voz nasal que parecía formada para la radio. Debuta como actor teatral en 1947, y en el cine estuvo desde 1951, para perpetuarse en estupendas películas de acción, proclive a su gran estoicismo y disciplinadas maneras de interactuar en situaciones de riesgo. Entre 1958 y 1960 participa en mas de 250 episodios para la televisión y también coproduce, aunque su fuerte estará en películas como : "Doce al patíbulo" de Robert Aldrich, "Un tiro en la noche" de John Ford, "Los Profesionales"de Richard Brooks, "La leyenda de ciudad sin nombre" de Joshua Logan, "El Emperador del norte" de Robert Aldrich, "A quemarropa" de John Boorman, "Monte Walsh" de William A.Fraker, y "Más allá de la gloria" de Sam Fuller. Obtuvo el Oscar por su papel de cómico pistolero alcohólico en la divertida y algo desencajada "Cat Ballou: La Tigresa del Oeste" de Elliot Silverstein.

El director británico John Boorman. De ascendencia escocesa y holandesa, hijo del propietario de un pub cercano a los estudios de Shepperton, estudia con los jesuitas y trabaja en una tintorería, en una revista femenina y en la radio como crítico de cine. En 1953 debuta como ayudante montaje en la televisión y 1963 como director de documentales de la BBC, para posteriormente dirigir en cine Catch Us If You Can, una comedia musical para mayor lucimiento del grupo The Dave Clark Five. Con el thriller "A Quemarropa"/ Point Blank logra el reconocimiento de la crítica, que después corrobora con el drama bélico "Infierno en el Pacífico"/Hell in the Pacific, sobre el choque entre un oficial americano y otro japonés en una isla desierta al final de la SGM. Sus películas mas destacadas más adelante, como "Deliverance", "Excalibur" y "La esperanza y la gloria", le situarán entre los cineastas más interesantes del cine inglés de la segunda mitad del siglo XX.

La expresividad de una obra maestra del cine griego.

"Los jóvenes afroditas" de Nikos Kondourus. Ganadora del Festival de Berlín en 1963, es la obra maestra del realizador griego, que en su sustancia vital, nos entrega una síntesis casi neorrealista de dos historias de Eros, en paralelo, y ambientadas en el año 200 A.C. El relato se centraliza en la historia de unos pastores nómades que escapan de la sequía y deciden descansar mientras beben agua de una fuente, cerca de un campamento de pesca habitado casi exclusivamente por mujeres. Los hombres del lugar están lejos pero llegarán con las primeras lluvias, y los pastores deciden quedarse a alimentar su rebaño hasta que cambie el clima. Un pastorcillo, Skymnos ( Vangelis Ioannidis ) y una niña local, Chloe ( Kleopatra Rota), ambos al borde la pubertad, comienzan una relación de seducción que pasará de la amistad a la atracción más extrema.

El pequeño púber intentará cautivar a la muchacha de sus sueños, únicamente con su pericia para cazar y pescar, hasta terminar seducido por la muchacha en un juego erótico muy natural. Paralelamente, un pastor adulto seducirá a una joven casada, cuyo marido está de pesca. La película evita los argumentos y se remite a las acciones de ambas parejas cerca del mar, lo que relativiza aun más, el simbolismo de la trama. Esta claro que un subtexto dramatiza la captura de peces, aves y zorros para acentuar el lado sensual que tiene esta atracción en paralelo por el sexo opuesto. Es una especie de danza del apareamiento de unos jóvenes que descubren el Amor y el Sexo con la naturalidad de las olas que rompen su fuerza en las rocas de la playa.

La hermosa actriz griega Eleni Prokopiou, que trabajó en el cine desde 1960 hasta 1972, encarna a Arta la joven cazadora de palomas y aves que, aunque está casada, decide entregar su cuerpo y alma a un pastor que la seduce repetidamente. ¿ El amor es para siempre o temporal? Nikos Koundourus nos responde con la melancolía de la frustración. En un relato que sobresale por su economía de recursos expresivos, su primitivismo singular, su pureza estilística, y su notable manera de entender el poder que tienen las imágenes.

El actor Takis Emmanuel es Tsakalos, el pastor que le ofrece una relación sexual a la joven esposa de un pescador, y que fulmina la ansiedad del pastorcillo - al parecer por una relación paternal nunca comprobada-, porque idealiza a la muchacha desde la primera vez que se produce un encuentro en las rocas junto al mar. Toda su presencia viene a repercutir a su vez en la relación de los adolescentes.

El descubrimiento del amor y de la atracción sexual en los jóvenes, ocurre con una gran sentido de la plasticidad y de los movimientos de la cámara, en la playa junto al mar. Cada escena aplicada a los conceptos estéticos más pictóricos, funcionan maravillosamente en la resolución poética y simbólica de los conflictos. No existe procacidad, ni vulgaridad, sino más bien, un sentido naturalista rayano en el documental antropológico. Notable.

El cargamento simbólico del pastorcillo, tiene un desenlace sorprendente y de gran agudeza visual. La crucifixión del pelícano obedece a una formalidad estilística donde todo lo que se caza o esta dominado por los hombres pierde su salvajismo para transmitirlo a las actitudes y comportamientos humanos mas precarios.

La fotografía en blanco y negro de Giovanni Varriano, es estilizada, y le saca provecho a los hermosos exteriores en la isla de Rodas.

No es que la pareja actúe como si estuvieran en celo, pero la metáfora respecto a la insatisfacción sexual de ella, es inmejorable, y atañe directamente ala actitud que tendrá el pastor adulto con la mujer. Kondourus filma con cámara subjetiva el momento del encuentro amoroso y son los chicos quienes descubrirán la verdadera naturaleza de la vida.

La inocencia infantil versus el salvajismo del zorro, es una metáfora en lo que se convertirá el joven en su despertar adolescente junto a la chica, frente al mar, las olas y el viento. Hay grandes actuaciones de los dos jóvenes púberes, pues sólo con sus gestos, miradas y movimientos corporales, logran transmitir las ansiedades sexuales de un encuentro fortuito.

Lo extraordinario, es que Kondourus deja que sus actores interactúen entre sí, ahorrándose largos parlamentos, díálogos innecesarios y reflexiones artificiales y utilizando los recursos expresivos del cine como el close up, el plano detalle y la edición en paralelo, intenta justificar con inteligencia esta carrera por la conquista amorosa. Además, adiciona música autóctona para subrayar los climaxs.

Nikos Kondourus ( 1926- 2017 ): Un cineasta poco apreciado por los libros de cine y que es urgente revalorizar. Nacido en la isla de Creta en Grecia, estudió pintura y escultura en la Escuela de Bellas Artes de Atenas donde se gradúo en 1948. Debido a sus ideas políticas de izquierda fue exiliado en la isla de Makronisos después del término de la SGM. Comenzó su carrera en cine a los 28 años, tras dirigir la película Maghiki Polis ( "Ciudad Encantada"), muy influenciada por el neorrealismo italiano. Con su segunda película "Dracos", obtuvo el reconocimiento internacional y con "Los jóvenes afroditas" obtuvo el premio en el Festival de Berlín, lo que permitió conocer mejor el resto de su filmografía comprendida por 13 largometrajes de ficción y documentales y 3 documentales de cortometraje. Todo su cine ambientado en las islas griegas, recupera el encanto por la vieja cultura , la mitología, la tragedia literaria clásica y los personajes legendarios a escala neorrealista.

El cine melancólico de un inconformista inglés enamorado de la imagen.

"The Neon Bible" de Terence Davies : Otro nombre por rescatar de las beaterías más comerciales. Se trata de una obra maestra, hecha con escaso presupuesto, pero mucha inteligencia y tacto, y con un dominio deslumbrante de los recursos expresivos del cine. Es la historia de David ( Jacob Tierney ), un adolescente de quince años, que mientras viaja en tren, recuerda su marginal vida y la extravagante figura de su tía Mae ( espléndida Gena Rowlands), que actúo como un escudo emocional para evitar los golpes de un padre alcohólico y los berrinches de una madre depresiva. Terence Davies narra con un estilo singular, donde prevalecen los travellings laterales y frontales para pasar de una escena exterior a una interior con notable eficacia ( como la secuencia de la proclamación en la iglesia), con una solvencia poética de gran sensibilidad y llena de simbólicas metáforas acerca de la hipocresía de una época ( los años cuarenta de la SGM), el oportunismo en la fé, las controversias del amor, el desaliento de ser un outsider en tierra de nadie, la angustia de vivir siempre al desamparo de la soledad, la incomprensión, la locura y la incertidumbre de un futuro lejano e incierto.

Estamos frente a una película notable en su minimalismo, grandiosa en las sutilezas que transmite al espectador, con una expresividad visual que acongoja, y un trabajo interpretativo brillante, y que también es un homenaje, a la capacidad lúdica que tiene el cine para despertar emociones ( hay una escena determinante en este aspecto, cuando las mujeres celebran solas esperando a sus maridos que han ido a la guerra, para verlos regresar en un ataúd). Retrato realista de la vida de un niño en una ciudad rural del Sur en los años cuarenta, mantiene su elocuencia desde su simplicidad material para abordar los distintos temas con un resultado brillante. Sobresaliente.

Un ejemplo categórico de cómo Davies utiliza el encuadre.

El director inglés Terence Davies. Nació en 1945 en Liverpool, GB. Se inició en el BFI con presupuestos modestos junto a toda una generación de cineastas británicos, que harían sus pinitos con gran asertividad como: Bill Douglas, Derek Jarman, Sally Potter y Peter Grenaway. Aborrece imitar al cine que se hace en Estados Unidos. "Porque siempre cuando imitamos lo hacemos mal. Además, allá no eres bienvenido cuando quieres hacer cine que sea Arte, que deba ser interpretado por un público, usando sus propias mentes". Tampoco le gusta que lo tilden de gay. "Ha arruinado mi vida. Yo soy célibe, aunque creo que hubiera sido célibe incluso si fuera heterosexual, porque no soy apuesto. ¿ Porque alguien estaría interesado en mí? El trabajo en estos casos, fue siempre mi sustituto. De sus nueve largometrajes entre ficción y documentales destacan : "Distant voices, still lives", "The Neon Bible", "The House of Mirth", "Of Time and the City" y "A Quiet Passion". Cabe destacar, que es un cinéfilo de toda la vida y una de las voces más influyentes del actual panorama fílmico británico.

El drama urbano hecho realismo social.

"Perdidos en la noche"/"Cowboy de medianoche"/"Midnight cowboy" de John Schlesinger: Un drama contemporáneo del período de la apertura temática del cine americano. En efecto, cuenta las aventuras de un prostituto vestido de cowboy ( Jon Voight ), que decidido a triunfar en la vida miserable y marginal que lleva consigo en Nueva York, termina solventando la tragedia de la soledad, la depresión y el desamparo junto a un amigo tullido ( el colosal Dustin Hoffman). Estudio detallado del comportamiento de una gran urbe, que de manera sórdida y deprimente, se oculta del brillo y el oropel tras los edificios del progreso material y el conformismo alienado del consumo. Calificada en su momento con una X, ganó el Oscar y paso a la fama gracias a las notables caracterizaciones de Voight y Hoffman, además de un elenco de secundarios impagables. Cómo olvidar a John McGiver y Barnard Hughes como viejos gays de gustos refinados y escabrosos, o a la estupenda Ruth Waite como desenfrenada mujer de alcurnias sin un dólar para pagar favores sexuales. Todavía legitima el cine hecho en las calles, sin artificios o adornos teatrales, y con la música de Harry Nilsson interprertando la inolvidable canción que la identifica: "Everybody "s Talkin"At Me".

Jon Voight está estupendo como un prostituto con cerebro de perdiz, que esconde un alma de niño bueno y pese a las circunstancias, jamás cede al confort más alienado que le tributan sus amantes. El guión de Waldo Salt basado en la novela de James Leo Herlihy, es modélico en su plasmación de los rituales atendibles a la profesión más antigua del mundo, y sobretodo, en la consumación de unos personajes desvalidos que sólo tienen una posibilidad de escapatoria, adentrándose para viajar a conocer el océano.

Como nunca antes, la ciudad de Nueva York se vuelve protagonista de este relato escabroso y humano, que nos proporciona la posibilidad de valorar la obra más característica del director John Schlesinger.

El viaje del bus, aparece como simbólica despedida de uno y comienzo de una nueva vida del otro, en esta significativa película de la década de los sesenta. Otro gran clásico para revisitar en casa.

Durante el proceso de filmación en las calles neoyorquinas, aparecen los actores centrales y el director sentado en el travelling de la cámara. John Schlesinger obtuvo el Oscar a Mejor Director.

Recibiendo instrucciones del director, Jon Voight y Dustin Hoffman. La película se estrenó en 1969 y batió record de taquilla pese a estar calificada con una X.

El realizador John Schlesinger ( 1926-2003 ): Hijo mayor de una familia judía, de clase media sólida, su padre era pediatra y su madre músico, interrumpe sus estudios de Arquitectura para combatir en la SGM., y entra en contacto con el mundo artístico al organizar espectáculos para el ejército. Mientras asistía al Balliol College en Oxford, estuvo involucrado en la Undergraduate Dramatic Society y adquirió un interés creciente por la fotografía. En 1957 ingresa la BBC y desarrolla una gran actividad como realizador de series, programas dramáticos y documentales. Después de rodar algunos cortometrajes, y tras el éxito de "Terminus" ( 1961) ganador del León de Oro en la muestra de Venecia, se asocia con el productor Joseph Janni para efectuar sus propias películas. Nace "Esa clase de amor" ( 1962), su debut, y más tarde, un puñado de obras que lo harían conocido en todo el mundo. Entre sus filmes más destacados hay que citar : "Billy Liar", "Lejos del mundanal ruido", "Perdidos en la noche", "Domingo, maldito domingo", "El día de la langosta", "Maratón de la muerte", y "El Inocente".

La comedia cowboy de un mito inolvidable.

"Bus Stop" de Joshua Logan : Una de las comedias menos conocidas de la gran mito del cine Marilyn Monroe, y donde demuestra su tremenda capacidad para desdoblarse en una chica con sentimientos que van más allá de un bonito físico. Ambientada en el mundo del rodeo, es la historia de una mujer, Chérie ( M.M. ), que lucha por encontrarse así misma, pese a las insistentes prorrogativas amorosas de un cowboy ( un joven Don Murray ) que la ha elegido como la mujer de su vida. Tras una intensa nevazón después de asistir a un rodeo, en la parada del bus en una confortable hospedería, los personajes resolverán sus problemas y aprenderán lecciones vitales para mantener el fuego vivo del Amor. Basada en la obra de William Inge, el filme se disfruta de principio a fin, sin desconocer su origen teatral, que Joshua Logan aprovecha de amortiguar con abundantes escenas de rodeo, corridas de toros y montada de caballos salvajes. Es un pequeño festín romántico en tono de comedia, que subraya el talento interpretativo de la Monroe, su vulnerabilidad, su carácter, su lucha interna para transformarse en un personaje atesorable y querible. Como para apapacharla en casa.

La pareja protagónica en una foto publicitaria del rodaje de la película.

Otro de los inolvidables personajes de la icónica Marilyn Monroe : Chérie, la chica vulnerable con corazón de oro y uñas de tigre.

El escape fortuito de Chérie, vestida para una actuación en el terminal de buses.

Lobby-card de la película donde aparecen sus dos protagonistas centrales.

El Afiche original del filme, como tesoro de coleccionista cinéfilo.

El director Joshua Logan dando instrucciones en el rodaje de la película. ( 1908-1988 ). Considerado uno de los grandes directores de musicales de los años cincuenta, también era un dotado narrador de comedias atendibles a los parámetros del star system de Hollywood. Estudió Arte Dramático en Moscú, gracias a una beca, bajo la dirección del legendario Konstantin Stanislavsky, y su primera producción teatral data de 1932. Comenzó a dirigir obras de teatro mientras alternaba sus estudios en Princeton, e influenciado por el método de actuación de Stanislasky, menospreció el estilo porque "para ser verdaderamente creativo, debes encontrar tu propio camino". Entre 1938 y 1969, dirigió 13 largometrajes, entre los cuales destacan : "Picnic", "Sayorana", "South Pacific", "Fanny", "Camelot" y "La leyenda de la ciudad sin nombre".

Los cuentos de terror de una luna japonesa.

"Cuentos de la luna pálida de Agosto" de Kenzi Mizoguchi : Es una de las grandes obras fílmicas del cine japonés. Un lugar rebuscado hablar de "Ugetsu", pero se exhibió con la apertura del mercado oriental a Occidente, y descubrimos la carrera de Mizoguchi, uno de los grandes totems del cine de su país, junto a Kinugasa, Kurosawa, y Ozu."Dotado de una mirada de paisajista y alma de poeta, el cineasta desarrolló un rico estilo visual apoyado en su agudeza para captar sutiles detalles físicos y psicológicos. Basada en dos historias de fantasmas del siglo XVIII escritas por Akinadi Ueda. La historia se ambienta en el Japón del siglo XVI. Cuenta la historia de dos campesinos que abandonan la felicidad familiar por la ilusión del dinero, la fama y una mujer fantasmal. Tremendamente admirada por la crítica de las Cahiers du Cinema, tiene un tratamiento visual sofisticado, con brumosas escenas en lagos y ríos, una atmósfera casi surrealista, y espíritus flotando en el agua.

Lo más interesante de esta gran película oriental, es la manera que tenía Mizoguchi de mezclar elementos de la vida cotidiana con elementos fantásticos y espirituales. Sobrecoge la variedad de iniciativas tendientes a trasponer la realidad con magia, fantasmas, lugares casi oníricos, y una estilizada manera de sugerir con la puesta en escena. "El cineasta logra que la transición entre la realidad cotidiana de la vida campesina y el universo fantasmagórico de Lady Wakasa resulte fluida y coherente. De una sobrecogedora belleza, es una obra maestra en su estilo y formato, una real delicia para espectadores exigentes.

Mizoguchi aparece dirigiendo una toma de su colosal película.

Parecen imágenes extraídas de una pintura, y por su adecuada atmósfera de ensoñación, es una verdadera obra de arte.

Mizoguchi rodó 85 películas en 34 años de trayectoria, y con UGETSU ganó el León de Plata en el Festival de Venecia. La película citada corresponde a su época más alabada, un período entre 1950 y 1954, y gracias a esta sublime película, los productores otorgaron facilidades económicas y autonomía creativa a aquellos realizadores que habían prestigiado el cine nacional en el extranjero.

El realizador Kenji Mizoguchi ( 1898- 1956 ): Hijo de un modesto carpintero, su infancia esta marcada por la venta de una de sus hermanas como geisha, hecho que tiene una enorme influencia en la creación de su obra fílmica. Estudia Bellas Artes en el Instituto Aoibashi de Tokio. Cuando diseñaba la publicidad de un diario, de forma accidental en 192o, entra en los estudios Nikkatsu como actor especializado en roles femeninos, pero no tarda en convertirse en ayudante de dirección y dos años después debuta como realizador con la película "El día en que vuelve el amor". Su cine, se caracteriza por exponer la dura realidad de la condición femenina, aunque también, se especializa en contundentes reconstrucciones históricas cuando trabaja para los estudios Daiei, entre cuyas grandes obras están: "Cuentos de luna pálida de Agosto", "La música de Gion", "El Intendente Sansho", La mujer crucificada" y "Los amantes crucificados", todas obras maestras. Critico de la continuidad del régimen feudal en la época contemporánea, muestra un alto grado de exotismo, y una característica estilística muy singular, comprendida por esos largos planos-secuencias que caracterizan sus mayores obras.

Un clásico infantil del cine francés.

"El globo rojo" de Albert Lamorisse : Un pequeño gran clásico del cine, que mantiene inalterable su gran capacidad poética y su entrañable sesgo fantástico. Un niño interpretado por el hijo del realizador Pascal Lamorisse, tiene una relación amistosa con un globo rojo que no lo deja de acompañar en todas sus aventuras por las calles de París. Pura belleza y lirismo en una historia sencilla y didáctica. Detrás de este mediometraje esta la mano de un director que entiende la sensibilidad de los niños, pero sobretodo, con el ingenio suficiente para transformar la aparente vida cotidiana en un placer estético de increíble belleza y poesía. Entrañable. Imperdonable si nunca la has visto.

"Crín blanca" de Albert Lamorisse : A la manera de un documental con narración en off, este relato entrañable nos demuestra que el cine es expresividad visual y economía de recursos con la sabiduría de utilizar de manera inteligente el montaje, los ambientes y las acciones humanas. Una película familiar que cautiva de principio a fin con la simple historia de un niño pescador que se hace amigo de un hermoso corcel blanco salvaje, que evita ser domesticado por los hombres y con un final poético y fantástico a la manera de los clásicos cuentos infantiles. Imposible perdérsela y si tienes hijos pequeños invítalos a verla con ellos.

La historia de un caballo salvaje que evita ser domesticado, es el conflicto central de esta inolvidable película animalista.

El niño actor Alain Emery interpreta a Folco, el niño pescador amigo de un caballo salvaje.

El director francés Albert Lamorisse ( 1922-1970 ) : Constituye una excepción notable al resto de los cineastas de su generación. Ex fotógrafo comenzó a dirigir temas cortos a fines de la década de los años cuarenta del siglo pasado, y pronto adquirió una reputación internacional por la calidad poética de sus cortos y mediometrajes, que involucraban el mundo de la fantasía de los niños. Debutó con el mediometraje ambientado en Marruecos "Bim", 1951, la historia con mucho de cuento de "Las Mil y una noches", acerca de la relación entrañable de un niño con un burrito, y los distintos avatares que deberá vivir para salvar al animalito del maltrato, la violencia y la muerte. Después rodaría "Crin blanca : el niño salvaje", 1953, y "El globo rojo", 1956, ambas recibieron un gran premio en el Festival de Cannes, y la última el "American Academy Award". A principios de los sesenta recurrió a los largometrajes con menos éxito, y luego se retiró para desarrollar una carrera en cortometrajes documentales. Falleció en un accidente de helicóptero mientras rodaba un documental en Teherán. "Le vents des amoreux", la película que estaba rodando, fue editada más tarde siguiendo sus instrucciones, y estuvo nominada como Mejor Documental en el Oscar en 1979. Cabe resaltar que, sigue siendo la única persona que ha ganado un Oscar por el guión de un cortometraje.

El amor es algo ( siempre ) esplendoroso.

"Angustia de un querer" /"Love is a many splendored thing" de Henry King : ¿ Que hace tan grande el recuerdo de una historia de amor tan característica del cine que se hacía en los estudios del viejo Hollywood de los años cincuenta? Seguramente, el tono de su relato romántico basado en el best sellers de Ann Suyin, aderezado por la espléndida música de Alfred Newman. Aunque también está, cómo se cuenta el relato, obra del inconfundible maestro clásico Henry King. Pero además, la química que se produce entre el actor William Holden, el galán de su tiempo, con la preciosa Jennifer Jones. Mi madre, las tías y las colegas que me acompañaron a descubrir el cine entre los alumnos, la atesoraron por siempre. Hay algo de metafórico en esa colina del adiós. Un beso inmortal, una pasión torrencial entre dos personas de distinta cultura, un encuentro fortuito entre un corresponsal americano y una médico china-europea, un despertar hacia la dimensión de Cupido. Todo vale en esta singular película amorosa, de la que el programa CINEMANIA se encargará de dimensionar con la música de Alfred Newman, este miércoles 20 de junio a las 22: 00 horas, por Radio Universidad de Talca FM. Una cita cinéfila para no pasar por alto.

La magia del cine : Jennifer Jones en la colina falsa del adiós. Remember, That"s Entertainment !!!

El director Henry King ( 1888- 1982 ): Como ya lo habíamos destacado anteriormente, se trata de uno de los grandes maestros del cine romántico y uno de los pilares fundacionales del cine clásico. Actor de vodevil, teatro y cine, llega a ser guionista y debuta como realizador a mediados de los años diez, con la película Little Mary Sunshine. más de cincuenta producciones efectúa en el mudo. Después en 1929 firma contrato con William Fox y rueda sus restantes cincuenta película a lo largo de 32 años de carrera, entre las cuales, sobresalen títulos tan diversos como : "Lloyd de Londres", "Jesse James", "Stanley & Livingstone", "A Yank in the R.A.F.", "El cisne negro", "La canción de Bernardette", "El Príncipe de los zorros", "El Pistolero", "Las Nieves del Kilimanjaro", "David & Betsabé", "Angustia de un querer" y "Esta tierra es mía", todos grandes clásicos.

La belleza fotográfica y narrativa de una obra cumbre del cine italiano.

"El Conformista" de Bernardo Bertolucci" : Basado en la novela de Alberto Moravia, un desconocido realizador italiano dirige esta extraordinaria película, que viene a influír en el cine americano, por su estilizada forma de narrar y su extraordinaria fotografía del grandioso Vittorio Storaro. En 1937, al final del Ventennio Nero, la policía fascista del régimen, convence al joven Marcello Clerici ( Jean-Louis Trigtinant ), para viajar a París a asesinar a su antiguo profesor, Quadri ( Enzo Taracio ), de ideas comunistas y antifacista exiliado. El encuentro lo sostiene Marcello junto a su joven esposa Giulia ( Stefania Sandrelli ), que se hace muy amiga de la hija del docente, Anna ( Dominque Sanda), y que, además, rememora su controvertida infancia por una relación violentada por el chofer de su familia ( Pierre Clementi) un pederasta, a quien reencuentra viejo y vagabundo en París. Esta compleja premisa esta desarrollada con un vigor extraordinario por Bertolucci , quien revela su tremendo potencial estilístico y conquista a todo el mundo. Estrenada en 1970.

La película explora en la conciencia de este personaje, dinamitado por un chofer cuando era niño, y que asesinó a sus padres, para establecer los nexos de unicidad entre lo trágico y lo destructivo. Bertolucci parece internarse en los vericuetos de este hombre, como buscando explicaciones factibles que llevan a un hombre a participar de una ideología extrema, para después renegar de sus propias convicciones, una vez sintiéndose manipulado y vejado.

Anna ( Dominique Sanda) es la joven hija del líder anti fascista, que una vez, fue prostituta y tuvo una relación amorosa con el protagonista. La agonía de ella queda explicitada hacia el final en una feroz persecución de crudo realismo.

La espléndida Stefania Sandrelli, es la aburguesada pareja del protagonista, una chica capaz de tentarse con otra chica en un momento de delirio sexual, donde la comodidad supera la cordura.

El juego abusivo del pederasta, esta insinuado por Bertolucci como una compleja actitud de renuncia moral y emocional, que el protagonista impele hacia el final, cuando se reencuentra con su viejo chofer.

La relación del protagonista con su mujer es siempre carnal, donde los sentimientos parecen ocultos en un período de gran oscurantismo y persecución ideológica.

Rodando el filme con el fotógrafo Vittorio Storaro. Fue tal la influencia estética de la película en el cine norteamericano, que Francis Ford Coppola se llevó a Storaro para hacer "Apocalipsis ahora".

Mosaico con algunas de las escenas claves del filme citado.

Bernardo Bertolucci. Nació en Parma , Italia en 1945. Hijo del gran poeta Attilio Bertolucci, y hermano mayor del realizador Giuseppe Bertolucci. Se formó profesionalmente junto al poeta y filólogo Pier Paolo Pasolini, de quien fue ayudante de dirección en Accatone. Después de realizar dos cortometrajes, debuta en el largo con La commare seca, 1962, un crudo retrato del proletariado que vive en la periferia de las grandes urbes italiana. Con "Antes de la revolución", 1964, adoptó un estilo narrativo en primera persona, para expresar la crisis y evolución de Fabrizio, un joven burgués de Parma que se transforma sentimentalmente con un matrimonio conveniente, a los que prosiguieron títulos emblemáticos de su filmografía como : "El Conformista", 1970, "La estrategia de la araña", 1970, "El Ultimo tango en París", 1972, "Novecento", 1976, "La luna", 1979, y "La tragedia de un hombre ridículo", 1981. La última etapa de su carrera se caracteriza por proyectos ambiciosos como "El Ultimo Emperador", 1987, o "El pequeño buda", 1993, con otros de aliento mas personalista, como "Refugio para el amor", 1990, o "The dreamers". Aquejado de una parálisis, vive en silla de ruedas y dejó de filmar en el 2013, cuando hizo un segmento, para el documental del Festival de Venecia al cumplirse 70 versiones del evento.

Fotos- Gentileza : Metro Goldwyn Mayer- Channel Four Films- Iberoamerica Films- Mayfair Films- Scala Productions- United Artist- Twentieth Century Fox- Daiei Studios- Janus Films- Films Montsouris- Films de France- Cinecittá Studios- Mars Film- Archivo.-