Séptimo 7 sello: PELICULAS DE CULTO :

Esas inolvidables imágenes paganas.

Rescatamos una obra cult del cine : "El nadador" dirigida por Frank Perry, y junto a un puñado de películas reverenciadas por el público y la crítica especializada, armamos este nuevo panorama para disfrutar en compañía de la familia. Hay películas de terror, romance, misterio, fantasía y épicas para llenar el ocio de fin de semana.

___ Estas películas ha sido reverenciadas por los cinéfilos desde que aparecieron en las maquesinas de los cines.
Hay numerosas obras, que en su momento no fueron bien recibidas por la crítica, y sólo crecieron en prestigio con el cultismo del tiempo, imitando al vino de guarda, que mientras más añejo resulta mejor.
Sin embargo, otras nacieron con la nueva Era del marketing y afianzaron su impacto en la audiencia, mediante eficaces estrategias de mercadotecnia para sumar el beneplácito de las nuevas generaciones de espectadores que constataron por qué son tan singulares y originales.
La mayoría de estas obras, han resurgido con la revisitación y el repaso cómodo del DVD y Blu Ray hogareño, aunque también han sido motivo de discusión, en sendos programas especializados de la televisión sobre la historia del cine.
Además hay algunas películas que se han transformado en piezas de culto, exclusivamente por la alabanza de los espectadores más exigentes y la publicidad del boca a boca, un noble gesto personalista de recomendar entre las amistades, qué películas ver para llenar el ocio de un fin de semana y después de comprobar cuánto te han gustado.
Como es nuestro objetivo recuperar para el recuerdo cinéfilo viejos y recientes estrenos que pasaron muchas veces sin pena ni gloria, o replantear a la altura de estos años, el valor agregado que tienen para el arte cinemático, decidimos en "Séptimo 7 sello" dedicarles esta entrada especial.
Es un repaso efectuado a nuestra manera, con abundantes fotogramas y lobby cards para insinuarles que no se las pierdan. Bienvenidos !!!!!

Píldoras para no dormir.

"La Noche del Cazador" de Charles Laughton : Basado en la novela de David Grubb y sobre un guión de James Agee, - el recordado crítico de cine y escritor norteamericano que murió muy joven transformándose en una figura de culto para la generación del beatnik-, el actor británico Charles Laughton efectúa su única experiencia en el campo de la dirección y logra una obra monumental, incomprendida en su momento, pero que ha sido convenientemente valorizada con el paso del tiempo. Es un cuento macabro, una fábula de horror y un relato muy original. En efecto, también es una historia de terror infantil que relata la perturbadora y fascinante historia de un falso predicador, Harry Powell ( Robert Mitchum ), que persigue por los campos abandonados en la época de la depresión, a unos hermanitos ( Billy Chapin y Sally Jane Bruce), después de ultimar a la madre de ellos, Willa Hooper ( Shelley Winters), tras contraer matrimonio para adueñarse del motín del robo a un banco perpetrado por el auténtico padre de los niños ( Peter Graves ). Se trata de un thriller icónico y tremendamente moderno en su concepción visual, ya que algunas escenas aéreas se rodaron desde un helicópero cuando eso era un hecho imposible. Los niños caen en el refugio de la señora Cooper ( Lillian Gish ), una mujer de entereza victoriana que defiende con uñas, garras y con el rifle en la mano, a las pequeñas víctimas de esta personificación del mal. La extraordinaria fotografía de Stanley Cortez, de fuertes contrastes expresionistas y de la banda sonora de Walter Schumann agregan un gran interés a esta obra maestra maldita. Laughton quedó tan devastado con los resultados de la taquilla, que abandonó para siempre toda idea de volver a convertirse en director.

Un instante del rodaje de la película. Vemos a Charles Laughton ( de pelo cano), y los actores Robert Mitchum y Lillian Gish. En la película resultan impagables todos los actores del relato : Mitchum, Gish, pero también Shelley Winters, James Gleason, Evelyn Varden, Don Beddoe y los niños Billy Chapin - que murió el año pasado tras una larga enfermedad - y Sally Jane Bruce, hoy convertida en una flamante profesora de Santa María en California.

Mosaico con distintas escenas de la citada película. Un logro fundamental fue la labor del operador Stanley Cortez acostumbrado a darse su tiempo entre toma y toma, y que captura las atmósferas del relato con notable acertividad. Dos secuencias de gran perturbación sobresalen de todo el conjunto : en la primera, Cortez filma a un falso predicador asesinando a la mujer en un lecho matrimonial que tiene la arquitectura de un pequeño templo; es la profanación definitiva de la institución del matrimonio. En la segunda, la mujer yace muerta dentro de un auto en el fondo del río, como una sirena- madre incorrupta entre la corriente y las algas. Es la muerte silenciosa de la inocencia incorruptible. Estos momentos de gran eficacia visual, revelan la sensibilidad plástica de Cortez que son reflejo de la exacerbación de todos los miedos infantiles. Hermano del actor Ricardo Cortez, fue también un notable director de fotografía de Orson Welles en la obra maestra "Los magníficos Amberson"/"The magnificent Ambersons" y de Sam Fuller en "El beso amargo"/"The naked kiss".

"Carrie" de Brian de Palma : A partir de la conocida novela del escritor Stephen King, el director, productor y guionista ítalo-americano logra su primer éxito de taquilla y crítica, elevando las preferencias de los espectadores por los relatos de terror de ambientes cotidianos. Cuenta la historia de la cándida Carrie White ( Sissy Spacek ) que en las duchas del high school tiene su primera menstruación, lo que le origina una frustración con su maliciosa madre ( Piper Laurie), después de recibir las burlas de sus compañeras de curso. Su amiga Sue Snell ( Amy Irving ), le encuentra un novio para la fiesta de graduación, lo que no impide que los demás, le preparen una broma pesada. Carrie se venga de todos con una fuerza demencial, que originará un regero de sangre y muerte.

Pese a estar rodada con gran soltura, De Palma somete la temática de su película a descubrir el lado oscuro de una venganza en la mentalidad de una adolescente marginada por su apariencia. Subraya las escenas claves con el ralenti y utiliza el cut rápido para lubricar la metáfora viva que se esconde detrás del conflicto y que se refiere al despertar sexual de esta muchacha reprimida por una madre salvaje. Gran empleo del color y una estupenda interpretación de Sissy Spacek que después fue "La hija del minero".

"Tiburón" de Steven Spielberg : La mediocre novela de Peter Benchley, sirvió de pretexto para que el director norteamericano efectúe su primera gran éxito de taquilla, utilizando todos los códigos narrativos del mejor Hitchcock y algunos notables avances tecnológicos, como el tiburón de mentirijillas construído para simular los ataques del escualo. Más que un simple pasatiempo, es una historia de terror y suspenso muy bien planteada por elaboradísimas escenas de acción, que vuelve sobre el eterno tema de la Naturaleza versus el Hombre. Detrás del análisis al miedo que efectúa Spielberg en el personaje del jefe de policía Brody ( Roy Scheider ), se esconde una crítica reflexión a la burocracia política en el personaje del Mayor Larry Vaughn ( Murray Hamilton), a la desvalorización del conocimiento científico en el papel del especialista Matt Hooper ( Richard Dreyfuss), y a las consecuencias que deja la guerra en las conciencias que han olvidado las sombras de la muerte, en el viejo marino Quint, interpretado por el gran Robert Shaw.

Todavía resulta notable el empleo que hace Spielberg del zoom ( como lo hizo Hitchcock en "Vértigo" ), y de la cámara subjetiva para simular los ataques del escualo bajo el mar. Recuerden que esta historia originó una serie de secuelas e imitaciones europeas, cada vez más gores y macabras. Inolvidable resulta la escena del primer gran ataque con la olvidada nadadora y stuntwomen Susan Backlinie, que aparece desnuda para ser tragada ostensiblemente por esta bestia acuática. La música de John Williams jugó un papel fundamental en todas las secuencias más horrendas de esta gran película de terror.

"Posesión satánica"/"The Innocents" de Jack Clayton : Gran obra de fantasmas que es la mejor película de su director, porque logra reflejar el clima opresivo de la historia original y sobretodo la ambigüedad en las relaciones entre sus personajes. Un cuento gótico ambientado en una mansión de principios del siglo XX, sobre una institutriz Miss Giddens ( Deborah Kerr) contratada para educar a los niños Flora ( Pamela Stephens ) y su hermano Mills ( Martin Stephens), que sufren una directa subordinación al espíritu de una pareja maldita para efectuar toda clase de actos abominables.
Sirvió de base para "Los Otros" y supuso un buen ejemplo de cine en ambiente victoriano, que asume todas las variantes del relato sobre reencarnación del mal en cuerpos infantiles. Una obra maestra que crece con los años.

La película "The Innocents" se titulo en España "Suspense ! y en Chile y el resto de Hispanoamérica "Posesión satánica". Redescubierta por la TV cable, se trata de la más alabada adaptación al cine de la novela de Henry James "Otra vuelta de tuerca", editada en DVD y convenientemente remasterizada en su formato scope original.

"Suspiria" de Darío Argento : Más que un psychokiller sangriento y misterioso, se trata de una clase magistral de estética y puesta en escena relativo al thriller y al comic para adultos, con un inicio brillante a la manera de los giallos italianos abundantes en crímenes y hemoglobina. Lo más novedoso, es su original propuesta estilística de colores y formas, pero también de mirada personal, al implantar el descubrimiento de fuerzas sobrenaturales que originan ciertos hechos y desdichas relativos al budú, a las brujerías y a la maldad que oscila entre éste y el otro mundo. La joven actriz Jessica Harper interpreta a una ingenua chica que ingresa a una Academia de Baile, donde todo lo nauseabundo y horrible puede suceder hasta convertirse en una pesadilla. Argento no limita sus propias facultades alucinatorias para sugerir que la asquerosidad reside en cualquier individuo aparentemente normal. Es una película para contemplar, porque entra a la conciencia por la vía de la sensibilidad óptica, acentuada por el color, la puesta en escena y las espectaculares muertes e intensos choques emocionales, afianzados por la notable partitura musical del grupo rock Goblin. Es una película para iniciados del gore y de todo lo espeluznante que tiene el terror grandguiñolesco. Otra gran obra de culto, cultísimo.

"Audición" de Takeshi Miike : Un original y sorprendente aporte al cine de terror japonés, que pasa de lo aparentemente normal a lo sicótico para concluír en una secuencia gore , notablemente rodada y que estremece por su crudeza, sadomasoquismo y locura. Un viudo ( Ryo Ishibashi ), que es tímido y algo anticuado, ansía una novia joven, dulce y obediente, después que su hijo adolescente le convence en rehacer su vida. Acceder a la solicitud le significa aprovechar el puesto de guionista de cine que le da un antiguo productor, con quien organiza una audición en la búsqueda de la protagonista de una supuesta película que desea filmar. Confiado en su instinto, elige a una misteriosa muchacha que entre invitaciones a restaurantes y paseos por el parque, le va entusiasmando en demasía, sin siquiera sospechar, que está frente a una mente desquiciada, sádica y enferma. El director nipón Takashi Miike ("Zebraman" ) efectúa un psychokiller ( al revés ), o sea, parte mostrando la vida coloquial de la víctima antes de dar a conocer la cara oculta del victimario. Y con sencillos planos y encuadres subjetivos, nos va trasladando de la quietud cotidiana al infierno de la violencia con tacto, olfato y mucho talento expresivo. Se trata de una gran obra innovadora en su género muy singular y de abierto espíritu rupturista.

Integrando leves flashbacks que se van haciendo cada vez más espaciados a lo largo de la narración, y muy descriptivos, pues no ahorra detalles al mostrar las causas de tanta demencialidad ( hay incluída violencia sexual infantil ), el director Takashi Miike transita por la doble cuerda del descubrimiento de la maldad en nuestros entornos urbanos, pero accede además, a los efectos que ello provoca sin dejarnos tiempo a reaccionar. Toda la secuencia del desenlace, está entre lo más sorprendente y elocuente que ha dado el cine japonés de los últimos tiempos. Y lo digo sin un afán publicitario.

Amores Extraños, Amores de Pantalla Grande.

"Buffalo 66" de Vincent Gallo : Billy Brown ( Vincent Gallo ) es un outsider. A su modo, se jura estable, o al menos intenta dar esa impresión, pero lo cierto es que ha estado cumpliendo condena por no pagar una cuenta deportiva y ha secuestrado a una joven Layla ( Christina Ricci ), a la que ha obligado a actuar como si fuera su pareja. Es una película independiente rodada con escaso presupuesto, cuyos personajes se mueven por espacios urbanos comunes, pero deslavados, y asumen la agonía de los marginales de las grandes urbes con un soplo casi documentalista. Los encuadres remarcan las diferencias generacionales, las brechas instituídas por el sistema, y en fin, el via crucis de Billy en un mundo anónimo. Ben Gazzara y Anjelica Huston aparecen en sendas colaboraciones como los padres del joven y actúan como un neurótico compulsivo y una fanática del fútbol, y Mickey O"Rourke como un cappo de las apuestas. Todos rostros para encarnar las consecuencias de la propia vida del protagonista.

Es una película magistral, que en su falta de pretensiones asume la melancolía de la soledad, y un drama alternativo que nos habla desde los silencios, de la medianía de una vida chata sobre la emoción de estar vivos. Transa todo su fortaleza en las profundización de los comportamientos de sus singulares personajes, y asume que, la Vida es bella con una compañera de puerto que te acompañe en la travesía de navegar a contrarriente. Cine emocional y testimonial hecha desde la vereda de enfrente.

"Perdidos en Tokio"/"Lost in Traslation" de Sofía Coppola : Segundo largometraje de la hija del realizador Francis Ford Coppola, y una lúcida mirada a la soledad desde la perspectiva de vivir dentro de una cultura que no es la de origen. También es una sólida mirada a las relaciones de pareja construída a partir del fortuito encuentro entre Charlotte ( una frágil y graciosa Scarlett Johansson ), joven esposa de un fotógrafo de estrellas de cine y de moda, y Harris ( un maduro Bill Murray en el rol de su vida), un actor de teatro y cine, de visita laboral en Tokio, para rodar spots comerciales para una conocida marca de whisky.

La directora Sofía Coppola es aguda en su mirada contemplativa. Parte mostrando la llegada de Harris ( Murray ) a Tokio , entremezclándose entre nipones bajos, complejizándose con el idioma durante las sesiones de filmación, y en fin, aceptando a regañadientes la visita sorpresiva de una experta masajista. Hace lo mismo con Charlotte ( Johansson ). Sus relaciones maritales son cada vez más lejanas, acompaña a un marido que le es infiel, y en una cultura donde cada detalle, le es distante. El vivirá su propia crisis a través del teléfono. La realizadora es sutil y con breves raccords entre ella y él y un montaje paralelo eficaz, remarca la soledad en que quedarán ambos. Y eso, hasta su accidental encuentro.

Después, siguiendo las claves del cine de Sofía, se revertirán los acontecimientos con un gran dominio del tempo narrativo, para subrayar el lento y aburrido transcurrir de dos seres perdidos en una cultura extraña. Lo etéreo de la relación ( no hay evidencias de encuentros sexuales entre ambos ), sirve de pretexto al motivo central del argumento : el aislamiento progresivo en que están ambos seres, y el acercamiento sentimental que los hará unos personajes inolvidables.

Más allá de su lado romántico, "Perdidos en Tokio" es un magnífico análisis del comportamiento humano en pareja dentro de un ambiente colorido, exótico, original, propio de la cultura oriental, que asume algunas de las problemáticas de las sociedades más desarrolladas como : el anonimato obligado de la sobrepoblación, el reencuentro de uno mismo como experiencia singular en lugares donde pocos te conocen, el lenguaje como frustración de aprendizaje cultural, la diatriba del ser y del poder sometidos ambos al cumplimiento del deber; la sutil diferencia entre la experiencia de vivir en matrimonio y de convivir, y en fin, el choque evidente entre ambas culturas. Se trata, por cierto, de un filme de culto, cultísimo, para espíritus fieles al cultivo del Amor y de la Amistad.

"Lejos del Cielo" /"Far From Heaven" de Todd Haynes : Ejercicio de estilo para un melodrama que debe mucho a Douglas Sirk, pero que concientemente trabaja un tema de candente actualidad, sobre las relaciones maritales fracturadas por el descubrimiento de la homosexualidad y las relaciones interraciales limitadas por la conciencia conservadora de una época. Julianne Moore se mueve entre el maniqueísmo de los clichés del melodrama clásico de los años cincuenta y la estética colorinche del Technicolor, para dar vida a una mujer en su lucha por la independencia sentimental, cuando establece un vínculo de amistad con su jardinero de color. Dennis Quaid interpreta al marido que actúa según los códigos sociales establecidos para ocultar sus propias inclinaciones gay y revertir un velo de mentiras dentro de una relación que no existe. Haynes es un gran narrador, porque nunca coarta la libertad de acciones de sus personajes. Simplemente los observa para practicar desde la subjetividad de sus emociones, las fracturas y choques sentimentales que potencian el drama. De alguna manera, sus personajes fracturados por el Amor prohibido, son seres que se consumen en la pasión de las apariencias que nos es la correspondida.

La idealización del matrimonio feliz subrayada por una decoración exquisita y glamorosa, pervierte la realidad para entregarla en la medida de lo posible, con todas sus incidencias y sin dejar guardada ninguna secreta actitud. En algún sentido, los personajes de esta gran película, se alejan del cielo sublime para pisar la tierra de los humanos vulnerables. Es un magnífico retrato de época, que sutilmente deja desplazar los hechos más cuestionados de su tiempo como : racismo, homosexualismo, pérdida de la confianza, destrucción familiar, castigo social, diferencias irreconciliables.

El notable actor de color Dennis Haysbert, ha desarrollado una fructífera carrera entre el cine y la televisión, con más de 120 apariciones. Inolvidables también han sido sus actuaciones en : "Fuego contra fuego", "El precio de la libertad", "Insomnia" y "Ted 2 ". Ha sido además, la voz oficial de Master Ox en "Kung Fu Panda".

"La noche"/"Svadba" de Pavel Lungin : Mishka ( Marat Basharov ), se reencuentra en su pequeño pueblo minero con la bellísima Tania ( la inolvidable Mariya Mironova ), la odelisca de los reinados de hermosura, gracia y espontaneidad. Proveniente de Moscú viene a proponerle matrimonio a Mishka, su novio desde la infancia. La preparación del matrimonio en el pueblo obrero , escaso de dinero pero donde existe mucha solidaridad, suma los cuarenta minutos iniciales de la película. Y el resto, es la boda y la fiesta de celebración, motivo central donde se entremezclan sabrosas viñetas llenas de picardía, complicidad, ironía, humor, drama y más de una sorpresa, como cuando a Mishka se le encarcela en plena celebración acusado de atacar a la tía de su prometida.

Un notable elenco de actores elevan el sabor anecdótico, alegre y divertido, que tiene la noche de fiesta. El director Pavel Lungin intercala inteligentes situaciones para darle un interés potencial al asunto y cuenta con un magnífico guión detallista y riguroso en la presentación y desarrollo de los caracteres de los personajes. Difícil olvidar la personalidad cautivante del policía de la Villa, obeso y machista que se da su tiempo para aceptar que nunca abandonara el lugar por la capital. Gran labor tiene el director de fotografía Aleksandr Burov, que matiza las situaciones con soltura y eficacia, y la embrujadora música de Vladimir Chekasin, abundante en el sonido del acordeón, que le da el tono festivo que tiene todo el conjunto. Es de esas producciones, que te levantan los ánimos y te dejan bien arriba. Muy recomendable.

"Eterna Juventud" /"Tuck Everlasting" de Jay Russell : Una historia de amor fantástica que es un placer para la vista. Fábula adolescente de ribetes sociales, que muestra las virtudes narrativas del director norteamericano ("Mi amigo es un monstruo"; "Mi perro skip" y "Brigada 49") y el gran gusto estético del fotógrafo James L.Carter. En breves 88 minutos cuenta la historia de una familia extraordinaria que lleva siglos escapando de los intrusos que desean beber de la fuente de la eterna juventud que tienen en custodia. Angus Tuck ( William Hurt ) y Mae Tuck ( Sissy Spacek ) son los padres de dos adolescentes, uno de los cuales, Jesse ( Jonathan Jackson ) se enamora perdidamente de Winnie Foster ( Alexis Bledel ), poniendo en peligro los secretos de esta familia de inmortales. Novedosa película que tiene a su favor, estupendas actuaciones, sólido guión, y una belleza fotográfica que te atrapa y subyuga hasta la saciedad. Asume en base a la economía de recursos, la disposición más plausible de los aprontes del género fantástico alejado de FXs y pirotecnias baratas.

Algunas escenas características de la citada película.

La actriz Alexis Bredel. El director Jay Russell hace relucir con acierto la belleza adolescente en un cuento realmente cautivador. Es una película de culto, cultísimo, digno de rescatar los temas del tiempo y del espacio infinitos, en épocas convulsionadas por los efectos del cambio climático global. Una real delicia para ver en familia.

Asombrosas épicas.

"Andrei Rublev" de Andrei Tarkovski : Concebida en 1961 pero no estrenada en Occidente hasta 1971, tuvo un preproducción tan accidentada como la vida del monje pintor de íconos en la Rusia medieval, que retrata ajustada a la historia. Entre otras cosas, debido a la censura del régimen moscovita, Tarkovski tuvo que acceder a algunos cortes con desnudos y violencia, y pese a su negativa, tuvo que suspender 14 minutos del metraje original. En todo caso, la versión remasterizada que circula desde que se reestrenara con todas las de la ley en Cannes, es la misma que está en DVD y Blu Ray. Una auténtica joya del cine rodada en expresivo blanco y negro, que transita de lo espiritual a lo material, de lo simbólico a lo concreto, con una parsimonia y un sentido plástico irrepetible.

Es la más conocida de las obras de Tarkovski, ya que recrea con gran acierto "un interesante cuadro realista de la vida en Rusia a principios del siglo XV y, sobretodo, logra interrogarse sobre la función del artista en una sociedad oprimida". Dividida en nueve partes, muestra cómo un desconocido artista llegó a transformarse en un famoso pintor, aunque siempre manteniéndose al margen de cualquier apunte biográfico y "entremezclando acontecimientos políticos e imágenes de los cuatros elementos: agua, tierra, fuego y aire, que tanto obsesionaron a Tarkovsky". Sin duda, es una obra maestra del cine universal, con algunas escenas inolvidables como la orgía pagana, la invasión de los tártaros en Moscú y la construcción de una enorme campana, donde participa un joven Nicolay Burlyaev, el otrora niño prodigio de su película debut "La Infancia de Iván".

El filme concluye con un reportaje en color sobre los íconos reales de Rubliov, que se conservan como pruebas irrefutables de la cultura rusa.

"Los Elegidos"/"The Right Stuff" de Philip Kaufman : Candidata a numerosos Oscar, mal exhibida en Chile y en varios otros países, pues no tuvo una distribución muy ajustada a sus grandes valores artísticos, es una magistral epopeya sobre los esfuerzos de Estados Unidos por llegar a la Luna en plena Guerra Fría y en abierta competencia con la Unión Soviética. Recrea los acontecimientos que llevaron a siete astronautas a la conquista de la luna, con un lenguaje impecable, lleno de sutilezas históricas y precisiones científicas, asesoradas por la NASA, y con la tremenda lucidez de convertirla en una larga película épica para disfrutarla en casa. Lo más interesante de esta propuesta, es que Kaufman no se limitó sólo a los acontecimientos históricos que todos conocen, sino que dió profundización a sus personajes, al hurgar en sus vidas familiares y maritales, e integrar sólidos antecedentes con documentales reales sobre las pruebas fallidas en la operación y los cientos de obstáculos que surgieron en el camino.

Las relaciones de los astronautas con sus mujeres y familiares, agregan un encanto que los humaniza frente al espectador. Kaufman además, integra el soplo mágico a ciertas escenas aéreas, para dimensionar el tremendo esfuerzo que significó llevar a estos hombres a la luna. En este cometido destacan : la soberbia banda musical de Bill Conti, el estupendo trabajo fotográfico de Caleb Deschanel y la increíble edición de Glenn Farr, Lisa Frutchman, Tom Rolf, Stephen A.Rotter y Douglas Stewart que crean sonidos nuevos para simular los despegues, y adicionan el montaje paralelo, como motor de la emocionalidad y la espectacularidad del descubrimiento del espacio.

Una escena- clave de la película subrayada por la música de Bill Conti y el empleo del ralenti. La película ganó cuatro Oscar incluyendo el de la banda sonora.

En los inicios de la exploración espacial, el actor Sam Shepard interpreta a Chuck Yeager y Barbara Hershey como su esposa Glennis. Kaufman ahonda en la relación sentimental para remarcar el transcurrir del tiempo desde la cafetería, que cobijará a todos los astronautas que trabajen en el proyecto. Una idea brillante para una película notable.

"Adiós, Lenin!" / "Goodbye Lenin" de Wolfgang Becker : Premiada producción alemana ganadora de nueve Osos de Plata del Festival de Berlín. Estamos frente a una fábula moral que recorre los abruptos cambios sufridos por Europa desde el derrumbe del Muro de Berlín. Para contarnos como incidieron en las personas de su tiempo dichos acontecimientos, el director y guionista Wolfgang Becker recurrió a la ficción, tomando como base dramática las circunstancias que llevaron a la madre de Alex ( Katrin Sub), a perder la conciencia y caer en un coma profundo, justo en los momentos en que en Berlín la historia cambiaría para siempre.

La originalidad y frescura del relato se origina en la admiración manifiesta de Alex por su madre, y como áquel con la ayuda de su hermana Ariane ( Maria Simon ), y amigos de la causa socialista, intentan mantener inalterable el entorno de su departamento cuando ella recupere la conciencia. Por prescripción médica, Alex ( interpretado a los once años por Nico Ledermueller y en su juventud por el actor Daniel Brühl ), debe evitar a toda costa que ella viva alguna emoción fuerte, y ello incluye, los cambios sociales drásticos que vive Alemania. La renuncia de Honeker, la caída del muro que separa a las dos Alemanias, la irrupción de empresas trasnacionales al mercado, la llegada del Capitalismo, son elementos históricos que le sirven a Becker, para elaborar una compleja trama, muy bien desarrollada donde integra distintos niveles estéticos propios del audiovisual. Por ejemplo, la infancia de Alex, está contada por la cámara subjetiva de un padre ( que nunca conocemos ) y que filma distintos momentos de su vida familiar en interrelación con sus pares.

Para aumentar la perfección del engaño, el joven Alex recibe la ayuda de un amigo de trabajo que desea estudiar Cine y que aprovecha las bondades del video VHS para armar improvisados noticieros que incluyen hechos anecdóticos falseados convenientemente. Se trata de una ingeniosa comedia dramática, que asume que la historia es inalterable y que lo que de ella se desprenda, influye directamente en la transformación humana. En definitiva, es una extraordinaria película que reflexiona críticamente sobre los cambios socio-políticos que vive el mundo y que resumen nuestras propias inquietudes respecto al término de las ideologías por las leyes del consumo. No es extraño, entonces, la reflexión final con que Alex/Becker cierra su película : "El país que mamá dejó, era un país en el que ella creía, y que mantuvimos vivo hasta el último segundo. Un país que, en la realidad , nunca existió de este modo. Un país que en mi memoria siempre estará unido a mi mamá".

En fracciones muy determinantes, la madre de Alex descubrirá que su mundo ya no es el mismo. Una gran metáfora sobre las utopías ideológicas que marcaron el siglo XX.

"Alma de héroes" /"Seabiscuit" de Gary Ross : Una auténtica delicia de película deportiva sobre los esfuerzos de un muchacho por ganar el derby, que es también un tratado estético de gran riqueza colorística y ambiental. Las carreras fueron grabadas con cámaras especiales y como nunca antes el espectador puede participar directamente de ellas. En el relato de época entran visos de comedia, drama, suspenso, aventura deportiva y fantasía ecuestre, aunque más allá de su superficie, existe una aguda reflexión sobre la libertad del arte, un manifiesto categórico sobre los valores liberales de la sociedad americana, y una meritoria historia de madurez cívica que habla sin tapujos del amor, del sexo, del tránsito de lo ingenuo a la realista, y en fin, un buen tratado humanista sobre la lucha por lograr los sueños que parecen imposibles.

Red Pollard ( Tobey MacGuire ) es un joven abandonado por sus padres durante la depresión económica y que se une a Charles Howard ( Jeff Bridges ), que viene saliendo de un divorcio al perder al único hijo de sus entrañas; para participar en el lucrativo negocio de las carreras de caballos. Mediante fotos en blanco y negro de la época y una narración en off ( David MacCoullough ), el director recrea el hundimiento y redención de toda una sociedad, que volvió a creer en sí misma, una vez buscara nuevos horizontes de vida y trabajo. Hay una notable descripción de época con un magnífico empleo del color muy en el estilo del viejo Technicolor, y un glorioso manifiesto que remarca la importancia de unirse para salir adelante en tiempos de crisis.

A través de dos horas y 15 minutos, Gary Ross ( el director de "Pleasantville", Los juegos del hambre" y "El valiente" ), asume su historia con un estilo personal muy elegante y estéticamente inolvidable. Es como presenciar a un viejo maestro de Hollywood transformar una odisea vital en un cuento moral, concentrado, transparente y excelentemente narrado con oficio y holgura de medios. Ross es en definitiva, un enamorado de la vida y del cine, que asume el pasado histórico de su país como fortaleza en tiempos realmente muy inciertos. Una magnífica película para ver en familia.

Un plano general con uno de los momentos cruciales del derby.

Una obra inclasificable.

"El Nadador"/"The Swimmer" de Frank Perry : Debe ser una de las películas más inclasificables y malditas de la historia del cine americano contemporáneo. Cruce entre metáfora surrealista, drama humano y comedia negra es también una dura crítica a la alta burguesía, sus arribistas relaciones sociales y la parafernalia que se desprende de la caída de una familia acomodada sin destino.

El protagonista Burt Lancaster con la bellísima Janet Landgard. La película a nivel simbólico es el viaje "a ninguna parte" de Ned Merril, un millonario caído en desgracia ( Lancaster), que expurga sus faltas morales, éticas y sociales en un via crucis por las fabulosas mansiones de sus "amigos" y detractores , con el único objetivo de bañarse en sus piscinas hasta llegar a su derruída y abandonada mansión. Algo así como la caída desde la altura del glamour, la pomposidad y la magnificencia de un hombre y su inclaudicable redención.

En numerosos países ni se exhibió, y constituyó un fracaso en boleterías para el propio Lancaster y el subvalorado realizador Frank Perry. El y su esposa fueron un descubrimiento exitoso cuando debutaron en "David & Lisa", romance de dos adolescentes confinados en un sanatorio para enfermos mentales que conoció un pálido remake en los años noventa. El toque sentimental y culto se mantuvo después en : "LadyBug" ( 1963 ) y "El último verano" ( 1969). Hay más humor y crudez en "Diario de una esposa desesperada" ( 1970 ), donde los males del matrimonio no se curan con el adulterio. En un filme oscuro y triste llamado "Doc" ( 1971 ), Perry intentó deshacerse del mito de Wyapp Earp y otros mitos del Oeste. Más tarde destacó con "Rancho de luxe" ( 1975 ) un neowestern moderno anti-mitológico; y ya con una carrera en descenso, resaltó con "Queridísima mamá" ( 1981 ) biopic de la actriz Joan Crawford desde el punto de vista de su hija. "El nadador" es su obra maestra, ya que se trata de una notable película capaz de escudriñar con sentido reflexivo, en los altibajos de un millonario, notablemente interpretado por el veterano Lancaster.

Ahora Lancaster aparece junto a Janice Rule. / A las notables actuaciones de la película, se destaca una elaborada concepción narrativa. Toda la aparente linealidad del argumento se fractura en la modélica forma de encauzar el drama, los desbordes surrealistas, el suspense interior, y el tratamiento sicológico de los personajes. De la amabilidad en las relaciones que sostiene el protagonista central con el resto de los vecinos, pasamos a los detalles más profundos que trazan el pasado trágico de Ned Merrill. Existe una posición equilibrada en cada reunión alrededor de las piscinas ( con los amigos, los conocidos, la amante dolida, con los empleados resentidos, con la naturaleza volátil de la madurez ), en contraste con la virginidad ingenua de la rubia adolescente, o el sutil abandono del niño millonario, que juega a vender limonada en una casa con una piscina vacía, y donde él, parece un fantasma.

El director Frank Perry contrapone la realidad de la clase acomodada con su sínodo trágico de egoísmos, soledades y frustraciones, con alegres fiestoqueros, agrios vecinos y déspotas contribuyentes, que juegan a vivir al día, sin preocupaciones demasiado profundas. "El nanador" es un duro reflejo de una clase dominante ( y dominada ) por las apariencias. Un estudio acabado sobre el comportamiento en las élites de raigambre social, donde se cuelan todas las aprehensiones de una sociedad nihilista y autosuficiente en los límites de lo tolerable.

En esta ocasión, Lancaster acompañado de la hermosa Diana Muldaur. / La piscina como símbolo del confort y de la posición económica, adquiere en la mirada de Perry, un sentido rupturista casi premonitorio de lo que serían las dédadas posteriores. Sin duda, una obra mayor del cine universal para recuperar en formato DVD y Blu Ray.

En la soledad del niño acomodado, se esconden las ambigüedades de un sistema que permeabiliza sus fronteras para encerrar en obligaciones estructurales a la masa. De ahí, adquiere vital importancia esta notable película, para redescubrir y valorizar en su justa medida. Sydney Pollack alcanzó a dirigir algunas escenas de la historia, y el fotógrafo David L. Quaid integró unos colores fríos y algo deslavados, para insinuar las atmósferas más glamorosas donde está ausente el soplo humanista. Es una película muy recomendable.

Fantasías Extraordinarias de Ayer y Hoy.

"La Montaña Sagrada" de Alejandro Jorodowski : El resumen del filme se concentra en las motivaciones que tuvo en su momento, el célebre director chileno para rodar con la influencia del grupo PANICO, esta provocación audiovisualista. En un mundo corrupto y codicioso, un poderoso alquimista conduce a un personaje de Cristo y siete figuras materialistas a la Montaña Santa donde esperan lograr la iluminación. Con imágenes provocativas, llenas de simbología cosmológica, astrológica, y estética hippie, acompañadas de música rock , es una verdadera delicia para espíritus recalcitrantes. Una cinta novedosa, original, impactante, con una narrativa desestructuralista pues no sigue los códigos tradicionales, y con grandes espacios para la insinuación sexual, política, teológica, revolucionaria, que fusiona en sus imágenes provocativas, la mirada inconformista de Jorodowski acerca de la raza humana.

Arquitecturas y diseños de escenarios que beben de la cultura pop, del comic, de la revolución de las flores, del sopor volátil de las drogas alucinógenas, completan los distintos momentos de esta singular película surrealista, abstracta, y premonitoria de los nuevos tiempos del consumismo y el confort.

"THX 1138" de George Lucas : El primer largometraje del genial productor y director de Star Wars, es una cinta de ficción que transcurre en el siglo 25, donde los robots son policías que regentan una ciudad subterránea, en la cual están prohibidas las emociones y lógicamente cualquier manifestación de Amor. Llama la atención la economía de recursos en función de la originalidad de la propuesta. Hay escenas completas filmadas sobre fondos casi neutrales y con actores con la cabeza rapada y extensos túneles para recrear atmósferas realmente post apocalípticas.

Es casi un antecedente directo basado en Buck Rogers, ahora con una pareja rebelde que intenta escapar de este dominio subterráneo que remite a Orwell 1984 y a Metrópolis. El actor Robert Duvall es THX, mientras que la olvidada Maggie McOmie es LUH. También actúan los reconocidos Donald Pleasence, Ian Wolfe, y Johnny Weissmüller Junior, o sea, el hijo de "Tarzán". Sin duda, una película irregular, algo esquemática, pero muy original, que reveló a Lucas como un realizador diferente muy volcado a estas historias que transcurren en un futuro lejano. Si la observas detenidamente, encontrarás algunos personajes que volverían a aparecer en la saga de Star Wars. Además, el nombre de la empresa de FXs, Lucas la bautizó con el título de esta singular película.

La Mirada Imperfecta.

"Hermano"/"Brother" de Takeshi Kitano : De estilo seco, pulcro, lleno de hallazgos técnicos, narrativos y visuales, y con una estética del cine negro americano, Kitano volvió a resurgir el interés por el cine nipón, a propósito de una obra tremendamente interesante gracias a obras como : "Sonatina", "Flores de Fuego", "Zatoichi" y la atípica "El verano de Kikujiro". Su particular manera de retratar la violencia urbana vuelve a caracterizar su primera coproducción nipona-americana, donde con un puñado de excelentes actores japoneses y estadounidenses, entre los cuales figuran el propio Kitano, Omar Epps, Claude Maki, Masaya Kato, Lombardo Boyar, James Shigeta, Tatyana Ali y Ren Osugi, cuenta el via crucis de Akira ( Kitano ) en Estados Unidos, un yakuza de la mafia que intenta vivir en una sociedad que les es desconocida y ajena. Su irrupción en la búsqueda de su medio hermano nipón, le obliga a rehacer lo único con lo que sabe sobrevivir : una vida al borde del peligro y de la muerte. El relato entremezcla tonos amargos de violencia sangrienta llenos de religiosa solemnidad, con algunos rasgos humanistas, desarrollados con un estilo seco y distanciado tan inexpresivo como el mismo yakuza. Al ritmo que adquiere y que luego pierde hacia un desenlace que se huele impostado y artificial, Kitano aumenta la escalada violentista con notables juegos de fuera de campo, detalles en el decorado y planos generales a contraluces, todo acentuado en la banda sonora; con una estupenda música de Joei Hisaishi y efectos de sorpresiva complicidad acentuados por una expresiva fotografía de Katsumi Yanagijima.

"Brother" es una película algo resentida en su hermetismo y simplicidad sicológica, que sin embargo, es consecuente a los temas de interés de su notable realizador, guionista y actor.

Clásicos del Silente.

"Avaricia"/"Greed" de Erich von Stroheim : El gran clásico norteamericano, conserva todo su sentido lírico y su inimitable naturalismo, pese a ser sólo una cuarta parte del filme original. Ambientada en la cuenca aurífera de California en 1908, cuenta la historia de McTegue ( Gibson Gowland ), un minero que se convierte en un dentista ambulante y llega a San Francisco, donde conoce a Marcus Schouler ( Jean Hersholt ) y a su prima Trina Sieppe ( Zasu Pitts ) , con quien se casa luego que ésta ganara 5.000 dóalres en la lotería. La relación entre el hombre y la mujer se va deteriorando por la cada vez más marcada avaricia que adquiere la muchacha y que hace que los tres terminen matándose unos a otros por el dinero. Originales recursos expresivos, un montaje dinámico y alternante, unos eficaces contraluces en espacios cerrados y áridos e infinitos espacios desérticos, agregan interés al magnífico resultado que obtiene esta gran película silente. Adaptación de la novela de Frank Norris, está considerada una de las obras cumbres del cine universal.

"El Viento"/"The Wind" de Victor Sjöstrom : El productor Irving Thalberg acepta llevar a la pantalla la novela de Dorothy Scarbourough con el realizador nórdico Victor Sjöström, rebautizado Seastrom para los americanos. Lillian Gish vuelve a ponerse a las órdenes del realizador como lo hiciera en "The Scarlet Letter", interpretando a la frágil jovencita Letty Mason. El filme retoma el tema característico en la filmografía del director que habla sobre el hombre en conflicto con la naturaleza. "Sjöström encuentra en América grandes espacios abiertos, lugares áridos y desérticos que encienden de nuevo su inspiración. El viento , en su contínuo hostigamiento y condicionante absoluto de las vidas de hombres y animales, se erige en protagonista del relato. Y lo es hasta el punto que el filme queda impregnado de principio a fin de uan atmósfera envolvente, alucinante e irreal". Se trata, por cierto, de una obra maestra absoluta, rodada en los inhóspitos paisajes de Mojave en California.

"El hombre mosca"/"Safety last" de Fred C.Newmeyer y Sam Taylor : Cuarto largometraje del cómico americano y una de las últimas colaboraciones con el productor Hal Roach. "Construída a base de espléndidos gags visuales, su última escena en el Bolton Building, desarrolla la habilidad acrobática de Lloyd para sacar partido de situaciones comprometidas en las fachadas de los edificios, y resulta la más antológica rodada por el cómico". Imperdible.

"Amanecer"/"Sunrise" de F.W. Murnau : La obra americana más apreciada del director germano. Badada en la conocida novela de Hermann Sudermann y con un equipo casi en su totalidad de procedencia alemana, que incluye al guionista Carl Mayer y al director técnico Rochus Gliesse, Murnau inicia un rodaje donde va a perfeccionar los decorados y procedimientos utolizados en sus filmes anteriores. Es la historia de un desengaño amoroso, o mejor aún, de la infidelidad de una pareja de campesinos ( George O"Brien y Janet Gaynor), por la provocación sexual de una chica de ciudad (Margareth Livingstone), y la súplica del amante a su antiguo amor para recuperar su confianza. Todo trazado desde el punto de vista estético y poético donde se destaca el magistral empleo de la profundidad de campo y la agilidad en los movimientos de cámara. Una obra cumbre que posee toda la grandeza de una tragedia clásica y que está embellecida por la sensibilidad de su recordado director.

"Amanecer" se estrenó originalmente en el Times Square Theatre de Nueva York el 23 de Septiembre de 1927, con banda musical y efectos sonoros acoplados, recibiendo todos los elogios de la crítica y del público. Ganadora del Oscar reservado a la Mejor Actriz, Mejor Fotografía y Mejor Producción Artística. Es una mágica celebración del amor adulto, que la crítica posterior eligió entre las mejores películas de la historia del cine.

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