CLASICOS DEL CINE- I PARTE :

Una mirada a los grandes maestros y realizadores desconocidos de la gran pantalla.

Se estrena la película australiana"Jesper Jones" con el incomparable Levi Miller. Su directora es la desconocida Rachel Perkins, que tiene una carrera interesante por ser descubierta para ser valorada en su justa medida. Como ella, hay un puñado de notables maestros del cine de todos los tiempos, y cineastas actuales - que por estos lados-  no los conocen ni sus familiares más cercanos. Intentamos corregir estas falencias con esta nueva entrada dividida en capítulos, que mezcla el pasado con el presente de la historia cinematográfica. 

 

El cine sigue siendo un canal de expresión multicultural, especialmente indicado para la educación de la percepción estética e intelectual de los niños. Una historia rica en matices, que intentaremos descubrir en estas entregas periódicas con los realizadores y sus películas más relevantes.

 ___ Recorrer la Historia del Cine a través de estas entradas de "Séptimo 7 sello", es también compartir las preferencias de quien suscribe estas líneas.
No siempre de acuerdo a los gustos más populares o específicos, esta vez, hemos dejado un espacio considerable al trabajo de los realizadores de ayer y hoy, que se atrevieron a innovar desde el período mudo al sonoro, en blanco y negro o color, y que son motivo recurrente de la admiración de los cinéfilos. 
Hay grandes maestros que son infaltables amigos a la hora de las tesis críticas o reflexivas de los especialistas, pero también consideramos la labor de los artesanos o directores que desde la testera de pequeñas producciones de serie B, hicieron lo propio con gran éxito y solvencia.
Y como colofón, un espacio para descubrir los talentos de realizadores surgidos de otras esferas geográficas, que aparecen en Festivales Internacionales de Cine o que recién comienzan a darse a conocer en la industria para trascender con propuestas novedosas y estéticas muy singulares. 
Como todo resumen, aplicamos la sicología de la integridad, ya que intentamos movernos en espacios audiovisuales de todo el mundo, y claro está, únicamente con la nobleza de llevar a ustedes el gusto por ver películas multiculturales con temas e intereses diversos. 
Este es el primer capítulo y según el espacio y el tiempo que allá más adelante, integraremos otros adicionales para cubrir nombres, películas y obras de interés universal. 

  

La bellísima actriz Kim Novak en "Vértigo" de Alfred Hitchcock, director inglés que despertó las temáticas sobre voyeristas necrófilos, sádicos asesinos, obsesos sexuales y acomplejados sociales, como no se había visto nunca en la historia del cine. 

Esos viejos maestros de la luz.

Iniciamos esta entrada con un repaso por los grandes clásicos del cine de siempre. Desde John Ford a Orson Welles, adornados con algunas de sus películas más representativas, o quizás hallazgos inusuales para incentivar a su visionado.
Estamos frente a los maestros indiscutibles de la luz, de la narrativa y de los códigos audiovisuales, reverenciados en programas especializados, clases y talleres de Apreciación Cinematográfica. 



Más Corazón que Odio.

 

John Ford ( 1895- 1973 ). Se han escrito toneladas de estudios respecto a su gran obra, porque su legado es tan inmenso como los desérticos paisajes del Monument Valley que él ayudo a inmortalizar en sus películas. Sin duda, se trata del narrador clásico más ilustre y con seguridad, el director que más a contribuído a formar la imagen histórica de Estados Unidos. Su cine está plagado de "ritos esenciales y con una intensa percepción de los ciclos de vida: siempre hay matrimonios, nacimientos y fiestas, como también despedidas y funerales. De todos los libros, el que nunca falta en Ford, es la Biblia". Debido a que estos relatos se ordenan sobre la construcción de la civilización, la familia es su núcleo esencial; en los hijos recae la misión sagrada de hacer brotar otras familias. Son personajes que se esculpen así mismos y que no saben que su destino será pasar a la historia. De ahí su grandeza y su épica. El crítico Andrew Sarris escribió sobre la obra de Ford : "Ningún director estadounidense ha recorrido tanto el paisaje del pasado de Estados Unidos , los mundos de Lincoln, Lee, Twain, O"Neill , las tres grandes guerras, las migraciones al Oeste, las incursiones irlandesa y española, y la política delicadamente equilibrada de las ciudades políglotas y los estados fronterizos". Su carrera incluye a lo largo de cincuenta años 113 largometrajes, y aunque suene paradójico, en los círculos de especialistas, siempre es más venerado por sus dramas familiares que por sus westerns. Peter Bogdanovich rescató su legado en un documental y en una monografía de una entrevista, donde cuenta algunos detalles del rodaje de sus obras fundamentales.    

  

"El caballo de hierro" / "Iron horse". Debido al éxito taquillero que supuso " La Caravana de Oregón" de James Cruze, la productora Fox se animó en efectuar esta épica en carácter de superproducción, bajo las órdenes del aún desconocido Ford. Pese a la multitud de lecturas que se desprenden de su complejidad narrativa, es un extraordinario western del período silente, que se vanagloria de sus magníficas escenas en exteriores, para contar la carrera que se armó entre la Union Pacific y el Central Pacific, en el esfuerzo por lograr el primer ferrocarril transcontinental de la historia americana. Tiene como personaje central a Davy Brandon ( George O"Brien), que mientras busca al asesino de su padre, corteja a la hermosa Miriam Marsh ( Madge Bellamy ), hija del dueño de los ferrocarriles. Rodada en Nevada en los primeros meses de 1924, es un colosal western que no pierde la magnificencia que le da Ford a los paisajes, una de las características más singulares de su estilo visual.        

"El doctor Arrowsmith"/"Dr.Arrowsmith". Un joven médico idealista ( Ronald Colman ) lucha contra los prejuicios de su profesión, mientras se dedica a buscar un suero, para lo cual viaja al Trópico, donde pierde a su mujer producto de una epidemia. Singular drama de contexto visionario, que tiene la facultad de mostrar la pericia que tuvo Ford, para elevar la mirada acerca de un profesional, cuya vida está mancillada por las obligaciones, el honor y el sacrificio a partes iguales. El regreso de Ford a la Fox, que cuenta con una sólida colaboración de actores versátiles como: Ronald Colman, Helen Hayes, Richard Bennett, Beaulah Bondi y Myna Loy.     

"La patrulla perdida"/"The lost patrol". Esta singular película fordiana cuenta la odisea de nueve hombres perdidos en los desérticos paisajes de Mesopotamia durante la Gran Guerra. Es un notable estudio de caracteres, a partir de una amenaza que no vemos, pero que está tan bien sugerida por Ford, que originó una ola de entusiasmantes admiradores. La primera gran película del maestro norteamericano del período sonoro. Con el soberbio guión del reputado Dudley Nichols, que se transformaría en uno de sus colaboradores más recurrentes, y un selecto cuerpo de actores como: Victor McLaglen, Boris Karloff y Wallace Ford.

"El delator"/"The Informer". Obra maestra absoluta que supuso la consagración de Ford como director, el cual ganó el Oscar. Está rodada en los vetustos escenarios de RKO con un presupuesto paupérrimo, condición que aprovechó el realizador al máximo para utilizar una puesta en escena llena de clarooscuros y efectos de luz, y así, subrayar las atmósferas decandentosas. Resucita el ambiente nocturno de Dublín, para mostrar el via crucis de un delator, Gypo Nolan ( Victor McLaglen ) que, en su proceso de asumir la culpa y la frustración, dilapida el dinero que recibió por denunciar a su compañero del grupo IRA. Cuenta la leyenda, que McLaglen estaba borracho como una cuba, en la secuencia del juicio, donde aparece el lado más dramático del asunto. 

"María Estuardo" /"Mary of Scotland". Si hay una película que revela el romance oculto por décadas que unió a la actriz Katherine Hepburn, con el genial John Ford, es ésta épica histórica que narra los acontecimientos que rodearon el Reinado de María de Escocia, su fuerte rivalidad con Isabel de Inglaterra y su romance con Bothwell. Toda la película es un homenaje a la figura de la Hepburn, su carácter fuerte, su personalidad arrolladora y sus magníficos atributos interpretativos. Pese a ser catalogada en su momento, como "veneno para las taquillas", ella es la piedra angular desde la cual, se construye esta recreación histórica sobre la figura de una mujer admirada hasta la muerte. 

"Cuatro hombres y una plegaria" /"Four men and a Prayer". El coronel Loring Leigh ( C.Aubrey Smith ) es injustamente degradado y asesinado por un grupo de contrabandistas de armas en la India. Sus cuatro hijos ( Richard Green, George Sanders, David Niven y William Henry ), deciden vengar a su padre y limpiar su nombre. Esta actitud les llevará a iniciar una aventura por varios países y continentes que incluyen a Sudamérica. Sin duda, es una grandiosa película, muy mal digerida en su momento, que tiene la virtud de cambiar de culturas sin perder el hilo narrativo y lograr estupendas escenas de acción, suspenso y misterio. Para regocijarse la presencia de Loretta Young, que nunca aparece como una chica tonta o débil ( muy en la onda fordiana ), y que logra encausar el desenlace nada preconcebido o facilista del relato. Muy entretenida. 

 

"La diligencia"/"Stagecoach". Una obra imprescindible para entender la filosofía fordiana en el western. Detrás de este puñado de viajeros sobre una diligencia amenazada por los indios, están representados todas las tipologías más características de Norteamérica. Se basa en la obra "Bola de cebo" de Guy de Maupassant y aunque "La Noche de Varennes" hizo algo muy parecido y en color, Ford jamás pierde consistencia y utiliza el paisaje como uno más, de sus protagonistas. Monument Valley en Arizona, se transformó así, en el ícono de las películas del Oeste. Inolvidable reparto que reveló a John Wayne como actor fetiche de Ford, Claire Trevor, John Carradine, Thomas Mitchell, Andy Devine, Donald Meek, Louise Platt  y George Bancroft.

Difícil olvidar en la iconografía del western, a los personajes que agrupa "La diligencia", ya que cada uno, se transformó en parte indisoluble de la historia narrada desde el realismo abrumador de Ford. Casi treinta años después, el director Gordon Douglas, hizo un remake frustrante, que alzó aún más, la maestría de su versión original. Gran fotografía de Bert Glennon, que captura la grandiosidad del Monument Valley y le instituye un estilo film noir a la secuencia final en el pueblo.  

 

"El joven Lincoln"/"Young Mr.Lincoln". Antes que el biopic de Steven Spielberg pasara revista a la personalidad del Presidente que derogó la esclavitud, John Ford se animó en contar la juventud de Abraham Lincoln, su trágico romance con Ann Rutledge y su decidido empeño en transformarse en abogado. La perspectiva de Ford, fue llevar el valor humano y profesional de Lincoln a la altura del espectador medio, sin misticismo o artificios impostados. Para ello, se vale de los acontecimientos que rodearon su primera gran defensa en tribunales de dos hermanos acusados falsamente de asesinato. Henry Fonda construye un personaje vitalista, natural, simpático, moralista y original. Como siempre en sus mejores obras, los "tiempos muertos" adquieren un interés conmovedor.  

"Las Uvas de Ira" /"The Grapes of Wrath". La conocida novela de John Steinbeck, permiten a Ford efectuar una odisea humana inolvidable. El relato de la toma de conciencia política de Tom Joad ( Henry Fonda ), como hijo mayor de una familia de agricultores, pobres y arruinados de Oklahoma, respira honda  emoción, patetismo y humanidad en grados equiparables. La extraordinaria estructura de itinerario que tiene su historia, le permiten rodar una de sus mejores obras, ya que es también un elocuente canto de transformación moral, en medio de un momento histórico complejo y miserable. Imposible olvidar sus brillantes diálogos, sus notables actuaciones, sus momentos intensamente intimistas o nostálgicos, pero sobretodo, su notable forma de acercarnos a una realidad que aún se vive en algunos países tercermundistas. Grandioso elenco de actores con la autosuficiente Jane Darwell, echando a la estufa de la discordia, los viejos recuerdos de una época pasada que fue mejor. Y el inconfundible Henry Fonda de overol, sacándo en ristre, el poder de una conciencia social legitimizada por las adversas circunstancias laborales. OBRA MAESTRA.   

"Que verde era mi valle"/" How Green Was My Valley". Cumbre de cumbres es esta inolvidable película sobre la historia de una familia de mineros galeses y su trágico desmembramiento producto de la falta de empleo y las ansias de recorrer el mundo. Todavía hoy, repercuten sus mensajes sociales, aunque su mayor valor, está en la mirada profunda que realiza de la destrucción de una familia a partir de la miseria y la desesperanza. Su aliento romántico, le permite a Ford efectuar la mejor de sus películas, y contrarrestar cualquier desborde lagrimógeno, con un amplio repertorio de cánticos corales tradicionales y el romance entre la bellísima Angharad Morgan( Maureen O"Hara), la hija mayor y el plesbítero Gruffydd ( Walter Pidgeon), de fuerte presencia y voz nasal. Como testigo ineludible de esta situación, está la luminosa mirada del niño prodigio Roddy MacDowall, que interpreta a Huw, el hijo menor de los Morgan, narrador en off y "conciencia moral" de este magnífico retablo familiar. OBRA MAESTRA.       

 

"Pasión de los fuertes" /"My darling Clementine". Recreación de los hechos que antecedieron al mítico duelo en el OK Corral en Tombstone, y la relación de Wyatt Earp con el tuberculoso Doc Holliday, con el toque estético del cine negro, acomodaticio a los paisajes del far west. Un estudio complejo de relaciones interpersonales, que ya dejaba ver, la derivación de lo épico a lo sicológico de un género popular, que gozó de la admiración de nuestros tíos y familiares. Sin duda, una gran película que revitaliza el estilo fordiano en la mirada de lo cotidiano, y donde lo intrascendente pasa a amortiguar la elocuencia de sus imágenes. Henry Fonda y Victore Mature están impagables, aunque Walter Brennan rompe su arquetipo de viejo bonachón para transformarse en el viejo Clanton con el látigo en mano; la bellísima Linda Darnell acomoda su melodramático romance a los designios del destino con gran altivez, y la hermosa Cathy Downs será recordada por siempre como la Clementina de la clásica canción del Oeste.

  

"El Fugitivo"/"The Fugitive". Extraordinaria colaboración del fotógrafo mexicano Gabriel Figueroa con el maestro Ford, para un relato moral que analiza los cargos de conciencia de un sacerdote dentro de un estado policíaco, y que corre en paralelo, a la incansable búsqueda de un criminal buscado por la Policía. Puede parecer un relato claustrofóbico, misterioso y oscurantista, pero mantiene el estilo en sus formas y la solidez de una gran actuación de Henry Fonda en la cumbre de su carrera. Hay colaboraciones sobresalientes de : Pedro Armendariz, J.Carroll Naish, Leo Carrillo y Fortunio Bonanova. 

 

"Fuerte Apache"/"Fort Apache". Primera película ( no oficial) de la trilogía de la caballería, donde el maestro Ford desenlaza la dramatización de la historia de Custer, para narrar el drama del Teniente Coronel Owen Thurdsay ( Henry Fonda ), que está dispuesto a sacrifir a sus hombres en lucha contra los apaches. Recordó el director una vez : "¿ Custer es un héroe ? El no era un hombre estúpido, pero hace un trabajo estúpido por día".

"Río Grande". "Ultima parte de la trilogía de la caballería, sobre un coronel ( John Wayne ), su mujer ( Maureen O"Hara ) y su hijo ( Claude Jarman Jr.), separados desde la Guerra de Secesión, que se reúnen durante un episodio de las guerras Apaches, cerca de la frontera con México". Notable drama romántico lleno de momentos singulares subrayados por extraordinarias canciones interpretadas por los "The Sons of the Pioneers", y aderezadas por circunstancias donde el deber ser supera las expectativas que manda el corazón.  

 

"El hombre tranquilo" /"The Quiet Man". Homenaje de Ford a su Irlanda natal. John Wayne interpreta a un boxeador desilusionado por un hecho traumático pasado, que reconstruye su vida marital con una bellísima irlandesa, interpretada por Maureen O"Hara, de fuerte carácter y de armas tomar. Para llegar a consumar su amor eterno, deberá someterse a las tradiciones estrictas de una familia típica, que no tolera la falta de dotes y los enredos afectivos. Resultan antológicas varias secuencias, como la que homenajeó Spielberg en "E.T." , y no pierde con los años ese aliento romántico que le valió su sexto Oscar a Ford y una estatuilla merecida por la maravillosa fotografía en exteriores.

John Wayne y Pat Ford efectuaron varios planos de la película, cuando éste se puso enfermo. Además, se distingue de todas sus anteriores películas, por el lúcido tratamiento del color. Toda la secuencia de la pelea final, vino a contrarrestar la sugerente sensualidad que tienen sus imágenes anteriores. Además, es una película notable donde aparece por primera vez muy retratado, el desencanto que Ford iría acentuando a medida entrara en años y que condicionaría su filmografía posterior.

"Mogambo". Segunda versión de "Red Dust" de Victor Fleming, que cuenta la competencia que surge en un safari por Africa, entre una mujer mundana ( Ava Gardner ) y otra ( Grace Kelly ), aparentemente casada y feliz, por el interés que despiertan de un experto cazador. Más allá de su interés potencial que incluye un rodaje en tierras africanas, Ford conduce la acción, por momentos intimistas que le dan una gran tensión dramática a los supuestos choques que existen entre las dos chicas y el galán de turno interpretado por Clark Gable. Desprejuiciada revisitación a los amores furtivos en tierras lejanas.

"Más corazón que odio" /"The seachers". El mayor western de la historia es también su película más perfecta de forma y fondo. De alguna manera, están todos los temas recurrentes de su filmografía, su estilo y su ingenio para utilizar los recursos expresivos del cine y su capacidad crítica para ennoblecer la mitología, que él mismo había ayudado a formar años antes. "Ford levantó la epopeya. Y cuando la vió en pie, en algún recóndito momento de los años cincuenta - tras la guerra mundial y la guerra de Corea-, estimó que la complacencia y la gloria ya no eran apropiadas para Estados Unidos. Más corazón que odio marca ese instante crucial, la superposición del mito con su decadencia, la épica con la tragedia, la gloria con el anonimato, la exaltación con la tristeza". Ethan Edwards ( John Wayne ) y su carácter errabundo desviaron el western a partir de aqui, por otros cauces más reflexivos, más críticos y superiores. Es una de las grandes obras del cine de todos los tiempos.   

"El último viva"/"The last Hurrah". Olvidada y algo marchita, esta es una gran película sobre el trasfondo que se oculta detrás de una campaña política. En efecto, Spencer Tracy ( pareja en la vida real de Katherine Hepcurn ), interpreta a Frank Sheffingtton, el veterano alcalde de Nueva Inglaterra que busca su reelección y que termina derrotado por su contrincante. Aquí están todos los ángeles y demonios que existen dentro de la vida política, pero también los principios cada vez más deformados de una actividad hecha para "servir a la ciudadanía" y no para "servirse a los demás". Materia obligada para ver y reflexionar, sobretodo si estás pensando en estudiar una carrera relativa a la contingencia. Completan el casting : Jeffrey Hunter, Dianne Foster, Pat O"Brien, Basil Rathbone, Donald Crisp y John Carradine. Notable.

"Un tiro en la noche"/"El hombre que mató a Liberty Valance"/"The Man Who Shot Liberty Valance". Si "Más Corazón que odio" fue el despertar a una conciencia crítica de la épica del western con sus vastos paisajes y escenarios naturales, entonces ésta nueva obra maestra, es su antítesis estética, pues casi toda la trama se desarrolla en espacios cerrados construídos en estudio y a la luz de las farolas. "Se trata de un relato amargo y escéptico: un hombre fuerte y justo, un héroe clásico, Tom Doniphon ( John Wayne ), cede su vida y la mujer que ama a una mentira ( James Stewart ), que luego se transformará en una de las leyendas para levantar la historia oficial". La desmitificación de Ford, es también su obra más oscura, donde la política, el progreso, la prensa y la democracia se transforman en las bases de la tierra prometida que no fue tan auspiciosa. Es el Fin de una época que se esfuma bajo los recuerdos de un idealismo marchitado por el viento de las guerras.

 

"Siete mujeres" /"7 Women". Ultima película de Ford, para elevar la figura de una mujer que, en 1935 se sacrifica por un puñado de misioneros que están cautivos por un guerrero chino. Estudio intimista de la sicología femenina para trasplantar el origen del heroismo anónimo en un acontecimiento, que pudo ser verdad, y que Ford transforma en una gran obra de caracteres definidos y sutiles dramas. La madurez de Ford, alcanza la lucidez definitiva en una película poco repasada en las cátedras de cine, y que tiene a condición, todas las grandes inquietudes temáticas de su notable realizador. 

Genio y Figura.

 

Orson Welles ( 1915- 1985 ). No existe otro referente de su época, que ejemplique mejor el término de "genialidad". Welles fue un precoz admirador del teatro y de Shakespeare, y como tal, llegó a escandalizar al público americano con su radioteatro que adaptaba "La Guerra de los Mundos" de H.G.Wells, antes de cumplir 24 años. Esta circunstancia, le significó efectuar su primera película, "El ciudadano Kane" /"Citizen Kane", en condiciones bastante cómodas y con una libertad jamás igualada. Después de la excelente adaptación de la novela de Booth Tarkington "Los magníficos Amberson" /"El cuarto mandamiento" /"The Magnificente Ambersons", mutilada por los productores, rueda en Brasil el inacabado documental en cuatro episodios "It"s a True". Tras un paréntesis donde se dedicó exclusivamente a trabajar en teatro, radio y como actor en películas de otros directores, filma : "El Extraño"/"El Extranjero" /"The Strange", que también sufre de cortes obligados; "La dama de Shangai" /"The Lady from Shangai" un innovador policial que resulta ser un fracaso en la taquilla; y sus particulares versiones de Shakespeare a : "Macbeth" y "Otelo", que después de un complejo proceso de rodaje de tres años, gana la Palma de Oro en Cannes. Más adelante, vendrán : "Mr.Arkadin", "Sed de Mal"; "El Proceso", "Campanadas a medianoche" y "Una Historia Inmortal", todas obras de distinto interés que dejan ver a un autor nato, proclive a ser sólo competitivo consigo mismo. No es exagerado pensar que el cine moderno debe más a Welles, perpetuo inventor de formas y reto permanente a las posibilidades de la técnica, que a cualquier otro realizador que haya existido jamás en la historia.  

"Ciudadano Kane". No existe otra película más estudiada por los historiadores que esta obra maestra catalogada como "piedra angular" del cine moderno. Puesta al día de los recursos expresivos que tuvo el cine silente, e innovadora manera de integrar el sonido, el noticiero filmado, la actuación, la puesta en escena, los decorados, la fotografía...es una obra fundamental que pone al límite los recursos expresivos y narrativos para contar la historia del magnate Charles Foster Kane. La inevitable asociación de Kane con el propio Welles, los detallismos de edición que recuperan la modalidad de las elipsis y de la reconstrucción de un personaje en fracciones paralelas a lo "Intolerancia", hacen de esta obra cumbre, una película obligada para reconocer su total vigencia y maestría.  

"El Ciudadano Kane" "se inicia con una reflexión sobre el propio cine y la naturaleza equívoca de su relación con la realidad en la mansión de Xanadú". Al morir Kane en su mansión luego de pronunciar una única palabra "Rosebund", se sucede un noticiero que sintetiza la biografía de este hombre poderoso, y donde los periodistas intentarán reconstruír su vida para aclarar el origen de la palabra final. Lo que sigue son los testimonios de cinco personas que conocieron a Kane, que rearman la vida del magnate, a través de superposiciones, dobles puntos de vista y una ambigüedad proclive a manifestar como un hombre inteligente, se fue transformando en un patán, en un canalla y en un gigante multimillonario. ¿ Cuántos Kane pululan en el mundo actual ? Es la seria reflexión que se desprende de esta novedosa y antológica obra maestra del cine. Actúan : Orson Welles, Joseph Cotten, Dorothy Comingore, Agnes Moorehead, Ruth Warrick, Ray Collins, Erskine Sandford, Everett Sloane y George Colouris.

"Los magníficos Amberson". Quizás uno de los ejemplos más categóricos de mutilación artística que ha existido en la historia, sólo comparable a "Avaricia" y "Las Puertas del Cielo". Una obra colosal que adapta el original de Booth Tarkington para contarnos el esplendor y la decadencia del inventor Eugene Morgan ( Joseph Cotten ) a fines del siglo XIX, producto de su condición social y de los choques con la acaudalada familia del novio de su hija ( Anne Baxter ).Welles se sintió atraído por el relato, ya que constituía la reminiscencia imaginada de su padre. "Tanto George Welles como George Minafer, el protagonista de la novela, provenían de la misma región del país, y ambos tenían similitudes de carácter, desobedientes y rebeldes que soñaban con gran ciudad. Aficionados a las tortas de frutilla y propensos a los ataques de rabia, los dos adolescentes se parecían incluso a través de sus parientes. Las tías de ambos eran seres bastantes aborrecibles, y el recuerdo de la madre de Welles cuando éste tenía ocho años, se ve reflejado en la evocación que George hace de su madre".  

"Macbeth". Adaptación de la tragedia homónima de William Shakespeare, que Welles se lo propone como un reto, al contar con escaso presupuesto y un escaso tiempo para rodar y montar. Después de cuatro meses de ensayo, filma en 23 días esta maravilla en un gran set de los estudios Republic, que alaba la crítica y desprecia el público. Hay excelentes actuaciones del propio Welles como el perverso Rey de Escocia, vencido por el miedo y la soledad; Jeanette Nolan como su pareja tan fatídica y desolada como Macbeth; Donald O"Herlihy que se aclimata al estilo barroco de la obra y el adolescente Roddy McDowell, a estas alturas un tremendo prodigio del cine en inglés. Con todo, quedan para el recuerdo, los extraordinarios efectos de fotografía, su magnífica forma de encarar el material original y traducirlo al lenguaje audiovisual, convirtiendo esta experiencia en algo casi irrepetible.

"Otelo" / " The Tragedy of Othello : The Moor of Venice". Segunda incursión de Welles en la obra shakespereana, es un filme rodado a lo largo de varios años, con crecientes dificultades económicas y bastantes interrupciones, como que el papel de Desdémona, terminó por ser interpretado por tres actrices distintas. Pese a los obstáculos, se percibe la espectacularidad en la puesta en escena, con auténticos escenarios rodados en Venecia, en blanco y negro y a la manera impresionista de los rusos. La atmósfera onírica y el montaje de tomas cortas y sucesivas, mantiene inalterable el concepto estético y narrativo que impuso con vehemencia y notables resultados su mítico realizador. También incluye escenas rodadas en Marruecos, Francia e Italia.

"La dama de Shangai". Como recompensa al defender a su mujer ( Rita Hayworth ), un abogado millonario contrata al marinero irlandés Michel O"Hara ( Welles ) para trabajar en su yate , y claro está, durante un viaje la pareja se enamora. Entremedio del desliz, el juez Bannister ( Everett Sloane ), le propone al marinero que le ayude a suicidarse lo que complica aún más las cosas, que adquieren parangones policiales. Se trata de un magnífico ejercicio de estilo, donde Welles muestra que está apto para desarrollar cualquier material interesante, aplicando sus dotes estético- narrativas. Sin embargo, la cinta fracasa en boleterías lo que derrumba aún más la carrera de Welles, y pone en serio riesgo la continuidad estelar de la Hayworth. Suma para la raya : es una gran película que todavía mantiene su fuerza en escenas tan antológicas como la de Rita en un cuarto de feria rodeada de espejos.

"Sed de mal". Obra maestra del thriller, que escudriña en la fascinante pero repulsiva historia de un viejo comisario Hank Quinlan ( Welles ) corrupto y astuto, que está siendo investigado por el inspector mexicano Manuel Vargas ( Charlton Heston ), en medio de un caso de tráfico de estupefacientes en la frontera. Welles arma su relato en función de la antítesis. Quinlan desea rapidez : sospecha de un mexicano y no duda en fabricar pruebas que le inculpen. Vargas quiere certezas : los métodos de Quinlan no le gustan y busca las pruebas para denunciarlo. "La contradicción crucial ocurre en una pieza de motel, y Welles le dedica un insólito plano de 5 minutos, 34 segundos, con la cámara situada ligeramente bajo los estómagos, produciendo una sensación de encierro y grosor atmosférico sin precedentes". Es Welles en la madurez de un estilo, que nació de un error en el contrato de Heston, y que paradójicamente, se transformó en una de sus mejores películas. 

El Seductor del Misterio.

Alfred Hitchcock ( 1899 - 1980 ). Si John Ford es considerado el maestro del western y de los dramas épicos y Orson Welles el genio de Shakespeare, entonces a Hitchcock habría que catalogarlo el maestro del suspense moderno, a partir de algunas constantes temáticas que caracterizaron toda su filmografía. Su gusto por lo escabroso que nació de algunos castigos paternales, su adoración por las rubias hieráticas, su encendida plasticidad para entender los fenómenos voyeristas, infieren una personalidad ingeniosa pero compleja, melancólica y atribulada. Esta parte del genial realizador británico sólo se viene a explicar con el transcurso de los años, en su biopic "Hitchcock", interpretado por el notable Anthony Hopkins. En todo caso, están sus nueve películas mudas como : "The Lodger" y "The Ring", sus quince películas británicas que rueda en los años treinta como : "El hombre que sabía demasiado"; "Treinta y nueve escalones" y "Sabotaje", y sus restantes treinta películas entre Hollywood y Londres como : "Rebeca"; "La soga"; "La ventana indiscreta", "Vértigo", "Psicosis" y "Los pájaros", que contienen algunos de los momentos más inolvidables de la historia del cine.

Alfred Hitchcock con Vera Miles.

" Treinta y nueve escalones" /" The Thirty Nine Steps". Uno de los mejores relatos de Hitchcock sobre el tema del falso culpable. Un canadiense ( Ronald Colman ), sospechoso de asesinato, viaja a Escocia tras la pista de los espías que han apuñalado a una mujer en su departamento. También es un relato de amor, pues está Madeleine Carroll, que despierta el corazón del protagonista en medio de una serie de persecuciones y vueltas de tuerca sorprendentes. Muy entretenida y vitalista.

"Sabotaje" /"Sabotage". La prueba irrefutable del MacGuffin ( ese distractor que parece importante y no lo es para un relato ), pero además, de las soluciones o tragedias resueltas con ingenio mediante el montaje paralelo. Contiene la escena del niño transportando una bomba, y todavía hoy, es una enérgica y notable película de suspenso acerca del tema de la doble identidad, del misterio sin resolver sobre los propósitos funestos de dejar sin alumbrado a la ciudad de Londres. La bellísima Silvia Sidney deberá descubrir por sí misma, la verdadera identidad de Oscar Homolka, en un duelo que es pura contención y suspense. Está basada en una obra de Joseph Conrad. 

"La sombra de una duda". La obra preferida del realizador, es también la nuestra porque extrae toda la atmósfera de un pueblo chico para ambientar un thriller ( que también es un drama sicológico ), a partir de la llegada de un sádico asesino de viudas adineradas, que a su vez, es el tío ( Joseph Cotten ) de una familia tradicional. Grandiosa historia macabra contada desde la trivilidad de un condado hermoso, donde pareciera que la vida transcurre con absoluta normalidad. Estupendas actuaciones de Joseph Cotten, Teresa Wright, Henry Travers, Patricia Collinge y Hume Cronyn, sobre un magnífico guión del dramaturgo Thortorn Wilder y la propia esposa del realizador, Alma Reville. OBRA MAESTRA.

"Tuyo es mi corazón"/"Encadenados" /"Notorius". El romance entre la hija de un espía nazi ( Ingrid Bergman ) y un agente secreto norteamericano ( Cary Grant ), mientras éste investiga al líder de un importante grupo antisemita que apoya al III Reich ( Claude Rains ), gatillan esta inusual historia de amor que tiene a su favor, la excelente puesta en escena y el notable manejo de las situaciones alrededor de una mansión lúgubre y siniestra. Quedan escenas antológicas como cuando Cary Grant investigando unas botellas de champagne golpea accidentalmente una de ellas para comprobar de que están llenos sus sueños, o insinuando pasar por ahí, para rescatar a la chica que está siendo paulatinamente envenenada. Gran actuación de Leopoldine Konstantin como la madre perversa de Rains.

"Vértigo". La obra más representativa del universo hitchckoniano, es también la mejor de su toda su carrera. Circunscribe la historia de una investigación narrada desde el punto de vista de un inspector de policía retirado ( James Stewart ) a causa de su agudo vértigo. El hombre le sigue los pasos a la mujer ( Kim Novak ) de un amigo, que sufre tendencias suicidas, y que terminará creyendo que está poseída por el espíritu de su tatarabuela. Toda la pasión está trazada desde la intriga policial, que cubre un amplio espectro de circunstancias sospechosas : el amor por una muerta ( necrofilia ), la suplantación de identidad, el engaño, la mordacidad, la perturbación sicológica, la inestabilidad del mundo que les rodea, son efectos de un cuento moral modélico sobre las ambigüedades de la existencia. Gran utilización metafórica del color, de los espacios arquitectónicos, de la mirada subjetiva, y de los planteamientos sicológicos de sus personajes. OBRA MAESTRA.  

"Intriga Internacional" / " Con la muerte en los talones"/ "North by Northwest". Un thriller novedoso, ameno y sugerente, que le saca partido al suspense para amortiguar sus tensiones dramáticas en función del amor apasionado que existe entre Cary Grant y Eva Marie Saint. Culmina en la escena del monte Rumshore, donde la tensión alcanza su máximo grado para demostrar que, lo evidente siempre es subjetivo frente a nuestros ojos. A esta película pertenece la secuencia magistral de la persecución de Grant desde el cielo con una avioneta que intenta asesinarle.

"Psicosis" /" Psycho". Iba a terminar siendo una movie para la televisión, pero Hitchcock quiso atreverse a hacer algo nuevo, con menos presupuesto y con gran inventiva visual. La muerte de Janet Leigh en la ducha, está en todas las antologías del cine, pero su mayor logro, es la presentación de un subgénero que en los setenta alcanzaría su mayor  popularidad : el psychokiller. Anthony Perkins repetiría el papel en otras ocasiones, aunque la esencia de su personaje, está muy bien establecido por Hitchcock, que ironiza con gran acierto en las probabilidades de fuga que habría tenido el personaje, si no se hubiese quedado para siempre en el Motel de su madre. Originó una ola de imitaciones, como la precuela que interpreta el genial Freddie Highmore para la televisión. 

"Los Pájaros" /"The Birds". ¿ Que ocurriría si un día cualquiera, los pájaros de este mundo se pusieran de acuerdo para atacar al hombre sin mayores explicaciones ? La respuesta la obtuvo Hitchcock de la novelita de Daphne Du Maurier. La película se trata de un gran relato de suspenso apocalíptico, lleno de desconcertantes imágenes, estimuladas por un surrealismo evidente. Al tranquilo pueblecito de Bodega Bay, llega en su lujoso automóvil, la bella y elegante Melanie Danields ( Tippi Hedren ), tras los pasos del apuesto abogado ( Rod Taylor ). En medio de este romance sutil, se desencadena una serie de hechos espeluznantes, que tienen de protagonistas a los pájaros, que en sus salidas diarias han comenzado a atacar en bandadas a los habitantes del lugar. Extraordinario uso del montaje en paralelo, de los efectos visuales para simular, por ejemplo, los ataques sorpresivos de las aves a un grupo de niños, pero sobretodo, un modélico filme de contexto apocalíptico, que funciona como una seria reflexión metafísica y ética sobre el tratamiento del Hombre contra la Naturaleza. Se puede sugerir que es el primer gran largometraje ecológico, sobre lo que podría ocurrir si la devastación de la vida silvestre avanza inexorablemente.   

Hitchcock en el set de "Los Pájaros".

Grandes Pioneros.

 

Sergei M. Eisenstein ( 1898- 1948 ). Padre indiscutible del montaje de atracciones, fue un pilar fundamental de la revolución rusa, a partir de su obra LA HUELGA y especialmente ACORAZADO POTEMKIM, que resume sus ideas acerca del montaje. "Hijo de un arquitecto judío alemán y de una madre eslava, recibe una estricta educación religiosa en el seno de un hogar desunido". Estudia Arquitectura pero abandona la carrera cuando se integra al Ejército Rojo y participa en la Revolución de 1917. Su contacto con el teatro le lleva a hacer el corto "El diario de Glumov"/"Nikodnevik Gumova", que integra al montaje teatral de "El sabio" de Ostrowsky. Hizo tres cortos y nueve largos y está considerado el genio mas grande que ha producido el cine.

"La Huelga".  Primera gran obra de vanguardia dirigida por Eisenstein. Manteniendo el ritmo, el contrapunto, el acento y la metáfora, el cineasta ruso logra relatar con absoluto realismo, la historia de un obrero, que injustamente acusado de robar un metrónomo, se suicida en la fábrica donde trabaja. Entremezclando dos ritmos, a dos tiempos y en paralelo, Eisenstein remarca el sentido que originará la muerte del trabajador en sus demás compañeros. Incentivados a paralizar las faenas, el realizador se da tiempo para simbolizar a cada "soplón" de la fábrica vendido a sus subalternos, como verdaderos animales o cosas que no logran contrarrestar la huelga. Es cine político y simbólico, que reveló el poder de yuxtaponer ingeniosamente imágenes de objetos con situaciones humanas, llegando al frenesí en la secuencia final del genocidio. Obra imprescindible para entender el poder de las imágenes mediante el montaje de atracciones. 

"Acorazado Potemkim". Clásico del cine mundial, y obra fundamental para entender la importancia capital que tiene el montaje desde el punto de vista ideológico. "La película nace con la idea de conmemorar el XX Aniversario del ensayo revolucionario de 1905. Eisenstein se plantea su segundo film como un ambicioso proyecto , en el que la rebelión del Potemkin constituye uno de los varios episodios de la obra. La imposibilidad de concluírlo para las fechas señaladas, obligará al realizador a utilizar la revuelta del acorazado como motivo único de la historia". Se trata de una mirada subyugante al espíritu de la revolución que descompone a la "masa" en individualidades específicas comprendidas por "rostros, gestos, y centenares de planos breves y fugaces, y luego lo disperso se reúne y cobra vida, superando sus partes para transmitir la idea del pueblo ruso moviéndose hacia los nuevos tiempos". Ritmo, movimiento y repetición se convirtieron en elementos fundamentales del método de Eisenstein, y en motivo encendido de admiración que llegó a cambiar la historia del lenguaje, hasta extender una influencia que se huele hoy día en el mundo de MTV y de los videoclips. Antológica resulta la secuencia en las escaleras de Odessa, que ha sido materia de análisis y de homenajes en películas posteriores como : "Los Intocables" y "Brazil", entre otras.  

"Lo viejo y lo nuevo"/"La línea general". Una de las obras menos conocidas del realizador ruso. "Aunque en el discurso del filme, se parece mucho al cuento de La Lechera en versión bolchevique con los pérfidos kulaks y los ignorantes campesinos, construyendo, casi de la nada, una enorme factoría, la película encierra numerosos e importantes hallazgos. Uno de ellos lo constituye la destacada figura de la campesina María Lapkina, que se convierte en la primera heroína de la cinematografía eisensteiniana. El film planteado como una parábola, nos presenta la bondad de lo nuevo frente a la inutilidad de lo viejo". De esta forma, el realizador se sumerge en un mundo más reducido e intimista, desde el cual, gracias a la espléndida fotografía de Eduard Tissé, va a elaborar imágenes más poéticas y de gran belleza visual.

¡Que viva México!. Filme inacabado, pero que está armado por los cercanos colaboradores de Eisenstein, que le sobrevivieron décadas después, con fotografías y tomas de descartes, constituye todo un hallazgo estético y narrativo. La película está dividida en capítulos y reconstruye el imaginario colectivo de México, y su cultura más tradicional, desde la perspectiva de sus encantadores lugares, su notable música, su exotismo abrumador y la fuerza telúrica de su idealismo respecto a la muerte. La TV Cable al conmemorarse los 100 años del cine, presentó en exclusiva esta restaurada cinta, que tiene el poder de revelar el valor que tienen sus imágenes, sobretodo para el cine azteca posterior. El capítulo final, sigue siendo dramático ya que está dedicado a mostrar la explotación de los adinerados terratenientes contra los agricultores, que se revelan por los vejámenes recibidos. Es cine político de gran altura y vuelo expresivo.  

"El prado de Beijin". Versión editada a partir de las fotos que se hicieron del rodaje de la película, censurada por el stalinismo y que es otra gran obra inacabada de su autor. Está inspirada en una narración de Turgueniev, incluída en "Relatos de un cazador" y supuso un rodaje accidentado que se inició en Marzo de 1935 y fue interrumpido varias veces hasta que Eisenstein decidió dejarlo un año después. El original desapareció misteriosamente. Lo único que sobrevivieron fueron estas fotos, sonorizadas y argumentadas en el croquis de un libreto de treinta minutos. En todo caso, constituye toda una revelación que confirma la estilizada manera de Eisenstein de utilizar los espacios abiertos. Es la historia de un niño ruso que es testigo de la sublevación del pueblo contra las fuerzas de choque, y que termina siendo un mártir de la agresca. De extraordinaria belleza plástica, es un documento que completa la carrera de un cineasta fundamental de la historia.

"Alexander Nevski". Se estrenó en una versión restaurada en el Cine Arte de la Universidad de Talca. Considerada cumbre del cine histórico y del montaje sonoro, a través de la relación de las imágenes con la música de Sergei Prokofiev, especialmente compuesta para el filme, narra el enfrentamiento del príncipe guerrero en 1292, al combatir tanto a los mongoles como a los guerreros teutones ( germanos) que invaden Rusia. "Es un canto al heroismo, al sentido de nacionalidad, y el testimonio del caudillo se considera una canción de gesta en la cultura rusa". Extraordinaria interpretación del mítico actor Nicolai Cherkassov, en la primera película sonora del maestro ruso.

"Iván el Terrible" ( 1 y 2 ). "Biografía del zar Iván IV, dividida en tres partes, con la que Eisenstein pretende hacer una crítica al culto a la personalidad tan característico de estos años". Obra inconmensurable en sus propósitos estilísticos, es un ambicioso fresco histórico de la Rusia del siglo XVI, que muestra la lucha liderada por éste contra los boyardos y la Iglesia, así como las constantes pugnas contenidas entre su deber ser y su propia conciencia. El guión fue escrito en verso libre, en un estilizado ruso antiguo, y el diálogo, dado su estilo casi operístico, asemeja conjuros; tiene ritmo y sirve como coro a la música de Prokofiev, que funciona como contrapunto. Aunque fue originalmente planificada como una  trilogía, sólo alcanzó a rodar las dos primeras partes, no sin antes vencer  obstáculos ideológicos y atrasos en los estrenos, pues la segunda parte, sólo vio la luz pública en 1958, tiempo después de su muerte.

George Meliés ( 1861- 1938 ). Dueño de un pequeño teatro de fantasía, este pionero francés que fue artista, empresario, técnico, inventor, prestigitador, mago y poeta, comprendió las enormes posibilidades expresivas del cinematográfo de los Lumieré, creando la mayoría de los trucos de cámara que se utilizan hasta hoy día. Fundó la compañía Star Films abriendo una sucursal en Nueva York, para producir un puñado de imaginativas películas de fantasía, acción y aventuras. Además, trabajó con Pathé un método mecánico con el que dió color a sus películas. Su inmensa obra se revalorizó a partir del film "Hugo" dirigido por Martin Scorsese.    

"Viaje a la luna". Primera gran película muda de fantasía, inspirada en Jules Verne y una abierta demostración del ilusionismo que podían provocar las películas y el cine. "Mélies exaltó las posibilidades escondidas del aparato de los Lumiere. Descubrió que con él podían desaparecer los cuerpos físicos, separarse las cabezas de los troncos, convertirse en materia los espectros, acercarse los astros, fundirse los espacios. Le dio al cine el pecado original, sin el cual su nacimiento era incompleto: la tentación de la demiurgia, la mordida de la manzana en el árbol de la sabiduría. Ella hará posible la materialidad de todas las ilusiones, desde Los diez mandamientos hasta La guerra de las galaxias". 

"Veinte mil leguas de viaje submarino". Sólo conserva el título del original de Jules Verne, porque la historia muestra el sueño de un pescador al que se le aparecía el Hada del Oceáno, quien le nombraba comandante de un submarino sacado del futuro. Es una historia descabellada, desbordante de imaginación y llena de hallazgos visuales. La muestra más característica del estilo Mélies, que sólo es superada por "Viaje a través de lo imposible" y la citada "Viaje a la luna".

En las películas de Mélies, donde participaba su mujer, los fondos y efectos especiales eran construídos por el mismo realizador y montados en el pequeño estudio, que tenía enormes vidrios en el techo, donde circulaba la luz natural del sol.

Charles Chaplin ( 1889- 1977 ). Actor, guionista y director de cine de origen británico, cuyo personaje icónico Charlot, el pequeño vagabundo, reunió y sintetizó todas las bondades del espíritu humano detrás de una melancólica poesía. La soledad del vagabundo no es existencial, sino social, porque es una inadaptación radical a las formas y normas que rigen al mundo. Se trata, por cierto, del primer transgresor humanista que es víctima frecuente de la mecanización y trivialización de la existencia. Sus obras maestras del período mudo son : El Emigrante, Armas al Hombre, Vida de perro, El Pibe y El Peregrino. Aunque su mayor logro de esta época es "La Quimera del Oro", que, sobre un relato fatídico elaboró una comedia perfecta. Inolvidables son también sus largos : "El Circo", "Luces de la ciudad", "Tiempos Modernos", "El Gran Dictador", "Monsieur Verdoux" y "Candilejas". Murió autoexiliado en Suiza junto a su mujer Oona O"Neil, hija del gran escritor Eugene O" Neill y sus hijos.    

"Chaplin potenció, con unos medios técnicos rudimentarios, las posibilidades del encuadre y de la cámara inmóvil. Fue el primer artista del fuera de campo, explotando el espacio virtual que sale de los bordes de la pantalla, y del espacio horizontal , en correspondencia con una vocación social identificada con el realismo estricto y cívico. Sus mejores gags se construyen sobre las limitaciones de la historia , tal como en sus momentos conmovedores se relacionan con la soledad dentro de la multitud". Sólo en dos ocasiones, Chaplin se va con la chica. Esta relación con el sexo opuesto, sólo viene a remarcar la melancolía de su personaje enfrentado a un mundo incierto.

"El Pibe"/"The Kid". La primera gran película de Chaplin es sobre un niño huérfano que Charlot acoje en su modesto hogar y las distintas peripecias que hacen para sobrevivir.  El pequeño Jackie Coogan fue descubierto con su padre bailarín mientras desempeñaba un número en el teatro Orpheum de Los Angeles. El cineasta utilizó el talento espontáneo de este prodigio para realizar una comedia genial, con visos dramáticos y nostálgicos. Con toques dickensianos y ambientes que remiten la pobreza en la que vivió Chaplin, el filme es una delicia que se degusta como pastilla de menta. OBRA MAESTRA.    

"El Circo". El perfeccionismo extremo que tenía Chaplin para rodar sus películas, le obligó a construír un circo real y mantener la atmósfera durante el tiempo que duró el rodaje que se extendió a casi un año. "El circo muestra un universo cerrado y entrañable, un espacio aislado del resto del mundo donde la comedia se conjuga con el drama, y el protagonista delata un estado anímico que revela una tristeza resignada donde sus esperanzas ya no logran borrar el pasado". Otra vez es un fugitivo de la ley, que en una escena magistral se fuga hacia una sala de espejos de una feria,"lo cual genera una escena brillante e ingeniosa en la que el protagonista multiplica su imagen". 

"La Quimera del Oro" / "The golden rush". Inspirada en la macabra historia real del grupo de Donner que al verse aislados en las Rocosas, se ven obligados a comerse los cordones de los zapatos para sobrevivir y después a comerse entre ellos, Chaplin efectúa la más brillante de sus películas de largometraje, que supuso el trabajo en el set de 500 técnicos y diseñadores de producción. Obra perfecta como síntesis de los atributos chaplinescos para mezclar farsa, comedia y drama romántico, es también una película entrañable donde se destacan los gags de Chaplin perseguido por Mack Swain cuando creer verlo convertido en pollo; o esa otra antológica escena, donde engullen ambos unos zapatos de regaliz. A menudo Chaplin declaró que le gustaría ser recordado por esta película. "He hecho en esta película lo que quería hacer. No tengo disculpas, ni pretexto. La he hecho tal y como quería". OBRA MAESTRA. 

"Luces de la ciudad"/"City Lights". La renuncia de Chaplin a convertir esta película en una producción sonora, le obligó a utilizar inteligentemente el sonido en varios gags, y a perpetuar la figura esmirriada del pequeño "lord de los pobres" en un ícono del cine poético y romántico.  Es la historia del sacrificio de un hombre por amor a una mujer. O mejor aún, muestra los esfuerzos laborales de Charlot por lograr juntar el dinero que le permita devolverle la vista a una florerista ciega dela que se ha enamorado profundamente. Antológicos los gags de los borrachos bajo el puente, de la parranda en casa del millonario alcohólico, pero sobretodo ese trozo sorprendente de Charlot vislumbrando un maniquí en una vitrina que le llevó semanas de ensayos y prácticas. Claro que nunca tan emocionante, como el desenlace con el close up de Charlot constatando la milagrosa recuperación de la visión del amor de sus sueños, interpretada por la bellísima Virginia Cherrill. OBRA MAESTRA.

"Tiempos modernos"/"Modern Times". Gran alegoría de Chaplin a la maquinización del hombre, pero sobretodo, comedia perfecta acerca de la vida de un par de outsiders ( Chaplin y Paulette Godard ), que efectúan toda clase de proezas para integrarse en una sociedad que los mantiene al margen y donde Chaplin recupera la libertad para reflexionar socialmente y devolverle a su personaje, la posibilidad de irse hacia el horizonte en la compañía de una mujer. Todavía siguen siendo geniales, los gags de la protesta accidental con Chaplin enarbolando una bandera que se le ha caído a un camión; el encuentro con una mujer de alta sociedad y su mascota ( foto ) donde remarca la utilización de los ruidos y sonidos para hacer reír; el patinaje improvisado en una multitienda comercial; su trabajo de garzón en medio de una animada fiesta; y claro, las escenas desarrolladas dentro de la fábrica cuyo interior remite al mecanismo de un reloj. OTRA GRAN OBRA MAESTRA. 

"El gran dictador"/"The great dictator". El atrevimiento de Chaplin de imitar a Hitler en plena Segunda guerra mundial, le llevó a efectuar su película más contingente y debutar en la era sonora, diez años después de haber renunciado a utilizar el nuevo medio. 300 páginas divididas en 25 partes, cada una designada con una letra del alfabeto, vino a constituír el complejo guión, concluído justo el día en que Inglaterra le declaró la guerra a Alemania. 168 días de rodaje, y un doble papel para Chaplin ( el del barbero judío, y el del dictador Hynkel ) completan el cuadro de esta histórica película, cuyo estreno mundial se desarrolló en Nueva York, el 15 de Octubre de 1940. Otra obra cumbre del genio de la comicidad poética. 

"Candilejas"/"Limelights". Se constituyó en la despedida del cine norteamericano de Chaplin. Un melodrama romántico sobre el viejo payaso de vodevil, Calvero ( Chaplin ) que salva del suicidio a la joven bailarina Terry ( Claire Bloom ), a quien insta a triunfar mientras descubre que se ha enamorado de ella. Se trata de "una melancólica reflexión sobre la vejez y la vida, que concluye con un número final donde Calvero triunfa por última vez en compañía de un antiguo compañero ( Buster Keaton)". Notable banda musical del propio Chaplin. Después de ser investigado por el Comité de Actividades Antinorteamericanas, Chaplin decide autoexiliarse en Vevey, Suiza con su familia, donde habrá de vivir por el resto de su existencia. 

Chaplin gritando y saltando hacia el cielo.

Maestro de la Austeridad.

 

Yasujiro Ozu ( 1903- 1963 ). Bastante tarde se conoció en Occidente la obra de este genial realizador, considerado el más importante cineasta de la postguerra en Japón. Su mayor obra "Cuentos de Tokio" /"Historias de Tokio" /"Tokio Monogatari", se estrenó en Londres en 1965 y llegó a las pantallas de Estados Unidos recién en 1972. Quizás porque a Ozu, se le conoció como un cineasta intimista, rico en matices sicológicos y antropológicos, "el más japonés de los directores", lo que influyó en gran medida para que los distribuidores no internacionalizaran sus películas. En todo caso, Ozu probó ser uno de los grandes cineastas de todos los tiempos. Ello se explica en la instauración de un estilo que se fue depurando con el tiempo, asociadas a una radical reducción de la intensidad dramática. "Las películas de esa época pueden ser, en efecto, sistemáticas  hasta la exasperación : motivos mínimos generalmente una muerte o un matrimonio; inmovilidad de la cámara que está situada siempre a la altura de un sujeto sentado en la posición del loto; títulos referidos a las estaciones ; soluciones de continuidad con rasgos del paisaje, siempre los mismos trenes, cables, chimeneas, ríos, montes ; iguales equipos técnicos, la misma productora, idénticos repartos y nombres de personajes repetidos hasta la saciedad ( Noriko, Hattori, Hirayama, Koichi)". Un cine original, donde el gran tema de sus películas es el ciclo de la vida, la circularidad que, junto con hacerlo todo efímero, lo vuelve también recurrente.  

"Los chicos de Tokio" /"...Y sin embargo, hemos nacido" / " Umarete wa mita keredo". La última película del período mudo más conocida de Ozu, es esta comedia agridulce sobre dos pícaros niños, hijos de un empleado que se van a vivir a los suburbios de la ciudad. El estilo naturalista le permite a Ozu, interactuar con los chicos de una manera muy espontánea, y preservar el buen gusto para integrar pequeñas viñetas con la vida cotidiana de la familia de los saladillos muchachos, y sus proezas y exhabruptos con los demás niños del barrio. Recuerda a los relatos de la Our Gang, pero el filme es más que eso : una parábola sobre la resignación de unos chicos, que descubren durante una función de cine, que su padre es un payaso y un tipo poco importante. Gran lección de vida a través del inconfundible estilo del maestro nipón, con esos planos generales y planos detalles característicos, que le sacan partido a los cables eléctricos y a las perspectivas callejeras. Una película valiosa por redescubrir.

"Primavera tardía" / "Banshun". Considerada la primera obra maestra de Ozu de la posguerra, es un relato de gran austeridad en el estilo, que remarca la necesidad de armonizar lo viejo con lo nuevo, a través de un perfecto análisis del comportamiento de sus personajes. "En la ciudad de Kamakura la joven Noriko ( Setsuko Hara ) vive con su padre viudo ( Chisu Ryu ), pero éste sospecha que no acepta ninguna propuesta de matrimonio por su culpa y finje interesarse por una señora para que su hija se case". Relato transparente y metódico hasta en sus mínimos detalles, logra considerar algunas leves variaciones que no obvia el interés por una temática, que habría de repetir años después en sus obras de mayor madurez.

"Viaje a Tokio"/"Cuentos de Tokio" / "Tokyo Monogatari". La obra que hizo internacionalmente conocido a Ozu, es una pieza fundamental de la historia del cine, que tiene particular vigencia producto del cambio histórico. Habla sobre el fin de la familia tradicional, que es una drástica evolución hacia la modernización. Dos ancianos, Shukishi ( Chisuo Ryu ) y Romi Hirayama ( Chieko Higashiyama), parten de Onomichi para visitar a sus hijos a Tokio. "Aunque se preparan para recibirlos, pronto es notorio que Koichi, el médico, y Fumiko, la peluquera, no tienen tiempo ni ganas de atenderlos. Poco a poco, los veteranos se descubren ajenos y perdidos en la nueva sociedad. Ozu filma estos sentimientos con una intensidad asordinada; el único movimiento de la cámara en todo el metraje es un brevísimo travelling sobre la pareja en el parque Ueno, esperando la hora de buscar alojamiento. Los modos narrativos de Ozu son memorables en su radicalidad : utiliza los espacios en 360 grados, se salta el raccord del contracampo, tal como es concebido en Occidente, utiliza con frecuencia los planos medios frontales y a menudo se extasía en espacios vacíos, antes o después de que los personajes los ocupen". De alguna manera, omitiendo las escenas potencialmente dramáticas, Ozu se concentra en los momentos más triviales para extraer de ellos toda la médula que hay de sus personajes. OBRA MAESTRA.

"Buenos días" / "Ohayo".  Un acabado estudio sobre la sicología infantil a través de dos hermanitos que hacen todo lo posible por lograr un sueño de progreso : que sus padres adquiera un televisor. Detrás de este significativo anhelo se esconde una crítica social que escudriña en el poder que van adquiriendo los medios en el confort familiar, y los cambios que provocará la llegada del aparato en la vida cotidiana de la familia nipona. Ya es palpable el estilo Ozu, en su magnificencia estilística y en la didáctica forma que tiene de plantearlos los dilemas que supone el progreso tecnológico en la irrupción de una familia de clase media. También hay una naturalista visión acerca de los altibajos laborales y las exigencias que impone la educación de los hijos. NOTABLE. 

Los niños vuelven a ser protagonistas en una película familiar muy interesante.

Los niños y la llegada del televisor, un aparato que va a cambiar la rutina de sus vidas.

"Las hierbas flotantes"/"Ukikusa". Nuevamente Ozu vuelve la mirada hacia la descomposición que provoca en una familia japonesa, la rápida evolución de las costumbres debido al progreso oocidental. El relato resalta : "El jefe de una compañía de teatro japonés regresa a una pequeña ciudad costera donde dejó a un hijo que cree que es su tío, y trata de compensar el tiempo perdido, pero su amante actual se pone celosa". Como es habitual en su cine, destacan los planos fijos a la altura de una persona sentada en posición del loto, y una narración de gran sobriedad que no evita sojuzgar a los nuevos tiempos. Como todo lo que hizo Ozu en esta última etapa, es una historia brillante y muy bien interpretada por Ganjiro Nakamura, la estupenda Machiko Kyo ( habitual de Kurosawa y Kinugasa ) y Haruko Sugimura.

Otro fotograma de la excelente "Las hierbas flotantes".

"Fin del Otoño" / "Akibiyori". Antepenúltima película de Ozu, ya en el declive de su edad, pero no de sus energías. Reflexión acabada sobre la vejez, sobre las diferencias generacionales entre padres e hijos, pero sobretodo, resumen sobre lo que es la vida desde la austeridad y la contemplación de lo cotidiano. Especie de remake de su anterior "Primavera tardía", donde vuelve a retomar los personajes de aquella, aunque integra la variante del progreso que desplaza las costumbres tradicionales. En esta película es una viuda la que finge interesarse por un hombre para que su hija se case. OBRA MAESTRA.  

Otro fotograma de la citada película.

En la complejidad de la existencia.

Ingmar Bergman ( 1918 - 2007 ). Fue el director sueco más influyente del cine sicológico de todos los tiempos, que causó gran impacto en la cultura moderna por la manera de enfocar la condición humana y de explorar en la siquis de sus personajes, para interrogarse sobre la existencia de Dios, "su problemática dependencia de un mundo sobrenatural, su sed de absoluto, su soledad, su egoísmo y su cobardía". Desde su revelación europea con "Sueños de una noche de verano" en el Festival de Cannes, Bergman se volvió un apellido recurrente del Cine, entendido como un lenguaje capaz de penetrar en el subconciente humano para revelar las ansiedades, temores y preocupaciones existenciales de aliento metafísico. Su obra, de tradición nórdica y cargada de un fuerte componente expresionista, fue evolucionando hacia una forma depurada y de una simplicidad opresiva y neokafkiana. Fue un maestro especialmente dotado para exponer historias complejas con personajes atormentados, que mascullan su soledad, su humillación y su cobardía. Quizás, "Fanny & Alexander" sea la película más accesible para los iniciados, y "Persona", la obra cumbre que revela su particular universo y sensibilidad.       

"Un verano con Monica". Notable historia juvenil que revela  a un Bergman preocupado por el tema de la felicidad humana a partir de una libertad que es creativa, erótica y artística. Además, le reveló internacionalmente como un  artista genial. Gran rol para la estupenda Harriet Anderson, de 20 años, que interpreta a la chica que huye con su pareja ( Lars Ekbotg ) a la isla de Orno, para vivir en contacto con la Naturaleza hasta que se les acaba el dinero y deciden robar. Este filme sueco, influyó grandemente sobre la nueva ola francesa y anticipó muchos de los arquetipos que habrían de venir de Estados Unidos, respecto a los "outsiders", que terminan bajo el peso de sus propias ambiciones de libertad absoluta.   

"El séptimo sello". Atormentada reflexión sobre la condición humana y la creencia en Dios, desde la perspectiva de una troupe de actores teatrales, que en sus idas y venidas durante la época medieval azotada por la peste, contiene una evidente alegoría a la muerte producto de la amenaza atómica. Bergman insiste en el papel que tiene la representatividad teatral en la toma de conciencia respecto a una realidad ineludible, y grafica el misticismo de ver a la muerte jugar el destino de unas vidas transhumantes, con la presencia de un caballero ( Max Von Sydow ) que regresa a Suecia con su escudero ( Gunnar Björnstrand ), cansado de las experiencias sufridas en las Cruzadas. Rodada con  escasos medios, confirma la solvencia del maestro nórdico y su original propuesta estilística. Nuestro Blog se titula como la película, aunque tiene otros significados. "Séptimo" porque habitamos en la Séptima Región de Chile. El "7", porque es expresión escolar de máxima rendimiento. Y "sello", porque le intentamos dar un sello personal a la discusión sobre medios audiovisuales. En todo caso, dejamos establecido que es una de nuestras películas favoritas de la historia del Cine.

"Fresas salvajes". Resumen autocrítico de la vida de un prestigioso profesor ( Viktor Sjöstrom ), el día en que es nombrado doctor honoris causa de la Universidad de Lund,y  que integra los incidentes que sufre en su viaje por automóvil con su nuera ( Ingrid Thulin ), desde su hogar a la casa de estudios superiores. "Este peculiar viaje en busca del tiempo perdido encierra un excelente drama sobre la soledad" y es un perfecto dibujo sobre la tercera edad en el cenit de su existencia. Inolvidable la secuencia de la pesadilla donde el anciano vive su propio entierro. Magnífica actuación del veterano Viktor Sjöstrom, un clásico director del cine sueco.     

"El Silencio". Censurada en varios países por una secuencia sexual, es una de las obras más personales de Bergman. El relato de dos hermanas y del hijo de una de ellas que atraviesan el país, en medio de un estado de guerra, está lleno de sutiles metáforas y logra aclimatar la idea del encierro, la muerte, el alcoholismo y la ninfomanía como no se había visto nunca antes en el cine. El niño Johan ( Jörgen Linström ) es testigo de una serie de ambigüedades que alcanzan el paroxismo en una escena con enanos. Excelente fotografía del experimentado Sven Kykvist. 

Las atmósferas de esta película están muy influenciadas por el expresionismo alemán y guardan una relación empírica con el subjetivismo de sus acciones. Es una gran película de Bergman para redescubrir. 

Ingmar Bergman y Liv Ullman, su pareja de casi toda la vida.

"Persona". La más turbadora y lúcida película del maestro sueco, que integra un insólito dúo entre una actriz que ha perdido el habla y una enfermera. "Película radical respecto a los límites del ser, pero también del Arte. Las primeras imágenes muestran un proyector que se detiene y luego reanuda la marcha : es el nacimiento del cine. Luego se inicia la trama en propiedad: la enfermera Alma ( Bibi Andersson ) , 25 años, soltera y comprometida, es asignada a cuidar a Elizabeth Vloger ( Liv Ullman ), una famosa actriz que durante una representación de Electra dejó de moverse y hablar". La relación entre ambas, terminará abruptamente cuando Alma descubra que Elizabeth la está analizando. La posesión de una personalidad en otra es ineludible. Entonces, Bergman en un momento de la acción, detiene la historia, rompe la película, hace que se queme en pantalla y que la proyección se detenga. Insólita obra que todavía no pierde su vigencia, sobretodo por el esfuerzo que significó representar, lo imposible : la zona oculta más incontrolable de la siquis humana.    

"Gritos y susurros". Ambientada a principios de siglo XX, cuenta las rememoranzas de Agnes ( Harriet Andersson ), que desfallece de cáncer mientras es cuidada por sus hermanas, Karin ( Ingrid Thulin ) y María ( Liv Ullman ) y la cariñosa y obesa criada Anna ( Kari Sylwan ). Las tres mujeres recuerdan hechos que les marcaron su vida, siempre teniendo como tema recurrente a la muerte. "Destaca la fotografía en tonos rojizos de Sven Nykvist y un final donde las cuatro mujeres vestidas de blanco dan un paseo por un idílico campo en una de las películas más femeninas de Bergman".

"Fanny y Alexander". La película más accesible de Bergman, es también un magnífico drama, intenso e inmenso, que reconstruye la vida de dos niños : Alexander ( Bertil Guve ) y Fanny ( Pernilla Allwin ), mientras celebran con sus familiares la llegada de la Navidad en Upsala en 1917. Es la reunión de tres familias dispares, y la manifestación casi autobiográfica de la reconversión de Bergman respecto a la Fé, su amor por el teatro, su temor a la muerte, la ineludible ansiedad del ser artista y del yo interior, con una puesta en escena brillante, evocativa, de exquisita visión, y con una compleja trama de relaciones interpersonales. Ganó cuatro Oscar de la Academia y el César francés a la mejor película extranjera, y terminó por encumbrar al Cielo de los Grandes Maestros, la carrera y la obra del estupendo director sueco. 

El elenco completo con los actores de la citada película.

Los niños de la película.

El Perfeccionismo de la Innovación.

Stanley Kubrick ( 1928 - 1999 ). Es uno de los casos más grandes del cineasta como autor legítimo de toda su obra. Inclasificable y megalómano, demoró años en efectuar cada proyecto llegando a ser un perfeccionista extremo y un independiente a ultranza. En más de la mitad de su filmografía, participó como guionista y productor en un claro afán por mantener el control total de su trabajo. Recorriendo todos los géneros, cine negro, ciencia ficción, bélico, drama , satírico, histórico, terror, influyó en todo el cine posterior, al perfeccionar sus relatos en razón del uso de una técnica cada vez más sofisticada y asombrosa. Su biografía da para efectuar una película en sí misma, pero es conveniente destacar su singular estilo visual, que nace de sus días como fotógrafo de la revista Look. Su tremendo legado, incluye 13 películas de ficción y 3 cortos documentales, así como una amplia experiencia de guionista, editor, productor y fotógrafo en obras que han logrado transformarse en un gran  ejemplo de Arte Cinemático.       

"Casta de malditos" /"Atraco Perfecto" /"The Killing". La primera gran película argumental de Kubrick es un relato de cine negro, que transcurre alrededor de la planificación del robo a un hipódromo. Detrás de su aparente simpleza narrativa, se esconde una compleja trama que nos introduce en los personajes mediante montaje paralelo, en un puzzle que termina por ser una moraleja sobre las ambiciones del poder. Se basa en la novela "Clean Break" de Lionel White, que tiene la particularidad de romper la continuidad temporal como lo hace Kubrick en la película. Esa secuencia final en el aeropuerto con las maletas abiertas y los millones esfumándose con el viento, se cuentan entre los desenlaces más efectivos de la historia del cine.   

Los motivos que mueven a los personas de "Casta de malditos", provienen de la marginación social y del aislamiento del resto del mundo mientras se produce la planificación del atraco. Una mujer es la causante directa e indirecta del fracaso de toda la operación. En efecto, Sherry Peatty ( Marie Windsor ), mantiene relaciones con Val Cannon ( Vice Edwards ), al contarle lo que trama su marido, producirá el fatal desenlace de los miembros de la banda. De alguna manera, Kubrick cuela la idea de la ambición desmedida que choca con los deseos carnales, cuando "por la boca, muere el pez". El líder de la banda, Johnny Clay está magníficamente interpretado por Sterling Hayden.

"Senderos de gloria" /" Paths of Glory".  Adaptación de la novela homónima autobiográfica de Humphrey Cobb, que es también, una extraordinaria película anti militarista. Después de una larga guerra en las trincheras en 1916, el General George Broulard ( Adolphe Menjou ), del alto mando francés, encarga al General Paul Mireau ( George MacCready ) la suicida toma de una posición estratégica al Coronel Dax ( Kirk Douglas ), en un acto que fracasa estrepitosamente. Como represaria, eligen a tres soldados para juzgarlos a pena de muerte por cobardía. El Coronel Dax, que se encuentra a medio camino entre los dos escenarios en que se narra la historia, las sucias trincheras donde viven los soldados, y el lujoso castillo en que vive el alto mando , se yergue en defensor de los tres soldados sin llegar a impedir su fusilamiento. Película de fuerte sentido crítico, asimila su economía de recursos en función de una limpieza narrativa donde toda calza a la perfección. Soberbia fotografía de Georg Krause con largos travellings en las trincheras e intensos claroscuros en las tomas interiores del castillo. La película se rodó en Alemania - los interiores en los estudios de Geiselgasteig de Münich -,  para rentabilizar al máximo el presupuesto y para lejarse de los grandes estudios, ya que Kubrick sabía la bomba que estaba filmando. Sin duda, una grandiosa película que se atrevió a cuestionar el mando del poder castrense desde el objetivismo de un caso real. 

"Espartaco" /"Spartacus". Una de las películas más logradas del cine histórico sobre romanos. Se trata de una monumental adaptación de la novela de Howard Fast, y con guión de Dalton Trumbo ( que recuperó su sitial perdido por la cacería de brujas de McCarthy ), que sirvió a Kubrick para efectuar una magnífica reconstrucción histórica sobre el primer gran líder antiesclavista de la Roma imperial, que funciona como drama romántico, metáfora ideológica sobre el idealismo libertario y sobre la corrupción del  poder y crítica ácida sobre la maldad humana en tiempos convulsos. De fuerte aliento progresista, es un duro alegato sobre la dominación de los poderosos sobre los necesitados, y un cuadro humanista acerca de un héroe que se reconoce en sus fines, como un tipo fuerte, incorruptible, perfectible, valiente y guerrero, pero que en el fondo, asume el liderazgo de todo un pueblo con el temor a la pérdida de la memoria colectiva. Grandes actuaciones de un megaelenco, que incluye a : Kirk Douglas, Jean Simmons, Laurence Olivier, Charles Laughton, Peter Ustinov, John Gavin, Nina Foch, John Ireland, Herbert Lom y Charles McGraw. La película forma una opinión sobre la pasión del hombre por la libertad contra la opresión de los poderosos, que encuentra detractores e incondicionales y que supone un punto de inflexión en la brillante carrera de Kubrick.  

Sue Lyon en un retrato de la época.

"Lolita". A Kubrick no le bastó rodar "Senderos de Gloria o "Espartaco" para originar polémicas y encuentros críticos sobre su obra, cuando decidió llevar al cine la controvertida novela homónima de Vladimir Nabokov. Algunos todavía la consideran una adaptación tímida del original, pero en su exégesis, mantiene inalterable la sicología de sus personajes. El profesor Humbert Humbert (  James Mason ), es un escritor cincuentón que busca inspiración en la vida tranquila de una casa, cuya pieza arrienda a una mujer viuda ( Shelley Winters ) con una hija adolescente ( Sue Lyon ). La mujer queda prendado de él por su amabilidad y educados modos, aunque no sospecha que el maduro intelectual se ha enamorado de la pequeña. Kubrick maneja la pedofilia con extremada sutileza y le da un respiro a las suposiciones eróticas con metáforas inteligentes y efectivas, como cuando Humbert Humbert le pinta las uñas a la chiquilla. Hay además, un tratamiento semi policial en la huída de la pareja, luego que la mujer muere accidentalmente y que no le resta contundencia a la intriga pasional. Grandes actuaciones protagónicas, que completa Peter Sellers en una aparición mordaz y fatídica. El término "Lolita" caló  tan fuerte en la sociedad chilena, que desde este momento, a todas las chicas quinceañeras se les denomina "lolas", por esta controvertida película.     

En el set, Kubrick prepara una toma con la actriz Sue Lyon.

"Dr.Strangelove : Volamos hacia Moscú?"/ "Dr.Strangelove How I Learned to Stop Worying and Love the Bom". Farsa elemental pero brillante, que se mueve en los espesos márgenes de la probalidad de un holocausto nuclear de dimensiones apocalípticas. Peter Sellers está inolvidable en tres papeles consecutivos, aunque su mayor valor está en la astucia de Kubrick, para demostrar, que pasaría si algunas de las potencias apretaran el botón rojo. Kubrick lanza esta película como un desafío para enseñarnos la fragilidad de la seguridad de las potencias y de los servicios de espionaje, que se pueden venir abajo por la locura de un general. Es una película que habla sobre la rebelión de las máquinas y sobre el nulo control que existe sobre ellas. Nosotros nos olvidamos frecuentemente que las máquinas las manejamos los seres humanos, por lo tanto, el error podría originarse de una mala gestión operacional. Un dato curioso, Kubrick había pensado en terminar la película con una guerra de pasteles, pero desistió para mayor gloria del actor Slim Pickens, que montado en la bomba, grita como si se tratara de un corcel indomable en el rodeo, durante la secuencia final. 

"2001 : Odisea del espacio" / "2001 : A Space Odyssey".  Toneladas de tesis y estudios se han escrito sobre los significados metafóricos que tiene esta película capital de la ciencia ficción. Kubrick vuelve a demostrar que fue un cineasta innovador, que se adelantó a su tiempo, para recuperar uno de los géneros B más populares de los 50 y entregarle una madurez definitiva. Sin duda, se trata de una obra maestra, que en su complejidad asume el viaje constante por el cosmos de una identidad humana que muere y se reencarna para volver a nacer en otra dimensión. Cierto. Hay otras tramas básicas, desde un prólogo donde el hombre mono influído por la repentina presencia de un monolito negro descubre que un hueso puede ser utilizado como arma. Y el viaje a Júpiter de una astronave "Discovery" controlada por una computadora Hal 9000, dos astronautas y tres científicos hibernados, para averiguar a que corresponde la existencia de un monolito negro. Todas las claves de esta cerebral historia, hay que descifrarlas con el guión del especialista Arthur C.Clarke. Se destaca por su tremenda puesta en escena, sus grandiosos efectos visuales a cargo del experimentado Douglas Trumbull, la capacidad que tiene el Cinerama para adentrarnos en el cosmos, la novedosa utilización de la música con piezas de Aram Khatchaturian, Gyorgy Ligeti, Johan y Richard Strauss. Créanme que, si Kubrick no hubiese concebido  2001 no hubiéramos tenido después : La Guerra de las Galaxias, Viaje a las estrellas, Alien, Blade Runner,  y todas las demás películas que le sucedieron.     

Algunas viñetas con distintos planos de la películas.

Imagen icónica del protagonista de la película, interpretado por el genial Malcolm McDowell.

"La naranja mecánica" / " A Clockwork orange". Después del titánico esfuerzo que le significó rodar 2001, Kubrick se dió un espacio más cómodo para filmar esta adaptación de la novela homónima de Anthony Burgess. ¿ El resultado ? Una concisa, satírica, y transgresora película sobre la violencia juvenil de las pandillas y la ineficacia de los programas de rehabilitación, a partir de un supuesto tratamiento por shock audiovisual y torturas sicológicas. Gran papel para el actor británico Malcolm McDowell, en una producción que se rodó en exteriores en Thames-mead, un proyecto arquitectónico de Londres; una biblioteca de South Norwood, Oxfordshire, Chelsea y en la Universidad de Brunel. Uno de los aspectos más destacados de su película es el montaje, que le imprime un ritmo frenético y a veces febril. Kubrick recordó una vez durante una entrevista : "Cuando monto, trabajo siete días a la semana. Al principio, trabajo diez horas diarias, y después, según nos acercamos a la fecha de tope, generalmente me remonto a 14 o 16 horas por día". El maestro comprendía el gran rol que tiene el montaje en los resultados de una película. Valga su sacrificio, para apreciar mejor su gran obra.

"Barry Lyndon".  Los avatares de un joven irlandés ( Ryan O "Neal ), por escalar posiciones en la vida monárquica del siglo XVIII, sirvieron de material para esta hermosa y estilizada película histórica, basada en la novela de William Makepeace Tackeray, que tiene la facultad de remitir en su extraordinaria fotografía a las obras maestras de la pintura romántica y expresionista. Una clase magistral de sofistificación estética, que no elude un relato lleno de intensos momentos y escenas masivas para recrear las batallas terrestres. Kubrick se aseguró de utilizar el zoom como un elemento fundamental de su técnica, y creó un lente especial para lograr secuencias hermosas con velas encendidas en interiores. Es la película ideal para hacer clases de estética y fotografía, y aunque pueda parecer peyorativo, se trata de una obra monumental, finamente lograda y que marca el retorno del director a los relatos de época. Completan el reparto : Marisa Berenson, Patrick Magee, Hardy Kruger, Leonard Rossiter y Steven Berkoff.

La belleza fotográfica es uno de los "manjares" visuales que ofrece la película.

Kubrick en un momento del rodaje en exteriores de la citada producción.

"El Resplandor" / "The Shining". Un paréntesis terrorífico llevó a Kubrick a insistir que él ante todo, es un director con una voz original. Sobre una novela del especialista  Stephen King, se dió a la tarea de supervisar al gran Jack Nicholson, para que interpretara a un escritor, Jack Torrance, que acepta el puesto de vigilante invernal en un enorme hotel de montaña, donde tendrá la tranquilidad suficiente para escribir un nuevo libro. Después de recoger a su familia, su mujer Wendy ( Shelley Duvall ) y su hijo Danny ( Danny Lloyd ), se trasladan al hotel para descubrir que Danny tiene una extraña facultad de comunicarse telepáticamente y adelantarse a los hechos sangrientos. Lo que viene después, es una metáfora contundente a la locura en clave fantasmal. Kubrick ensayó  todas las escenas más escabrosas con los actores en el set, y utilizó la "steady camp" que fue una innovadora manera de integrar al espectador en las secuencias más terroríficas, como cuando el escritor persigue a su hijo y a su madre en un laberinto nevado.         

Jack Nicholson observa la maqueta del laberinto donde se producirá parte del desenlace.

El actor de color Scatman Crothers es el cocinero Halloran, que enseñará a la madre y al chico, las habilidades que éste último tiene para mostrar ese "resplandor" de su subconciente.

"Nacido para matar" / "La chaqueta metálica"/ "Full Metal Jacket". Otro gran relato bélico sobre la novela de Gustav Asford, que Kubrick aprovecha para demostrar la futilidad de los conflictos humanos. La sicosis de la guerra, su elixir sangriento, la ambigüedad del sacrificio y las coordenadas que mejor definen al humanista que fue Kubrick, caracterizan esta obra modélica que vuelve a adentrarnos en las misiones suicidas de un puñado de marines, con la rúbrica técnica que tanta satisfacción dió al cine el notable realizador. Un trabajo meritorio que cuenta con la actuación de R.Lee Ermey en su papel de un sargento absolutamente detestable, y los jóvenes Matthew Modine, Adam Baldwin, Vincent D"Onofrio, Dorian Harewood y Arliss Howard.   

 

"Ojos bien cerrados" / "Eyes Wide Shut". Adaptación de la novela de Arthur Schnitzler, que significó el regreso de Kubrick al cine después de más de una década de abandono, y paradójicamente, su despedida, ya que falleció días después de su estreno. Tom Cruise y Nicole Kidman que eran matrimonio en aquella época, se integran en un via crucis infernal, por un mundo corrompido que se mueve en función de los intereses y las ambiciones del poder de una secta nunca especificada pero sí muy bien sugerida. Se trata de un excelente thriller, lleno de luminosidad que a medida avanza la trama macabra, se abre a las atmósferas más oscuras e inquietantes. También es una metáfora sobre el Amor como única defensa en un mundo sombrío y artificial. Una obra maestra donde Kubrick transmuta todos los valores de una sociedad desarrollada, que imita mucho al imperio romano en tiempos del Emperador Caracalla. Notable.    

Artesanos Eficaces.


____ La segunda entrada de este capítulo, tiene como motivación el recuerdo de viejas películas de matiné y algunos estrenos recientes de directores que han validado su trabajo, con oficio e inteligencia  siguiendo los patrones más categóricos del cine evasivo. 
También están los que, con escasos medios pero con gran talento, han logrado efectuar grandes obras. Aunque también se dan excepciones, todos ellos son artesanos que han logrado una carrera en base a películas contundentes manufacturadas desde la orilla del frente o en las unidades secundarias de los grandes estudios hollywoodienses.

Charles Vidor ( 1900- 1959 ). Director, productor y guionista de ascendencia austríaca, que trabajó en Hollywood en la época dorada, y que es conocido principalmente por el clásico romántico policial "Gilda", sobre el relato de E.A. Ellington y con la despampanante Rita Hayworth y el elegante Glenn Ford. Intentó repetir el éxito con "Los amores de Carmen", pero fue en vano. Además, por ahí, tiene otra película inolvidable con Rita, el musical "Las Modelos" donde  demostraba su pericia para narrar con eficacia y lograr cautivar con escenas de exquisita plasticidad. Artesano de la Columbia Pictures, se mantuvo activo por más de treinta años gracias a películas como : "El Cisne" y al remake de "Adiós a las Armas", hasta su despedida con el drama musical "Song Without End" estelarizado por Dirk Bogarde y Capucine. 

"Gilda ". Considerada la representante más característica de las "femme fatales" del cine de todos los tiempos, es sobretodo, cine negro cuyos aspectos pesimistas son representativos del clima angustioso de la post guerra. Imposible olvidar a Rita Hayworth que cantó con voz prestada : "Put The Blame on Mame" y "Amado Mío", y que se quitó un guante con notoria provocación, en el que hoy es considerado, el primer streap tease de la historia del cine, sugerido con este particular objeto. Y claro, está esa bofetada inolvidable a Glenn Ford que fue muy comentada y sublime para los designios del género.

Elliot Nugent ( 1896- 1980 ). Director y guionista del cine norteamericano, que comenzó como actor y siempre hizo de "el loco" dentro de los cánones de su época, para culminar realmente así, ya en plena vejez. Su cine, sin embargo, es comercial y efusivo. Debutó en 1932, para alcanzar a dirigir 32 largometrajes hasta 1952, especializándose en la comedia romántica. Su película más famosa, fue la primera versión sonora de "El Gran Gatsby" , sobre la novela de Francis Scott Fitzgerald, "un filme curioso y poco conocido en el que Alan Ladd, en un cambio de su arquetipo habitual, interpreta a Gatsby, que intenta a recuperar su amor perdido". Algunas de sus otras películas que hay que considerar son : "Splendor" con Miriam Hopkins y Joel McCrea, "Enter Madame" con Cary Grant y Ann Sheridan y la remake de "El Gato y el Canario" con Bob Hope y Paulette Godard, "un clásico del género gótico, ya llevado a la pantalla por Paul Leni, y ahora remozado en honor a la fórmula terror-comicidad, tan en boga por aquellos años". 

"El Gran Gatsby". Una rareza por redescubrir, con Alan Ladd echando al tacho de la basura su arquetipo de policía taciturno, para encarnar a este millonario en la búsqueda de su amor perdido. Leonardo Di Caprio tiene que haber visto esta versión, porque imita muchos de los gestos de Ladd, y sin duda, es una deliciosa manera de valorar al olvidado Nugent, que tenía una elocuente manera de dirigir y vigorizar el material literario que cayera en sus manos. Con Betty Field, que años después reaparecería convertida en la madre de Kim Novak en "Picnic", el recio MacDonald Carey, la bella Ruth Hussey y la notable Shelley Winters.

 

Irving Pichel ( 1891- 1954 ). Actor , director y productor americano, graduado de la Universidad de Harvard, que comenzó su carrera como intérprete de 68 películas ( "Oliver Twist", "Spanky", "Martin Lutero" ), y debutó en tareas propias de la dirección, con la notabilísima "El malvado Zaroff"/"The Most Dangerous Game" , codirigida con Ernest B.Schoedsack ("King Kong"), una fantaciencia acerca de un aristócrata que se dedica a hacer naufragar todos los barcos que cruzan por su isla, para planificar una cacería de los sobrevivientes. Pieza dorada del cine fantástico, Pichel se llegó a especializar en este género, dando muestras de su oficio en películas como : "Destino a la luna"/"Destination Moon", que presenta desde un tópico casi documentalista, la probabilidad de efectuar un primer vuelo tripulado a la luna. Para los cinéfilos, Pichel además codirigió con Lansing G.Holden, esa joya recién recuperada que es: "La diosa de fuego"/"She", sobre el relato homónimo de Rider Haggard, que transcurre en el Himalaya donde una expedición descubre una civilización perdida regentada por una mujer que mantiene en secreto la fuente de la eterna juventud. También añade otras películas por considerar : "Domador de Sirenas"/"Mr.Peabody and the mermaid"; "El Milagro de las Campanas"/"The Miracle of the bells" y la encantadora "The Pied Piper" interpretada por niños.  

"Destino a la luna" /"Destination : Moon". Todavía impresiona la magnificencia de sus escenarios, y la descripción objetiva que tendría la preparación de transportar hombres a la luna. Es tal su rigurosidad científica, como su exquisitez estética que juega con los colores básicos para transcribir el aliento documental de un supuesto científico espacial. Se agrega la intervención de "El Pájaro loco" de Walter Lantz, en un didáctico corto animado, y el guión de Robert A.Heinkin, uno de los más afamados y polémicos escritores de ciencia ficción, para subrayar el encanto de los efectos especiales del magnífico George Pal. Algunos le atribuyen el nacimiento de la ciencia ficción en el cine como género individual. 

 

Arthur Lubin ( 1898- 1995 ). Director y productor del cine norteamericano, graduado del "Carniege Tech", que entró al cine como actor en la década de los años veinte del siglo pasado, antes de dedicarse a la realización, cuando debutó en 1934 para una comedia de la Universal. Trabajó en 76 producciones para el cine y la televisión, manteniéndose activo hasta principios de los años setenta. De todas sus obras sobresalen : "El Fantasma de la Opera", la primera versión en color que considera elementos melodramáticos y musicales; "Ali Babá y los cuarenta ladrones" /"Ali Baba and the Forty Thieves", un clásico del camp con la inolvidable María Montez y "El ladrón de Bagdad" hecho para mayor gloria del fisico culturista Steve Reeves. También para el cine efectúo cuatro películas de "Mr. Ed" el caballo parlanchín, actividad que continuo efectuando en la serie de televisión que se hizo del personaje equino. Como dato curioso, fue el primer director que desnudó a Maureen O"Hara para la película de aventuras "Lady Godiva", claro que la actriz irlandesa estaba convenientemente ataviada con unas tules de color carne. 

"El Fantasma de la Opera"/"The Phantom of the Opera".  Gran clásico del cine Universal de terror. Una mezcla de drama y comedia musical para mayor lucimiento de los cantantes líricos Nelson Eddy y Susanne Foster. Estupenda recreación del Lido de París, en un plató que todavía existe y que son parte del tour por los estudios hollywodienses. Aunque el que se roba la película, es el pequeño gran actor inglés Claude Rains, que se lo pasa media película con una máscara para ocultar su horrible deformación producto de un accidente.  Bellísimo empleo del technicolor.

Joseph H.Lewis  ( 1907- 2000 ), dirigiendo a Glenn Ford. Admirado y reverenciado por los críticos franceses, Lewis se constituyó en una gran revelación del cine B, que utilizó "un complicado estilo visual " - como sugería el crítico Andrew Sarris- , para revitalizar el cine policial. Debutó en 1937, y desde entonces, se transformó en un paradigma del cine barato. Tanto en la Universal como en United Artist, aprovechó al máximo los pocos medios con que contaba, para sacarle brillo y sustancia a los relatos de terror, en la onda de "The Invisible Ghost" o "The Mad Doctor of Marked Street" y a las intrigas policiales  como "So dark the night", "The Undercovered  Man" , "My name is Julia Ross" o "The Big Combo". Su obra maestra es "El demonio de las armas" /"Gun Crazy", estudio complejo sobre la violencia, el sexo y el crimen.  

"El demonio de las armas" /"Gun Crazy". "Rodada en 30 días por 450 mil dólares de la época, no sólo es la mejor película de Joseph H. Lewis, sino un ejemplo de ritmo, eficacia narrativa , austeridad y solvencia actoral. La historia de dos descarriados que viven del robo, se alimenta del misticismo de "Bonnie & Clyde" para repercutir en la conciencia del espectador, por su innovadora forma de mostrar las escenas de asaltos y las metáforas alusivas a las pistolas y al sexo. Brillantes diálogos llenos de picardía y arrebatadores momentos desde la introducción contando la infancia del protagonista, aseguran sus espléndidos resultados. OBRA MAESTRA DEL CINE B.
 

Dorothy Azner ( 1897- 1979 ). Considerada la única directora de cine en los años treinta, que se mantuvo en activo en Hollywood, comenzó como script girl para sucesivamente derivar a editora, llegando a trabajar con James Cruze en "La Caravana de Oregon" /"The Covered Wagon". Debutó en la Paramount como realizadora con una modesta película "Fashions for Men" ( 1927 ), y consolidó su fama con dos películas en la Era del Jazz, "The Modern Commandments" y "Get Your Man", ambas de 1927. En el período sonoro, su prestigio creció gracias a películas como "Hacia las alturas" / "Christopher Strong" ( 1933 ) con una jovencísima Katharine Hepburn y "Dance girl, dance" ( 1940 ), una ácida denuncia sobre el manejo oscuro del music hall con Lucille Ball. En 1943 abandonó Hollywood y sólo volvió para dirigir películas de entretenimiento para las mujeres de la Armada.

"Hacia las alturas" / "Christopher Strong". Un gran melodrama épico sobre una pionera del mundo de la aviación."Segunda película de Katharine Hepburn, y su primer papel protagonista. Un melodrama tachado en su día de feminista, dirigido con solvencia por la Azner, que se centra en la vida de la aviadora pionera Cynthia Darrington, una valiente piloto que batía récords en el mundo de la aviación, y que se enamoró perdidamente de un hombre que no podía tener. El porqué su título -original- lleva el nombre de él y no de ella sigue siendo hoy un misterio, pero en cualquier caso, hará las delicias de la legión de fans de la insuperable actriz".

Ronald Neame ( 1911- 2010 ). Un gran experto en cine de terror, fantástico y catastrófico. De origen británico, comenzó en los estudios Rank, para transformarse en un buen narrador cuando estaba frente a actores de la talla de Alec Guiness, con el que rodó "The Card" ( 1952 ), "The Horse"s Mouth" ( 1958 ) y "Tunes of Glory" ( 1960). Sin embargo, sería conocido más bien por películas comerciales efectuadas en Hollywood, en el estilo de "La aventura del Poseidón".

"La Aventura del Poseidón" /" The Poseidon Adventure". Cuando las películas catástrofes estaban de moda en la taquilla del cine norteamericano de los 70, Neame efectúo esta entretenida aventura naútica, con los sobrevivientes de un naufragio intentando salir adelante en un barco que se ha volcado y que está hundiéndose en alta mar. Hay suspenso, excelentes FXs, y claro, un superestelar elenco con : Gene Hackman, Ernest Borgnine,Red Bottoms, Carol Lynley, Shelley Winters, Roddy McDowell, Stella Stevens y Eric Shea. 

 

Norman Taurog ( 1899- 1981 ). Fue un gran artesano al servicio de la industria, que ejecutaba como pocos, la fórmula del cine comercial de buenas intenciones. Si bien su carrera esta plagada de películas por encargo, no es menos justo atribuírle a Taurog, los asombrosos resultados logrados en : "Las Aventuras de Tom Sawyer" ( 1938) sobre el clásico literario de Mark Twain; y el díptico sobre el hogar de niños creado por el Padre Flanagan que integran : "Con los brazos abiertos"/"Boys Town" ( 1938 ) y "La Ciudad de los muchachos"/"Men of Boys Town" ( 1941). La carrera de Taurog también está asociada a algunas de las mejores películas de la dupla Jerry Lewis y Dean Martin, y nueve de las aventuras que tuvieron al famoso rockero Elvis Presley, en las carteleras de cine de todo el mundo. También dirigió un excelente musical "Broadway Melody of 1940" con Fred Astaire, y el biopic "El joven Edison" /"Young Tom Edison", con un Mickey Rooney en pleno apogeo de su popularidad.

"Con los brazos abiertos"/"Boys Town" y "La ciudad de los muchachos"/"Men of Boys Town". Excelente díptico que cuenta la historia del padre Flanagan en sus esfuerzos por dar a los niños y jóvenes necesitados un techo, comida y hogar. El pequeño gran actor, comediante y cantante Mickey Rooney hace las delicias junto al inconfundible Spencer Tracy, y los niños prodigios como Bobs Watson que hizo de "Pee Wee" se roban algunas secuencias dramáticas con gran emoción. Una historia que patentó el trabajo social como esfuerzo desde la Iglesia cercana a la comunidad, y que en nuestro país replicó con gran éxito, San Alberto Hurtado. Grandes películas para incentivar la solidaridad con los niños y jóvenes de la calle. 

W. S.Van Dyke (1889- 1943 ). Trabajó como minero en Santa Rosalía, y ejerció como periodista hasta que se convenció que su vida estaba en el cine. Fue ayudante de Griffith en "Intolerancia". Debutó en 1917, trabajando toda su vida para la MGM. Se le apodaba "Una toma" por su rapidez para rodar, siempre evitando repetir las escenas y ajustándose fielmente a los presupuestos. Como los pioneros, abordó casi todos los géneros populares, pero fue especialmente efectivo en los relatos de aventuras del estilo "Sombras blancas" ( 1929) y "Tarzán de los monos" ( 1932), y en dramas como "San Francisco" ( 1936) y "María Antonieta" ( 1938), musicales como "Rose Marie"( 1936 ) y "Bittersweet" ( 1940 ) y westerns de dos rollos. Tiene una filmografía contundente que considera 91 películas. 

Con Maureen O"Sullivan y Johnny Weissmüller en el set de "Tarzán, el hombre mono"/"Tarzan the Ape Man". El primero de los TARZAN con Johnny Weissmüller sobre el relato de Edgar Rice Burroughs, se destaca por su economía de recursos ( se utilizaron varias tomas de descarte de "Trade Horn", película que rodó en 1930 en auténticos parajes africanos, y algunas tomas de documentales  ), por su atmósfera de exotismo que para la época resultó todo un hallazgo visual, y la magnética química que hay entre Weissmüller y la bellísima Maureen O"Sullivan, que aparece con taparrabos muy erótica. Sin duda, una obra clave del cine de aventuras de los años treinta.

Con Clark Gable en el set de "Manhattan Melodrama".

Filmografías Seleccionadas.

 

Howard Zieff ( 1927- 2009 ). Películas más destacadas : "La pícara recluta"/"Private Benjamin"; "Mi primer beso" /"My Girl".

"Mi primer beso" / "My Girl". Inolvidable y nostálgica comedia llena de éxitos músicales setenteros y con el prodigioso Macaulay Culkin en un papel que termina trágicamente para desdicha de sus fans.

 

John Badham ( n.1939 ). Del cineasta inglés destacamos : "Fiebre de sábado por la noche"; "Drácula"; "Relámpago Azul" y "Encima de la hora"/"Nick of Time".

"Fiebre de sábado por la noche" /"Saturday night fever". Icono de la cultura disco de fines de los setenta y principios de los ochenta, la música de "The Bee Gees" y Tavares, el afán chulesco de John Travolta por alcanzar el podium de los mejores bailarines de la disco, el drama del amigo que no fue atendido lo suficiente por la pandilla juvenil, el amor entre el protagonista y la chica autosuficiente, fueron acciones imitadas mil veces en cintas posteriores. Una película que es un referente de la cultura pop de esos años. 

 

Carroll Ballard ( n. 1937 ). Director ecologista por autonomasia, es el más perfecto artesano de cierta clase de cine con niños y naturaleza. Su obra maestra es "El Corcel Negro" producida para Francis Ford Coopola, pero algunos prefieren la aventura de supervivencia "Los lobos no lloran". Es elm autor de "Volando a casa" y "Duma", donde insiste en su temática predilecta, ambas rodadas en escenarios naturales.

"El corcel negro" / "The black stallion". Obra mayor del cine con niño, que es un relato de época sobre los abruptos cambios que debe vivir un muchacho ( Kelly Reno ), el caballo árabe que le rescata de la muerte después de sufrir un naufragio donde muere su padre, y su posterior reinserción social, ahora como jinete entrenado para ganar el Derby por Mickey Rooney, retomando su papel de "National Velvet".

 

Walter Hill ( n.1942 ). Productor, guionista y director del cine norteamericano, un experto en relatos de acción y violencia. Debutó como realizador en 1975, y sus mejores obras parecen sugerir las consecuencias de la violencia como respuesta a situaciones marginales o accidentales. Se destacan : "The Warriors"; "Cabalgata Infernal", "48 Horas" y "Will Bill".

"Cabalgata infernal" / "The long riders". En la época de la casi extinción del género madre,el western épico, Hill hizo esta activa y rápida película de cowboys con suficiente mordiente como para asegurar el éxito que tuvo en las taquillas. Junto a un puñado de actores y hermanos : David, Keith y Robert Carradine; James y Stancy Keach y Dennis y Randy Quaid.

Daniel Petrie ( 1920- 2004 ). Realizador canadiense que resaltó por películas como : "Cocoon: el regreso", "Rocket Gibraltar" ( una joyita que hay que redescubrir ) y la nueva versión moderna de "Lassie". Su hijo Daniel Petrie Jr, le sigue los pasos.

"Lassie" ( versión 1994 ). Nueva versión que puso de moda la película con animales caninos. Lassie es la perra mascota que vive una aventura en la familia de un chico algo marginal ( Tom Guiry ), cuya familia intenta rearmar su vida laboral criando ovejas. Amenidad y buenos sentimientos para una película que se disfruta como sano entretenimiento.

David Mickey Evans ( n. 1962 ). Comenzó en el cine con la emotiva "Vuelo a la libertad" /"Radio Fly" ( 1992 ) rodaje que dejó para Richard Donner. Su debut con "La Pandilla" obedece a su amor por el beisbol, un éxito familiar que le permitió abordar una secuela para el video en el 2005. Su película "First Kid" con un chico habitando en la Casa Blanca, le aseguró ser un artesano eficaz en películas comerciales de espíritu familiar. 

"La Pandilla"/"The Sandlot".  Un aventura familiar en onda veraniega con una pandilla de beisbolistas de barrio, que se las ingenian para aprender los secretos de este noble deporte con la ayuda de un viejo entrenador. Diversión infantil comprobada.

Ilustres Desconocidos.

___ La tercera y última entrada considera el trabajo de realizadores de países lejanos, que por su distancia geográfica o porque tienen una breve filmografía , son prácticamente unos desconocidos por estos lados del mundo, pero que sin duda, cuentan con obras realmente interesantes. Sólo por ello, merecen este capítulo que los considera con algunas de sus obras más representativas.

Rachel Perkins ( n.1970 ). Directora, productora y guionista del cine australiano, que ha escudriñado en su propia historia a partir de relatos que manifiestan un apego a la tierra, a las aventuras sorprendentes y a la vida natural. Su cine conecta las raíces aborígenes y los problemas raciales con la realidad actual, sin dejar de lado, el drama de la integración y el discurso preservacionista. Ha hecho cuatro largometrajes de ficción, un documental y algunos telefilmes, y este año estrena "Jesper Jones", su última película acerca de un caso policial real en que se ve involucrado un muchacho de ascendencia aborigen con uno de orígenes blancos. 

"Jesper Jones". Por el momento, esta interesante película la conocerán primero los australianos. De alguna manera, están considerados las inquietudes temáticas de su joven realizadora, siempre interesada en valorar lo autóctono y local. El relato tiene como personaje central a Charlie Bucktin ( el genial Levi Miller ), un niño de 14 años. La noche en que Jasper Jones, el marginado de la ciudad, le muestra el cadáver de la joven Laura Wishart, la vida del adolescente cambió para siempre. Encargado de este secreto y creyendo que Jasper es inocente, Charlie se embarcará en un peligroso viaje para encontrar al verdadero asesino. Sobre las calurosas vacaciones de verano de 1965, el muchacho derrotará a los racistas locales, se enfrentará a la ruptura de sus padres y vivirá su primera aventura cuando descubra lo que significa verdaderamente ser muy valiente. En su trayecto se cruzará con un hermoso can que le hará la vida más placentera.

El actor Levi Miller y el hermoso ejemplar que le acompaña por los parajes australianos.

Matt Ross (n. 1970 ). Director y guionista del cine norteamericano, que comenzó como actor en películas de interés como : "Psicópata Americano" y "El Aviador". Su breve carrera detrás de las cámaras, incluye dos cortos desde que debutara en 1997, y dos magníficos largometrajes : "28 Hotel Rooms", desarrollada alrededor de un novelista, su trabajo y su relaciones íntimas; y la estupenda "Captain Fantastic", que se estrena a fines de mes en Chile.

"Capitán Fantástico" /"Captain Fantastic". La crítica internacional  la cataloga como una obra imprescindible, desde que se revelara en el último Festival de Cine Independiente de Sundance. De alguna manera, y sin adelantarnos al eminente estreno en Chile, es una película que según cuentan, le sigue los pasos a "La Costa Mosquito" en su discurso transgresor y su parábola contingente. Una familia renuncia a su vida cómoda y conformista por una vida natural a riesgo de perder el orden familiar debido a la ausencia de una madre que está grave y enferma. El actor Viggo Mortensen junto a seis niños actores de excepción completan un elenco que está a la altura del relato. Ya la descubriremos en salas de cine.   

Gareth Edwards ( n. 1975 ). Según algunos críticos, este joven realizador inglés se ha transformado en el sucesor de Lucas y Spielberg, por su manera de enfrentar proyectos ambiciosos y resucitar viejos éxitos con una mirada evasiva muy original. Estudió Arte en la Universidad de California, y trabajó en Discovery Channell y la BBC como un experto en efectos especiales generados por ordenador. Sus filmes favoritos, revelan la fuerte inclinación que tiene por los relatos de fantasía, ya que le gustan : "La Guerra de las galaxias", "Encuentros Cercanos", "Apocalipsis , ahora" y "Perros de la Calle". Debutó en el 2005 como director con el telefilme "End Day", para pasar al largometraje de cine con la innovadora "Monsters", que tenía a su favor, un relato cohesionado que no descuidaba la sicología de sus personajes y un suspenso muy efectivo. Después efectuaría la remake de "Godzilla" y la nueva saga de Disney / Lucas, que se estrenó recientemente con "Rogue One: una historia de Star Wars.

"Rogue One : una historia de Star Wars". La prueba fehaciente de lo universales que pueden llegar a ser los personajes creados por George Lucas. Esta derivación de Star Wars, tiene a su favor, la remarcación de la épica del heroismo, tema que subraya las acciones sobreexplotadas en las sagas originales. Todos los personajes anteceden las características genealógicas de la Princesa Leia, Luke Skywalker, Han Solo y Darth Vader, para prorrogar la mitología de estas colosales historias desarrolladas más allá de estas galaxias lejanas. Imprescindible para los fans de los cuentos originales de Lucas.

 

Fotos y Reseñas- Gentileza : 20 th. Century Fox- Metro Goldwyn Mayer- Paramount Pictures- Universal Pictures- RKO Pictures- Variety- Cahiers du Cinema- Singh & Sound- Film Comment- Cinemanía- Europa Press- Life- Pathé Journal- Entertainment Weekly- Film Ideal- British Films- Paris Match- Svenka- Fangoria- Cine Fax- Premiere- Australian Network- The Hollywood Reporter- Esquire- Fotogramas- Nickelodeon- Cinestrenos- Cinerama- Enfoque- Cinegrama- Primer Plano- Toma- Empire- Godard- Acción Cine y Video- Time- Vogue- Vanity Fair- Elle- Interviú- The New York Times- Los Angeles Times- Cien Años Claves del Cine- Diccionario Espasa Cine- Obras Maestras del Cine Mudo- 1.000 Películas que hay que ver antes de morir- Las Mejores Películas de Todos los Tiempos- Diversos Estudios de Directores y Filmografías Específicas- Monografías y Bibliografías Cinematográficas- Archivo.-

Ilustración de Hunter Schultz para esta gráfica digital que renueva el afiche original de la película de Stanley Kubrick.

Afiche original de "Uvas de Ira" de John Ford.

Portada original revista LIFE con el estreno de "Los pájaros" de Alfred Hitchcock.

Poster de la película inacabada de Sergei Eisenstein.

Afiche de "Viaje a la luna" de George Meliés.

"Buenos días" de Yazujiro Ozu.

"El séptimo sello" de Ingmar Bergman.

Poster en japonés de "Persona" de Bergman.

La película de Stanley Kubrick de largo título en inglés.

La contraparte sugerido por los diseñadores, ahora para "El Resplandor".