OFICIO DEL CINE : EL PRODUCTOR- II PARTE.

Entre la épica, el glamour y el terror clásico.

Marilyn Monroe, fue la diosa del amor y el mito más grande que creó Hollywood, al amparo de la 20th.Century Fox. Acerca de sus películas para el productor Darryl Zanuck, recomendamos algunos títulos verdaderamente entrañables.

____ Como vislumbramos en el primer capítulo de esta trilogía, la Era de los Grandes Estudios en Hollywood se caracterizó, por la originalidad con que cada propietario producía sus propias películas.
No había mayor distinción, que la desarrollada por un magnate. 
Cada major tenía un sello, según quien la dirigiese. 
Cada barco tenía un capitán. Y cada nave, un emblema personal que arrojaban sus películas.
Muy afortunado fue el legendario productor Adolph Zukor, que entendió el rol de la fotogenia, porque desde allí habría de instituírse la magia que provocan en las personas, las distintas tipologías de los actores y actrices que trabajan en el medio. 
Esta capacidad lúdica de representar la belleza, el talento y la personalidad, vino a fomentar el star system como la nutriente, desde el cual, habría de erigirse toda la industria del cine norteamericana y mundial.
Si Paramount Pictures fue la empresa que valoró el rol de los directores y MGM el de los productores; entonces la Warner Brothers se contentó con atisbar, la importancia capital del montaje.
Es bien sabido, que la Paramount fue un estudio perfecto para representar el glamour y la sofistificación a través de sus comedias de alcoba; que la Metro acaparó para sí misma, los éxitos de Broadway en brillantes comedias musicales, y en fin, que la Warner se solidificó como experta en thrillers y películas policiales, por su osadía de atisbar su material en los titulares de los diarios.
A estas tres compañías, habrían de unírseles:  "20 th.Century Fox", "Columbia Pictures" y "Universal Pictures", las cuales también cimentaron un estilo singular, que nos interesa descubrir en esta segunda entrada dedicada a los productores. 
¡¡¡¡ Bienvenidos a la magia que traen las películas de siempre !!!!


20th.Century Fox :
La mirada histórica y rural.

El logotipo corporativo.

Darryl F. Zanuck, el poderoso productor del estudio.

 

Las estrellas de la Fox ( primera fila ) : Ann Blyth, Virginia Field, Tony Curtis y Loretta Young; ( segunda fila ) : Maureen O"Hara, Stephen McNally, Julie Adams, Ronald Reagan y Barbara Stanwyck; ( tercera fila) : Jeff Chadler, Marjorie Main, Rock Hudson y James Stewart ; ( cuarta fila) : Piper Laurie, Victor Mature y un productor no identificado.

Janet Gaynor, una de las actrices emblemáticas de la última etapa silente y primera era sonora en Fox.

___ Una de las empresas emblemáticas del viejo Hollywood fue la Fox, que comprendía dos estudios individuales, y que según la época, hacía referencia al papel valioso del productor.
Por un lado, estaba Fox Film, una antigua firma de Hollywood supervisada por William Fox, que trabajaba con presupuestos medianos, con estrellas de segunda fila y una estética conservadora. 
Tenía algunos éxitos, sin ser trascendentes para su desarrollo.
Por otro, estaba la Twentieth Century Fox, el estudio de William Fox fusionado con el independiente Darryl F.Zanuck, preparado para la alta exigencia, o sea, producciones de largo aliento, de costosísima inversión económica, técnica y profesional, con estrellas taquilleras y una estética conservadora, que se turnaba a veces, con temas de un aire contestatario y de abierta crítica social. 
La diferencia entre los dos períodos, fue reflejo de la importancia que tuvo el magnate que la dirigió.
En la primitiva Fox, había espacio para copiar a otros, los ciclos periódicos, "explotando a la estrella potencial mientras no resultara demasiado cara y luego reemplazándola; entendiendo el cine como un medio de difusión cultural, no porque tenga valor social, sino porque es un buen negocio".
¿ Qué identifica a la Fox desde sus primeros años de vida ?
El aire rural, las tradiciones del campo, los relatos originados en la gente común que habita lejos de los radios urbanos y el héroe folclórico que aparece en la historia americana como mito desde su propio origen.
No es extraño entonces, que la Fox en sus etapas posteriores, diera mucha cabida a personas nacidas en los ambientes rurales y pueblerinos como los directores :  John Ford, Henry King, Henry Hathaway y Frank Borzage : guionistas como Nunally Johnson y Dudley Nichols y al productor Darryl Zanuck. 
Respecto a sus estrellas, la Fox las prefería cercanas al espectador medio.
Apunta  Ethan Mordden en su célebre libro sobre "Los Estudios de Hollywood" :
___" Observamos que las estrellas de la Fox casi nunca fueron del tipo encantador, ya que la Fox las prefería atractivas pero sin complicaciones, como las grandes atracciones del finales de los años veinte y principios de los años treinta, Janet Gaynor y Charles Farrell, ella bonita y él guapo, como devotos de un club elegante más que como estrellas de Cine".

George O"Brien y Janet Gaynor en medio del imponente escenario del drama: "Amanecer" ("Sunrise", 1927) dirigidos por F.W.Murnau.

O"Brien en brazos de Margaret Livingstone, la vamp de la ciudad.

Janet Gaynor vestida como el personaje de la clásica película Fox.

El costoso escenario que simula la gran ciudad de la película.

____ A la Fox le interesaban muchísimo los tipos rurales y los cuentos desarrollados entre paisajes bucólicos y la naturaleza agreste. 
La gente del campo y sus tribulaciones, eran sus motivaciones argumentales favoritas.
Y eso, a pesar de las glamorosas apariciones de sus vampiresas.
Puede que haya sido un accidente feliz, cuando ambas tipologías confluyeron en : "Amanecer" ("Sunrise", 1927) del director alemán Fredrich Murnau, considerado uno de los mayores clásicos silentes.
El fornido hombre de campo George O"Brien, no puede engañar a su esposa la dulce Janet Gaynor, pese a la libidinosa aparición de la vamp de la ciudad, interpretada por Margaret Livingstone. 
Murnau mandó a construír el escenario más grande que recuerda Fox, y que incluyó una ciudad art decó completa y un pueblito junto a un río.
"La creación del espacio fílmico, el magistral empleo de la profundidad de campo, y la agilidad en los movimientos de cámara, confieren a la película una estética irrepetible".
Es una obra maestra absoluta, que afianza el uso de los efectos visuales, gracias al aporte del experto Frank Williams, "que permite añadir diferentes decorados a escenas filmadas previamente sobre fondos en blanco o negro".
En su primera ceremonia de la entrega de los Oscar, esta película recibió las estatuillas doradas reservadas a Mejor Actriz, Fotografía y Producción.

Will Rogers : actor clave de la Fox en los albores del sonoro.

Acompañado por Shirley Temple, cuando ambos eran las estrellas taquilleras de la casa productora.

En "El Juez Priest" con Stepin"Fetchit.

"Steamboat round the bend" con Anne Shirley.

Henry Fonda en "El Joven Lincoln".

 
___ En los albores del sonoro, la Fox se contentó con producir el noticiero Movietone y algunos ocasionales efectos musicales, para después asumir remakes de otros títulos rurales como : "Rebecca of Sunnybrook Farm" ( 1932), "Way Down East" ( 1935) y "The Farmer Takes aWife" ( 1935 ).
Fue la casa ideal para las aventuras de los actores Will Rogers y Henry Fonda.
Rogers alcanzó una popularidad consistente y era particularmente idóneo para interpretar a hombres probos, cultos, astutos y sagaces.
John Ford le sacó el jugo a su arquetipo en "Dr.Bull" ( 1933) ; "Juez Priest"  ("Judge Priest", 1934) y "Steamboat Round the Bend" ( 1935).
En "Dr.Bull" se obstina en mantener la ética como médico rural cerca de Connecticut, luchando contra las pequeñas enfermedades, las malas lenguas de la población y la epidemia que azotará de imprevisto a toda la comarca.
En "Juez Priest" le sigue el curso a los esfuerzos de un abogado en los tribunales, por salvar a un soldado de la muerte inminente recordando sus proezas en la Guerra de Secesión.
En "Steamboat Round the Bend", Rogers interpreta a un viejo doctor que adquiere un vapor fluvial en el que cobija a su sobrino falsamente acusado de asesinato, mientras busca por el río a los verdaderos culpables. 
Esta película tiene una secuencia antológica, que se desarrolla en torno a una competición de barcos fluviales y que Ford acentuó con un notable uso del montaje.
También hizo "La feria de la vida" ("State Fair", 1933) de Henry King, donde deja espacio para los ritos, la amistad, el amor y la recreación histórica.
De alguna manera "la Fox busca reafirmar la experiencia pública personal". Y lo hace con exquisitos resultados.
El caso del actor Henry Fonda, es muy diferente. 
Simplemente, porque odiaba la Fox y se las ingenió para estar constantemente en préstamos a otros estudios, aunque interpretó muchos personajes simbólicos, el mayor de los cuales fue para John Ford, como "Abraham Lincoln" en "El Joven Lincoln" ("Young Mr.Lincoln", 1939), una épica prodigiosa llena de candor, humanismo y poesía.
Todavía se le recuerda por el uso de la música y de los espacios abiertos, aunque yo la recomiendo de veras, porque enlaza muy bien con aspectos desconocidos de la personalidad del Presidente norteamericano, y que sirven como un antecedente necesario, para conocer después la versión que hizo Spielberg con el actor Daniel Day Lewis.   


La Era Zanuck.

El estudio William Fox: uno de los pilares de la productora.

Vista aérea con el lote de la 20 th.Century Fox en Los Angeles, California.

 

Zanuck durante una conferencia de prensa para la premiere de "La Agonía y el Extasis".

  ___ Hacia 1935, la Twentieth Century de Darryl Zanuck, reclutó lo que había del personal y organización de la Fox y formó la Twentieth Century Fox.  
Anota Mordden : "Inmediatamente se adoptó el logotipo de un monumento egipcio de una ciudad de cine barrida por los focos, y las volubles ideas de Zanuck fueron incluídas en el repertorio. El antiguo chico prodigio del más urbano de los estudios, Warner Brothers, pasa al estudio más rural de la ciudad. Zanuck iba a hacer otros ajustes. El capital fundacional de la fusión, le proporcionó una considerable palanca financiera; y en vez de actuar como jefe de producción para Jack Warner, Zanuck era ahora su propio Jack Warner. Sin duda, tenía el control de cada faceta de las operaciones realizadas por el estudio".
Había una ventaja comparativa que lo transformaba en el magnate con más poder del sistema.
Considerado uno de los productores de más alta categoría del negocio, trabajaba ahora en un estudio de segunda. Y sin estrellas rutilantes.
Porque la Fox tenía directores importantes como John Ford, no lograba transformar su imagen de estudio menor a gran compañía. 
Zanuck entonces, se transformó  en un "productor de guionistas", por la tremenda apreciación que daba a los guiones. 
Podía estar horas encerrado en su oficina, leyendo él mismo, los textos de películas que soñaba efectuar.
Un libretista típico de la 20 th Century Fox fue Lamar Trotti, "un buen contador de historias, pero corto de ingenio y de agallas".
Como la Fox de Zanuck carecía de superstars,  se trajo al estudio, varias figuras de la competencia como : Loretta Young, Alice Faye y Henry Fonda.
También dió en el clavo, cuando incentivó la película con patinadoras de hielo para el lucimiento de la experta Sonja Henie y afianzó la carrera de Tyrone Power, a costa de parecer demasiado Metro Goldwyn Mayer.

Betty Grable fue la pin up de la Fox. Su figura adornaba los barracones de los soldados durante la Segunda Guerra Mundial.

June Haver repitió el arquetipo de rubia sensual, que a Zanuck le acomodaba para la pantalla grande.

 

Marilyn Monroe fue casi desde sus inicios, una bomba sexy en la Fox.

  

Sheree North, otra de las rubiales de Zanuck para el Cine.

Don Ameche era el complemento perfecto de BettyGrable, Alice Faye o Carmen Miranda en las comedias musicales de la productora.

Victor Mature pese a su inexpresividad, era un actor ideal en roles de héroe clásico o personaje de relatos históricos. Nunca más efectivo que bajo las órdenes de John Ford.

Cornel Wilde en su momento, fascinó al público femenino como galán romántico y alcanzó a probar diferentes oficios actuando en el cine como : mosquetero, policía, sheriff, marinero, emperador romano, escritor, médico, bandido, ejecutivo y trapecista.

Dana Andrews se movió con igual ductibilidad en el cine negro y de acción.

 

César Romero parecía ideal en roles de galán moreno, alto y buenmozo, pero también hizo roles étnicos involucrándose en épicas históricas y filmes de aventuras familiares con gran éxito. Su rol de El Guasón en la serie de TV Batman, culminó una versátil carrera.

Anthony Quinn fue el actor más versátil de la historia del cine americano. Multilingüísta, sacaba a los personajes de sus límites y los rociaba con una talento colosal para desdoblarse y transformarse con naturalidad frente a la pantalla. Probó la mayoría de los géneros y se involucró en la industria, de la mano del director y productor Cecil B.De Mille. En la Fox, fue uno de los actores favoritos.

 

Fred MacMurray fue un personaje ambivalente. Podía ser efectivo en comedias familiares y mutar en personajes perversos o tentados por una chica. Nunca más adecuado que bajo las órdenes de Billy Wilder.

___ En materia de estrellas, Zanuck adoraba las rubias suaves y cariñosas como : Betty Grable, June Haver, Marilyn Monroe y Sheree North.
En materia de varones, prefería en sus películas, a los actores altos y buenmozos, como : Don Ameche, Victor Mature, Cornel Wilde, Dana Andrews, George Montgomery, Richard Greene, John Payne, César Romero, Mark Stevens, Anthony Quinn y Fred Mac Murray.
A partir de estas personalidades, Zanuck creó su universo cinematográfico, "en formatos tan inexpugnables, que sus filmes parecen una serie de repeticiones". 
Un ejemplo categórico fue la pequeña Shirley Temple. 
Ella ya era una personita importante dentro del estudio a los siete años cuando llegó Zanuck, pero el productor la moldeó dentro de un arquetipo de comedias y dramitas familiares, que se limitaron a repetir la fórmula del éxito hasta el cansancio.
Ethan Mordden subraya : 
___ "En "La Simpática huerfanita" ("Curly Top", 1935), están todas las claves típicas de una película de la Temple : buen Papá, nó Mamá, un poquito de amenaza y cuatro canciones, especialmente la que le daba título al filme, y que papá John Boles toca mientras Shirley baila sobre el piano.... El inmediato predecesor: "Our little Girl" ( 1935), es atroz. Joel McCrea es papi, Rosemary Ames es Mami, no ocurre nada, y la Shirley no canta. 
En vez de ello, interpreta graciosos actos de destreza como columpiarse con su pequeño terrier negro, Sniffy. El perro salta del columpio y echa a correr y Shirley sube y baja en su columpio, cosa que el director John Robertson celebra con un plano de su pequeño culito. La lindura tanbién es verbal, cuando mami le pregunta a Shirley para quien trabaja ella. Para ti, dice Shirley. ¿ Y para quien trabaja Mami ? Para Papi. ¿ Y para quien trabaja Papi ? Contando con los dedos Shirley responde : "Para el carnicero, el verdulero, el recaudador de impuestos y la compañía telefónica".  
Atendiendo la importancia radical de Shirley que salvó al estudio de la bancarrota en plena época de la depresión económica,  le dedicamos un espacio completo más adelante.

 

La Diosa de la Fox.

M.M. de cuerpo entero para "La Comezón del séptimo año"/"La tentación vive arriba".

___ El 10 de diciembre de 1949, Marilyn Monroe firmó contrato con la Fox, casa productora que le había dado sus primeros papelitos dos años antes.
La rubia platino filmó sucesivamente y sin descanso, seis largometrajes para desbancar toda constelación estelar.
De todos ellos, quedan para la mente del cinéfilo, sus salidas como femme fatale en "La Jungla de Asfalto"/"Mientras la ciudad duerme" ("The Asphalt Jungle", 1950) dirigida por John Huston, una obra mayor del policial, acerca del atraco a una joyería planificado por Sam Jaffé, un experto delincuente que viene saliendo de la cárcel. 
Louis Calhern hace el rol del influyente abogado que desea vender lo robado y que intenta jugar a dos bandas con los ladrones, secundado por la Monroe en el rol de su "sobrina", palabra que tuvo que ser integrada para evitar la censura, porque "amante" era tabú.
Ella se robó todas las escenas donde participaba y anunció el inicio de su fulgorante carrera como mujer sexy y símbolo erótico de toda una época. 
Recuérdenla en otras películas de la 20th Century Fox donde figuran: "La Malvada" / "Eva la desnudo" ("All about Eve", 1950) de Joseph L. Mankiewicz, como rubia protegida del crítico teatral interpretado por George Sanders; "Me siento rejuvenecer" ("Monkey Business", 1952) de Howard Hawks, una disparatada comedia donde encarna a la secretaria del jefe de Cary Grant, un científico con quien sale a nadar y patinar, sin recordar sus deberes de padre de familia y "Niágara" (1953) de Henry Hathaway, el comienzo de su mitificación como sex symbol, a propósito de un secuencia donde baila con un apretado vestido rojo, en medio de un relato sobre un apasionado romance que termina mal.

 

M.M. voluptuosamente carnal.

M.M. un close up perfecto.

En "La comezón del séptimo año" con Tom Ewell.

En "Río sin retorno" en brazos de Robert Mitchum, mientras le observa el niño Tommy Rettig.

En "Los Caballeros las prefieren rubias" junto a Jane Russell.

 

M.M. la tentación está a la vuelta de la esquina.

 

El tentador traje rojo que lució en "Niágara".

____ También para la productora, hará otras siete películas, que a continuación se especifican: 
"Los caballeros las prefieren rubias" ("Gentlemen prefer blondes", 1953) de Howard Hawks, donde interpreta a la prometida de un joven millonario que durante un viaje en barco para ir a casarse, es vigilada por un detective privado, contrado por el padre del chico, para cerciorarse que ella no va detrás de su dinero.
"Cómo casarse con un millonario" ("How To Marry A Millionaire", 1953) de Jean Negulesco, acerca de tres ambiciosas modelos ( La Monroe,  Jane Russell y Betty Grable), que buscan afanosamente a un millonario para casarse y ser felices.
"Río sin Retorno" ("River of not Return", 1954) de Otto Preminger, sobre las aventuras en el Oeste de una cantante ( Monroe), un granjero ( Robert Mitchum)  y su pequeño hijo ( Tommy Rettig), en una balsa arrastrada por las corrientes de un río salvaje.
"Luces de Candilejas" ("There"s No Business Like Show Business", 1955) de Walter Lang, como la instigadora en un espectáculo familiar animado por un matrimonio de artistas y sus hijos.
"La Comezón del Séptimo Año" /"La Tentación vive arriba" ( "The seventh year itch", 1955) de Billy Wilder, una notable radiografía sobre la infidelidad a partir de las experiencias de un hombre casado ( Tom Ewell), que queda "viudo de verano" y aprovecha de revelar sus sueños eróticos con la vecininita del piso de arriba, interpretada con gran picardía por la Monroe.
"Bus Top" ( 1956) de Joshua Logan, donde la Monroe interpreta a una mediocre cantante que se liga con un joven vaquero interpretado por Don Murray;  y "El Multimillonario" ("Let"s Make Love", 1960) de George Cukor, sobre las desventuras de un hombre rico ( Yves Montad), prendado de la actriz de una obra teatral que utiliza su imagen como motivo de sátira.
Todas estas películas rodadas para la Fox, con realizadores de probada eficacia, que obtuvieron de ella el máximo de su esplendor, pese al arquetipo con el cual repitió, el papel de rubia, rica, sexy pero tonta y casquivana. 
De algún modo, conciente de estas limitaciones, Marilyn logró eclipsar a la mayoría de las nuevas estrellas femeninas jóvenes, porque reinó sin mucha competencia, mientras fue la figura emblemática de Zanuck y Fox.



Niña Prodigio de la Fox.

 

Eterna "Ricitos de Oro". El arquetipo de la prodigio por autonomasia, que sabía actuar, cantar, danzar, bailar claqué, tap, vals y lograba todo con lecciones estrictas y mucha disciplina horaria.

  

Con Robert Young en "Pequeña Flor de loto".

 

Junto a Victor McLaglen en "La Mascota del Regimiento"

  

Bailando tap junto a Bill "Bogangles" Robinson en "Rebeca".

  

En una foto promocional de la época.

 ___ Shirley Temple fue por muchos años, la mejor recaudadora de entradas de la compañía. Sus películas garantizaban el viaje de la familia completa a las salas de exhibición y amortiguaban todos sus gastos, que no eran superiores.
Eso Zanuck lo sabía, y a medida que creció su portento y fama, únicamente fue modificando en otras películas, el planteamiento de las acciones de la prodigio.
"Pequeña Flor de Loto" ("Stowaway", 1936) de William A.Seiter, interpreta a la pequeña Ching Ching, huérfana americana en la China que es adoptada por un dandy , encarnado por Robert Young, en viaje de polizón en barco hacia San Francisco.
En "La Mascota del Regimiento" ("Wee Willie Winkie", 1937) de John Ford, una de sus mejores incursiones por el mundo militar al lado de Victor McLaglen, Shirley viaja con su madre al noroeste de la India para vivir con su abuelo dentro de un fuerte. 
Shirley no sólo adopta el rigor y la disciplina del regimiento, sino que además, logra aparecer simpática, divertida y emotiva, lo que provoca una empatía conciente con el espectador.
En "Rebeca" ("Rebecca of Sunnybrook Farm", 1938) de Allan Dwan, se desvive por actuar en un programa radial animado por Randolph Scott,  a guisa de superar las rabias y negativismos de su tía.
En "Susana de las Montañas" ("Susannah of the Mounties", 1939) de William A.Seiter, desarrollada en la frontera canadiense, es rescatada por Randolph Scott de una muerte eminente y deberá abuenarse con un amiguito indio, mientras supera los rigores de la orfandad.

En "Pequeña Miss Broadway" dejando el orfanato por mejores aires.

 

En "La joven adorable" Shirley está criada por dos artistas de vodevil que se retiran al campo.

Así apareció en "Heidi" con su abuelo interpretado por Jean Hersholt.

  

En "La Princesita" repitiendo el papel de pobre niña rica.

 

En "El pájaro azul" buscando la felicidad que tiene en casa.

 

En "La Pequeña Coronela" como hijita de una adorable mamá y nieta de un abuelo cascarrabias.

 

En brazos de su madre Gertrude leyendo un libro de cuentos.

 

En su última gran película "Fuerte Apache" de John Ford, con John Wayne, Henry Fonda y John Agar.

 

En una curiosa foto en color publicitaria.

Con sus risos más característicos teñidos de rubio.

En una foto más adulta.

___ En "Pequeña Miss Broadway" ("Little Miss Broadway", 1938) de Irving Cummings, comparte en un hotel, las tribulaciones de un grupo de artistas de vodevil encabezados por Jimmy Durante. 
En "La Joven Adorable" ("Young People", 1940) de Allan Dwan, experimenta el sentirse marginada dentro de una comarca tradicionalista, hasta donde han llegado a vivir con sus padres adoptivos, interpretados por Jack Oakie y Charlotte Greenwood, después de pasar una existencia dedicada al teatro de variedades.
En "Heidi" (1937) de Allan Dwan, se desvive por amor a su abuelo de la montaña encarnado por Jean Hersholt,  pese a que es separada abruptamente de él, después de quedar huérfana.
En "La Pequeña Princesa"/"La Princesita" ("The little princess", 1939) de Walter Lang, revierte el destino de su acongojada orfandad encerrada en un internado, gracias a la amistad que entabla con un vecino árabe y a la esperanza de que su padre no haya muerto realmente en la guerra.  
En "El Pájaro Azul" ( "The Blue Bird", 1940) de Walter Lang, junto a su hermanito, recorre el mundo onírico ambicionando capturar el pájaro azul, que saque a su familia de la pobreza y de la monotonía rural.  
De todas ellas, "La Pequeña Coronela" ("The Little Coronel", 1935) de David Butler, sigue siendo una de sus mayores obras, porque asimila los códigos del western y les da un acomodo a la óptica infantil, con la nietecita de un vejete cascarrabias, interpretado por Lionel Barrymore que cambia su manera de ser por la niña, y que adiciona además, la mirada de la cultura afroamericana en el cultivo de la música spiritual.
Sin duda, Shirley llegó a ser el rostro de la 20 Th. Century Fox en los inicios del sonoro; convirtiéndose en un ícono infantil de vital importancia para la permanencia de la empresa. 



El Director más influyente del Cine. 
 

Toda una vida dedicada al cine.

 

"Uvas de Ira": Crónica de la familia Joad que huye de la "cuenca del polvo" en los años treinta.

 

"Que verde era mi valle" : la trágica desaparición de una familia de mineros galeses y del valle en que habitan, con los magníficos escenarios construídos por Richard Day, premiados con el Oscar.

De la citada película aparecen ambos padres, interpretados por Sarah Allgood y Donald Crisp y sus hijos encarnados por : Maureen O"Hara, John Lodder, Patrick Knowles, Richard Fraser, James Monks, Marten Lamont y el pequeño Roddy McDowell.

__ Si Fox llegó a trascender en la historia del Cine, fue también por uno de sus directores más destacados, venerado hasta la saciedad como el maestro de maestros del cine norteamericano : John Ford.
Icono del western, pese a que algunas de sus obras más relevantes se encuentran también en el drama épico y social, Ford se inició en la Universal y luego comenzó en la Fox en 1921, para mantenerse fiel a los estudios hasta 1952, cuando filmó la cinta bélica ambientada en la Primera Guerra Mundial : "What Price Glory", con las aventuras del capitán Flagg y del sargento Quirt.
De todas las películas que hizo Ford para Zanuck, "Las Uvas de Ira" ("Graphes of Wrath", 1940), es su obra cumbre. 
Trascendente desde cualquier punto de vista, perdura como una de las grandes películas sobre la marginación, la pobreza, el desamparo y el desarraigo cultural.
 ¿ Cómo una novela calificada de socialista, podía llegar a ser transmitida tan humanamente por un director y un productor conservadores ?
Pese a las nociones ideológicas, el filme constituye un ejemplo de lo que el Arte ( con mayúscula ), puede superar en pos de una exposición magnificada por la estupenda fotografía de Gregg Toland.
Afín con la temática ruralista, "Las Uvas de Ira" no es sólo la historia de una familia descompuesta por la depresión económica, sino una naturalista manera de reflejar la sentimentalidad casera del estudio y sus intentos por ponerse al día y urbanizarse.
A su lado " Qué verde era mi valle" ("How Green as My Valley", 1941), tiene la capacidad hipnótica de extasiar, por su maestría formal al retratar la paulatina y trágica desaparición de una familia minera de Galés. 
Se trata de una mis películas favoritas de la historia del cine, no sólo porque nos acerca hacia la importancia radical que tiene la familia en el destino de los hijos, sino porque incorpora la música, los coros y el folclore con un encanto sublime y dentro de un retrato amable y realista. 
La Fox está en el cenit de sus elementos expresivos. 
Ford alcanza la cúspide de su talento, con una energía revitalizadora para mostrar sin artificios, los sinsabores de la vida sacrificada, abnegada y limítrofe.
Si "Las Uvas de Ira" convierte el mensaje de sacrificio humano en poesía visual de grado mayor ; entonces "Qué verde era mi valle" pontifica la abnegada tarea de sobrevivir de unos padres enteramente entregados al rigor de su trabajo, con la máxima capacidad que tienen los recursos expresivos y los equipos que trabajan en la productora.
Sin duda que aquí, hay grandes actuaciones, un extraordinario diseño de producción para reproducir el paisaje minero, una notable fotografía y la dupla  Zanuck- Ford en la cúspide del Arte Cinemático.


Clásicos de la "20 th. Century Fox".

"Que verde era mi valle" ("How Green Was My Valley", 1941) de John  Ford : El paulatino proceso de desintegración de una familia de mineros galeses, contada desde la óptica del menor de sus miembros y con todo el lirismo, la música y el sentido romántico de Ford, en su máximo esplendor creativo y profesional. Sin duda, estamos frente a una de las mayores obras del cine, que por su trascendencia merece ser conocida en toda su magnitud. Modélica recreación acerca del amor, la familia, la vocación profesional, el pasado tradicional versus el futuro incierto, la emigración, la fractura territorial y la constitución ética y religiosa de todo un pueblo, que cuenta con la actuación de los cantantes de Eisteddford de Gales, para ambientar varias secuencias memorables y un elenco irrepetible encabezado por Walter Pidgeon, Donald Crisp, Sarah Allgood, Maureen O"Hara y el pequeño Roddy McDowell. Nótense los detalles estilísticos como : el viento que levanta el velo de la novia, la oscuridad que precede a la tragedia, las dimensiones trágicas respecto a la marginalidad y el paro; el despertar de la pasión literaria de un niño en el sopor de una enfermedad; la fé como acto de entrega absoluta;  el romance que no logra consumarse, pese a la pasión y la atracción de la pareja central;  y la música coral y folclórica que reviste todo el sentimiento de una cultura. Obra maestra.

"Incidente en Ox-Bow" ("The Ox-Bow Incident", 1943) de William Wellman : Cansados de los robos de ganado, un grupo de pobladores entre los cuales está Henry Fonda, se organizan para armar una patrulla de vigilancia y prevención. En una de las escaramuzas, detienen a tres cowboys entre ellos Dana Andrews y Anthony Quinn, y los ahorcan para descubrir después que han cometido un gran error. Western atípico, realista y de visos judiciales, escrito y producido por el experto Lamar Trotti, que tiene una solvencia impecable debido a la dirección de Wellman. Notable radiografía a la violencia hecha con escaso presupuesto, pero una gran pericia en el uso de los recursos audiovisuales. 

"Las uvas de la Ira" ("The Grapes of Wrath", 1940) de John Ford : La odisea de la familia Joad huyendo de la sequía y la pobreza. En alguna medida, se trata de un drama humano pero también de una road movie, que es capaz de dibujar una ácida mirada sobre la marginalidad territorial, el desempleo, los vaivenes de una existencia en constante riesgo de perderlo todo. La gran fotografía del experto Gregg Toland, captura toda la desolación del relato y subraya la condición de extrema vulnerabilidad, en que vive este grupo de campesinos en la búsqueda de nuevos horizontes. Los diálogos magníficos desde el punto de vista poético y social, logran enraizar una reflexión que prevalece en su legitimidad. Con un elenco inmejorable que integraron :  Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine, Charles Grapewin, Dorris Bowdon, Russell Simpson, O.Z.Whitehead, Eddie Quillan, Zeffie Tilbury, Frank Sully, Frank Darien, y los niños Darryl Hickman y Shirley Mills. Notable. 

"Jesse James" ( "Jesse James", 1939) de Henry King : Una de las célebres recreaciones del legendario Jesse James rodada en exteriores y con abundantes detalles naturalistas. Henry Fonda encarna al hermano mayor de Tyrone Power que hace de Jesse James, mientras Randolph Scott prueba que, este será uno de sus géneros predilectos y se hacen acompañar de característicos más reconocidos en el cine fantástico y de terror como : John Carradine, Brian Don Levy y Lon Chaney Jr. King era un maestro para insinuar las ideas de los perseguidos con atmósferas rurales de melancólica belleza. 

"Niágara" ( "Niágara", 1953) de Henry Hathway : Un policial realista que tiene a Marilyn Monroe en su primer papel de chica erótica. Jean Peters y Casey Adams interpretan al matrimonio que viene a celebrar su segunda luna de miel, cuando se encuentran con Marilyn y Joseph Cotten que todavía habitan el lugar. Las relaciones que se establecerán entre los cuatro personajes subrayan el estudio sicológico que se hace de los celos, aunque se trata fundamentalmente de un policial con visos trágicos, ambientado en las hermosas cataratas del Niágara. Muy influído por Hitchcock, y pese a todo, un gran filme criminal lleno de acertijos y sugerencias visuales, que remarcan la sensual presencia de la Monroe bajo las sábanas o cantando "Kiss Me" con un inolvidable traje rojo. El color del sexo sin culpas.

"La Marca del Zorro"/"El Signo del Zorro" ("The Mark of Zorro", 1940) de Rouben Mamoulian : La obra Curse of Capistrano de Johnston McCulley, ha dado origen a una serie de versiones que tienen al personaje El Zorro como principal héroe. Ya Douglas Fairbanks, Guy Williams, Alain Delon, Antonio Banderas y algún otro, lo han interpretado en distintos momentos de la historia del cine, pero Tyrone Power le dió una dimensión más amable e irónica, que es difícil de repetir. Además, la cinta de aventuras cuenta con el talentoso narrador que fue Mamoulian, que siempre innovó en materia técnica para darle mayor densidad y atmósferas a sus películas. Aquí se luce, sobretodo cuando detalla los espectaculares duelos de espada con Basil Rathbone como el archivillano de turno, aunque yo siempre prefiero a las hermosísimas Linda Darnell y su contraparte Gale Soondergaard, como las chicas buena y mala del relato. Qué contraste hay entre el ambiguo y delicado hijo de terratenientes  y el enmascarado defensor de los débiles. Era un tremendo actor Tyrone Power. Conoció una popular versión televisiva producida por Disney. 

"Pasión de los Fuertes" ( "My darling Clementine", 1946) de John Ford : La mítica historia de amistad entre Wyatt Earp y el tuberculoso Doc Holliday, en sus días previos al duelo en el OK Corrall con los hermanos Dalton. Segunda versión de varias, que el gran Ford ejecuta con la mentalidad de un periodista, relatando cada acontecimiento desde la perspectiva de un espectador. Pequeños detalles como el juego de pies que hace Henry Fonda sobre los pilares de un corredor, o el baile con la recién llegada Cathy Downs, no empalidecen respecto al duelo final, donde Henry Fonda y Victor Mature se enfrentan con la pandilla de Walter Brennan. Gran fotografía en expresivo blanco y negro de Joseph McDonald, que asume la influencia del film noir de la época. Inolvidable papel para la exquisita Linda Darnell, que sufre lo indecible cuando le intentan extraer una bala mortal. 

"Rebeca" ("Rebecca of Sunnybrook Farm", 1938) de Allan Dwan : Uno de los vehículos estelares para la prodigio Shirley Temple que tiene todos los ambientes rurales de la Fox. La niñita lucha contra los designios de su estricta tía, cuando decide cantar para un programa radial apoyado por un tío y el publicista interpretado por Randolph Scott. Con todo, una comedia divertida, agradable y llena de clichés que le sacan partido a los dones especiales de la ricitos de oro, y que prevalecen como una buena muestra de entertaiment para todo espectador.

"La Novicia Rebelde" /"Sonrisas y lágrimas" ( "The Sound of Music", 1965) de Robert Wise : Comedia musical que este año cumplió 50 años desde su estreno. Rodada en Salzburgo, Austria, cuenta la andanzas de una institutriz ( Julie Andrews ), que se debe hacer cargo de la educación de siete niños, hijos de un rico capitán ( Chrsitopher Plummer ), que habita en una mansión cerca de un lago. La historia de la familia Von Trapp, ha dado para varias versiones, pero esta es la más conocida, sobretodo por su extraordinaria banda musical, sus magníficos escenarios y la mano maestra de un director, que supo equilibrar la historia con música, canciones, danzas, teatro de títeres, romance, glamour, paisajes bucólicos y la idealización de la familia feliz amenazada por el totalitarismo. Sin duda, un clásico para grandes y chicos .

"Los dioses vencidos" /"El Baile de los malditos" (" The Young Lions", 1958) de Edward Dmytryk : Melodrama bélico narrado según el estilo de relatos paralelos, acerca del destino de tres soldados: Marlon Brando por un lado, que es un oficial nazi de tendencias pacíficas aficionado a las mujeres, Montgomery Clift, por otro, interpretando a un soldado judío americano encargado de cuestiones antisemitistas y Dean Martin, que pasa de playboy a héroe en medio de la reyerta. Gran despliegue de medios para una película algo pretenciosa, que logra empatizar el viejo conflicto entre la vida y la muerte. Notables interpretaciones y gran despliegue de recursos técnicos y humanos.

Columbia Pictures :
El primer gran estudio independiente.

El logo oficial de la compañía.

Harry Cohn, el legendario productor de Columbia Pictures.

En uno de los foros de la productora rodando una película.

La tradicional sala de montaje.

Aquí están los diferentes cambios que ha tenido el logotipo corporativo a través del tiempo.

Durante la filmación de un western dentro de los estudios de la productora.

____Uno de los estudios rápidos que con el advenimiento del sonido llegó a primera división, fue la Columbia manejada por el magnate Harry Cohn.
El estudio se inició en la Tercera Era del Cine Mudo y entró en la industria por respeto al beneficio potencial, más que por amor al Arte. 
Sus motivaciones fundamentales estaban enlazadas con los beneficios que reportaba una película, y hay que admitirlo, ningún otro estudio en Hollywood logró tantas cosas con tan poco.
Recuerden que, Adolph Zukor se inició con estrellas relevantes y Paramount llegó a encabezar el glamour de los primeros tiempos en función de sus artistas.
Metro y Goldwyn eran ya estudios importantes antes de fusionarse con Mayer.
William Fox incentivó el negocio desde sus propias ambiciones personales; y sólo Warner Brothers podría asemejarse a Columbia, en la medida de su falta de pretensiones.  
De algún modo, Columbia se inició como un estudio pequeño y se mantuvo así durante años. 
Ethan Mordden recuerda : "Era peor que pequeño: barato, sucio y descorazonador. La chusma del lugar, indicó Frank Capra cuando lo vio por primera vez. Pero Cohn tenía una creencia en la independencia rara en esos pesados supervisores industriales : nada de supervisión. No tenía que rendirles cuentas a ningún jefe allá en el Este - como tenía que hacer L.B.Mayer-, y dejó a los técnicos hacer sus películas con la misma libertad que habían disfrutado los pioneros del viejo Hollywood. Simplemente hazlo, dice Cohn, y si deja dinero podrás hacer otro, y si pierde dinero, quedas despedido".  
Esa libertad creativa le reportó a la Columbia, una reputación que gustaba a muchos realizadores que no se dejaban someter con los líos de la censura y las rigideces de la producción.
Cohn gozaba con esa situación, que le permitía ampliar los presupuestos si le tincaba una obra previamente establecida. 
No es extraño que, en sus filas de intérpretes incluyera nombres que estaban algo deslucidos como el actor John Gilbert y los anticarismáticos John Agar o Whit Bissells, que aparecen olvidados por el sistema.
"Bueno, bonito y barato" parecío ser la consigna de la Columbia durante mucho tiempo. Economía es riqueza, si se piensa en la cantidad de películas aparentemente insignificantes, que lograron la repercusión popular, más que todo por la libertad que tenían sus artistas.


Comedias de enredo.

El director Frank Capra y el actor Gary Cooper, en el set de "El Secreto de vivir". El cineasta ítalo americano fue un maestro en la comedia de enredos.

 

"Sucedió una noche" : el triunfo de la Columbia en los Oscars.

Harry Cohn y Frank Capra.

"Caballero sin espada" : James Stewart y Jean Arthur.

__ Si en un género se especializó la Columbia fue en la comedia de enredos. 
No resultaban complejas de rodar, sólo necesitaban algunas miniestrellas y un buen director que adujiera el guión, en razón de darle un interés potencial. 
La comedia de enredo tampoco se define por sus personajes y localizaciones. 
Basta sólo con una historia ingeniosa que integra algún tipo de galanteo, el favoritismo por los ambientes acomodados y la instrucción de disfrutar de la existencia, con la única instancia de evitar los problemas románticos y las codicias personales.
Siempre hay confrontaciones entre las clases trabajadoras y las dirigentes, entre un hombre de sólidos principios y otro de ambiciones desmedidas; existiendo la posibilidad del enamoramiento entre seres extraños o de diferente condición social; e incluso, la estimable fantasía de integrar a todo el mundo dentro tus proyectos de millonario rico y feliz. O de pobre, abnegado y obstinado.
A nivel de los gastos, la comedia de enredo se contenta con apretados presupuestos, porque su envergadura es pequeña por naturaleza y no hay que invertir demasiado cuando se trata de filmar en locaciones. 
Todo el realismo y la espontaneidad está en sacar la cámara a la calle, o construír decorados hogareños de cierta categoría, sin derroche o la opulencia de otros estudios.   
Frank Capra hizo de la comedia de enredo un género y elevó la categoría del cine de la Columbia a película de ambiciones artísticas e ideológicas con sólo mantenerse diáfano, transparente, democrático y moralista.
Comenzó en la Columbia efectuando producciones que escribía en dos semanas, filmaba en dos semanas y editaba en dos semanas.
Desde su primera película importante en el estudio, "Submarino" ("Submarine, 1928) hasta sus grandes éxitos : "Dama por un día" ("Lady for a Day", 1933), "Sucedió una noche" ("It Happened One Night", 1934); "El secreto de vivir" ("Mr.Deeds Goes to Town", 1936); "Horizontes perdidos" ("Lost Horizons", 1937); ""Vive como quieras" ("You Can"t Take It With You", 1938); y "Caballero sin espada" ( "Mr. Smith Goes to Washington", 1939).  
 

"Ayuno de Amor" : O como recuperar a la esposa anhelada.

 

"La Pícara Revoltosa" : O como hacerle creer al marido que ya no se le ama.

 
___ Pero la Columbia también tenía a Howard Hawks en estos terrenos. 
Un gran director para grandes actores y relatos siempre novedosos.
Tomen por caso "Ayuno de Amor" / "Luna nueva" ("His Girl Friday", 1940), basada en "Primera Plana" ("The Front Page"), de Ben Hecht y Charles MacArthur, acerca de una ingeniosa periodista ( Rosalind Russell),  que ansía cambiar de vida casándose con un corredor de seguros ( Ralph Bellamy ), hasta que reaparece su exmarido, un empresario ( Cary Grant ), que intentará evitar el divorcio por todos los medios.
Segunda de cuatro adaptaciones cinematográficas, que tiene un ritmo ágil, con diálogos inteligente e interpretaciones colosales, siempre en eterna ebullición. 
Muy en el estilo Hawks, se capta el ajetreado mundo periodístico en un solo escenario, el edificio del Tribunal Criminalístico de Chicago.  
Además, Hawks amplía la acción agregando situaciones análogas y equiparando los supuestos de comedia alocada con la subversión del planteamiento original. 
En todo momento, la acción acentúa las tensiones dramáticas y las envuelve con una irónica celeridad. que le saca partido a los momentos sorprendentes. 
Hay que detenerse en los diálogos de la película y el uso de las cámaras, que le integran tan virtuosismo a las secuencias, que es difícil imaginar cómo pasa el tiempo volando a mil kilómetros por hora.
El director Leo McCarey, es otro exponente valioso en la comedia de enredos. 
Su obra "La Pícara Revoltosa" ("The Awful Truth", 1937 ), debe figurar en cualquier antología del cine. 
Improvisación hecha maestría, "en la que la espontaneidad, la picardía, la capacidad de reírse de la propia comedia, son tan importantes para su glorioso y cálido sentido del humor, así como el estudio de lo que hay que hacer para que el matrimonio funcione".
Cary Grant y Ralph Bellamy, esta vez, se ven envueltos en unos líos de infidelidad junto a la gran Irene Dunne, cuyo éxtasis jocoso y sentimental terminará en una cabaña en el bosque junto a dos camas, "cuando sólo queden treinta minutos para que la sentencia de divorcio pase a ser definitiva".
Hay en estas brillantes películas la consolidación de la imagen artística de la Columbia Pictures. Un estudio pequeño que supo hacer de un género popular, la excusa valedera para llegar a la primera división empresarial.  




Las Estrellas de la Columbia. 

James Stewart : Estudió Arquitectura en la Universidad de Princeton, pero su afición por el teatro le llevó a ser un actor profesional. Gracias a una gestión de la periodista Hedda Hopper debutó en el cine en 1935. Ganó el Oscar por "Historias de Filadelfia" que lo consagró internacionalmente, para su primera casa productora MGM. Trabjó con la mayoría de los directores más importantes de la época dorada en Hollywood como : Ernst Lubistch, Frank Borzage, George Cukor, Clarence Brown, King Vidor, Henry Hathaway, Cecil B.De Mille, Mervyn Le Roy y John Ford, pero fue con Frank Capra y Anthony Mann en la Columbia  y Alfred Hitchcock en la Paramount, donde consolidó su arquetipo de intérprete versátil y humano.

 

James Stewart, destacó no sólo como héroe de las comedias democráticas de Frank Capra , sino más adelante, como el cowboy agrio y vengativo de los westerns de Anthony Mann.

Jimmy Stewart junto a su mujer en el rodaje de "El hombre de Laramie".

Cary Grant : Después de destacar en Broadway en varias comedias musicales, fue contratado por la Paramount, su primer estudio. Especializado en la comedia de enredos y la aventura de acción, logró superarse en razón de sus atributos histriónicos condescendiente a un deseo de evitar los encasillamientos. En la Columbia se hizo un nombre afín con las obras de Howard Hawks, aunque también tiene obras maestras con directores tan relevantes como Alfred Hitchcock, George Cukor, Leo McCarey, Delmer Daves, Richard Brooks, Stanley Donen y Blake Edwards. 

El actor en "Sólo los ángeles tienen alas" donde interpreta a Geoff Carter, que está cargo de una empresa privada de aviación en tierras sudamericanas cerca de los Andes. Aparece en la lobby card junto a Jean Arthur, Sig Rumann, Allyn Joslyn y Noah Beery Jr.

Glenn Ford :  Con una prolífica carrera, irregular, fue galancito de películas B y héroe de Oeste, hasta protagonizar "Gilda" ( 1946) dirigido por Charles Vidor.  Esta película le dió la posibilidad de abrirse a nuevos géneros como el thriller y la comedia, y más adelante, incluso actuar para la televisión. Para la Columbia tiene además, tres westerns excelentes : "Jubal" ( 1956); "Cowboy" ( 1958) y "El tren de las 3:10 a Yuma" ( 1957), todas dirigidas por el eximio Delmer Daves.

En "Gilda" con Rita Hayworth. El éxito del filme fue tan grande, que la Columbia los volvió a reunir en "La dama de Trinidad" ("Affair in Trinidad", 1952), una historia insípida que no le llega ni a los talones al clásico mencionado.

 

Burt Lancaster y Deborah Kerr en "De aquí a la eternidad". Para el actor fue la primera consolidación seria respecto a su carrera, pues por su actuación, recibió el primer premio de la crítica de Nueva York y una candidatura al Oscar. Experto en cine de aventuras y relatos policiales, y después en dramas épicos, se consagró como el príncipe Salinas en "El Gatopardo" de Visconti, y claro está, este envidiable papel como el sargento que pierde sus ropas en el oceáno, para revolcarse junto a la Kerr en una secuencia erótica prodigiosa.

Gary Cooper : Hijo de emigrantes británicos, llegó a Los Angeles a estudiar Pintura, aunque el destino le llevó a transformarse primero en extra en películas de aventuras y westerns, para evolucionar a estrella de Hollywood. Debuta en 1925, para actuar en un rol importante en "Flor del desierto (" The Winning of Barbara Worth", 1926) de Henry King. Sus películas para la Paramount, le cimentarán una carrera de ícono de aventuras, westerns y filmes de acción, que en Columbia variará notablemente cuando se ponga a disposición de Frank Capra, como héroe de sus comedias mundanas. No en vano, trabajó bajo las órdenes de los grandes directores de su tiempo como : Sternberg, Borzage, Lubistch, De Mille, Wood, Vidor, King, Hathaway, Wellman, Daves y Mann.

Rita Hayworth : Fue la pin up predilecta de los soldados que estaban combatiendo en la Segunda guerra mundial, y una secundaria eficaz que Hollywood transformó en un mito erótico. Desde sus pasos junto a Fred Astaire hasta su rol consagratorio como "Gilda", Rita insinúo su buena pasta de actriz versátl que, sólo demostró alcanzando la madurez plena.  Inolvidable "Put the blame on Mame" y la romántica "Amado mío" que interpreta en la película de Charles Vidor, amonestando a un quisquilloso Glenn Ford. Después teñida de rubio al lado de su marido Orson Welles en "La dama de Shangai". No hay duda. Las transformaciones cosméticas de Rita, hicieron escuela.

 

Irene Dunne : Luego de estudiar música y danza, apareció en Broadway en los años veinte, para debutar en el cine en 1930. Su norte fue siempre la comedia musical, aunque demostró una fibra innata para la comedia alocada. Después de su retiro en 1952, se dedicó a una carrera política que la transformaría en representante de la ONU. 

Jean Arthur : Representante de la mujer independiente, deportiva, jovial, refrescante y autosuficiente, demostró que una modelo fotográfica también puede ser actriz, con sólo proponérselo. Debutó en 1923, pero fue en los albores del sonoro con las comedias que hizo para Frank Capra, cuando reveló de que madera estaban hechos sus atributos dramáticos. Retirada del cine desde 1953, en la década de los años sesenta, fue estelar de su propio show televisivo.

Barbara Stanwyck : De telefonista pasó a bailarina de nights clubes y corista de las Ziegfeld Follies, antes de interpretar comedias en Broadway. En los inicios del cine sonoro, debuta como actriz de comedias musicales , pero pronto se transforma en actriz dramática gracias a su exquisita voz, y a sus dotes para componer personajes complejos, a las órdenes de Frank Capra. En casi cuarenta años rueda cerca de ochenta películas, que demuestran su versatilidad y madurez. También hizo en el declive de su trayectoria, conocidas apariciones en series de televisión. 

 

Gloria Grahame : Figura de culto de las Cahiers du Cinema, "era insuperable como la mantenida del gángster, la flor caída que se mueve en ambientes podridos, aún cuando ella no lo esté completamente". Hija de un industrial y de una actriz inglesa, debutó en el teatro como suplente en 1942 y dos años después en el cine, para consagrarse en películas de Nicholas Ray, Fritz Lang y Vincente Minelli. Cuando interpretaba papeles de mujer perversa era demoledora, y su sensualidad estaba convenientemente calculada para hacer caer algún hombre travieso.

Donna Reed : Comenzó en MGM como figurita menor de comedias musicales y familiares. Hasta que interpretó un rol importante en "El Retrato de Dorian Gray" ( "The picture of Dorian Gray", 1945), que le significó una mayor valorización como actriz dramática, para llegar al cenit con "Qué bello es vivir" ("It"s a Wonderful Life", 1946) de Capra, sin duda, la comedia navideña más conocida de su carrera. Despúes se contentó con aparecer en un puñado de películas de interés como "Diario de una desconocida" ( "Chicago deadline", 1949); "Que par de golfistas" ( 1953 ) para mayor lucimiento de la dupla Jerry Lewis y Dean Martin; y su rol de indígena en "Far Horizons" ( 1953 ). Hasta su actuación en la clásica "De aquí a la eternidad". Su trabajo posterior se concentró en la televisión, donde ganó el Emmy. 

Clásicos de la "Columbia Pictures".

"Sucedió una noche" ( "It Happened One Night", 1934) de Frank Capra : Un periodista ( Clark Gable ) en busqueda de la noticia que le devuelva las ganas de trabajar, le sigue la huella a una chica ( Claudette Colbert ) hija de un riquísimo potentado. El viaje en autobús incluye una mirada a la "otra sociedad" a la altura del hombre común, y como lo hacía Capra tan bien, desde los modismos verbales, las canciones populares, los gestos y las actitudes cotidianas. Se trata de un tour a force a guisa de humor, situaciones amorosas, riesgos carreteros y una almibarada historia llena de encanto y amor. Una obra genial que puso en primera fila la guerra de los sexos, y el poder que tiene una pierna de mujer al lado de un dedo de varón en el autostop. Obra maestra ganadora del Oscar.

"Caballero sin espada" ( "Mr.Smith Goes to Washington", 1939) de Frank Capra : De todas las películas políticas hechas en Hollywood, ésta debe ser la mejor. No sólo porque advierte sobre el peligro que podría acarrear integrar al Senado a un tipo amable y queredón de los niños y de la escuela, sino la amenaza que significa la corrupción de la política por las ambiciones personales. Y de ello, hace más de 76 años atrás. Capra se adelantó al mundo que habría de construirse en razón de los nefastos propósitos individuales, y le dió a su fábula, un gran estilo narrativo, estético y antropológico, digno de revalorizarse en estos convulsionados tiempos de incertidumbres.

"Sólo los ángeles tienen alas" ("Only Angels Have Wings", 1939) de Howard Hawks : Geoff ( Cary Grant ) dirige un grupo humano que atiende un correo aéreo en América del Sur cerca de los Andes. La franquicia de su negocio es mantener el servicio activo contra vientos, lluvias y temporales, y en tierra, equilibrar las fuerzas antagónicas de sus amigos y compañeros de trabajo. Hawks fue un director especializado en mostrar la camaradería masculina, sin ribetes ambigüos o superfluos, y en ésta película demuestra incluso que, ni con la presencia de Jean Arthur y Rita Hayworth, esa amistad se puede romper.  Grandes escenas de vuelo, mucho suspenso, humor y alguna sorpresa heroica, encontrará el espectador que disfruta del cruce entre aventura y romance. Con sendas colaboraciones interpretativas de Thomas Mitchell , Richard Barthelmess, Allyn Joslyn y Sig Rumman.

"La Pícara Puritana" ("The Awful Truth", 1937) de Leo MCarey : Una pareja rompe sus vínculos sentimentales mientras cree que han sido infieles, cada uno por su lado. Lucy ( Irene Dunne ) se lo pasa media película hablando de sus flirteos con Dan ( Ralph Bellamy ), para darse cuenta que sigue enamorada de su pareja, Jerry ( Cary Grant). A un ritmo trepidante y con giros inesperados, el filme condimenta los vaivenes del amor y agrega un tono de espontaneidad y diversión realmente logrados. Historia sobre afectos y lealtades, amores correspondidos y engaños supuestos, juega con los tiempos y les saca provecho hasta los límites de la locura. Imaginativa y destornillante comedia, que mantiene su vitalidad y perfección narrativa.  

"Gilda" ( 1946 ) de Charles Vidor : Tal vez, no haya mito más emblemático de los años cuarenta que esta Gilda interpretada por Rita Hayworth, en la culminación de su belleza y glamour instituída por Hollywood. A la misoginia de Johnny Farrell ( Glenn Ford), espoleado por esta vampiresa, que es la pareja de su jefe, Vidor contrapone la personalidad ambidiestra de Ballin Mundson ( George MacCready), el dueño de un casino en Buenos Aires y que es el patrón que le contrata para detener las supuestas infidelidades de su chica. Nunca está demás revisar las canciones que Gilda interpreta en el Casino, y esa secuencia prodigiosa donde hace un streap tease sugerido sólo cuando se saca unos guantes blancos.  Un thriller erótico como sólo se podía hacer en el Hollywood de esos años. 

"El Secreto de vivir" (" Mr. Deeds Goes to Town", 1936 ) de Frank Capra : ¿ Que pasaría si un humilde poeta rural,  heredero de una cuantiosa fortuna, decide donar parte de su dinero para apoyar la colectivización de los pequeños agricultores ? El filme especula sobre la idea de un nuevo millonario interpretado por Gary Cooper, que rompe el orden de los poderosos en función de su amable y desinteresada iniciativa para reforzar la solidaridad con la comunidad.  Sólo una reportera ( Jean Arthur), que comienza aprovechándose de la ingenuidad del muchacho, logrará volverlo aterrizar en un mundo lleno de tiburones y alacranes financieros. Capra en el cenit de sus atributos como narrador de abierto espíritu liberal y democrático, construye una fábula que tiene mucho de idealismo y reflexión crítica sobre la moral y el sentido de pertenencia de un desconocido que, de la noche a la mañana, pasa a ser el hombre más rico de Estados Unidos. Con la actuación de inolvidables secundarios como : George Bancroft, Lionel Stander, Douglas Dumbrille, H.B.Warner y Ruth Donnelly.

"De Aquí a la Eternidad" ( "From Here to Eternity", 1953) de Fred Zinnemann : Título emblemático del cine dramático antibélico, basado en la exitosa novela de James Jones, que transcurre durante las semanas previas al ataque de Pearl Harbor. Es un relato coral donde se establecen las relaciones entre los soldados y sus parejas, todos con alguna situación pendiente y que prefiguran la tragedia, mediante temas relativos a la corrupción, los excesos en el mando, la brutalidad, el adulterio, la prostitución y egoísmo. Sin duda, una obra mayor del cine, que cuenta con grandes actuaciones de Burt Lancaster, Montgomery Clift, Deborah Kerr, Donna Reed, Frank Sinatra y Ernest Borgnine. La escena de la golpiza entre soldados y las sugerencias eróticas como la clásica escena en la playa, imgresan por sí mismas en todas las antologías del cine.  

"Los Sobornados" ( "The Big Heat", 1953 ) de Fritz Lang : Se trata de uno de los mejores policíacos que el realizador alemán acomoda a su exquisita percepción, dotándolo de un gran realismo. Dave Bannon ( Glenn Ford), sargento de la policía convierte la investigación de un  homicidio en una venganza personal, que sólo tendrá la ayuda de Debbie Marsh ( Gloria Grahame),  la amante de uno de los gangsters a los cuales intenta descubrir.  Sólida historia que no evita mostrar  grandes dósis de violencia, y que confirma la teoría del director que detrás de cada buen hombre se puede esconder un salvaje. Fotografía de Charles Lang, con guión de Sydney Boehm sobre una novela del especialista William McGivern.

"Nido de ratas" /"La ley del silencio" ( "On the Waterfront", 1954 ) de Elia Kazan : Es la película más recurrente de la filmografía de Kazan, porque su tema central : la delación, está tratado por su autor desde el punto de vista de su propia experiencia como delator en la Caza de brujas de McCarthy. Marlon Brando y Eva Marie Saint es la pareja protagónica,  que se relaciona en medio de las huelgas de los trabajadores portuarios manejados por la mafia. Brando es Kazan. Y en un momento, pasa de víctima a victimario y después a héroe de la resistencia, contra los oscuros manejos de Lee J.Cobb. También están Karl Malden como un hábil sacerdote intentando poner raciocinio donde no lo hay y Rod Steiger como el hermano mayor de Brando, brazo derecho del capone. Gran partitura musical de Leonard Rosemann, estupenda fotografía de Boris Kaufman, soberbia producción de Sam Spiegel, notables actuaciones de un elenco inolvidable y sólida dirección para un título mítico de la historia del cine. 

"El hombre de Laramie" ( "The man from Laramie", 1955) de Anthony Mann :  Tras los pasos de un traficante de armas que ha asesinado a su hermano, llega a un pequeño pueblo en Nuevo México, un viejo capitán de ejército ( James Stewart ), descubriendo que el implicado es hijo de un terrateniente. El choque entre las fuerzas gravitantes mantiene el interés del  relato rodado en 28 días y con un soberbio guión de Philip Yordan y Frank Burt. No sólo hay un contundente estudio de la sicología de sus personajes, sino la eterna temática de Mann, acerca de los nefastos choques culturales y morales entre los viejos y sus herederos. Padre, hijo y justiciero en un triángulo siempre efectivo y perdurable. Con Arthur Kennedy, Donald Crisp, Cathy O"Donnell, Wallace Ford y Jack Elam.

"El puente sobre el río Kwai" ( "The Bridge on the River Kwai"; 1957) de David Lean : Clásico bélico ambientado en Birmania durante la Segunda Guerra Mundial, que gira en torno a un grupo de prisioneros británicos que construyen un puente para los japoneses, bajo el mandato de Alec Guiness y siguiendo las órdenes de Sessue Hayakawa. El complot que los soldados urdirán para evitar que el puente sea inaugurado, arma el suspenso de esta extraordinaria película, que tiene a su favor, un nivel interpretativo excepcional, un magnífico guión de Michael Wilson y Carl Foreman y la estupenda dirección de Lean, que le saca partido al suspenso y a las interrelaciones que hay entre los prisioneros y las tiránicas órdenes niponas.

"En un lugar solitario" ( "In the lonely place", 1950) de Nicholas Ray : Producida para Santana , la empresa de Bogart, es la película favorita del recordado crítico Guillermo Cabrera Infante, que le dedica un capítulo entero en su valioso libro Cine o Sardina. Un inteligente thriller construído a partir de las relaciones que entabla un guionista ( Humphrey Bogart ) con su vecina ( Gloria Grahame), después que el escritor se haya transformado en sospechoso de un crimen. Parte del filme fue rodado en el hogar de Ray, esposo de la Grahame, que por aquél tiempo se estaba separando de la intérprete. Para Cabrera Infante, es "la película de amor perfecta..."y es un film noir extraordinario con unos diálogos brillantes y unas actuaciones perfectas. ¿ Se puede pedir algo más de una película para repertirsela varias veces en el hogar ? Quizás, un pisco sour para acompañar el momento. Una obra maestra en su estilo. 

Universal Pictures :
La Casa del Terror.
 

El logo corporativo.

 

Carl Laemmle, el propietario de Universal Pictures junto a Will Hays, Irving Thalberg, Cecil B.De Mille, Mary Pickford, Will Rogers y Carl Laemmle Junior, en un estreno en 1931.

 

El hijo de Cael Laemmle a quien se debió la oleada de películas de terror, que terminarían por caracterizar a este estudio.

  

Carl Laemmle ( centro), junto a los actores Ivan Mosjoukine, Mary Philbin, el supervisor Paul Kohler, el director Edward Sloman y Nigel Brulier.

 ___ Los estudios "Universal" se caracterizaron por desarrollar una línea de acción principalmente vinculada al género terrorífico. 
De todas las grandes productoras en Hollywood, la Universal fue la casa de los monstruos.
Nunca mejor individualizados que, marcando fronteras en los límites del miedo, de la parábola horrorífica, de los reflejos interiores de nuestros propios temores y aprehensiones.
Como subraya Ethan Mordden :
" Hay algo chocante y maravilloso acerca de la Universal; chocante porque ha durado todo un siglo pese a la estética menos ambiciosa de todos los estudios mayores; y maravilloso, porque abre una puerta a la historia más profunda del cine, a los tiempos de la Primera Era , cuando D.W.Griffith hacía películas de dos rollos con la Pequeña Mary y las muchachitas Gish en un edificio de ladrillos de la Calle catorce de Manhattan. La Universal es el viejo viejo Hollywood, aún más viejo que la Paramount. No es sólo el más viejo de los estudios supervivientes, sino el último en sobrevivir, el último en funcionar más o menos como lo hacían los estudios de la Era Dorada , incluso promoviendo visitas al interior del estudio para los curiosos". 
Tal vez la Universal duró más tiempo que sus coetáneos, precisamente porque tenía de estética menos ambiciosa. Cero glamour, cero oropel, cero luces y brillos cosméticos.
Ella misma supervisaba su oligarquía en la exhibición, adquiriendo sus propias cadenas de cine, anquilosando a su exposición a los centros ciudadanos neurálgicos del sistema, y con todos sus desajustes, necesidades y requerimientos, llegó a la Era del sonido, buscando el atractivo en cuestiones intrascendentes.  
De alguna manera, siguiendo el instinto de su padre creador Carl Laemmle, se inició en este mundo con la película muda "Hiawatha" ( 1909 ), y hacia 1912 en una fusión con estudios independientes se rebautizó como Universal Film Manufacturing Company, y tres años más tarde, abrió el primero de los grandes estudios de Hollywood : Universal City.
Magníficos terrenos para ambientar westerns, dramas épicos y películas de terror, algunas que llegaron a ser verdaderos éxitos de taquilla como "El jorobado de Notre dame" y "El Fantasma de la Opera" ("The Phantom of the Opera", 1925) ambas con Lon Chaney, su primer gran estrella del terror. 
 

Entrada principal de los estudios en California.

 

Una de las avenidas centrales de los estudios Universal diariamente visitados por los turistas.

Los estudios Universal en 1926.

Los jardines interiores de los estudios Universal en 1926.

___ Si la Universal parecía moverse con flojera y conformismo en los terrenos del drama - vean "Amar en ayuna" ("Love Before Breakfast", 1936) con Preston Foster, Carole Lombard y César Romero-, logró su primera gran épica sonora con la maravillosa "Sin novedad en el frente" ( "All Quiet on the Western Front", 1930) dirigida por Lewis Milestone. 
Un relato bélico basado en la novela original de Erich Maria Remarque, construído desde la mirada germana, con la historia de un puñado de jóvenes que van a morir en las trincheras, y que está efectuado con la suficiente poesía, como para atender las suspicacias del estudio para plantear, que con el sonido también se pueden hacer maravillas.
Más ilustrativa de su practicidad en los albores del cine parlante, es su mayor comedia de enredos : "Al servicio de las damas" ("My Man Godfrey", 1936) con un reparto cmpletamente prestado :  William Powell, Carole Lombard, Alice Brady, Eugene Pallette, Gail Patrick y Jean Dixon.
Donde sí pareció moverse con seguridad, fue en los terrenos del cine policial.
Impensable dejar de lado títulos emblemáticos del género como : "La dama desconocida" ("Phantom Lady", 1944); "La calle escarlata" / "Perversidad" ( "Scarlet Street", 1945 ) ; "Angel negro" (" Black Angel", 1946) ; "A través del espejo" ("Dark Mirror", 1946); "Los Asesinos" ( "The Killers", 1946)  y "El abrazo de la muerte" ( "Criss Cross", 1949), estupendas piezas de film noir que se ajustan a los parámetros de maestría, con el aporte  del gran Robert Siodmark y del maestro Fritz Lang. 
De alguna manera, l.a Universal entendía el negocio desde la astuta manera de pensar de los espectadores que buscan emociones y realismo a grados superlativos.
Sin embargo, una fórmula que ningún otro estudio llevó más alto, fue en el terror.
Por sus antecedentes previos, la productora ya explotaba este filón en los años silentes. 
Recuerden  "El hombre lobo" ( "The WereWolf", 1910 ) y "El doctor Jekyll & Mr.Hyde" ( 1913). Y el aporte sustantivo para el género, que significó el realizador Paul Leni, prematuramente desaparecido, no sin antes legarnos la magnífica "El gato y el canario" ("The cat and the canary", 1927), cuento tenebroso lleno de atmósferas sorprendentes que todavía funciona a las mil maravillas.
Se repiten en todas ellas, la tradición germana ( Laemmle era por descendencia directa judío- alemán, que refugió a numerosos artistas exiliados durante la ocupación ), la insistencia de la estética expresionista, y las metáforas recurrentes a los monstruos de la guerra.

Bela Lugosi caracterizado como el vampiro "Drácula", según el escritor Bram Stoker y el director Tod Browning.

Boris Karloff como el monstruo de "Frankenstein" según la escritora Mary Shelley y el director James Whale.

Sentado el realizador Tod Browning, observa a los actores Carroll Borland y Bela Lugosi en "La Marca del Vampiro".

Boris Karloff convenientemente envejecido para su rol en "La Momia".

El experto en maquillaje Jack Pierce, trabajando en el hombre lobo.

"El hombre invisible" según el escritor H.G.Wells  y el director James Whale con Claude Rains y Gloria Stuart.

"El gato negro" : necrofilia y bajas pasiones con Lugosi y Karloff.

"La novia de Frankenstein" : el mayor clásico terrorífico de su tiempo.

"El hombre lobo en Londres" : Warner Oland y Henry Hull enfrentados en la licantropía.

"La hija de Drácula" : Gloria Holden hereda la maldición familiar.

____ El terror de la Universal bebió sus fuentes en los grandes clásicos del cine alemán de los años veinte, pero surtió el panorama mundial con una constelación de monstruos inolvidables que se habrían de internacionalizar desde Hollywood. 
El gran ciclo se inicia en 1931, con la adaptación de "Drácula", cuestión que por derechos de propiedad intelectual, no pudieron utilizar el nombre original en que se basa la obra "Nosferatu".
De alguna manera, el vampiro de Bela Lugosi viene a anteceder la ola de creaturas que lo habrían de emparentar con Boris Karloff, su compañero de filas y tenor de numerosas y grandguiñolescas historias para nó dormir.  
Universal repasó con suspicacia sus viejos monstruos : "Frankenstein" ( 1932); "Los crímenes de la calle Morgue" ( "Murders in the Rue Morgue", 1932); "La Momia" ( "The Mummy", 1933); "El hombre invisible" ("The Invisible Man", 1933) y "El gato negro" ( "The Black Cat", 1934), que afianzaron el vigor del género, para duplicarlos en los años siguientes con : "La novia de Frankenstein" ("Bride of Frankenstein", 1935), - considerada la mejor de todas sus películas de terror- ; "El hombre lobo en Londres" ( "WereWolf of London", 1935) ; "El Cuervo" ( "The Raven", 1935); y de ahí un cierto declive con "El Rayo Invisible" ( "The Invisible Ray", 1936) y "La Hija de Drácula" ( "Drácula"s daughter", 1936). 
Fue la primera gran ola de horror Universal, que remarcó la importancia de un género mirado a huevo y que indistintamente, nutrió de nueva vida a la productora cuando más lo necesitaba para su subsistencia.
Detrás de este empuje, estaba el hijo del productor Carl Laemmle, o sea, Carl Laemmle Jr., que con su mirada juvenil atisbó la importancia de los relatos que asustan, para fortalecer la base económica del estudio de su padre y enaltecerlo con una estética original.
Detrás de los equipos de rodaje están los directores Tod Browning,  James Whale, Lambert Hillyer, Rowland V. Lee y Robert Siodmark, y más adelante, George Waggner, Arthur Lubin, Erle C.Kenton, Jean Yarbrough, Roy William Neill y Jack Arnold, los operadores Karl Freud, Arthur Edeson, John J.Mescall, Charles Stumar, Joseph Valentine, George Robinson, Hal Mohr y William E.Snyder, los guionistas Curt Siodmark, Garrett Ford,  R.C.Sheriff y George Bricker, los directores artísticos Charles Hall, Albert S.D"Agostino, Jack Otterson, John B.Goodman y Alexander Golitzen ; el experto en FXs John P.Fulton, y el colosal maquillador Jack Pierce.

 

"El hijo de Frankenstein" : Boris Karloff enfrentado a Lionel Atwill, mientras acarrea al pequeño Donnie Dugan.

"El Regreso del hombre invisible" : la secuela de un clásico del terror.

 

"Imitación de la vida", primera versión dirigida por John M.Stahl.

__ La segunda ola de terror Universal partirá con "El hijo de Frankenstein" /La sombra de Frankenstein" ( "Son of Frankenstein", 1939), que traspasará el estigma familiar para beneplácito de los espectadores a un bucólico Basil Rathbone, y continuará con títulos como : "El Regreso del hombre Invisible" ("The Invisible Man Returns", 1940); "La mujer invisible" ("The Invisible Woman", 1941) "El Fantasma de Frankenstein" ("The Ghost of Frankenstein", 1942); "El hijo de Drácula" ( "Son of Drácula", 1943); "Frankenstein y el Hombre lobo" ("Frankenstein Meets of Wolf Man", 1943) y "La Venganza del Hombre Invisible" ("The Invisible Man"s Revenge", 1944).
Estos cócteles de monstruos, originará versiones bastardas en comedias de Abbott & Costello, que obligarán a salpicar el día con otros filmes de mayor envergadura, como la versión en Technicolor de "El Fantasma de la Opera" ( 1943), convertida en un estilizado musical; o "El Monstruo de la Laguna Negra" ( 1953 ), o "Tarántula" ( 1955), todas películas que popularizarán en los años cincuenta, el despertar de las monster movies, a propósito de la amenaza nuclear y la guerra.
Pero la Universal también supo ser maestro en otro género popular : el drama de mujeres.
Cierta crítica, ha logrado revalorizar los trabajos de gente como John M.Stahl y Douglas Sirk, para ennoblecer las obras más características que la productora hizo en distintos tiempos.
Como anota Ethan Mordden :
"Los clásicos de Stahl vienen de los años treinta: "La usurpadora" ( "Back Street", 1932); "Imitación de la vida" ( "Imitation of life", 1934); Sublime Obsesión" ( "Magnificent Obsession", 1935) y "When Tomorrow Comes" ( 1939); junto con "There"s Always Tomorrow" ( 1934) con Edward Sloman y "Next Time We Love" ( 1936) de Edward H.Griffith. La producción de Sirk en los años cincuenta, consistió en hacer remakes : "Obsesión" ("Magnificent Obsession", 1954); "There"s Always Tomorrow" ( 1956) "Imitación a la vida" ( "Imitation of life", 1959), junto a "Back Street" de David Miller , que ya tenía un remake hecho por Robert Stevenson en 1941".

Deanna Durbin representó la picardía y la espontaneidad juvenil en tiempos convulsionados.

En "Three Smart Girls" junto a Nan Grey y Barbara Read.

Su repertorio musical incluía clásicos líricos y canciones pop.

___ Finalmente, un capítulo especial merece una de las niñas prodigio de la Universal : Deanna Durbin. 
Si Shirley Temple salvó a Fox de la bancarrota en plena época de la depresión y Mickey Rooney, Jackie Cooper y Freddie Bartholomew se vanagloriaban de trabajar en el estudio que tenía más estrellas que el cielo, o sea, la MGM ; Deanna lograba surcar los espacios de la comedia musical, con una naturalidad y espontaneidad apabullante, que no tenía ninguna otra estrella juvenil.
Como lo hacían otras figuras de producciones menores de la Universal - y pensamos en la revalorizada María Montez, Audie Murphy y Abbott & Costello-, Deanna correspondía sus económicas aventuras adolescentes, con unos gorgoritos maravillosos que concentraban la atención de familias completas, que acudían en masa a verla en los programas dobles de matiné.
Deanna era la feliz pizpireta que contagiaba su optimismo en tiempos convulsos y nos retraía a un universo que sólo existe en las películas.
"Cien hombres y una muchacha"/"Loca por la música" ( "One hundred Men and a Girl", 1937) fue su mejor carta de presentación, dirigida por Henry Koster, autor de la mayoría de sus éxitos, donde Deanna era capaz de organizar a un grupo de músicos desempleados, que cuentan  con la cooperación especial del mismísimo Leopold Stokowski.
Sucesivamente vinieron después : " Reina a los catorce años" ( "That Certain Age", 1938) haciendo lo imposible por que su familia acepte a Jackie Cooper ( en préstamo por la MGM ) ; "Three Smart Girls" ( 1938) y "El primer amor" ( "Fist Love", 1939 ), donde mostró una evolución impresionante de niña a mujer.
Los vehículos de la Durbin destacan principalmente por sus prestigiosos repartos, sus agradables ambientes y ese tufillo positivista que tanto se necesita en momentos convulsos, oscuros y tremendistas.
De esta manera, Deanna se transformó en una de las primeras princesas de la Universal capaz de congregar a tías y abuelas con la dulce sonrisa de su rostro y la voz notable que le permitió interpretar tanto piezas de ópera como música pop. 



Clásicos de la "Universal Pictures".

"El hombre que ríe" ( "The man who laughs", 1928) de Paul Leni :  Continuando con la tradición de repetir el éxito de "El jorobado de Notre dame" ( ver ), la Universal opta por adaptar otra novela de Victor Hugo, que es la base de esta interesante película. Película de época con la historia de Gwynplaine ( Conrad Veidt ), conocido por su espantosa mueca, después de ser desfigurado cuando niño por el Rey Jacobo II en la Inglaterra del siglo XVII. "Diversos géneros se combinan a la perfección en la película, con elementos de drama histórico, ciertas dosis de terror e incluso algunos tintes de comedia. Leni consigue una elaborada realización, que no se escapa a sus habituales tendencias expresionistas, y en la que destaca asimismo, la labor del director artístico Charles D.Hall. Gran actuación de Veidt. 

"El Fantasma de la Opera" ( "The phantom of the Opera", 1925) de Rupert Julian : Superproducción de la Universal que adapta la novela de Gastón Leroux. El realizador de origen neozelandés Rupert Julian, cuenta con un gran presupuesto lo que permite erigir monumentales reconstrucciones, incluyendo una réplica exacta de la Iglesia de Notre Dame de París. A ello, se une la extraordinaria actuación del legendario Lon Chaney. Detrás de su horrorosa máscara se percibe toda la vehemencia de la personalidad del Fantasma. Incluye un espectacular desenlace rodado por Edward Sedgwick.

"Drácula" ( 1931) de Tod Browning : El primer gran clásico de terror sonoro de la Universal, estuvo dirigido por el experimentado Tod Browning ( "Freaks"). Todavía sigue impresionando su dimensión fantasmagórica y los atributos escenográficos del director artístico Charles D.Hall, deudores del expresionismo alemán. Además, de las logradas presencias interpretativas de secundarios habituales del género, como Dwight Frye como Renfield el "sirviente" del Conde de Transilvania, Edward Van Sloan como el doctor Van Helsing, uno de los mayores expertos en chupasangres y en rol estelar el inolvidable Bela Lugosi sumergido en la piel del vampiro por el cual pasará a la historia. Lo negativo está en su afectado tono teatral, que priva al relato clásico de Bram Stoker, de un adecuado ritmo narrativo y una progresión dramática que decanta ideas tangibles. El hecho es que, hay demasiadas secuencias dialogadas y algunos FXs muy pedestres. Sin embargo, el filme permanece como uno de los clásicos sonoros, que inauguraron la primera gran oleada de monstruos de la casa de Laemmle.

"Frankenstein" ( 1931 ) de James Whale : Todo un hito del cine de monstruos, no ya sólo como innovador relato de fantasía y horror, sino como un elemento tangible del mejor expresionismo logrado en Hollywood. El guión de Garret Ford y John L.Balderstone y Francis Edward Faragoh, sobre la novela de Mary Shelley, incluye la mirada irónica del ser nacido de un experimento electroquímico, siempre reforzado en la tragedia de la criatura despreciada por su aparente fiereza, pese a su lado melancólico de gran patetismo. Escenas antológicas como el nacimiento del monstruo en la enorme fortificación que es también un complejo laboratorio, o la persecución final en un molino, contrastan con los momentos más divertidos y horripilantes, como cuando Mae Clarke es atacada vestida de novia en su propia mansión, o la pequeña Marilyn Harris es lanzada a las aguas por la mole, creyendo que ésta flotara como una margarita. Inolvidable actuación de Boris Karloff que debió soportar un pesado vestuario y un maquillaje complejo ideado por el gran Jack Pierce.    

"La Momia" ( 1933 ) de Karl Freund : Un sacerdote del antiguo Egipto ( Boris Karloff ), resucita en nuestros días por la fuerza de un manuscrito escrito en un papiro, tras los pasos de su amada  ( Zita Johan ). El debut en la dirección de un fotógrafo excepcional, que logra equiparar los momentos sugerentes con un relato capaz de utilizar la elipsis como un recurso expresivo mayor. El amor necrofílico, su marcada tendencia pagana y su exacerbado lirismo, provienen de un imaginativo juego de correspondencias, que acentúan los momentos de terror, suspenso y amor con notable equilibrio. Gran actuación de Karloff, que está acentuada por una fotografía expresionista que utiliza su rostro pétreo y sus movimientos fantasmales, para darle un nivel realmente asombroso a su personaje. Fotografía de Charles Stumar, con efectos especiales de John P.Fulton y montaje de Milton Carruth.    

"La hija de Drácula" ( "Dracula daughter", 1936 ) de Lambert Hillyer: Novedosa recreación del mito del Conde Transilvania a través de una mujer, la Condesa Marya Zaleska (  la impagable Gloria Holden ), que es hija del célebre vampiro esforzándose por lograr una vida cotidiana donde pasar desapercibida. Decididamente una película muy recomendable que logra eclipsar lo teatral de su argumento, por el juego ambiguo de su personaje. De esta manera, la chica no sólo gusta morder cuellos masculinos sino que, aduce un lesbianismo arrebatador, que no impide la persecución del profesor Van Helsing ( Edward Van Sloan), a estas alturas, el único capaz de derrocar los poderes de la oscuridad. Rol estelar para el eficaz característico Otto Kruger, y en papeles secundarios figuran : Irving Pichel, Halliwell Hobbs, Billy Bevan y Hedda Hopper, una de las periodistas más famosas  de su época.

"La novia de Frankenstein" ( "The bride of Frankenstein", 1935) de James Whale : Una de las primeras grandes secuelas, que en rigor, supera a su original, al integrarle nuevas directrices como el humor, el oscurantismo, la desolación, la amistad equívoca, el voluntarismo humanista y el perfil pagano-cientista   tan caro a los mad doctors del cine de ciencia ficción. Es una joya que crece con los años. Excelentemente actuada por Elsa Lanchester, en su traje fantasmal con el peinado faraónico lanzando graznidos de cisne, y secundando a Boris Karloff, en el colmo de su tristeza, que termina él mismo derrocando al doctor y su laboratorio. Con efectos visuales de John P.Fulton, el diseño de escenarios de Charles D.Hall y la orquesta de Bakaleinikoff, cuenta con un reparto que encabezaron : Karloff, Lanchestre, Colin Clive, Valerie Hobson, O.P.Heggie, Una O"Connor y Ernest Thesinger como el malévolo sátiro Doctor Pretonius, antecedente directo para el personaje que repetiría décadas después, el gran Peter Cushing en la "Hammer". 

"El hombre invisible" ("The invisible man", 1933) de James Whale : Un ambicioso científico ( Claude Rains ), que ha descubierto la forma de invisibilizarse, se dispone a conquistar el mundo. La novela de H.G.Wells encuentra una adaptación modélica, que todavía se disfruta por su ágil estilo narrativo, sus innovadores efectos visuales fotográficos y su extraordinario delirio fantástico-trágico- demencial. Al contrario de lo que se cree, el relato se ajusta a los cánones clásicos de la ciencia ficción, hurgando con especial interés, en el delirio que convierte a un hombre estable y genial en un engendro de sí mismo y un monstruo socavado por sus delirios de grandeza. Claude Rains ," cuyos experimentos lo han vuelto terminalmente invisible, es como un moderno adicto a la cocaína, inestable y asesino, que intenta un débil chantaje defensivo, un descarrilamiento ferroviario porque sí, mientras baila por un campo cantando Here We Go Gathering Nuts in May. Este es Whale en la cumbre de su creatividad, la influencia mitigadora en un por otro lado amargo y tenebroso ciclo". 

"El hombre lobo" ( "The wolf man", 1941) de George Waggner : Un hombre común ( Lon Chaney Jr.) atacado por un insólito lobo, se verá convertido en lobo humano, cada vez que hay luna llena. Es el origen de una nueva saga sobre licantropía que tiene a su favor, los escenarios neblinosos de los cuentos góticos, las atmósferas envolventes y la sugerente actuación de la actriz Evelyn Ankers, coterránea que logró éxito con estas películas de sublime artesanía B. A destacar las apariciones de Bela Lugosi y María Ouspenskaya, como un matrimonio gitano, que tiene las claves del transformismo sorprendente. Guión original de Curt Siodmark con los efectos de maquillaje del gran Jack P.Pierce.

  

"Frankenstein y el hombre lobo" (" Frankenstein meets the wolf man", 1943) de Roy William Neill : La segunda aparición del hombre lobo con Lon Chaney Jr, es una prorrogación que entremezcla dos mitos del cine de terror Universal. Gracias a un inteligente guión de Curt Siodmak, lleno de persecuciones, hallazgos narrativos y una sólida puesta en escena  - toda la secuencia de los ladrones robando el cuerpo de Chaney , está efectuada con gran realismo y suspenso- , el relato contrapone las personalidades de ambos, con sus respectivas maldiciones : por un lado un hombre lobo que busca la muerte para descansar de su infortunio y por otro, un monstruo revivido que espera el reconocimiento de su compañero tan salvaje como él para no sentirse tan solo. El momento cuando ambos luchan cuerpo a cuerpo, mientras la represa del poblado se desvanece, es digno de cualquier antología del cine de terror clásico. Colaboraciones especiales de la gran María Ouspenskaya como la gitana protectora, y los siempre vigorosos Lionel Atwill y Dwight Frye, todos de la escudería Universal.

 

"La torre de Londres" ( "Tower of London", 1939) de Roy William Neill : Extraordinaria simbiosis entre tragedia shakespereana y filme de horror, en el apogeo del ciclo de terror Universal. El maquiavélico Ricardo III ( Basil Rathbone ) disfruta del juego de ajedrez ajustando cuentas con personas reales, a las que tortura con la ayuda de un Boris Karloff en el colmo del delirio horrorífico como un verdugo potencialmente sádico. La sustancia de un drama épico se ajusta claramente con los conceptos propios de la leyenda, aunque el cuento va por otros derroteros más eficaces : la corrupción del poder, la bazofia, la maldad gatillada por la vieja prédica que el fuerte se come a los más débiles, y en fin, la sutileza imaginativa de ambientar correctamente un relato original y apasionante. Colaboraciones especiales de Vincent Price, Barbara O"Neill , Ian Hunter, Leon G.Carrol y Nan Grey.  

 

"El monstruo de la laguna negra" ("Creature of black lagoon", 1953) de Jack Arnold :  El tercer gran ciclo de terror de la Universal parte con esta original y significativa película acerca de una creatura que se refugia en las profundidades de una laguna en el Amazonas. Especie de hombre-anfibio, es como el eslabón perdido en la escala de la evolución humana, que se enamora perdidamente de la chica de un grupo de expedicionarios, que viene tras su búsqueda, sin saber las sorpresas que les deparará el destino. Innovadora película de fantaciencia, llena de sutiles aspectos que la hacen inolvidable : el traje de monstruo acuático; el lado erótico de la relación animal-mujer, la descripción pormenorizada de los integrantes de la barcaza de expedición y el acomodo argumental mínimo, para dar cabida preponderante a la acción y al suspenso. Todavía resultan de antología, las fotos en color publicadas en la magazine Life, donde la actriz  Julie Adams que encarna a la chica, sale en un atractivo bikini blanco en brazos del anfibio. El filme basado en una historia de Maurice Zimm, con guión de Harry Essex y Arhur Ross, cuenta con la actuación de la escultural Julie Adams, Richard Carlson, Richard Denning, Antonio Moreno, Néstor Paiva, Whit Bissell y Henry Escalante.      

"El increíble hombre menguante" ( "The incredible shrinking man", 1957) de Jack Arnold : la obra cumbre del cine de ciencia ficción Universal de los 50. Una metáfora sobre la guerra nuclear a través de la experiencia que vive un hombre común ( Grant Williams ), expuesto a una neblina radioactiva que le hace perder tamaño paulatinamente. Lo más interesante del relato, está en cómo las cuestiones más hogareñas, se vuelven una aterradora amenaza para el personaje, y su pesadilla alcanza una seria reflexión sobre la pequeñez del hombre frente al vasto Universo. El guión de Richard Matheson sobre su propia novela homónima, logra compenetrarnos en los peligros de la radioactividad, con un brillante ingenio gracias al talento de Jack Arnold en la dirección, sin duda, uno de los maestros del género B. 

"Sin novedad en el frente" ( "All Quiet on the Western Front", 1930) de Lewis Milestone : Una instrospección sobre la Gran Guerra según la novela de Erich Maria Remarque, excelentemente actuada y montada, y con algunas de las secuencias más significativas de la primera era del sonido. Imposible olvidarla, si se tiene conciencia de los mensajes pacifistas que desperdiga a lo largo de su narración,  y la solidez de Milestone para especificar lo triste que llega ser participar en un conflicto armado. Todavía repercute la escena final con la mano de Lew Ayres saliendo de una trinchera para tocar una mariposa, y esas secuencias panorámicas de la guerra con unos efusivos travellings que para la época se constituyeron en verdadera innovación técnica. Obra maestra de los albores del sonoro.

 

"Al servicio de las damas" ( "My Man Godfrey", 1936) de Gregory La Cava : La obra cúlmine de las comedias de enredo que hizo Universal en esta época. Un vagabundo ( William Powell ) es contratado como mayordomo por un grupo de miembros de la exclusiva sociedad de Park Avenue, y de paso, conquista a medio mundo, para descubrir que su juego también tiene un nivel de correspondencias tal, que ni la preciosa Irene ( Carole Lombard ) se imagina del todo. La mirada irónica y visceral de la high life, hacen las delicias del espectador medio, aunque realmente lo que prevalece, es el tono de cuento de hadas logrado en función de un notable guión lleno de diálogos chispeantes y reflexivos. El estilo de La Cava incluye utilizar una lluvia de duelos verbales a mil kilómetros por hora, pero además, se asegura no caer jamás en redundancias y artificios. Amenidad y diversión de principio a fin. Antológicas interpretaciones de la pareja Powell-Lombard y un suculento reparto de grandes característicos como : Gail Patrick, Mischa Auer, Alice Brady y Eugene Palette.

"Imitación de la vida" ( "Imitation of life" , 1959) de Douglas Sirk : Remake del éxito de John M.Stahl de 1934; ahora pulido y estilizado por el uso del Technicolor y que se cuenta como la obra cúlmine de su autor. Un magnífico melodrama que utiliza el problema racial para salpicar a sus personajes con un nivel de conciencia moral, que abre el tema en plena época de las reivindicaciones raciales. Basada en la novela de Fannie Hurst, es la historia de un joven mulata que hace lo imposible por ocultar a los demás, sus origenes afroamericanos. Todavía resuena la secuencia del funeral de la madre de ella, pero es valiosa desde la perspectiva estética y narrativa porque logra trasuntar los clichés más rebuscados del género para transformarlos en obra de Arte. Con la actuación de Lana Turner, John Gavin, Sandra Dee, Juanita Moore y Susan Kohner. Parar llorar con el pañuelo en la mano.

 

"Confidencias de alcoba"/"Confidencias de medianoche" ( "Pillow talk", 1959 ) de Michael Gordon : El inicio de las aventuras eroticas de Doris Day y Rock Hudson. Especie de retrato amable de las clases acomodadas que viven del dinero y del sexo. Hudson personifica a un implacable seductor, que a través de la línea telefónica riñe con Doris Day para organizar sus citas amorosas. En medio de estos temporales de dimes y diretes están : Tony Randall, un amigo entrañable aunque impotente y Thelma Ritter, la criada que nunca le puede sacar el quite a las seducciones telefónicas de Hudson. El éxito de esta película fue tan grande, que inició una serie de imitaciones, y claro está, algunas animadas por el mismo director y con la efectiva pareja de moda. El CinemaScope le otorga una dimensionalidad a los juegos eróticos impagables y la película todavía resulta una gozada para espíritus recalcitrantes. ¿ Te animas a verla ?

 
Los Rostros "Universal" del Terror.

Lon Chaney : Fue una sombra silenciosa, como son todas las sombras. Para muchos el actor más importante del cine mudo; un maestro del maquillaje. Hijo de sordomudos que aprendió en una disciplina dolorosa el arte del mimo  para hacerse comprender por sus padres. Hizo más de noventa películas, aunque para siempre quedó como "El jorobado de Notre dame" y "El Fantasma de la Opera".

Bela Lugosi : Su fama cinematográfica se debe a "Drácula", personaje que lo transformaría en una de las figuras emblemáticas de la escudería Universal. Proveniente de Hungría, llega a Nueva York en 1920. Nacionalizado americano en 1931, debutó en el cine en 1914, para abarrotar más de cien películas en una trayectoria desigual, que lo terminó hundiendo en su adicción a las drogas. Grandioso intérprete de personajes ambiguos, espoleados por la vida y por sus orígenes, para nosotros siempre será recordado como el vampiro de Transilvania.     

Boris Karloff : Educado en la Universidad de Londres, estudió para seguir una carrera diplomática. Emigró a Canadá en 1909 para trabajar en una compañía de teatro, después atravesó a Estados Unidos para trabajar durante diez años en una variedad de shows y montajes, hasta su debut en el cine en 1919. Llegó a rodar más de 200 películas y fue un actor ideal en papeles de villano, aunque su consagración definitiva será como el monstruo del doctor "Frankenstein".

Claude Rains : Hijo de un actor británico, debutó en el teatro inglés a los once años de edad y en 1913 en el teatro en Nueva York. Estudia en la "Royal Academy" y hace clases como profesor  a alumnos de la estatuta de Laurence Olivier y John Gielgud. Trabajando para el "Theatre Guild" le ofrecen la posibilidad de actuar en el cine para la versión de "El hombre invisible" de la Universal. Dicción y dinamismo hacen de él, un perfecto actor versátil, capaz de desarrollar notables papeles de carácter como sólido intérprete dramático. Un nuevo contrato con Warner Brothers en 1936, termina por afianzar una carrera pródiga en grandes actuaciones. Puedes descubrirlo en películas como : "Caballero sin espada"( 1939) como un senador corrupto y torturado; "Casablanca" ( 1943 ) como el mítico capitán Louis Renault que ayuda a Humphrey Bogart a fugarse a Ingrid Bergman y su marido interpretado por Paul Henreid ; "Las aventuras de Robin Hood" ( 1938) como el malévolo Príncipe Juan; "Tuyo es mi corazón" ( 1946) como un consentido hijito de mamá; y en "El Fantasma de la Opera" ( 1943), la versión en Technicolor donde hace el papel central como el enloquecido compositor del Conservatorio Musical de París.    

Lionel Atwill : Uno de los característicos más destacados de la Universal. Debutó a los veinte años en el Garrick Theatre en Londres, para emigrar en 1917 a Estados Unidos, ha trabajar a Broadway hasta 1931, en 25 obras, sobretodo de Henrik Ibsen y George Bernard Shaw.  Su primera película importante fue el thriller de misterio "Silent Witness" ( 1932) con Greta Nissen, pero su arquetipo de villano favorito aparecería en la cinta de aventuras Warner "El Capitán Blood" ( 1935 ), para fortalecerse con "El hijo de Frankenstein" ( 1939 ) de la Universal. Eterno mad doctor o secundario de rasgos maléficos, hizo un puñado de películas de terror que son muy interesantes de revisitar. La lista debe incluír  también: "Doctor X" ( 1932 ); "The Vampire Bat" ( 1933 ); "Mystery of the Wax Museum" ( 1933 ) ; "Murders in the Zoo" ( 1933 ) ; "Mark of Vampire" ( 1935); "The Hound of Baskerville" ( 1939 ) ; "The Gorilla" ( 1939 ); "The mad doctor of Market Street" ( 1943); "The Ghost of Frankenstein" ( 1943); "Night Monster" ( 1943); "Frankensteint Meets the Wolfman ( 1943 ); "House of Frankenstein" ( 1944); "Fog Island" ( 1945) ; y "House of Dracula" ( 1945). Falleció víctima de cáncer mientras trabajaba en una serial "City of the Jungle" ( 1946).

Dwight Frye : Actor extremadamente versátil, no muy valorado, fue otra de las figuras emblemáticas de la Epoca de Oro del Cine de Terror Clásico en Universal. Particularmente notable como un poseído en "Drácula" ( 1931 ) y como un ayudante jorobado en "Frankenstein" ( 1931 ) y "La Novia de Frankenstein" ( 1935 ). Entre 1928- 1943, trabajó en 60 películas siempre en roles secundarios.

John Carradine : Desde 1930 se impuso como uno de los grandes característicos del cine norteamericano. Su infinidad de personajes demuestra la solvencia de un intérprete que era capaz de pasar de un papel dramático a uno de aventuras, sin perder la dignidad vocacional. Arquetipo perfecto para el cine de terror, se impuso en este género con títulos como : "El hombre invisible" ( 1933 ); "El Gato Negro" ( 1934) y"La novia de Frankenstein" ( 1935 ) siempre en roles fugaces, hasta crecer con "La venganza del hombre invisible" ( 1944); "House of Frankenstein" ( 1944); y "The Monster Club" ( 1980).  Sin embargo, sus mayores logros están en obras de John Ford, Henry King, Rouben Mamoulian, Douglas Sirk y Nicholas Ray.  

David Manners : Apuesto galán desempeñó estos roles en "Drácula", "La Momia" y "El hombre invisible".  Debutó oficialmente en 1930 y se mantuvo activo hasta 1936. Después se dedicó al teatro y más adelante, se transformó en un  prestigioso anticuario en Hollywood. Puedes descubrirlo también en películas como "Journey"s End" ( 1930); "Kismet" ( 1930) ; "A Bill of Divorcement" ( 1932 ); "Escándalos romanos" ( 1933) y "A Woman Rebel" ( 1936).

 

Ernest Thesinger : Actor teatral británico de larga trayectoria, debutó en el cine en 1916, después de dedicarse a la pintura y en Hollywood destacó principalmente en "La Novia de Frankenstein", como el siniestro Dr. Pretorious, dirigida por su amigo James Whale. Educado en Marlbrough College y Slade, trabajó cincuenta años e hizo 60 películas.  También puedes verlo en : "The Old dark house" ( 1932); "The Gholl" ( 1933 ); "The night of the party" ( 1935 ) ; "They Drive By Night" ( 1938); "Cesar & Claeopatra" ( 1945 ); "Scrooge " ( 1951 ); "El hombre con el traje blanco" ( 1951 ) y "La Primavera Romana de la Sra Stone" ( 1961 ).

Edward van Sloan : Memorable característico de filmes de horror y películas de suspenso de los años 30 y 40. Eterno antagonista de Bela Lugosi,  Boris Karloff, y con el tiempo, de Erich von Stroheim. Trabajó en más de ochenta películas, entre 1916 y 1950. Del ciclo de horror, descúbrelo en : "Drácula" ( 1931 ); "Frankenstein" ( 1931 ); "La Momia" ( 1933 ); La hija de Drácula" ( 1936); "The Phantom Creeps" ( 1939) y "Valley of hunted men" ( 1942).

 

Rondo Hatton : Era un fornido jugador de football americano, hasta cuando participó en la Primera guerra mundial, estuvo expuesto a un gas tóxico que le produjo acromegalia, un crecimiento excesivo del cráneo, las manos y el cuerpo. En 1936 llegó a Hollywood y encontró trabajo como actor secundario en películas de aventuras, thrillers y filmes de horror. Murió a los 51 años víctima de la enfermedad.  Sin embargo, dejó para la posteridad dos papeles estelares en "House of Horrors" ( 1946 ) y "The Brute Man" ( 1946).

Glenn Strange : Al principio de su carrera rodó muchísimos westerns B, siempre en roles de villano, cowboy o político, y luego, encarnó al mismísimo "Frankenstein" en tres películas : La Casa de Drácula", "La Casa de Frankenstein" y "la disparatada "Abbott & Costello contra los fantasmas". Su carrera vasta y prolífica, se inició en 1930 y culminó en 1974 en series de televisión como "Gumsmoke", llegando a rodar más de 300 producciones para el cine y la pantalla chica.

 

Lon Chaney Jr. : Hijo del mítico Lon Chaney, el "hombre de las mil caras", se inició en el cine en 1922 para mantener una trayectoria hasta 1971, con más de 190 películas. Actor en verdad limitado, inexpresivo, se dice que no heredó ninguna de las aptitudes de su padre. Pese a ello, se encontró como pez en el agua, interpretando a "El hombre lobo" en el ciclo Universal, aunque no faltaron los papeles  de villano en westerns, policiales y aventuras de serie B.  En el terror puedes verlo en otros filmes como : "The Ghost of Frankenstein" ( 1942); "The Mummy"s Tomb" ( 1942 ); "Son of Dracula" ( 1943); "Frankenstein Meets the Wolfman" ( 1943) y "House of Frankenstein" ( 1944). 

 

Elsa Lanchester : Estudiante de ballet clásico, a los veinte años su madre la integró en el "Bellevue School" de París, con Isadora Duncan en 1912. De la danza pasó a la música y más tarde, al "The Children Theatre" en el Soho, hasta debutar en la escena profesional en 1922. Debutó en el cine en 1927, asociada al actor Charles Laughton, inició una carrera en Hollywood que la transformó en una notable actriz de carácter. Su mayor papel estelar sigue siendo "La novia de Frankenstein" ( 1935 ) para James Whale.

 

Gloria Stuart : Encantadora y deliciosa actriz de varias producciones terroríficas de los años treinta como: "El Caserón de las sombras" ( 1932 ); "El beso ante el espejo" ( 1932 ) y "El hombre invisible" ( 1933 ), todas dirigidas por James Whale.  También hizo comedias, dramas y aventuras. Fue nominada al Oscar Secundario a los 92 años de edad por "Titanic" ( 1997 ), convirtiéndose en la actriz más anciana que ha recibido dicho crédito.

 

Zita Johan : Actriz rumana, que debutó en Holywood en 1934 en "The Struggle" para alcanzar la consagración estelar en "La Momia" ( 1933 ) dirigida por Karl Freund. Si bien tiene otro papel estelar en "The Sin of Nora Nora" ( 1933), sólo hizo siete películas, y conforme a los años, volvió al cine para despedirse en un breve rol en 1986.

 

Mae Clarke : 107 producciones completa su filmografía desde 1029 a 1970. Sin duda que su papel de novia angustiada asaltada por el monstruo de su marido en "Frankenstein" ( 1931 ), está en el cenit de su carrera, que más tarde, también pasó a la televisión.

 

Helen Chandler : Once años de actividad artística desde 1927 a 1938, para completar 27 películas, entre las cuales "Drácula" ( 1931 ) figura dentro de las más relevantes.  También puedes descubrirla en : "The last flight" ( 1931 ) y "Christopher Strong" ( 1933 ).

 

Gloria Holden : Inolvidable como "La Hija de Drácula" ( 1936 ), y como Mme Zola en "La vida de Emile Zola" ( 1937). Cuarenta películas hizo en una carrera que abarca 1934-1958, siempre en papeles de carácter.

 

Evelyn Ankers : Nacida en Valparaíso en Chile, a los ocho años se fue a vivir a Colombia. Su padre , ingeniero en minas, se quedó en aquel país, aunque en Chile hizo navegable el Río Maule, ubicado entre la ciudad de Talca y Constitución. Cuando tenía diez años, hizo su debut en las candilejas en Colombia, interpretando "La hija de Dolores". Después se fue a Inglaterra donde estudió danza y llegó a ser profesora de esta especialidad. El productor y director inglés Alexander Korda, la descubrió una noche mientras cenaba en el "Savoy" y la convirtió en estrella de cine. Tras una breve etapa en Gran Bretaña donde actúo a lado de figuras del calibre de Charles Laughton y Rex Harrison, hizo su primera película en Hollywood: "Murder in the family" junto a Roddy McDowel y Jessica Tandy. Se transformó en una de las heroínas de la Universal, ideal en comedias, dramas relatos bélicos, musicales y películas de terror. Figuran en este género : "El hombre lobo"; "El Fantasma de Frankenstein" ( 1942); "El hijo de Drácula" y "Las voces del terror" ( 1942), entre otras. Su filmografía abarca más de 50 películas. Retirada del cine en Hawaii, sólo volvió para actuar en : "No greater love", relato de corte religioso que hizo junto a su marido, el actor Richard Denning.

 

Julie Adams :Hermosa actriz norteamericana cuyo cultismo se debe a su participación en la horror movie "El monstruo de la laguna negra" ( 1953 ) de Jack Arnold. Si bien hizo westerns, thrillers y dramas, nunca estuvo mejor que enfundada en un bikini blanco, despertando el apetito sexual de un anfibio. Esta fotografía publicitaria, está en los anales de la historia del cine. A Julie la puedes descubrir en : "Nuevo amanecer" ( "Bright victory", 1951); "Horizontes del Oeste" ( "Horizont West", 1952); "El caballero de Mississippi" ( "The Mississippi gambler", 1953) ; "La guerra secreta del Mayor Benson" ( 1955) y "El sheriff de Dodge City" ( "Gunfight at Dodge City", 1959), entre otras.

 

Resumen Cronológico.

___ Este resumen con todas las grandes majors y las productoras independientes, grafica cuantas manos han logrado mantener el negocio de la producción de películas en Estados Unidos.
Nunca es tarde para entender las distintas variaciones que ha sufrido la industria del Cine, con estos cambios de directorios y los nuevos propietarios que le han dado una nueva orientación al millonario negocio. 
En posterior entrada, conoceremos la realidad de otras tres productoras de la Era Dorada del Cine y algunos nombres de productores famosos, que es importante valorar en su justa medida. Fuente actualizada por Wikipedia.

Las ocho majors de la Época Dorada del Cine.

La ciudad del cine norteamericana con una de sus productoras emblemáticas.

 

Columbia Pictures

• independiente como CBC Film Sales, 1920–1924 (fundada por Harry Cohn, Joe Brandt, y Jack Cohn)
• independiente, 1924–1982 (la compañía cambia de nombre; se torna pública en 1926)
• Entre 1982–1987 (comprada por Coca-Cola; TRI STAR PICTURES, un joint venture con HBO y CBS iniciado en 1982—CBS se sale en 1984)
• independiente como Columbia/Tri-Star, 1987–1989 (desvestida por Coca-Cola; también en 1987, HBO se sale de Tri-Star, la que se fusiona con Columbia)
• SONY 1989–presente (comprada por Sony)

20th Century-Fox

• independiente, 1935–1985 (su fusiona con TWENTIEH CENTURY FOX; comprada en su totalidad por MARC RICH y MARVIN DAVIS en 1981; los intereses de Rich fueron comprados por Davis.
• independiente la Fox, 1915–1935 (fundada por WILLIAM FOX.  Fox forzó a vender, controlando los intereses en la ahora compañía pública, en 1930)
• En 1984; la mitad de los intereses de Davis fueron comprados por la empresa de RUPERT MURDOCH, NEWS CORPORATION, en marzo de 1985)
• NEWS CORPORATION, 1985–presente (compra el resto de las acciones de Davis en septiembre).

Warner Bros.

• independiente como Warner Brothers West Coast Studio, 1919–1923 (fundada por los hermanos JACK, HARRY, ALBERT Y SAM WARNER ).
• independiente, 1923–1929 (la compañía cambia de nombre y se vuelve pública, los hermanos mantiene el control de los intereses; Sam Warner muere en 1927)
• independiente como Warner Bros.–First National, 1929–1967 (adquiere FIRST NATIONAL PICTURES; el sndicato dirigido por SERGE SEMENENKO de FISRT NATIONAL BANK OF BOSTON y Charles Allen Jr. compran intereses controladores de Harry y Albert Warner en 1956)
• WARNER BROS-SEVEN ARTS 1967–1969 (comprada por y fusionada con SEVEN ARTS PRODUCTIONS)
• KINNEY NATIONAL COMPANY 1969–1975 (Kinney compra Warner Bros.–Seven Arts)
• WARNER COMMMUNICATIONS 1975–1989 (Kinney cambia de nombre)
• TIME WARNER, 1989–present (Warner se fusiona con TIME INC; de 2000 a 2003, la compañía matriz fue conocida como AOL Time Warner, a continuación de la fusión con AOL ).

Paramount Pictures

• independientee como Famous Players–Lasky, 1916–1921 (fundada como compañía pública via fusión de ADOLPH ZUKOR"S FAMOUS PLAYERS y JESSE L.LASKY, SAMUEL GOLDFISH ( posteriormente Goldwyn),DUSTIN FARNUM y la compañía de DECIL B.DE MILLE Jesse L. Lasky Feature Play Company, seguido de la adquisición de la casa de distribución de Paramount Pictures)
• independiente, 1922–1966 (la compañía adopta el nombre de la división de distribución)
• GULF Y WESTERN INDUSTRIES, 1966–1989 (comprada por Gulf+Western)
• PARAMOUNT COMUNICATIONS 1989–1994 (Gulf+Western cambia nombre después de vender activos no relacionados con entretenimiento)
• VIACOM 1994–2005 (Viacom compra Paramount)
• VIACOM, 2006–present (Viacom se divide en dos compañías: «nueva» Viacom—con Paramount Pictures,METV, BET, y otros canales de cable—y CBS CORPORATION que incluye CBS PARAMOUNT TELEVISION ).

Universal Pictures

• independiente, 1912–1946 (fundada como compañía pública via fusión de CARL LAEMMLE"S independiente Motion Picture Co., PAT POWERS"s Powers Picture Co., Adam Kessel y Charles Baumann's Bison Life Motion Pictures, Mark Dintenfass's Champion Film Co., William Swanson's Rex Picture Co., y la Nestor Film Co.)
• independiente como Universal-International, 1946–1952 (fusionada con International Pictures)
• DECCA, 1952–1962 (comprada por Decca)
• MCA, 1962–1990 (MCA compra Decca)
• MASUSHITA ELECTRIC, 1990–1995 (Matsushita compra MCA)
• SEAGRAM, 1995–2000 (comprada por Seagram de Matsushita)
• VIVENDI,, 2000–2004 (Vivendi compra Seagram)
• GENERAL ELECTRIC,, 2004–presente (comprada por GE de Vivendi y fusionada con NBC para formar NOBC UNIVERSAL ).

El cine sigue siendo uno de los negocios más rentables de Estados Unidos.

 

Metro–Goldwyn–Mayer (fusionada en Sony/Columbia)

• LOEW"S INCORPORATED, 1924–1959 (founded via merger of Loew's-owned METRO PICTURES with GOLDWYN PICTURES and LOUIS B.MAYER PRODUCTIONS, comprada por William Fox in 1929; Fox forced to sell off interest in 1930; Loew's cedes operational control to studio management in 1954)
• independiente, 1959–1981 ( lo que quedaba de la original empresa de Loew's; comprada por E.BROFMAN SR.. en 1967; comprada por KIRK KERKORIAN en 1969)
• independiente as MGM/UA, 1981–1992 ( comprada por TED TURNER in 1986; recomprada por Kerkorian setenticuatro días despúes; comprada por GIANCARLO PARRETTI in 1990)
• CREDITOS LYONNAIS, 1992–1997 ( como  MGM/UA)
• independiente as MGM/UA, 1997–2005 (recomprada por Kerkorian)
• SONY/ COMPCATS/4  Y OTRAS FIRMAS PRIVADAS, 2005–AL PRESENTE (comprada por Sony ).

United Artists (fusionada en MGM)

• independiente, 1919–1967 (fundada por CHARLES CHAPLIN, DOUGLAS FAIRBANKS, D.W.GRIFFITH, y MARY PICKFORD; control operacional por ARTHUR KRIMM y ROBERT BENJAMIN desde 1951; comprada totalmente por Krim y Benjamin en 1956)
• TRANSAMERICA, 1967–1981 (comprada por Transamerica)
• MGM/UA, 1981–presente (comprada por Kirk Kerkorian a Transamerica y fusionada en MGM; ver arriba para más detalle).

RKO Radio Pictures (fenecida entre 1960–80, durmiente entre 1993–97)

• RCA, 1928–1935 (fundada como compañía pública como FILM BOOKING OFFICES OF AMERICA y  KEITH-ALBEE-ORPHEUM; despúes RCA desde 1930)
• independiente, 1935–1955 (  RCA comprada por FLOYD ODLUM, que controla RCA, Odlum, y los hermanos ROCKEFELLER; comprada por Odlum en 1942; y más tarde, comprada por HOWARD HUGHES; En 1948; Hughes la recompra en dos ocasiones en 1953 y 1954.)
• 1955–1984 (comprada por General Tire and Rubber rebautizada como RKO Teleradio Pictures; para la producción y distribución desde 1957; se termina en 1959 y RKO Teleradio es rebautizada como RKO General, que luego establece RKO Pictures como productora sibsidiaria desde 1981)
• GENCORP, 1984–1987 (una reorganización crea una compañía de holding con RKO General y General Tire como subsidiarias primarias)
• WESRAY CAPITAL, 1987–1989 (spun off from RKO General, comprada por Wesray—controlada por WILLIAM A.SIMON y RAY CHAMBERS—y fusionada con operaciones de parque de diversiones para formar RKO/Six Flags Entertainment)
• independiente, 1989–presente (división de Six Flags, comprada por DIANA MERRILL Y TED HARLEY y fusionada con Pavilion Communications; no se produjeron ni distribuyeron films entre 1993 y 1997).

 

Las productoras tradicionales han diversificado el negocio.

  

Otras entidades significativas

• ARTISAN ENTERTAIMENT– Comprada en 2003 por Lions Gate Entertainment
• Castle Rock Entertainment – Comprada en 1994 por TURNER BROADCASTING SYSTEMS; TBS en 1996 fusionada con Time Warner
• DreamWorks SKG – Comprada en 2006 por Viacom (compañía madre de Paramount)
• THE SAMUEL GOLDWYN COMPANY – Comprada en 1996 by JOHN KLUGE/Metromedia International; comprada en 1997 por MGM
• Miramax Films – Comprada en 1993 por Walt Disney Company
• New Line Cinema – Comprada en 1994 por Turner Broadcasting System; TBS en 1996 fusionada con Time Warner
• OCTOBER FILMS – Comprada en 1997 por Universal; comprada en 1999 por BARRY DILLER y fusionada con GRAMERCY PICTURES en USA FILMS; USA en 2001 adquirida por VIVENCI (luego la compañía madre de Universal) y fusionada con Good Machine y Universal Focus en Focus Features
• Orion Pictures – Comprada en 1988 por Kluge/Metromedia; comprada en 1997 por MGM
• PIXAR – Comprada en 1986 por STEVE JOBS; comprada en 2006 por Walt Disney Company
• Tri-Star Pictures – Consolidada en 1987 con Columbia (uno de los partners en el joint venture que la creó).

Fotos - Gentileza : Sony Pictures Entertaiment Museum- 20th.Century Fox- Columbia Pictures- Universal Pictures- Entertaiment Weekly- Variety- 25 Media- Classic Movies- Old Hollywood- The Art of Movement- Just Dance- Filmstars- Doctor Macro- Shorpy- Fine Art America- Fondation Jerome Seydoux- Hollywood Photographs- Hollywood Canteen- Movie Studios- Hollywoodland- Vintage Hollywood Photos- Hollywood Walk of Fame- Archivo.-

Portada de "Empire con 500 Grandes Películas de Todos los Tiempos y Marlon Brando encabezando la lista con su "Nido de Ratas".

Nuevo afiche para la citada película dirigida por Elia Kazan.

Poster original de "Caballero sin espada" de Frank Capra.

Afiche original del drama antibélico "Sin novedad en el frente".

Poster de la versión que interpretara la prodigio Shirley Temple.

Aviso original de "Frankenstein".

Casting original de "Drácula".

La serie filatélica con los monstruos de la Universal.