Séptimo 7 sello: El Fenómeno del "Remake" o la Nueva Versión :

Doble de Cuerpo.

Los personajes clásicos de la literatura como Tom Sawyer y Huckleberry Finn, han sido adaptados en numerosas ocasiones al cine, porque su encanto nunca pasa de moda.

__ El Cine norteamericano, se ha visto resurgir de la crisis de guiones originales, con la fórmula de las "remakes" ( o nuevas versiones de éxitos antiguos).
Es un caldo de cultivo comercial, que las productoras utilizan para salvaguardar la inversión, pero sobretodo, para reutilizar los formatos vistos con la excusa del nuevo tratamiento argumental, agregados adicionales, nuevos efectos visuales, color, o simplemente, el goce de recapitular un cuento ya conocido.
Como en todo negocio, la industria cinematográfica prefiere arriesgar poco en razón de una premisa, que se ha hecho común, y que tiene a directores atrevidos intentando reflotar ideas preconcebidas, cine extranjero o lisa y llanamente, argumentos de éxito comprobado.
Es la réplica que provoca un efecto colateral en las "majors" : al riesgo de fotocopiarse, agotando la gallinita de los huevos de oro.
La "remake" no es una cuestión exclusivamente americana. De hecho, Ustedes recordarán cuando la productora inglesa "Hammer" le compró los derechos a la "Universal", para rehacer sus viejos éxitos del cine de terror de los años treinta y cuarenta, logrando grandes obras porque, sencillamente, extendieron las premisas básicas robusteciendo el material original, con una visión más atrevida, la incorporación del erotismo, la sangre y el color, además de los ambientes neovictorianos ingleses, que revitalizaron el cuento gótico con gran sentido de la innovación, el ritmo y los valores estilísticos.

Algunos ejemplos.

Käre Hedebrant y Lisa Lendersson saltaron a la fama, en la versión original sueca de "Creatura de la noche"/Déjame entrar".

Käre Hedebrant inició una carrera con "Creatura de la noche"/"Dejame entrar", la innovadora y nostálgica película de vampiros adolescentes, que ahora lo tiene abocado a la televisión.

Kodi Smith McPhee y Chlöe Grace Moretz en la versión americana : "Let Me in".

__"Dejame entrar" ( 2007) del sueco Thomas Alfredson, se convirtió en toda una revelación cuando se exhibió en Sitges y, paralelalemente, conquistó los festivales internacionales más importantes del mundo, con una visión renovada del vampirismo.
La película no sólo era un relato terrorífico, enormemente evocador, original y romántico, sino un estudio profundo de la soledad en el mundo de la infancia, del "bullying" en el colegio, de la fractura familiar y de la pedofilia encubierta ( el hombre que acompaña a Lina Lendersson en el cuento original, es un violador de niños ).
Además, el relato reutiliza los códigos narrativos de Bram Stoker, para enlazar acontecimientos violentos en una Estocolmo de los 70, absolutamente malsana, insegura y gélida, para ampliar el nivel de sugerencias en la modernidad urbana.
Su "remake" americano vino cuatro años después con : "Let Me In" ( 2011), de Matt Reeves, que transmuta el relato y parte por el medio del conflicto central, para remarcar el sadismo y la violencia, neutralizando los tópicos culturales y sicológicos, que hacen aún más entrañable la versión sueca.

Janet Leigh en la versión original de Alfred Hitchcock.

Vince Vaught como Noman Bates, en la versión calcada, plano a plano y en color de Gus Van Sant.

Freddie Highmore en "Motel Bates" para la televisión cable, que se deriva del clásico de suspenso.

"Sicosis" ( 1960) de Alfred Hitchcock, es una película de terror que el maestro inglés, casi cede a la televisión , convencido que tenía ante sí, una obra menor y de escasa relevancia.
Ciertamente, la música de Bernarr Herrman, eleva por los cielos los efectos de la controvertida historia, acerca del demente Norman Bates que, desde el motel de su madre fallecida, amenaza a los arrendatarios con un sadismo arrollador y una demencia infernal producto de sus obsesiones materno-filiales.
El filme fue rehecho, encuadre por encuadre y en color, con sonido THX y tecnología de punta por Gus Van Sant, pero no logró ni siquiera eclipsar a su original en blanco y negro.
Tal vez, porque a pesar de fotocopiar con minuciosidad toda la obra hitchcokiana, adolece del espíritu intransigente, el humor negro corrosivo y las vueltas de tuercas sorprendentes, que eran modelo de eficacia en el maestro.
Algo diferente le ha ocurrido, a la serie de televisión "Motel Bates" ( 2013-14), con el otrora niño prodigio inglés Freddie Highmore, ya que goza de gran audiencia, en su segunda temporada por el cable.

Sue Lyon en la primera versión de "Lolita" de Stanley Kubrick.

Dominique Swain en la versión más reciente de 1997, de la novela de Nabokov.

"Lolita" ( 1961) de Stanley Kubrick, fue en su momento, una obra controvertida, rupturista, visceral, polémica. Reveló la epidermis de los "nuevos tiempos" de destape temático, inducido por el rompimiento de las viejas restricciones del Código Hays.
Kubrick lustró el libro de Nabokov y lo transformó en la historia de una tragedia. La tragedia de estar perdidamente enamorado de una sílfide, cuando se dobla la esquina de la edad.
Viejo verde enamorado de una chiquilla, que se casa con su madre para estar cerca de ella, corromper su propia moralidad, en detrimento de una obsesión síquica y sexual : poseer a la ninfa constante - y como una tarántula - comérsela.
En el buen sentido de la palabra, el filme vino a significar, aire fresco en el tratamiento de un tema íntimo controvertido y ambiguo.
Sue Lyon volvió loco a James Mason a expensas de Shelley Winters, que se juraba querida y amada entre almohadas rotas y colonias baratas.
La obviedad de las situaciones, estaban remarcadas por Kubrick con una sutileza ambigua y febril, digna de ripley.
Recuerden cuando Mason regresa a constatar como su "hija adoptiva" malvive , embarazada, planchando camisas rotas, y asumiendo que se casó por amor.
Pistola en ristre para Mason que no cogió con Sue, sino que con la Winters, mientras le duró apacible y encantadora.
Estas disyuntivas que son de "piel", Kubrick las logró con un distanciamiento conciente, trabajado y subrayado mediante un montaje eficaz, cerebral, que tejió las "redes " del triángulo, con una erección visual : recuerden las escenas cuando Mason le pinta los dedos de los pies a su lolita, o cuando esta se le acerca en plan de travesura.
Entre almohadas y suspicacias, ella creció y aprendió que el hombre no sólo está para protegerla, sino que, para amarla. Para recorrerla con sus manos, como un artesano moldeando la greda.
Así, erotismo y corrupción, parecían desequilibrar la apacibilidad de una vida mundana de provincias.
Si bien la nueva versión contiene el atractivo en la actuación dominante de Jeremy Irons, el acentuado juego estetizante del color, el abuso de los lugares comunes del conflicto y la parafernalia chauvinista de creer en las relaciones filiales entre pares desconocidos, destruyeron por completo el "avis corpus" de Nabokov.
Ni Adrian Lyne con sus pastiches visuales tipo clip, ni la bella pero inexpresiva nueva "Lolita" Dominique Swain, logran insuflarle algún atractivo a esta tontería.

Desde sus Orígenes.

Robert Stack en la serie televisiva "Los Intocables".

Sean Connery, Kevin Costner, Andy García y Charles Martin Smith, en la versión cinematográfica de la serie realizada por Brian De Palma.

__A principios de este milenio, tras la escaramuza de guionistas trasladados a la TV Cable, después de exigir mejoras salariales a las "majors", se produjo en Hollywood una arritmia creativa que podía ser peligrosa y autodestructiva.
La verdad es que las "majors" lograron controlar la anemia, que provocó la fuga masiva de grandes talentos, entre escritores, guionistas y literatos, insistiendo en la usurpación de creativos del comic - de ahí la moda de los superhéroes en el cine -, y la instauración - casi por ley - de las secuelas, precuelas y continuaciones ( que es otro fenómeno por estudiar ).
Del mismo modo, la tendencia de las "remakes", lograron instituírse casi obligadamente para salvaguardar los beneficios económicos del negocio.
Este fenómeno de reciclar cuanto producto se cruce en el camino , incluye para utilizar como argumentos, los esquemas básicos de : videojuegos famosos, tiras cómicas, dibujos animados, series de televisión, shows, realitys , etc.-
Recuerden que, el realizador Brian De Palma hizo un brillante ejercicio de estilo, cuando le tocó reciclar la serie "Los Intocables" ( 1987), y después John Woo transformó a la modernidad estética, "Misión Imposible"( 1995), con espléndidos resultados.
Suma y sigue. La lista somera de trasvasijes, debe considerar títulos inolvidables como : "Viaje a las Estrellas", "El Fugitivo", "Dragnet", "Flipper", "Los Angeles de Charlie", "Starky y Hutch", "G.I.Joe", "Los Thunderbirds", "Perdidos en el Espacio", "Los Locos Adams", "Los Duques de Hazzard", "Los Vengadores", "La Familia Brundy", "Daniel, el Travieso", "Los Beverly Ricos", "Hechizada", Fuga en el siglo XXIII", "Battlestar Galáctica", etc, etc,etc.

Un Repaso Pormenorizado.

La novela homónima de Bram Stoker "Drácula", dió para esta versión de 1931 con Bela Lugosi, que también conoció una remake en castellano, rodada en paralelo en los estudios "Universal".

En efecto, "Drácula" de George Melford, destacó por la actuación de Carlos Villarías y un guión más audaz.

Christopher Lee como el "Drácula" de la "Hammer".

"Tarzán de los Monos" es otro de los personajes literarios más reversionados del cine. Aquí en la encarnación de : Johnny Weissmüller, Maureen O"Sullivan y Johnny Sheffield.

Lex Barker interpretó al personaje de Burroughs, junto a Dorothy Hart y Tommy Carlton.

El mítico "Superman" con Christopher Reeve.

Henry Cavill es el nuevo "Hombre de Acero".

___¿ Cuándo surgió el fenómeno de la nueva versión, o el "remake" ?
Desde los tiempos, en que se rodaban dos o tres versiones en diferentes idiomas de una misma película. Esto, para internacionalizar una propuesta temática o una obra original.
Es bien reconocida la versión de "Drácula" ( 1931), que los estudios Universal hicieron en inglés y en español.
Mientras Bela Lugosi, se desdoblaba con sus contorsiones animalescas en sesiones diarias en la tarde; Carlos Villarías hacía lo suyo, en la noche.
Para muchos entusiastas, la versión en español está mejor lograda, por sus atmósferas, y porque se atrevían a ir un punto más allá del original de Bram Stoker, sin las incidencias del código Hays.
"Tarzán de los Monos", el célebre personaje de Edgar Rice Burroughs, ha conocido múltiples versiones y revisitaciones, casi desde sus mismos orígenes con Elmo Lincoln.
Numerosos han sido los actores que se han probado el taparrabo de guardarropía, quedando en el recuerdo, la figura del atlético nadador olímpico Johnny Weissmüller y la impronta europea de Lex Barker, y aunque se temió la muerte del héroe, tras unas escabrosas versiones eróticas con Bo Derek, se proyecta una revisión del mito, que estará a cargo de Guillermo del Toro.
Si se analiza este afán por rehacer viejas películas, se multiplicó en serio, en la década de los años setentas, con la reversión de clásicos de matinéé como : "Superman"( 1979) con Christopher Reeve y un elenco multiestelar de primeras figuras como Marlon Brando y Gene Hackman; Spiderman" ( 1977), originalmente proyectado para la televisión, con uno de los "hijos" de la Familia Von Trapp de "La Novicia Rebelde"/"Sonrisas y Lágrimas" en el rol estelar , Nicholas Hammond; "Flash Gordon" ( 1980), la versión más kistch y esotérica producida por Dino De Laurentiis con Max Von Sydow y Ornella Muti, desempeñando roles secundarios relevantes, y "El Zorro" ( 1977 ) revitalizado por la apariencia del francés Alain Delon, que acometió el proyecto a solicitud de su hijo, y después como modelo arquetípico del español Antonio Banderas, en las tierras del Tío Sam.

La Oleada del Terror Moderno.

"Nosferatu" es un clásico de clásicos de Murnau.

El director alemán Werner Herzog, dirigiendo su versión de "Nosferatu" con Klaus Kinski e Isabelle Adjani.

"La Momia" con Boris Karloff y Zita Johan.

La nueva versión de "La Momia" se benefició de los FXs digitales.

Karloff como el monstruo de "Frankenstein".

Robert De Niro interpretó al monstruo en 1994.

El último Frankenstein, basado en una obra gráfica.

___Los géneros más dóciles para reversiones de clásicos, son el terror y la ciencia ficción.
Este auge sostenido, comenzó en la década de los años setenta y ochenta, con la insistencia de algunos directores que reutilizaron el material novedoso de cierto cine B, para acentuar las obsesiones y aprehensiones de la sociedad industrial de los países desarrollados.
El director John Carpenter, reformuló con gran sentido del ritmo y eficaces efectos especiales de última generación ( cuando áun no existían los FXs digitales), el clásico de sci fi de los años cincuenta "The Thing" ( 1982), traducida aquí como"La Cosa" o "El Enigma de otro mundo". Sus resultados fueron más que plausibles, logrando una obra redonda que cautiva por su ritmo y originalidad.
"La Mancha Voraz" ( 1988 ) de Chuck Russell, que se basa en el argumento del filme de 1958 con Steve McQueen, fue rehecha con Kevin Dillon en el rol central, y la cinefilia aparente de raíz hitchcokiana.
Es una película maravillosamente entretenida, rápida, ingeniosa y gore.
El director alemán Werner Herzog, lució sus conceptos metafísicos y estéticos con su versión remozada de "Nosferatu" ( 1978), que potencia el argumento del gran clásico expresionista de Friedrich Murnau.
A la sazón, las actuaciones brillantes de Klaus Kinski e Isabelle Adjani, resultaron tan fantasmagóricas como la mejor fiesta de Halloween.
Mientras George A Romero, se sumergía en las continuaciones de sus zombies metafóricos del consumismo de los "nuevos tiempos", desde que diera en el clavo con "La Noche de los Muertos Vivientes", reaparecieron los monstruos clásicos de la Universal en diferentes momentos de la estela productiva.
"Drácula" ( 1992 ) de Francis Ford Coppola, fue transformada en una tragedia operática romántica, con una inolvidable partitura musical de Wojcieck Kitar, y unas logradas actuaciones de Gary Oldman y Winona Ryder.
"Entrevista con el vampiro"( 1994) de Neil Jordan, vino a retomar la base literaria del original de Mary Shelley, añadiéndole un sentido contemporáneo a la trama.
A las pulsaciones de sed por sangre humana de los vampiros, le sumó, el de las pulsaciones homoeróticas, insistiendo en el mensaje pro SIDA, en tiempos en que la enfermedad, recién daba cuenta que se iba a transformar en una pandemia silenciosa.
"Frankenstein" ( 1994) de Kenneth Branagh, nos devolvió el lado más humano del monstruo creado por el doctor obsesionado con imitar a Dios, acentuando la dualidad entre su personaje y su creatura.
Hace poco se estrenó "I, Frankenstein" ( 2014) de Stuart Battlie, con Aaron Eckhart, Billy Nighy, Miranda Otto e Yvonne Strakovski, una versión más cool y freak de la obra original, con un monstruo posmoderno y una estética tipo comic para adultos.
¡ Pobrecito, en que te han convertido !
"La Momia" ( 1999 ) de Stephen Sommers, incentivó el cruce holístico entre géneros dicímiles : la aventura licérgica tipo "Indiana Jones", el barroquismo formal de la "Orientalia", como cuento maravilloso, y el terror digital, con efectos imposibles de recrear una década antes.
"El Hombre Invisible" ( 1933 ) revivió en unas "Memorias" contemporáneas, dirigidas por John Carpenter, más dispersas por el lado de la comedia y el humor socarrón, y definitivamente intrascendentes, debido a su conformismo comercial de pasatiempo veraniego.

Lon Chaney Jr. y Evelyn Ankers en "El Hombre lobo", versión años cuarenta.

El Hombre lobo" en su versión más reciente, con Benicio del Toro.

Claude Rains en "El Fantasma de la Opéra".

La versión musical de "El Fantasma de la Opera" del 2004, con partituras de Andrew Lloyd Webber.

En 1920 , el actor John Barrymore interpretó "Dr.Jekyll y Mr.Hyde".

Fredric March reversionó la obra en 1931, con una extraordinaria caracterízación simiesca.

Spencer Tracy hizo lo suyo en 1941.

Caricatura para la versión televisiva del 2008.

"El Hombre lobo" ( 2000) de Joe Johnston, una pequeña obra maestra en su estilo, barroca, tenebrosa, oscura, trágica, que se sostiene por la animalesca actuación del notable Benicio del Toro, los extraordinarios Fxs, y la estupenda recreación de época, que transmite las atmósferas más características del cuento gótico.
Del Toro es un nuevo Robert De Niro. Un camaleón de la actuación.
A propósito de De Niro, no debemos olvidar otra reciclada idea de la licantropía, que mueve el espíritu de : "Lobo" ( 1993 ) de Mike Nichols, que subrayaba el tono erótico con la inclusión de la bellísima Michelle Pfeiffer.
Las transformaciones no son únicamente producto de la luna llena, sino de las pulsaciones básicas que tiene el hombre por acostarse y hacerlo con la chica de tus sueños.
"El Fantasma de la Opera" ( 1920 ) de Rupert Julian, contiene algunas de las escenas más logradas del actor Lon Chaney Sr.
La novela de Gastón Leroux, fue trasladada con lujo de detalles a la pantalla y ha sido un material atractivo para los directores, que ya la han adaptado, en doce ocasiones desde 1916.
También es famosa la versión en espléndido "Technicolor" que hizo la "Universal", con Claude Rains y Nelson Eddy; y que incorpora el musical, a un entramado terrorífico, lleno de sugerencias plásticas de buena estirpe.
Detrás del horror que se esconde en las catacumbas de la ciudad, está la belleza, que se dispersa en las actuaciones de la "prima donna" del bel canto.
La "Hammer" británica, readaptó la novela de Leroux, en 1962, con una magnifica versión protagonizada por Herbert Lom, que sufre la tragedia del artista frustrado y deformado; para insistir en el 2004, con la versión musical de Andrew Lloyd Webber, dirigida por Joel Schumacher, con Gerard Butler en el papel central.
"Dr.Jekyll & Mr.Hyde" del libro de Robert Louis Stevenson, ha conocido varias versiones : la muda de 1920, dirigida por John S.Robertson, que se destaca por la actuación de JohnBarrymore; la extraordinaria recreación estilística de Rouben Mamoulian de 1931, con un notable Fredrich March convirtiéndose frente a cámara, entre modélicas transiciones del montaje; la de Victor Fleming de 1941, con Spencer Tracy e Ingrid Bergman, que devuelve al original a su lado dramático; la de la "Hammer" de 1960 con Herbert Lom, y la dirección de Terence Fisher, que hace hincapié en la lucha interna que sufre el personaje central; y la versión canadiense de 1999, con Adam Baldwin mutando bajo la supervisión de Colin Budds.
También hay una versión modesta, efectuada para la televisión en el 2008, pero cercana al texto original.

En "La Profecía", el pequeño Harvey Stephens, interpretaba al hijo del demonio.

En la nueva profecía, el mal era encarnado por Seamus Davey- Fitzpatrick.

"La Mosca" con Vincent Price.

Dibujo con "La Mosca" de David Cronenberg.

"La Profecía" ("The Omen", 1976) de Richard Donner, narraba la llegada del AntiCristo, dentro del matrimonio conformado por Gregory Peck y Lee Remick.
El filme escaldaba la presencia del mal entre nosotros, acentuando con eficacia y efectos truculentos, la infancia maldita del hijo del mal, aplicando grandes dosis de suspenso y tensión, a una trama sugerente y atractiva.
En el 2006, se intentó repetir el fenómeno de taquilla, con una campaña mediática sobredimensionada para una "remake" dirigida por John Moore, que no incentivó ni a las moscas para llevarlas a las salas de exhibición.
A propósito de insectos, "La Mosca" ( 1958) clásico de la sci fi espléndidamente narrado por Kurt Neumann, incentivó al director canadiense David Cronenberg, ha filmar un remake, que es tan maravillosa como su original.
Todavía replican en el conciente colectivo, las escenas espantosas de la película, donde Jeff Godblum se va convirtiendo en un insecto voraz, para dolor de una Geena Davis acongojada por la metamorfosis, en el comienzo de su carrera estelar.
No por nada, ambos actores se conocieron en el plató, se enamoraron y mantuvieron un romance, que terminó en el altar, a guisa de durar unos pocos años.
Otras cintas del "gore", han recapturado la pasión obsesiva de Wes Craven, John Carpenter y George A. Romero, en sucesivos traslados de sus clásicos más conocidos como : "La Matanza de Texas", "Halloween", "La Niebla" y "El Amanecer de los Muertos". Asustan pero resultan manipulativas, superficiales, esquemáticas, abortivas de sus propios orígenes.
Se trata de productos "fríos", lineales, sin "alma" autoral, elaborados para producir una demanda económica entre la nueva juventud que asiste al cine, y que definitivamente, no abre ninguna nueva veta en el género más explotado y popular de Occidente.

Del Espacio y más Allá.

"La Guerra de los Mundos" de Byron Haskin, acentúo el uso del color en su propuesta visual.

La versión de Spielberg con Tom Cruise y Dakota Fanning, adicionó el encanto por unas dantescas máquinas.

Mosaico con escenas destacadas del clásico "Invasores de Marte".

La "remake" de Tobe Hopper, incluye el homenaje cinéfilo y el humor corrosivo.

__Distintos niveles de lectura, han logrado "remakes" interesantes de clásicos de ciencia ficción y fantasía.
El midas Steven Spielberg, reformuló la novela de H.G.Wells "La Guerra de los Mundos" ( 2005), con excelentes resultados formales y estéticos.
Si la película original de 1953, de Byron Haskin, acentuaba el valor cromático de la propuesta, otorgándole encendidos colores para el monstruo marciano y los rayos de los platillos voladores; Spielberg optó por reemplazar las naves por máquinas - como el texto original -, y todos los FXs fueron desarrollados por computadora, con el suficiente realismo como para dejar sin aliento.
Tom Cruise y Dakota Fanning, están estupendos como el padre y la hija, que deben escapar a toda costa del cautiverio alienígena.
Además, si se fijan detenidamente, en la escena final de regreso a casa de los padres de ella, aparecen en breves cameos : Gene Barry y Ann Robinson, la pareja protagónica de la versión original.
"Invasores de Marte ( "Invaders from Mars", 1953) es una maravillosa fantaciencia, que especula sobre la invasión marciana, desde las experiencias de un niño ( Jimmy Hunt) con su familia, dominada por seres de otras dimensiones, y que tiene un encanto sólo superado, por los magníficos FXs, los novedosos diseños de las naves voladoras, y los decorados del gran William Cameron Menzies, también en la dirección.
Su remake de 1986 efectuada por Tobe Hopper, e interpretada por el niño Hunter Carson y su madre Karen Black, es una divertida alegoría al cine B en general, hecho con mucha cinefilia y sentido del humor.

"El Planeta de los Simios" de 1968, con Charlton Heston, Kim Hunter y Roddy McDowell.

La nueva versión, llevada a cabo por el director Tim Burton.

La recapitulación del 2012, con su mensaje humanista y proteccionista.

Lobby card de "La Invasión de los ladrones de cuerpos".

"La Invasion de los ladrones de cuerpos" ("Invasion of the body snatchers", 1956) de Don Siegel, es una metáfora anticomunista, que repliega adecuadamente sus códigos genéricos, para trascender como un relato original, acerca de los clones de seres humanos que desarrollan unos alienígenas, a partir de unas enormes vainas desde la cuales pretenden poblar la Tierra.
Sugestivamente, Phillip Kaufman agregó una esporas espaciales para su remake en 1978, que está actualizada a los problemas contemporáneos como la sobrepoblación, las enfermedades y la incomunicación.
Finalmente, en los noventa hubo otra versión, que reacomodó sus patrones dramáticos en función de la posibilidad de una enfermedad contagiosa.
El clásico "Planeta de los Simios" ( 1968) de Franklin Schaffer con Charlton Heston, conoció una nueva versión dirigida por Tim Burton, donde sobresalieron los efectos de maquillaje y su oculta transcripción racial, más sintomática en la elaboración de los caracteres de los simios.
Recientemente, otra versión ( 2012), integraba la premisa de una revolución a escala global, para detener las crudas experimentaciones humanas y la violencia contra los animales.
En una curiosa campaña de marketing de la película, los simios aparecían en actitud belicosa, frente a distintos fondos característicos de cada país, donde se exhibió la película. Grande fue la sorpresa de los espectadores, cuando atisbaron que, Chile aparecía representado por la Moneda, el Palacio de Gobierno en Santiago, mientras los simios invadían el territorio nacional.

"King Kong" : la primera estrella de la historia del cine, que es un efecto especial.

Afiche más característico del clásico.

Sosteniendo a Jessica Lange, en la versión de 1976.

La versión del 2005 con Naomi Watts.

Poster original de "Godzilla", versión 1954.

La versión americana de 1998.

Un espacio especial en nuestro corazón, tiene "King Kong" ( 1933), la obra maravillosa de Ernest Schoedsack y Merian C. Cooper, donde el protagonista central es un efecto especial.
No tan sólo porque significó un avance sustantivo en el campo de los FXs, sino porque, parceló el rubro de las monsters movies otorgándoles el sello de subgénero.
En alguna medida, esta cinta estelarizada por Fay Wray, Bruce Cabot y Robert Armstrong, demostró que, también se puede hacer arte con la entretención pasajera.
Con el tiempo vinieron los remakes : "King Kong" ( 1976) de John Guillermin, que tiene a su favor, la tremenda figura sensual de Jessica Lange, y en contra, la arcaica monstruosidad de la mole mecánica, que se nota algo pasada a la historia.
El realizador neozelandés Peter Jackson, rodó una nueva "King Kong" ( 2005) y lo hace desde la testera de la cinefilia.
Producción abultada, modélica en cuanto a FXs, digerible como relato de contexto histórico, cinta de aventuras exóticas y película de terror fantástico, es sin lugar a dudas, una perfecta simbiosis entre arte y espectáculo.
En 1954, con la amenaza de la hecatombe nuclear, apareció "Godzilla" ( en algunos países conocida como "Japón bajo el terror de los Monstruos"), una película que sobrexplotaba con gracia y encanto, las desventuras de un Tokyo amenazado por una creatura sauria de 400 pies de altura.
Unas líneas más adelante, hablaremos de ella en extenso.

En el rodaje de "Alien" ( 1979).

Charlton Heston en "El Ultimo hombre vivo"

Will Smith repitió al personaje en "Soy leyenda".

"La Máquina del Tiempo" en la versión de 1960, con Rod Taylor.

"Alien" ( 1979) de Ridley Scott, fue un remedo a escala superior, de "It ! The Terror from Beyond Space, un filme barato que se desarrollaba dentro de una nave amenazada por un engendro.
El filme dirigido por Ridley Scott, cautivó al público debido a sus tremendos decorados, la captura visual de la bóveda cósmica en una potente fotografía, y los magníficos argumentos para revelar a Sigourney Weaver, como la nueva heroína de la historia de la sci fi.
Además, la cinta fue la prueba más fidedigna, de lo que puede hacer un puñado de artistas iluminados en su concepción del espacio infinito, al reunir entre sus colaboradores, a gente tan prestigiosa como : Moebious, H.R.Giger y Ron Cobb.
"Cuando el destino nos alcance"/ "El Ultimo hombre vivo" ( "The Omega Man", 1971) de Boris Sagal, fue una curiosa y original cinta de anticipación sobre las consecuencias de una guerra biológica, que ha convertido a los humanos en zombies , salvo a Charlton Heston. Conoció una reciente variación con Will Smith en "Soy leyenda" ( "I"m legend", 2007 ), que alambicó el peso de unos FXs al uso, trivializando el potencial argumental con soluciones narrativas elementales.
"La Máquina del Tiempo" ( The Time Machine", 1960), donde el director y productor George Pal convirtió el oscurantismo de la novela original de H.G.Wells en una aventura inolvidable, conoció una remake en el 2002, dirigida por el nieto del escritor Simon Wells. Pese a su uniformidad narrativa, la película interpretada por Guy Pearce y Jeremy Irons, gustó al público americano, que la convirtió en el mayor éxito del año.
"Las Aventuras del Barón Munchausen" ( 1943) un clásico del cine alemán, dirigido por Josef Von Baky, efectuado para conmenorar el 25 Aniversario de la creación de la productora UFA, destaca por su gran despliegue de elementos técnicos, diseño de producción, utilización del color y sentido de lo maravilloso dentro un relato fantástico.
Muchos de estos elementos, hicieron de la nueva versión emprendida por el británico Terry Gilliam en 1988, una novedad que, acentúo por otro lado, su estilo de humor satírico.
La película alcanza su cenit, en las secuencias de los descabezados con Robin Williams; y en la escena donde aparece Uma Thurman como la diosa del mar.

"La Bella y la Bestia", la obra maestra de Cocteau.

Inmortalizada en una adaptación animada de Disney.

Mosaico con la última versión del 2014.

"El Pueblo de los malditos" de 1960, electrizante parábola de invasión mental.

La remake de John Carpenter de gran riqueza visual y muy sugerente.

"La Bella y la Bestia" ( 1946) de Jean Cocteau, es considerado un clásico de los relatos infantiles, pese a sus amaneramientos y su barroquismo formal, gracias sobretodo a la exquisita fotografía de Henri Alekan y a los inolvidables decorados ( como esos brazos que salen de las murallas y sostienen los candelabros).
En 1991, la productora Disney, efectúa una versión animada musical, que está entre las obras maestras del estudio, porque logra un equilibrio justo y maravilloso, entre las canciones, el relato de amor, el suspenso y la tragedia del monstruo.
Este año, se estrenó recién la remake más moderna, dirigida por Christophe Gans, que tiene a su favor, los estupendos diseños de producción y efectos digitales de última generación, y en contra, lo insípido del relato, la poca sutileza de contar lo conocido con suficiente personalidad, vigor y sentido creativo. Es una mala copia para espíritus recalcitrantes.
"El Pueblo de los Malditos" ("The Village of the dammed", 1960) de Wolf Rilla, es una obra maestra del cine de ciencia ficción B, rodada en Gran Bretaña, y con unos notables efectos sutiles y efectivos.
A la increíble contención dramática que supone la invasión de estos niños alienígenas, capaces de asesinar a un hombre con su sola siniestra mirada, se une la notable sugerencia visual del blanco y negro y un magnífico rodaje hecho en auténticos exteriores.
John Carpenter se propuso dirigir el remake estrenada en 1995, con excelentes resultados.
Si bien incorpora el color, subvierte el patrón dominante de los niños, con la electrizante posibilidad de que en realidad ellos, todavía - existen- y merodean entre nosotros.
La compleja y voluminosa novela de J.R.R.Tolkien, "El Señor de los Anillos", fue adaptada por primera vez, en 1979 por Ralph Balski, donde empleó una nueva técnica denominada "Technofantasy" creado por Francisco Macián, en la cual, se ejecutan dibujos animados sobre imágenes reales, rodadas previamente y montadas sobre fondos croma.
El neozelandés Peter Jackson, con el apoyo de la productora New Line Cinema, llevó a cabo una ambiciosa empresa para rodar alternativamente una trilogía con el libro original.
La obra formalmente acabada, marca un antes y un después en el cine fantástico, pues atemporiza las claves del relato tolkiano, y se reserva para su desenlace, los momentos más categóricos del audiovisual gracias a unos insuperables FXs digitales.
Aunque su verdadero valor, está en la circunstancia, de haber confrontado el desafío de rodar tres películas casi simultáneas y lograr una obra maestra absoluta.
Quizás prima demasiado su tono oscuro, lóbrego y terrorífico, pero el filme es un reflejo inconciente de las incertidumbres que vive el mundo moderno; una gran metáfora sobre el futuro humano, si se relativizan las temáticas de su conjunto como : los excesos del poder, las ambiciones personales, la codicia, la avaricia, la decadencia, la corrupción y la falta de voluntad.

El fisicoculturista, político y actor Arnold Schwarzenegger, en "El Vengador del Futuro" de Paul Verhoeven.

La nueva versión del 2012.

"El Vengador del Futuro"/"Total Recall" ( 1990) de Paul Verhoeven, fue una película de acción marciana, que resultó novedosa por la inclusión de Arnold Schwarzenegger y Sharon Stone ( inolvidable su pelea a patada limpia ), la visión algo manierista de las estaciones satelitales, el ritmo, la acción y algunos FXs, para recrear a la futura población espacial.
Su "remake" del 2012, eleva los conceptos de los diseños de producción a niveles superiores, pero en su conjunto, no supera a su original, al trastocar demasiado los elementos del suspenso y alivianar el ritmo narrativo con clichés y lugares comunes.
"Los Pájaros" ( 1963) clásico indiscutido de Alfred Hitchcock, se reversiona este año. Habrá que ver, cuanto queda del espíritu divino del maestro del suspenso, aunque nos imaginamos que, la nueva película concentrará su exégesis en la innovación tecnológica de los FXs, los ataques de las aves y esas cosas secundarias, que no son la esencia real de la obra.

Clásicos de la literatura.

"La Isla del Tesoro" en la versión MGM, con Jackie Cooper.

La versión en color de Walt Disney.

Charlton Heston en la remake que dirigió su hijo.

___La inmortalidad de la novela de Robert L.Stevenson : "La Isla del Tesoro" ha conocido al menos ocho versiones de distinto interés.
La primera versión muda, dirigida en 1920 por el especialista Maurice Torneaur, fue para mayor gloria del "hombre de las mil caras", Lon Chaney Sr., como el pirata Long John Silver.
Después sobresalen : la versión MGM de 1934, con los estupendos Wallace Beery y Jackie Cooper que, para muchos, es la versión más fidedigna pues conserva, pese a sus años, todo el candor y el encanto de la novela original.
Todavía Cooper saca lágrimas de aliento, en su triste despedida cuando "libera" a Beery y se sacude la nariz hacia el desenlace.
Después, está la película de 1950, realizada por el artesano Byron Haskin para los estudios Walt Disney, con Robert Newton y Bobby Driscoll.
La trama integra el sentido de la aventura con eficacia, solvencia y mucho ingenio.
La fotografía se beneficia del Technicolor.
Newton asume los paradigmas de su personaje con aplomo y sabiduría.
Driscoll está encantador, en un filme emblemático, que inmortalizó su figura, quizás sólo superado por "La Ventana".
También está la versión del chileno Raúl Ruiz, una catarsis desestructuralista, que rearma el texto original de Stevenson, para construír una visión contemporánea, integrista, política, y un discurso inflexible sobre el rol de la audacia juvenil.
A la anodina versión de 1972 con Orson Welles y Kim Burfield, latiguda, espesa y aburrida, se contrapone el "remake" de 1990 dirigido por Fraser C.Heston, para mayor gloria de su padre, el actor Charlton Heston como el pirata Long John Silver, y el ascendente Christian Bale, recién elevado por los aires gracias a Spielberg y su "Imperio del Sol".
El filme es un delicioso relato de aventuras, que remarca "las principales referencias literarias" con logrado sentido épico, espectacularidad y emoción.
La última versión es animada de Disney : "El Planeta del Tesoro", una futurista entrega que se beneficia de la originalidad en la creación de personajes, pero que mantiene inalterable el contenido valórico de la obra original.

Por Siempre, Mark Twain.

El pequeño Jackie Coogan hizo "Tom Sawyer" estrenada en 1930.

La versión de 1938, dirigida por Norman Taurog.

El remake musical con Johnny Whitaker.

Whitaker compartiendo escena con Jodie Foster.

"Las Aventuras de Huckleberry Finn" con Eddie Hodges y Archie Moore.

La más reciente versión de Hucklebberry Finn, estrenada el año pasado.

___Mark Twain, es uno de los escritores clásicos de la narrativa norteamericana, más adaptados a la pantalla grande.
De su obra maestra "Las Aventuras de Tom Sawyer" ("The adventures of Tom Sawyer"), se conocen cuatro versiones, estelarizadas por personajes de carne y hueso, y algunas adaptaciones animadas.
La primera versión data de 1930, es de John Cromwell, y está estelarizada por Jackie Coogan, Mitzi Green, Junior Durkin y Jackie Searle. Es bastante pedestre, algo latiguda, pero interesante, al transcribir las atmósferas de la obra original con fidelidad y poesía.
La segunda producción, rodada por Norman Taurog en 1938, se beneficia del Technicolor, unas estupendas caracterizaciones, sobretodo de Tommy Kelly y May Robson, y unos espléndidos escenarios.
El diseñador William Cameron Menzies, construye en estudio, una cueva jurásica amenazante y terrorífica; y está muy bien narrada por Taurog, integrándole mucho humor, suspenso y aventura.
La tercera versión, está dirigida por el artesano Don Taylor, y es un remake musical para "Readers"s Digest, que intentó abrir una veta en el cine, y que cuenta con las actuaciones alegres y sofisticadas de Johnny Whitaker, Jodie Foster y Celeste Holm, más una entrañable colaboración del estupendo secundario Warren Oates.
Pese a su atractivo reparto y sus manieristas canciones, no logró triunfar en taquilla, por lo que "Reader"s Digest" se dedicó por entero, a seguir publicando libros y colecciones de CDs.
Tras la fallida serie "Huck & Tom" ( 1979) para la televisión, reapareció el año pasado Tom Sawyer, compartiendo escena con su amigo Huckleberry Finn, en "Tom Sawyer & Huckleberry Finn" ( 2013), dirigido por Jo Kastner con Joel Courtney, Jake T.Austin y Katherine McNamara.
Rodada en exteriores, captura parte de las atmósferas del texto original, y matiza la actuación infantil, con algunas interesantes sugerencias sicológicas.
Sin embargo, pese a los esfuerzos de adicionar los personajes centrales de las dos novelas emblemáticas de Twain en una sola aventura, el filme no tuvo mayor repercusión comercial y artística.
Queda la remake de "Tom Sawyer" ( 2014) de la directora alemana Hermine Huntgeburth, con Benno Fürmann (La Princesa y el Guerrero"; "Feliz Navidad", "In darkness"), una reinterpretación en clave moderna del clásico de todos los tiempos.
Próximamente en cartelera.
A no olvidar, finalmente "Las Aventuras de Huckleberry Finn" ( 1960) de Michael Curtiz con el entrañable Eddie Hodges y un elenco de primeras figuras ( ver análisis de la carrera del director ).
Filme entrañable, inteligente, atractivo y refrescante.
En 1993, se hizo el remake que resultó más que lustroso, dirigido por Stephen Sommers y que remarca la ascendente carrera del prodigio Elijah Wood.
La película sigue al pie de la letra el texto original, está rodada en escenarios naturales y logra desarrollar un discurso antiracista nada trasnochado. Muy recomendable.

El Eterno Regreso de Peter Pan.

Betty Bronson encarnó a "Peter Pan", en una singular película silente de 1924.

En la adaptación animada de Disney, que resulta inolvidable.

"Hook" de Spielberg ofreció una nueva lectura del personaje de Barrie.

"Descubriendo el país del nunca jamás", o sea, descubriendo a Barrie y cómo creó a Peter Pan.

El nuevo prodigio Levi Miller, interpreta a "Peter Pan", en un filme para el 2015.

___Es la obra teatral de James W. Barrie, más adaptada por el cine. Un cuento que todo niño o niña debe conocer. Fenómeno sociológico y sicológico de masas, desde el cual, se puede estudiar el fenómeno de la personalidad del hombre con mentalidad de niño, que renuncia a crecer.
Desde 1904, cuando se llevó al escenario en Londres , "Peter Pan" no ha dejado de generar nuevas recapitulaciones, tanto para el teatro, la televisión, la radio y el cine.
Desde luego, está la notable versión de la Paramount de 1924, dirigida por Maurice Torneaur y protagonizada por la estupenda Betty Bronson como Pan, Mary Brain como Wendy, Jack Murphy como John , Phillipe de Lacy como Michael y Virginia Browne Faire como Campanita.
Esta película llena de magia, candor, humor, y fantasía, logra capturar con intertítulos, el universo del texto de Barrie, y es muy amena.
Además, hay logrados FXs ( para su tiempo ), numerosas escenas divertidas y emocionantes que mantienen la atención del público menudo.
Sutilmente también se destacan las versiones de Walt Disney, estrenada en 1953, bajo la dirección de Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske, que convierte en entrañable la aventura de Pan y los niños en las Tierras del Nunca Jamás.
Inolvidables resultan : la estética de sus dibujos y el perfeccionamiento conseguido en la animación, una trama que jamás pierde el hilo conductor, y los personajes secundarios como el cocodrilo y los niños huérfanos.
Después esta la versión de Steven Spielberg : "Hook" ( 1991), una variación del texto original, que especula con la posibilidad del crecimiento del personaje central y que se centraliza en el Capitán Garfio, interpretados por Robin Williams y Dustin Hoffman, respectivamente.
En el 2003 se estrenó el "Peter Pan" de P.J.Hogan, que integra la plástica digital con fondos croma y efectos visuales por ordenador.
El filme está caratulado como una sólida película de matiné, que entretiene más que otra cosa, sin llegar a elevar o superar la magia de la versión Disney.
Después vino "Descubriendo el país del nunca jamás" ( 2004) de Marc Forster, con Johnny Deep y Kate Winslet, que recreó la vida y obra de Barrie, sin descolgarse del mítico Peter Pan.
Para Julio del 2015, se prevee la última remake dirigida por Joe Wright .
En el elenco, ya está confirmada la actuación de : Huck Jackman y Garret Hedlund.
El personaje central, volverá ser interpretado por un niño actor, Levi Miller.
Volar a las Tierras del Nunca Jamás, en búsqueda de grandes aventuras.
¡ Que sueño más embriagador !

Emilio y sus amigos.

"Emilio y los detectives", la versión clásica de 1931, con guión de Billy Wilder.

La versión Disney de 1964.

La última versión del 2001.

___La novela infantil "Emilio y los detectives", fue publicada por primera vez en Alemania en 1928, por el escritor Erich Kästner, y ya en 1931, la UFA compraba los derechos para hacerla película, nada menos que, con el guión del refutado Billy Wilder y la dirección de Gerhard Lamprech.
Sus resultados saltan a la vista.
La obra ambientada en las auténticas calles de Münich, se transformó en un valioso documento de época, que testimonia la vida germana antes del inicio del Tercer Reich.
Nada hace suponer, en que derivarían sus actores infantiles, algunos en las filas de Hitler, años más tarde.
Sin embargo, el filme mantiene una lozanía, un ingenio y una picardía, que es toda una inspiración.
En 1954, se readaptó el cuento original bajo la mirada certera de Robert Adolf Stemmle, y con un tono de humor más abierto y visceral, se le agregó el encantador protagonismo de Peter Finkbeiner y Wolfgang Condrus.
En 1964 , los estudios Disney deciden hacer el remake americano, bajo la dirección de Peter Tewksbury, con Bryan Russell y Roger Mobley, que es más entretenida y dicharachera, pese a sus desopilantes cacos.
Y en el 2001, la directora alemana Franziska Bunch, remodernizó la obra, contándola en clave actual, y con la picardía de los niños de la generación del Internet.
El filme tiene todo el encanto de una matiné a lo Spielberg, aunque hay mucho humor ( la escena del perro alcoholizándose con champagne es antológica ) y suspenso en las calles de Berlín actual. Añádase una pandilla de chicos listos, música rap, skates, scooters, notebooks y otras herramientas de la vida moderna, para beneplácito de sus espectadores.

En el lejano Oeste.

Los nueve actores que abordan "La Diligencia" de John Ford.

La anodina versión de 1966.

El telefilme que recreó el clásico western.

"Los Siete Samurai" de Kurosawa, conoció una nueva versión americana...

...titulada: "Los Siete Magníficos" de John Sturges.

___El clásico western de John Ford : "La diligencia" ("Stagecoach", 1939), conoció una anodina remake en 1966, que parecía telefilme.
Lugares comunes, clichés, personajes lineales y trama superficial, hicieron de esta nueva lectura, una soporífera película de la que ya nadie se recuerda.
Willie Nelson, Kris Kristofferson y Johnny Cash, encabezaron un telefilme con "La Diligencia" en 1986, que tuvo su repercusión popular.
"El Alamo" ( 1960), el western con el que debutó John Wayne como director, se rehizo en otra astracanada, que no funcionó ni en las salas, con las entradas a mitad de precio.
Mejor destino, tuvo la versión de los "3:10 to Yuma", si bien Christian Bale no era Glenn Ford.
"El Ultimo de los Mohicanos" (The Last of Mohicans",1992) de Michael Mann, interpretada por el excelente Daniel Day Lewis, fue una interesante y hermosa transcripción aborigen, superior a dos anteriores versiones, siempre en base a la novela de Fenimore Copper, y dirigidas por Maurice Tourneur y George Seitz.
"Wyatt Earp"( 1930), pasó de una película modesta en los albores del sonoro, a una versión gigantesca, con Kevin Costner y la dirección de Lawrence Kasdan.
Más lúcida fue la reversión de "Temple de Acero" ( 1969) de Henry Hathaway, la película con la que ganó el Oscar John Wayne, como un sheriff alcohólico que debe rescatar a una adolescente, que se empeñó en contratarlo para dar muerte a los asesinos de su padre.
El nuevo filme cuenta con la magnífica actuación de Jeff Bridges, que sin ser muy perfecta, entrega una visión más altruista, de la relación entre un viejo cowboy y una chica cargada de odio y frustración.
"Los Siete Samurai" ( 1954) una obra maestra de su época, dirigida por Akira Kurosawa, fue también una muestra atípica de cine japonés, que revivió en una remake desarrollada en el Oeste americano. En efecto, "Los siete magníficos" (1960) de John Sturges, tuvo tal impacto entre el público, que originó una continuación.
Hay que decirlo : pero "Kurosawa se había inspirado en su admirado John Ford y, con un lenguaje cinematográfico moderno y comprensible en todo el mundo, renunció al rígido formalismo del cine nipón".
Se trata por cierto, de dos estupendas películas de acción, que subrayan la universalidad del lenguaje y su adaptabilidad a las distintas culturas.

Un gran clásico del western primitivo, dirigido por Wesley Ruggles.

Glenn Ford y María Schell en la readaptación, dirigido por Anthony Mann.

El maravilloso y primitivo western épico "Cimarrón" ( 1931), dirigido con solvencia por Wesley Ruggles, sobre la novela Edna Ferber, conoció una fallida versión épica en color, en 1960, del especialista Anthony Mann, que no se condecía con sus fabulosos escenarios y derroches de superproducción.
En el papel de Richard Dix , está el afable Glenn Ford, que se veía deslavado; y en el de la espigada Irene Dunne, no hubo réplica con la desabrida María Schell, que no entendía que hacía en tierras del Oeste. Perdidos como náufragos en la isla misteriosa de Julio Verne.
Por otra parte, el talentoso Ron Howard trasvasijó la obra en su vigorosa "Un Horizonte lejano" ( 1992) con Tom Cruise y Nicole Kidman, impregnándole de un sentido renovado al conjunto, brilloso, melancólico y romántico.
Es un gran western, erigido en medio de la debacle, de la muerte del género más popular de los albores del sonido.
Entre los personajes míticos del far west, que han conocido más de una versión cinematográfica están : Davy Crockett, que tuvo su primera versión en 1909 y sus más logradas adaptaciones fueron para Walt Disney en 1955 y 1956, con la interpretación de Fess Parker ( después en televisión como " Daniel Boone" ) y Buddy Ebsen ( en televisión fue "Barbany Jones"); Billy The Kid, cuya vida de bandido adolescente, inspiró a un puñado de directores de distinto cuño , como King Vidor en 1930, Joseph Kane en 1938, David Miller en 1941, Kurt Newman en 1950, y Sam Peckinpah en 1973, entre otros.
También se han hecho distintas versiones de la vida de Jesse James, con más de veinte películas desde 1921 hasta los años 60.
Conviene destacar las versiones de : "Jesse James" ( 1939) de King Vidor y "La Verdadera historia de Jesse James" ( "The True story of Jesse James", 1956) de Nicholas Ray, por lograr un alto vuelo expresivo.
Nuncan han faltado en estas nostálgicas rememoraciones, películas que mitifican las figuras de Buffallo Bill, Wild Bill Hickok, Daniel Boone, Roy Bean o Calamity Jane. O a indígenas como Sitting Bull y Gerónimo. Cada uno de ellos, reversionados en películas de distinto interés.

Mil Aventuras.

Tyrone Power y Basil Rathbone en duelo a espadas, en "La Marca del Zorro" de Rouben Mamoulian.

Power vestido como "El Zorro".

Walt Disney con Guy Williams, como "El Zorro" para la televisión.

Alain Delon es un nuevo "Zorro".

Antonio Banderas y Catherine Zeta-Jones, en las nuevas aventuras del Zorro.

___Como mencionamos, "El Zorro" ha sido uno de los personajes más utilizados por el Cine y la Televisión. Nacido de una serie de relatos cortos publicados en una revista barata, con el título de: "The Curse of Capistrano", fue adaptada por primera vez, por el actor y productor Douglas Fairbanks para "La Marca del Zorro" ("The Mark of Zorro", 1920).
Después con el advenimiento del sonido, aparecieron nuevas remakes : la excelente versión del magnífico realizador Rouben Mamoulian, que popularizó a la pareja Tyrone Power y Linda Darnell, y que circunstancialmente, elevó la mitología de Power como héroe del cine de aventuras.
En los años cincuenta, con la irrupción de la televisión, "El Zorro" fue convertido en serie de televisión por Walt Disney, con el inefable Guy Williams.
La serie tuvo tal éxito, que logró sobrevivir por años, y ahora es fácil recuperar su espíritu, a través de la remasterización en color de sus episodios.
Regresó al cine en los 70, interpretado por Alain Delon bajo la dirección de Duccio Tessari, para mayor gloria del hijo del artista, que le pidió lo encarnara como regalo de cumpleaños.
En los 90, reapareció el Zorro con Antonio Banderas, en una versión de lujo, que recupera su encanto trivial, pero sobretodo, el sentido donjuanesco tan propio del personaje original.

Deborah Kerr y Stewart Granger en "Las Minas del Rey Salomón" de 1950.

Sharon Stone y Richard Chamberlain,en la nueva versión de 1985.

"Las Minas del Rey Salomón" el legendario relato de H.Ridder Haggard, conoció tres versiones de distinto interés.
La primera adaptación británica, es de 1937 , realizada por Robert Stevenson, con Paul Robeson, Cedric Hardwicke y Roland Young.
Especie de imagen primigenia del cine de exploradores tras una mina de diamantes, es una versión que merece una urgente reivindicación, por su amena y rápida exposición de los hechos, su variedad estillística y sus meritorias actuaciones.
La segunda versión norteamericana, que es la más conocida de todas, data de 1950, rodada por Compton Bennett y Andrew Marton, y considera las actuaciones de : Stewart Granger , Deborah Kerr y Richard Carlson. Se beneficia del color, aplicada a una fotografía en escenarios naturales, y de la supuesta química que se produce entre Granger y la Kerr, que en ningún momento aparece despeinada en medio de la llanura agreste.
Por su naturaleza típica es un clásico del género, que encuentra en la proporcional disyuntiva del romance en tierras exóticas, un espacio en el conciente colectivo.
Su última remake data de 1985 y está protagonizada por Richard Chamberlain, Sharon Stone y Herbert Lom, y pese al reparto, es una brutal masacre fílmica del texto original, anodina, esquemática, clipera, pobre en ideas y en medios técnicos.
Para los fans de la Stone, ella aparece en todo momento luciendo sus generosas curvas, con una mirada entre tierna y lasciva, proclive a acostarse con el cazador y dejando como gatitos de abuelita a los leones , que no aparecen, porque sencillamente ella se los comería vivos.
Stone es una piedra volcánica, porque constantemente está en erupción.

La magnífica primera versión británica de 1939.

La última versión del 2002. Espectacular y opulenta.

La notable producción de Merian C.Cooper de She", con la irrepetible Helen Gahagan.

El preciosista vestuario de Ursula Andrews en "She", para la nueva versión.

"Las Cuatro Plumas" ("The Four Feathers" ) sobre la novela de A.E.W.Mason, conoció una magnífica adaptación original en 1939, dirigida por Zoltan Korda.
Después fue rehecha en 1977 por Don Sharp, en una versión algo trasnochada, para volver a sus orígenes en el 2002, en una espectacular recreación de época.
"La Atlántida" basada en la novela de Pierre Benoit, conoció una primera versión en el mudo,en 1921, que resalta por su estilo fantástico y exótico, para después repetirse el plato en una interesante versión alemana de G.W.Pabst en 1932, con Brigitte Helm.
Termina siendo carne de cultivo para María Montez, en una olvidada y latiguda versión dirigida por el oscuro Gregg Tallas, que pasa por kistch y naif.
"She" ( 1936) de Irving Pichel y Lasing C.Holden, es una olvidada producción de aventuras exóticas y fantasía, restaurada por obra y gracia de Ray Harryhausen, que era gran admirador del filme y que la colorizó en una espléndida copia en DVD.
Estupendos decorados, notables FXs para su tiempo, y la única gran aparición de la actriz Helen Gahagan, aseguran un deleite categórico de fin de semana.
Su remake estrenado en 1965, para mayor gloria de la sensual Ursula Andrews, se beneficia del color y los avances de la técnica en efectos visuales, pero no le llega ni a los tobillos a la citada película original.
Obras de las que hemos hablado en profundidad anteriormente, como: "El ladrón de Bagdad", "La Guerra de los Botones" y "El Señor de las Moscas", también han merecido en distintos momentos, novedosos remakes.
Dentro de estas semanas, se estrena "Maléfica" ( 2014), con Elle Fanning y Angelina Jolie, la nueva versión de "La Bella Durmiente", en una aparente moda, de reencantar al público joven, con las remakes reales de los clásicos del cine animado.
Una componenda que recién comienza a surgir con insistencia.
Cabe destacar que, también se han hecho nuevas versiones de : "Mujercitas", "Hombrecitos", "Corazón", "Pinocho", "El Jardín Secreto", "Milagro en la calle 34", "La Noche de las Narices Frías", "Colmillo Blanco", "El libro de la Selva", "Viaje a la luna", "Willy Wonka y la fábrica de Chocolates", "El Pequeño Lord Fauntleroy", "Grandes Ilusiones", "El Prisionero de Zenda", "Svengali", "Beau Brummel", "Alicia en el País de las Maravillas"; "El Mago de Oz", "El Jorobado de Notre dame", "Simbad el marino"; "Heidi", "Remi", "La Vuelta al Mundo en 80 días", "El Profesor Chiflado", "Sabrina", "El Quinteto de la Muerte" y un largo etc.
Además, William Shakespeare y Miguel de Cervantes y Saavedra, gozan de buena salud, pues en cada década, aparecen nuevas versiones de sus obras más clásicas como : "Romeo y Julieta", "Hamlet", "La fierecilla domada", "Macbeth", "Sueño de una noche de verano", "La Tempestad" y "Don Quijote de la Mancha".

Espectáculo y Epica.

En "Ben Hur" ( 1925), Ramón Novarro montado sobre una cuadriga.

En "Ben Hur" ( 1956), el duelo sobre cuadrigas, con Charlton Heston y Stephen Boyd.

"Los 10 Mandamientos" ( 1923), es una superproducción muda, de elocuente realismo histórico.

La nueva versión de la Paramount de 1956, con la incorporación del color en VistaVision.

"María Antonieta" con Norma Shearer.

María Antonieta con Kristen Dunst.

"Rey de Reyes" : la vida de Cristo, según De Mille.

"Rey de Reyes" : la vida y muerte de Jesucristo, según Ray.

___También es inagotable la veta del remake, en los terrenos del relato histórico.
"Ben Hur" ( 1925) de Fred Niblo, es un magnífico filme épico, más directo y resumido que la versión en color de William Wyler.
Si la versión inicial, privilegia el duelo entre Ramón Novarro y Francis X.Bushman, adicionándole un sentido plástico de indudable belleza; la segunda versión, remarca la supuesta relación homosexual entre Charlton Heston y Stephen Boyd, aunque soslayando los gestos más evidentes para evitar la censura y los cortes.
Ambas, son colosales producciones, que aseguran la espectacularidad en grados superiores.
"Los 10 Mandamientos" ("The Ten Commendents", 1923), sigue siendo un curioso espectáculo épico, que justifica la recreación histórica en tamaño natural, con el apego del realizador Cecil B.De Mille, de describir en detalle los eventos, algo que se pierde en la colorización y la plástica de su nueva versión en 1956, rehecha por el mismo cineasta con mayores recursos técnicos y económicos.
"Cleopatra" ( 1934) también de De Mille, sigue siendo una de sus películas más conseguidas, donde "demuestra su gran sentido del espectáculo, su habilidad en las escenas de masas y su envidiable sentido del ritmo".
La remake de 1963, supervisada por Joseph L.Mankiewicz, fue recientemente recuperada en su traspaso al Blue Ray, y considera un profundo análisis a la sicología femenina, desde el poder, la traición y la lealtad, como cuota fija a los deseos sexuales de Elizabeth Taylor y Richard Burton, pareja idolatrada de su tiempo.
"Rey de Reyes" ( 1927) también de De Mille, fue subtitulada en 27 idiomas, y pese a su desaforada sobreproducción, la vió todo el mundo; la vida de Cristo retomó su valor estilístico, con el remake de este filme, dirigido por Nicholas Ray.
El actor Jeffrey Hunter, compone uno de sus personajes más emblemáticos, aunque la verdadera panacea la brinda Ray, al ilustrar con vehemencia, todas las parábolas cristianas en una obsesiva búsqueda de su temática favorita : la del hombre que lucha interiormente entre su ser carnal y su ser espiritual.
Es una obra maestra absoluta, que asume su contemporaneidad, con una inteligencia y una sensibilidad a prueba de repeticiones.
"María Antonieta", la legendaria soberana de la corte francesa del siglo XVIII, también considera varias versiones, como la superproducción MGM de 1938 con Norma Shearer; la película francesa de Jesan Delannoy de 1956 con Michele Morgan y la reciente adaptación contemporánea del 2005, de Sofía Coppola con Kristen Dunst.

El Terror japonés.

"Ringú" : el ojo japonés del horror.

"El Aro" : el espectro en la versión americana.

___En 1954, con la amenaza de la hecatombe nuclear, apareció "Godzilla" ( en algunos países conocida como "Japón bajo el terror de los Monstruos"), una película que sobrexplotaba con gracia y encanto, las desventuras de un Tokyo amenazado por una creatura sauria de 400 pies de altura.
La premisa, originó toda una serie fílmica, que los productores nipones no han parado de explotar. Incluso hay dos versiones americanas.
La primera dirigida por Roland Emmerich en 1998, con Matthew Broderick y Jean Reno, y que se recuerda por sus extraordinarios FXs.
Aunque a muchos, no les gustó la transformación del reptil en un saurio tipo Tiranosaurus Rex de "Jurassic Park".
La segunda, que debiera estrenarse en Mayo en Chile, "Godzilla" ( 2014), dirigida por Gareth Edwards, con Aaron Taylor Johson, Elizabeth Olsen y Bryan Cranston.
Otra nueva metamorfosis, que insiste en traernos de vuelta el encanto de los viejos monstruos nipones.
De algún modo, se sostiene que, uno de los atractivos mayores de esta clase de películas, está en la variedad de monstruos que originó Gojira, como se le conoce en japonés al monstruo-estrella.
Mientras la productora Toho, tenía a Godzilla, Varan, Dogora, Gorath, Yog, Rodan y Monthra; la competencia en Daiei estaba liderada por Gamera, Zigra Guiron y Barugon. Nikkatsu promovía a Gappa...y así hasta el infinitum. Y más allá.
Cada uno, con los atributos suficientes para supervivir por décadas, pese a que las "Kaiju-eiga" ( películas de monstruos japonesas ), han mermado su interés ostensiblemente, para dar paso al terror más contemporánero afín con los peligros de la modernidad.
En este sentido, hizo escuela en Occidente "Ringú", que en su versión americana, pasó a titularse "El Aro", con la espléndida Naomí Watts, sufriendo toda clase de atribulaciones casi oníricas, a propósito de un pozo donde habita el fantasma de una niña.
La exquisitez de las películas niponas de horror actual, está en trasladar los miedos a la vida urbana, y mancillar los temores de la autodestrucción familiar, con una mirada elocuente y oportuna.
Inolvidable es el fantasma que sale del televisor en las dos partes originales de "Ringú", pero también, lo son en alguna medida los espectros que se arrastran por pisos y paredes de "El Ojo", "Jun-On" y "Agua Turbia", todas cintas que conocieron readaptaciones en el cine norteamericano.

Fotocopias desde Francia.

"El Salario del Miedo" : Yves Montand y Charles Vanel.

La versión moderna "Convoy"/"Carga maldita", con Kriss Kristofferson y Ali McGraw.

La versión francesa : " 3 hombres y un biberón".

La versión americana : "Tres hombres y un bebé".

___En 1953, el realizador francés Henri Georges Clouzot estrena "El Salario del Miedo" ("Le Salaire de la peur"), una magnífica cinta de acción, acerca de cuatro fracasados ( Yves Montand, Charles Vanel, Folco Lulli y Peter Van Eyck), que aceptan la peligrosa misión de una compañía petrolera, de trasladar en camiones blindados, un cargamento de explosivos para detener el incendio de una de sus refinerías, en plena selva venezolana.
"La pulcra dramaturgia de Clouzot, con sus arcos de tensión hábilmente dispuestos, el trazo preciso de los personajes y su evolución, sigue aventajando todavía a su remake "Carga maldita"/"Convoy" ( 1977) de William Friedklin.
Es un retrato existencialista visceral, que tiene una fuerza y una garra, que emana de sus personajes, del manejo del suspenso y del tratamiento exhaustivo de sus imágenes y del montaje.
Del mismo Clouzot, se adaptó su clásico grandguiñolesco : "Las diabólicas" ( 1954) con Vera Clouzot y Simone Signoret, en una remozada versión dirigida por Jeremiah Chechik, con Sharon Stone e Isabelle Adjani, de la que sólo queda, el clima opresivo y demencial de la obra original.
Hubo un momento, en que el cine norteamericano se dedicó a readaptar películas francesas, sobretodo comedias de consumo masivo.
Así, la versión de "El hombre del zapato negro" ( 1972) con Pierre Richard y Mireille Darc, conoció una remake "El Hombre del zapato rojo" ( 1985), interpretada por Tom Hanks, que no logró alzarse por sobre su par original.
Del mismo modo, "Tres hombres y un biberón" ( 1985), tuvo su nueva versión a la americana, con "Tres hombres y un bebé" ( 1987), dirigida por el "Mr.Spock" de "Viaje a las Estrellas", Leonard Nimoy y actuada por Tom Selleck, Steve Guttenberg y Ted Danson.
De un humor más sutil y refinado, pasamos a un humor más pueril y socarrón. Hay para todos los gustos.
El intenso drama sobre identidad oculta, "El Regreso de Martin Guerre" ( 1982) de Daniel Vigne, con Gerard Depardieu y Nathalie Baye, conoció su réplica estadounidense bajo el título de :"Sommersby, el regreso de un extraño" ( 1993) de Jon Amiel, interpretada por Richard Gere y Jodie Foster.
Ciertamente, la cinta francesa es superior a su remake, porque intensifica el misterio de la identidad del personaje, con un acabado manejo del suspenso y una recreación de época minuciosa y detallista, que aclimata las sospechas del doble juego de apariencias.
En 1989, el realizador galo Luc Besson, dejó boquiabiertos a los adolescentes y a la crítica americana con "Nikita", la historia de una joven marginal, algo neurótica y violenta, que es utilizada como asesina profesional por las fuerzas gubernamentales de seguridad.
Cuatro años después, el artesano John Badham la recuperó para su película "La Asesina" ( "Point of not return"), con una Bridget Fonda tan certera para disparar a la persona que se le cruce en el camino, como la estupenda Anne Parrillaud.
"La Jaula de las Locas" ( 1978), una novedosa comedia sobre una pareja homosexual adulta, tuvo su fotocopia americana en 1996 titulada "La Jaula de los Pájaros" ( 1996), con Robin Williams y Nathan Lane, que no superó en gracia y locuacidad, a la desvergonzada e irónica película gala. Aunque fue un éxito taquillero en USA.

Ladrones, Gangsters y Policías.

"Scarface" : clásico gangsteril de Howard Hawks, con Paul Muni.

"Scarface" y la visión contemporánea de Brian de Palma.

___"M , el vampiro de Düsseldorf" ( 1931), es una obra maestra concisa, inteligente e innovadora, realizada por Fritz Lang y protagonizada por Peter Lorre.
Metáfora de la problemática surgida de los procesos judiciales contra grandes asesinos en serie, es un retrato conciente de las convulsiones valóricas de la República de Weimar, estremecida por la crisis econúmica y política, previo al alzamiento del nazismo.
Al innovador uso del montaje sonoro y visual, Lang agrega un clima opresivo en la persecución de los delincuentes callejeros, tras los pasos de un asesino de niños en serie.
En 1951, el realizador Joseph Losey, efectúo la remake en Estados Unidos, con David Wayne en el rol estelar, en un claro ejemplo de reflotar las ideas centrales de una trama, siempre novedosa y de plena actualidad.
"Cabo del Terror" ( "Cape Fear", 1962) de J.Lee Thompson, es un thriller sicológico y policial, que confronta a un sádico interpretado por Robert Mitchum, que va en busca de venganza contra la familia de Gregory Peck.
Una obra atípica, tensa, original, y extraordinariamente efectista, que convence y atrae desde el punto de vista de la narración, gracias al estupendo duelo estelar de sus actores principales.
El maestro Martin Scorsese, se convenció de hacer la nueva versión titulada: "Cabo de Miedo" ( "Cape Fear", 1991), con un magnífico resultado.
"Se trata de un proyecto heredado de su relación con los estudios Universal".
A cambio de la financiación de "La última tentación de Cristo", los ejecutivos de la major le propusieron varios proyectos para filmar, entre los cuales, estaba la remake del filme de Thompson.
Es una pelicula que se ajusta a los cánones de películas de suspenso, hechas en Hollywood y que tiene la enorme garantía de sus actores estrellas : Robert De Niro, que se lo pasó muy bien, haciendo de sádico criminal bueno para asustar adolescentes; y Nick Nolte como la cabeza de la familia, perseguida y doblegada por el delincuente obseso.
"Shaft" ( 1971), dirigida por el afroamericano Gordon Parks, con el modelo de color Richard Roundtree, se convirtió en todo un referente de las "black explotations" y revivió en una nueva versión en el 2000, supervisada por John Singleton con Samuel L.Jackson.
Desde Hong Kong, "The Killer" de John Woo, inspiró una novedosa versión francesa conocida como "El Profesional"/"León" ( 1994), con Jean Reno y la debutante Natalie Portman.
No sólo plasmó un buen cine de acción, sino delineó personajes confrontando a la visión adulta, la óptica infantil, en un juego de emociones trascendente.
"Blow Up" ( 1966) sobre un relato de Julio Cortázar, fue toda una revelación de la cultura del Londres "beat" de los 60, con la mirada atenta del realizador italiano Michelangelo Antonioni.
El director ítalo americano Brian De Palma, supervisó la remake, titulada "Estallido Mortal" ( 1981), con un John Travolta más cazurrero y voyeur; que el David Hemmings del original, aunque me quedo con el filme clásico.
Otros títulos emblemáticos del thriller y del film noir, como : "Scarface" ( 1932), "El Sueño Eterno" ( The Big Sleep, 1946); "El Cartero llama dos veces" ( 1946) y "Retorno al Pasado" ("Out of the past", 1947), también han conocido sendos remakes.

"Sherlock Holmes", convertido en serial con Basil Rathbone y Nigel Bruce.

Robert Downey Jr. y Jude Law en "Holmes", la revisitación del personaje con ritmo de clip.

Personajes claves del cine policial como "Sherlock Holmes", "Philo Vance", "Charlie Chan", "Mr.Moto", "Bulldog Drummond", "Nick Carter", "Sam Spade", Philip Marlowe", el Comisario Maigret", "James Bond", "Popeye Doyle""y en el terreno de la comedia "El Inspector Closeau", han sido profusamente utilizados para seriales, continuaciones y remakes de diversa naturaleza y resultados.
Nunca me olvido del "Caracortada" ( "Scarface", 1983) de De Palma, por su discurso político respecto al capitalismo, sus endiablados personajes secundarios, y esa voluptuosa Michelle Pfeiffer, en el comienzo de su ascendente carrera en Hollywood.
Debo confesar que, también me gusta el "Scarface" original, por su imaginativo uso del sonido, de las elipsis y del montaje.
La trilogía sueca "Millenium"del refutado escritor Stieg Larsson, donde se reveló la estupenda actriz Noomi Rapace, se rehizo completamente en USA, con magnificos resultados, aunque no lograron superar a su triada original.
Ejemplos de remakes hay cientos.
Indudablemente, en esta ocasión, intentamos abarcar algunos de los ejemplos más ilustrativos.
Cada uno a su modo, puede confeccionar una lista, con la oceánica insistencia de los remakes en el mundo del audiovisual. Pero eso es harina de otro costal.
Por ahora, es tiempo de pasar a fade out. Hasta la próxima. Cut.

Fotos- Gentileza : Universal Pictures - Columbia Pictures- Paramount Pictures- Warner Bros- RKO Pictures - New Line Cinema - 20 Th. Century Fox- Walt Disney Productions- Amblin Entertaiment- Toho - Baldur Bragason - Los Angeles Times - The New York Times- Variety - Sing and Sound - Hammer- Cinemanía - The Criterion Collection - Gone Movie- A Certain Cinema- Archivo.-