Séptimo 7 sello: Los directores Terence Fisher y Tim Burton :

Gigantes del Horror y la Fantasía.

"Sombras Tenebrosas" : Johnny Deep y Chlöe Grace-Moretz en uno de los coloridos sets de la película de Tim Burton.

Si hay una herencia atendible en el cine fantástico, es el legado que dejan para la posteridad, dos de los más grandes "artesanos" del cine de todos los tiempos : Terence Fisher y Tim Burton, "padre e hijo" del denostado cine de terror B, y que subrepticiamente han transformado el panorama estético y estilístico del género.
Fisher que trabajó en un pequeño estudio de producción británico, "la Hammer" revisitando y modernizando las novelas góticas de Mary Shelley y Bram Stoker, logró insuflarle nuevo vigor a la mirada del monstruo, con una desgarradora belleza, que incorporó la óptica erótica, el masoquismo y el romanticismo de una época.
A su vez, transformó en íconos del género, a los actores secundarios : Christopher Lee y Peter Cushing, y permitió salvaguardar la tremenda metáfora que tienen las obras originales, que desafían los supuestos de la naturaleza divina.
Burton, por su parte, ha logrado encontrar en lo "freak", un campo fértil para su maravillosa forma de narrar y trasponer su particular estética "dark", en los cerezos del cultivo más pródigo del cine actual.
Toda su obra es de una belleza "oscura", pétrea, melancólica, vanguardista, romántica, concientemente adherida a lo feo, raro y extravagante.
Siempre del lado de los "outsiders", Burton ha cosechado una constante, que lo revela como un tipo ingenioso, capaz de reflexionar sobre la sociedad actual, sin traumas ni medidas.
Por eso, todas sus películas resultan una gozosa manera de reconocer en él, al artista, al crítico social y al trasher metido en los fastos desde la "otra orilla del camino". Un singular artista, que va marcando etapas como los punteros de un reloj, y que en cada nuevo estreno, congrega la atención del espectador ávido en experiencias renovadas y singulares.
Ambos directores, aparecen en la lista de los favoritos del que suscribe este blog, y por lo tanto, merecen este artículo especial de "Septimo7sello", en el que repasaremos sus obras y sus maneras de transformar el cine, en un arte innovador y original.

Terence Fisher :
El Príncipe de las Tinieblas.

De cigarrillo dirigiendo una toma de su última película : "Frankenstein and the Monster from Hell".

A fines de los años cincuenta del siglo pasado, el género del terror estaba desgastado y ruinoso, proclive a remedarse así mismo, en comedias pasajeras y aventuras para adolescentes.
Con la aparición de la "Hammer" inglesa, una pequeña productora de cine independiente, se renovó el género terrorífico gracias al aporte de un puñado de artistas, entre los cuales gravitaban los directores : Freddie Francis, John Gilling, Curtis Harrington, Don Sharp, Roy Ward Baker y por supuesto, el maestro Terence Fisher.
Pere Gimferrer y Manuel Rotellar en un tratado analítico de su biografía resaltan :
"Con Terence Fisher llega un nuevo concepto del cine de terror. Recreación de los climaxs, esencialización del montaje, una inteligente dosis de erotismo para realzar la fantasía del momento culminante, y una discreta dosificación de los efectos truculentos en las últimas secuencias, preferentemente violentas, cuando el bien y el mal luchan por sobrevivir".
Hay algo característico en su obra, pues reivindica el valor del color y superpone lo clásico con lo moderno, con suficientes dosis de imaginación como para estructurar una nueva era con los temas clásicos.
Nunca hubo rojos más simbólicos, que en las películas de la Hammer, ni mujeres más bellas y malditas, que en las producciones terroríficas de esa casa productora británica.
Terence Fisher ( 1904-1980), fue a su manera, un gran innovador que comenzó trabajando de montador en los estudios Shepers, desde 1936 hasta 1947, a partir de la cual, pasó a a formar parte del equipo de la "Hammer".
Si bien hizo un puñado de filmes comerciales sin mayor relevancia desde "Colonel Bogey" ( 1947) hasta "Kill Me Tomorrow" ( 1957), no fue hasta ese año, con : "La Maldición de Frankenstein"("The Curse of Frankenstein"), que no se revelaría como un gran talento, muy original, ingenioso y novedoso.
Después que la productora adquirió los derechos de los grandes clásicos de la "Universal" de los años treinta, para hacer nuevas versiones de sus películas de monstruos, Fisher se consagró por entero a reciclar y ampliar las posibilidades, que les entregaban las novelas góticas de horror.
Sucesivamente reflotó a Drácula, Frankenstein, La Momia, el Doctor Jekyll y Mister Hyde, El Fantasma de la Opera y El Hombre lobo, en relatos sumamente cautivadores.

Supervisando a Veronica Carlson y Peter Cushing durante el rodaje de : "Frankenstein and the Monster Hell".

Su interés iba por el lado de desentrañar la marginación del monstruo y su lucha interior con la maldición que lo convertía en una amenaza, pero también en las implicancias que tenía el sexo, la seducción erótica y el despertar salvaje hacia el lado más oscuro del hombre. Sus criaturas, verdaderos despojos, incitaban a la admiración, la piedad o el desprecio.
Desde la perspectiva existencialista, "Drácula" ("The Horror of Dracula", 1958), podía ser un sexópata eternamente intrigado por el sabor de la sangre caliente de mujeres hermosas; y su muerte con las estacas en el corazón, parecían verdaderas felaciones humanas.
En "La Maldición de Frankenstein" ( "The Curse of Frankenstein", 1957), el monstruo, en cambio, resultaba un personaje patético, que más bien producía lástima y estaba muy lejos de la creación monstruosa de James Whale, porque en este nuevo ser, no existía odio, sino más bien, suplicio por la soledad y el pavor que desencadena su apariencia.
"La Momia" ("The Mummy", 1959), parecía más digna y altanera, aunque su claustrofóbica existencia confinada en un sarcófago en manos de un sacerdote, la desarraigaba del todo y prefería morir con el papiro de su secreto, en las aguas pantanosas de un pantano.
"Las dos caras del Doctor Jekyll" ( "The Two Faces of Dr.Jekyll", 1960), fue una variante sugerente y atípica, que destruía la sustancia del transformismo, para dar paso a un estudio de la sicología de un personaje, deformado en su avaricia y autosuficiencia.
Estudio notable, pese a la irregularidad del relato, Fisher evitaba los desbordes efectistas y convertía a Jekyll en víctima de sus propias ambiciones.

En "La Momia" : Christopher Lee enfrentando a Peter Cushing.

Con la bellísima Verónica Carlson revisando el guión de "Frankenstein and the Monster Hell".

"El Fantasma de la Opera" ("The Phantom of Opera", 1962), resurgía con el desdén del marginado, el geniecillo de la música inequívoco, que se venga de sus opositores, con la doncella como testigo en las profundidades de los canales subterráneos.
Fisher alimenta la dualidad de la conciencia del personaje, pero lo hace suceptible a las tentaciones del dolor, que provoca el amor no correspondido y el odio hacia quienes le desviaron de una carrera llena de gloria.
"La Maldición del Hombre Lobo" ( "The Curse of Werewolf", 1961), se desplaza desde el formato de una leyenda épica hasta el de una tragedia humana, narrada desde la complejidad de sus propios origenes.
Fisher extiende las raíces de su maldición, en razón de una violación. Hay un apego a los desvíos de la naturaleza, pero también de la Fé.
Cuando acuden al bautizo en la Iglesia, con el bebé superviviente del embarazo no deseado, el agua bendita tiembla y el cielo se oscurece.
Fisher siempre resaltó la malignidad, a través de los cambios bruscos de la naturaleza.
En "The Gorgon" ( 1963), el ideario colectivo de la Hammer se extiende, a la simbiosis de los esquemas clásicos del terror gótico entremezclados con las leyendas griegas.
Fisher asume el sentido maravilloso de su cuento, insertándole toques surrealistas y unas atmósferas dignas de un cuadro a lo Doré. Eso, sin dejar de lado el tono romántico y trágico, que sobredimensiona al amor, como gatillo perpetuo de inmolación.
Las posibilidades de Fisher, de transformar el barroquismo de relatos conocidos en cuentos modernos de interés popular, le permitió integrar un magnífico cuadro de audacias donde jugó con los temas relativos a la perversión, la profanación, el masoquismo, el erotismo y el sacrificio, como nunca antes se había visto en la pantalla.
En "The Devil rides out" ( 1968), cohesiona viejas leyendas populares con el mito del diablo que se roba las almas, en una narración absolutamente original y envolvente.
En "Frankenstein creó a la Mujer" ( "Frankenstein created Woman", 1967) reflota el mito del científico capaz de devolverle la vida a una bella mujer, empequeñecida por el egoismo de los hombres que la rodean y que decide vengar su propia muerte.
Su legado aumenta con los años, sobretodo al constatar, cuán alejadas están las actuales producciones de horror de la poesía, la tragedia y el amor, que sus filmes lograron en condiciones mínimas de recursos, con el máximo de los talentos interpretativos encabezados por Christopher Lee y Peter Cushing. Un maestro que hay que redescubrir.

Su estilo :

Al lado de la cámara, dirigiendo una toma.

El cine de terror de Terence Fisher, suele desarrollarse en la época neovictoriana o a principios del siglo XX, en una capacidad certera de convertir lo mitológico, en aspectos propios del relato romántico.
Tremendamente meticuloso, su estilo se recrea en los momentos de máximo sopor, extendiendo los climaxs en razón de una búsqueda formal de lo sorprendente e inaudito.
Su cine se fundamenta en las estrictos parámetros del montaje, en sus acepciones más categóricas preferentemente interpretadas en la búsqueda de la emocionalidad del espectador.
Espejos, reflejos de agua, sombras, tinieblas, escaleras, catacumbas, bosques sinuosos y lóbregos, pasillos de avenidas estrechos y arcaicos, cielos atestados de nubarrones, rincones perdidos y espacios interiores claustrofóbicos, caracterizan las atmósferas que mejor definen su estilo cinematográfico.
A nivel de las caracterizaciones de sus personajes, los clásicos mitos de la novela gótica logran una animalidad conciente, pero también una sensualidad y un desenfreno que los hace imparables.
Esteta del color, da gran significación a los espacios y a la puesta en escena, autentizando el uso del rojo, y sus derivados, para crear atmósferas misteriosas y sorprendentes.
Gérard Lenne en "Le Cinema fantastique et ses mythologies" subraya que, la importancia de Fisher como cineasta es que, sacó a los grandes mitos del horror de sus ambientes exclusivamente metafóricos y los convirtió en seres casi reales, capaces de sentir hambre, miedo, rabia, vulnerabilidad, amor, odio y marginalidad, con la misma sensibilidad de un hombre contemporánero.
Dicho de otra forma, extrajo de los caracteres tradicionales del monstruo, toda la "humanidad" necesaria donde lo real y lo fantástico se funden indisolublemente.

Temática Recurrente :

Junto a Christopher Lee en el set de : "The Gorgon".

La vulnerabilidad del monstruo y el énfasis en los aspectos físicos del horror, caracterizan buena parte de la filmografía de Fisher.
Sus manierismos en el manejo lógico del espacio, con una mirada detallista de las virtudes del montaje, no le impiden integrar algunos de sus temas predilectos como : los límites de la ciencia, la duplicidad de las apariencias, el concepto del mal que se origina en la salvaje actitud de las personas, el trágico peregrinaje del ser deforme y marginal que culmina con su muerte, acomodan sus relatos en una notable amalgama de elementos dramáticos de buena ley.
Convirtió a "Drácula" en un elegante y seductor caballero, cuya maldad es subterránea.
"Frankenstein" es un despojo humano que genera lástima, y que nunca está tranquilo con su condición de deforme, aunque su ansiedad respira voluntarismo y también desorden.
"Mr Hyde" se adentra en los terrenos de la sicología, para reflejar a un ser destruído por su doble personalidad.
"El Hombre Lobo" hereda una maldición, por haber sido concebido en una violación y pergreña su suplicio únicamente encontrando el amor verdadero de una casta cortesana.
Existe en esta categórica insinuación, la maestría de Fisher para acercar la mitología del monstruo a nuestra propia realidad.
Gusta profundizar en la sicología de sus personajes, diseccionándolos como un taxidermista, para relativizar los desvaríos de la Humanidad frente a lo desconocido.
Si bien la ciencia aparece como la expurgación de la maldad y los símbolos del Cristianismo como la cura de la amenaza mortal, no es menos imaginativo, el uso que da a los cambios de la Nsturaleza en la prorrogación de lo sobrenatural, de ahí, su apego a los paisajes bucólicos, con bosques espesos y brumosos, lunas llenas y cielos espectrales.
Desde ese punto de vista, el cine del director británico, logra revitalizar desde sus orígenes, la mirada adulta del horror, estimulando el interés del espectador, con una certera y atractiva mirada creativa.

Filmografía Fundamental :

"Frankenstein creó a la Mujer" : una de las obras fílmicas, que Fisher dedicó al personaje literario de Mary Shelley.

Realizador de 48 largometrajes, se detallan a continuación sus películas más relevantes :"Colonel Bogey" ( 1947); "A Song for Tomorrow" ( 1948); "Mask pof Dust" ( 1954); "Children Galore" ( 1954); "Kill Me Tomorrow" ( 1957); "La Maldición de Frankenstein" ( "The Curse of Frankenstein", 1957); "Drácula" ( "Horror of Dracula", 1958); "El Perro de Baskerville" ( "The Hound of Baskerville", 1959); "The Man Who Could Cheat Death"" ( 1959); "La Momia" ( "The Mummy", 1959); "Las novias de Drácula" ("The Bride of Dracula", 1960); "Las dos caras del Doctor Jekyll" ( "The Two Faces of Dr.Jekyll", 1960); "Sword of Sherwood Forest" ( 1960); "La Maldición del Hombre lobo" ( "The Curse of Werewolf", 1961); El Fantasma de la Opera" ( "The Phantom of Opera", 1962); "El collar de la muerte" ( "Sherlock Holmes und das Haslband des Todes", 1962); "The Horror of Ot All" ( 1963); "The Gorgon" ( 1963); "Drácula, príncipe de las tinieblas" ( "Drácula, Prince of Darkness", 1965); "La Isla del Terror"/"S.O.S. el Mundo en peligro" ("Island of Terror", 1966); "Frankenstein creó a la mujer" ( "Frankenstein created Woman", 1967); "Night of the Big Heat" ( 1967); "The Devil Rides Out" ( 1968); "El Cerebro de Frankenstein" ( "Frankenstein Must Be Destroyed", 1969); y "Frankenstein and the Monster from Hell" ( 1973).

Películas seleccionadas :
"La Maldición de Frankenstein" ( 1957).

Peter Cushing como Victor Frankenstein desafiando los límites de la ciencia.

Victor ( Peter Cushing) y su tutor Paul ( Robert Urqhart), en la sala de experimentaciones.

La primera película terrorífica de Terence Fisher para la Hammer, es una readaptación del clásico literario "Frankenstein" de Mary Shelley , convertida en guión por Jimmy Sangster, producida por Anthony Hinds, y estelarizada por Peter Cushing como Victor Frankenstein, y Christopher Lee como la creatura, los dos rostros más característicos de este "revival".
El filme presupone el punto inicial, con que la casa inglesa se dedicó de lleno, a explotar el filón de los clásicos de horror góticos, y mantiene inalterable su excelencia narrativa, su plasticidad estilística y su notable montaje supervisado por James Needs.
Fisher comienza con una extrapolación del mito, para arraigarlo en la temática que habría de interesarle en futuras secuelas : la vehemencia del científico que cae en la locura de creerse un Dios.
En este sentido, el filme no es más que la ingeniosa selección de las constantes del terror, asumidas con una nueva diáspora cercana al descubrimiento de una estrella.
Todo en ella, es novedad : un sacerdote montado en caballo, llega hasta una inexpugnable cárcel, donde Frankenstein le confesará porqué terminó sus días allí, condenado a la guillotina.
El largo racconto le permite a la dupla Fisher- Sangster, aplicar interesantes innovaciones narrativas.
El joven Victor ( el niño Melvyn Hayes ), rico y solitario, recibe la instrucción de su tutor Paul Krempe ( Robert Urqhart), quien le abre el conocimiento a las ciencias ocultas.
En esta aventura a lo desconocido, Victor y su tutor, crecen y se desarrollan por caminos opuestos. Mientras el vehemente joven, concentrará su entusiasmo, en las posibilidades de revivir a una mascota con energía eléctrica, su profesor intentará ayudarlo, pensando en las posibilidades de salud que se podrían obtener de los resultados de tales experimentos.
Paul infiere que con ello "Salvaremos miles de vidas". Victor en cambio, cree que se le ha "abierto una puerta" para crear una creatura perfecta hecha de cadáveres.

Victor y Paul, frente a la creatura ( Christopher Lee).

El maquillaje del monstruo de Phil Leakey, sigue fielmente la descripción del libro de la Shelley.

Ambos amigos, terminarán confrontados en medio de la horrible creación ( Christopher Lee) que produce lástima, aunque manifiesta una sádica ansiedad por los asesinatos.
Además, Victor mantendrá una relación amorosa con su doncella Justine ( Valerie Gaunt que después interpretó a una mujer vampiro en "Drácula"), aunque está comprometido desde pequeño con su prima Elizabeth ( Hazel Court).
Fisher acentúa los momentos claves en la corruptibilidad que sufre Victor : un leve zoom cuando cree oír los latidos del corazón de una cachorro canino; un plano general abierto cuando abre la puerta de su laboratorio y encuentra de pie, sacándose las vendas al monstruo; tomas en picado y contrapicado, cuando planifica el homicidio del viejo profesor Bernstein para adueñarse de su cerebro.
Hay en toda esta manifiesta integridad temática, un auténtico gozo por nutrir al género, de una seriedad adulta que caracterizará toda la obra posterior del director.
Adecuada dirección artística de Ted Marshall, extraordinaria fotografía de Jack Asher que subraya los colores fuertes en medio de un laboratorio digno de la primera época de la mecánica industrial, y una narrativa perfecta, transforman esta primera película de Fisher en la Hammer en una suculenta manifestación del arte cinemático.
Valiosa y sorprendente.

"Drácula" ( 1958).

La llegada del bibliotecario Jonathan Harkes, desencadena la historia en off de esta nueva versión.

El ataque sorpresa de la mujer vampiro.

El perfecto gentleman convertido en bestia.

Los escenarios barrocos ceden al estilo gótico, con marcados toques oscuros y metafísicos.

Val Hensing ( Peter Cushing) es un estudioso del fenómeno de la licantropía.

Combatiendo el mal con el crucifico cristiano.

Desde la presentación de los créditos iniciales ( letra gótica en rojo violento ) sobreimpresa sobre la imagen de una escultura, un águila que sostiene uno de los pilares de la mansión del Conde Drácula, Fisher nos integra en una nueva versión del mito del vampiro de Bram Stoker, que causó furor y verdadero impacto en el momento de su estreno.
No sólo porque aparecía Christopher Lee, de un metro y noventa y tres centímetros, vestido correctamente con su capa negra, mostrándose amable y elegante con su nuevo bibliotecario, sino porque al trasponer el orden del relato original, introdujo una variante inteligente que no habíamos conocido antes : "la inequívoca sexualidad de las relaciones entre el vampiro y sus víctimas".
Lo maravilloso de esta propuesta, está en la cercanía que logró con el espectador, al mostrar el ataque de la bestia como parte de un rito pagano de seducción y erotismo.
La magnífica fotografía de Jack Asher, le permite además, integrar tomas tan decidoras como la del ataque de la mujer vampiro al bibliotecario, que comienza narrando en off este conocido relato terrorífico.
Suspicacia, un mínimo de diálogos, mucha sugerencia visual, hasta la seductora aparición de Lee convertido ahora en un señor de la noche, instigando con sus feroces ojos y colmillos, el triste destino de su víctima.
Pero hay además, una simbólica insistencia en el rojo, que se transforma en el alimento más apetecido por el vampiro, y que adquiere resonancias sexuales obvias, en las mordidas que ejecuta en otras bellas doncellas atrapadas por su seductor magnetismo.
Esta violación a la castidad aparente de mujeres hermosas, habría de transformarse en el sello de fábrica de estas películas innovadoras.
El montaje de Bill Lenny es perfecto, sobretodo en las secuencias de los ataques sorpresivos.
Bastan sugerencias de contraluces, efectos de sombras y siluetas recortadas, a la manera del expresionismo alemán, para sobredimensionar los funestos desenlaces de las víctimas.
Por otra parte, la música de James Bernard, juega un papel preponderante con su insistencia de violines y trompetas, asimilados como aullidos hirientes de los homicidios nocturnos.
Cabe destacar, el guión de Jimmy Sangster y el maquillaje de Phil Leaky, que condicionan los excelentes resultados de esta obra inusual.
Peter Cushing que haría del doctor Van Helsing en otras oportunidades, logra integrar el personaje con una flema y un minimalismo extraordinario.
Su Van Helsing no sólo es probo, valiente e incorruptible, sino además, un intelectual estudioso del fenómeno, capaz de reinterpretar el libro de vida de su colega, con unos atisbos de coraje, ironía y seguridad, que terminará imponiéndose en el enfrentamiento final con el vampiro en su propio castillo.
Se trata de un duelo antológico, donde se resalta la astucia y la destreza de Van Helsing para abrir las enormes cortinas de la mansión como si se tratara de una fiera.
Ese frenesí estrepitoso matizado por la música, que representa el choque ineludible entre el bien y el mal, hacen de esta película de terror, una joya imprescindible para los mitómanos del género. Valiosa.

"La Maldición del Hombre Lobo" ( 1961).

El valor cromático en la secuencia desarrollada en el castillo del perverso Marqués.

León sufre convulsiones antes de su transformación.

Cuando se convierte en lobo salvaje nadie lo detiene.

El director Terence Fisher después de vitalizar a los dos mitos del cine clásico de terror : "Drácula" y "Frankenstein", se abocó a la tarea de modernizar la leyenda del Hombre Lobo.
Sitúo la acción en una España antigua, y aderezó la tragedia del hombre mitad humano mitad bestia, con un biopic de sus orígenes.
El relato en off profundiza con inteligencia y buen gusto, en las aberraciones sexuales que dieron origen a la bestia.
Momentos realmente decidores, que parecen fuera de contexto, como la historia del pordiosero vagabundo, que busca alimento en el castillo de un detestable Marqués ( Anthony Dawson); o la violación de la madre del protagonista, León Carido ( Justin Walters de niño, Oliver Reed de adulto), están tan maravillosamente narrados, que nunca desperfilan el cuento tradicional del hombre. que se convierte en lobo salvaje en las noches de luna llena.
Fisher narra su historia con la certera nostalgia de un "cuentacuentos" , sin ripios, sin lugares comunes y con absoluta brillantez.
Reinserta la temática de la licantropía a las tentaciones de la carne, a la idea del pecado original, al concepto del sexo como elemento detonante de la tragedia.
En este sentido, la incorporación de Catherine Feller como Cristina, la prima y prometida de León, resulta una auspiciosa intervención, que acentuará el lado trágico y amoroso del personaje.
Lo que hace Fisher es humanizar el mito, con Oliver Reed luchando contra sí mismo, intentado evitar más homicidios, sin lograr desviar su triste destino.
Su padre Alfredo Corledo ( el genial Cliffors Evans), juega un rol preponderante dentro del relato y llevará sobre sus espaldas, todo el peso del desenlace del conflicto.
El cineasta británico, filma con gran pericia y un sentido plausible del ritmo. Parte con planos estáticos, que devienen en travellings laterales, cortes rápidos, encadenamientos y paralelismos, que hacen más vigorizante su relato.
Nunca pierde el motivo central del conflicto, y se asegura de no aburrir, agregando escenas típicas y reconstituciones investigativas alrededor de los hechos que acontecen, cuando León ataca convertido en bestia.
Una de las escenas claves cuando se representa un baile español, ejemplifica la destreza emocional que tiene Fisher, para integrar al espectador en la historia, sin dejar de utilizar el significativo uso del color y de los espacios. Muy Interesante.

"Drácula, Príncipe de las Tinieblas" ( 1965).

Christopher Lee mostrando sus colmillos.

Una de las escenas más atrevidas : una misa de profanación para revivir al vampiro.

Para muchos críticos y expertos, se trata de la mejor variante que existe de la novela de Bram Stoker.
El Padre Sandor ( Andrew Keir ), debe luchar contra el Conde Drácula en las inmediaciones de su propia abadía.
Como nunca antes, Drácula ( Christopher Lee ) aparece como un irresistible seductor, atrevido y hábido de sangre.
La mujer seducida por el vampiro, va a parar hasta en el mismo convento, donde la lucha será sostenida.
Terence Fisher integra la aventura de cuatro desprevenidos viajeros que desobedeciendo las recomendaciones del Padre Sandor, visitan la mansión de Drácula.
Extraordinario en el planteamiento, riguroso en el formato, pero absolutamente atrevido y sorprendente, Fisher se luce en una de las secuencias más inolvidables de la saga : una misa de profanación, donde un criado sacerdote asesina a una víctima, la cuelga desde los pies y luego la degüella, para aumentar la salida de la sangre que revivirá al vampiro.
Aún hay más. El choque entre los monjes y la creatura, será en medio de una "devastadora curación" espiritual a estaca en mano, contra una "infectada" doncella, que conocerá simbólicamente su propia violación.
El desborde en los planteamientos de la resurrección del Conde, hacen más apetitosa esta saga, que le saca lustre a los propios orígenes de su innovación.
Al magnífico intercalamiento del suspenso, las situaciones inesperadas, las vueltas de tuerca y los climaxs sorprendentes, se une el perfecto rigor en la trama, que seduce por sus ramificaciones complejas y llenas de significancias ero-religiosas.
Sin duda, es la más atrevida de las adaptaciones que hiciera la Hammer del mito, y seguramente, la más evidente como muestra de la reivindicación del terror gótico.
Todos estos simbólicos momentos, hacen inolvidable la experiencia de revivir esta película, donde queda patente la sensualidad revoltosa del mito. Imperdible.

Christopher Lee:
De Gentleman a Sofisticado Villano.

Eterno vampiro de la noche.

Figura legendaria de la "Hammer" británica y de buena parte del cine fantástico y terrorífico del siglo XX, nacido en 1922. Se inició en obras de William Shakespeare en el teatro londinense, y en el cine con directores de envergadura como : Nicholas Ray y Raoul Walsh.
Combatió como piloto en la Real Fuerza Aérea durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó en la Organización Rank en 1947, preparándose como actor en la "Charm School" y debutando en el cine en "Corridor of Mirrors" ( 1948) un drama de Terence Young donde tuvo un rol secundario.
Con Peter Cushing se encontró en "Hamlet" y "Moulin Rouge", pero no fue hasta su reunión en la "Hammer", que no lograrían empatizar de manera estelar.
Entre sus aficiones, juega golf como un profesional consumado y habla cinco idiomas.
Especializado en películas de horror, su fama comienza cuando estelariza "Drácula" ( "Horror of Dracula", 1958) de Terence Fisher, que lo pondrá a la cabeza de la productora inglesa Hammer, junto a Peter Cushing.
Su larga trayectoria incluye 276 producciones para el cine y la televisión.
Se le conoce mejor como : Frankenstein, Drácula, Rasputín, Fu Manchú y La Momia, aunque también ha encarnado al famoso detective Sherlock Holmes en la película alemana "El Collar de la Muerte" y después interpretó al hermano de Sherlock, Mycroft en "La vida privada de Sherlock Holmes" de Billy Wilder.
Entre la amplia gama de villanos, también ha desempeñado los roles de: el marqués de St. Evremonde en "Historia de dos ciudades", y Rochefort en las producciones de los años setenta que adaptaban el clásico de Alejandro Dumas, "Los Tres Mosqueteros".
También ha sido Lord Summerisde, el líder de una secta pagana en la inolvidable "El Hombre de Mimbre"; el doctor Catherer, el genial médico del laboratorio que revive a los "Gremlins" !!, y el malvado Francisco Scaramanga en la secuela de James Bond "El hombre de la pistola de oro".
Entre sus últimos papeles, destaca como el padre de Willy Wonka en "Charlie & la Fábrica de Chocolates" de Tim Burton, quien le ha dado varios roles secundarios hasta hoy día; el Conde Dooku/Darth Tyranus de la saga galáctica "La Guerra de las Galaxias" y el hechichero Saruman en la trilogía de "El Señor de los Anillos" y la nueva trilogía de "El Hobbit".

Peter Cushing :
El "Lord" del terror gótico.

El actor de cucalón en "La Momia" para la "Hammer".

Actor clásico británico( 1913-1994), se inició en el cine en : "El Hombre de la Máscara de Hierro" en 1939.
A los ocho años fue atraído a la actuación, inspirado por su tía favorita que era actriz teatral. Su primer oficio, sin embargo, fue como asistente de la gobernación de Surrey. En estos años, hace teatro amateur y viaja a Londres a estudiar en la "Guilhall School of Music and Drama". Debutó en las tablas en 1935, y trabajó en los Estados Unidos entre 1938 y 1942 en la radio y en el cine.

Su figura delgada, rostro enjuto, de mirada expresiva, dió vida a un galería de personajes extraños, metódicos, elegantes y sugerentes, como cuando encarnó a doctores y científicos aparentemente normales y respetables, que alteran su personalidad ante lo prohibido y sorprendente.
Con 18 películas de "Sherlock Holmes", seis como el doctor "Frankenstein" y otras tantas al lado de su colega Christopher Lee, también fue un inspirado intérprete de dramas de época y aventuras fantásticas, en productoras pequeñas como la "Amicus", logrando trascender por su pulcridad, versatilidad y refinamiento.
En la vida real, Cushing tuvo una cariñosa unión con su esposa Violet Helen Beck, que murió en 1971, después de 27 años de matrimonio. El actor quedó tan destrozado por el hecho, que por largo tiempo alimentó el propósito de suicidarse.
Restablecido continúo sus labores frente a las cámaras y escribió una biografía publicada en 1986, donde relata sus aventuras en el cine, la televisión y el teatro.
132 producciones de cine y televisión comprenden su filmografía, destacando en películas como : "Moulin Rouge" ( 1953); "Drácula", "La Maldición de Frankenstein" ( 1957); La Venganza de Frankenstein" ( 1958); El Perro de los Baskervilles" ( 1959); "La Momia" ( 1959); "The Gorgon" ( 1964); "Drácula , vuelve de su tumba" ( 1965); "Dr.Who and the Dalenks" ( 1965); "Dr.Terror" ( 1965); "El Cerebro de Frankenstein" ( 1969); "Cuentos en la Cripta" ( 1972); "Frankenstein and the Monster from Hell" ( 1973); ""The Ghoul" ( 1975); "Viaje al Centro de la Tierra" ( 1975); "La Guerra de las Galaxias" ( 1977); "Las Mil y una Noches" ( 1979); "Misterio en la Isla de los Monstruos" ( 1981); "Supersecreto" ( 1984) y "Biggles" ( 1986), entre otras.
Este año, sus seguidores conmemoran los 100 años de su natalicio, con una serie de actividades en Londres, que incluyen la exhibición al aire libre de sus películas más emblemáticas.

Jimmy Sangster :
Escritor del género gótico.

El guionista en sus últimos años todavía aceptaba entrevistas.

Su nombre está asociado a la productora inglesa "Hammer", donde se convirtió en un guionista fundamental vinculado al terror, y durante unos años, 1957 a 1960, se transformó en el colaborador habitual del director Terence Fisher, para quien escribió los libretos de : "La Maldición de Frankenstein" ( 1957); "Drácula" ( 1958); "La Momia" ( 1959) y "Las novias de Drácula" ( 1960).
Jimmy Sangster ( 1927-2011), también trabajó para el director Freddie Francis, cuando escribió los guiones de : "Nightmare" ( 1963) e "Hysteria" ( 1964).
A comienzos de los años setenta, se inspira para escribir y dirigir : "The Horror of Frankenstein" ( 1970) y "Lust for a Vampire" ( 1971).
Culminó su carrera, trabajando como guionista de series de televisión como : "Kolchak" y "SWAT".

Comentarios :

Drácula y sus preciosas novias.

"Soy un creador de cuentos de hadas para adultos. Unicamente, saco el erotismo en mis películas, cuando la trama lo exige. Ahora casi todo el mundo lo hace, exclusivamente para ganar dinero.
Para mí, Christopher Lee fue siempre un notable Drácula, porque no creo que haya algún actor, que trabajara tanto como él en el papel.
Su estatura y sus modales, están muy bien estudiados. Lee tiene esa gran habilidad de dar emoción a sus escenas. Además, tiene una fuerte carga de sensualidad en su imagen, que lo hace único e irrepetible en el papel del Conde Drácula".

( Terence Fisher )

Drácula antes de su transformación vampírica.

"En un momento de la cinta, Drácula entra en el dormitorio y cierra la puerta a la cámara, apostada en el pasillo. La cuidadosa y esperada aproximación habría sido el final de la escena, pero Fisher corta directamente mientras Drácula arrincona a la joven contra la cama. El propio corte transmite inexorabilidad, violación y horror".

( Chris Fijiwara, crítico de cine del "Boston Phoenix" )

Tim Burton :
"Mi mayor recompensa, es que la gente disfrute de mis obras".

Con su última creación animada para "Frankenweenie".

Hay algo de "mono animado" en su apariencia. Siempre que recuerdo a Tim Burton, confieso que tiendo a confundirlo con algunos de sus personajes del cine.
Y es que, Tim Burton ( nacido en 1959, en Burbank, California ); fue siempre un tipo "freak". Antes se peinaba a lo punkie y se teñía el pelo.
Ahora que está casado con la gran actriz Helena Bonham Carter, musa de sus filmes, aparece como un hombre más "de casa", aunque igual demuestra su diferencia, con los cabellos enmarañados y unos anteojos polarizados.
A los periodistas, les encanta como personaje, porque en persona, es cordial y absolutamente anti-sistémico, anti-divo y anti-estableshiment.
Nunca tan dado a conspirar como los extraterrestres de su notable "Marcianos al ataque", ni tan oscuro como sus versiones para "Batman" sobre las tiras cómicas originales de Bob Kane.
Por sus venas decididamente no corre sangre, sino celuloide.
Tremendamente cinéfilo, no se ha perdido clásico de sci- fi, ni película de terror antigua.
Sus pulmones respiran cine. Su mente sueña en 35 mm. De eso no hay duda.
Una vez se confesó con Gabriel Lerman para despertar su curiosidad; y le dijo que amaba las películas de Ray Harryhausen, recientemente desaparecido.
"Lo que hizo en las películas de los años 50 y 60 fue muy importante para mí. Fue una figura primordial en mi formación. Cuando era chico y veía su nombre en los créditos, ya no me importaba quien actuaba en el filme, lo único que me interesaba era ver lo que había hecho Ray. Mi pasión por la animación stop motion tiene que ver con Ray Harryhausen . Es un verdadero artista. Sus monstruos tienen más personalidad que muchos de los actores que trabajaron en esos films. En las películas de Ray, aun cuando un monstruo no deja ser lo que es, la escena en la que muere siempre es intensamente trágica y maravillosa. El monstruo hace un movimiento trágico con la cola que te lleva a sentir pena por ese ser que acaba de respirar por última vez".
En otra ocasión, al periodista Pablo Aburto le insinúo porque su alter ego es el actor Johnny Deep :
___"Johnny siempre ha sido un profundo estudioso de sus personajes y un amante de las anécdotas, por más triviales que éstas puedan parecer. En "Alicia en el país de las maravillas" descubrió que los sombrereros de la época, con frecuencia sufrían intoxicación por el mercurio utilizado en su oficio. Por supuesto se inspiró en este dato, para interpretar al personaje que está afectado mental y corporalmente por este mal".
Burton es una persona muy inteligente y ha hecho de su cine una metáfora visual del tiempo presente.

Un Genio introvertido.

Junto a su actor fetiche Johnny Deep, con el que ha hecho ocho películas.

Yo lo recuerdo en sus primeros años, cuando era un cineasta emergente.
Los periodistas más jóvenes, que teníamos que redactar la crónica del fin de semana para los matutinos locales, nos dabamos el tiempo suficiente para resaltar a este artista, que recién aparecía en el firmamento hollywoodiense.
Por su apariencia era muy "freak". Su mirada perdida, detectaba las horas y horas que pasaba frente al televisor degustando esos clásicos B en VHS.
Ví "Beetleejuice" y rayé la acera. Después "El Joven Manos de Tijeras" que es una de las películas suyas que más atesoro, y aluciné con el romance entre Winona Ryder, Johnny Deep y la música divina de Danny Elfman.
Más tarde, me extralimité alabando "La leyenda del jinete sin cabeza", tal vez, porque yo he amado los clásicos de la "Hammer" y el filme respiraba la estética y los conceptos temáticos de esa vieja casa productora inglesa.
En fin, muchos le debemos a Burton, las crónicas más entretenidas del fin de semana, porque siempre nos resultó un tipo muy interesante de destacar en las páginas de "Arte y Espectáculos" de la prensa nacional.

Tim siempre ha estado conciente que para ser "alguien" valioso en el cine, hay que atreverse a romper esquemas y tabúes. Por eso, demuestra una dedicación casi obsesiva a los "outsiders", y a los temas vinculados a la muerte.
Cuando niño era muy introvertido y le gustaba recrearse con su hermano, representando parodias de hechos sangrientos.
No tenía mucha inclinación por el estudio, aunque le gustaba mucho el diseño, la pintura, el dibujo y el cine.
Admiraba las "monster-movies" y se cultivó viendo los clásicos B de "Godzilla", "Drácula", "Frankenstein", "La Momia", las películas de Ray Harryhausen y Roger Corman, desde donde salió su admiración por el actor Vincent Price, a quien consideraba su "héroe".
A los trece años, hizo su primera película "amateur" : "The Island of doctor Agor", para replicar luego con "Houdini".
Por esos años, se fue a vivir con su abuela, porque sus padres sencillamente, vivían dedicados al trabajo y no estuvieron mucho tiempo con él, cuando los necesitaba.
La relación con sus padres, fue siempre distante, frágil y traumática. Aunque no lo diga, ella marcó su vida y una empatía con los "outsiders", tal vez porque Tim siempre se sintió uno de ellos.
Después del Bachillerato, en 1976 se fue a estudiar animación al "Cal Arts Institute" en California, que fundó Walt Disney, donde aprendió las distintas técnicas del género.
Allí realizó "Stalk of the celery monster", una película que le permitió acceder a trabajar en los estudios del célebre productor animado.
Su relación no fue satisfactoria, porque sencillamente Tim, no encajaba con los patrones que buscaban los productores, que no entendieron su innovador arte.
Decidido a trabajar de forma independiente, efectúo con éxito, sus primeros cortometrajes : "Vincent" ( 1982), un homenaje a la figura de su "héroe cinematográfico" Vincent Price; y "Frankenweenie" ( 1984), un corto de treinta minutos, estelarizado por Barret Oliver, Shelley Duvall y Daniel Stern, basado en el clásico gótico de Mary Shelley, que cuenta la historia de un niño científico capaz de revivir a su mascota canina, atropellado por un automóvil.

Entre cariblancos y seres de la noche.

"La Gran Aventura de Pee-Wee-Herman" : su primer largometraje donde ya resaltaba su particular estética.

Mosaico con escenas de "Beetleejuice".

"Batman" : Michael Keaton y Jack Nicholson como el "Guasón" ( "Jocker").

"El Joven Manos de Tijeras"/"Eduardo Manostijeras" : el cuento romántico de ribetes góticos.

"Batman, Vuelve" : Michele Pfeiffer causó sensación como una sensual Gatúbela.

Por un ofrecimiento del olvidado actor Paul Rubens, acepta rodar su primer largometraje "La Gran Aventura de Pee-Wee Herman" ("Pee Wee"s Big Adventure", 1985), adaptación para el cine de la excéntrica personalidad de ese personaje cariblanco, que dominó la televisión infantil en su momento de gloria.
Después haría su primera obra personal, "Beetleejuice, el superfantasma" ( "Beetleejuice", 1988), un cuento macabro de una pareja de fantasmas, cuyos territorios se ven invadidos por una familia común y corriente.
Aparecían aquí sus primeras características autorales : la mirada melancólica a la familia, la estética deliberadamente tenebrosa con pinceladas góticas; su inclinación por los personajes "freaks" y la colosal música de Danny Elfman, que siempre le acompañaría hasta hoy, en su aventura por el cine.
Cuando se le pregunta sobre su inclinación por los temas relativos a la muerte, no vacila en responder :
"En verdad no tengo la menor idea que pasa después de la muerte. Pero me siento identificado, con la manera en que otras culturas tratan el tema que con la que me inculcaron a mí. En la cultura estadounidense, nos enseñan desde muy temprano que hay que tenerle miedo a todo, que siempre te está por pasar algo malo, mientras que en la cultura mexicana tienen una mirada mucho más positiva y espiritual".
La adaptación de "Batman"( 1989); , el célebre personaje de los comics de Bob Kane, le permitió asumir el lado más oscuro del personaje, atisbándolo como un nuevo "outsider" incomprendido por la Ciudad Gótica, aunque imprescindible para defender a la ciudad por la paz y la justicia.
El filme elevó por los cielos su reputación profesional, y Burton comenzó a transformarse en un ícono obligado del cine norteamericano actual.
Acerca del personaje recuerda : "Batman comenzó como un oscuro detective antes de que le fueran dados todo tipo de artefactos para combatir la delincuencia. Finalmente, terminó siendo un vulgar personaje, que ni siquiera se embarcaba en aventuras nocturnas. A diferencia de Superman, que ha permanecido mucho más fiel así mismo. Desde ese punto de vista, admito que me interesó recuperar su autoestima, a partir de sus propios defectos".
Después vino su primera obra maestra : "El Joven Manos de Tijeras" /"Eduardo Manostijeras" ( "Edward Scissorhands", 1990), una melancólica y notable historia sobre un "príncipe sin manos", una creación a medio terminar, que debe jugársela por ganarse el amor y el cariño de una familia y una comunidad típicamente americana.
Sensible, romántica, poética, tremendamente original, con una puesta en escena superestilizada, el filme mantiene inalterables sus efectos sobre el espectador avezado.
Después recapitularía con el hombre murciélago, en una secuela : "Batman, regresa" ("Batman, return", 1992), donde profundiza aún más, en la sicología de los personajes marginales con "El Pingüino" y "Gatúbela", estupendamente interpretados por Danny De Vito y Michelle Pfeiffer.

Candorosa complicidad.

"El Extraño Mundo de Jack" : una stop-motion original y novedosa, que confronta Halloween con la Navidad.

"Ed Wood" : los personajes que existieron realmente en la vida del director catalogado "el peor de la historia".

"Batman, Eternamente" : Nicole Kidman y Val Kilmer, pareja ideal.

"Jack y el Durazno Gigante" : una nueva fantasía en stop motion entremezclada con acción en vivo.

"Marcianos al Ataque" : el homenaje cinéfilo de Burton, al cine de invasiones extraterrestres.

"La Leyenda del Jinete sin cabeza" : escenarios reales en un cuento gótico.

En "La leyenda del Jinete Sin Cabeza", Johnny Deep es un excéntrico doctor premunido de los avances de la técnica.

Más adelante, produce "La Navidad de Jack"/"El extraño mundo de Jack" ( "The Nightmare before Christmas", 1993), su primera incursión en el largometraje con la stop motion que tanto admira del maestro Ray Harryhausen.
La película se basa en el "rito pagano de las calabazas" en Halloween y traspone ésta, con la tradición navideña del Viejo Pascuero/Papá Noel, efectuando una imaginativa historia llena de candorosa complicidad.
"Recuerdo cuando se estrenó la película porque los niños venían a decirme cuanto les había gustado la historia. Aunque los adultos la miraran con cierta adversión. Creo que es un problema más de ellos. Además, la película tiene mucho humor como en cualquier fábula o cuento de hadas", señala.
Más tarde, adapta la vida y obra de "Ed Wood" ( 1994) considerado "el peor director de la historia del cine", y logra su película "más artística".
Martin Landau está insustituíble como el excéntrico personaje, y Burton integra toda su cinefilia y su pasión por el arte cinemático, que para darle un toque B , incorpora el blanco y negro con expresiva solvencia.
Insistiendo con "Batman Eternamente" ( "Batman Forever", 1994), en ampliar la sicopatología de los habitantes de Ciudad Gótica, nos reinterpreta el personaje de Bob Kane, con la complicidad de Chris O"Donnell como Robin y Tommy Lee Jones como un "Dos Caras" que es la síntesis metafórica de la ambigüedad en el mundo del crimen.
Seguidamente, produce "Jack y el Durazno Gigante" ("James and the Giant Peach", 1995), una loable nueva iniciativa de "stop motion", que agrega personajes reales a un tono surrealista, depositarios de los viejos cuentos de Jules Verne a escala infantil.
"Marcianos al Ataque" ("Mars Attack!!!", 1998) es su homenaje, a los viejos filmes de invasiones extraterrestres que nutrieron su imaginación en la infancia.
La película se beneficia del tono irónico que hace de la lectura de los servicios de seguridad, de los gobernantes, y de la mass media, así como del cosmopolitismo cultural que existe entre los estados de Nueva York, Las Vegas y Washington.
Luego estrena "La leyenda del jinete sin cabeza" ( "Sleepy Hollow", 1999), otro cuento gótico, que desarrolla en plan de catarsis a los funestos "revival" del cine actual.
Película barroca, oscura y visceral, asume sus ambientes entre tinieblas, rememorando el estilo de la "Hammer" y disloca las compulsiones del "mad doctor habitual" en un Johnny Deep absolutamente ensimismado por la tórrida Christina Ricci.
Aparecen pálidos rostros en funestas atmósferas de lograda estilización, muy en la línea burtoniana, con algunos toques "gore".

Por Aguas más seguras.

"El Planeta de los Simios" : exigió un trabajo especial del maquillaje que recibió el Oscar.

Dirigiendo a Ewan McGregor en "El Gran Pez".

Adaptar "El Planeta de los Simios" ( "The Planet of Apes", 2001), uno de los clásicos de sci fi de los sesenta, con Charlton Heston, le lleva a usufructuar de ciertos patrones de la cultura negra, e integrar los diseños más modernos del "space odissey" en una plataforma no del todo contundente, pese a la exitazo que significó en taquilla.
Sobre ella, resalta Burton : "La idea no era hacer lo mismo. Me cargan las comparaciones. Me causan pesadillas. Acá vimos una serie de opuestos, tanto en los humanos como en los monos. Tuve que mirar el canal de los simios durante años, para hacerme una idea concreta sobre el proyecto" ( ríe).
Lo cierto es que, aparece como una de sus películas más débiles. Cuesta asumir el por qué. Seguramente, su desencantada manera de ver a la Humanidad como una raza muy atendible, y preocupada de otros valores que no sean los del consumismo, le llevó a dilucidar que, los simios eran más responsables con su cultura progenitora.
Como sea, los simios no pudieron ser muy estilizados, y el filme pasó colado como un simple divertimento, con excelentes efectos de maquillaje, y un tema más lejano a su mundo, que el resto de sus películas más entrañables.
"El Gran Pez" ("Big Fish", 2003), le recuperó a aguas más seguras. Sí porque la película es sobre el amor paternal; y como nunca antes, Burton nos desentraña muchos de sus traumas relativos a su propia familia.
Cuento maravilloso, nunca tan bien correspondido, es una soberbia historia de iniciación vital asumido como catarsis creativa.
"Cuando leí el guión no sabía que iba a suceder en la página siguiente. Era un cuento realmente sorprendente. Después cuando acabé de leerlo, me di cuenta que podía hacerse más simple de lo que aparecía, porque exploraba por valores y principios, que a mí me interesaban muchísimo", infiere.

"Charlie & la Fábrica de Chocolates" : los actores durante el rodaje.

Burton en el set de "El Cadáver de la Novia".

"Sweeney Todd" : la comedia macabra musical con Johnny Deep y Helena Bonham Carter.

En el colmo de su acertiva forma de valorar la estética , la forma y el fondo de sus relatos, decide readaptar a "Willy Wonka y la fábrica de chocolates".
El resultado no puede ser más plausible. Una historia conocida que parece absolutamente original. Burton asumió el valor colorístico de los escenarios, la exhuberante noción del fabricante con trauma infantil, y el rigor de la infancia por unos padres despreocupados de la vida hogareña, en "Charlie y la Fábrica de Chocolates"("Charlie & The Chocolate Factory", 2005), en la que tal vez, sea su película más "política", al asumir con vehemencia, los rigores familiares de la vida moderna, a través de los caracteres de sus personajes infantiles.
"Yo estaba viviendo en Londres cuando me llegó el proyecto que acepté gustoso. Junto con "El Cadáver de la Novia" fueron dos películas que filmé en paralelo, por lo que pude repartirme el tiempo sin mayores problemas", acota.
En efecto, en conjunto realizó también la producción de su siguiente obra animada de stop motion : "El Cadáver de la Novia" ("Corpse Bride", 2005), otro cuento macabro basado en una popular leyenda rusa.
A diferencia de "Charlie", esta película le significó diez años de trabajo para convertirla en realidad cinemática. ¿ El resultado ?
Una obra burtoniana en toda su extensión, que combina humor negro y personajes extravagantes, y un apego a los conceptos del cine narrativo que se agradece.
Sobre ella, indica : "Es una historia mucho más suave que El extraño mundo de Jack, porque es básicamente una historia de amor con un contenido muy emotivo. Hay elementos que pueden ser un poco perturbadores para los chicos, pero al mismo tiempo, ése es el atractivo que tiene este tipo de historias", recalca.
Con "Sweeney Todd" ( "Sweeney Todd : The demon barber of Fleet Street", 2008), transmutó la obra musical original con el guionista Stephen Sondheim, para recrear en toda su regla, una nueva historia barroca y oscura, que se beneficia de los extraordinarios diseños de producción, la banda musical de Danny Elfman y el trabajo interpretativo de Johnny Deep.

Entre Nueve y Barnabás.

"9" : la novedosa película animada que coprodujo Tim Burton.

"Alicia en el País de las Maravillas" : Lewis Carroll con las variantes temáticas de Burton, en una notable adaptación muy estilizada.

"Sombras Tenebrosas" : Johnny Deep y Gulliverth McGrath en el rodaje en exteriores.

"Frankenweenie" : el homenaje cinéfilo al cine de monstruos.

Amante de la animación, produce con Timur Bekmanbetov y Jim Lemley, la cinta "9" ( 2009), una obra mayor de estructura minimalista. Alegoría apocalíptica llena de candor, dulzura, terror y referencias cinéfilas.
Después se concentró en la nueva adaptación del cuento de Lewis Carroll, "Alicia en el País de las Maravillas" ("Alice in Wonderland", 2010), atiborrada de colores bizarros, escenarios de belleza tránsfuga, es una metafórica historia sobre el despertar de la adolescencia, y a su modo, de su independencia con la férrea personalidad de una chica, que se niega a vivir la vida a través de los sueños de sus padres, para atesorar un mundo lleno de aventuras, claves numéricas y juegos de surrealismo abrasador.
"Esta fue una película compleja. Generalmente cuando tu filmas una escena la puedes ver al día siguiente, pero en este caso, podían pasar semanas y meses, sin lograra ver tus resultados. A causa de las escenas donde mezclabas personajes en acción real, con animaciones, fue un trabajo muy difícil. Por lo demás, me gustaba la idea de utilizar a este personaje, porque me permitió explorar en sus sueños, esa parte desconocida de tu vida interior", acota.
Así llegamos a sus últimos estrenos : "Sombras Tenebrosas" ( "Dark Shadows", 2012), incomprendida farsa a la original serie de televisión, que recapitula la posición política de Burton respecto al mundo que le rodea. No en vano, la bruja se dedica a la sobrexplotación comercial de los productos marítimos y la lucha que emprende con Barnabás Collins, es en el terreno de los negocios entremezclados con el sexo ocasional.
"Siempre me impresionó la serie de televisión, porque trata la historia de una familia extraña. Esos personajes van conmigo", subraya.
Y su remake en largo de "Frankenweenie" ( 2012), una perfecta alegoría a todo el cine B de monstruos y espantos, aderezada con una historia melancólica de amor canino, rodada en blanco y negro y admirada por su pulida simbiosis de cuento infantil y película de terror.
¿ Qué lo inspira a efectuar las películas fantásticas que han salido de su cabeza ?
Con gran seguridad, responde :
"La razón porque hago películas es simplemente porque veo al cine como un medio visual y disfruto mucho de todos los filmes que hacen un buen uso de la imagen y consecuentemente de la imaginación. Lo que más me importa, es que la gente que ve mis películas valore lo que hago. Eso es lo que me toca en el corazón. Por eso no me preocupan los premios. Sencillamente, que la gente disfrute de mis obras".
En algún lugar de Wonderland, Burton tiene su castillo. De eso no hay duda. Pese a que sufre el Síndrome de Asperger, una poca habitual forma de Autismo, el cineasta ha logrado consolidar una familia en compañia de la actriz Helena Boham Carter, y sin duda, legarnos algunos de los momentos más inolvidables del cine actual.
Por que al final de cuentas, estar frente a Tim, es estar frente a un gran tipo, un geniecillo como esos salidos de los cuentos maravillosos de Las Mil y Unas Noches.

Su estilo :

Burton es el Gran Pez. En realidad, sólo se comió al pez.

Personalísimo y absolutamente original, Burton cosecha una forma narrativa que parte y muere con él. Siempre en virtud de un sentido crítico, respecto a la sociedad donde está inmerso. "Me gusta vivir en Londres, porque en Estados Unidos me siento un extranjero", señaló una vez. Este desarraigo también se impone en sus lecturas fílmicas, convenientemente aupado en razón de una sensibilidad crítica, que es capaz de ponerse del lado de la clase media, sin menoscabo de ironizar sobre el "american dream " , el consumismo, el capitalismo y sus vertientes más ortodoxas.
Sus películas lubrican un sentido del humor que raya en lo absurdo, lo irónico y la farsa.
Su visualidad portentosa, le permite integrar una estilizada puesta en escena, que entremezcla puntos referenciales provenientes del videoclip, del cartoon, de los scifi de los 50 , de las películas de monstruos clásicas, de las obras pictóricas del surrealismo ( desde Dalí a Magritte), del posmodernismo, de la cultura del consumo, y de las mass media.
Sus alusiones suelen estar sobrecargadas de simbolismos y metáforas, y pasan por todo el espectro de la cultura humana, desde lo clásico y barroco a lo actual.
Desde un punto de vista formal, su cine es absolutamente singular, distinto, original, y revela un amplio conocimiento de los comportamientos humanos, de la vida social, del mundo contemporáneo, y sus resortes más instigadores , que lo llevan por caminos casi anárquicos, rompen esquemas preestablecidos condicionando un antes y un después dentro de su colosal obra.

Sus intérpretes :

En el set de "Sombras Tenebrosas" : Michelle Pfeiffer ríe, mientras Johnny Deep hace gestos a la cámara.

Sus actores favoritos son : Johnny Deep, con quien ha trabajado en ocho ocasiones; su esposa Helena Bonham Carter, Winona Ryder y Michelle Pfeiffer y los veteranos del cine que idolatra : Vincent Price, Christopher Lee y Michael Gough.
Su cinefilia siempre está presente, cuando invita a grandes actores de trayectoria a desempeñar algún papel de carácter, en algunas de sus películas.
Entre los más veteranos están : Albert Finney, Jack Nicholson, Jack Palance, Pat Hingle,Alan Arkin, Christopher Walken, Martin Landau, Danny De Vito, Bill Murray, Rod Steiger, Jim Brown, Pam Grier, Richard Griffiths, Michael Gambon, Alan Rickman, Billy Dee Williams, Vincent Schiavelli, G.D.Spradlin, Pierce Brosnan, Jeffrey Jones, Joe Don Baker, Jackie Earle Halley, Stephen Fry, Paul Giamanti, Ian McDiarmind, Kris Kristofferson y Robert Guillaume.
Entre las actrices de trayectoria, han trabajado para él : Kim Basinger, Michelle Pfeiffer, Lisa Marie, Sarah Jessica Parker, Dianne Weist, Kathy Baker, Estella Warren, Eva Green, Conchata Ferrell, Annette Bening, Glenn Close, Miranda Richardson y Jessica Lange.
De los actores infantiles o intérpretes emergentes, en su momento, también han aparecido en algunas de sus películas : Winona Ryder, Christina Ricci, Lukas Haas, Robert Oliveri, Natalie Portman, Ed Sanders, Ewan McGregor, Marion Cotillard, Marc Pickering, Sacha Baron Cohen, Mia Wasikowska, Anne Hathaway, Chlöe Grace Moretz y Gulliver McGrath.
Cabe destacar, la participación del actor nigeriano Deep Roy, en "Charlie & la Fábrica de Chocolates", también un intérprete de larga trayectoria en el cine ( "Flash Gordon"; "La Historia sin Fin").
También de ídolos de la música, como Tom Jones y Alice Cooper, que han aparecido como ellos mismos en : "Marcianos al Ataque! y "Sombras Tenebrosas", respectivamente.

Temática Recurrente :

"Vincent" : su primer personaje cinematográfico.

El ternurismo en los marginales y desadaptados, en los monstruos y en los freaks, establecen su temática más característica, aunque también se da tiempo, para insertar cuestiones relativas a la subjetividad de la vida y de las apariencias; y el cambio de mirada respecto a la muerte.
Sus relatos fantásticos están condimentados de elementos póeticos, cómicos, oníricos, surreales, y se sostienen en una elaboradísima puesta en escena, donde resaltan los diseños de producción de Rick Heinrichs, la música de Danny Elfman y el guión de Caroline Thompson, colaboradores habituales de su obra.
Heredero directo del terror gótico de las clásicas producciones de la "Universal" y la "Hammer", sus relatos proclives a resaltar a los antihéroes y a los marginales como seres con corazón, que piensan y sienten, lo han transformado en un ícono adorado por las huestes que idolatran la contracultura, lo freak y lo dark.
La estética de sus películas, ha fundado una nueva escuela posmodernista, condescendiente a los nuevos tiempos, y sin duda, que ha tenido imitadores dentro del cine, la televisión y el videoclip.

Filmografía Fundamental :

El corto original de "Frankenweenie"con el niño actor Barret Oliver y Shelley Duvall.

La carrera de Burton comprende : como productor, 20 obras; y como director 7 cortos, 3 series de televisión y telefilmes, y 17 largometrajes.
Ello no es óbice, de incluír también sus labores como guionista, ya que casi nunca aparece en los créditos, aunque cuenta con la colaboración habitual de Caroline Thompson.
Sus largometrajes consideran los siguientes títulos :
"La Gran Aventura de Pee-Wee" ( "Pee Wee"s Big Adventure", 1985); "Beetleejuice, el superfantasma" ( "Beetleejuice", 1988); "Batman" ( "Batman", 1989); "El Joven Manos de Tijeras" /"Eduardo Manostijeras" ( Edward Sciossorhands", 1990); "Batman, regresa" ( "Batman, return", 1992); "El extraño mundo de Jack"/"La Navidad de Jack" ( "The Nightmare before Christmas", 1993); "Ed Wood" ( 1994); "Batman, eternamente" ( "Batman, forever", 1994); "Jack y el durazno gigante" ( "James and the giant peach", 1995); "Marcianos al ataque" ( "Mars Attack!", 1998); "La Leyenda del jinete sin cabeza" ( "Sleepy Hollow", 1999); "El Planeta de los Simios" ( "The Planet of Apes", 2001); "El Gran Pez" ( "Big Fish", 2003); ""Charlie y la Fábrica de Chocolates" ( "Charlie & the Chocolate Factory", 2005); ""El Cadáver de la Novia" ( "Corpse Bride",2005); ""Sweeny Todd" ( "Sweeny Todd : The demon barber of Fleet Street", 2008); "Alicia en el País de las Maravillas" ( "Alice in Wonderland", 2010); "Sombras Tenebrosas" ( "Dark Shadows", 2012); "Frankenweenie" ( 2012); "Big Eyes" ( 2014).

Películas Seleccionadas :
"El Joven Manos de Tijeras" ( 1990).

Mosaico con distintas escenas de la película.

Especialista en cortes de pelo originales con Dianne Weist.

En el set de la película, con su ídolo de toda la vida, Vincent Price.

La primera obra maestra de Burton, es un cuento posmoderno, lleno de implicancias personales que expurgan algunas de las constantes temáticas de su posterior obra : el freak denostado por la sociedad por su apariencia diferente, la ausencia paternal, el sentido romántico, el barroquismo formal entremezclado con la estética colorinche, que le es característica, y una pureza formal en la narración.
En efecto, Eduardo Manos de Tijeras ( Johnny Deep ) es un ser incompleto, que tiene tijeras por manos y un corazón que late piedad y misericordia humana, en una comunidad donde se sustentan los valores más individualistas de la sociedad de consumo : las apariencias, el chismorroteo, el egoísmo, la vanidad y el inconformismo.
La vendedora de Avon, Pegg Boggs ( Dianne Weist ), lo saca de su castillo después que su anciano creador falleciera ( Vincent Price, en su última aparición), para integrarlo al mundo donde vive. Admirado por las "esculturas" que realiza de los jardines del suburbio, termina siendo seducido por Joyce ( Kathy Baker), una de sus vecinas, que le ofrece trabajar en una peluquería, aunque él ama profundamente a la hija mayor de la familia de Boggs, Kim ( Winona Ryder ), pareja del cínico Jim ( Anthony Michael Hall).
Notable cuento moderno que logra empatía con el espectador, porque tiene un logrado sesgo emotivo y un certero retrato del "american way of life", sin menoscabo, de integrar humor, suspenso, romance, poesía, a grados superlativos.
Gran banda sonora de Danny Elfman, que logran su cenit en la secuencia de Eduardo esculpiendo unas figuras de hielo.

"Ed Wood" ( 1994).

El biopic de un director excéntrico y marginal.

Martin Landau como Bela Lugosi obtuvo el Oscar al Mejor Actor.

Más allá de la extraordinaria actuación del actor Martin Landau, como el célebre director de cine norteamericano, considerado el peor de la historia, se trata de un biopic que explora en los sinsabores de la producción marginal B. Atestada de influencias chatarras y cine bizarro, el filme es también un retrato sensible a la personalidad excéntrica y desmadrada de un freak.
Por sus características estéticas ( rodada en blanco y negro con un notable diseño de producción que revive toda una época ), se considera la película más "artística" de Burton, aunque es difícil determinar que tanta validez hay en su entramado, como para sostener aquello. Lo cierto es que, el relato adiciona cuotas de humor y una síntesis narrativa envidiable, que no deja de lado, la personalidad compleja de este artista, la decadencia de su actor central, el portentoso equilibrio entre sus formas y el fondo dramático, y la sutileza en las miradas, a una manera de enfrentar la falta de presupuesto teniendo en la mente producir cine, cueste lo que cueste.
"Ed Wood" es como una declaración de principios, que no esconde cierta ética respecto al siempre controvertido tema, de qué es arte y que nó.
Una película magnífica, que nos reflota el interés por un cineasta maldito, autosuficiente y extravagante.

El Gran Pez" ( 2003).

La desbordante imaginación de un padre moribundo.

Los sueños que nutren las artes, incluyendo al Cine.

¿Cómo contar un cuento de matices fantásticos, sin resolver el viejo cliché del recetario literario conocido ?
Quizás esta fue una de las interrogantes que movieron a Burton, a llevar a escena este inusual relato, lleno de referencias personales sobre la paternidad, los hijos y el crecimiento personal.
Cuento sobre las narraciones extraordinarias que pueblan la literatura fantástica, es también un mágico homenaje a todos esos "cuentistas anónimos" que alguna vez han entretenido audiencias infantiles, sin más recurso que una desbordante imaginación.
Ed Bloom ( Albert Finney ), en el último momento de su vida, está intentando hacer partícipe a Will ( Billy Crudup), su único hijo, distanciado de él, precisamente por transformar la medianía de su existencia, en enormes fábulas que le relataba cuando chico.
Asumir el universo del adulto, es creer en la magia de la ilusión, de cual se nutre el arte, la literatura, y el mismo Cine.
No parece una película de Burton hasta la aparición de un gigante, y después el desvío ( flash back ) con Ewan McGregor asumiendo el papel de Bloom más joven, que llega a un pueblo donde todo es felicidad.
Lo que sorprende es la notable consumación de lo imaginario, a partir de las experiencias reales vividas por Finney. Pero hay más. Temas como el resentimiento del hijo por la ausencia del padre, la soledad con sentido de búsqueda, el viaje como un tesoro insoslayable de experiencia y conocimiento, cobran un decidido interés dentro del relato que lo eleva en sus resultados finales.
Se trata sin duda, de una épica maestra sobre la Creación, la poética de lo Divino, y el inobjetable valor del relato en nuestras acomodadas vidas.
Mediante conceptos de unidad complejos y muy bien desarrollados, Tim Burton le ha dado un nuevo sentido a su profesión. Valiosa.

"Charlie y la Fábrica de Chocolates" ( 2005).

"Charlie & la Fábrica de Chocolates" : una remozada versión, que es una lectura conciente sobre el consumismo, el enorme poder de la mass media y la influencia de la televisión y los videojuegos en los niños de hoy.

El enorme set construído en los estudios Pinewood en Inglaterra.

Charlie es un niño sano e íntegro, influenciado por sus cuatro abuelos.

Christopher Lee hace un pequeño rol, como el padre dentista de Willy Wonka.

Willy Wonka busca a su sucesor en la fábrica, entre niños de todo el mundo.

El cuento de Road Dahl que ya conoció una versión anterior en 1970, se renueva en la mirada que Burton hace y aprovecha de la sociedad actual.
A través de los caracteres infantiles que son reflejos de los adultos, traza un discurso crítico y categórico sobre el rol de los padres en la crianza de sus hijos.
En ellos, salvo en Charlie, están todos los antivalores de las sociedades de consumo : el egoísmo, la vanidad, la gula, la autosuficiencia, la avaricia, el cinismo y la castración.
Pero además, hay una punzante crítica, a la televisión chatarra, a sus innobles cometidos, a la explosión de los videojuegos y a la malcrianza fundamentada sólo en el lucro, el dinero y la competencia.
Se trata, por cierto, de su película "más política", que lo revela como un gran humanista, aunque también como un certero manipulador de la imagen.
El derroche de colores en una magnífica decoración que simula un mundo "comestible" lleno de deliciosos dulces y caramelos, adecúa una metáfora entrañable sobre las tentaciones cotidianas de la vida.
El niño Charlie ( el extraordinario Freddie Highmore), es un marginal que habita en una destartalada casa con sus padres y sus cuatro abuelos.
Sano como la leche descremada, tierno y querendón, replantea sus necesidades cuando gana el billete dorado, que le permitirá cruzar al otro lado de la berma.
Charlie personifica todos los valores tradicionales que caracterizan a la infancia modélica : ternura, amor, inteligencia, sencillez, candor, sinceridad, familiaridad, amistad y humanidad.
Muy por el contrario, sus contrincantes en el viaje por la fábrica de chocolates, respiran las ansiedades y los horrores más perceptibles del mundo globalizado : codicia, avaricia, individualismo, traición, gula, deslealtad, violencia, mentira, vanidad y egocentrismo.
Tim Burton acomoda estas metáforas y subvierte esta especie de "road movie" a un manifiesto, que condescendiente con toda su obra, dinamita los preceptos más ambiguos de las sociedades de consumo.
El mundo de la fábrica es cosmopolita, y aunque no lo percibamos del todo, el sueño de Burton hecho fantasía cinemática.
Su desbordante imaginación, le permite acomodar números musicales inspirados en Broadway, Busby Berkeley, el rock pop de los 60 y 70, pero con el aliento actual.
Divertida y entretenida, es una de las películas más sinceras y directas de su filmografía.
Una obra gozosa en lo estético, brillante en lo formal y absolutamente maestra, en lo metafórico. Una gran película familiar.

"Sombras Tenebrosas" ( 2012).

"Barnabás Collins" revive para mayor gloria de su familia, algo resquebrajada por la competencia de una bruja.

En el set de rodaje de la película.

La mansión de Barnabás desde la altura.

Todos los personajes del filme.

Adaptar la popular serie de televisión con las aventuras familiares del vampiro Barnabás Collins, le significó a Burton reciclar las variantes del tema terrorífico y convertirlo en una comedia de situaciones, que extrapola algunas de sus constantes autorales y permite efectuar un certero análisis al tema de la competencia empresarial .
En efecto, la bruja contrincante del relato, se ha transformado en una empresaria vanidosa y autosuficiente, que ha logrado apropiarse de los negocios pesqueros, sin tener competencia alguna hasta que reaparece Barnabás.
El filme entonces, se transforma en una nueva metáfora sobre el mundo actual.
Esta vez, los dardos burtonianos están dirigidos al manejo de la empresa desde la soporífera ansiedad de una egolatra narcisista. Nunca mejor integrada, que en esta trama llena de giros y dobles vueltas de tuerca, que no escabulle dos momentos inolvidables de buen humor : la secuencia de los hippies, que después de fumarse un "porro" reciben la "buena nueva", que serán alimento para el vampiro; y esa otra secuencia graciosa, de la bruja tentando sexualmente a Barnabás, que se rinde a los encantos más carnales de la mujer, "revolcando" sus instintos entre techos, muros y tinieblas.
Extraordinaria Michelle Pfeiffer siempre sugerente con esa voz sensual , y una delicia ver a Chlöe Grace Moretz, que detrás de su rebeldía quinceañera, esconde una "sorpresa" nocturna digna de "ripley".
Johnny Deep acomoda su rostro a la brillantina de Collins, y su actuación raya en lo sicodélico con esos toques "seventeen", tan propios de la época, en que su personaje era un ícono de la televisión occidental.

"Frankenweenie" ( 2012).

Las figuras de la animación en stop motion.

Story-board de la película.

En el proceso de filmación cuadro a cuadro.

Fotograma con los personajes centrales de la historia.

La versión animada del corto que hizo Burton en sus inicios, es ahora caldo de cultivo para su desbordante cinefilia. Sí, porque aunque no lo intuyamos, la película incorpora a todos los personajes del cine de terror y fantasía, que tanto le atrajo desde pequeño.
Y además, integra citas cinéfilas, a numerosos momentos del género : hay planos "remedados" de "Tiburón", "Jurassic Park", "Godzilla", "Batman", "Drácula","El Hombre lobo" y por supuesto, "Frankenstein", del cual toma prestados varios de sus personajes, aquí reducidos a versiones caninas, infantiles, padres crispados o profesores fanáticos ( Vincent Price en abierta significación ).
La animación stop motion en manos de Burton y su equipo, logra una estilización maestra, donde no se descuidan los detalles en la arquitectura, los objetos, el vestuario, las atmósferas, los minuciosos detalles en el montaje, las elipsis, los flashbacks, etc.,acaparando la atención por la solidez con que somete el relato, con una primera media hora para definir a los personajes y sus conflictos; una media hora siguiente, para dimensionar antagonismos y una media hora final, llena de acción, suspenso, tensión y sorpresas, a la manera de los grandes clásicos del género.
Nuevamente opta por el blanco y negro, que ennoblece aún más su historia, pero también agrega una imagen redundante acerca de la tolerancia, la dignidad y la amistad.
El trabajo supera cualquier banalidad, porque superpone los lineamientos propios de una producción "Disney" para toda la familia, con la estética del cine burtoniano, en una amalgama que crece en expectativas, mientras se desarrolla y duplica sus buenos resultados. Muy Recomendable.

Comentarios :

Burton en sus comienzos en el set de "Vincent".

¿ Quién iba a pensar que el joven dibujante de Walt Disney, que a fines de 1979 se afanaba en animar las secuencias más dulces de "El Zorro y el Sabueso", se convertiría un día en el poeta del gótico, en el apóstol de lo macabro, el defensor de lo extraño, el Cuco de los niños mimados, y una de las mayores revelaciones del cine contemporáneo ?

( El escritor y crítico francés de "Cahiers du Cinema", Antoine de Baecque, en su libro dedicado al cineasta ).

"Es un artista, un genio, un excéntrico, un amigo enloquecido, brillante, valiente, locamente divertido, leal, inconformista y sincero.
El es él y ya está."

(El actor Johnny Deep ).

Fotos Gentileza : Wordpress - "The New York Times" - Walt Disney Productions- Tim Burton Web Site - Peter Cushing Appreciation Society, UK - Getty Images- Columbia Pictures - Warner Bros- Hammer Films - Universal Pictures - "Cahiers du Cinema" .-