Hay películas que son pequeñas islas en medio de un oceáno de incertidumbre. Por los limitados canales y circuitos de distribución locales, sus directores son prácticamente unos desconocidos para el espectador regular. Salvo excepciones, conocemos muy poco del cine africano, y con alguna salvedad, hemos logrado comprender y admirar el cine sueco, noruego, escandinavo, checo, húngaro, polaco, holandés y finlandés.
Ya este panorama no es tan desolador como años atrás. Gracias a la magia de la televisión por cable, los programas de cinearte universitarios, el cine "on line" o los festivales digitales que se organizan en la web, se nos ha despertado el apetito cinéfilo, para descubrir mucho más del cine japonés, chino, iraní, coreano, hindú, taiwanés, hongkonés, o del mismo continente latinoamericano.
En alguna medida, tambíen admiramos el cine canadiense, australiano, irlandés, escocés, británico, francés, español, alemán e italiano, sobretodo cuando las puertas de la coproducción, golpean fuerte en tiempos de una acentuada crisis económica globalizada.
En esta decimooctava cita, le hemos dejado espacio a esas películas de realizadores poco conocidos en los círculos masivos y admirados en los ambientes cinéfilos. Como un pequeño y modesto tributo, a sus culturas y a su cine. A la altura de estos tiempos, intentamos incluír el máximo de títulos y directores, por eso el resumen es más apretado. Un viaje por islas maravillosas y desconocidas para recrear la imaginación.
Suleiman Cissé:
El Cine africano de la fantasía aborigen.
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| Se trata de uno de los cineastas africanos más conocido en el exterior. |
El Cine africano produjo más de alguna filmación a fines del siglo XIX. Despúes su producción más activa e industrial se concentró en Egipto, que en los años veinte era conocida como el Hollywood del Nilo. Pese a que la hegemonía de los países europeos que dominaban la mayoría de los países africanos, aceleró el desarrollo de la cultura peninsular, nunca tuvieron el más mínimo interés por trascender el cine aborigen. Salvo excepciones, hubo determinadas obras y directores que despertaron el interés de los festivales europeos por el cine local, como los egipcios Youssef Chahine o Shadi Abdel-Salm, el senegalés Ousmane Sembene, el mauritanio Med Hondo, y el director que ahora destacamos, Suleiman Cissé de Mali.
Director, guionista y productor ( nacido en 1940 ), ha hecho siete películas desde que debutara en 1973 con "Cinq jours d"une vie". Su trabajo más conocido por estos lados es "Yeelen, la luz" ( 1987 ). Una extraordinaria fantasía acerca de un joven guerrero en el siglo XVI, que decide descubrir los misterios de la naturaleza, iniciando un viaje a pie por el territorio plagado de tribus irascibles, magia negra, y seres de otra dimensión.
La última película conocida del director es "Min Ye" ( 2009 ), vista en algún festival internacional de cine.
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| "Yeelen : La Luz" : una fantasía aborigen que deslumbra por su inteligencia. |
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| "Yeelen : La Luz" ( 2 ) : simbolismo y tradiciones culturales. |
Un comentario : "Yeelen es una fantasía extraordinariamente hermosa y fascinante. Además de crear un denso y excitante universo que podría enrojecer de envidia a George Lucas, Cissé captura sus sobrecogedoras imágenes en Fujicolor y acompaña la historia con una hipnótica banda sonora en base a percusión. La que posiblemente sea la mejor película africana de la historia, mezcla de un modo sublime, lo real con lo intangible" ( El crítico Jonathan Rosenbaum ).
Mira Nair y Aamir Khan :
El Cine hindú de los tránsitos morales.
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| Rodando en la India, GB y en Estados Unidos, Mira Nair ha sabido conformar una trayectoria internacional de renombre. |
La India es el país que más cine produce al año, con alrededor de 800 películas como media y en más de 25 lenguas diferentes. De hecho, la mayor sala cinematográfica está en Jaipur, y es tal la perpetuación de sus realidades y preferencias en el público, que muchísimos de las danzas y cantos difundidos por la gran pantalla, suenan después en los "rickshaws", en los taxis o en los restaurantes. Frente a todo este panorama abrumador, el nombre de Satyajit Ray saltó a la palestra gracias a su trilogía de Apu que conforman : "Pather Panchali" ( 1955 ), "Aparajito" ( 1957 ) y "El Mundo de Apu" ( 1959 ) y que gracias a su difusión en los principales festivales internacionales de cine, nos puso en contacto, por primera vez, con una apoteósica industria desconocida. De la última camada de directores resaltamos dos nombres : Mira Nair que es como la quintaesencia del cine hindú actual y Aamir Khan, actor de una larga familia cinematográfica, que recién ha incorporado la realización en su trabajo con notable éxito.
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| "Salaam Bombay" : la marginalidad mirada desde la perspectiva de un niño. |
Mira Nair estudió sociología e interpretación en la Universidad de Nueva Delhi. Becada se fue a la Universidad de Harvard, en donde se especializó en Audiovisuales. Debuta en 1979 con la película "Jama Masjid Street Journal", a partir de la cual hace películas preferentemente costumbristas, de trazo contemporáneo y fuerte aliento documental. Su estilo pasa del drama marginal ( "Salaam Bombay" , 1988 ) a la comedia ligera ( "La Boda"2001, "Vanity Fair",2004 ), sin menoscabo de insertar un aliento poético o histórico-social en su obra ( "Amelia", 2009), éste último filme sobre la primera mujer en pilotar un avión y cruzar el Atlántico.
Su fuerte está en la práctica de un cine familiar, coral, que pretende ser la plasmación tangible de la realidad de cierta clase media acomodada de la India.
De todas sus películas , se destacan los instantes maravillosos de "Salaam Bombay"( 1988 ), donde demuestra que la India, no es sólo un país desgarrado por sus contradicciones sociales, por su pobreza o por el hacinamiento, sino por la indiferencia provocada por la saturación de los medios de comunicación. Hay en Nair una marcada constatación de lo real, a partir de lo intangible que pueden ser los ritmos cotidianos de un muchacho marginal o la rutina de una familia acomodada en la preparación de una fiesta de matrimonio. Los ritos, las costumbres, las tradiciones, los altibajos de una situación natural, le permiten a Nair esbozar un cuadro pintorequista rico en detalles formales.
El paso del niño Chaipoo a la condición de joven adulto, está multiplicado en diversos episodios que la directora grafica con notable acertividad y transparencia. Se trata de un cine digno de la tradición neorrealista, que somete el guión a una interpretación amplia y circular acerca de lo implacable que puede ser el proceso de crecer. Un cine digno y vital.
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| El afiche de la consagración internacional de Mira. |
Un comentario : "En Salaam Bombay, la perspectiva documental , sutilmente manejada, y nutrida por la equilibrada noción que Mira Nair despliega sobre la realidad de su país, alterna con la perspectiva de una cámara que se sitúa a la altura de los niños protagonistas. Así, la película versa sobre el aprendizaje de Chaipoo para forjarse un lugar en un mundo familiar, donde campea la explotación, la prostitución y sus proxenetas; un mundo donde la relación con sus pares está sujeta a la regla de oro del salvese quien pueda, y donde su tutor adulto más próximo , Chillum, le abre las puertas al conocimiento del placer y de otras cosas más duras de la vida que él ha explorado por los caminos de la droga. En el tratamiento de estos contextos, la mayor originalidad de Mira Nair reside en la virtud de alternar entre esta mirada prospectiva del niño hacia un mundo hostil, y la otra mirada, la de una cámara que se yergue por encima de lo documental, para echar la luz, con ejemplar sutileza, sobre el mundo ancho y ajeno en que se debate la existencia de los que rodean al pequeño Chaipoo".
( El crítico Alberto Magnet ).
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| Khan en el doble rol de actor y director de su película debut como realizador. |
Aamir Khan, es uno de los actores más populares del cine hindú, que goza del éxito pero también de su compromiso por los niños abandonados de Calcuta, Bombay y alrededores. Hijo de una familia musulmana, dedicada por entero a la industria del cine, comenzó como actor infantil en 1970, logrando su primer hit con "Yaadon ki baaraat" ( 1973 ).
En el cine como adulto ha sido conocido internacionalmente por películas como "Lagaan", la superproducción histórica, que se desarrolla en ambientes "naif" y conservadores.
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| "Todo niño es especial" : la mirada a la educación con sensibilidad, colorido y atractivos números musicales. |
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| "Todo niño es especial" ( 2 ) : La dislexia que aisla a un niño superdotado. |
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| A través del dibujo y la pintura, el profesor saca al niño de su problema. |
Su debut como director, fue con la interesante y divertida "Todo niño es especial" ( "Taare zameen paar", 2007 ), hasta ahora su única incursión en la realización. Se trata de una novedosa cinta infantil, que habla de las experiencias de un niño con dislexia, que sólo es ayudado por un profesor de artes plásticas ( el mismo Khan ) ha superar sus limitancias. En medio del relato, hay una intercalación de números musicales muy a lo "bollywood", excelentemente interpretados, y con una notable fotografía. Pero además, dibujos animados, algo de suspenso, humor, drama, acción y la mirada atenta de Khan en su brillo esperanzador por los chicos minusválidos. Todo aderezado con gusto, equilibrio, sentido del espectáculo y atractivo esteticismo.
Es una película ideal para ver con los alumnos en clases de cine, no sólo porque los pone en contacto con una cultura distante, sino porque refleja muchas de las limitancias de la metodología pedagógica, de los azarosos dolores que debe soportar un chico que se siente marginado, y por supuesto, de las aprehensiones familiares. Además, constituye una sólida muestra del cine hindú, que es capaz de mezclar estilos y solventar un relato con madurez, gracia y originalidad.
Trang Anh Hung :
El Cine vietnamita de la observación transitoria.
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| Detallista y minimalista, el director vietnamita arremete con sus obras en los festivales internacionales de cine. |
Extraordinario director, guionista y productor vietnamita ( nacido en 1962 ), que ha establecido un cine de observación detallista, novedoso y original. Sus películas dejan grandes espacios para la contemplación y se acercan a la filosofía zen, al transcribirlas y dimensionarlas con la limpieza descontaminada de diálogos y artificios teatrales, con el poder de la contemplación. Gran esteta, asume el uso del encuadre, como si se tratara de un pintor de imágenes, siempre dispuesto a innovar con aplicado poder de síntesis y correción narrativa.
Su filmografía comprende cinco largometrajes. Debutó con la original "El olor de la papaya verde" (Múi Du Du Xanh, 1993 ), un drama, mirado desde la perspectiva de una niña de diez años, que llega a trabajar a una casa de una familia de clase media, que para subsistir mantiene la atención de una tienda de telas. La cinta ganó el premio César a Mejor Opera Prima en 1994.
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| "El Olor de la Papaya verde" : un cine a nivel de las sensaciones audiovisuales del espectador. |
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| "El Olor de la papaya verde" ( 2 ) : notable y creativo uso del encuadre fotográfico. |
Mediante un estilo seco, depurado, transparente, donde los diálogos se reducen al mínimo para darle preponderancia al lenguaje visual , Anh Hung va escudriñando con naturalidad en la crisis que afectará a la familia luego de que el padre abandone el hogar. El relato se va armando en función de una puesta en escena notable en sus propósitos de captar los ruidos ambientales y las pequeñas grandes sutilezas del sentido de observación de los niños. El uso del "travelling" y de la profusión de los movimientos de cámara en vertical, y un manejo sostenido de los nexos que revelan las conciencias de los personajes, descubren toda la pericia del director y su notable maestría para trabajar en espacios cerrados. Detalles análogos como la observación de las hormigas y la savia lechosa que viene de las papayas al cortarse, aparecen como símbolos condescendientes a los saltos temporales, pues la segunda mitad de la película, transcurre en la juventud de la muchacha y se centraliza en su definición amorosa frente al sexo opuesto.
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| "El Olor de la Papaya verde" ( 3 ) . siempre apuesta a la exquisitez estética. |
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| "Triciclo" : historia de gran expresividad narrativa y plástica. |
Con su segunda película, "Triciclo" ( "Xich lo", 1995 ), gana el León de Oro en Venecia. La cinta es un retrato descarnado y realista, sobre la vida marginal en la Vietnam actual. Reconstruye la historia de un puñado de seres anónimos, que se mueven en la delincuencia, el negocio ilícito y la pobreza.
La narración no escatima momentos de intensa crudeza y realismo : como la primera experiencia de una joven en la prostitución donde su pareja le obliga a beber y orinar, o aquella de la muerte de un pandillero a sangre fría con una estocada en la yugular. Aunque también se recrea en momentos de melancólica belleza.
La mirada del director, es detallista y sutil. Hay un planteamiento certero para definir caracteres, sicologías y acciones : el jefe de la banda es un hijo no deseado de un padre riguroso; el conductor del triciclo que desea ingresar a la banda no tiene, al parecer, otro destino ; la muchacha vende su cuerpo por necesidad aunque esta enamorada del pandillero, y el amor en este ámbito, sucumbe por el fuego de la autoinmolación, actitud suicida que más acentúa el tono moral de la película, y la decadencia apocalíptica del conflicto.
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| "Triciclo"( 2 ) : Tony Leug desempeña uno de sus mejores papeles. |
Cabe destacar, el notable elenco que encabeza : Tony Leug, Chiu Wai, Tran Nun Yen Khe, y Nguyen Nhun y la magnífica música incidental de Ton That Thet.
Su último filme conocido es "Tokio Blues" ( "Noruwei no mori", 2010 ), adaptación de la novela del escritor japonés Haruki Murakami. "Ambientada en los años sesenta, es la historia de un marcado amor frustrado desde su origen. El japonés Kenichi Matsuyama da vida a un joven universitario interesado sólo en la lectura, que vive una intensa e inestable relación, con la que fuera la novia de su mejor amigo ( Rinko Kikuchi ), que se suicidó. La cinta es una elocuente historia de tormentos y fugas, relativas al amor y a la estabilidad emocional de vivir en pareja.
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| "Triciclo"( 3 ) : simbólicas imágenes anteceden la brutalidad y marginalidad del relato. |
Un comentario : "La historia de Triciclo parece la receta de un melodrama, pero el director persigue algo totalmente diferente. Su planteamiento es medido y considerado. Su centro de interés es el color y el silencio, y su cámara acecha a los personajes, esperando discretamente la aparición del más mínimo gesto cuando los pensamientos y las emociones se suceden".
( El crítico Adisakdi Tantimedh ).
Wu Tianming :
El Cine chino de la correspondencia sentimental.
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| Multifacético y optimista, definen la personalidad del cineasta chino. |
De un tiempo a esta parte, la cinematografía china ha calado hondo en Occidente, principalmente por sus películas de acción y de reconstrucción histórica, con John Woo a la cabeza y un puñado de directores jóvenes que han intentando renovar el panorama, con temáticas más universales vinculado a la familia, las tradiciones culturales y los problemas políticos.
Director, productor y actor ocasional, Wu Tian-Ming ( nacido en 1939 ), ha hecho siete largometrajes desde que debutara en 1980 con la película "Qin Yuan " codirigida por Wenji Teng. Su película más conocida y que analizaremos ahora es "El Rey de las Máscaras" ( "Bian Lian", 1997 ), su obra maestra.
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| "El Rey de las Máscaras" : el viejo y la niña, revelándole el secreto milenario. |
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| "El Rey de las Máscaras" ( 2 ) : el dolor de ser niña, puede traer desconfianza y soledad en la cultura china. |
Por las calles de Taipei, un anciano artista callejero se gana la vida como un actor, que se cambia de máscaras con la velocidad de un rayo. Su veteranía le ha dado motivos, para pensar en un heredero al cual transmitir muchos de los secretos de su noble oficio. Esta actitud, le motiva a comprar un niño, confiado en que le reemplazará una vez desaparecido. Grande es su decepción, cuando descubra que el infante resulta ser una niña. La mocosa hará lo imposible por convencer al viejo, que su arte no es cuestión de sexo, sino más bien de destreza y entrenamiento.
Lo más sutil del relato, es la relación que se va tejiendo entre el viejo artista y la niña abandonada, pues crece un lazo afectivo indestructible y esperanzador. Más allá de sus lecturas básicas, Wu Tian-Ming eleva su discurso a nivel moral - por la toma de conciencia que tienen sus personajes -, impregnando la película de una atmósfera mundana, mágica, dolorosa, pero humana y llena de matices. Al margen , se destaca la inolvidable actuación de Zhigang Zhang, Renying Zhou y Xu Zhu. En su sentido más universal, "El Rey de las Máscaras" habla de la pérdida de las tradiciones culturales, y asienta una mirada nostálgica, melancólica, pero muy edificante.
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| "El Rey de las Máscaras" ( 3 ) : la magia que despierta la paternidad. |
Un comentario : "El Rey de las Máscaras es una conmovedora historia, un pudoroso melodrama, que se deja ver en todo momento con gusto y contiene algunas brillantes metáforas".
( El crítico M. Torreiro en "Diario El País" de España ).
Katsuhito Ishii :
El Cine japonés de las ensoñaciones infantiles.
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| Un cine novedoso y original, nos trae el director japonés. |
Director, guionista y editor japonés ( nacido en 1966 ), ha hecho seis largometrajes, desde que debutara en 1998 con la película "Samehada Otokoto Momojiri Onna", un "thriller" de gran sensualidad. Sin embargo, su obra más conocida es "El Sabor del Té" ( "Cha no aji", 2004 ), una novedosa y certera comedia dramática que tiene destellos surrealistas y oníricos, y un humor negro, socarrón y divertido.
"Una madre que diseña animación, un padre sicoterapeuta hipnotizador, un abuelo que parece que chochea, un tío ingeniero de sonido que cuenta extrañas y divertidas historias a sus sobrinos, un adolescente cohibido que se enamora de una nueva compañera de clase y una niña de seis años que pretende dar una vuelta completa en una barra gimnásticason los queribles personajes de esta película".
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| "El Sabor del Té" : la imaginación de la niña se desborda y crea en la película, un cuadro fantástico de visiones surrealistas. |
La importancia de lo simple, lo escatológico en la narración onírica, la superlativa fuerza de la imaginación, y el retrato familiar más o menos encrispado desde la perspectiva infantil, caracterizan esta obra inclasificable. A la desbordante narración que integra incluso dibujos subliminales, un doble gigante que se le aparece a la chica, y lo divertido y soez de un fantasma en el bosque, Ishii incorpora la lectura categórica de un relato casi surrealista, maravilloso por sus buenos resultados y efectivo como trabajo novedoso y original.
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| "El Sabor del Té" ( 2 ) : personajes extravagantes y queribles en una gran obra. |
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| "Smuggler" : es la última producción de este cineasta, que vuelve a reescribir lo metafórico en un relato original. |
Un comentario : "El Sabor del Té tiene una estructura impecable, una brillante puesta en escena y numerosos planos secuencia, que asimilan la importancia de la naturaleza en la vida de esta familia. Si a esto se le suman, tomas digitales, de animación, videoclips, y hasta escenas que transcurren en el espacio, es evidente que estamos ante una película tan inventiva como liberadora, una saludable excepción en la anquilosada cartelera actual" ( La crítico Victoria Caballero ).
Jafar Panahi y Samira Makhmalbaf :
El Cine iraní de los impedimentos culturales.
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| El realizador iraní cuando estaba en la cúspide, gozando de la libertad de expresión que ahora no tiene. |
Para nadie es un misterio, que el cine iraní es, a estas alturas, un referente obligado de las nuevas cinematografías que emanan del Oriente en conflicto. Su cine es abiertamente contestatario, de tendencias comprometidas con erradicar los excesos de restricción, el trato a la mujer y la discriminación religiosa, todos temas abordados en su momento por destacados cineastas como : Mohsen Makmalbaf, Abbas Kiarostami, Seyyed Reza Mir-Karimi, Majid Majidi, Bahram Beizai, Darius Mehrjui y Sohra Shaheed Saless, entre otros.
En esta ocasión, hemos querido resaltar a dos figuras emblemáticas de esta cinematografía.
Por un lado, el realizador, editor y guionista Jafar Panahi ( nacido en 1960 ) , recientemente con arresto domiciliario, condenado a 20 años sin hacer cine, totalmente confinado en su domicilio por el gobierno talibán; y Samira Mahkmalbaf ( nacida en 1980 ) de la "dinastía familiar cinematográfica" más trascendental del momento.
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| "El Espejo" : una de sus películas más conocidas en el extranjero. |
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| "El Círculo" : su obra maestra que cuenta la historia de tres mujeres prófugas. |
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| "Off Side" : otra de sus películas de denuncia que han encrispado a las autoridades iraníes. |
Jafar Panahi fue ex asistente de dirección de Kiarostami y ganó el Festival de Venecia en el 2000, con su película "El Círculo". Como cineasta debutó con el corto "Yarali Bashlar" en 1988. Sus seis largometrajes son reflejo de la vida restrictiva que les impone la política y la religión. Se trata de películas de fuerte aliento neorrealista, que expurgan muchas de las complejidades de la vida impuesta por el fundamentalismo islámico.
En "El Globo blanco" ( "Badkonake ballom", 1995 ), un muchacho kurdo se queda abandonado justo cuando todos están celebrando el año nuevo iraní. En "El Espejo" ( "Ayneh", 1997 ), una niña hacía todo lo imaginable para subsistir pese a estar desvalida. En "El Círculo" ( "Bayereh", 2000 ), la marginación de la mujer está graficada desde la perspectiva de tres mujeres prófugas de la cárcel, que intentan hacer una vida mejor, lejos de la prostitución a la que estaban sometidas.
Sus siguientes películas "Offside" ( 2006 ) y la experimental "Infilm nist" ( 2011 ), donde el protagonista es el director, que aparece en el metro cuadrado de su casa, confinado y que es una verdadera clase de cine minimalista, le mantienen vigente en el panorama fílmico internacional. Voces de apoyo para levantarle las restricciones todavía no son escuchadas.
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| "El Círculo ( 2 ) : denuncia la situación de la mujer en la prostitución. |
Un Comentario : "A propósito de El Círculo... En un país en el que las mujeres están consideradas como menores de edad, donde pasan de la tutela del padre a la del marido, donde no pueden comprar un billete de autobús ni registrarse en un hotel sin la autorización del uno o del otro, a menos que encuentren una amiga o un familiar compasivo, sólo les queda la calle. Con lo que el cineasta sugiere que la prostitución podría ser en muchos casos, no el motivo, sino la consecuencia de la cárcel. Y a las que sospechosas de ejercerla - con los hombres si es más tolerante-, las espera otra vez, la prisión. No hay salida. En su film anterior, El Espejo, Mina se rebelaba contra el papel tradicional de niña quejosa y desvalida que le hacían desempeñar y demostraba su capacidad para arreglárselas. En éste, el director va más lejos al contar la historia de personajes que podrían ser Mina de joven adulta, ya que, como ella, no han aceptado las normas impuestas" ( La crítico Roseline Paelinck ).
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| Hija de padre cineasta, Samira no hace sino proseguir en la vena artística familiar. |
Samira Makhmalbaf, es directora, guionista y productora, hija del conocido director Mohsen Makhmalbaf. Comenzó en el cine siendo niña en una película de su padre "Bicycleran"; a los 15 años declarada por sus profesores como una alumna incompetente, deja la escuela y se va a trabajar con su padre como asistente.
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| "La Manzana" : el detalle simbólico en un relato ejemplar. |
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| "La Manzana" ( 2 ) : los niños son protagonistas en las películas de Samira. |
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| En todas las películas de Samira, el aspecto cultural es preponderante. |
Ha hecho cuatro largometrajes, debutando en la dirección con la novedosa "La Manzana" ( "Sib", 1998 ).
La película comienza como un documental en vídeo, que centraliza el enfoque neorrealista que tiene la cinta. Massoumeh Naden es el anciano padre de dos niñas preadolescentes, que han vivido confinadas en sus casas por doce años. La asesora del hogar obliga al viejo y a su esposa ciega a romper el ostracismo, que las ha tenido encerrada por tantos años. La película escudriña en el despertar de las dos niñas a la vida exterior, y condescendiente a su estilo, en la toma de conciencia del anciano padre que deberá derribar el enrejado y las puertas de su casa que las cautiva.
Samira rueda a la altura normal de estar conversando de pie con una persona, cámara al hombro, y con una calculada conciencia del tiempo y ritmo narrativo. La relación de las niñas con los otros chicos de su barriada, el placer de compartir la merienda de manzanas, el regalo del espejo, la amistad que las lleva a descubrir que afuera hay un mundo distinto, son temáticas que abordan el sentido dramático del filme.
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| Samira se recrea en la realidad circundante. |
Después filmó "La Pizarra" ( "Takhté Siah", 2000 ), que relata las dificultades que atraviesan dos profesores kurdos, al itinerar la enseñanza con el pizarrón al hombro, en el borde de la frontera Irán-Iraq, durante la guerra. Ganó la Palma de Oro en Cannes.
Más tarde hizo : "Panj é asr" ( 2003 exhibida en inglés como "At Five in the afternoon") y "Asbe Du Pa" ( 2008 ), donde volvió a graficar a través de una joven ( en la primera ) y un niño ( en la segunda ), las extremas condiciones en que viven en la sociedad de su país.
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| Todas las películas de la familia Makhmalbaf, han traspasado sus fronteras. |
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| El mundo persa se conjuga en el cine de Samira con relatos de candente actualidad. |
Un comentario : "Dentro de las nuevas generaciones de cineastas iraníes, destacan dos nombres fundamentales : Samira Makhmalbaf y Jafar Panahi, discípulos de Makhmalbaf y Kiarostami, respectivamente. Es importante hacer notar que también en este nuevo cine persa se insiste en los problemas de orden sociocultural, muy bien expresados en las películas La Manzana y El Círculo. Estos filmes, y muchos más, no han podido ser proyectados en territorio iraní pese a haber sido premiados internacionalmente" ( De la analista Magdalena Gissi ).
Hans Weingartner :
El Cine suizo de la crítica ácida y certera.
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| Un cine comprometido efectúa el director suizo, con grandes elogios de la crítica. |
Notable director suizo ( nacido en 1970 ) que debutó con el corto "J-Cam" en 1993. De sus cuatro largometrajes efectuados a la fecha, el reconocimiento internacional le llegó por "Los Edukadores" ( "Die Fetlen Jahre Sind Vorbei", 2004 ), una ácida y lapidaria mirada al universo económico y social, desde la marginalidad juvenil, estelarizada por Daniel Brühl, Julia Jentsch y Stipe Erceg.
De todas las películas cargadas de ideología , esta es la quinta esencia del logro creativo, por su visceralidad, su inteligencia para contar un relato casi noticioso de un hecho que, parte en lo delictual para transformarse en una espiral del conocimiento al cuestionamiento del sistema económico, de la vida moderna, de la muerte de los ideales por el consumo, y de la abigarrada pérdida de la inocencia.
Rodada con cámara digital casi como si fuera una anécdota televisiva, la película habla de "la magia de un grupo de amigos, de las fuerzas que se juegan entre ellos, como la pasión, la traición y la amistad", y del sentido de anarquismo que refleja el cabreo de una sociedad acomodada y servil.
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| "Los Edukadores" : una historia contaminada de ideología rupturista, para despertar la discusión crítica y la reflexión. |
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| El trío protagonista encabezado por Daniel Brühl. |
"Los Edukadores", propone un abierto debate a la institucionalidad del mercado, a la gozosa y maníquea transculturalización de las formas por los efectos, de las sutiles actitudes "del querer cambiar" por "llegar a ser", y en fin, de los debilitamientos ideológicos producto de una globalización corporativa.
Weingartner trabaja su discurso desde la visceralidad del que está fuera del sistema, al margen y casi expiando la sugestión del "dejarse llevar" por el hipnotismo colectivo de la publicidad y de los medios de comunicación. El enfrentamiento entre los ideales anárquicos de una juventud aplastada por la oleada consumista, y las causas perdidas de una generación rendida a los "encantos" del sistema, alcanzan aquí su nivel más alto como retrato fiel y humano de los tiempos modernos.
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| En la toma de conciencia del filme, también hay espacio para el romance. |
Un comentario : "Cuando tenía veinte años era un chico enfadado que gritaba ¡ Cambiemos el mundo!. Simplemente nos parecía que el sistema no funcionaba. Mis amigos pensaban como yo, ninguno de nosotros encontró un grupo político al que unirnos. No queríamos que nos dieran órdenes ; queríamos ser libres" ( El director Hans Weingartner ).
Ake Sandgren y Lukas Moddyson :
El Cine sueco de la nueva mirada.
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| Sandgren se dió a conocer entre nosotros por "Locuras de muchachos". |
Particularmente atractivo resulta constatar cómo ha resurgido el cine sueco, sin la impronta universal de Ingmar Bergman, Vilgot Sjöman, Bo Widerberg y Jan Tröell. Pequeñas grandes obras como "Criatura de la noche" o la trilogía "Millenium", han colocado en las carteleras de todo el mundo el cine sueco como en sus mejores tiempos. Este reverdecer de talentos jóvenes, también constata el interés de Estocolmo y sus ciudades aledañas, por replantearse un cine más personal, de trasfondo universal y temáticas atractivas. En esta oportunidad, destacamos dos nombres que están en posiciones diferentes del aservo creativo : Ake Sandgren, director , productor y guionista ( nacido en 1955 ), más orientado en el trabajo de recreación histórica y de sesgo autobiográfico, y Lukas Moddyson ( nacido en 1969 ), que universaliza su visión, trabajando en rigor de coproducción con otros países y asentando una mirada inconformista de la sociedad a propósito de una anécdota juvenil o un relato de carácter humanista. Los dos a su medida, han hecho sendas películas por revalorar.
De Ake Sandgren que ha hecho dramas familiares como "Dykkerne" ( 2000 ) y "Et rigtigt menneske" ( 2001 ), y thrillers como "Fluerne pa vaeggen" ( 2005 ), destacamos su película más conocida "Locuras de Muchachos" ( En video se tituló en español "El niño de la honda", "Kadisbellan", 1993 ), un trabajo notable que se ambienta en Estocolmo de la década de los veinte.
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| Una maravillosa historia familiar, desde la perspectiva de un niño, golpeado por las circunstancias. |
Cuenta la historia real del inventor Roland Shütt, que al cumplir doce años fue víctima de una sociedad, que renegó de las ideas políticas de su padre ( Skellan Skarsgard ) y de la religión judía de su madre ( Basia Frydman ). Se trata de una visión descarnada que, sin embargo en su búsqueda de lo poético, logra alcanzar momentos de gran belleza y notable dramatismo. La imagen de la infancia de Roland ( Jester Salem, un magnífico actor niño que reflotó su carrera siendo adolescente ), no es pueril y ñoña, porque Sandgren se manifiesta amplio en la constatación de un universo familiar lleno de matices.
La práctica del boxeo del hermano mayor ( Niclas Olund ); las visitas al doctor del padre que le desea curar el reumatismo crónico; la tiranía de un profesor racista y la venganza del niño a la encubierta violencia pedagógica, alcanzan en el contexto de la película, notables momentos de expresividad, candor y desasosiego. Es una pequeña obra mayor del cine sueco que, a partir de estas inquietudes se abrieron a una nueva veta de temas y realizaciones de interés universal.
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| "Locuras de Muchachos" : el niño actor Jester Salem, continúo su carrera desde que se reveló en esta película. |
Un comentario : " En la película Locuras de muchachos, se mezclan las disonancias sociales y familiares con trabajos y personajes, que crean un cuadro de manifiesta desorientación moral, no tanto porque lo sea de hecho, sino por el tratamiento divertido y cómico que le da el director y guionista" ( P.A.U. ).
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| Un retrato de los temas que más inquietan en la sociedad, asume Moddyson en sus películas. |
De Lukas Moddyson, sólo destacaremos su primera película, que ya es una leyenda del cine independiente,"Fucking Amal" ( 1998 ), aunque cuenta con otros trabajos notables como : "Mammoth" ( 2009 ), un drama cosmopolita, hecho a varias voces, con gran sentido de la crítica y del cuestionamiento.
"Fucking Amal" ( 1998 ), plantea la rebeldía de la juventud de un pueblo chico. Ellos se exacerban en fiestas sin sentido y reuniones clandestinas en casas donde descubren su propia ambigüedad sexual.
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| "Fucking Amal" : una amistad adolescente que va más allá del aprecio, certifica el conflicto en la película. |
La historia es acerca de dos chicas que se aman, pero que también se repelen según los condicionamientos sociales de su colegio. Es la toma de conciencia, no sólo la salida del closet, lo que Moddyson asume con notable realismo. Para ello, se vale de una cámara ligera, imágenes vívidas y ambientes reales. Este casi documental sobre el despertar adolescente y el asumido lesbianismo de dos chicas, viene a contrarrestar la marea de críticas y desaciertos de la clase social que vive y se nutre de las apariencias. Como si en ese pueblito, sus habitantes anunciaran la destrucción del conservadurismo por la nueva generación más espontánea y libre de ataduras.
Suecia va a la vanguardia en este tipo de temas, y lo que a nosotros nos parece novedoso, para los suecos son traumas o inquietudes ya resueltas hace muchísimo tiempo. Moddyson solo hinca el diente con objetividad y sentido del ritmo narrativo. Una gran película para el mundo adolescente.
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| "Fucking Amal" : la rutina de pueblo chico y que termina asqueando a las protagonistas. |
Un comentario : "En Fucking Amal, el tema del lesbianismo está tratado de forma muy natural mostrando los deseos y miedos de sus protagonistas con unos diálogos frescos, y en contadas ocasiones, absurdos ; también ocupan lugar las escenas más dramáticas y duras, como el intento de suicidio de una de las jóvenes en un momento de desesperación. Es puro cine independiente que nos hace ver con claridad que no se necesita gran presupuesto para hacer buenas películas."
( Raúl Calderón en su blog de cine ).
Mark Herman :
El Cine británico de las pequeñas odiseas humanas.
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| El cineasta rodando en el set de "El niño con el pijama a rayas". |
De todos los cineastas británicos surgidos en el último decenio, el director, productor y guionista Mark Herman ( nacido en 1954 ), debe ser uno de los más resueltos a tratar temas con amplitud de miras, sin menoscabo de mancillar un enfoque distinto, coherente y versátil.
Educado en la "Woodleigh School" en el norte de Yorkshire en Gran Bretaña, se inició en el cine atraído por la animación. Guionista de éxito ( muy alabada fue su película "Little Voice" ), saltó al reconocimiento internacional con la película "El niño con el pijama a rayas" ( 2008 ), un drama bélico con Asa Butterfield, David Thewlis y Rupert Friend.
Su carrera como director comprende, siete largometrajes y un corto, desde que debutara en 1987.
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| "Little Voice" : una mirada amable al confinamiento social lleno de música. |
De todas sus películas, hoy nos concentraremos en tres títulos imperdibles. Vamos por parte.
"Little Voice" ( 1998 ), es una comedia con tintes dramáticos, que homenajea a las grandes voces de la música americana como : Judy Garland, Ella Fitzgerald, Shirley Bassey y Frank Sinatra.
Mari Hoff ( la magnífica actriz Brenda Bletyn, aquí vieja y regordeta ), es una viuda insoportable, neurótica y lenguaraz, que busca al hombre de su vida a costa de una hija retraída ( soberbia interpretación de Jane Horrocks ), encerrada en un segundo piso, donde todo el día se lo pasa escuchando discos con canciones de los intérpretes favoritos que le gustaban a su desaparecido padre. Lo que Mari no valora en su justa dimensión, por sus constantes juegos amorosos y gustos alcohólicos, lo descubre su última conquista ( un grandioso Michael Caine ), un representante de cómicos de clase "B", medios vulgares y ridículos. Amigo del dueño del único "pubclub" del puerto donde habitan, concerta con él, una actuación donde la muchacha deberá vencer años de confinamiento y retraimiento social.
Notable desde el punto de vista dramático, perfecto desde el tono tragicómico, alcanza momentos de extrema prodigiosidad, como cuando la chica canta por primera vez en la oscuridad de su cuarto, y mantiene el interés por un equilibrado ritmo, adecuada puesta en escena y agradable tono agridulce que se vigoriza en las espléndidas actuaciones protagónicas. También la película es una metáfora acertada sobre el valor del arte, que nace desde los sentimientos más íntimos, difíciles de transmitir en público, por esa magia que da el prodigio en su intimidad, en la soledad de la conciencia de ser y estar ahí.
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| "Tocando el viento" : Ewan McGregor encabeza el reparto de intérpretes. |
"Tocando el Viento" ( "Brassed Off, 1996 ), un maravilloso retablo, sutil y certero.
El cierre de una mina en el pueblito de Grimley en Yorkshire, al noroeste de Inglaterra, y su incidencia en los miembros de la banda de instrumentos de viento que la conforman, constituye el eje dramático de esta película. Detrás de la ironía y el sarcasmo, en tono de comedia al estilo de las "Ealing" de los 50-60, se retrata una mira inconformista del desempleo, de la marginación económica, en la época thatcheriana. Notable toda la secuencia del "Concierto de Aranjuez" por su contenida sensibilidad.
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| "El Niño con el pijama a rayas" : la separación obligada de los niños, pese a los estrechos lazos de amistad. |
Finalmente, "El Niño con el pijama a rayas" ( "The boy in the striped pyjamas", 2008 ), drama infantil que transcurre en el lado alemán, que describe la relación de amistad entre el hijo de un alto oficial nazi, y un niño judío prisionero en Auschwitz. Lo que se atesora es la amistad. Al sobrecogedor desenlace, Herman contrapone un ritmo que no decae en la consumación de un estilo de denuncia social que va más allá de lo ideológico. En este sentido, la película traspone el dolor de la pérdida fracticida con el terror del accidente fatal. Hay en todo ello, un esfuerzo más directo de hablar de las diferencias a partir de las similitudes en los actos de matanza. El dolor es el mismo. El terrible malestar de la impotencia frente a la muerte, grafica una vez más, lo inútil que es la guerra cuando acaba con la inocencia y la intuición incluso del más fuerte.
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| En la cinta se reveló el niño actor Asa Butterfield. |
Un comentario : "En la cinta El Niño con el pijama a rayas contrapone a Bruno, el hijo de nueve años de un oficial nazi que es destinado a Auschwitz, con un prisionero judío de su misma edad. La amistad de ellos surge, luego de que, increíblemente, el primero logra sortear las barreras y llega hasta la misma alambrada" ( G.M. ).
Matías Armand Jordal - Kristoffer Metcalfe y Erik Gustaffsson
El Cine noruego de la nueva ola.
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| Jordal es uno de los más destacados cineastas noruegos de la actualidad. |
Desde sus hermosos paisajes con esos monumentales fiordos hasta la historia de los vikingos, Noruega atrae, año a año, a miles de turistas. Su cine por estos lados, es prácticamente desconocido. Al contrario, su música nos llena de optimismo, sobretodo la juvenil con "2 Boys" que lleva la delantera con gracia y talento.
Por gratas casualidades de la vida, nos topamos con su obra por el cable y el DVD. Nuestra visión del cine noruego es notable. Con menos parafernalia publicitaria que Hollywood, los noruegos han hecho un cine intimista arrebatador, capaz de tratar los problemas universales con madurez y solvencia.
De todos los realizadores que pululan por el cine actual, rescatamos tres nombres que están en distintos momentos de sus carreras. Vamos por parte.
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| "Sammen" : las relaciones paterno filiales destruídas por la pérdida de la madre. |
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| "Sammen" ( 2 ) : el padre se afirma en viejas amigas, en la necesidad de darle un sentido a la vida. |
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| "Sammen" ( 3 ) : la revelación infantil de noruega, Odin Waage que hace una espléndida actuación. |
Matías Armand Jordal , director y guionista, que debutó con dos cortos, para pasar luego al largometraje con la sensacional "Sammen" ( 2009 ), drama contemporáneo acerca de una familia socabada por la pérdida de la madre.
La película está hecha desde la perspectiva de los comportamientos y aptitudes de un adolescente ( Odin Waage ) y su padre ( Fridtjov Säheim ) que termina alcoholizándose. La mirada de Jordal es extremadamente realista, intentando hacer prevalecer la espontaneidad de sus actores, utiliza una cámara suelta a la altura de los hombros, que casi se invisibiliza para dejarnos ver el drama de esta situación. Todos los espacios de su cine, están limitados por un encierro que es existencial, casi claustrofóbico, y el sentido de la pérdida de la madre como eje motivacional, alcanza momentos de gran elocuencia y verdad.
Gran película noruega, que nos pone en contacto con un país lleno de bellezas naturales, aquí en un relato íntimo, sutil, trágico pero sustancioso en sus nobles resultados.
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| "Sammen"( 4 ) : el muchacho debe recuperar el camino para ayudar al padre alcohólico. |
Un comentario : "Cuando se inició el rodaje establecí ciertas reglas. Lo más importante era que el guión iba a ser filmado en orden cronológico y en locaciones reales. Ninguno de los diálogos iba a ser regrabado durante la etapa de la postproduccióny la parte técnica no iba a tener preponderancia. Al final del proceso de escritura del guión, invité a los actores a participar en el desarrollo de los personajes. Era importante para mí ajustar el personaje central, que aparecía originalmente como un chico de carácter agresivo, pero como la personalidad del actor Odin Waage era mucho más sensible, decidí que lo cambiara para adaptarlo a su personalidad" ( El director Matías Armand Jordal ).
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| Metcalfe se inicia en el largometraje con una comedia juvenil. |
Kristoffer Metcalfe ( nacido en 1978 ), director, guionista y editor, que después de dirigir dos cortos, series de televisión y un documental para la pantalla chica, "Veientil Santiago", debutó con el largometraje "Amors Baller" ( 2011 ), una aparentemente intrascendente comedia deportiva, llena de verdades acerca del amor adolescente, la timidez y el sopor de estar en un país diferente.
El relato es rápido y funciona en base a la acumulación de anécdotas pueriles, cotidianas, desenfadadas y algo coloquiales. Los gestos entre los enamorados, las miradas furtivas, las sonrisas y el sentido voyerista de observar a tu pareja desde fuera, acumulan una pasión encendida, que se consume después de una mojada accidental en una piscina.
Todos los actores, incluyendo los juveniles Käre Gillis Hedebrant - el mismo niñito de "Criatura de la noche"-, la hermosa Eira Stuedahl en el papel de Susanne, la chica en disputa; el simpático y regordete Harald William Borg Weeden, en el rol del amigo Stian, hijo del entrenador del equipo noruego; el petulante capitán del "team", interpretado por Isak Nikolai Iveland Solli, y la novia del gordito, la actriz Jana Opsahl, logran traspasar con holgura las barreras de la linealidad del argumento, para transmitir afectos y desazones con realismo y credibilidad.
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| "Amors Baller" : El actor sueco Käre Gillis Hedebrant, en el rodaje al aire libre en Noruega. |
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| "Amors Baller" ( 2 ) : una historia romántica en ambiente futbolístico, aderezada con buena música juvenil. |
La llegada de Lucas, un joven sueco quinceañero cerca de Oslo ( el siempre efectivo Käre Hedebrant ), que se enamora de Susanne ( Eira Stuedahl ), la capitana y arquera del equipo femenino de balompié ; y la invitación que recibe de Stian ( Harald W.Borg Weeden ), un obeso amigo noruego para integrarse al campeonato de fútbol juvenil, le permiten al director Metcalfe, rodar una grata y colorida comedia, que se mueve con encanto por todos los lugares comunes del romance juvenil. Lo que la hace distinta y verdadera, es su sentido de los espacios, casi informales de la realidad juvenil. Una calle poblacional que se visita en bicicleta, un viaje en bus, una cancha, una sala de colegio, improvisados comedores para capear la lluvia sorpresiva, sirven de telón de fondo a la historia de amor y fútbol. Además existe en el relato una serie de viñetas divertidas y sinceras nada facilonas, pero muy efectivas. De hecho, Lucas queda encerrado en un baño de carretera, pasa el susto de su vida arriba de una rueda de la fortuna y se desmadra con los favores de una chica no siempre resuelta a entregar su corazón. Acompañan el cometido, excelentes temas musicales que pasan del rock al hip hop, del tecno al trash, y existen muchísimas referencias a la "road movie" americana, aunque se quede en la simpleza del relato pasajero y veraniego. Una matiné que es un pasatiempo breve y atractivo.
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| "Amors Baller" ( 3 ) : la bella Eira Stuedahl, encuentra en Käre al amor de su vida en la película. |
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| Käre Hedebrant regresó a la televisión sueca, después de rodar esta cinta en Noruega. |
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| Recuerdo fotográfico de la filmación de la película, realizada en hermosos exteriores. |
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| El clapper con el número de escena, toma y lugar del rodaje. |
Detalle de situaciones alrededor del encuadre cinematográfico.
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| "Amors Baller"( 5 ) : La llegada inocente al país desconocido. |
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| "Amors Baller"( 6 ) : la amistad decisiva para integrarse a la nueva sociedad. |
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| "Amors Baller" ( 7 ) : el viaje en bus con la amiga de ella. |
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| "Amors Baller" ( 8 ) : la mirada furtiva, de ella que está recién conociéndole y admirándole. |
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| "Amors Baller" ( 9 ) : la caída accidental, que define donde está realmente el amor verdadero. |
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| "Amors Baller" ( 10 ) : el encuentro final, mirando desde arriba la ciudad , que espera se integren para vivirla con intensidad. |
"Amors Baller", demuestra que se puede hacer un cine para adolescentes, con simpleza pero realismo. Aunque todos los tópicos de la comedia norteamericana juvenil están presentes en la película - incluso una fuga nocturna en una piscina, manifiesta cierta sensualidad americana-, lo que termina por hacer verderamente localista el relato fílmico, es su poca ambición para mostrarnos, la "sana" experiencia de un sueco en Noruega, fustigado al principio por sus compañeros de equipo, porque no sabe jugar al balompié, y que termina rescatando el espíritu de lucha de los denostados campeones.
Una diversión cinematográfica que traduce la importancia de los paisajes y exteriores del país, aprovechados aquí para ambientar el romance de los muchachos. Se trata, por cierto, de una película grata, simpática y entretenida. De esas que te levantan el ánimo y te lo dejan por los cielos.
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| "El Mundo de Sofía" : el gran éxito de Gustaffson en el cine mundial. |
Erik Gustaffson ( nacido en 1955 ), director y guionista, es el más veterano de los tres. Con siete largometrajes a la fecha, desde que debutara con el thriller "Blackout" en 1986. En Noruega ganó gran reputación con su segundo largometraje, "Herman" ( 1990 ), que obtuvo un éxito notable y ganó además, el Premio Amanda a la mejor película y mejor guión.
De todos sus trabajos, destacamos su película "El Telegrafista" ( "Telegrafisten", 1993 ), una poética y novedosa historia de amor. Gustaffson comenzó a trabajar en la película con el escritor Lars Saabye Christensen en 1990, cuando el hijo del Premio Nobel de Literatura Knut Hamsum, le animó a considerar la novela de su padre, "Soñadores" ( "Svaermere" ).
La película transcurre en el verano de 1903 en la costa norte de Noruega; y describe los esfuerzos de Rolandsen ( Björn Floberg ), un joven telegrafista que sueña algún día hacerse famoso con los descubrimientos científicos que efectúa como "hobbie"en sus ratos libres; por alcanzar el amor de sus sueños, Elise Mack ( Marie Richardson ), la hija de un rico empresario.
Gustaffson ejecuta con sobriedad y lirismo, el desarrollo de esta historia romántica, salpicada de guiños costumbristas y toques de comedia refinada. La belleza del filme, radica en su absoluta falta de pretensiones, lo que la hace más transparente y natural, sobretodo para describir los encuentros y desencuentros de la desigual pareja protagónica. En paralelo, el director aprovecha de insertar pequeños relatos, como del ladrón de dinero donde se exalta la relación que existe del hombre con la naturaleza.
El operador Philip Ogaard, destaca el uso expresivo de la luz natural, con tomas de estilizada sugerencia y simbólica concepción plástica.
Cabe consignar que, Gustaffson después rodó "El Mundo de Sofía" ( 1999 ), sobre la taquillera novela de Jostein Gaarder, que todavía se lee en algunos colegios de enseñanza básica.
Un comentario : " El paisaje en El Telegrafista es magnífico. El sol de medianoche cae con una asombrosa claridad y las pasiones son profundas. El reloj marca la undécima hora, la última oportunidad para que se cumplan los deseos". ( De la web de la película ).
Peter Schonau Fog :
El Cine danés de los temores familiares.
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| La intimidad de una familia donde salen a relucir todas las limitancias humanas, hacen del cine de Fog un arte singular. |
Novedosa y atractiva se nos revela el cine danés, preocupado fundamentalmente de temáticas familiares donde los niños son protagonistas centrales y de dramas adultos que expurgan miedos, temores y ansiedades propias de su sociedad desarrollada. Dos nombres salen a relucir significativamente, Lars von Trier y Thomas Vinterberg. Ambos con una filmografía reconocida en el extranjero, gracias a la difusión que han obtenido en los festivales de cine europeo de importancia radical como Cannes, Venecia, Berlín y San Sebastián.
En esta panorámica, no podemos dejar de mencionar, el talento de una figura emergente. Se trata del director y guionista Peter Schonau Fog , que debutó con el corto "Vildfarelser" en 1998 y que sólo ha hecho una película de largometraje, "El arte de llorar" ( "Kunsten At Graede I Kor", 2006 ), que basta para ponerlo en cualquier balance de buen cine.
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| "El arte de llorar" : los hermanos develando sus secretos, en la pasividad aparente de un hogar sólidamente constituído. |
El filme se cuenta desde la perspectiva de un niño, hijo de un padre que sufre casi diariamente de depresión cognitiva. A través de los ojos del muchacho, conocemos los ocultos secretos de su progenitor y de su familia : una madre distanciada y servil, una hermana violentada sexualmente, los rasgos de pedofilia encubierta, y un hermano mayor que escapa de la tragedia en el estudio y el deporte. Schonau Fog contrapone a los clichés del drama rebuscado, la mirada más doliente del humor negro. Así en un momento de catarsis, la abuela moribunda, muere riendo, mientras todos se preparan para vivir una fiesta. Lo mismo en la constatación de otras tragedias familiares. Al discurso fúnebre del padre respecto a la muerte del hijo de un vecino, Fog contrapone las rivalidades humanas que ayudan a equiparar el dolor con la alegría, la estupidez con la ironía, el sarcasmo con la melancolía. Es una película notable por el uso del tiempo y de las sutilezas de la tragedia. Nada de lo que ocurre fuera del relato, está subestimado por el director, y a todo le da su justo espacio y medida.
Grandes actuaciones, en una película que no hay que dejar de ver, porque nos cuenta con una mirada distinta, sobre temas fundamentalmente tristes, en un nivel que es hasta divertido. Excelente obra del más reciente cine noruego.
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| La mirada de Fog a través de los ojos de un niño danés es escrutadora. |
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| El padre es un crépula, que oculta sus bajos instintos en la depresión. |
Un comentario : "Pocas películas se atreven a hablar del horror en clave cómica, y el filme consigue que entonemos sonrisas allá donde deberían haber lágrimas"
( El crítico Xavier Vidal ).
Jean Claude Lauzon y Michael Winterbottom :
El Cine canadiense del neorrealismo irónico.
Larga tradición tienen los canadienses, en el hecho de hacer de su cine, un canal abierto para la exposición de la realidad, poniéndo al descubierto, la mediocridad, la hipocresía, el egoísmo, y también la esperanza, la fuerza y la constancia de su sociedad para salir adelante.
Nombres como : Jean-Pierre Léfébvre, Gilles Groux, Allan King, Don Owen, y el archiconocido David Cronenberg, pusieron en las marquesinas a Canadá como receptáculo del interés cinéfilo.
De las nuevas hornadas de cineastas de los últimos veinte años, esta vez destacamos dos nombres : el desaparecido Jean Claude Lauzon ( 1953 - 1997 ), que dejó dos largometrajes, entre los cuales está su obra maestra, "Leólo" ( 1992 ); y Michael Winterbotton ( n.1961 ), director , productor y guionista, tal vez, el más importante de la actualidad.
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| El desaparecido Lauzon dejó una obra maravillosa : "Leólo", inclasificable relato infantil. |
Jean Claude Lauzon, director y guionista nacido en Montreal, se fue a estudiar Cine a Los Angeles, California a fines de los setenta. Su primera obra, "Un Zoo, la nuit" ( 1987 ), se presentó con éxito en Cannes. recibiendo más tarde, numerosos elogios de la crítica mundial. Pero fue con su segundo largometraje, "Leólo"( 1992 ), que Lauzon pasó a la posteridad.
Se trata de una pieza autobiográfica inolvidable, donde reescribe pasajes de su infancia, asumiendo con un humor negrísimo los sinsabores de su vida familiar en uno de los barrios más pobres de Montreal. En efecto, la historia del pequeño Leólo ( Maxime Collin, en sobresaliente actuación ), se arma, desde lo que escribe en su pequeño diario de vida, con las anécdotas de las personas que tiene a su alrededor : su excéntrica familia: "un abigarrado zoológico humano circunscrito en las fronteras de la ignorancia, el miedo y la locura. Su imaginación desbordante lo impulsa a creer que ha sido fecundado por un tomate italiano putrefacto. Su obesa y corpulenta madre ( Gillette Reno ), es el único miembro cuerdo de la familia." Sus hermanos todos tiene un rasgo parasicológico, que los hace ser distintos, anómalos, diferentes, "albinos", en tierra de nadie.
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| "Leólo" : el abrazo de mamá, la única que comprende y apoya. |
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| "Leólo" ( 2 ) : Al río contaminado a buscar anzuelos para vender. |
Lauzon elabora este material con una pericia y un sentido neorrealista rayano en la maestría. Se le pueden criticar sus imágenes más fuertes, como la del intento de homicio del abuelo o la iniciación sexual de una pandilla de niños con un gato tendido en la mesa, pero son en la conciencia de su autor, estímulos originales nunca antes vistos que la hacen inolvidable. Por momentos la película evoca el estilo de Fellini, con seres hercúleos y mentalmente retardados, gigantescas mujeres y una galería de personajes extraídas de un comic para adultos. Sin embargo, la cinta es un análisis descarnado a la pérdida de la inocencia, a la ausencia de equilibrios en un mundo anómalo, y en ultima instancia, al insondable destino dado por la genética que todo lo controla y aúpa. Para Lauzon, la destrucción, el caos y la ambivalencia vienen del interior del alma, y es algo de lo que no se puede escapar.
Obra maestra absoluta, "Leólo" sigue siendo una película refrescante, distinta, anómala como sus personajes, un lunar en la mejilla, una obra irrepetible, pues Lauzon falleció trágicamente en 1997 después que cayera el helicóptero donde viajaba, mientras efectuaba una nueva producción.
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| Obra notable y singular que dejó Lauzon para la posteridad. |
Un comentario : "Leólo : este alucinante y barroco itinerario al interior del alma de un niño, constituye una de las obras más poéticas y subjetivas del cine de los noventa, caracterizándose por una desenfadada actitud, frente a los convencionalismos formales del cine y una exarcerbada fantasía que recorre con vigoroso lirismo los tortuosos laberintos del alma humana"
( Del crítico Julio Lopez Navarro en su libro "Las Mejores Películas de Todos los Tiempos" ).
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| Un cine apreciado por críticos y público hace Winterbottom en Canadá. |
Michael Winterbottom, director, productor y guionista, que comenzó en televisión realizando series y documentales, y que luego pasó al cine con el drama romántico "Forget About Me" ( 1990 ).
Experto en relatos amorosos, thrillers y dramas de época, su cine es especialmente innovador, al abarcar con lucidez y brillo, todo el subjetivismo de las relaciones de pareja. Se trata fundamentalmente de un cine intimista, que puede desarrollarse en espacios límites o en paisajes bucólicos, incluso en recreaciones históricas, siempre alambicado a una vigorosa manera de contar y observar las aptitudes y reacciones humanas. Veinte largometrajes dan cuenta de su trayectoria, donde hay también incluso un espacio, para la discusión formal de hechos que nos repercuten como en "Welcome to Sarajevo", sobre un reportero inglés metido en la guerra entre kurdos y croatas; y con títulos tan abrumadores y decisivos como "Jude" ( 1996 ), "Wonderland", "Genova" ( 2008 ), "The Trip" ( 2010 ) y la película que nos mueve a destacar en esta ocasión, "La Fiebre del Oro" ( "The Claim", 2000 ).
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| "La Fiebre del Oro" : en clave western, un romance y una tragedia. |
En ambiente western, el relato se arma, a partir de la llegada al pueblo de Nebraska durante la "fiebre del Oro", de dos mujeres, la madre ( Nasstassja Kinski) y su hija ( Sarah Polley ). Ella, con un pasado directamente relacionado a los orígenes del pueblo, viene a morir allí, aquejada de una enfermedad terminal. Su hija, en cambio, se enamora de un ingeniero ( Wes Bentley ), que ha llegado a trazar la línea del ferrocarril. En paralelo, el colonizador que es dueño y señor del pueblo ( Peter Mullan ), deberá abandonar a la regenta de un burdel ( Milla Jovovich ), para casarse con la mujer y así asegurar la tradición hereditaria.
Cine intimista, asume las constantes clásicas del drama, nutriéndola con un enfoque profundo y sincero. A contrapelo de modas y tendencias en boga, Winterbottom dimensiona lo épico desde su carácter romántico y lo condiciona a una mirada auténtica, amarga, encendida en la pasión que no se puede consumir. Este enfoque manifiesto, se debe también a la exquisitez fotográfica de Alwin Kuchler que le saca partido a los espacios exteriores y a los arrinconados interiores; al montaje elíptico de Trevor Waite; al vestuario sobrio y creativo de Joanne Hansen y a la magnífica adaptación del universo del novelista Thomas Hardy.
Cabe destacar que, Winterbottom prepara para el 2013, su película N" 22, "The King of Sohoma", mientras se estrena en esta temporada, "Seven Days" ( 2012 ), un drama de manifiesto tono realista.
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| "La Fiebre del Oro" ( 2 ) : los ambientes nevados son la tónica de la película. |
Un comentario : "Winterbottom analiza en "La Fiebre del Oro", una exploración de la expiación de un hombre condenado. Aguanta el corte de una novela clásica de final amargo, para convertirse en un filme sólido, bien interpretado y con notable fotografía" ( El crítico Alejandro G.Calvo ).
Aktan Abbykalykov :
El Cine primigenio de Kyrguizistán.
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| El cine de Abbykalykov, bebe del neorrealismo de fuerte componente poético. |
Esta es una rareza grata y original. Desde que Kyrguizistán se separara de la Unión Soviética ( hoy Rusia ), se ha constituído en una nación mongolesa, llena de cultura y tradiciones. Por cuestiones territoriales y de fuerte apego localista, el cine de su país es totalmente desconocido afuera. Salvo, y aquí la grata casualidad, el nombre del director, guionista y productor Aktan Abbykalykov ( nacido en 1957 ), del que se exhibió por cable y en festivales de cine internacional, su notable largometraje "El Hijo Adoptivo" ( "De Shkempir", 1998 ).
Su filmografía comprende cinco largometrajes y cuatro cortos, y según nos consta, tiene un aliento neorrealista gozoso y lírico.
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| "El Hijo Adoptivo" : el despertar de la adolescencia en el pueblo mongol. |
"El Hijo Adoptivo" cuenta la historia de un adolescente mongol, que en contacto con sus amigos y bajo la protección de sus padres adoptivos, resolverá cuestiones vitales relativas a su procedencia. Rodada en blanco y negro y con escasos 70 minutos de metraje, es una joya del minimalismo, notable como narración realista que habla del paso de la infancia a la adolescencia, pero también es un fiel retrato del costumbrismo rural en lugares apartados de los centros urbanos.
Sus planteamientos estéticos están en el neorrealismo, pero en su eje central también circula el soplo documentalista. Escenas como la masturbación idealizada con la figura de una mujer en la arena, o la improvisada función de cine, hablan de la sutil manera de encauzar anécdotas y hechos con acerbo cultural, que no pierde su intensidad poética producto de la cuidada imagen y la desaforada atmósfera de una nación para nosotros en vías de descubrimiento.
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| Un descubrimiento feliz. |
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| La imagen de la mujer de arena, virgen y preparada para la masturbación coloquial. |
Un comentario : "Me inspiré en mi propia biografía. Mi experiencia personal de sufrimientos y marginalidad, que intenté retratar con la magia del cine."
( El director Aktan Abbykalykov ).
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| El cine hindú es el más productivo del mundo. |
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| El cine chino, sigue destacándose en los principales festivales internacionales. |
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