Para esta nueva cita del mundo del cine, hemos agrupado a seis cineastas de excepción, cuya temática versa sobre los designios del amor, el amor de pareja, el amor a la vida, el amor a la familia, el amor al arte, el amor sexual, y la consumación de todos los romances, el amor a los recuerdos del pasado. Cada uno, a su forma y desde una óptica localista, han hecho suya las premisas del lenguaje audiovisual. Como es nuestra norma, hemos intentado incluír nombres de distintas nacionalidades , para que tengamos un cuadro variopinto y multifacético que nos acerque a las culturas más distantes del mundo. La magia del cine, que nos permite viajar con sólo apretar el botón del "play".
Andrej Wajda :
El Cine polaco de la perspectiva histórica.
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| En plena senectud, el cineasta está más vigoroso y creativo que nunca. |
Las otras dos vertientes de interés, que Wajda integra en sus contenidos, tiene que ver, por un lado, con la revisión a la historia polaca, desde lo contemporáneo a la época socialista, pasando por la napoleónica, la nacionalista, la capitalista y la progresista. Todas visiones enfocadas en sus películas desde la perspectiva existencial, lo que hace más personal esta mirada, pues no escabulle el sentido de reflexión. En este apartado, están sus obras de fuerte carga política : "El Hombre de mármol" ( 1977 ), sobre una realizadora que trata de hacer una película de los años cincuentas del stalinismo, o "El hombre de hierro" ( 1981 ), dedicada al sindicato anticomunista "Solidaridad"y ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
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| "Kanal" : reveló el talento de la actriz Teresa Izewska. |
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| "Cenizas y diamantes" : con el "James Dean" polaco, Zbigniew Cybulski. |
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| "Danton" : es una de sus obras más conocidas en el mundo. |
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| "Tatarak" : el desaforado romanticismo en la última etapa del cineasta. |
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| "Tatarak" ( 2 ) : el detallismo fotográfico en el acabado estético de la película. |
Además, existe un puñado de obras, que son notables adaptaciones de la literatura, como : "El bosque de los abedules" ( 1970 ), "La línea de sombra" ( 1976 ), Las Señoritas de Wilko" ( 1978 ), "Un amor en Alemania" ( 1983 ) , "Los Poseídos" ( 1987 ) y "Pan Tandeusz" ( 1999 ).
Su maestría alcanza a todos los niveles, incluso cuando su fuerte carga romántica compromete el material literatoso como en : "Crónica de los sucesos amorosos"( 1986 ) y "Tatarak" ( 2009 ).
Su filmografía está compuesta por 52 trabajos, de los cuales 35 son largometrajes para el cine y 17 corresponden a telefilmes, cortos y documentales.
Su última obra es "Walesa" ( 2012 ), un "biopic" sobre el premio Nobel de la Paz, y Fundador de "Solidaridad", Lech Walesa.
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| "Danton" : notable puesta en escena y recreación de época en torno a la Revolución Francesa. |
Una de sus obras más conocidas, "Danton" ( 1982 ), es también una de sus obras más aplaudidas.
La película que tiene como telón de fondo la Revolución Francesa, se centraliza en la confrontación entre sus figuras claves, Danton ( Gérard Depardieu ) y Robespierre ( Wojciech Pszoniak ), que "es presentada por Wajda como dos maneras esenciales de abordar no sólo un proceso revolucionario, sino de entender la praxis política , y en última instancia de enfrentar la vida."
El filme basado en una obra teatral de Stanislawa Przybyszewska, remarca el choque de dos personalidades, dos formas de abordar, entender y asumir el poder.
Desde la óptica de Wajda, ambos representan el poder apolíneo y dionisíaco, aunque se ha preocupado de profundizar en los individuos, figuras trágicas que se oponen a las imágenes heroicas. Se trata de una película hermosa y trágica, transparente y elocuente, que tiene mucho más de íntimo y subjetivo, que las épicas que estamos acostumbrados a ver, cuando se trata de contar un trozo de historia a través de la imagen.
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| "Pan Tadeusz" : romance, conflictos históricos y la belleza de sus imágenes en una superproducción polaca. |
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| "Pan Tadeusz" ( 2 ) : el romance y la historia convergen en el relato. |
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| "Pan Tadeusz" ( 3 ) : cientos de extras y la mirada certera a una época. |
Otra película que revisitamos de Wajda y que hay que tomar muy en consideración es "Pan Tandeusz" ( 1999 ).
Hacia los años 1812 y 1831, cuando las tropas napoleónicas amenazaban con desatar una contienda civil y militar con las tropas rusas; los polacos que habitaban en Lituania, vivían su propia contienda. Gerzany Horeszko ( Daniel Olbrychski ) , el jefe de llaves de la rica familia del juez Soplica ( Andrzej Seweryn ), secundado por un conde, se apropian de su castillo propiedades adyacentes y terrenos rurales diversos, liderando una suerte de banda de forajidos que buscan la venganza y el poder. Entre las complejas ramificaciones de la pugna, se entreteje un drama romántico que lidera Tandeusz ( Michal Zebrowski ), un joven y apetecido gentilhombre que flirtea con Telimena ( Grazyna Szapolowska ), esposa del juez Soplica, aunque en realidad se deslumbra con la hija de éste, la adolescente Zosia ( Alicja Bachleda ). A través de los escarceos amorosos del chico de alcurnias, que transcurren en el imponente escenario natural de la hermosa campiña, y los marcadísimos conflictos de poder que ponen en jaque a dos familias de la alta burguesía; Wajda retrata con notable maestría, la ingravidez de un mundo coloquial, estival, barroco y refinado.
Por cierto, hablamos de una superproducción del cine polaco, cuidada hasta en los más mínimos detalles : decorados, adornos, trajes, ambientes, colores, y sensaciones visuales de extremada exquisitez plástica. Con todo este gigantesco despliegue técnico, donde sobresalen además, el trabajo fotográfico de Pawel Edelman, el montaje de Wanda Zeman y la música del reconocido Wojciech Kilar ( "Drácula" de F.F. Coppola ), Wajda vuelve a asumir un período de la historia, para "intimar" en los conflictos de sus personajes, con acertada penetración sicológica y pulcridad.
Al margen de la sólida identidad histórico-social del relato, del nervio belicoso y de la pasión romántica, la película es una descarnada visión del enfrentamiento inútil de dos familias que sucumben frente al dominio de dos imperios en el crepúsculo de sus períodos de mayor esplendor. Una especie de "Gatopardo" condescendiente a su cultura y a los vaivenes de su política interior.
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| "Katyn" : la masacre de Katyn con toda la garra y elocuencia visual del cine de Wajda. |
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| "Katyn" ( 2 ) : la esposa que espera al marido que no llegará. |
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| "Katyn" ( 3 ) : el amor es frágil y estéril en el trasfondo del conflicto belicista. |
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| "Katyn" ( 4 ) : la muerte es insoslayable en la planificación del nuevo orden. |
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| "Katyn" ( 5 ) : en los designios de la guerra, la pérdida de la identidad es mortal. |
Finalmente, resaltamos una de sus últimas obras, "Katyn" ( 2007 ), extraordinario filme bélico que revela la brutalidad de la guerra. Durante la Segunda Guerra Mundial, Polonia fue invadida por los nazis y los comunistas, sirviendo de "conejilla de indias" en sus relaciones humanas.
Wajda se encarga de mostrarnos, lo sangriento que fue este período, de pasar de una ideología extremista a otra, a partir de distintos relatos de personajes sin destino : el joven teniente que campea de un lugar a otro, y que termina suicidándose después de darse cuenta que no tiene ninguna opción de identidad; el joven estudiante que renegando la desaparición de su padre en una masacre sangrienta, coarta su futuro en la Universidad muriendo después en un fatal accidente; una mujer que rindiéndole honores a su pareja, un soldado de las filas liberales, queda confinada en prisión ; y una joven esposa que queda sola con su hija, esperando la llegada de su marido, un soldado ultimado en la masacre. Como siempre, Wajda cambia la mirada épica por la humana, y escudriña en los distintos comportamientos que se producen en situaciones límites, para elaborar verdaderas odiseas que son un ejemplo de los temas recurrentes de su filmografía : la desmitificación del heroismo, el fracaso de los ideales y la presencia obsesiva de la muerte.
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| "Danton" : la confrontación de dos maneras de entender el poder. |
Un comentario : " Cuando la guillotina se refleja en la ventanilla de la carroza de Danton al comienzo de la película o cuando Robespierre se cubre con la sábana-sudario que prefigura su propia y próxima ejecución, nos encontramos ante imágenes que no se pretenden simbólicas, sino trasparente expresión de sí mismas. Como los cuadros de David, representativo en su tiempo del arte oficial y transformado después en cronista gráfico de su época, las imágenes de Wajda nos entregan más que el discurso o la reflexión histórica, interrogantes vigentes sobre el hombre colocado frente a circunstancias excepcionales" ( El crítico José Román ).
Giuseppe Tornatore :
El Cine Italiano de las rememoranzas nerorrealistas.
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| Una fuerte carga autobiográfica caracterizan las películas del cineasta. |
De todos los cineastas italianos surgidos en la últimas décadas, el nombre de Giuseppe Tornatore ( nacido en 1956 ), alcanza parangones de leyenda, no sólo porque se hizo famoso con una sola película al comienzo de su carrera, sino porque ha intentado mantener una impronta que lo acerca al cine social de los años del neorrealismo. Se trata de películas corales, que parten con una premisa básica, para repartirse a otras anécdotas secundarias, a la manera de De Sica o Fellini, que son la viva encarnación de la cultura popular de la península.
Tornatore partió como fotógrafo y en 1974 ingresó a la plantilla de trabajadores de la RAI, la televisión estatal especializándose en documentales. Colaborador de segunda unidad, debuta en la dirección con la película "El profesor" ( "Il Camorrista", 1986 ), sobre la camorra napolitana rodada con amplitud de medios y una concepción argumental basada en la novela de Giuseppe Marazzo.
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| "Cinema Paradiso" : un homenaje a los cines de pueblo chico, que incentivaron el gusto por seguir la profesión. |
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| "Cinema Paradiso" ( 2 ) : el amor juvenil con la rubia inalcanzable. |
En 1988 alcanza su gran éxito con "Cinema Paradiso", de la que años más tarde, en DVD,se acomodaría una versión larga con la tradicional, y donde se deja ver su vena neorrealista.
Esta especie de homenaje y despedida del misticismo arrebatador que provocaban en otros tiempos las salas de cine, alcanza los premios del Festival de Cannes y de la Academia en Hollywood, reservado a la Mejor Película Extranjera.
La cinta con fuerte carga autobiográfica, se centra en la vida de un niño que embrujado por el cine, gracias a la amistad con un proyeccionista, logra transformarse años más tarde, en un famoso realizador.
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| "Estamos todos bien" : la soledad de la tercera edad en un viaje sin destino. |
Después rodaría "Están todos bien" ( " Stanno tutti bene", 1990 ), especie de "remake" no declarado de un clásico de Yasujiro Ozu, que versa sobre el abandono familiar respecto a un viejo burócrata siciliano jubilado. En notable "performance" Marcello Mastroianni, algo desvencijado frente al carácter excesivamente dramático de la obra en cuestión.
Más adelante, hace "Una pura formalidad" ("Une pure formalité", 1994 ), especie de filme minimalista, que es un "thriller" donde confronta las personalidades de Gerard Depardieu y Roman Polanski.
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| "Fabricante de Estrellas" : el pícaro que incentiva el ego y la fama con pruebas inútiles. |
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| "La leyenda del 1900" : el pianista que creció sobre un barco y que nunca pisó Tierra firme. |
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| "Malena" : la belleza de Monica Belucci para el recuerdo del despertar adolescente. |
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| "Baaria" : la historia familiar del siglo XX por la Italia de siempre. |
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| Reconstituyendo la historia de tres generaciones de sicilianos. |
Su entusiasmo por las nostalgias cinéfilas, le lleva de nuevo a un relato coral en torno a la magia del cine, con "Fabricante de Estrellas" ( "L"uomo delle stelle", 1995 ), un relato acerca de un astuto manager, que intenta abrirse camino buscando estrellas de cine que nunca logrará consolidar, promoviendo giras y éxitos garantizados a costa de unos pocas monedas.
Su vena romántica vuelve a mostrarse en "La leyenda del 1900 "( "La leggenda del pianista sulla oceano", 1998 ) , notable y soporífera fábula sobre un pianista de barco que jamás pisa tierra. A la magnífica recreación de época, Tornatore somete su material argumental, a la creación particular de un personaje que crece en la medida de su encierro y nos denosta la vida externa con desaforado lirismo.
Más adelante vendrán, "Malena" ( 2000 ), una nostálgica visión del despertar de un adolescente ( Giuseppe Sulfaro ), en el período de la Segunda Guerra Mundial, llena de buenas intenciones, un humor muy pícaro y una sensualidad que encarna la actriz Monica Belucci, catapultada al estrellato internacional.
De su últimas obras, "Baaria" ( 2009 ) reconstituye parte de la historia de tres generaciones de sicilianos, y de fuerte carga autobiográfica. Vemos a Sicilia pasar de guerras, conflictos y hechos políticos de candente actualidad, a través de distintos personajes desde la niñez a la adultez, con distanciamiento y asumida cuota ideológica.
De sus últimos proyectos, Tornatore filmará en Praga "The best Offer" ( 2013 ) con Jim Sturgess, Donald Sutherland, Geoffrey Rush, y Philip Jackson. Y en preproducción está su ambiciosa obra "Leningrado", un drama épico sobre el conflicto ruso - alemán durante la Segunda Guerra Mundial y cuyo reparto lo encabezaría Al Pacino.
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| "Cinema Paradiso" : Salvatore Cascio como Tornatore de niño viendo fotogramas a través de la lámpara peligrosa. |
Un comentario : " Cinema Paradiso : Dividida en tres partes demasiado diferentes, narra, a lo largo de cuarenta años, las relaciones entre Salvatore de Vitta ( Jacques Perrin ), un famoso director de cine que vive en Roma, y Alfredo ( Phillippe Noiret ), el proyeccionista del cine de su pueblo, Giancaldo en Sicilia. La primera parte está ambientada en la inmediata posguerra, describe la situación desde el punto de vista de un niño de seis años y es la mejor, en gran parte por el trabajo del niño Salvatore Cascio. La segunda tiene un subrayado tono sentimental y narra los amores imposibles entre Salvatore de Vitta ( Marco Leonardi ) y la adolescente rubia Elena ( Agnesa Nano ). La tercera está motivada por la muerte del proyeccionista Alfredo y el regreso de Salvatore al pueblo y cuenta con un aire melodramático el intento de Salvatore de Vitta por recuperar el tiempo perdido con Elena ( Brigitte Fosey ), ahora convertida en una mujer casada y con una hija igual a ella. Tras conseguir el Oscar reservado a la producción extranjera, esta última parte es parcialmente cortada para su segunda salida en Italia. Esta historia llena de nostalgia por una manera de ver y entender el cine, es la mejor y más conocida película de Giuseppe Tornatore, pero tiene mucho más éxito en el extranjero que en Italia". ( El crítico Augusto M.Torres ).
Bille August :
El Cine danés de la adaptación literaria.
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| Experto en adaptaciones literarias de éxito, el realizador no desestima las comedias, el thriller y el "biopic" político. |
La obra del director y guionista danés Bille August ( nacido en 1948 ), es uno de los referentes obligados del cine nórdico, y su nombre es uno de los gravitantes del ambiente festivalero internacional. August estudió fotografía con Christer Stroholm y se convierte en director de fotografía de la Escuela de cine de Copenhague, trabajando como tal, en varias producciones.
Después de dirigir cortos y la serie de televisión Bustern Verden, debuta en los terrenos del largometraje en 1978 con "Luna de Miel" ( "Honnisgame").
Después filma tres comedias juveniles sobre obras populares del escritor Bjarne Reuter que comprenden : "Zappa" ( 1983 ), "Fé, esperanza y amor" ( "1984 ) y "El Mundo de Buster" ( 1984 ), que no ven la luz en otros hemisferios .
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| "Zappa" : la historia de tres adolescentes daneses a principios de los setenta, narrada con soltura y pericia por el cineasta. |
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| "El Mundo de Buster" : crónica de un amor infantil, según la obra de Bjarne Reuter. |
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| "Pelle, el conquistador" : un cuadro costumbrista de acertado gusto estético, basado en el primero de los cuatro tomos de la novela-río de Martin Andersen Nexo. |
Su suerte cambia a partir de su quinto trabajo para el cine, "Pelle, el Conquistador" ( "Pelle Erobreren", 1987 ), adaptación de la novela de Martin Andersen Naxo, que narra la compleja vida que tiene un hijo y su viejo padre emigrados de Suecia a Dinamarca a finales del siglo XIX.
El relato está organizado como un gran fresco de la Dinamarca rural del novecientos, centrándose en las penurias y pequeñas alegrías que viven Lasse, ( el camaleónico Max Von Sydow ), un anciano que viene de vuelta, y su pequeño hijo, Pelle ( el expresivo Pelle Hvenegaard ), y que August aprovecha para efectuar una minuciosa descripción de las relaciones agro-laborales próximas al feudalismo.
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| "Pelle, el conquistador" ( 2 ) : la desnudez natural en la campiña danesa. |
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| "Pelle, el conquistador" ( 3 ) : la fiesta coloquial buscando una madre para Pelle. |
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| "Pelle, el conquistador" ( 4 ) : el paria vagabundo que termina como artista de circo. |
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| "Pelle, el conquistador" ( 5 ) : la transitoriedad de los espacios en la fotografía de Jorgen Persson. |
Toda la cinta es de una notable belleza estética, no tan sólo por el goce con que la fotografía de Jorgen Persson atrapa el encanto y la sutileza de los paisajes daneses en las cuatro estaciones del año, sino por sus magníficos aspectos intimistas, que conmueven y lapidan cualquier corazón de hielo. Recuerden, el castigo del muchacho en su desnudez furtiva ; el homicidio al bebé de la mujer moribunda; el cultivo del trigal con unas panoramicas pictóricas dignas de ripley; o la castración del amo por parte de su señora tras la felación de su sobrina adolescente. Momentos de gran elocuencia y tensión resueltos con una belleza fotográfica magistral.
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| "Jerusalem" : la odisea de unos campesinos nórdicos en Palestina. |
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| "La Casa de los espíritus" : Winona Ryder encabezando la adaptación fílmica. |
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| "La Casa de los espíritus" ( 2 ) : la superproducción para asumir los visos de la novela de Isabel Allende. |
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| "Con las mejores intenciones" : describe las relaciones de los padres de Ingmar Bergman. |
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| "Con las mejores intenciones" ( 2 ) : El amor, la tolerancia, la falta de fé, el encierro mental son temas que aborda la película. |
"Pelle, el conquistador" gana la Palma de Oro en Cannes y el Oscar reservado a la Mejor Película Extranjera.
Gracias a ello, el mítico Ingmar Bergman le confía la realización de la serie de televisión de seis horas de duración, "Con las mejores intenciones" ( "Den Goda viljan", 1991 ) , cuyo resumen para la pantalla grande de tres horas de duración, obtiene la Palma de Oro en Cannes.
El filme describe las tensas relaciones de los padres de Bergman y se sitúa entre 1909 y 1918.
_"Debo vivir en la privación. Sólo así podré ser sacerdote. No fui creado para hábitos mayores".
El diálogo es uno de los que caracterizan la personalidad de Henrik Bergman ( Samuel Froler ), modesto estudiante de teología, que llegó a casarse con Anna Akerblom ( Pernilla August ), la hija mimada de una adinerada familia acomodada, que conduce con toda la tradición conservadora de su posición. Karin ( Ghita Norby ), su enérgica madre, que se opuso por largo tiempo al matrimonio de su hija, pese a la benevolencia de su anciano padre ( el infaltable Max Von Sydow ).
Se trata de una película de colosales resonancias poéticas, que nos habla del romance como sinónimo de tolerancia, respeto y fricción. Imperan los temas más significativos del universo bergmaniano : la carga emocional del pecado, la soledad, la falta de fé en Dios, la ausencia del amor verdadero, la familia como extensión de nuestros propios pecados, la orfandad entendida como el categórico inicio de la madurez más intransigente.
Más tarde, August se embarca en la adaptación de la famosa novela de la escritora chilena Isabel Allende, "La Casa de los espíritus" ( "House of the Spirits", 1993 ), que contó con un reparto de actores de primera magnitud : Jeremy Irons, Meryl Streep, Glenn Close, Winona Ryder, Antonio Banderas, Vanessa Redgrave, María Conchita Alonso y Armin Müeller Stahl.
La película funciona como un entramado trágico que se asienta entre las paredes de una finca, y el realismo mágico que caracterizó la pluma de la escritora nacional, aparece como un sutil adorno no siempre muy bien dimensionado en la estructura del drama. Es un esfuerzo importante que se llevó a cabo en rigor de superproducción, que no cubrió todas las expectivas que se tenían del libro, pero que resueltamente se transformó en la primera producción más ambiciosa hecha en el extranjero con Chile como telón de fondo y August mancillando los textos que todavía se estudian en la enseñanza secundaria y universitaria.
El siguiente trabajo del cineasta fue "Jerusalem" ( 1996 ), una epopeya romántica basada en la novela de Selma Lagerlof, que "narra la peripecia de unos campesinos suecos a principios del siglo XIX, que empujados por la pobreza abandonan el país para radicarse en Palestina, donde se dedicaran entre otras cosas, a rendirle culto a Dios. Desarrollada con el estilo bergmaniano a contracorriente y la belleza fotográfica de los paisajes nórdicos. Todavía se recuerda por su lograda recreación de época y las notables actuaciones de : María Bonnevie, Ulf Friberg, Pernilla August, Lena Endre y Sven-Bertil Taube.
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| "Los Miserables" : la novela de Victor Hugo en una adaptación fallida. |
Tras la adaptación del thriller "Sense of Snow" ( 1997 ) con Julia Ormond, y en base al "best seller" de Peter Horg, August acomete otra superproducción histórica, "Los Miserables" sobre el clásico de Victor Hugo. Si bien el guión del experimentado Rafael Yglesias - el mismo de "La Muerte y la doncella" -, mantiene intacto los referentes de la obra original, la película tiene altibajos propios de la empalangosa recreación de época. Es una cinta plana, monocorde, retórica, que ser pierde en lo obvio y sensiblero. Ni el carisma del villano ( Geoffrey Rush ), ni el espíritu del hombre luchador que intenta reivindicar Jeran Valjean ( Liam Neeson ), en su pelea por la libertad, logran incorporarse a las revueltas que proclaman la República. ¿ Qué queda entonces ?
Uma Thurman en un rol maravilloso, excelentes tomas panorámicas y Claire Danes en una superproducción fallida, por lo predecible y maníquea.
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| "El Precio de la libertad" : la visión del cautiverio de Mandela en Sudáfrica. |
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| "Marie Kroyer" : Bille August rodando en exteriores. |
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| "Marie Kroyer" ( 2 ) : la belleza de la fotografía de Dirk Brüel. |
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| "Marie Kroyer" ( 3 ) : las relaciones amorosas y su impacto en el arte. |
Al drama romántico de un famoso compositor en "Una canción para Martin" ( "En säng för Martin", 2001 ), y un "thriller" con visos dramáticos "Return to sender" ( 2004 ), August se recreó en las duras experiencias de Mandela en su reclusión en Sudáfrica en la película "El Precio de la libertad" ( "Goodbye Bafana" ( 2007 ), su última película estrenada en el mundo.
En Septiembre se estrena en Dinamarca, su última obra "Marie Kroyer" ( 2012), la historia del matrimonio de los pintores Marie y P.S.Kroyer.
Para el 2013, rueda "Night train to Lisbon", un thriller romántico con Jack Huston, Martha Gedeck, Tom Courtenay, Bruno Ganz, Lena Olin y Charlotte Rampling.
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| "Pelle, el conquistador " : reveló al prodigioso actor sueco infantil Pelle Hveneggaar. |
Un comentario : "Con su lenguaje perfectamente académico, "Pelle el conquistador" es de las películas que aspiran a conciencia a alcanzar estatura artística : la esmerada ambientación está iluminada y fotografiada de manera que cada imagen sea un bello retrato de la miseria y de la suciedad. Antes de dirigir, August fue camarógrafo; el sentido plástico de su puesta en escena naturalista está fuera de discusión".
( El crítico Pedro J. Labra ).
Wong Kar - Wai :
El Cine hongkonés de la mirada melancólica.
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| Un cine contemplativo, lleno de referencias estéticas y formales elabora este magnífico cineasta hongkonés. |
De todos los cineastas hongkoneses de la última generación, Wong Kar Wai ( nacido en 1956 ), es uno de los más atípicos. Trabaja sin guión, asume las historias que va a desarrollar, como relatos abiertos a la improvisación y a los designios de las resoluciones sobre la marcha.
Desde que debutara en 1988 con "As tears go by" ( "Won g gok ka moon"), hasta su "My blueberry nights" ( 2007 ), una parábola acerca de una mujer que cruza Estados Unidos, para resolver cuestiones vitales de su existencia; todo su cine resulta una experiencia enriquecedora, siempre vanguardista y diferente.
Su filmografía comprende : nueve largometrajes, siete cortos , dos colaboraciones en filmes colectivos y un estreno "ad portas".
Es un cineasta experto en mostrar las relaciones íntimas de la pareja desde la sutileza, casi abstracta de la intimidación, pero siempre con una mirada melancólica, armando extrañas coreografías que se mueven al ritmo de las pulsaciones del corazón y de las atracciones sexuales reprimidas.
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| "Chungking Express" : el enfoque amoroso nada de convencional en la gran urbe. |
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| "Con ánimo de amar" : el rojo violento del romance desatado. |
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| "Con ánimo de amar" ( 2 ) : el espacio de la soledad y del reencuentro. |
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| "Con ánimo de amar" ( 3 ) : el detalle del peinado y el contraste del rostro oculto. |
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| "Con ánimo de amar" ( 4 ) : los significantes contrastes entre las formas, los cuerpos y los colores. |
En "Chungking Express" ( "Chong qing sen lin", 1994 ), "cuenta dos historias de amor no convencionales y apenas relacionadas. Cada una de ellas tiene que ver con un policía solitario y se desarrolla en el bullicioso epicentro urbano de Hong Kong".
Con "Happy Together" ( 1997 ), que obtiene la Palma de Oro en Cannes al Mejor director, su nombre se hace conocido en todo el mundo. La película habla sobre dos emigrantes chinos, homosexuales, que habitan en Argentina, y cuyas personalidades opuestas tienden a desintegrarse con ritmo pausado y melancólico.
Ralentiza los encuentros, como en su obra maestra "Con ánimo de amar" ( Dut yeung nin wa", 2000 ), donde superpone la música instrumental pegajosa con los detalles contenidos de los designios propios del destino. Se trata de un cine hecho a la medida de las sensaciones. Todo guarda un significado. Desde el color de las atmósferas brumosas hasta la iluminación de los decorados. Es un cineasta que se recrea en la contemplación de los cuerpos, las miradas, los objetos, en la placidez de la imagen.
En "Con ánimo de amar", sugiere las pasiones desatadas en una pareja de jóvenes casados , que alquilan habitaciones en departamentos paralelos en la Hong Kong de 1962. Entre coqueteos, miradas furtivas, rectitud social, la pareja transforma el adulterio en una consecuencia de la aburrida y esquemática vida de profesionales acomodados. La cinta nos habla de la incomunicación, esa que sólo se rompe a través de los gestos, los movimientos corporales, la expiación, y la asumida complicidad del hecho prohibido. Pero también es un duro retrato de la rigidez cultural de un mundo donde el matrimonio no es sólo cuestión de amor, sino que de un compromiso tradicional demasiado sesgado en los códigos del comportamiento y del rito social.
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| "2 0 4 6 " : el amor también es terreno fértil para la ciencia ficción. |
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| "My blueberry nights" . las luces de neón, las vitrinas, los relojes, los vestidos todos elementos simbólicos de la trama. |
Después rueda la novedosa "2 0 4 6 " ( 2004 ), donde extenderá la vida amorosa de Chow Mo wan en los sesenta, para incluír de manera vanguardista elementos propios de la ciencia ficción. La cinta sobrecoge por el tratamiento estético de sus imágenes y una puesta en escena de "glamour decadente" que le da un aire innovador a todo el conjunto.
Más tarde rueda, "My blueberry nights" ( 2007 ), donde vuelve a relatar una historia a partir de un encuentro casual, entre la joven Elizabeth ( Norah Jones ), que ingresa al restaurante de Jeremy ( Jude Law ). Un año después y comunicándose a través de postales, la joven vivirá toda clase de experiencias vitales que le conectarán con el verdadero amor de su vida. La tragedia de un policía ( David Strathaim ) y su veleidosa mujer ( Rachel Weisz ) , y el drama de una jugadora de póker ( Natalie Portman ) , que en un viaje a Las Vegas pierde a su padre, llevará a Elizabeth a revalorar su atracción por Jeremy. Como es habitual en Wong Kar Wei se trabaja sobre la base de la improvisación, permitiendo que su fábula logre llegar a extremos impredecibles. De tono melancólico, es una nueva radiografía sobre las relaciones de pareja, y del carácter femenino a partir de tres mujeres de distinta personalidad.
Nuevamente Wai le da un valor potencial a las sensaciones : visuales ( color, formas, decorados, formato ), cinemáticas ( ralentis, montaje sonoro, en paralelo ) y gustativas ( los pasteles de arándanos que simulan la dulzura láctea de un delicioso beso de amor; el whisky como antídoto para olvidar las penas del romance frustrado ).
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| Afiche de la nueva producción de Wong Kar-Wai y que da un nuevo giro a su carrera. |
Pronto veremos su nueva obra "The Grandmasters" ( "Yut Doi Jung Si" 2012 ), la historia del maestro de artes marciales Ip Man, que entrenó a Bruce Lee. Al parecer, en un nuevo viraje excepcional a su notable carrera cinematográfica. Actúa, su "alter ego" actoral, Tony Leug.
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| "Con ánimo de amar" : la unión sexual culposa que no tiene mayor destino. |
Un comentario : " Con ánimo de amar : El director Wong que como siempre trabaja sin guión, permite que esta fábula sobre la infidelidad se desarrolle de una forma extraña, reservada e impredecible. Donde el espectador podría intuír un romance incipiente, Wong ve una triste resignación. Los dos amantes potenciales se mantiene muy cerca, como satélites, pero parecen entender que nunca podrán compartir la misma órbita" ( El crítico Joshua Klein ).
Jim Jarmusch :
El cine norteamericano de la rebeldía nihilista.
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| La imagen característica del director : casi albino y con lentes deportivos. |
Atento observador de lo cotidiano, el director, productor, editor, fotógrafo y guionista Jim Jarmusch ( nacido en 1953 ), ha conformado una obra que se caracteriza por denostar los motores dramáticos y acentuar lo que está oculto a la primera mirada. Todo aquello que no se suele hablar o representar cobra interés en su estilo. Ajeno a los efectismos digitales, a los relatos insulsos que llenan el ocio con cierta periodicidad, Jarmusch nos enseña que, lo esencial no está en los mecanismos que mueve la ficción, sino en los momentos más intrascendentes donde pareciera que no ocurriera nada.
El desarraigo, la ternura, la violencia, la mirada tragicómica de la vida, la vaguedad del ser humano en la infinita escala de proporciones domésticas, aparecen como temáticas recurrentes de su cine.
Conforman su filmografía, diecisiete películas, trabajando siempre al margen de los condicionamientos de la industria, que le ha convertido en un paradigma del cine independiente norteamericano.
Debutó con "Permanent Vacation" ( 1980 ), un drama acerca de un vagabundo maravilloso en Nueva York, pero su verdadero despegue internacional llegó con "Stranger than paradise" ( 1984 ), una modélica película destructuralista, que cuenta en el estilo "road movie", la aventura de tres amigos en su viaje de la nevada región de Cleveland a las playas de Florida.
La cinta ganó la "Camera d"Or" en el Festival de Cannes y se convirtió en una obra emblemática del cine independiente.
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| "Stranger Paradise" : la revelación de Jarmusch en Cannes. |
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| "Down by law" : el encierro condicionado para narrar historias. |
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| "Down by law" ( 2 ) : el detalle en la perspectiva del encuadre. |
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| "Mystery Train" : el encuadre urbano con el detalle de la luz y el color. |
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| "Mystery Train" ( 2 ) : dos turistas en Memphis a la ruta de Elvis Presley. |
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| "Mystery Train" ( 3 ) : el hotel donde se concentran los personajes. |
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| "Mystery Train" ( 4 ) : el estudio de grabaciones donde la guía es una cotorra que no para de bla, bla, bla... |
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| "Mystery Train" ( 5 ) : el fotograma más característico del filme. |
Manteniendo la coherencia en sus temas y la facultad numérica de los tríos, ya sea de personajes o relatos, rodó después , "Down by law" ( 1986 ), acerca de las experiencias de tres hombres distintos en una prisión en Louisiana; y "Mystery train" ( 1989 ), que narra tres historias distintas alrededor de un hotel en Memphis, y el mito de Elvis Presley.
Más tarde, insistirá en las viñetas cotidianas con "Night on Earth" ( 1991 ), acerca de cinco distintos clientes de taxistas, que revelan al chofer sus historias cotidianas.
"Dead Man" ( 1995 ), abre una nueva etapa en el cine de Jarmusch. Se trata de un neo western, como algunas de sus obras, rodada en blanco y negro, por el espléndido operador Robby Müller.
El relato se nos abre con el rostro melancólico de William Blake ( un Johnny Deep absolutamente inolvidable en este rol ), un joven contador que acude a un trabajo seguro en la Metalúrgica Dickinson, regida por un oscuro Robert Mitchum, quien está secundado a su vez, por un irónico William Hurt. Por esas cosas del destino, Blake se mete con una prostituta de cierto renombre, que lo convertirá en prófugo de la ley, perseguido por un trío de cazarecompensas.
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| "Dead Man" : Johnny Deep como el contador metido en el lío de su vida. |
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| "Dead Man" ( 2 ) : Robert Mitchum es el oscuro propietario de una metalúrgica. |
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| "Dead Man" ( 3 ) : cautivo de la ley, metido en un aventura en onda western.. |
Si Peckinpah, Hellman e Eastwood rompieron la mitología del western, Jarmusch se acomoda a él, para construír una nueva simbología a propósito del género más americano del cine. Desde su tratamiento argumental y hasta los designios visuales, revuelve sobre los temas que son de su interés como autor personal y vigente. La fugacidad de la vida, el encuentro con la muerte, la huída como expresión de libertad eterna, alcanzan un lirismo raro y diferente, que funciona por el acabado formal de la obra.
__"Algunos nacen en el dulce encanto, otros en la noche eterna".
Esta poética en los diálogos logra una traducción conciente y certera en las imágenes, que transitan en la reflexión crítica de abierta contemporaneidad. Así, la dicotomía entre este joven contador inmerso en un universo en constante devastación y su destino desafortunado, pasa por la revisión de las actitudes y comportamientos sociales de los ambientes y de la época. En esta historia no hay figuras míticas, sino un personaje que accidentalmente y en defensa propia, ultimó a balazos al hijo de un rico empresario, y se sublevó a los injustos anuncios de persecución y muerte.
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| "Camino del Samurai" : fusiona western, artes marciales y film noir. |
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| "Camino del Samurai" ( 2 ) : hay detenida atención por todos los personajes. |
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| "Camino del Samurai" ( 3 ) : quizás es su película más popular a la fecha. |
Su siguiente película, "El Camino del Samurai" ( "Ghost dog", 1998 ), se recreaba en el western, las artes marciales y el film noir, para contar la historia de un asesino a sueldo que habita en el techo de un edificio abandonado en Nueva Jersey, y que tiene el talento de convertirse en una sombra siguiendo los preceptos de la antigua tradición nipona de los samurai. El filme más accesible de todas sus obras, es también una clase notable de fusión ( mucho hip hop en su banda sonora ) donde el honor y la violencia se adjudican los laureles.
De su última etapa, siempre manteniendo la coherencia en los temas y en la manera de narrar sus historias, Jarmusch rodó luego de la reflexiva "Coffee and Cigarettes" ( 2003 ), la que para muchos es su obra maestra, "Flores Rotas" ( "Broken Flowers", 2005 ).
Es una producción que dedica al cineasta Jean Eustache. El relato no puede ser más intenso y realista.
Don Johnston ( un melancólico pero efectivo Bill Murray ), profesional informático de situación acomodada, es un solterón empedernido que se lo pasa en una medianía cotidiana que no puede romper. Abandonado por su última pareja ( Julie Delpy ), es un adicto al televisor plasma, que tiene en su cómodo living, hasta que recibe una carta misteriosa escrita por una desconocida, donde le da a conocer que es padre de un chico de diecinueve años de edad. Winston ( Jeffrey Wright ), su vecino etíope con tres empleos y cinco hijos que mantener , es un experto en descifrar enigmas policiales, por lo que le resulta atractivo ayudarle a descifrar el misterio de la misiva. Reunidos en un café, Winston le ordena una agenda de visitas, con cinco mujeres que han tenido relaciones en su pasado, para descubrir quien es la verdadera madre de su hijo. Las opciones pasan por diferentes personajes femeninos interpretados por notables actrices como: Sharon Stone, Frances Conroy, Jessica Lange , Tilda Swinton y una mujer fallecida.
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| "Flores Rotas" : Para muchos su obra maestra. |
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| "Flores Rotas"( 2 ) : la conversación con el amigo, antes de salir en la búsqueda de la madre de su hijo desconocido. |
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| "Flores Rotas" ( 3 ) recordando en la cama, otros tiempos de sexo libre. |
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| "Flores Rotas" ( 4 ) : sospechando del hijo que pudo ser. |
Como es habitual en el cine de Jarmusch, los paisajes rurales o urbanos están por debajo de los paisajes humanos. Es aquí donde está la maestría de su estilo. Parece no contentarse con contar una historia, sino hacernosla sentir desde la sutileza de los detalles del viaje. Una bata rosa, una chica desnuda, una foto antigua, un compilado de música alternativa, la perspectiva de una carretera infinita, le sirven al cineasta para sugerir y alimentar los conceptos básicos de su propuesta estético-narrativa. Al respecto, es fundamental el magnífico uso de los colores, los símbolos carreteros, los planos detalles y las panorámicas del experimentado fotógrafo Frederick Elmes ( "Terciopelo azul" ; "Una historia sencilla" ), y el magnífico montaje de Jay Rabinowictz ( "Requiem por un sueño" ; "La calle de las ilusiones" ), que hace impredecible una aventura coloquial, humana y sincera.
A su último filme conocido, "The limits of control" ( 2009 ), sobre un misterioso solitario en el proceso de completar un trabajo de espionaje, Jarmusch prepara su próxima película "Only lovers left alive" ( 2013 ), en torno a dos vampiros que han estado enamorados desde hace siglos.
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| "The limits of control" : su último y rutinario trabajo conocido rodado en Europa. |
Un comentario : "Jarmusch entiende la realidad como la fantasía que está presente en los momentos aparentemente prescindibles del ser humano. Sus historias no se conforman con los motores dramáticos de la trama. Lo interesante es lo que no se ve, aquello de lo que no se puede hablar ni representar. Por eso, la verdadera esencia se encuentra en los paréntesis de la historia".
( La crítico Victoria Caballero ).
Alejandro González Iñarritu :
El Cine chicano de los encuentros y desencuentros humanos.
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| Notables historias que confluyen en un mismo punto caracterizan el cine de este director de origen mexicano. |
Perteneciente a la santísima trinidad de directores mexicanos radicados en Hollywood - Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón, son los otros -, Alejandro González Iñárritu ( nacido en 1963 ), ha logrado traspasar sus fronteras, en función de un estilo marcado por el gusto del relato coral, la multiplicidad étnica y cultural, y las complejidades de las problemáticas de la globalización.
Su cine viene a marcar un antes y un después en la forma de contar historias, a partir de la integridad sociocultural, y las dificultades de entender las mezclas de nacionalidades en un mundo sin fronteras.
Esta mirada antropológica, no siempre evidente en su enfoque primigenio, tiene sus mejores basas en el afiebrado método de rodaje, que Iñarritu impone en escenarios naturales. Su filmografía está compuesta por once trabajos como director, desde su debut con el corto "Detrás del dinero" ( 1995 ).
Entre todas sus obras, las más significativas siguen siendo tres : "Amores Perros" ( 2000 ), un notable guión que entrelaza personajes en distintas situaciones para llegar a converger en un todo armónico, articulado y emocionalmente efectivo; " 21 Gramos" ( 2003 ), nuevo filme coral que se solaza en la integración vía tráfico de drogas, para enrostrarnos las consecuencias de la marginalidad y el negocio ilícito; y "Babel" ( 2006 ), otro panegírico variopinto, que fusiona la guerra en el medio oriente con sus correspondientes consecuencias en Occidente a través de historias humanas logradas y asertivas.
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| Su primera gran película que lo reveló en el extranjero. |
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| " 21 Gramos" : Sean Penn es un profesor universitario, que espera una segunda oportunidad en su vida. |
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| "21 Gramos" ( 2 ) : Benicio del Toro un exdelincuente que busca lo mismo que Penn. |
En "Amores Perros" ( 2000 ), un joven enamorado de la esposa de su hermano; un hombre que abandona a su esposa para irse a vivir con una modelo y un exguerrillero que trabaja como asesino a sueldo, comprenden los personajes de los alambicados espacios dramáticos de esta novedosa película mexicana. Al goce de unir cada episodio con algún accidente o situación sorprendente, Iñárritu mantiene el interés del relato, por la fluída correlación de hechos, anécdotas y personajes singulares.
En " 21 Gramos" ( 2003 ), recompone la meticulosidad del guión y de la construcción de personajes, mediante la vida de tres personas , a partir de la muerte. Lo más notable está en el trabajo interpretativo. Tanto Sean Penn, Benicio del Toro como Naomi Watts están absolutamente creíbles y queribles, remarcando el sínodo trágico de cada situación. Sean Penn hace de profesor universitario que espera un trasplante de corazón, y cuya relación con su esposa ( Charlotte Gainsborough ), viene de vuelta, pese a los deseos de embarazo de ésta, mediante la inseminación artificial.
Benicio del Toro como Jack, un exladrón y delincuente que intenta rearmar su vida en la gloria de Jesús, aunque se ha convertido en un fundamentalista , es un verdadero "animal" de la actuación. Demuestra garra, fuerza y entrega total. Mientras que, la revelación de Naomi Watts es contundente. Ella interpreta a una ex"junkie", casada con un marido ejemplar y madre de dos preciosas niñas, se constituye en el soporte dramático de las tres historias.
Trabajando con su equipo habitual que componen, el guionista Guillermo Arriaga, el fotógrafo Rodrigo Prieto y el músico Gustavo Santaolalla, González compone una película ejemplar que conmueve y emociona.
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| "Babel " : Gael García Bernal y los niños Nathan Gamble y Elle Fanning en sus comienzos cinematográficos. |
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| "Babel" ( 2 ) : el viaje errante de los niños y su "nana", en tierras inhóspitas. |
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| "Babel " ( 3 ) . el juego mortífero en Marruecos. |
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| "Babel" ( 4 ) : el accidente que cambió el curso de los acontecimientos. |
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| "Babel" ( 5 ) en un mundo interconectado, la limitancia también es debatible. |
En "Babel" ( 2006 ), remarca el tema de existir en un mundo obtuso, donde impera la estupidez y la paranoia sobre el sentido común. A partir de la experiencia de dos niños marroquíes, que "jugando" con un rifle "Winchester M-70" balean a una turista americana ( Cate Blanchett ), esposa de un joven arqueólogo ( Brad Pitt ), se entremezclan tres distintas historias, unidas por el azar del arma homicida.
González Iñárritu acentúa el manejo de los tiempos, la transitoriedad de los espacios, el constante choque multicultural de sus arquetipos, que nos confronta a concientizar nuestra propia realidad.
Un mundo cada vez más interconectado, pero donde parecemos más distanciados y en que defendemos los nuestros, a costa de la objetividad frente al marasmo de la globalización. Por eso, la historia de la "nana" mexicana ( Adriana Barraza ) y los niños que cuida ( Ellen Fanning y Nathan Gamble en sus notables comienzos en el cine ), nos parece tan entrañable.
En la clandestinidad de un mundo donde trabajamos y nos desenvolvemos, hasta lo ajeno, nos acerca a la humanidad que necesitamos para vivir. De ahí, la dramática espontaneidad de la joven sordomuda japonesa, que en su conflicto y urgencia afectiva, bien puede resumir, la infinita soledad de un universo superdesarrollado. O las imbricaciones crueles de las relaciones mexicano-estadounidenses en las fronteras ( con Gael García Bernal, su actor fetiche en "Amores Perros" ), que se superponen a la idea de la supervivencia.
Película notable y de largo aliento, que resume lo mejor del cine, de este magnífico realizador "chicano" radicado en Estados Unidos.
Su último filme : "Biutiful" ( 2010 ), evidenció su manejo de la comedia transcultural, aunque con logros parciales y a menor escala de su trío de obras mayores.
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| "Babel" : Cate Blanchett en el set en exteriores. |
Un comentario : " Las historias basadas en el guión de Guillermo Arriaga, en "Amores Perros", "21 Gramos" y "Babel", hablan tanto de la falta de comunicación real entre las personas como de las implicancias sociológicas que trae el nuevo orden mundial post 11 de Septiembre. Como siempre en Iñárritu es habitual las historias paralelas que confluyen en un punto. Y pueden transcurrir en escenarios tan disímiles como Marruecos, Estados Unidos, Japón y México como en la extraordinaria "Babel " ( El crítico Rodrigo Podestá ).
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| La última obra del realizador Bille August, acerca del matrimonio de los pintores Kroyer. |
