Grandes directores del Cine Actual - Cut 7 :

La Mirada Latinoamericana.

En esta séptima crónica. nos hemos detenido  a seleccionar obras y nombres de nuestra América Latina. Están los cineastas que han marcado desde sus singulares esferas creativas, el panorama secular de la cinematografía latina. En estos años de integración de las nuevas tecnologías digitales, ya no parece ser tan difícil, acceder a producir obras audiovisuales. Lo complejo y unipersonal, está en las miradas. Por eso, hemos puesto hincapié,en equiparar los cineastas que tiene un marcado sello ideológico con aquellos que hacen arte desde las postrimerías del intelecto más independiente y universal. El Cine tiene esta virtud, pues abre espacios y fronteras culturales con la poderosa herramienta de la imagen y la insustituíble fuerza de las palabras y sonidos que invaden nuestro mundo.
Muchas de estas obras han logrado superar las barreras de las limitancias económicas con astucia, vigor y originalidad , hasta conquistar festivales internacionales de cine de gran prestigio, como Cannes, Venecia, Berlín, San Sebastián, Toronto, Sundance , Mar del Plata y Viña del Mar. Otras, han surgido de los circuitos alternativos del cine, que reúne desde los intereses aborígenes y ecologistas hasta los vinculados a los derechos de la mujer, del niño y cuestiones más universales como los problemas de la contaminación ambiental y los efectos del calentamiento global. Una de las actividades que más se ha ampliado en estos años, han sido la de los festivales, ciclos, muestras y referentes de exhibición, lo que ha permitido que muchas de estas obras sean conocidas por los públicos más variados de nuestra diversidad étnica y cultural americana. Como siempre, sólo esperamos ser una guía de jugoso provecho personal para incitarlos a revisar las películas que están a la vuelta de la esquina, o en una sala de cine, en una tienda de videos y DVDs o en los circuitos alternativos que brinda el "on line" con sus cada vez más recurrentes festivales de cine digital.


Andrés Wood : El Cine como referente histórico y social.

El cineasta chileno es un ícono obligado del cine latinoamericano actual.

Para nadie es un misterio que el nombre del cineasta chileno Andrés Wood ( nacido en 1965 ), alcance hoy estatura internacional. Director, guionista, productor, editor de cine y televisión, alcanzó en los noventa, una altura que sólo podían acceder Raúl Ruiz, Silvio Caiozzi, Miguel Littín, Gonzalo Justiniano y Ricardo Larraín. Lo insólito es que Wood no partió estudiando Cine, sino Economía en la Pontificia Universidad Católica de Chile de donde salió titulado en 1988. Grande fue su interés por el mundo del cine, cuando decidió hacer sus maletas y partir a estudiar la carrera de sus sueños en la prestigiosa Universidad de Nueva York en Estados Unidos. De vuelta a casa, Wood se puso a rodar cortometrajes y - como otros realizadores chilenos de su tiempo - a darse a conocer en festivales de cine de nivel internacional.

"Historias del futbol" : la trilogía dedicada al fanatismo deportivo en distintos puntos geográficos de Chile.

 
Después de ganar el premio al mejor director en el Festival de Cine de Viña del Mar por el corto "Reunión de Familia" en 1995, Wood se puso a rodar el que sería su debut en el largometraje : "Historias del Futbol" , que paradójicamente la constituyen tres historias cortas desarrolladas en distintos puntos del país, acerca de la fascinación que tiene la sociedad chilena por el balompié. Notable e irregular, esta película ya dejaba ver las características que marcarían para siempre su cine :  un magnífico uso fotográfico de los exteriores, incluyendo los paisajes y los lugares más singulares de nuestra geografía, un elocuente trabajo con actores profesionales y no profesionales, especialmente niños, y un regusto por innovar en el trabajo del guión mediante sugerencias y detallismos pintorequistas, muy propio de los neorrealistas.

 

"Machuca" : Matías Quer como testigo infantil de una época.

"La Buena Vida" : la película con que Wood se adjudicó el Premio "Goya" del cine latino

"Violeta se fue a los cielos" : la última producción conocida de Wood.

De sus seis largometrajes de ficción, se destacan también : "El Desquite", un melodrama costumbrista basado en la pieza teatral escrita en décimas por Roberto Parra,  "La Fiebre del loco", maravillosa parábola acerca del esfuerzo y la dualidad del paisajismo sureño, "Machuca", la reconstrucción histórica de los acontecimientos previos y posteriores del golpe militar, desde la mirada de un niño de clase acomodada que entabla amistad con otro chico de precaria situación económica, "La Buena Vida", sensible aproximación a la naturaleza de las relaciones humanas y "Violeta se fue a los cielos", especie de "biopic" de la célebre y universal artista chilena Violeta Parra, enmarcada en el sesgo humanista y en la transcripción de una época marcada por connotaciones político- sociales.
 

"La Fiebre del loco" : la belleza del paisaje sureño, como colofón al relato del filme.

"La Fiebre del loco" ( Foto 2 ) : se insiste en la fotografía de la naturaleza.

"La Fiebre del loco" ( Foto 3 ) : las relaciones del hombre, el trabajo y el ambiente.

Películas Fundamentales : "Historias del Futbol" ( 1997 ), "El Desquite" ( 1999, algunas de cuyas imágenes fueron rodadas en la región del Maule ), "La Fiebre del loco" ( 2001 ), "Machuca" ( 2004 ), "La Buena Vida" ( 2008 ) y "Violeta se fue a los cielos" ( 2011).
 

"El Desquite", un drama costumbrista rodado en Santiago y al interior de Talca.

Un comentario : "Andrés Wood corrobora su talento para narrar , a través de imágenes bellamente filmadas, y una historia dramática y atrayente. Ajeno está Wood al mal endémico de algunos realizadores jóvenes nacionales , más preocupados en materializar tensiones y conflictos personales en confusas y pretensiosas imágenes inspiradas en Lynch, Kieslowsky o Tarkowsky... Alejado de estos amaneramientos efectistas , EL DESQUITE pretende contar una historia de manera coherente  , entretener con personajes creíbles e identificables, recrear lugar y época - el campo chileno de principios de siglo - con respeto y rigor histórico-social e invitar a la reflexión sobre diversos comportamientos humanos inconfundiblemente chilenos, en una época y contexto social determinados. Desde este punto de vista, la película triunfa ampliamente" ( Opinión del crítico Julio Lopez Navarro en su libro "Cien películas latinoamericanas", Ediciones Pantalla Grande, Santiago de Chile, 2000 ).




Sebastián Silva : El Cine de las sutilezas de la vida.

Silva acota que, hace un cine más intimista y sutil que de connotación ideológica.

El caso de Sebastián Silva ( nacido en 1979 ) es muy distinto a la mayoría de los realizadores surgidos en esta época en Chile. Compositor, músico, diseñador, videísta, y director de cine, estudió en la Escuela de Cine de Chile, debutando en el 2005 con el documental REC, y dos años después en los terrenos del largometraje con la película "La vida me mata", acerca de un tipo depresivo que creer ver en un amigo reciente, la encarnación de su hermano fallecido.
Desde esta primera película, Silva se mostró alejado de las temáticas más recurrentes del cine nacional, quizás movido por intereses de origen. O sea, quería ser original, asumir la escritura filmica en razón de temas más personales, menos acentuados en la política contingente y definitivamente universales en los discursos. Alejarse de esta tendencia le significó no pocas críticas. Cuando efectúo su segundo largo, "La nana" y llegó el reconocimiento internacional que le valió el premio a Mejor Película en el Festival de Sundance, Silva pudo encarar con hechos, por que asumió la temática cinematográfica desde un punto más general, respecto a los temas que le interesan. Su mirada según definió personalmente es más sutil, y se corresponde con el cine auropeo que se desarrolla en estos tiempos cuando se trata de asumir temas como la integración, la emigración y la marginalidad.

"La Nana" : Catalina Saavedra en una de las "performance" antológicas del cine chileno.

Al parecer, Silva representa mejor que nadie, ese nuevo enfoque de un cine más abierto, sincero y   personalista. "La Nana" es en efecto, una fluída y bien narrada historia intimista acerca de las domésticas que prestan sus servicios en los barrios más altos de la sociedad. Rodada en digital con amplia libertad para moverse en espacios cerrados, Silva opta por profundizar en los gestos y actitudes que demandan una crítica, ya no sólo desde una ideología o una instancia filosófica, sino más bien, desde  la certera y penetrante mirada del narrador visceral. Su película funciona como retrato de una profesión que a los extranjeros les resulta "novedosa", pero también es una telúrica historia que funciona como comedia de exageraciones humanas, donde se enquista la frustración, la violencia doméstica y el maltrato. Hay en todo este acierto, un sugerente  entendimiento de los recursos expresivos del cine, pues con los mínimos recursos, Silva logra transformar su pequeña historia en un relato universal de características épicas. En una odisea por la sacrificada estela de una labor aparentemente servil, denostada y nunca lo suficientemente cusetionada y valorizada por la sociedad moderna. Después de las alabanzas que logró la actuación de Catalina Saavedra - eterna "partenaire" del realizador y colaboradora habitual en su obra -, Silva se volvió a lucir en grado intimista con su tercera película : "Gatos Viejos", una tragicomedia acerca de la senectud armada alrededor de las figuras ya míticas del matrimonio entre la actriz Bélgica Castro y el escritor Alejandro Sieveking.

"Gatos Viejos" : Bélgica Castro como actriz estelar en la última obra de Silva.

Películas Fundamentales : "La Vida me mata" ( 2007 ), "La Nana" ( 2009 ) y "Gatos Viejos" ( 2010 ).

Un comentario : "La verdad es que esta película no fue en ningún caso pensada para crear ningún alegato político, ni un movimiento social, no es mi tipo de cine, ni el de Peirano ( coguionista ), y la película es mucho más sutil y fina que eso. Si quieren hacer una película mucha más política sobre las nanas y quieren mostrar que los patrones son más monstruos, que la hagan, pero no esperen eso de LA NANA, porque se trata de una mujer que no puede amar. Es mucho más sutil". ( Sebastián Silva entrevistado por Antonella Estévez para "CineChile : la enciclopedia del cine chileno", 2009 ).


Eliseo Subiela : El cine de la fantasía y el romance trasandino.

Rodando comedias de amor: "Siempre pensé en mi cine como algo terapeútico y la risa es lo más terapeútico que hay".

Al director bonaerense Eliseo Subiela ( nacido en 1944 ) no le gustan los encasillamientos, pero no teme definirse como un cineasta adicto a rodar películas de amor. Escritor compulsivo, cinéfilo contingente y audaz transgresor de las narraciones clásicas, si se quiere Subiela ha hecho del cine un apostolado, enquistado en los referentes del romanticismo en tono de comedia y de la ciencia ficción y la fantasía a partir de hechos extraordinarios. Su estética urbana es exquisita, porque transita con igual ductibilidad por los pasajes de la cordura como de la demencia, y no se queda corto cuando se trata de manifestar ciertos comportamientos reñidos con la moral y las buenas costumbres. Cineasta vital, que se desentiende de los esquemas, trata siempre de sorprender y animar al espectador con la sabiduría de los narradores contemporáneos. Su cine tiene la característica de asomarse a los vericuetos de la conciencia humana y de los sentimientos amorosos más apasionados, en desmedro de las atípicas y folletinescas historias de amor de la televisión y de las encrispadas anécdotas de media tarde en una peluquería de ocasión. Subiela es frente a todo, un animador de estructuras narrativas refrescantes que no pierden las sutilezas y los guiños a la cultura popular, a los dominios de las "mass media" y a los torrentes correntosos del desarrollo digital.Todo entra en su cine. Claro que con condicionantes particulares que le definen en un sentido poético y estético más propio de los veteranos de la imagen.

"Hombre mirando al sudeste" : la obra de renombre del cineasta argentino.

Catorce largometrajes de ficción, un documental, dos cortos , tres películas para la televisión y una serie, dan cuenta de la versatilidad y afiebrada laboriosidad de este artista singular. De sus películas : "Hombre mirando al sudeste" , es toda una alegoría extraterrestre y demencial de la condición humana; "El lado oscuro de corazón", una historia romántica y trágica, ya afinada la puntería en los sortilegios del amor y la música, con la estética arrebatadora de los noventa; "Pequeños milagros", una maravillosa parábola acerca del ser de una mujer que se cree ángel ;"Lifting del corazón", su insistente viaje a la comedia romántica de visos posmodernistas; y "Paisajes devorados" , el misterio insondable hecho thriller con un oscuro director internado en un psiquiátrico y tres jóvenes estudiantes de cine, intentando develar lo indescifrable de la conciencia. Eliseo Subiela mantiene su impronta y fortalece el panorama latinoamericano del cine, con una filmografía distinta, sugestiva y de gran acierto expresivo.

"Pequeños Milagros" :  cruce entre la fantasía y la realidad urbana.

Películas Fundamentales : "Hombre mirando al sudeste" ( 1986 ), "El lado oscuro del corazón " ( 1992 ), "Pequeños milagros" ( 1997 ), "Las aventuras de Dios" , 2000 ), "Lifting del corazón" ( 2005 ), "El resultado del amor" ( 2007 ), "Rehén de ilusiones" ( 2011 ) y "Paisajes devorados" ( 2012 ).

"El lado oscuro del corazón" : asumiendo los vericuetos del amor.

"Lifting del Corazón" : cuyo rodaje se hizo en Argentina y España.

Un comentario : "A mi estilo me gusta llamarlo realismo sospechoso. Concretamente, tiene que ver con algo en lo cual creo profundamente : la realidad es sospechosa todo el tiempo. No invento nada, es el retrato de lo que creo es la realidad, donde no vemos la mayor parte de las cosas, no nos damos cuenta. Porque somos muy cortos de vista, estamos cerrados y condicionados por la cultura..."            ( Eliseo Subiela ).


Juan José Campanella : El cine de las respuestas categóricas.

Campanella tras las cámaras, accesible a un cine intimista y escrutador.

Al nivel de las correspondencias, si Subiela es el cineasta por autonomasia del cine romántico de visos existenciales, con algo de realismo mágico incluído, entonces, Juan José Campanella ( nacido en 1959 ), es el director argentino que intenta dar respuestas categóricas a los problemas de la vida cotidiana a partir del realismo investigativo. Casi propio del mundo del periodismo, pero accesible a la connotación sicosocial que le permite analizar a la familia y las estructuras de la sociedad con sentido de crítica y reflexión. Sus guiones ostentan marcadas ambiciones intelectuales,  pues  arma sus relatos con la  convicción del analista diario. Supera todas las marcas desde las complejas redes del conocimiento práctico, casi con la ansiedad de contraponer al realismo histórico, la objetividad de los datos de rebuscamiento policial. Notable director de actores y actrices, fomenta la construcción de personajes desde la epidermis de lo coloquial. Una situación aparentemente normal, se puede transformar en una anomalía, un viso de fuerte impacto para internarnos por los conflictivos pasillos de la conciencia.

"El Hijo de la novia" : la comedia también tiene visos de tragedia.

 Al revés, en Campanella el registro de lo cotidiano también puede servir de andamiage a las ambiciones de registro realista, suficiente para responder todas las inquietudes que reviste vivir y convivir en la sociedad moderna. "El hijo de la novia" fue pródiga en mostrarnos cuán difícil es cohabitar este mundo en la compañía de tus seres más queridos. Pese al tono esperanzador y candoroso de la historia, el realto no podía ser más realista y coherente, con los tintes de la comedia, el drama y el realismo absoluto. Después vino "El secreto de tus ojos", con la que obtuvo el Oscar a la Mejor Película Extranjera, que es una notable y enrevesada historia de sesgo policial y judicial, muy alambicado y vigoroso. No sólo firme en los supuestos de la investigación de un homicidio horrendo y sangriento, sino por los subterfugios que sostiene la historia hasta el insólito desenlace, que remarca lo subjetivo de la realidad de los hechos. Campanella es un notable narrador, que se pasea por la comedia, la tragedia y el cine de géneros con ductibilidad, sentido expresionista y realista. Está en la etapa de su madurez total, así que, todavía esperamos más sorpresas en su filmografía siempre al amparo de sólidos guiones, magníficos elencos y categóricos recursos técnicos.

"El Secreto de tus ojos" : el thriller perfecto alrededor de una crónica roja.

"El Secreto de tus ojos" ( Foto 2 ) : en el contexto,  el amor perdido que revive por un caso.

Películas Fundamentales : "El niño que gritó puta" ( 1991 ), "Love walked in" ( 1997 ), "El mismo amor, la misma lluvia" ( 1999 ), "El hijo de la novia" ( 2001 ), "Luna de Avellaneda" ( 2004 ) y "El Secreto de sus ojos" ( 2011 ).

"Metegol" : la animación es un terreno nuevo para Campanella.

Próxima obra : "Metegol" ( 2012 ), una cinta de animación que gira sobre el mundo del futbol.

"El niño que gritó puta" : la revelación internacional del cineasta.

Un comentario : "Yo hago un cine que aporte preguntas insistentes en vez de respuestas falsas, que clarifiquen las distancias en lugar de violar la cercanía" ( Juan José Campanella ).




Fernando Meirelles : El Cine del espacio versátil. 

Meirelles aconseja realismo puro en escena y dejar que los actores improvisen.

Tal vez, estamos frente al director que mejor se ha acomodado al cosmopolismo de la industria, asumiendo sus raíces culturales pero con apego a la transnacionalización, cuando encara proyectos más ambiciosos. Fernando Meirelles ( nacido en 1955 ), estudiante de Arquitectura, comenzó a hacer cine con un grupo de amigos aficionados a los videos experimentales. Después de trabajar nueve años en la televisión carioca, donde se hizo experto en comerciales publicitarios, abordó el cine, creando con Paulo Morelli y Andrea Barata Ribeiro, la Compañía de producción "02 Filmes".
Meirelles ha sido productor de 25 títulos entre programas de televisión, series, documentales y películas de ficción. Sus siete largometrajes a la fecha, dan cuenta de un cine personalista pero universal, en la medida que ya encara proyectos más costosos  rodados en países desarrollados de Europa y logra acondicionar la mirada primigenia que tuvo en su obra brasileña maestra "Ciudad de Dios". En algún sentido lúdico, Meirelles es la quintaesencia del realizador cosmopolita, que no pierde talento para narrar, sujeto a los patrones del cine independiente.  

"Ciudad de Dios" : la violencia del mundo marginal, en un magnífico relato coral .

 
"Ciudad de Dios" no es sólo una crónica sangrienta y violenta del submundo de la marginalidad paolista. También es un retrato vívido de las carencias afectivas y de las disoluciones familiares producto del tráfico de drogas. Hay en toda la película un fuerte y agridulce sabor documentalista, además de una magnífica moralidad encubierta en los patrones del melodrama. Su siguiente obra modélica "El jardinero fiel" continúa la tendencia de la denuncia abismante, esta vez respecto a las corporaciones de las grandes empresas farmaceúticas que atrapan a los países subdesarrollados para utilizarlos como "conejillas de india" en las experimentaciones más absurdas. También es una historia de amor en el tribalismo africano y una elocuente cinta de suspenso, que se vigoriza con sus personajes enfrentados a la codicia, la maldad y la impudicia. El relato contó con las magníficas actuaciones de : Ralph Fiennes, Rachel Weisz, Danny Huston y Donald Sumpter.

"El Jardinero Fiel" : la denuncia cosmopolita.

"El Jardinero Fiel" ( Foto 2 ) : el amor también tiene cabida dentro de la denuncia.

Más tarde, abordó el cine de anticipación con "Blindness" ( que en algunos países se exhibió con el título de "Ceguera" ), un claustrofóbico thriller de ciencia ficción sobre una epidemia extendida por la faz de la tierra y donde sus habitantes simplemente pierden la vista. Siguiendo los parámetros de los grandes Hitchcok y Hawks, Meirelles encerró a un puñado de buenos intérpretes para analizar el comportamiento humano en grado trágico, donde sólo se lucha por sobrevivir. El filme está basado en una conocida novela de José Saramago y contó con un elenco de notables figuras como : Julianne Moore, Mark Ruffalo, Gael García Bernal, Danny Glover, entre otros. Virtualmente el director brasileño pasa de un género a otro con gran acierto y nunca desmejora un guión. Aplicando las técnicas más directas del cine denuncia, logra atrapar al espectador y removerlo respecto a cuestiones contingentes que azotan a la humanidad.

Filmes Fundamentales : "Domésticas" ( 2001 ), "Ciudad de Dios" ( 2002 ), "El Jardinero Fiel" ( "The Constant Gardener", 2005 ) , "Blidness" ( 2008 ) y  "Som e Furia, o Filme" ( 2009 ).

Ultima obra exhibida : "360 " ( 2011 ), un drama romántico con Rachel Weisz, Jude Law, Anthony Hopkins y Ben Foster.

"Blindness" . la adaptación fílmica de la novela de José Saramago.

Un comentario : "Rodamos la película muy libremente. Casi siempre filmábamos las escenas de principio a fin, no las interrumpíamos. Usualmente, el director deja a punto la cámara y las luces, y ubica  a los actores en un ángulo específico. Yo, en cambio, intento ir al revés : les pido a los actores que se olviden de las cámaras.Tratamos de configurar la escena como un documental. Lo que pasa es que a veces no estas en el ángulo perfecto, y entonces necesitas un corte. Pierdes un poco el control, pero logras productos buenos y naturales..." ( Fernando Meirelles ).


Victor Gaviria : El Cine de la marginalidad hecha poesía.

Gaviria efectúa un cine realista donde muestra los flagelos de la marginalidad y la drogadicción.

Abordar algunas de las películas del escritor, poeta y cineasta colombiano Victor Gaviria ( nacido en 1955 ), es someterse a analizar los flagelos que deja la droga en aquel país, a unos cuantos años de la guerra que se dió en el interior de la selva amazónica. Su mirada furtiva es atenta y detallista.
"La vendedora de rosas" , fue el título emblemático que lo puso en las vitrinas del cine internacional. Valiente y realista, la cinta le sigue los pasos a una niña, Mónica, de nueve años de edad, quien junto a otros niños de la calle deambulan de aquí para allá en la ciudad de Medellín. De abierto sentido documentalista, esta elocuente película habla con afecto y sensibilidad de la marginalidad infantil. Ya no sólo flagelo de los carteles de la droga, sino escarnio de los países que se pudren en la corrupción y la inseguridad ciudadana. La cinta no recurre al melodrama básico, sino al verismo espontáneo que matiza las desventuras de Mónica entre sus pares. La prostitución, los vicios y los turbios manejos en el submundo delictual, están contados como si la cámara fuera invisible, sin artificios narrativos, ni desbordes subjetivos. Todo a escala real. Para ello, Gaviria se hizo apoyar de actores no profesionales, sobretodo, niños marginales, abandonados o asilados en internados religiosos. De ellos aprendió los diálogos, las acciones encubiertas de la delincuencia y de la marginalidad. Acomodó el cuento tradicional  de "Las vendedoras de cerillas" de Hans Christian Andersen y  transmutó la historia original a la realidad costumbrista que es la sabia redentora de todo el relato.Gaviria ha dirigido cuatro largometrajes después de dedicarse a los cortos. Debutó con el thriller musical "Rodrigo D No Futuro" en 1990, acerca de un muchacho y sus amigos adolescentes siempre en sentido realista. Más adelante hizo " La Vendedora de Rosas" por la que fue conocido fuera de su país. Lo último que se le conoce es "Sumas y Restas" , sobre un ingeniero envuelto en el tráfico de drogas. Otra vez, Gaviria insistiendo en los temas que le conmueven.

La marginalidad infantil en Medellín.

Películas Fundamentales : "La vendedora de rosas" ( 1998 ) y "Sumas y Restas" ( 2004 ).

Otra vez la drogadicción es tema central en el cine de Gaviria.

Un comentario : " Recuerdo la atmósfera del rodaje , en las noches especialmente, cuando los reflectores iluminaban la calle de una luz blanda que hacía blancas las aceras y les confería el prestigio y la novedad de las vitrinas. Los niños de la calle, es decir los actores y sus amigos, se entusiasmaban al ver sus esquinas de siempre iluminadas por una luz de espectáculo que parecía la del día. Transitoriamente , a pesar de las tensiones, en los sets o lugares de filmación de la carretera setenta, en donde los niños y jóvenes pasan naturalmente sus noches, se creaba una armonía de fábula que uno se admiraba de que existiera, como si se tratara de una performance, frágil y fugitivo".           (  Victor Gaviria a propósito del rodaje de "La Vendedora de Rosas" ).

"Machuca" . Matías Quer durante un "close up" de la producción.