LA PELÍCULA DE HOY /" VOLVER A EMPEZAR" :

 El sueño anhelado : la casa propia.

La directora británica Phyllida Lloyd de "Volver a Empezar" /"Herself" ( 2020 ), efectúa un drama irlandés que resulta entrañable en su emocionalidad contenida y en sus buenas formas narrativas. Sobre esta interesante película, escribimos en esta nueva entrada, que repasa algunas obras importantes del cine irlandés actual.  

Practicando la solidaridad comunitaria.

La película irlandesa "Volver a empezar" puede parecer la más justa reivindicación de la vida de un mujer golpeada por su marido y sus inagotables esfuerzos por sacar adelante a sus hijas, para soñar con tener la casa propia. Pero es más que eso. Detrás de su aparente denuncia sobre la violencia familiar - tema que se considera en muchos países con igual resonancia-, se esconde un canto altruista y positivista a la segunda oportunidad, a la revaloración de los esfuerzos individuales y colectivos por satisfacer la demanda básica de poseer una casa propia. Todo ello, enmarcado en un sutil estudio de personajes absolutamente conmovedores, y en una clara reivindicación al papel de la mujer en la familia y en la constitución del hogar.     

A partir del guion de Michael Campbell y Clare Dunne, la directora Phyllida Lloyd ejecuta con gracia y emoción, la historia de lucha incansable de una joven madre por la tuición de sus hijos, la interdependencia laboral, el alejamiento sustantivo de un cuadro de violencia machista y la comprobación más elocuente del trabajo colectivo para lograr un propósito humano y material, digno y respetable. En efecto, Sandra ( Clare Dunne, co-autora del guion ), escapa de un marido abusivo y golpeador, para refugiarse en la construcción de un viejo sueño : la casa propia para ella y sus dos hijas. Mientras se sostiene económicamente limpiando la casa de Peggy ( Harriet Walter), una doctora que está minusválida, se informa que, por sólo 3.500 euros puede autoconstruirse la casa de sus sueños.

Alcanzar esta meta, le significará asumir sus propios miedos personales  y construir la ilusión de erigir su propio techo, con la vieja fórmula tradicional irlandesa del trabajo colectivo. Sumar personas a su proyecto de vida, le llevará a contactarse con un constructor civil y con miembros de la ONG Okupa, quienes valorarán este esfuerzo individual, imponiendo la amistad, solidaridad y correspondencia con el prójimo. Este grupo multirracial, abrirá en Sandra la opción de cambio, que ella está buscando desde hace mucho tiempo. 

La pericia de la realizadora inglesa, está en la elaboración de la sicología de sus personajes. La doctora Peggy, en su invalidez adquirida en un viaje profesional y humanitario a África, repercutirá en el futuro de Sandra, pues ella le donará parte del terreno baldío que tiene en su jardín para erigir la casa soñada. La relación afectiva que se armará entre Sandra, Peggy y las niñas, subrayará el tono positivista que tiene este drama urbano. 

Gary ( Ian Lloyd Anderson), el marido de Sandra, es el típico agresor oculto, mentalmente perturbado, celoso, individualista, agresivo, neurótico, que destruye la armonía y el equilibrio emocional de su propia familia, porque nunca se ha tratado clínicamente. En sus idas y venidas para compartir la vida con sus hijas, demostrará ser más impulsivo y destructivo que otra cosa. Especie de sádico inconsciente y prepotente, impondrá a Sandra el enfrentamiento por las hijas en los tribunales de justicia.    

Las hijas son el motor de arranque del conflicto central del drama. El filme nos acerca a la belleza de compartir la cotidianeidad de Sandra, mientras habita en un piso de hotel junto a Emma ( Rubí Rosa O"Hara ) y Molly ( Molly McCann ), pero también en las frustradas incursiones de fin de semana en casa del padre. Hay en este cuadro de intriga y tensión, la mirada humana de quien conoce sobre la separación de una pareja, y de quienes realmente son las víctimas más frágiles del problema coyuntural.

La actitud voluntariosa de Sandra terminará por contagiar a sus propias hijas, a sus amiga doctora, y a todos quienes le secundarán en la auto-construcción de la casa propia. Esta parte de la película esta muy bien resuelta, con ese toque naturalista tan propio del free cinema de los años sesenta. Además, la mirada de su directora, enaltece a los personajes que giran alrededor de la figura de su protagonista.   

"Volver a empezar" es una película que nos estaba faltando para estos momentos de pandemia. Detrás de los grandes conflictos puede surgir la esperanza renovadora que aplacará todos los miedos y las frustraciones del pasado. No sólo porque dimensiona adecuadamente el problema de ser madre golpeada, vulnerable frente al marido agresor, sino porque eleva la figura de la mujer luchadora, sin caer en los artificios y clichés tan propios de las teleseries. Sandra es una chica fuerte, atenta al cuidado de sus hijas, amiga de sus amigas, y consciente de que sólo existe una salida para su futuro. Se trata de un buen drama agridulce, candoroso, conmovedor, afectivo, que refleja muy bien, lo frágil que son  las relaciones de pareja y lo complejo que resulta vivir, el estigma de la violencia familiar. Es también una película estimable porque nunca baja su guardia respecto a lo angustioso que es para los hijos vivir en un infierno.    

"Volver a empezar" /"Herself" ( 2020 ), te golpea y sobrecoge, pero también te abre la esperanza por una vida mejor y en momentos realmente difíciles. En su perfecto ritmo narrativo, en sus sólidas actuaciones, y en su notable manera de integrarte a la historia como espectador, te deja un sabor muy dulce en el paladar. Eleva tu espíritu, sin salpicar el realismo de un tema de tan candente actualidad. Muy interesante.  

Acerca de la actriz.

Clare Dunne. Después de graduarse en el Royal Welsh College of Music and Drama  en Cardiff en el 2009, fue elegida inmediatamente para interpretar a la protagonista Peegen Mike en la aclamada producción de la Druid Theatre Company , "The Playboy of the Western World" dirigida por Garry Hines y tuvo mucho éxito en el tour por Gran Bretaña. Participó en varias obras en el teatro irlandés : fue Alison Porter en "Mirando hacia atrás con ira", fue la protagonista central en "Major Barbara" para Abbey Theatre y Mary Boyle en "Juno and the Paycock" del National Theatre London, entre otras. En cine, debutó en el 2015, en la comedia policial "Monged" para interpretar después a Victoria en "Spiderman : Lejos de casa" ( 2019) y Sandra en el drama "Volver a Empezar", considerada "una actuación increíblemente realista, de inmensa autenticidad, coraje y determinación".   

Una marca de nacimiento : un gran lunar en su ojo derecho, caracteriza a Sandra en "Volver a empezar", el papel que la ha revelado internacionalmente. Además, la película fue co- escrita por ella, asumiendo algunas experiencias personales y situaciones que ha conocido en primera persona. 

 

Acerca de la directora.

Phyllida Lloyd ( nacida en Bristol en 1957 ). Directora y productora del cine británico más conocida por sus películas "Mamma Mía" ( 2008 ) y "The Iron Lady" ( 2011 ). Su amplia experiencia dirigiendo ópera, teatro y televisión, le ha permitido abordar con corrección y sutil emocionalidad, la temática de sus obras más personales en el cine actual. "Medea", "La Boheme", "Peter Grimes", "Macbeth", entre otras, aseguraron su impronta para dirigir para la televisión "Gloriana" ( 2000 ), una ópera que es un drama histórico por el que fue nominada en Biarritz. Su primera película revive los grandes hits del grupo sueco ABBA , para contar una historia romántica musical en "Mamma Mia" ( 2008 ), con Meryl Streep, Pierce Brosnan y Amanda Seyfried. Después se atreve a contar la envejecida vida de una anciana ministro británica Margareth Thatcher, en "La dama de hierro" ( 2011 ), otro papel ideal para Meryl Streep, que ganó su premio como Mejor Actriz. Más tarde, efectúa "Volver a empezar" ( 2020 ), sin duda, su mejor película hasta la fecha.

Dirigiendo a la niña actriz Rubí Rose O"Hara en "Volver a empezar".

La Universidad de Bristol le concedió un grado honorario en el 2006. También fue nombrada comandante de la Orden del Imperio británico en el 2010. Por su parte, en el 2008, el periódico "The Independent" la nombró entre las mujeres lésbicas más influyentes de Inglaterra. Además, logró otro grado de honor en el 2009, en la Universidad de Birmingham.  

Desde Irlanda para el mundo.

"Cordero de Dios" /"Lamb" ( 1985 ) de Colin Gregg. La historia comienza como una crónica estudiantil, ambientada en un estricto colegio católico irlandés y concluye de manera patética, en las playas de Dublín, en un acto de expurgación no siempre muy positivista. El drama es acerca de un joven sacerdote ( Liam Neeson ),  quien congenia estrechamente con un niño de diez años ( Hugh O"Connor ), que sufre de epilepsia y tiene un pasado marcado por el infortunio, que logra convertir su viejo sueño de ser padre, escapando y renegando de la fe, el orden eclesiástico que lo cobija y su labor como docente. Ambos serán víctimas de un sistema excesivamente degradante, porque, ni el cura, ni el niño, lograrán ser comprendidos en la real dimensión de sus respectivas necesidades y ambientes. En el caso del cura, los deseos paternalistas y su fuerte inclinación por la vida cotidiana, harán alterar sus votos y pondrán en el abismo, el ejercicio de su vocación. Gran papel para Liam Neeson que estaba comenzando a brillar en el cine. Un relato irregular que tiene un interés potencial en el nivel de las interpretaciones, donde parece brillar sin prisas y sin tiempo.   

"Mi pie izquierdo" /"My left foot" ( 1989 ) de Jim Sheridan. Esta fue la película revelación del gran actor Daniel Day Lewis. El intérprete encarna a Christy Brown, nacido con parálisis cerebral, que aprende a pintar y a escribir con su única extremidad controlable : su pie izquierdo. Es la típica historia dramática que conquista galardones por su gran fuerza emocional, pero que, aquí además, esta contada desde la realidad de una numerosa familia irlandesa de escasos recursos. Inolvidable la relación empática entre Daniel Day Lewis y Brenda Fricker, que hace el extraordinario rol de su abnegada y comprensible madre. 

"El prado"/ "The field" ( 1990 ) de Jim Sheridan. Adaptación de la novela de John B.Keane que gira alrededor de la impotente figura del actor Richard Harris. El prado es en realidad una verde parcela, cultivada en medio de las colinas y la tundra, de la región irlandesa del oeste de Connemara, en 1939. La familia de "Bull" McCabe ( Harris ), aparece como arrendataria de una joven viuda, enriqueciendo la tierra con algas marinas transportadas con gran esfuerzo. El agricultor es un hombre creyente con un gran sentido de culpa, apoyado por un sumiso hijo. Durante la pasada depresión, el otro hijo de trece años, se suicidó al haber escuchado la conversación de sus padres, que el prado no daría lo suficiente para alimentar a ambos vástagos. La llegada de un joven norteamericano ( Tom Berenger ) en búsqueda de sus raíces, lo forzará a luchar por la propiedad de sus tierras y a mostrar el leit motiv de todo el conflicto, que es el choque entre la modernidad y el tradicionalismo. Es un relato muy irish, tremendamente efectivo y clásico, que nos habla sobre el intento humano por controlar el medio ambiente de una forma sensible, trágica y poética.    

"El juego de las lágrimas" /"The crying game" ( 1992 ) de Neil Jordan. Cuando la temática hemafrodita y homosexual estaba recién poniendo el dedo en la llaga en el cuestionamiento social de la población, surgió esta original película acerca de la relación que se establece entre Jody, un soldado británico secuestrado por el IRA ( Forest Whitaker ), y uno de sus captores, Fergus ( Stephen Rea). Cuando la toma de rehenes se complica, Fergus escapa y se dirige a Londres para buscar a la amante de Jody, una extraña peluquera llamada Dill ( Jaye Davidson). A no mediar la excelente banda sonora, la sorprendente atmósfera en que se desarrolla la acción y las estupendas actuaciones. Considera un desenlace sorprendente. 

"The Playboys" ( 1992 ) de Gillies MacKinnon. Ambientada en un pueblito del sur de Irlanda, en los años cincuenta, hasta donde llega un día el teatro ambulante de Freddy ( el veterano actor Milo O "Shea ), especie de "Sr, Corales" pero de la actuación dramática. Entre todos lo artistas, están : Tom ( Aidan Quinn ), que queda prendado de Tara ( Robin Wright ), a quien enamora pese a que es madre soltera de un hijo, concebido por una fugaz relación con el sargento Brenda Hagherty ( Albert Finney ), representante de la ley en el lugar. El choque en el  triángulo central que se desencadenará, será el motivo central de esta película hecha con altura de miras, pues contiene excelentes actuaciones, una atmósfera provinciana ideal, y un sentido de lo mágico y romántico bien estructurado, dentro de una historia que no busca sorprender fácilmente pero que se deja ver con gran entusiasmo. Además, muestra las dos Irlanda ( Norte y Sur ), los calculados ataques del IRA, los límites territoriales vigilados por policías compatibles, y una serie de anécdotas, que ayudan a dimensionar los espacios públicos de aquella época. Además, interviene un simpático bebé, que condiciona la ternura, el suspenso o el aire familiar que tiene esta interesante película. 

"En el nombre del padre"/"In the name of the father" ( 1993 ) de Jim Sheridan. Un magnífico biopic sobre un joven irlandés ( Daniel Day-Lewis ), que es inculpado falsamente de un acto terrorista, y que originó el encarcelamiento de su padre ( Peter Postlethwaite). Basada en el libro autobiográfico de Gerry Conlon, muestra la lucha enconada que el autor tuvo por la justicia para limpiar el nombre de su padre y subrayar : "Pasé 15 años en prisión por algo que no hice. Vi a mi padre morir en una prisión británica por algo que no hizo, y este gobierno todavía dice que es culpable". El drama judicial se afianza en las brillantes actuaciones, a la que hay que agregar a la extraordinaria participación de Emma Thompson. Da cátedra sobre los derechos humanos, la justicia en tiempos de crisis y la inocencia de dos seres de oscuro destino. 

"Círculo de amigos" /"Circle of friends" ( 1994 ) de Pat O"Connor. En el otoño de 1957, Benny ( Minnie Driver ) e Eve ( Geraldine O"Rawe ), amigas desde la infancia se mudan de su pueblo al interior de Irlanda, para asistir al college en Dublín. Allí se encuentran con Nan ( Saffron Burrows ), una atractiva chica del bachillerato que ha aprendido a desenvolverse perfectamente bien con el ambiente preuniversitario, quien les presenta a Jack ( Chris O"Donnell ), la estrella del equipo de rugby. A primera vista, Jack pareciera estar enamorado de Nan, no obstante una chispa se enciende en él, y con Benny vivirán un apasionado romance que pondrá en evidencia, los miedos, las creencias religiosas y morales, el sentido de la lealtad y la amistad en el círculo de amigos.  El director Pat O"Connor ( "Barras y estrellas" ), efectúa un buen relato romántico alcanzando resultados muy estimables, sobre todo en la cuidadosa puesta de escena y recreación de época, que incluye la exhibición de "Nido de ratas" con Marlon Brando, en un segmento de la película. Encantadora. 

"La guerra de los botones" /"War of the buttons" ( 1994 ) de John Roberts. Una grata y lograda remake al gran clásico del cine francés infantil de los años sesenta. La acción se traslada hasta dos aldeas irlandesas que están divididas  por viejas reyertas entre sus padres y con los hijos de Ballydowse y Carrickdowse  enfrentándose en divertidas batallas, donde el premio máximo como trofeo de guerra, son los botones que se les roba a los perdedores de las distintas reyertas. Lo mejor de esta película es la presentación de los ambientes costumbristas, que capturan el sensible panorama rural, sus diferencias y su pintoresca cultura. Los niños hablan en gaélico irlandés y hay gags surtidos para reír a carcajada limpia.  

La camaradería infantil, la amistad, los celos, las contradicciones de la adolescencia, la carga emocional de ser de un lado u otro, la transmisión de valores o antivalores de padres a hijos, la sutileza de salvaguardar el territorio, adquieren en esta película una importancia radical y formidable. Además, nunca se traiciona el espíritu original del guion adaptado de la historia del francés Louis Pergaud, que ya se hizo cine dirigido por Yves Robert, en 1962. Además, existe una reciente versión también francesa del 2011, realizada por Yann Samuell. 

"El secreto de roan inish" /"The secret of roan inish" ( 1994 ) de John Sayles. Gran película fantástica, que recupera una vieja leyenda irlandesa para el público occidental. La niña Fiona ( Jeni Courtney), habita con sus abuelos en Donegal, Irlanda, un pequeño pueblo de pescadores donde integra un papel activo para desentrañar un misterioso secreto relativo a su propia familia. Uno de sus ancestros se casó con un selkie, especie de ser acuático capaz de transformarse en un ser humano cuando está en tierra. Años antes, su hermanito se hizo a la mar y se cree que está siendo criado por las focas. Un día, Fiona divisa al pequeño y se pone manos a la obra para descubrir que hay detrás de este extraño misterio. Más de 1.000 niñas fueron probadas para el papel central, el que requería que la actriz fuera : "delgada, de bajo peso, de tez pálida, pero alegre y sin miedo al agua". La joven actriz Jeni Courtney, calza como anillo al dedo para el rol protagónico de esta inolvidable película que entremezcla muy adecuadamente, el misterio de lo legendario con lo sublime de un relato maravilloso. Pequeña obra maestra del cine  fantástico.  En una función familiar, resultará un título imprescindible.   

"The boy from mercury" ( 1996 ) de Martin Duffy. En Dublín en la década de los sesenta, Harry Cronin ( James Hickey ), un niño de ocho años, ha encontrado la explicación a sus problemas existenciales : él , es un extraterrestre proveniente del planeta Mercurio. Su padre está muerto, su hermano adolescente parece ignorarlo, y su anciana madre, parece muy lejana y distante a las preocupaciones que afectan a su retoño. Amigo de un chico de sólida situación económica, es tanta su ansiedad identitaria que cree soñar que algún día acabará viviendo con la familia de su compañero. Relato inconformista sobre la voluntad de crecer, que el director Martin Duffy acondiciona, para contarnos los temores y complejos del pequeño Harry. Resulta un gran aporte la participación del veterano actor Tom Courtenay ( "El vestidor"), que interpreta al tío del niño, que intentará poner atajo a los desvaríos del muchacho, que podrían terminar por llevarlo a un mal camino. Es cine para niños, ideal como reflexión seria y contenida del universo infantil, azotado por el mundo adulto, agrio y estéril.   

"La camioneta" / "The van" ( 1996 ) de Stephen Frears. Bimbo ( Donald O "Kelly ), un cocinero desempleado, decide instalar junto a su mejor amigo, Larry ( Colm Meaney ), un negocio de comida rápida en una vieja camioneta refaccionada. Al principio, todo marcha sobre hojuelas, pero cuando el negocio comienza a prosperar, las cosas gradualmente empeoran entre los amigos. Especie de reflexión social sobre el ascenso laboral, es además, una mirada afectiva sobre los habitantes de un pequeño villorio, basada en la " Trilogía de Barrytown" del autor irlandés Roddy Doyle y que se completa con las películas "The Commitments" y "The Snapper". Temas como : la falta de autoestima, el fanatismo por el fútbol en el momento en que Irlanda disputa el campeonato mundial, la confianza en la amistad versus el sabor del dinero, el resentimiento oculto y las debilidades humanas en los tiempos actuales, subrayan los instantes más destacados de esta entretenida comedia de costumbres y lealtades solidarias.  

"El sol, la luna y las estrellas" /"The sun, the moon and the stars" ( 1996 ) de Geraldine Creed.  La historia de una secretaria administrativa que sale de vacaciones de Dublín con sus dos hijas, concentra el eje argumental de esta agradable película. Las travesuras que vivirán las niñas, se transformarán en parte fundamental de toda la narración. La casa de veraneo ocupada por un físico culturista, será el centro de las distintas viñetas y la actriz Angie Dickinson, en un papel atípico, será quien enseñará a bucear a la madre de las mocosas, y a su vez, a refrenar sus angustias y dar un vuelco a su existencia, que incluirá un affaire con un joven jugador de pool. Película amable y simpática, es también una mirada naturalista sobre una mujer reprimida por la abulia y la falta de expectativas. Está  para disfrutarla en familia.       

"El informante" /"The Informant" ( 1997 ) de Jim McBride. Ambientada en Belfast en los años ochenta, cuenta la historia de  "Gingy" McAnally ( Anthony Brophy ), joven padre de familia y miembro del grupo terrorista IRA, que atrapado por la policía que dirige el duro e intransigente Rennie ( un obeso Timothy Dalton ), y asesorado por interés por un militar inglés, David Ferris ( Cary Elwes ), se ve obligado a delatar a toda la banda que asesinó a un líder político. Más allá de la ideología, lo que convierte a esta obra en algo inusual, es su visión de una Irlanda dividida por sus credos políticos y religiosos, y por la sutil dirección de Jim McBride ( "Bolas de Fuego" ), que es capaz de elaborar, un contundente  estudio acerca de la situación ética en que se ve envuelto el informante. En realidad, muestra las complejas ramificaciones de una problemática social, política, económica y religiosa. Está inspirada en la clásica "El delator" de John Ford, aunque Mc Bride ahonda más en el conflicto personal del hombre dividido entre dos mundos opuestos. 

"Golpe a la vida" / "The boxer" ( 1997 ) de Jim Sheridan. Una gran película nunca tan bien ponderada. Es ante todo una historia de amor, del reencuentro del amor, y nos habla de esta perspectiva utilizando como telón de fondo, los violentos acontecimientos de terrorismo y segregación entre católicos y protestantes en Irlanda. Danny Flynn ( Daniel Day Lewis ), 32 años de edad, ha pasado 14 años en prisión, inculpado de un atentado terrorista en que no participó solo. Asumiendo sus culpas se reencuentra con Maggie ( Emily Watson ), su ex amor, con quien tuvo un hijo Liam ( Ciaran Fitzgerald ), que no desea al padre porque cree que él tratará de alejarlo de su madre. Volver al vecindario, le permitirá resurgir como un mítico boxeador, secundado por su viejo entrenador Ike Weir, y estará protegido por el padre de la muchacha, que no es de su bando, pero que aprovechará de utilizar su regreso, para reabrir un gimnasio para católicos y protestantes. Sheridan logra un ritmo narrativo intenso, de contenida emoción, dejando algunos buenos momentos para el lucimiento de los personajes secundarios. Contribuyen a sus buenos resultados la expresiva fotografía de Chris Menges y el montaje funcional de Gerry Hambling. Grandes actuaciones para una película valiosa y contundente.   

"Divino Ned" /" Waking Ned" ( 1998 ) de Kirk Jones. Ned, un anciano pescador irlandés, muere de la impresión cuando se entera por televisión que ha ganado la Lotería. El pueblito donde vivió Ned, encabezado por dos patriarcas de directa complicidad ( Ian Bannen y David Kelley ), deciden ocultar a la Lotería la auténtica identidad de Ned, y uno de los vejetes se hace pasar por el difunto para obtener y repartirse los millones del premio mayor. Notable comedia irlandesa, ingeniosa, divertida, humana, llena de grandes pequeños momentos, con un humor negrísimo, que nos habla del silencio de todo un pueblo que desea compartir el premio de su recién desaparecido habitante, y de esta forma, exponer la ansiedad morbosa que existe por el papel moneda pasando a llevar cualquier lección de moral o buenas costumbres. Un gag clásico es del vejete desnudo en motocicleta, intentando ocultar la verdad al ejecutivo que envía la Lotería. Hay risas a granel y de inteligente sarcasmo, con un reparto de lujo que completan : Fionnulla Flanagan, James Nesbitt, y Susan Lynch. 

"Las cenizas de Angela" / "Angela"s Ashes" ( 1999 ) de Alan Parker. Biopic del expatriado irlandés Frank McCourt , que sigue la huella del joven Francis y su familia, mientras intenta escapar de la pobreza endémica de los barrios marginales de Limerick, antes de la guerra. Es un drama costumbrista y familiar,  que habla sobre el reencuentro con las raíces, la desolación de la pobreza, el amor de los padres y el triste destino de los prejuicios y vicios familiares. No es perfecta, pero logra equiparar el drama con la esperanza, y en la sutileza del director, se matiza bien el trabajo interpretativo de Emily Watson, como la madre abnegada y cariñosa, Robert Carlyle, el padre trans-fugaz, y sobre todo, del niño Joe Breen, como el hijo testigo de los desoladores acontecimientos que se narran.

"Billy Elliot" ( 2000 ) de Stephen Daldry. Un clásico del cine contemporáneo que nos habla de la tolerancia y la aceptación de lo diferente, a partir de las experiencias del joven Billy que reniega del boxeo porque ama el ballet. Tildado de mariquita por sus compañeros de curso, y negado por un padre machista e impulsivo, se hará amigo de un transgénero, y logrará entrenar para terminar siendo adulto una celebridad en su oficio. Gran revelación del actor Jamie Bell, que cuando tenía sólo doce años, se manda unos numeritos y pasos de baile que son ejemplares. La obra original del escritor Lee Hall, se ha adaptado en reiteradas oportunidades y con gran éxito al teatro, en varios países del mundo. Notables roles para Julie Walters como su profesora de ballet y Gary Lewis como el ofuscado padre de familia.

"Tierra de sueños"/"In America" ( 2002 ) de Jim Sheridan. Sensible, emocionante y afectiva visión de la inmigración, desde la aventura que vive una familia irlandesa en las tierras del Tío Sam. Especie de catarsis familiar sobre la búsqueda de una segunda oportunidad, luego de que esta familia perdiera trágicamente a su hijo menor, es también un hermoso reflejo realista sobre la lucha familiar de Johnny ( Paddy Considine) y Sarah ( Samantha Morton ), con las pequeñas, Christy ( Sarah Bolger ) y Ariel ( Emma Bolger ) en las malas calles de "Hell"s Kitchen" en Nueva York. Brillante actuación del cuarteto protagónico, para un buen relato humanista, que tiene mucho de autobiográfico, y que está resuelto con inteligencia y veracidad.  Resulta una película inolvidable.  

"Once" ( 2007 ) de John Carney. La película musical irlandesa de serie B, que conquistó el Oscar a mejor música, y que fue indiscutiblemente, un notable relato urbano de amor, sobre una pareja que viene de rupturas simultáneas y que se reencuentra en medio de la creatividad y la congoja. Al estilo de la nouvelle vague francesa, Carney opta por filmar a sus actores, con cámaras ligeras por las calles dublinenses y en auténticas locaciones. Matiza este pequeño relato de amor, con pinceladas nostálgicas que se la dan sus dos protagonistas, con relaciones sentimentales a cuestas, nunca resueltas. Glen Hansard y Marketa Irglova son actualmente dos cantantes y músicos indies, de excepcionales características creativas. Ambos aportan su sentido musical a un filme, que crece con los años y con el tiempo. Es una pequeña joya del cine actual.   

"El secreto de Kells" / "The secret of Kells" ( 2009 ) de Tom Moore y Nora Twomey. La revelación animada del cine irlandés. Una pequeña joya sobre un joven aprendiz  que, en un puesto de avanzada medieval es llamado a la aventura cuando un célebre maestro iluminador le consagra un libro lleno de secretos y poderes mágicos. El equipo habría de consagrarse con "La canción del mar" y "WolfWalkers", comentadas en las entradas anteriores del blog.

"Calvary" ( 2014 ) de John Michael McDonagh. En un pequeño pueblo irlandés, el padre James ( Brendan Gleeson ) es un sacerdote bondadoso  amenazado a muerte durante la confesión y que deberá luchar contra las fuerzas oscuras de su comunidad. El via crucis del párroco será preocupante, porque deberá enfrentarse a los desafíos espirituales de su hija distanciada, como la de sus propios feligreses. Al inmenso papel que efectúa Gleeson, sin duda que, la película logra dimensionar los efectos de una amenaza que cuestionan la fe, la doctrina y la intolerancia de un pueblo que va perdiendo el rumbo. Aunque el filme es más profundo que eso. La bondad no es una entelequia ni una abstracción, ni tan siquiera, un valor potencial enseñado desde la infancia. El filme entonces se abre una infinidad de temas desde el abuso infantil, la familia y el pecado, hasta el desarraigo, el suicidio y la capacidad de perdonar. Como dijo por ahí un crítico, "el bucólico paraje irlandés encierra toda la vorágine, crueldad, revancha, ferocidad y truculencia del ser humano". Sin duda que, además, es el mejor papel en la carrera de Gleeson, que sólo en una escena aparece con su hijo en la vida real, Domhnall.

"Brooklyn : un amor sin fronteras" /"Brooklyn" ( 2015 ) de John Crowley. En la década de los años cincuenta, la joven irlandesa Ellis Lacey ( Saoirse Ronan ), decide viajar hasta Nueva York, donde conoce a un chico italiano del cual se enamora. Un día recibe una lamentable noticia que la obligará a decidir entre quedarse en el nuevo país o reestablecerse en su tierra natal. Es la historia de una mujer entre dos mundos, dos culturas y dos opciones vitales. Emocionalmente volcánica, es una película donde brilla con luces propias, esa gran actriz joven que es, Saoirse Ronan, que aquí ilumina cada fotograma como si proyectara su personaje a un estadio superior. Gran recreación de época, que en su momento, postuló a tres Oscar. 

Fotos-Gentileza : BBC Films- British Films Institute ( BFI )- Screen Ireland- Irish Films Industry- Amazon Studios- British Screen Productions- Chanell Four Films- Warner Bros Pictures- Tomboy Films- Canal + - Columbia Pictures- Jones Entertaiment Group- Universal Pictures- WT2 Productions- United International Pictures- 20 th. Century Fox- Fox Searchlight Pictires- Summit Entertaiment- Parallel Film Productions- Archivo.-   

Afiche en español de la película de Phyllida Lloyd.

Poster en inglés de la película "Volver a empezar". 

LA PELÍCULA DE HOY : "LA JAURÍA HUMANA" :

 ¡ Cuidado con las multitudes !

Edward Fox, Jane Fonda y Robert Redford están refugiados de la muchedumbre que desea lincharlos en "La jauría humana" ( 1966 ) dirigida por Arthur Penn, uno de los mejores dramas de la historia del cine. Analizamos este retrato de la perversión de la sociedad moderna, con toda su carga emocional, la perfecta construcción de personajes, el magnífico significado sobre la inocencia perdida de todo un pueblo en un marasmo de contrariedades y su impactante desenlace, en esta nueva entrada del blog. 

Una justicia que nunca se manifiesta. 

Nunca una película norteamericana fue tan directa en su recreación sobre lo que es el fascismo social. Tampoco nunca una película emanada de la industria, fue tan apremiante como ésta, que simula muy bien su metáfora sobre Lee Harvey Oswald que asesinó a Kennedy en un momento álgido de la historia político y social de Estados Unidos. Estrenada en 1966 y dirigida por el excelente Arthur Penn, es una perfecta disección de las perturbadoras motivaciones que llevaron a una conservadora comunidad de Texas, a juzgar erróneamente, la fuga de un joven  presidiario, habitante menospreciado del condado.  

El filme parte con este escape y regreso al pueblo dominado por el extremismo más absurdo, del fugitivo Bubber Reeves ( Robert Redford), que origina una rabiosa persecución, que ni la legalidad del comisario Calder ( Marlon Brando), ni las súplicas desesperadas de su madre arrepentida ( Miriam Hopkins), logran contener. Este eje dramático central se recorta sobre "un trasfondo de historias entrecruzadas : la de los padres de Bubber, empobrecidos y marginales por una sociedad enceguecida por el dinero; la de la hermana de Bubber, Ana ( Jane Fonda ) amante de Jake Rogers ( Edward Fox), el hijo del magnate; la del rico terrateniente Val Rogers ( E. G. Marshall ), cuyas empresas dominan en el pueblo; la del empleado Edwin Stewart ( Robert Duvall ), impotente, culposo y humillado por la falta de éxito; la de su mujer Emily (  Janice Rule ), que lo engaña en público, con Damon Fuller ( Richard Bradford), cuya pareja ( Martha Hyer ), es un patético retrato de la subordinación; y por cierto, la de Calder y su esposa ( Angie Dickinson), cuyo esfuerzo de civilización parece inútil en el ambiente desquiciado que los rodea".  

En el brevísimo lapso de dos noches, todo este universo estallará en mil pedazos. Sin embargo, Penn concentra todo este proceso en unas horas, y logra retratar la ansiedad de una sociedad que ingresa al caos, por la vía de la violencia más radical, sin frenos, ni atajos. Para producir esta sensación de frenesí , de un automóvil a 120 kms, sin frenos y al borde del despeñadero, Penn justifica la acción mediante la realización de tres fiestas paralelas : la celebración del cumpleaños de Val, el millonario que nunca se abstiene de dirigir a su hijo como si fuera un banco; la que ofrece en su casa Emily para los empleados de clase media, insubordinados y caóticos con unos tragos demás y mujeres sexys para elegir en el desorden de un improvisado baile; y la que efectúan los jóvenes de ambos grupos, que demuestran la locura que produce bailar go go y rock and roll. Si la primera y última fiesta revelan la decadencia en que están metidos los habitantes más veteranos y acomodados con los más jóvenes; la fiesta de Emily desentrañará toda la furia obsesiva contra el joven fugitivo y revelará cuales son sus verdaderas intenciones.

Penn es sutil para mostrarnos en que estado geográfico se desarrolla la acción y donde impera el racismo y la xenofobia. En un instante de la fuga inicial, una abuela y su nieto de color que descubren a Redford en un camino aledaño correr como loco, insinúan que los problemas de los blancos sólo lo deben atender los blancos. Este fraccionamiento racista, es también el fraccionamiento social que dividirá al pueblo confrontándolo en una explosiva apoteosis de ansiedad colectiva por ejecutar y practicar la aparente justicia. 

Ana ( Jane Fonda), esposa del fugitivo, tiene una relación amorosa con Jack ( Edward Fox), el hijo del magnate, que también es amigo de la infancia del presidiario. Ambos, a expensas del comisario Calder, intentarán ayudar al reo, incluso a costa de vulnerar sus propias vidas y en un momento en que parte del pueblo, desea hacer justicia equívoca por su propia mano. La maestría de Penn está en la sinfonía que arma con este complejo cuadro de personajes, cada uno con sus obsesiones o ansiedades extremas. La frustración es parte de la ansiedad compulsiva del pueblo, aunque jamás dilapida su frenesí en una escalada potencial a la destrucción y al caos.      

En la fiesta de Emily se descubren las verdaderas dimensiones sociales del problema. Cada uno de los empleados que asisten al lugar, crucificarán desde sus propias parcelas, las motivaciones más concretas respecto al caso del joven fugitivo. Esta actitud egocéntrica, despertará el ilógico transitar hacia un estado de insubordinación y violencia, que dejará entrar irrefrenablemente, el fascismo más radical. En esta lógica de frustraciones materiales y morales de los empleados, se confunde con una sexualidad viciosa y desquiciada, que terminará prendiendo la mecha de la insurrección ciudadana.

El juego erótico que vulnera la actitud equilibrada de las acciones, permitirá arrastrar a los furtivos protagonistas hasta las calles del pueblo, donde aumentarán su furia para mostrarse seguidores de una ilógica irracional, donde el comisario Calder sufrirá la golpiza más grande de toda su vida. Penn no amilana el proceder de sus protagonistas. Simplemente matiza el dramatismo de las secuencias más fuertes del relato, para enrostrarnos un discurso maduro sobre el origen de la violencia en espacios cerrados, conservadores, unipersonales, administrados por una sola persona que domina todo el lugar desde su cómoda situación financiera y donde no hay espacio para la negación, la innovación y la democracia. 

Edwin representa la insatisfacción más apremiante. Empleado humillado y absolutamente descentrado en sus propios fines, terminará aumentando la escalada de frustraciones en una espiral de terror que no da tregua. El director Arthur Penn gracias al estupendo guion de la veterana Lillian Hellman ( "La loba", "La calumnia" ), sobre la novela de Horton Foote, efectúa una categórica dramatización del espíritu de la violencia, lo que lleva al caos y a la destrucción injustificada, en momentos complejos de la vida pueblerina. Sin duda que, estamos frente a una de las grandes películas de la historia del cine. 

La figura del Comisario Calder tratando de mantener cierta independencia en un pueblo dominado por el magnate Val Rogers, ingresa olímpicamente dentro de los roles masculinos más intensos en la carrera de Marlon Brando. No sólo porque nunca justifica su propia interdependencia respecto al millonario, sino que también, porque jamás intenta escapar del marasmo ayudado por su mujer. Representa sin duda, la justicia que intenta ser dominada por los ricos y poderosos del pueblo, en virtud de sus propios intereses, y que, en su excusable manoseo, tendrá repercusiones y consecuencias fatales. 

Penn ajusta su capital técnico, a las coordenadas estéticas de los ambientes rurales de un condado chico. El experimentado fotógrafo Joseph La Shelle, subraya los tonos de color con aplicado gusto estético, aumentando la tonalidad de los colores derivados del fuego hacia el final del relato, siempre sobre fondos azules más oscuros y nocturnos. Su paleta cromática regala clases exhaustivas sobre la simbología que dan los distintos tonos a las situaciones descritas.    

De la misma manera, el vestuarista Don Feld dimensiona el estilo de una época, con un gusto plausible, por ejemplo, mostrando los diferentes diseños que utiliza cada una de las clases sociales representadas dentro de la historia. Hay una variedad de elementos que le dan una perspectiva formal al relato y a la interpretación de sus actores y actrices. 

El productor Sam Spiegel, la guionista Lilian Hellman y el director Arthur Penn,  logran una obra maestra absoluta, que también es una denuncia social, un retrato consciente de las complejidades de la sociedad americana, y una metáfora elocuente acerca de un hombre que intenta ser honesto en una jungla llena de caníbales. Es de esas películas que se quedan dando vuelta mucho tiempo en tus recuerdos cinéfilos, porque te tocan varias fibras emocionales y sicológicas a la vez. 

En resumen, "La jauría humana" debe ser un título insustituible en cualquier videoteca que se precie de tal. Una película que, con el correr del tiempo, ha dejado al descubierto su verdadero potencial dramático y temático, y que parece tan fresco y vigente como cuando se estrenó. Sobresaliente.  

Acerca del director.

Arthur Penn ( 1922-2010 ). El cine de este interesante realizador norteamericano se fundamenta casi siempre sobre el tema de la derrota, desde "El zurdo" hasta "Cada amigo, un amor", de "Bonnie & Clyde" a "Duelo de gigantes". Su carrera tuvo claramente dos etapas muy distintas, donde en una, dependió de productores y guionistas, aunque también en otra, demostró una autonomía personal que alimentó una sensibilidad detallista sobre el desarrollo de personajes y una mirada exhaustiva de carácter sico-política, que lo transformó en un crítico auto-reflexivo muy exigente. Su biografía es atingente con la televisión. Hijo de un relojero, comenzó a estudiar literatura pero debió abandonar sus estudios para combatir en la Segunda guerra mundial y descubrió su interés por el teatro, organizando espectáculos para los soldados. En la postguerra, prosiguió sus estudios de literatura, pero también estudió arte dramático y debutó como actor dramático. En 1951, es contratado como regidor para la cadena NBC, al año siguiente debuta como director, y dos años más tarde escribe y realiza programas dramáticos como director. En 1956, debuta como director teatral en Broadway donde trabaja con regularidad, y en 1958 como director de cine con la película "El zurdo", un western intelectual sobre el personaje de Billy The Kid, a partir de la obra televisiva de Gore Vidal.

La primera etapa de Penn, se caracteriza por estar resuelta con un sentido innovador, aplicando sus conocimientos adquiridos en la televisión en directo, e integrando sus mejores dotes para la expresividad cinematográfica. De esta magnífica etapa, son películas como : "Ana de los milagros"; "Bonnie & Clyde", "Pequeño gran hombre", "Duelo de gigantes" y "Cada amigo, un amor". Su segunda etapa, en cambio, le llevó a depender de encargos o películas del montón, que sólo se justifican por el sustento profesional, y donde erráticamente no logró cometidos tan sustanciosos como los de su primera etapa. Ahí se consideran filmes irregulares como : "Target", "Muerte en invierno" y "Penn & Teller Get Killed". Sus mayores obras son : "La jauría humana", "Bonnie & Clyde" y "Cada amigo, un amor".

Arthur Penn también participó en algunos documentales sobre la realización cinematográfica. Este lobby card es de la muy interesante "Visions of Eight", que reúne comentarios sobre sus carreras y películas de ocho grandes realizadores de su tiempo, entre ellos, Milos Forman y Claude Lelouch.

El cine de Penn en 12 películas.

"El zurdo" /"The left handed gun". El debut del director Arthur Penn es este western psicológico que transforma la figura del legendario Billy The Kid, en un outsider más cercano a las ideas de los rebeldes sin causa, que inundaron la pantalla grande de esos tiempos. La obra televisiva de Gore Vidal con guion para el cine de Leslie Stevens, explora por la mentalidad de un joven irascible, interpretado con toda su frescura por Paul Newman. Es una alentadora visión sobre una derrota, temática que Penn haría suya en la mayoría de su mejor filmografía. 

"Ana de los milagros" /"The miracle worket" ( 1962 ). Puede que pese su estilo teatral y televisivo, sin embargo para ser justos, el drama realista está tan bien intensificado y actuado por la niña Patty Duke y la eximia Anne Bancroft, que olvidamos rápidamente sus orígenes teatrales. Además, el director Arthur Penn integra un formato claustrofóbico ideal para dimensionar  la prisión en la que se encuentra esta niña Helen Keller, ciega, sorda y muda, y después va abriendo el espacio, a medida ella va aprendiendo el alfabeto para comunicarse con el mundo exterior. Sin duda, estamos frente a una gran película de personajes que vencen sus respectivas carencias con una fuerza emocional impactante.   

"Mickey-one" ( 1965 ). Un hombre que ha quedado sin identidad, huye de unos perseguidores y de una culpabilidad que representa la del pueblo estadounidense. El filme más personal de Penn que no tuvo la repercusión anhelada, es también una metáfora al maccarthysmo, que tiene más referencias al cine de Orson Welles, y que subyuga por su innovadora manera de contarnos las desventuras que sufre Warren Beatty. Un título que no está demás revalorar en su justa medida.

"Bonnie & Clyde" ( 1967 ). La más original apuesta de Penn en los inicios de su promisoria carrera, es esta fábula policial, una road movie sobre los dos asaltantes de bancos que irrumpieron durante la Depresión, para transformarse en mitos de su época. Warren Beatty y Faye Dunaway efectúan una sorprendente actuación que juega muchísimo con la química de sus metáforas sexuales - la impotencia de él, la fiereza erótica de ella- , y sin trastabillar, Gene Hackman, Estelle Parsons y Michael J. Pollard, se acomodan a esta especie de vía crucis en la carretera de dos amantes que mezclaron el amor con las pistolas y salieron trasquilados. Es también una clase magistral de montaje, con el maravilloso trabajo de la experta Dede Allen, con esa secuencia final donde la pareja muere acribillada y en ralenti.

"El restaurante de Alicia"/ "Alice"s restaurant" ( 1969). Un fallido análisis de la juventud de los años sesenta, que tiene a su favor, el pintorequismo cultural  con que está narrado, pese a ser una adaptación de la clásica historia de la canción de Arlo Guthrie.  Sin duda, el director Arthur Penn se dejó influenciar por la onda hippie de aquellos años, sin considerar mucho, la fuerza emocional  y la intensidad del relato, para retratar de manera más empática su historia.

"Pequeño gran hombre" /"Little Big Man" ( 1970 ). Un gran anti western épico, nunca bien comprendido por la crítica especializada. A partir de la desastrosa campaña del general Custer, el director Arthur Penn recrea la historia de un hombre blanco ( Dustin Hoffman) criado en el mundo indio, y como influirá en su entorno, a partir de sus experiencias con los indígenas. Es una reinterpretación con sesgo paródico sobre la batalla de Little Big Horn, excelentemente interpretado ( resulta todo un hallazgo la figura del actor indio de carácter Chief Dan George ), narrado, editado por la conocida Dede Allen y fotografiado por el experimentado Harry Stradling Jr. Es una de las grandes películas de su director.

"La noche se mueve"/"Night Moves" ( 1975 ). El detective Harry Moseby ( Gene Hackman ), ajedrecista y cornudo, entra en una espiral oscura de intereses ajenos, rastreando la pista de la hija fugitiva de un cliente, para armarse una verdad absoluta que es mucho más intrigante y siniestra de lo que cree. Desde el incesto, pasando por el adulterio, hasta alcanzar el contrabando, el mensaje nos remite a las dudas sartrianas sobre el ser. El director ha querido plasmar, el desconcierto moral de una sociedad sin ideales claramente definidos. Notables actuaciones que completan : Jenniffer Warren, Edward Binns, Kenneth Mars, James Woods y Harris Yulin. 

"Duelo de gigantes" /"The Missouri breaks" ( 1976 ). Otro western revisionista, que confronta las personalidades de Marlon Brando y Jack Nicholson. Aquí los cuatreros son víctimas de un terrateniente en Montana, posterior  a la Guerra Civil. Para acabar con los ladrones de caballos liderados por Tom Logan ( Nicholson ), se contrata a un asesino a sueldo, Lee Clayton ( Brando ), que gusta practicar el transformismo, mientras caza uno a uno a los ladrones. De paso, Logan enamora a la hija del ranchero ( Kathleen Lloyd ). Entre la sorna, la ironía y el sadismo, Penn intenta destruir las bases clásicas del género, para imponer una mirada inconformista de una época demasiado idealizada en los libros de historia. Pese a la falta de linealidad en el relato, es una película atractiva y emocionalmente afectiva, si se le toma por el lado del revisionismo al western, que cultivó el escritor Thomas McGuane, autor del guion de esta interesante película.   

    "Cada amigo, un amor" / "Cuatro amigos"/"Four Friends" ( 1981 ). Una gran película coral, incomprendida en su exhibición en los Estados Unidos y valorada ampliamente en Europa. Con una categórica carga autobiográfica, es una adaptación sobre un relato de la juventud basado en un guion de Steven Tesich. Cuatro niños de clase trabajadora de una pequeña localidad industrial, que se dirigen por caminos separados después del high school en 1961 y que se reencuentran al final de los turbulentos años sesenta, sirven de pretexto para que el director Arthur Penn, efectúe una de sus mejores obras donde recrea los cambios generacionales a partir de los hechos históricos y como éstos influyen en el destino de sus personajes. Todo está contado a través de los ojos de Danilo, interpretado por Craig Wasson, un gran actor dramático que tuvo una carrera fulminante en el cine, y al que puedes volver a ver en "Doble de Cuerpo" de Brian De Palma. Es una de las grandes obras de Penn y una de las mejores películas de la década. 

"Target" ( 1985 ). Un thriller de espionaje sobre el secuestro de una mujer en un viaje a Europa, y la intensa búsqueda que desarrollan su hijo Chris ( Matt Dillon ) y su esposo Walter ( Gene Hackman ).  La recordada comentarista de cine María Romero, escribió en su análisis : "Las imágenes no corren : zumban en la pantalla. Identificándonos con los protagonistas sentimos que la muerte nos pisa los talones, mientras brincamos tanto de un mundo a otro, como de uno a otro lugar, de Dallas Texas volamos a París. Y de allí, a Hamburgo, Berlín, y otros lugares, que aunque innominados, son decididamente temibles. Estaciones de ferrocarril y aeropuertos hierven de incógnitos enemigos armados hasta los dientes y de temerario arrojo". Sencillamente, Arthur Penn condicionó el argumento a una aventura turística y policial que no tiene ninguna novedad mayor. Un pasatiempo ligero para matar el ocio.      

"Muerte en el invierno" / "Death of Winter" ( 1987 ). Una actriz en ciernes ( Mary Steenburgen ),es atraída hasta una mansión remota para una prueba de pantalla. Pronto descubrirá que es víctima de un chantaje y prisionera de una gran telaraña de asesinato, tortura, hemoglobina y paneles secretos ocultos en las paredes. Remake de "My name is Julie Ross" ( 1945 ), rodada con total desgano y falta de inspiración. Es la película más fallida de todas las que efectúo Penn en su última etapa, y por su contexto, huele a naftalina y añejo por sus cuatro costados. Pese a que actuán : Mary Steenburgen, Roddy McDowall y Jan Rubes, evítela absolutamente, si puede, claro.   

"Penn & Teller Get Killed" ( 1989 ). Los famosos personajes de la magia televisiva,  en su primera y única incursión en el cine. Una astracanada freak que surgen a partir de una solicitud macabra, pues un verdadero sicópata amenaza la vida de los personajes. Triste despedida del cine de Arthur Penn, un director que es mejor valorar por los logros cinematográficos, de su primera época. Tonterita fugaz y rápidamente olvidable. 

Fotos y extractos de comentarios- Gentileza : Metro Goldwyn Mayer Pictures- Warner Bros Pictures- Columbia Pictures- 20 th Century Fox- Cien años claves del cine- Diccionario Espasa del Cine- Cine norteamericano : Grandes realizadores - Cine para Leer-  Variety- The New York Times- El Mercurio- Revista "Enfoque"-  Archivo.- 

Lobby card de "La jauría humana" dirigida por Arthur Penn.

Afiche original de la citada película.