EL CINE LATINOAMERICANO DE LA CONTINGENCIA :

A propósito de los estrenos de "Emma", "Araña" y "Que sea ley". 

"Ema" la nueva película de Pablo Larraín, nos sumerge en los síntomas sociales de un país como Chile, que estaba a punto de explotar políticamente. Y lo hace con gran sentido de la realidad social, de la independencia femenina y de los vaivenes por los que atraviesa una chica de estos tiempos. De esta gran película y de otros títulos latinoamericanos que se atreven a mostrarnos la contingencia, elaboramos la siguiente entrada del blog.  

___ Hablar de cine político es siempre controvertido, porque según tus propias inclinaciones, estarás o no de acuerdo con lo que las películas te muestran, de manera más o menos objetiva, acerca de la realidad de una situación determinada. 
Aunque la verdad, todo el Cine - o mejor dicho todas las Artes - son política, desde la pintura a la música, desde el teatro a los comics, incluyendo la literatura y la poesía, los artistas siempre han impuesto su discurso y sus motivaciones más íntimas.  
Por eso, es siempre necesario volver la mirada al cine más controvertido, que se hace en Latinoamérica. Ese cine que está muy comprometido con las problemáticas que nos afligen y que subrayan la intensidad de sus discursos a través de contundentes imágenes para reflexionar, discutir y compartir con los amigos y familiares.
De alguna forma, Chile ha estado siempre presente en estos intereses temáticos, sociales y culturales, porque utiliza el lenguaje audiovisual en relación a mostrar una verdad ineludible, o que está ausente del idealismo de un sistema capitalista neo liberal, o que simplemente, descubre la realidad que escapa a nuestros ojos con insistente compromiso individual.
En 50 días de intensa ebullición política que está viviendo nuestro país, se ha revelado una potenciación por los temas contingentes y que ya el cine venía como presintiendo desde hace mucho tiempo.  
Esta entrada del blog con sabor  a contingencia ciudadana, está salpicada de anécdotas que esperamos llenen las expectativas de descubrirlas en las salas de cine ( que es donde se deben ver los estrenos ) o la comodidad de tu aparato digital hogareño. 
A modo de introducción, vengan ustedes a este paseo fílmico por el cine que se produce en nuestras culturas.  


Tres miradas para una crisis que se presentía venir.

"Ema" ( 2019 ) dirigida por Pablo Larraín. Nos pasó algo inaudito cuando conocimos en Octubre, en el Centro de Extensión de la Universidad de Talca en el Festival FELINA, el estreno exclusivo de la nueva obra cinematográfica del célebre realizador de "El Club", Neruda" y "Jackie". Se trata de una película que te sorprende, porque el filme aludido se abre con un semáforo en llamas y se cierra con la misma simbología. En la vida real, estaban pasando cosas parecidas a escasas dos cuadras de la muestra, durante una marcha masiva en la Plaza de Armas en la que se exigía una Nueva Constitución para el país. Resultó entonces, una rara fusión entre lo que estaba aconteciendo en las calles y lo que habíamos visto recién en la pantalla grande. El relato se adelantó de algún modo a la crisis profunda que está viviendo Chile y otros países latinoamericanos y viralizó el sentido de pertenencia juvenil con un grito de rebeldía y furia que se ha expresado en las marchas y las huelgas masivas registradas estas semanas. Ema ( Mariana Di Girólamo ), es una joven muy independiente que adora el baile, y que no tolera ser dominada o siquiera encuadrada en un sistema que le incomoda de veras. Decide separarse de Gastón ( Gael García Bernal ), un coreógrafo sumiso y algo intolerante, luego de entregar a Polo, su pequeño hijo en adopción, porque la pareja ha sido incapaz de criar y mantener una familia unida. Desesperada, Ema busca nuevas relaciones por las calles del puerto de Valparaíso, que la obliquen a disminuír sus culpas, aunque ello signifique arriesgar la estabilidad emocional con sus propias amigas y con las que tiene abierta complicidad sexual. Todo ello, porque planifica recuperar lo perdido a riesgo de quedar sola. 

La imagen de Ema con un lanzallamas es icónica, porque nos remite a la realidad circundante que está más allá de la película. Es el germen de la intolerancia, de la fatiga de material de un país largo, multicultural, existista, inclusivo, individualista, cuyas clases medias y populares están al margen de los favores de la política partidista, encerrados dentro de un orden consumista que no da tregua a sus habitantes. Emma es un símbolo de la angustiante imparcialidad con que la juventud cohabita dentro de los márgenes del propio sistema. Ella además, es una paria, una chica rebelde, autosuficiente, sustanciosa, humanista en la medida de lo posible, que constantemente está mutando como el mismo país, intentado asumir una vida llena de complejidades ya sea emocionales, laborales, existenciales, familiares y cívicas, con la desesperanza de que su mundo alrededor, no cambia sustancialmente, más bien, se encoge o expande de acuerdo a lo que le conviene. 

En este tránsito de Emma con sus amigas por un mundo convulso, revuelto, indefinido, ella tampoco resuelve sus propias limitancias. Larraín es pródigo en este aspecto, al dotar a sus personajes de vida propia e iluminar el pedregoso camino de Ema, con luciérnagas de vitalidad. Ninguna mujer en este itinerario, muestra debilidad o arrepentimiento, salvo cuando se cuestionan su pasión por la danza. Todas están sumergidas en los límites del progreso urbano, y a su modo, ejemplifican las variables que hay en los cambios de mirada respecto a la amistad, el sexo, el trabajo, la maternidad, las relaciones coyunturales, la moral o la herejía, el sin sentido de las cosas, que llegan y se van. Todas parecen subsistir al límite de lo posible y ninguna allana el camino de las otras por miedo al fracaso. 

Como si fuera Nostradamus, Larraín percibe la descomposición social en Chile, y la retrata sin artificios morales, sociales o religiosos. Detrás de esta desoladora mirada, está la observación profunda y analítica en la figura de Emma, una chica que con todas sus trabas e inconsecuencias, está aprendiendo a llevar una vida de la mejor manera posible y donde la maternidad podría ser asumida desde la propia ausencia. Es una melancólica realidad, que Larraín acentúa con unas simbólicas coreografías llenas de referencias existenciales y que sobrepasan muchas veces los designios dramáticos del propio relato. Sin embargo, el filme se ve con interés y con elocuente intensidad, aunque nos quede en la retina, esas metáforas visuales que anteceden la explosión social que abría de venir en Chile, en pleno mes de Octubre. Semáforos incendiados, columpios infantiles resquebrajados o un monolito patriótico en llamas, son metáforas visuales que revitalizan el significativo aporte de su propuesta estético-narrativa. Es una obra valiosa e interesante, para descubrir en las antípodas de las marchas masivas, cuales son los orígenes de tanta rabia e inconformidad.

"Araña" ( 2019 ) de Andrés Wood. En dos tiempos bien definidos se mueve la nueva película del realizador de "Machuca" :  por un lado está el Chile actual y por otro el Chile de 1973, que se fusionan en un relato ficcionado acerca de un hecho real : la conformación de "Patria y Libertad", un grupo fascista que apoyó el golpe y lo afianzó desde la testera de las altas esferas sociales. Cuando regresa a escena un violento militante de la facción pro militarista, un matrimonio que ha blanqueado su imagen para participar en la política actual del país, se pone en jaque, al temer que se revele su relación con ellos, dado lo cual deciden eliminar al reaparecido personaje. Este thriller político desarrollado con fuerza y parcialidad, revela que las heridas del pasado todavía no han cerrado del todo.    

La cinta que se acaba de estrenarse en España, llama la atención por su atrevimiento a descubrirnos la realidad de una sociedad que todavía vive clavada en su pasado histórico, donde las apariencias se pueden sugerir y modificar de acuerdo a los intereses económicos y sociales. El programa televisivo "Días de Cine" de RTVE, comentó sobre ella : "El título se preocupa por crear unos personajes sólidos que tratan de imponer su discurso político cada vez con menos pudor, evidenciando que las heridas de la Dictadura han cerrado en falso y retratando la civilina forma en que, la nueva extrema derecha se esta abriendo paso en la política internacional - si es que alguna vez dejaron de estar presentes-, Wood compone un incómodo drama con estructura de thriller político sobresaliente".  

Más allá de las reflexiones que se puedan obtener de esta película, está claro que, Wood vuelve a interesarse por aspectos sociales que matizan los quiebres que la política actual tiene en su conjunto, y manifiesta, una realista forma de tratar la complejidad que tiene el juego de los poderes siempre asertivos a no perder la madeja del hilo.  

Del elenco de intérpretes, sobresalen por méritos propios : el actor chileno Marcelo Alonso, a estas alturas uno de los grandes actores recios y solventes que tiene nuestro cine, Pedro Fontaine absolutamente empotrado en su rol de dar vida al personaje central cuando joven, el actor brasileño Caio Blat, la actriz argentina Mercedes Morán, y la actriz española María Valverde. Como siempre muy atinado el rol del gran intérprete nacional Jaime Vadell, que es ya toda una tradición en esta clase de producciones.  

"Que sea ley" ( 2019 ) de Juan Solanas. Hijo del veterano y renombrado realizador argentino Fernando Solanas ("La hora de los hornos", "Tango : El exilio de Gardel"), este soberbio documental reconstruye paso a paso las movilizaciones de los "pañuelos verdes", grupo multitudinario de mujeres argentinas que buscan legalizar el aborto. Es un trabajo absolutamente realista, que tiene la virtud de enmarcar las experiencias de las distintas mujeres que han participado en estas manifestaciones, con un contundente acercamiento hacia la realidad y que tiene grandes espacios de emocionalidad como para tocar la fibra más profunda de los espectadores.  

Detrás de sus protagonistas se esconden verdades dolorosas : violaciones familiares, incestos, mutilaciones, pérdidas sangrientas en hospitales de mierda, que no dan tregua para descubrirnos que el problema de la salud pública es común a todos los países de este continente. Además, hay un apego a la síntesis periodística, con un sesgo de resumir lo que han sido hasta ahora, los esfuerzos de estas mujeres por doblegar al Senado y a los juristas en sus urgentes reivindicaciones. 

Es un síntoma ciudadano que se veía venir, y de alguna manera, todavía es un tema que  saca roncha cuando involucras la mirada religiosa, científica y política que hay detrás. Lo más triste está en los testimonios de mujeres jóvenes que han abortado. En sus dolorosos relatos, se esconde la mano oscura de la hipocresía, de la maldad, de la degradación social y de la marginalidad. Es un gran documental muy recomendable, que se estrenó también en Europa y que nos pone en contacto con un tema que también ha calado hondo en nuestros espacios profesionales y domésticos. Por la verdad de lo que cuentan, por su significativo aporte para entender un poco más el problema, simplemente por eso, este filme vale la pena conocerse en su integridad para descubrir esos testimonios humanos de gente sencilla golpeada por las circunstancias de no tener mayor posición social o pergaminos profesionales. 

Otros estrenos por considerar.

"La canción sin nombre" ( 2019 ) de Melina León. Opera prima de una realizadora peruana sensible y comprometida, con el relato de una mujer indígena en los años ochenta, a la que le roban su hijo al nacer. Acaba de ganar en el Festival de Cine Hispanoamericano en Huelva, España, adjudicándose tres premios. Destaca la actuación y la fotografía en un surrealista blanco y negro muy cercano a lo que nos mostró "Roma" anteriormente. 

"Pólvora en el corazón" ( 2019 ) de Camila Urrutia. Opera prima de la realizadora guatemalteca que escudriña en el drama urbano de dos mujeres jóvenes. El dibujo social de las relaciones dentro del mismo sexo, la utopía de vivir en un país equilibrado y justo, la decepción de asumir cierta marginalidad, son aspectos que subrayan esta novedosa mirada de un cine por estos lados absolutamente desconocido.

"Los días de la ballena" ( 2019 ) de Catalina Arroyave Destrepo. Primer largometraje de esta joven cineasta colombiana, que le sigue el rastro a una pareja de  grafiteros por las calles de Medellín, con todos los peligros e incertidumbres que ello conlleva. Más cercano al neorrealismo, el filme se destaca por su abierta complicidad con sus personajes en un registro dinámico, ameno, original. Se exhibió en el Festival de Cine de Huelva con gran interés de los espectadores. 

"Yo, adolescente" ( 2019 ) de Lucas Santa Ana. Basada en un Blogger del 2005, es la historia de un adolescente de 16 años, que cuenta en off, como le gustan las chicas y los chicos, y que en ese tránsito va descubriendo su propia identidad. Con Renato Quattordio una joven promesa del cine trasandino premiado en Huelva. Es el retrato consiente de cierta juventud, que busca robustecer su carácter en razón de la variabilidad en las relaciones de pareja y de la amistad legítima. Algo muy cercano a la realidad chilena y que viven muchos jóvenes estudiantes de enseñanza media sobre todo que cohabitan en las grandes urbes.    

"Souvenir" de Armond Cohen. Una sugerente visión a un tema que incomoda, como una joven madre mexicana alquila su vientre para procrear un hijo que no es el suyo. Según el director, es un relato que va por dos vertientes importantes : la paternidad y maternidad por un lado, y por otro, el embarazo subrogado. "No quería hacerlo moralino, puse el conflicto y que estos cuatro personajes detonen preguntas, y que el espectador se lleve lo que quiera sentir". 

De dulce y agraz.

"Cuernavaca" ( 2018 ) de Alejandro Andrade. Un drama infantil mexicano que no acaba de despegar del todo. Un niño viaja hasta la hermosa Cuernavaca, después de vivir un evento traumático para recomponer su existencia junto a su abuela y encontrar a su padre. Pese a la belleza de la fotografía, huele a tele drama, y sin duda, tiene un conflicto emocional interesante pero que no es profundizado con la sutileza debida. El prodigio Diego Álvarez García hace lo que puede con su estéril personaje, así como el resto del elenco. Con todo, una película regular para disfrutar de los hermosos parajes aztecas. 

"Marilyn" ( 2018 ) de Martín Rodríguez Redondo. Una intensa temática basada en un hecho real, le sirven al director argentino para debutar en el largometraje con esta interesante coproducción trasandina-chilena. En efecto, gira sobre la represión a Marcos ( Walter Rodríguez), un joven homosexual de un pueblo rural, que en el día comparte las tareas campesinas con su madre y hermano, y en la noche le gusta vestirse de mujer y demostrar su desenfado sobre las pistas de baile. Narrada con solidez y fuerza, tiene a su favor que nunca engaña o hacer pasar gato por liebre respecto a un tema que en otros tiempos era tabú. Describe con eficacia, las diferencias de clases y la intolerancia que existe sobre estos temas. 

"Siempre sí" ( 2019 ) de Alberto Fuguet.  Un análisis a la virilidad y al libido masculino intenta efectuar el periodista y cineasta chileno. Eso en un contexto, porque la historia es interesante pese a los supuestos estético mediales. El viaje de Héctor hacia Hermosillo en México para posar desnudo, le obliga a experimentar con un deseo sin límites, comprometiéndose a experimentar diciendo siempre que sí a todo. La crítica especifica que, Fuguet ha hecho una comedia ligeramente melancólica, con filtros de Instagram, canciones de Spotify y todo tipo de aplicaciones que muestran su gusto por las modernidades de lo contemporáneo. Lo más sugerente está en los matices homosexuales en las rancheras, aunque la película trata sobre los encuentros sexuales intervenidos por la tecnología, y como ello, obliga a decantar lo humanamente perecible.  

"Niña Errante" ( 2018 ) de Rubén Mendoza. No hay que ser pitonizo para entender porque el tema feminista está calando tan hondo en todas las sociedades mundiales. El director colombiano, lo hace desde la mirada adolescente. Sin timideces y con mucho candor y realismo. El relato se desarrolla en torno al viaje que cuatro hermanastras efectúan desde Cali hasta Magangué. Ellas lloran la muerte de un hombre al que apenas conocían : su padre cuyo funeral logra reunirlas a todas. El viaje le significará compartir sus temores, sus ansiedades, sus culpas y miedos, y asumir que el vinculo familiar sigue siendo lo más fuerte que tienen para compartir. Una película muy sensual, conmovedora, dinámica, que disfrutarán los que han pasado por cosas parecidas y que merece un urgente valorización.   

"Monos" ( 2019 ) de Alejandro Landes. Más significativo y auténtico es este retrato al conflicto colombiano exhibido en el Festival de Sundance este año, donde ganó el Premio de la Crítica del Jurado.  Se trata de la historia de un grupo de adolescentes que pertenecen a las guerrillas armadas y que tienen por objetivo cuidar a una secuestrada extranjera en medio de la selva. Como la agrupación fracasa y se aproxima la guerra, se origina el caos y la violencia, y una trepidante aventura de acción que no da tregua al espectador. Es un filme con mucha adrenalina que , sin embargo, no descuida los contenidos históricos del relato, lo que la hace más espesa y contundente.  

Anuario del Cine Político Latinoamericano.

A modo de recordatorio, aquí van algunas lobby cards, fotogramas e imágenes de películas con sus respectivos breves comentarios, que han marcado nuestra historia política en Latinoamérica. 
Es una especie de colofón para cerrar esta entrada del blog. Que las disfruten.

"La batalla de Chile" ( 1975-1976-1979 ) de Helvio Soto. Clásico de clásicos de los documentales latinoamericanos, que reconstruye el antes y después del golpe de estado en Chile. Está dividido en tres partes : "La insurrección de la burguesía"; "El golpe de Estado" y "El poder popular". Helvio Soto fue reconocido en Europa como uno de los documentalistas mas comprometidos de la historia del cine. El año pasado, España le rindió tributo con un ciclo con sus mejores películas.  

"La historia oficial" ( 1985 ) de Luis Puenzo. La recomposición histórica de una profesora que sospecha de su marido y que se involucra con una de las abuelas de la plaza de Mayo que busca incansablemente a su nieta, sirven de pretexto para elaborar este vigoroso e intenso drama que ganó el Globo de Oro. Consagró a la actriz Norma Aleandro, y fue la primera que, en alguna medida se atrevió a analizar en profundidad los traumas de una sociedad fracturada por la dictadura.   

"Voces inocentes" ( 2004 ) de Luis Mandoki. A través de la historia de un niño de once años, Chava ( Carlos Padilla ), que se encuentra atrapado entre el ejército y la guerrilla salvadoreña, el director explora en las consecuencias del conflicto, para remarcar la reclusión infantil como eje dramático que destruye toda ilusión y condena a los menores de edad a vivir en medio de un caos que nos les corresponde asumir del todo.  En el papel de la madre del chaval está nuestra actriz Leonor Varela. 

"La ciudad y los perros" ( 1985 ) de Francisco J. Lombardi. Los recuerdos de recluta del escritor peruano Mario Vargas Llosa, son adaptados por Lombardi como una contundente crítica al sistema militar, desde la mirada más dramática y espeluznante hasta la reflexión política del manejo del poder. Es un drama casi carcelario que le sigue la huella a un joven recluta y que está inserto en un sistema del que no puede escapar. La película dio mucho que hablar en su momento y aquí se exhibió en un ciclo de Cine Arte Universitario.     

"Kamchatka" ( 2002 ) de Marcelo Piñeyro. Gran drama infantil que reconstruye la crisis política argentina desde la mirada infantil. Es la destrucción paulatina y significativa de la familia, pero atesorada desde el fondo de la memoria de un chico, que nunca ha dejado de amar a sus padres. Ricardo Darín, Cecilia Roth, Héctor Alterio y el niño Tomás Fonzi dan el ancho para armar con sutileza las relaciones paterno filiales, y a partir de allí, el posterior desglose que ultimó la existencia del joven protagonista. Es una película que no se olvida fácilmente.    

"El año en que mis padres se fueron de vacaciones" (  2006 ) de Cao Hamburger. Una nueva mirada al golpe de estado en Brasil desde la perspectiva de un niño, cuyos padres han debido dejarlo en casa de uno de sus abuelos. Sin embargo, éste fallece antes de ofrecerle refugio y deberá compartir con un amigo de su anciano abuelo, del departamento donde vivía aquél y de paso, absorber la cultura judía y los preparativos previos al Mundial de Fútbol. Todo muy bien aderezado y narrado por Hamburger. Gran actuación de su elenco, partiendo por el expresivo niño actor Michel Joelsas convertido aquí en un huérfano de ocasión temporal, asistido por sus amigos y vecinos. Notable.  

"Machuca" ( 2004 ) de Andrés Wood. Los recuerdos del director chileno, sobre una infancia en un mundo que se fracturaba política y socialmente, dieron origen a esta película muy emblemática, porque pone en el discurso los temas relativos a la diferencia de clases, a partir de la experiencia de un niño de población popular en un colegio del sector acomodado de Santiago, justo antes de que se produjera el golpe de Estado en Chile. Su mirada es visceral,y asume que, las diferencias coyunturales han sido la piedra de tope permanente en la sociedad política y cultural. Algo por lo demás nada de ajeno, en todo el Continente Americano. Para ver, reflexionar y comentar con los alumnos en la sala de clases. 

"Cuatro días de Septiembre" ( 1997 ) de Bruno Barreto. Un gran thriller acerca de unos jóvenes idealistas que se integran al Movimiento Revolucionario 8 de Octubre, donde su compromiso político les obliga a renunciar a sus propias familias, y después ha  perpetrar el secuestro del embajador norteamericano en Brasil. Potente y vigorosa, es una película que subraya los temas mas significativos de la novela de Fernando Gabeira para perpetuar un discurso siempre existencialista con personajes cercanos al abismo. 

"Missing" ( 1982 ) de Constantin Costa - Gravas. La película más emblemática de una época controvertida, que muchos de nosotros vimos en funciones clandestinas pirateadas en VHS, hasta que Video Chile la sacó en su catálogo mensual de regreso a la Democracia. Es un drama humanista sobre la intensa búsqueda de un periodista norteamericano desaparecido tras el golpe de Pinochet. Su mujer y su padre interpretados por Sissy Spacek y Jack Lemmon, viajan desde Estados Unidos para buscarle en medio del caos y de la reprimenda armada. Toda la secuencia en el Estadio Chile, todavía asombra por su realismo y no deja de ser un referente cinematográfico que reconstruye parte de los hechos que marcaron la Dictadura. Una obra muy valiosa en su estilo y genero con Gravas que ha sido recientemente premiado por toda su carrera y compromiso en Europa.

"Santiago, Italia" ( 2019 ) de Nanni Moretti. Pese a estar producida en Europa por el célebre director de "La habitación del hijo", es un gran documental que reconstruye mediante material de archivo inédito y entrevistas efectuadas por el propio director, los antecedentes que determinaron el golpe de Estado en nuestro país. Lo más llamativo y asombroso, es la profusión de grabaciones desconocidas de aquella época que por primera vez se pueden ver en esta nueva película, que aún no se estrena en Chile. Recién se exhibe en España con gran éxito de público. 

Fotos . Gentileza : Europa Press- Universal Pictures- Rai Cinema- Fábula Producciones- Bossa Nova Films- Wood Producciones- Matriarca Films- Curuxa Cinema- Madlove- RARA Colectivo Audiovisual- Tatodqdephotos- Pisito Trece Producciones- Maravilla Cine- Quijote Films- Cine Sud Promotion- Diafragma- Archivo.-

Cartel de Emma dirigida por el chileno Pablo Larraín.

Poster de la película realizada por el brasileño Bruno Barreto.

Afiche promocional de la nueva obra del director chileno Andrés Wood.

ESTAS PELICULAS EXTRAORDINARIAS PARA REVALORAR :

Sólo Cine, siempre Cine.

"El Samurai"( 1967 ) con Alain Delon, debe ser una de las películas más hipnóticas de la historia del cine, porque utiliza como pocas, el lenguaje del audiovisual escarbando en el valor que tienen los silencios, la ausencia de diálogos, el sonido, la música, la tensión por sobre la acción, y una notable recreación de los ambientes nocturnos cuneteros. Su director Jean Pierre Melville, está considerado como el maestro del policial francés, pero es más que eso. Acerca de esta gran película y otros clásicos inolvidables va esta entrada del blog. 

Cine negro en color.

"El Samurai" ( 1967 ) de Jean Pierre Melville. Regalarse un festín con esta película considerada pieza de culto, es darse un baño de intelecto narrativo, audiovisual y estético insuperable. Más allá de los cientos de tratados históricos que hablan sobre ella, está su modernidad en el propio concepto de hacer cine y por amor al cine. Melville utiliza su fórmula con una sensible prudencia, para acentuar el valor que tiene la imagen, las insinuaciones de los comportamientos de sus personajes, las motivaciones encubiertas por una gruesa capa de suspenso y tensión, donde invariablemente caerán los buenos pero también los seres antagónicos.  

Y es que, cada gesto del actor Alain Delon tiene un significado. Melville supera lo insuperable con una cordura y una emocionalidad aplastante. Todo, pero absolutamente todo en este relato policial sobre un asesino profesional, está enmarcado en una corriente telúrica de innovación estética, estilística y experimental. Estamos los años sesenta del siglo XX, donde el cine - al igual que la vida- está azotada por convulsiones históricas gigantes que permeabilizan las ansias artísticas por hacer cosas distintas. Melville asume esta corriente con una pasión desbordante. Aplica al relato, un guiño de inconformidad manifiesta y quedan muchos cabos sueltos como el propio pasado sangriento del protagonista, para no vulnerar, la energía y la inteligencia que tiene contar esta historia modélica ejemplar.   

La personalidad de Jef Costello ( Delon ), se nos revela a medida conocemos sus relaciones particulares, incluso más íntimas, por ejemplo con una amante Jane Lagrange ( Nathalie Delon ), que no le traicionará ni siquiera cuando los esfuerzos investigativos del comisario ( Francois Perier ), le siguen los pasos como un perro a su presa. Lacónico, inexpresivo, silencioso, parco, frío, calculador, metódico, inescrupuloso, moviéndose en los bajos fondos como una sombra, Costello olfatea a distancia cuando la policía le intenta descubrir, ocultando micrófonos en su departamento y sólo por las variaciones del canto de un pajarillo que tiene como mascota. Este detallismo extremo, remarca que estamos frente al metodicismo de un profesional del crimen. 

El genial fotógrafo Henri Decae asume la tarea de crear atmósferas oscuras y sugerentes sólo utilizando colores de extrema neutralidad, como si la película estuviese filmada en blanco y negro. Su trabajo es decisivo para el desarrollo de los acontecimientos, donde priman las acciones y los movimientos de los personajes cobran vida para prescindir de los agotadores diálogos.  

Melville le da gran preponderancia al choque de astucias que hay entre el comisario que intenta probar la culpabilidad de Costello, y los esfuerzos del propio Costello por mantenerse libre de sospechas. Hay en este duelo, un sesgo muy logrado de absoluta tensión, que mantiene al espectador en vilo durante toda la exhibición y lo obliga a participar directamente en el devenir de los hechos. "El Samurai" es una obra maestra y en su estilo, un caso absoluto del perfeccionismo de un director irrepetible.

El realizador francés Jean Pierre Melville y Alain Delon.

Curiosa fantasía sobre la ambición material.

"The Rocking Horse Winner" ( 1949 ) de Anthony Pelissier. Producida por el actor John Mills, este drama fantástico deberia tener una urgente reivindicación. No tan sólo porque se trata de una lograda adaptación de la novela de T.H.Lawrence ( sí, es el mismo personaje de "Lawrence de Arabia"), sino porque es una obra maestra del cine británico, que repercute en estos días, por su gran tema : las ambiciones desmedidas de una familia por el dinero que no tienen y que es capaz de arrastrar la inocencia perdida de un niño ( John Howard Davies, el mismo de "Oliver Twist" ), que intenta ayudar a su ambiciosa madre ( Valerie Hobson), por mantener una vida llena de lujos y gastos materiales de gran exageración. El cuento que parte en una lógica cotidiana de un matrimonio ofuscado con tres hijos que mantener y un marido cesante, se abre a los meandros del fantástico, cuando la voz consiente de la madre replica como un estruendo "necesitamos dinero, necesitamos dinero" y pasa a poseer cada rincón de la casa hasta "la espiritualidad macabra" de un juguete de madera, que terminará posesionando la mentalidad del  muchacho en sus esfuerzos por lograr acumular muchísimas libras esterlinas a costa de romper con su propia integridad. 

El chico, Paul, doblegado por sus propias ansias de ganar montado en el caballito de madera, sabrá por arte de magia que caballos ganarán en algunas carreras de la Hípica. Manteniendo una relación amistosa con el empleado de su casa ( John Mills ), y un tío de alcurnias ( Ronald Squire ), irá ahorrando cada billete en función de alterar el destino de su propia familia, con las consecuencias del caso.  

El realizador inglés Anthony Pelissier filma con destreza y efectividad, las incursiones del muchacho sobre el corcel. Hay tomas subjetivas, ángulos de cámara muy acotados  y una invariable celeridad mental muy propia de los recursos que utilizaba Hitchcock, que suponen un efecto inmediato en la cordura del personaje. También le saca partido a los rincones de la casa, aumentando o disminuyendo los espacios, las sombras y los recovecos de escaleras y puertas, para simular la claustrofóbica obsesión del chiquillo por obtener los nombres de los caballos ganadores.  

Valerie Hobson personifica todos los defectos de la mujer materialista que cohabita en un mundo al que cree no pertenecer y que abruptamente pierde la noción de sí misma, hasta cuando debe acumular 40 dólares para pagar una demanda jurídica por insolvencia  económica. Detrás de su elegancia formal, se esconde una mujer insatisfecha con su propio destino que evita asumir su propia maternidad ( tiene una doncella que le cría sus hijos ), y que sólo está ahí, para consumir, gastar lo que no tiene y demandar más para sí misma sin tener un límite que la satisfaga del todo. Esta egolatría materialista está acentuada dentro de los estándares inconformistas de la postguerra, y es un retrato sublime sobre el poder que ejerce sentirse seguro, sólo si estamos viviendo en función de lo perfectible.

La redención y caída de la madre, estará condicionada por el sacrificio de su hijo, y por ende, la metáfora de la película es circular : todo lo que haga uno, será efecto nocivo para el otro, y así sucesivamente rotando en un mismo círculo de fuego y codicia, la sugerencia de la ambición que cruza todas las paredes terminará por destruír la apacible vida en la medianía y lo puramente cotidiano.   

El joven actor inglés John Howard Davies en el mejor papel de su carrera de prodigio, pese a su revelación en la adaptación del clásico literario "Oliver Twist", y logrando aplacar la ira del demonio asumido en una familia que busca la prosperidad a toda máquina sin medir sus consecuencias. Un filme británico brillante, muy intenso, original, novedoso y singular, para revalorar en su justa medida. Muy recomendable.

El poder de la mente como conflicto gubernamental.

"La Furia" /"The Fury" ( 1978 ) de Brian de Palma. Es un hecho que uno de los lugares menos estudiados y explorados por el Hombre ha sido la mente humana, es decir, su propia conciencia, o sea, el cerebro como madre de todas las cosas. Esta película a partir de la novela de John Farris, explora en el dominio que se puede obtener de esos dones inexplicables de la Naturaleza con un fuerte componente clínico, político, social y dramático. La historia es acerca de un agente de la CIA, Childress ( John Cassavetes), que recluta jóvenes con condiciones telequinésicas para combatir células terroristas y que traiciona a su mejor amigo, Peter ( Kirk Douglas ) para "robarle" a su único hijo, Robin ( Andrew Stevens), a quien emplea en sus propios fines. Durante un ataque terrorista ( secuencia con la que se abre el relato ), Peter intuye que ha sido engañado y se transforma en un proscrito que trabajará incansablemente fuera del sistema para rescatar a su hijo de las garras de la autoridad corrompida por sus ambiciones de poder. Recibirá la ayuda de una chica Gilliam (  Amy Irving ), que como su vástago, también tiene unas condiciones mentales sobrenaturales que será preparadas por el Dr. Jim McKeever ( Charles Durning), quien regenta una clínica para tales objetivos siempre algo oscuros y maquiavélicos.

Después de su exitosa película de terror "Carrie", el realizador Brian de Palma decidió filmar esta aventura sorprendente, que tiene todo el estilo cinematográfico de asumir el lenguaje de manera muy contundente, con un guiño a Hitchcock, y sobre todo con una abierta metáfora al dominio del poder gubernamental desde la preparación de personas con sus facultades mentales especiales. El director nos regala varias secuencias impresionantes acentuadas por el uso del ralenti, el close  up y el montaje alternante, para potenciar una historia novedosa y muy innovadora. 

Es justo atribuír a De Palma el interés por un tema que estaba muy de moda a propósito de la guerra fría y del terrorismo tecnológico, que influenció a películas posteriores como "Scanners" y "Firestartet", y que exploró con pronunciada vitalidad en los recovecos que tiene la utilización de la mente como arma secreta. A nivel del cine propiamente tal, su tesis se sostiene desde el punto de vista dramático, dada la estupenda interpretación de Kirk Douglas y John Cassavetes, como protagonista central y personaje antagónico, que mantienen en vilo las casi dos horas del metraje sin soltar la ansiedad por imponerse uno sobre el otro.     

Resulta todo un hallazgo la incorporación de Amy Irving - que como Sissy Spacek en "Carrie" - vive dentro de un conflicto emocional que es un verdadero calvario, donde ni sus compañeras adolescentes del high school le soportan sus fenomenales atributos, ni sus médicos logran dominar del todo sus tremendas posibilidades telequinéticas. De Palma le saca partido a su rostro dubitativo y nunca ella pudo obtener otro papel tan importante como en esta película.

Hay secuencias realmente asombrosas donde no todas son de acción. En una huida por las avenidas de la ciudad, Peter ( Kirk Douglas ) ingresa a un departamento donde un viejo matrimonio con su anciana madre, hacen lo que parece ser la rutina hogareña. Mientras Peter amenaza con su pistola a los vecinos, ingresa al cuarto y se tiñe el pelo para evitar se reconocido. Grata sorpresa humorística acondiciona De Palma, ya que la anciana ayudará a Peter en todo y logrará una amistad casi maternal, donde el único perjudicado será el matrimonio que terminará amordazado y aislado de todos los acontecimientos.

El gran característico Charles Durning tiene un papel preponderante como el Dr. Jim McKeever, que en una secuencia antológica de la película que le revelará mentalmente a la joven Gilliam, recluida en su clínica, que el hijo de Peter estuvo allí y sufrió un accidente. Como él, la estupenda actriz Carrie Snodgress como Hester, pareja de Peter, tendrá un rol dramático que repercutirá en el conflicto, y acentuará la tensión y el suspenso final de toda la trama. Todas las escenas mas "depalmianas" está lo suficientemente integradas dentro del relato, como para dar cátedra respecto a lo que es el cine, una pura y santa ilusión. Muy entretenida.   

Para revalorizar el empleo del color.

"El libro de la selva" /"Jungle book" ( 1942 ) de Zolta Korda. Clase magistral del buen uso del color, que resurge tras las continuas remakes que se ha hecho del célebre cuento de Rudyard Kipling. Es un película antológica, no tan sólo como soporte a una adaptación literaria de prestigio, sino más bien, como una auténtica gozada donde están todas las matizaciones estéticas soñadas en el interior de una selva, que tiene mucho de floresta sudamericana e hindú. Este cruce espectacular de animales salvajes, paisajes y especies arbóreas, no conoce parangón en la historia del cine, y puede resultar alucinante si nunca has visto antes esta película.

Convengamos que estos espléndidos resultados se deben a un equipo donde los hermanos Korda son parte y arte. Me refiero al director del filme, Zoltan Korda un gran camarógrafo de prestigio adquirido en el cine inglés y particularmente en la London Films, a su hermano Vincent Korda, productor de enormes iniciativas que compitieron en buena  lid con Hollywood, y además, un experto en el uso del technicolor; y a los veteranos fotógrafos Lee Garmes y W.Howard Greene, a estas alturas paladines de los secretos de la luz. 

Sher-Khan está fotografiado en vivo para la película en el set y el tigre es absolutamente real, igual que todos los animales que participan en ella. Sólo la pitón es de utilería y una cobra por cuestión de seguridad. El relato se abre con el abandono de Mowgli interpretado por el prodigio hindú Sabú en plena selva, desde la cual es adoptado por los lobos, y después nos muestra su compleja reintegración al poblado de su origen. Esta primera parte culmina con los constantes debates sobre que es bueno para el joven héroe, si tener una familia o verle regresar de adónde vino. Ello condicionado por Buldeo ( Joseph Calleia ), especie de líder autoritario, codicioso y personalista que hace lo imposible porque el joven no viva con ellos en la aldea, aunque su única hija Messua ( Rosemary De Camp ), se enamora de él y le protegerá en más de una oportunidad. 

Este amor por Mowgli no es especialmente erótico, ya que está condicionado por las circunstancias. Mowgli llega a la aldea como un joven salvaje, sucio, maltratado, aullando como lobo y menospreciando a todos. Messua entiende su desarraigo y le abre su corazón porque le gusta como amigo y como futura pareja. Korda es especialmente sensible en este cometido y nos ilustra cómo Mowgli puede reintegrarse sin renunciar nunca a su condición de extranjero. Esta lectura muy moderna para su tiempo, es también un modélico tratado de reinserción social acorde a las diferencias de costumbres. Aunque Mowgli fracasará en sus esfuerzos por adaptarse a los hombres civilizados, aprenderá que el Amor es la clave para la subsistencia.

Los secundarios Joseph Calleia, Frank Puglia y John Qualen interpretan a los tres aldeanos más codiciosos de la aldea. Ellos ejemplificarán con sus actitudes deleznables, cuáles son las raíces de las ambiciones humanas, que terminarán por hacerlos sucumbir en sus propósitos, una vez que han usurpado un tesoro escondido en un templo dominado por los monos. Frente a ellos, Mowgli se presenta como un Dios, un todo poderoso brujo capaz de convertirse en una pantera negra para transitar y proteger a todo elemento que mantenga la selva en su interior. Korda adiciona el humor en algunas secuencias y construye un retrato oscuro del alma corrompida por la codicia de lo ajeno. 

La plasticidad de la paleta colorística de la extraordinaria fotografía, adquiere vuelos expresivos casi poéticos. Nunca ha a habido una selva tan hermosa, misteriosa, espesa y profunda como ésta, salvo la de "King Kong" ( versión 1933 ), que era en blanco y negro. Korda le da una preponderancia al color para elevar el cuento a estaturas mitológicas, como si estuviese contando algo sublime. 

Detrás de los efectos de pintura matte, hay también la transformación del paisaje real de Sherwood Forest, en el Lago Sherwood, ubicado en las afueras de California, que sirvieron de telón de fondo para ambientar las escenas de la aldea y del baño que se da Mowgli con una enorme boa parlante. 

De todas las versiones que se han efectuado de "El libro de la selva" - incluyendo la versión animada de Disney-, esta adaptación cinematográfica sigue siendo perdurable, entrañable, amena, divertida, estilizada, espectacular, que no desvía la atención del cuento sino que más bien, lo fortifica con un entendimiento categórico de lo que es el cine : la ilusión del movimiento. Una grata matinée que además adiciona la belleza del color para recontarnos un clásico de la literatura de todos los tiempos.  

Una obra maestra sobre el abandono infantil.

"Nobody Knows" ( 2004 ) de Hirokazu Koreeda. La película que dio a conocer internacionalmente el talento del director japonés, es una crónica armada desde la sencillez de las relaciones familiares de una madre y sus hijos, pero que habla, con sentido inconformista del abandono infantil. En efecto, esta odisea sobre la supervivencia nos pone en contacto con la marginalidad de un sociedad desarrollada, donde un problema tan grave, pasa inadvertido y más aún, reniega de la condición de estos hijos vulnerados por el desinterés demostrado por sus propios padres.  

El leit motiv se origina cuando la madre abandona en el departamento a sus hijos, y el chico mayor Akira ( el expresivo niño actor Yuya Yagira), deberá asumir la tarea de recolectar los alimentos y mantener la unión entre sus hermanos haciéndoles creer a los vecinos que todavía están al cuidado de un adulto. Koreeda juega con los espacios del departamento donde se desarrolla una parte de la acción dramática, que pasa de una luminosidad contundente a una oscuridad aplastante, al caos, al desorden, a la inutilidad y al desinterés. También están los espacios urbanos, cotejados como un referente a las insinuaciones de supervivencia ( pequeños robos en el almacén, salidas escondidas para no ser atisbados por los vecinos, una aventura momentánea en la plaza de juegos, etc ), y como una amenaza que sutilmente se vuelve en favor de la vida, porque la muerte puede estar en el propio hogar debido a un accidente inesperado.

Mosaico con diferentes planos detalle, primeros planos y aspectos cotidianos de los niños abandonados por su madre en el hogar. En su tránsito y posterior fuga hacia la ciudad, Koreeda acentúa el aspecto más doloroso y dramático de tal condición, con un aire realista más cercano a la primera etapa del cineasta italiano De Sica y al cine de Ozu, que a las películas norteamericanas.   

Sobre la estilizada presencia de los niños, que en un principio, disfrutan de la compañía de su madre, donde Koreeeda remarca el aseo del hogar y de los hijos, éstos pasan luego al desorden físico, a la carencia afectiva, a la vulnerabilidad de todos sus derechos, en unas  angustiantes jornadas donde la Vida deja de ser un juego lúdico y se transforma en una verdadera pesadilla. Koreeda filma las escenas intimistas con gran espontaneidad y un cariño paternalista, que se mantiene durante las dos horas de proyección.  

La mirada de la mujer está en el rostro de la hermana mayor, que asume las tareas del hogar con una accidentada ola de protestas y desaguisados donde sus hermanitos no son tan cooperadores como se imaginaba. Koreeda eleva su crítica social a un sistema que disfraza estos casos dentro de un entramado urbano susceptible de ser modificado, y sólo saldrán a flote, cuando algún vecino relacione por correspondencia, que no hay un capitán en el barco hogareño.    

Koreeda tuvo el tacto suficiente para evitar el manierismo en un drama contemporáneo urbano, que tiene pocos desbordes melodramáticos, y que se disfruta de principio a fin - pese al tema-, porque nunca "disfraza" la presencia de los niños, más bien, opta por seguirlos en este retrato vívido del abandono en sus esfuerzos por mantenerse unidos y coartar toda motivación gubernamental que los separe.  

La mirada hacia la calle después de estar recluidos por orden maternal, simulando que son menos, reconstruyen los hechos de un caso real, que nunca desestima la mirada del espectador, por cuanto se le da espacio para participar con los niños de sus quebrantos y limitancias, y tomar conciencia de lo que significa la orfandad infantil. 

Actuar como la madre de una numerosa prole, y asumir que, la vida puede ser una cárcel, no es sino un referente que tiene esta notable y emocionante película japonesa que eleva la utilidad meramente evasiva que tiene el cine, para darle un status de compromiso humano por la vulnerabilidad de los niños en nuestra época. Más allá del amor que se profesan estos hermanitos, se sugiere que, la responsabilidad de que existan situaciones de precariedad como ésta, se encuentra también en nosotros mismos, que pasamos muchas veces desapercibidos frente a realidades tan complejas como las mostradas en esta significativa película.

Un ángel caído frente al abandono maternal. Es simbólico para Koreeda que la historia quede circulando en nuestras vidas por largo tiempo. No es fácil olvidar escenas completas de esta brillante película infantil. Sin duda, un motivo más para verla y revelar en casa junto a los tuyos.

El viaje  a ninguna parte. Cuando la ausencia de amor familiar marca para siempre la vida de los niños. "Nobody Knows" es un testimonio realista de una problemática ineludible. Mejorar la precariedad en que viven nuestros niños es tarea de todos. El compromiso país es el que falta. La película eso sí, nos coloca a los espectadores, el tremendo desafío de reconocer que el problema existe y se da en cualquier parte del mundo. En países ricos y en países pobres, y en cualquier condición socio-cultural.  

Nos quedamos con la sonrisa melancólica del niño del sacrificio. Un mensaje emocionante que nos revela hasta que punto el supuesto desarrollo no alcanza a tocar a familias completas que habitan en este universo. Alegría desoladora. 

Un gran acierto el debut en el cine del joven actor Yuya Yagira, nacido en 1990 en Higashiyamato en Japón. Su amor al soccer y a la natación, lo ha hecho estar en campeonatos nacionales, sin dejar nunca de lado, su participación en películas de cine y televisión. Debutó a los trece años, en la película de Koreeda y desde ese entonces, ha participado en más de 45 producciones. En cine, le puedes seguir en películas de artes marciales, de acción y suspenso, en dramas juveniles, y en mini series televisivas como "Gintama". 

Lobby card 1 original de la película.

Lobby card 2 original de la película.

Gotas de lluvia cayendo sobre mi cabeza.

"Butch Cassidy and the Sundance Kid" ( 1968 ) de George Roy Hill. Desmitificar desde la mirada contemporánea, raras veces fue tan sutil y efectivo, como en este western desarrollado en tono de comedia amable. Retrato divertido y ameno de las aventuras de dos ladrones de bancos, apodados Butch Cassidy ( Paul Newman ) y The Sundance Kid ( Robert Redford), que después se dedicarán a asaltar trenes, y más tarde por cuestiones del destino, a huir hacia Bolivia en Sudamérica, donde terminarán sus días haciendo lo mismo, pese a sus esfuerzos por volver al camino correcto. George Roy Hill rompe el esquema tradicional del western más clásico y épico, y se va por la vertiente del pastiche visual más cercano a la comedia de situaciones, con muchas elipsis donde explora en el significado que tiene el celuloide para almacenar imágenes de época y con determinantes fotografías que simulan el paso del tiempo. Además, la imagen de la mujer, personificada por Etta Place ( Katharine Ross),una hermosa profesora de escuela hastiada de la vida doméstica que decide transformarse en amante de los dos bandidos, está muy de acuerdo con su tiempo, donde se hablaban de reivindicaciones civiles, raciales, religiosas, sexuales y políticas.  

La banda de los chicos es también una alegoría sustanciosa a las bandas de marginales  diseminadas por todo el mundo. La componen perdedores, verdugos y santos, que no menosprecian el arribismo económico o los deseos de superarse en función de sus tareas de forajidos. Roy Hill condimenta la leyenda con un intento de golpe de estado provocada por los amigos de los muchachos, debido a una prolongada ausencia de los líderes que comparten el amor por una preciosa profesora rural.   

La auténtica banda fotografiada en su época, revive en la personificación de los actores Paul Newman y Robert Redford que funcionan en base a una química insuperable. Ambos repetirían la reunión para retratar los años locos en "El Golpe". 

¿ Cómo se explica el éxito perdurable de esta notable película ? Creemos, entre otras cosas que, debido al estupendo guion del experto William Goldman que está surtido de diálogos brillantes, mucha ironía y humor, y una pizca de melancolía. El prestigioso compositor y músico Buch Bacharach crea una música ligera, ligerísima, que le da potencia a determinadas secuencias como los robos sucesivos a los bancos, y claro, sigue siendo clave en la escena de Newman paseando en bicicleta junto a la Ross, mientras suena el pegajoso hit "Raindrops keep fallin"on my head"/"Gotas de lluvia cayendo sobre mi cabeza", algo que identifica la película y la eterniza en el consiente colectivo de los espectadores. 

En otro aspecto, la película es contundente en el uso de la imagen. Toda la extensa secuencia de la persecución de los protagonistas a campo traviesa, es una clase magistral de buen cine. Porque están los efectos compulsivos que provoca el montaje, el ritmo narrativo. el encuadre  y la preciosa fotografía de Conrad Hall. Nunca se desmarca para explicar lo que significa sentirse perseguido día y noche. A su modo, es una corriente emocional desnuda sobre los límites de la libertad y como ésta se puede perder potencialmente sino se arriesga el pellejo.   

La vitalidad de la película se refleja en la relación amistosa de sus protagonistas. Refrescante insinuación de hermandad obligada por el destino. A precio de recibir y dar rienda suelta a una huida salvajemente ilustrada, que terminará con ese clásico salto de ambos, desde el despeñadero hacia el río salvaje y correntoso. Se trata, por cierto, de una gran película que innovó en el género más popular de otros tiempos, para impulsar una nueva mirada de hacer westerns y de compartirlos con el sesgo aperturista de la contemporaneidad. Muy recomendable. 

Durante un descanso del rodaje, Paul Newman repasa su maquillaje.  Muchas de las escenas de esta singular película se rodaron en las horas de mayor intensidad solar, bordeando el mediodía, que es cuando se capta los colores más hermosos que nos regala la Naturaleza.

Durante un descanso, ambos actores afianzan una amistad, que duró toda la vida hasta la muerte de Newman en el 2008. 

Fotos- Gentileza : Twentieh Century Fox- Four Films- MGM Home Entertaiment- United Artist Pictures- Films Classics- Criterion Collections- Universal Pictures- Eagle-Lion Films- Home Vision Entertaiment- CBS Fox Video- Divisa Home Video- Archivo. 

Nuevo poster para el filme británico dirigido por Anthony Pelissier.

En portada de la revista "Life", el western de George Roy Hill.

Afiche original del filme dirigido por Jean- Pierre Melville.