Grandes directores del Cine Actual - Cut 6 :

 Ser o no ser, esa es la cuestión.

En esta sexta oportunidad, nos acercaremos a reconocer las filmografías de esos cineastas que han hecho escuela por su arrojo y valentía al abordar temáticas criptinas, atrevidos en sus formas de plantearse el juego de la ilusión audiovisual, pero legítimamente originales y compulsivos en cuanto a  constancia y permanencia en la cartelera cinematográfica mundial.

 
Bernardo Bertolucci : El Cine de la discusión reflexiva.

Bertolucci en sus días de máxima actividad cinematográfica, cuando sus películas originaban polémica.

Icono del intelectual europeo que se atreve a desarrollar temáticas de candente actualidad, Bernardo Bertolucci ( nacido en 1940 ), es una muestra de lucidez como artista, que se abre a todos los espacios que le inquietan sin menoscabo de generar polémicas y choques de opinión. En su cine todo puede ser reflexionado con altura de miras. Sexo, sicoanálisis, poder, convicciones políticas y sociales, principios éticos y valores humanos que nos reflejan en la medianía del confort y de la comodidad, como seres frágiles, tremendamente complejos y herméticos.
Partió en la década de los 60, obsesionado por descubrir  la naturaleza del cine. Intentando romper moldes, crear nuevos estilos y reescribir el lenguaje audiovisual. Al cabo, rodó muchas películas elípticas, muy cerradas y de difícil comprensión para el público. Por lo que, hubo de reasumir una nueva carrera en vista de la pesadumbre y angustia que creaban sus obras en los espectadores. "Al final de esa década tenía la sensación de haber llegado a un callejón sin salida", recuerda. "Nuestras películas eran algo así como monólogos sobre nosotros mismos dirigidos a nosotros mismos. Yo quería llegar a todo el público, dialogar en vez de monologar. Me imagino que cuando hice "La Estrategia de la Araña", algunos de mis compañeros de profesión debieron de pensar que estaba vendiendo mi alma al diablo, pero para mí todo sucedió de un modo muy natural. Cuando hice "El Conformista", recuperé de nuevo el placer de hacer películas", añade.

"El Ultimo Emperador " : Bertolucci como narrador histórico y  esteta grandilocuente.

 
En verdad el cine de Bertolucci, es un cine inconformista, que se caracteriza por su intensidad poética y telúrica. Todo es factible de criticarse, analizarse, denostarse y sugerirse, en la intranquilidad de quien se siente libre de crear y transmitir a su audiencia sin cortapisas. Se trata de un cine insurrecto, fuerte y vigoroso, original y personal, que transita con firmeza por las avenidas del libre albeldrío , manteniendo una rúbrica que le es caracteristica. Nunca estar bien con todos. Siempre estar bien con uno mismo.
Así se da margen para hablar de la fiereza de la sexualidad más abyecta en "El Ultimo Tango en París", de las rigideces de las dinastías orientales en "El Ultimo Emperador", de las constantes rivalidades entre el poder y las personas en "Novecento", de la precariedad   de la palabra sobre la fe en "El pequeño Buda", de la apertura sexual en los tiempos modernos en "The Dreamers", o de la pasión afiebrada en tierras lejanas como en "Refugio para el Amor".
 

"El Conformista" . Bertolucci como instigador de la conciencia política.

"Novecento" : Bertolucci como analista histórico de la conciencia política y social.

"Novecento" : Bertolucci enfrentando los designios de la superproducción.

 

De toda la generación de cineastas italianos surgidos en la posguerra como Fellini, Rosellini, Antonioni, Pasolini, De Sica, y Visconti, Bertolucci ha marcado una tendencia legitimada al hacer de su cine, una experiencia vital abierta a las expectativas más candentes de la sociedad, sobre los temas que no nos atrevemos a hablar en público. Portavoz de una manera de mirar el mundo que culmina con él, como sobreviviente de aquellos convulsos y radicales  tiempos de flagelos, divisiones, hambre y muerte.
Su obra es abundante y dispersa, ya que considera 25 guiones, y 21 películas entre documentales y largometrajes de ficción.

"El pequeño Buda" : Bertolucci como observante de la fé.

Películas Fundamentales : "El Conformista" ( "Il Conformista", 1970 ), "El Ultimo Tango en París" ( "Last Tango in Paris", 1972 ), "Novecento" ( "Novecento", 1976 ), "El Ultimo Emperador" ( "The Last Emperator", 1987 ), "Refugio para el amor" ( "The Sheltering Sky", 1990 ), "El Pequeño Buda" ( "The Little Budha", 1993 ), "Belleza robada" ( "Io Ballo da Sola", 1995 ), "Besieged" ( 1998 ), y "The Dreamers" ( 2003 ).

"El Ultimo Tango en París" : Bertolucci como cineasta polémico y controversial, intuitivo y original.

Un comentario : " Recuerdo perfectamente las palabras que me dijo Jean Renoir, cuando me recibió en su residencia en Los Angeles en 1974. Siempre debes dejar una puerta abierta , porque nunca sabes cuando querrá entrar alguien. Esa frase resume a la perfección la filosofía que ha guiado mi carrera cinematográfica desde entonces. Existe algo mucho más importante que el guión, y este algo es aquello que un actor o una actriz pueden aportar a la historia partiendo de su propia experiencia. Los personajes de un guión escrito siempre tienen un regusto literario. Unicamente los actores pueden darles cuerpo y alma, y eso incluye también sus experiencias, sus recuerdos, sus traumas y su bagaje vital en general. Este proceso  por el que los actores dan vida a los personajes es a menudo mucho más interesante que el propio argumento del filme". ( Bernardo Bertolucci en el libro "Directores de Cine" de Mike Goodridge , Editorial Oceano, España, 2002  ).



Quentin Tarantino : El cine como reescritura audiovisual.

Tarantino es sinónimo de acción febril, historias renovadoras y pasión por el cultismo al cine de géneros.

Es difícil olvidar el seductor baile entre Uma Thurman y John Travolta en "Tiempos Violentos" , que ingresó por derecho propio a la iconografía antológica del cine. Como aseguró el crítico  Jonathan Rosenbaum, " la segunda producción de Tarantino es un cajón de sastre de relatos criminales interrelacionados y entrelazados, paraíso de los teleadictos, inteligente y enormemente entretenida".
Salido de las huestes de un videoclub, Tarantino es una anomalía dentro del panorama del cine de su país. Parecido a un albino, a un "freak" carrasqueado, este hiperquinético y lenguaraz director, productor y guionista, se nutrió exclusivamente viendo películas para ingresar al negocio fílmico con una tupé y un estilo que le son inconfundibles. Su formación intuitiva y su academia cinéfila de teleadicción compulsiva, le ha llevado a romper con varios esquemas impostados de la industria. Desde luego, la vieja idea que nadie entra sino tiene carnet, aquí con Tarantino no existe. Pero además, el luce una notable arrogancia de escribir y rescribir sus guiones a su regalado gusto. Ello, no es óbice de descubrir en su pluma una extraordinaria forma de entremezclar los géneros tradicionales : el thriller con las artes marciales, el policial con la película de karate, el western con las artes marciales, el cine de guerra con el thriller de suspenso, en fin, la licuadora "tarantiniana" da para todo y no se agota.

"Perros de la Calle" : el comienzo de un estilo inconfundible.

 Quizás es el artista más novedoso de su generación. No tanto por su exposición constante a las "mass media", que es otra forma de incentivar a ver sus películas, sino porque asume la garantía del ganador. El va a lo suyo. Asegura conocer los gustos y preferencias del espectador y se lo da por anticipado, en grado sumo. Intentando siempre batir sus propias marcas, su cine es obsesivamente compulsivo, violento, rápido, atípico, molestoso, vigoroso y parcialmente selectivo. Gusta de las "pulp magazines", de la literatura barata de kiosco chico, de las películas bizarras de serie zeta, de los comics para adultos y de las beaterías de la televisión chatarra. Todo lo reacomoda a su visión de cineasta innovador. De una veintena de guiones que ha realizado y un puñado de películas conocidas, Tarantino no se detiene frente a las modas. Porque el mismo ha creado su propia moda. Su forma de encarar el trabajo cinematográfico más rupturista y bizarro que las mismas películas que nutrieron su cerebro y su sangre. Ciudadanos del mundo libre, tenemos Tarantino para rato. De eso no hay dudas.

"Tiempos Violentos " : el quiebre argumental que estaba faltando en el thriller criminal.

Películas Fundamentales : "Perros de la Calle" ( "Reservoir Dogs", 1992 ), "Tiempos Violentos" ( "Pulp Fiction", 1994 ), "Jackie Brown" ( 1997 ), " Kill Bill" ( 1 - 2 , 2003 / 2004 ), "Death Proof" ( 2007 ), "Malditos Bastardos" ( " Inglourious basterds", 2009 ).

A Tarantino le da para todo, incluso puede ser  actor ocasional.

Próximo estreno : "Django Unchained" ( 2012 ) , el homenaje cinéfilo a la manera "tarantiniana" del clásico del western italiano que protagonizara en los sesenta, el actor Franco Nero.

Un comentario : " La educación de Quetin Tarantino se ha hecho toda en el cine, pero delante de una pantalla. Fue hasta acomodador de un cine de porno duro. Desde entonces declara ha odiado las escenas eróticas". ( Del recordado crítico Guillermo Cabrera Infante en su libro "Cine o Sardina", Editorial Alfaguara, España,  Marzo de 1998 ).


Spike Lee : El cine como cuestionamiento político y moral.

Spike Lee efectúa un cine racial que integra la cultura afroamericana en la iconografía visual de Estados Unidos.

No cabe duda que la figura de Spike Lee ( nacido en 1957 ) va a quedar en los anales de la historia del cine americano, porque impuso la mirada coloquial de la comunidad  negra con la fuerza y el vigor de la protesta suburbana más radical. Su cine está integrado mayormente por relatos familiares desde las calles de su Atlanta, natal. Y no trepida en denunciar las barbaridades del sistema que margina a los negros por su condición racial. Desde "Haz lo correcto"hasta "Malcolm X", de "Fiebre de Selva" a "Clockers", de "Girl 6 " a "Get on the bus", toda su filmografía aparece recorrida por esa furia intranquila de quienes se sienten desplazados por su raza y sus creencias radicales.
En el cine de Lee, el cuestionamiento a los manejos políticos de Estados Unidos no está mirado desde las cúpulas, sino que desde la gente corriente. Posa su cámara en sus barriadas y en sus avenidas para recrearse en el realismo más cercano y nutrirnos de la cultura afro-americana con el detallismo de quien vive en ese habitat. Nunca antes en el cine americano hubo un verismo negro más directo y coyuntural a la realidad intrínseca. Escenas de juegos, de niños mojándose en un grifo abierto contrastan con las secuencias íntimas de negros amándose en la intimidad de un dormitorio, en otras secuencias Lee remarca la vida urbana de esos ghettos. Alrededor de una mesa frugal, la conversación versa sobre el día a día y transitan como en desbandado, viejos y jóvenes, acomodados y pobres, artistas del graffitti, del pop art, del rap , del reggae, del hip hop, del canibalismo foráneo, de la mirada cómplice, del testigo frontal que los observa con atención para minar la legítima comodidad del que no está enterado acerca de un futuro incierto y marginal.

 

"Haz lo correcto" : el cine de las calles establecido como realismo urbano.

"Haz lo Correcto" ( Foto 2 ) : el tema de las relaciones interraciales es recurrente en el director.

"Haz lo Correcto" ( Foto 3 ) : los símbolos callejeros adornan el drama del film.

Con Spike Lee el cine se construyó para los negros desde la cuneta del desarraigo y la obstinación del superviviente. Es un cine que no da tregua. Al que es emigrante latino, italiano, chino, o cordobés, se le trata igual. Al descampado, golpeándole en la mesa o en la mejilla. Lee ha recreado su mundo vital, el mundo de la comunidad negra, con un realismo visceral. De ahí la validez de su propuesta, que es cine puro. Gran narrador y guionista, excelente creador de atmósferas y notable director de actores, Lee es un faro en el mar de la sugestión angloamericana. Un talento de color que descoloriza la visión que tenemos desde lejos acerca de la comunidad afro americana. Un cine valioso y certero. Unico en su especie. Para tenerlo en cuenta como referente a una población que no es distante y palaciega.

"Malcolm X" :  Lee es también un gran esteta que afinó su puntería con este " biopic".

 Películas Fundamentales : Haz lo Correcto" ( "Do the right thing", 1988 ), "Fiebre de Selva" ( "Jungle Fever", 1991 ), "Malcolm X" ( 1992 ), "Crooklyn" ( 1994 ), "Clockers" ( 1995 ), "Girl 6 " ( 1996 ), "Sube al Bus" ( "Get on the bus", 1996 ), "S.O.S.Verano Infernal" ( "Summer of Sam",1999 ), " Bamboozled" ( 2000 ), "25 Th.Hour" ( 2002 ), "Inside Man" ( 2006 ) y "El Milagro de Santa Ana" ( "Miracle at St.Anna", 2008 ).

Próximo estreno : Spike Lee insiste en el drama con "Reed hook summer" ( 2012 ).

"Crooklyn" : la mirada infantil de color también tiene su gloria.

"El Milagro de Santa Ana" : la relación entre Train y Angelo sobrecoge por su afectividad.

Un comentario : "Productor, guionista y director, Spike Lee controla la totalidad del proyecto : es todo un autor cinematográfico. Además, actúa en un rol determinante, el de despachador de pizzas, ubicado en la frontera misma de roce. Tiene conciencia racial y asimismo sentido de clan : su padre compuso la música y su hermana encarna  a la hermana de Mookie en la película. Este autor que habla de un modo personal sobre lo que más conoce y le interesa, dice lo que dice de una manera combativa. Quiere provocar impacto emocional con el horror del desenlace y provocar también una reflexión política. Y no tiene intención de hacer las cosas fáciles cuando tras el climax , remata con letreros citando a Martin Luther King y Malcolm X, con posiciones diametralmente contrapuestas frente a la violencia racial. Aparte de su jerarquía artística indiscutible, el filme se refiere a todas las formas de racismo, por solapadas que sean, presentes muchas veces donde nadie lo piensa". ( Opinión del crítico chileno Pedro Labra aparecida en la revista "Enfoque", marzo de 1990, a propósito del estreno de "Haz lo Correcto" ).



Ang Lee : El Cine como testigo en las relaciones de pareja.

Notable narrador de relatos corales, Lee se mueve con versatilidad en el mundo del cine.

En 1978, Ang Lee ( nacido en 1954 ), se trasladó a Estados Unidos desde Taiwán. Licenciado de la "University Film School " de Nueva York, logró juntar 400.000 dólares para filmar su ópera prima, "Pushing Hands"( 1991 ) que contaba la historia de un norteamericano de origen chino que lleva a vivir a la ciudad de los rascacielos a su padre, un maestro de tai-chi, con todo lo que eso significa.
Desde siempre Ang Lee, estuvo interesado en los problemas de la emigración y del choque entre culturas, pero no se quedó en este único tema. Su cine con el tiempo ha ido creciendo. Desde "El banquete de bodas" hasta "Sentido y sensibilidad", de "La Tormenta de Hielo" a "El Tigre y el Dragón", de "Comer, beber y amar" a "Secretos en la montaña", su mirada ha sido profundamente escrutadora, inconformista, no desprovista de melancolía, y abiertamente emocional.

 

"Comer, beber y amar" : las razones de la vida desde la frugal mesa familiar.

 Casi la fuerza de sus diálogos y subtextos, dejan entrever la fina sensibilidad del observador penetrante que fustiga con los gestos y las insinuaciones básicas de sus personajes. Ang Lee es un excelente narrador de relatos corales, aunque también es capaz de ser intimista arrebatador. Furtivo cuentista de temas tabúes como : el desarraigo cultural, la homosexualidad y las diferencias generacionales, es capaz de pararse valientemente en sus pies, y mirar al descampado para desnudar las relaciones de pareja con la complicidad del crítico médico o sicoanalista. Nada escapa a su visión. En este sentido, arma sus complejas historias con absoluta libertad. Vuelca sus finos conceptos estéticos en función de enriquecer la acertividad de sus planteamientos. Hay en todo el cine de Lee, una constante respecto a su trabajo multicultural. Porque a veces tiende a rodar de una "manera más china" que americana, cuestiones que se ambientan en los Estados Unidos o Europa.
"En Sensatez y Sentimientos" - recuerda -, fue el primer filme en que utilicé este método. El paisaje, los colores y las líneas fueron los encargados de marcar el rumbo emocional de la historia. Pienso visualizando un tema, el cual debe reflejar una mentalidad y un estado emocional. Creo que transmitir parte de tu personalidad a una película tiene una gran efectividad cinematográfica", agrega el realizador.

"Sensatez y Sentimientos" . el preciosismo de una época llena de transgresiones.

"Sensatez y Sentimientos" ( Foto 2 ) : la puesta en escena de rasgos pictóricos.

"Sensatez y sentimientos" ( Foto 3 ) : el paisaje, los colores y las líneas marcan el rumbo emocional de la historia.

Películas Fundamentales : " El Banquete de Bodas" ( "The Wedding Banquet", 1993 ), "Comer, beber y amar" ( "Eat, Drink, Man, Woman , 1994 ), "Sensatez y Sentimientos" ( Sense and Sensibility" , 1995 ), "La Tormenta de Hielo" ( "Ice Storm", 1997 ), "Cabalga con el diablo " ( "Ride with the devil", 1999 ), "El Tigre y el Dragón" ( "Crouching Tiger, Hidden Dragon", 2000 ), "Secretos en la montaña" ( "Brokeback mountain", 2005 ) y "Taking Woodstock" ( 2009 ).

 

"Brokeback Mountain" : el paisaje es un referente esencial en el drama de los cowboys.

"Life of Pi"  :  un cuento familiar con toda la estética fantástica de "Las Mil y una Noches" , es su próxima obra.

 

Próximo estreno : "Life of Pi" ( 2012 ), la historia de un niño indio que se hace acompañar en un bote por una hiena, una cebra, un orangután y un tigre de Bengala.

Un comentario : "No me gusta trabajar con storyboards. Me valí de storyboards en mis dos primeras películas como estudiante de cinematografía y creo que malgastaba demasiado tiempo dibujándolas. Si lo sigo empleando todavía hoy, es únicamente para facilitar la comunicación con los miembros del equipo de rodaje, quienes por norma general, se sienten más seguros cuando ven las cosas plasmadas en un dibujo. Sin embargo, es absurdo hacer una película a partir de un montón de imágenes estáticas. El cine es movimiento. Hay algo de intangible en todo ello. Para mí, el proceso de elaboración de una película, es una búsqueda constante que no acaba hasta que introduces la última nota de la banda sonora en la mezcla final. El storyboard es sólo un punto de partida". ( Ang Lee en entrevista concedida a Mike Goodridge para su libro sobre "Directores de Cine", Editorial Oceano, España, 2002 ).


La pausa animada.

John Lasseter : El cine de "Pixar".

Creador de los estudios "Pixar" desde donde ha renovado el cine de animación.

Para nadie es un misterio que John Lasseter ( nacido en 1957 ) haya logrado éxito, dólares y un contrato a largo plazo con la Walt Disney para explotar sus novedosos dibujos animados digitales. La real valía de este notable director, productor y guionista californiano, está en su magnífica y valiosa forma de abrir el cine animado, por derroteros que recién comenzamos a conocer.
Programe una película de "Pixar", la productora con la lámpara de luz de logotipo, imagen de su primer corto animado, y se dará cuenta que estamos ante una nueva manera de entender el negocio del cine animado. Desde su agresiva "Toy Story" ( 1995 ) hasta "Cars 2" ( 2011 ), Lasseter se ha encargado de no desperfilarse por la gloria de los verdes billetes americanos. Todo lo que ofrece huele a novedad. Si extiende una historia como lo hizo en "Toy Story" y "Cars", siempre está atento a asombrar al espectador con nuevas ideas. Tanto en los diseños de tercera dimensión, como en la creación de personajes.  ¿ Cómo hubiera reaccionado Disney, el padre generador de la fábrica animada, si le mostrasen un relato con autos de carrera de protagonistas ?
 

"Toy Story" y secuelas , han reinventado las aventuras para niños con ingenio y cinefilia.

Hay en toda esta intuición artística, un olfato comercial que no desentona con el "mercandising" generalizado de sus productos. Pero también hay respeto y cariño por la obra creada. Lasseter instuye que el prestigio ganado se puede perder con la producción apresurada y deforme. Entonces, independiente de las majors, - pese a trabajar en base a distintos contratos para distribuír sus movies- , amplía el universo de sus personajes con la fruición y el talento del artista seguro. Incapaz de traicionar a su público, Lasseter ha reflotado el encanto por la animación con la gloria de nuevos dibujantes de la informática más desarrollada, y que es experta en la pixelización de sus notables obras. Un genio a su modo, que lleva en paralelo, las fuerzas mágicas del arte y la industria.

Cada nuevo desafío creativo, Lasseter se lo toma como una competencia contra sí mismo.

Películas fundamentales : "Toy Story" ( 1995 ), "Hormiguitaz" ( "A BugS Life, 1998 ), "Toy Story 2 " ( 1994 ), "Cars" ( 2006 ),  y "Cars 2 " ( 2011 ).

"Cars" y secuelas, nuevos bríos para el cine de acción animado.

Un comentario personal : "Lasseter abrió el cine animado a una nueva era de innovación tecnológica, pero además, a renovar las temáticas y los cuentos tradicionales para los niños de esta época".

Andrew Adamson :  El padre de "Shrek".
 

Dirigiendo acción en vivo en "Las Crónicas de Narnia : el príncipe Caspian".

Si el neozelandés Andrew Adamson ( nacido en 1966 ) es el padre del dichoso ogro verde, entonces Vicky Jenson es la madre, pues la primera película que dió a conocer al dichoso personaje, los reunió a trabajar en conjunto, pese a que la experta en efectos se desligó después por otros caminos profesionales. Así las cosas, Andrew se perfiló como un notable innovador del campo animado. Su carisma y sentido de la versatilidad convierten a "Shrek" en todo un tratado crítico de la sensiblería de otros tiempos de los cuentos y las películas infantiles. Este espacio que parecía imposible de llenar, lo asumió Adamson con gran eficiencia y responsabilidad. Porque su cine animado es eso. Una ruptura de los conceptos narrativos y estilísticos de la forma de narrar cuentos infantiles. Desde la ironía y la caricatura de los propios conceptos gráficos y estéticos , Adamson propinó un golpe que se agradece y que le ha reportado unos cuantos dólares a la productora. 

"Shrek" y "Burro" : la comicidad de la dupla estelar del éxito animado.

 

 

 

 

Personajes divertidos y con tics a la vida moderna reúnen las secuelas del ogro verde.

"Shrek" es una innovadora película que se recrea en los lugares comunes y los clichés de los viejos personajes de la fábula y del relato infantil. Reunidos en sucesivas aventuras, la fórmula parece germinar con nuevos bríos. Shrek se casa, tiene trillizos y sufre los problemas propios de una sociedad moderna. A escala cinematográfica, Shrek parece ser el duplicado de Homero Simpson en la televisión. Ambos son personajes rupturistas, anárquicos, originales, que han bebido de las modas y de las tendencias alambicadas de los cuentos tradicionales, pero que escupen su ira en razón de un sentido más dialéctico y compulsivo acorde a los tiempos y a las mentalidades de los espectadores de esta época.
La carrera de Adamson ha proseguido en el cine de ficción. Es el director de las dos partes de "Las Crónicas de Narnia". Sin embargo, para nosotros su genialidad perenne quedó en el ogro verde. De ahí que le incluyamos en esta lista de directores relevantes. Un artista con sentido y olfato para renovar el panorama del cine animado.


Películas Fundamentales : "Shrek" ( 2001 )  y "Shrek 2 " ( 2004 ) .

Otras películas del director : Las dos partes de "Las Crónicas de Narnia" ( 2005/ 2008 ).

 

La familia de Shrek sigue creciendo para gloria de las secuelas futuras. Aunque dicen que nó.

 
Un comentario personal : "Si hay algo que amenaza ser una secuela eterna, es la del ogro verde. Imagínense a esos trillizos en su adolescencia. Que dolores de cabeza le crearán al noble y descorazonado padre de familia y noble de las tierras mágicas de la animación digital".

"Cars 2 " : la visita de los autos locos a Inglaterra. Son los nuevos tiempos del cine animado.