Séptimo 7 sello: TEMAS CONTROVERTIDOS SOBRE LA INFANCIA Y LA JUVENTUD.

El cine de la reflexión crítica.

"Une enfance", es una notable película francesa realista, que escudriña con gran sentido crítico, en las disyuntivas de dos niños que son hijos de una familia disfuncional. Como esta película, existen otras que repasan algunos de los temas más actuales y controvertidos del momento. Esta semana, le dedicamos una entrada especial.

____ De un tiempo a esta parte, el Cine se ha transformado en un canal idóneo para expresar los temas más controvertidos, polémicos y contingentes que preocupan a la sociedad moderna.
A través de la exhibición sistemática en festivales internacionales especializados como Cannes, Venecia, Berlín, Sundance, Nueva York, Gijón, Sevilla, Viña del Mar o Mar del Plata, directores independientes o que trabajan fuera del circuito comercial, han logrado mostrar sus obras con renovados bríos y un sentido muy personal de recrear los temás que más influyen en el acontecer diario.
La emigración clandestina, el racismo, la xenofobia, la intolerancia sexual, la violencia sexual contra los niños, la marginalidad adolescente, el exilio, la destrucción del medioambiente, la maternidad prematura, la orfandad, la inestabilidad laboral, la explotación económica, la corrupción de la institucionalidad, la decepción ciudadana respecto a lo político, el retroceso de la educación, la banalización de la cultura, el culto al exitismo, la homofobia, el manejo injustificado de la información al amparo de la concentración de la propiedad de los medios de comunicación masivos, la influencia de las redes sociales del Internet, la pobreza y la delincuencia, la drogadicción y el alcoholismo, la intolerancia hacia la mujer y el fanatismo religioso, el banalismo del consumo, la falta de agua y alimentación, el cambio climático global, la contaminación, la extinción de las especies nativas, la inestabilidad de las democracias, el resurgimiento de las dictaduras ideológicas, los tráficos de personas, animales y cosas, y en fin, un largo itinerario de temáticas controvertidas, han venido nutriendo los relatos que mejor adaptan la realidad subjetiva al lente de la cámara digital.
En esta entrada única, "Séptimo 7 sello" ha incluído actores infantiles y juveniles, que han participado en sendas historias que abordan algunos de estos temas, que no dejan tranquilo a nadie, y que desde la mirada crítica de los directores más comprometidos con el mundo que les rodea, han logrado equiparar el inconformismo personal con el realismo más elocuente y sensible.
Un viaje para observar con los ojos bien abiertos y la mente despejada.

Trilogía humana narrada desde la orilla del mar.

*** A través de tres películas ambientadas a la orilla del mar, "Respiro"; "Nuovomondo" y "Terraferma", el director italiano Emmanuelle Crialese, logra recuperar el estilo neorrealista más cercano al clásico "Terra Trema" de Visconti, con actores profesionales y espontáneos, para hablarnos del hastío de una mujer que sufre de un trastorno maníaco-depresivo; de los emigrantes italianos de principios del siglo XX que viajaron a Estados Unidos y de la problemática cada vez más recurrente de la emigración clandestina.

En "Respiro" ( 2002 ), Grazia, ( Valeria Golino ), la esposa inestable que sufre de trastorno maníaco-depresivo de Pietro ( Vincenzo Amato), un pescador de una isla de Lampedusa en el Mar Mediterráneo, intentará escapar de su hogar varias veces, huyendo de la rutina y el abnadono, para terminar refugiándose en una cueva ayudada por su hijo mayor Pascuale ( la revelación joven Francesco Casisa). Drama contemporáneo hablado en dialecto original, que se relata desde la perspectiva del muchacho y sus relaciones con su hermano menor ( Filippo Pucillo), cómplice y víctima, aunque también Crialese le da gran preponderancia a las anécdotas que se tejen sobre la rutina diaria de lo pescadores. Toda la película mantiene una atmósfera de fuerte sensualidad y respira verdad por los cuatro costados, al integrar a gente real en papeles importantes.

Los niños de la isla, trabajan recolectando moluscos que después venden en la feria, o transan por otros productos. La película se recrea en la serie de situaciones que establecen los niños con otros chicos del sector, y muestra la gozosa complicidad de las rivalidades, la competencia, el despertar sexual de la adolescencia, la compleja relación padres e hijos, el sacrificio laboral, la venganza y la violencia entre pandilla rivales.

Especial interés tienen los encuentros de la pandillas de la isla, que terminan chocando por deslices originados por bromas pesadas y competencia amorosa por las chicas del lugar. Estos choques recuerdan a "La guerra de los botones" pero a escala peninsular.

La naturalidad de la desnudez frente al imponente paisaje marino, establece un sesgo costumbrista que subraya la fuerte relación del hombre/ niño con el mar. Esta vinculación la acentúa el director, hacia el desenlace cuando la madre escapa y el padre coloca en el fondo del mar, la imagen de una virgen para recuperar a su mujer de vuelta al hogar.

Respecto a la sugerencia sensual del filme, que también se da a escala infantil con un fuerte sesgo dramático, Crialese reflota los ambientes clásicos del neorrealismo que utilizaba actores no profesionales y como escenario a la calle y sus personajes más característicos. Siempre existe un tono ambiguo en las relaciones materno-filiales que se supone un complejo edípico entre el hijo mayor y su madre, y nunca deja establecido, si el abandono de ella es porque el marido sufre de impotencia sexual o porque sencillamente, ella ya no calza en esos ambientes lejanos.

La actriz Valeria Golino está sorprendente en su rol central. Sabe ser víctima sin aparecer glamorosa, y asume la carencia afectiva en escenas bien decidoras, como cuando concurre con su hijos en una moto Bespa a esperar a su marido en el puerto, sin lograr entusiasmarlo demasiado.

"Respiro" logró el premio de la crítica en el Festival de Cannes y el "David de Donatello" al Mejor Productor; acaparando la atención de los especialistas por el trabajo de Emmanuelle Crialese, que había debutado unos años antes, con el drama romántico "Once We Were Strangers" ( 1997 ), también estelarizado por el actor Vincenzo Amato, sobre un carismático siciliano emigrado clandestinamente a Nueva York.

En su tercera película "Nuevo Mundo"/"Nouvomondo" ( 2006 ), Crialese retomó sus temas predilectos a la orilla del mar, para narrarnos la historia de una familia de pastores sicilianos en su odisea hacia América. La travesía por el mar encerrados en un buque de pasajeros terminará en el puerto neoyorquino, donde el realizador se dará tiempo para contarnos en detalle, todo el procedimiento que hubo para integrar a estas familias de emigrantes en la sociedad americana. Lo más impactante es la secuencia del matrimonio por conveniencia que se hacía a vista y paciencia de las autoridades y a ojo de buen cristiano, permutando las uniones por una mera selección erótica. Regresan a actuar ya más crecidos, los jóvenes Francesco Casisa y Filippo Pucillo de "Respiro". También vuelve Vincenzo Amato, ahora acompañado de la figura de la inconfundible actriz francesa Charlotte Gainsborough. Obtuvo tres premios "David de Donatello".

"Terra ferma" ( 2011 ) es la cuarta película de Crialese, y la tercera que dedica a temas marinos relativos a una familia siciliana de pescadores. Esta vez, el crecido actor Filippo Puccillo ( de "Respiro" y "Nuevo mundo" ), retoma las características psicológicas de sus anteriores personajes, para lucirse en un drama que culmina como una seria reflexión sobre la tolerancia, respecto a la emigración clandestina en alta mar. En efecto, a la familia del muchacho llegarán por accidente, una mujer africana embarazada y su hijo de doce años. Obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia.

Esta vez, Crialese eleva los conceptos temáticos de su filmografía, para efectuar una crítica amarga sobre el ingreso clandestino a través del mar, de miles de personas, algunas que perecen ahogadas, o que no logran obtener la ayuda suficiente para sobrevivir en un país desconocido. El joven Filippo en una de las escaramuzas clandestinas por alta mar, perderá la noción de humanidad para salvar la barca de su padre y deberá recomponer su sentido moral, ayudando a fugarse a una madre africana y sus hijos.

Con esta trilogía de películas italianas, Emmanuelle Crialese recuperó para el conciente cinéfilo, el estilo neorrealista imponiendo su buen gusto como narrador, esteta y sicólogo. Más allá de sus obvios significados temáticos, el realizador ha logrado una obra singular que muestran una forma de utilizar los recursos expresivos del cine, con la suficiente mordiente como para traspasar la medianía de lo vulgar y maníqueo. Sin duda que estamos frente a uno de los cineastas europeos más interesantes de estos tiempos.

Rompiendo las barreras culturales.

*** Novedosa cinta australiana que reconstruye la vida de un joven, que se transforma en uno de los ases en el lanzamiento de aviones de papel.
Detrás de su aparente simplicidad, se esconden temas más profundos relativos a la viudez de un hombre que debe criar solo a su hijo, la valorización de un niño por cuestiones aparentemente intrascendentales para motivar su regreso desde el dolor de la pérdida, y la globalización de un mundo cosmopolita, en que orientales, occidentales, blancos, asiáticos y jóvenes de color, tienen los mismos derechos, deberes y oportunidades para demostrar sus cualidades y talentos.

El niño-actor Ed Oxenbould se ha convertido en uno de los favoritos de la taquilla adolescente, gracias a películas como la agridulce comedia familiar "Aviones de Papel"/"Paper planes", 2004 ), dirigido por Robert Connelly. En el filme interpreta a Dylan, un niño de once años que vive una existencia relativamente apacible en Australia. Desmotivado por la soledad de haber perdido a su madre, y por tener un padre despreocupado de su persona, logrará convertir su sueño de participar en el Campeonato Mundial de Aviones de Papel que se efectúa en Japón.

La película escudriña en una realidad conocida en cualquier país del mundo. ¿ Cómo se asume la paternidad en el mundo moderno ? De alguna manera, "Aviones de papel" viene a representar la vívida experiencia de sufrir la viudez masculina, e intentar mantener un orden familiar, sin la madre como motor afectivo y equilibrio emocional. Hay en toda esta circunstancia, una significativa lucidez para representar el proceso del duelo, pero también la decidida búsqueda del hijo único por encontrar una manera de supervivencia en medio del dolor y la soledad. Dylan la encuentra en una actividad singular : la fabricación de avioncitos de papel. Este hecho gatilla en el muchacho, el anhelo de llegar a clasificar representando a Australia, para integrar el team que competirá en el Campeonato Mundial en Tokyo.

El diseño del avión es significativo para acceder al triunfo. Más allá de la simplicidad que pareciera adornar este singular deporte no-tradicional, Connelly le da gran preponderancia, a la integración multirracial de los niños, a los choques multiculturales, y a los esquemas más clásicos de una competencia. Se trata de una cinta hecha para divertir, aunque no escabulle la posibilidad de someter al espectador, a una reflexión sobre la orfandad maternal, el desequilibrio emocional por la falta de la figura femenina, y en fin, a la integración cultural que existe en situaciones de este tenor para gloria de los espectadores.

El paisaje semidesértico oceánico subraya la acción de la primera parte del relato. Después se concentra en la luminosa y moderna metrópolis japonesa.

El acercamiento entre el padre y el hijo se hará más estrecho, cuando el niño logre clasificar para las finales.

"Aviones de papel" pretendió ser una nueva veta para las películas infantiles. En entrevista concedida a un medio escrito, Connelly remarcó la idea inicial del filme, porque quería hacer algo distinto a lo ya visto en cientos de ocasiones. Según los informes, se había propuesto hacer una película para sus propios hijos, de nueve y once años, sobre la base de ideas que podrían "hacer una diferencia en sus vidas". Oxenbould dijo que se sintió atraído por el guión, porque hay pocas películas australianas que se han hecho específicamente para los niños, y aún menos que tiene de héroe a un niño."Sentía que no hay películas como ésta", dijo."No puedo recordar la última vez que vi una historia así y esa es la razón por lo que acepté el desafío al instante. "Personalmente, me gustaría ver más películas dirigidas a los niños", concluye"

Director y actores en la prémiere en Sydney.

La gráfica para el magazine estadounidense "The Hollywood Report".

Violencia escolar, un mal endémico.

*** Una nueva perspectiva para abordar el tema del bullying, nos trae esta singular cinta holandesa que ganó el "Rembrandt Awards" de su país, para terminar cautivando a los espectadores juveniles con una notable manera de retratar los ambientes estudiantiles.

La cinta "Spijt" ( 2013 ) está dirigida por Dave Schram. Cuenta desde una óptica realista un caso se bullying, para entender por qué se origina, cúales son sus consecuencias y qué motiva a los muchachos a despertar en ellos, la maldad que los puede llevar a la muerte. En este retrato se cuela, la pincelada humanista en las relaciones adolescentes, que tiene como protagonistas al chico más famoso del curso y al más inhibido. En paralelo, se viven una serie de anécdotas relativas a un grupo de rock, a los tiras y afloja en clases con los profesores, y a las desdichas de ser un alumno fustigado y aislado del resto, sólo por su condición de freak.

El relato tiene la virtud de ampliar su reflexión, al ámbito familiar para subrayar la tremenda desesperanza que existe cuando el mal se ha enraizado dentro del aula. En varias ocasiones, estos chicos muestran los colmillos, pero también su sentido de la solidaridad, la amistad, el compañerismo, la competencia y la tolerancia. La crítica surge cuando la animosidad de los muchachos, pierde la brújula y se entrampa en los líos de pareja, el caos, el desorden, la violencia y el crimen. El director somete al espectador, a una tensa escalada de situaciones que pudieran ser mensurables para evitar males mayores, pero que, en su desaforada sorpresa, somete a la víctima al repudio, la desolación y la autodestrucción.


El retrato en el high school pudiera haber derivado en algo pueril y esquemático. Por suerte y oficio no ocurre así, y la película logra interesar porque evita los lugares comunes y plantea sus críticas más directas, a un sistema que permite que se potencien en el anonimato y la oscuridad, los comportamientos más bestiales y retrógrados. Sin duda, es una película con una temática muy vigente, para exhibirla en las escuelas y liceos, como una forma de promover la no-violencia estudiantil. Afianzan las imágenes, las sugerentes canciones del cantautor Emmet Tinley, Brahim Fouradi, Adrian Silver y Herman Witkam, entre otros.

El equivalente al Oscar holandés, recibieron los integrantes de la película.

Maltrato Infantil : el silencio de los inocentes.

*** Adaptación al célebre libro de José Mauro de Vasconcelos, que recrea los recuerdos de una infancia marchitada por la violencia familiar, pero rememorada con las nostalgias de un amigo entrañable que incentiva a un niño a transformarse en escritor.

"Meu Pe De Laranja Lima" ( 2012 )de Marcos Berstein. Es la historia de Zezé ( el extraordinario niño revelación Joao Guilherme Avila ), segundo hijo de un matrimonio de extrema pobreza que habita al interior de una localidad brasileña y que disfruta contando historias, a menudo bajo las ramas de un viejo árbol que le sirve de confidente. El filme es un largo flash back sobre el recuerdo autobiográfico de Zezé. Retrato nostálgico sobre la dura infancia que pasó con su familia, la violencia de un padre alcohólico, la resignación angustiante de una madre expoleada por la marginalidad, y la entrañable relación de amistad con el portugués, el único propietario de un vehículo último modelo y de una casona llena de coleccionismo.

Zezé recuerda a El Portugués en su tumba y la película no escabulle los clichés dramáticos y las buenas intenciones al revelar un caso de profunda emocionalidad contenida. El filme nunca pierde el lado ternurista, y la actuación del pequeño Joao sobrecoge, porque sus facciones reflejan la tristeza del niño golpeado. El tono poético que alcanzan varias situaciones se entremezclan con el lado más costumbrista de la vida en una apacible aldea rural, sobretodo al captar la belleza del paisaje mediante la fotografía de Gustavo Hadba, quizás con cierta tendencia al preciosismo más rebuscado.


Pese a todo, la película resulta sobrecogedora, por momentos muy emotiva, candorosa y espiritual. Dentro de su lirismo, ayudan las espontáneas acciones de Zezé. y algunas anécdotas propias del realismo criolliosta. En la visión de los personajes secundarios, se esconde el pintorequismo más característico de cierto cine brasileño que, en otros tiempos se transformó en estandarte de lucha por reivindicaciones sociales y políticas. Y pensamos en el célebre Glauber Rocha y sus poéticos retratos del interior del país, aunque este relato es meramente circunstancial y directamente dirigido al niño que llevamos dentro.

El director Marcos Bernstein le saca partido a las actuaciones de los niños, porque los deja improvisar frente a la cámara, y logra dimensionar, toda la melancolía de los oprimidos por la violencia familiar, desde el contexto de un hecho real, que marcó para siempre la vida de un escritor de reconocida trayectoria internacional. En la solvencia narrativa de un estilo de relato costumbrista vista a través de la mirada de un niño, se nos devuelve toda la magia de los viejos cuentos de nostalgias pasadas, vinculadas a la existencia de fuertes motivaciones expurgadas con la pluma del autor completo.

El veterano actor saopaulista José de Abreu ("Guerra de Canudos"; "Insensato Corazón"; "Avenida Brasil" ), interpreta con tremenda naturalidad y sólidos recursos expresivos al Portugués, un viejo romancero que gusta del coleccionismo más obsesivo, con un pasado entre las sombras del anonimato y la mitología del falangista. En la estrecha relación que establece con el niño Zezé. se vislumbran los arrebatos paternalistas que solidifican la figura de un guía espiritual a la altura del caballeros medievales. En él, están las claves para entender la verdadera naturaleza del hombre aventurero que viene de vuelta de todo y de todos.

El director y guionista Marcos Berstein, se inició en el cine como escritor de guiones donde ha logrado su mayor reputación, gracias a películas como : "Estación Central"-el mayor éxito del cine brasileño contemporáneo-, "O outro lado da Rua", que también dirigió-, y "Faroeste caboclo"/"Brazilian western". Como director, sólo tiene dos películas argumentales y dos documentales que muestran su pericia para trazar cuadros costumbristas que reflejan la vida al interior de Brasil. Su último trabajo ha sido el guión del drama "Pequeño segredo" ( 2015 ), dirigido por David Schurmann y que cuenta con la actuación de la actriz irlandesa Fionulla Flanagan ("Los Otros").

El tema de la violencia familiar contra los niños es el eje dramático del relato. Bernstein integra los momentos de máximo sopor con una sutileza argumental para evitar los desbordes con inteligencia y con sólidos aunque elementales recursos expresivos.

No hay que ser pitonizo, para suponer que a Zezé le ocurre de todo, en los escabrosos momentos de los castigos paternales. Bernstein evita ser muy elocuente, pero su protagonista manifiesta en su contenida expresividad, los sinsabores de su propia existencia. El filme retoma el viejo tema de Padre Padrone, El Bola y Fanny & Alexander, para suponer que la violencia en cualquiera de sus formas, se manifiesta igual en todas partes del mundo.

El joven actor brasileño Joao Guilherme Avila, cuenta con dos películas de largometraje - Meu Pe de Laranja Lima ( 2012 ) y Entrando numa robada ( 2015 )-, y una serie televisiva de gran popularidad - "Cúmplices de um resgate"-, ya que el resto de su carrera, está dirigida al online como cantante y animador de su propio Vlog. El chico tiene excelente voz y muestra unos perfiles de prodigio muy acomodaticios a los tiempos de Internet. En otra ocasión, comentaremos su trayectoria musical.

En esta escena, Zezé se hace amigo de un cantante callejero, quien lo insta por el camino artístico. Y pese a que su padre le observa desde la calle sin que éste se dé cuenta, lo fustiga con castigos ilegítimos. Lo mejor de estas secuencias, son las canciones pertenecientes a los viejos romanceros cariocas. Nostalgias eternas. Eternas nostalgias del corazón.

El elenco de la película en la premieré realizado en Rio de Janeiro y Brasilia.

Un nuevo enfoque a la crisis educacional.

*** La comedia chilena "Desastres Naturales", muestra que la problemática todavía es inagotable. ¿ Qué hacer con la reforma educacional ? ¿ Cuál es el rol de la vocación educativa ? ¿ Cuánto entusiasmo hay de los directores, maestros y alumnos por revertir una situación que ya tiene a tres generaciones de jóvenes en la incertidumbre ? ¿ Hay salida a los conflictos en juego?

Nunca es tarde para abordar una tema que nos compete a todos. Me siento un poco incómodo escribiendo estas líneas, porque desde que tengo memoria, el problema de la reforma educativa en Chile, se ha transformado en un mal endémico que no parece tener solución y que nos acompaña todos los años para revelar la crisis que lo embarga. Falta financiamiento para llevar a buen término las iniciativas que dictaban una educación igualitaria para todos. Falta comprensión para valorar el trabajo de los educadores que están en el mejor de los casos, suponiendo que algún día este problema va a decantar en algo peor. Faltan poderes independientes para la mejor distribución de los recursos económicos y mayor transparencia en los gastos operacionales. Faltan incentivos en los propios alumnos para valorar y cuidar lo que tienen, sin prejuicio de reclamar cuando ellos vean que las promesas no se llevan a cabo. Faltan una reforma que funcione siempre y en distintas condiciones, gobiernos y épocas, para ir desarrollándose, creciendo y evolucionando acorde a las generaciones de alumnos que se integran año a año en los estudios. Entender mejor el problema de los profesores que se sacan la mugre en colegios rurales o urbanos para mantener una vocación en el limbo, es suponer que, la entrega de conocimientos en un mundo convulsionado como el que vivimos, es tan necesario como comer, vestir y trabajar. Pero no todos lo entienden así. Más aún, para las autoridades - cualquiera sea su línea política- la educación sigue siendo un lastre y nunca una inversión, seguramente "porque los niños no votan", como diría un personaje de Francois Truffaut en La Piel Dura. Cierto. También hay avances logísticos, pero que corren como paquidermo enfermo en vías de extinción. "Desastres naturales" se cuelga de la problemática colectiva de la educación pública chilena para narrar con mucha ironía, humor y dramatismo, la historia de Raquel ( la grandiosa Ana Reeves ), una profesora de colegio de población periférica, que fue obligada a renunciar y jubilar anticipadamente, producto de un sistema que desecha la experiencia por la economía de recursos. Cuando regresa al aula sorpresivamente en medio de la preparación de un acto con padres y apoderados, sus alumnos de cuarto año medio deciden encerrarse con ella en una sala, para exigir su inmediata restitución a expensas de una directora voluntariosa, pero manejada por intereses externos ( Catalina Saavedra).

La película grafica varios síntomas que se tejen en estos casos determinados de expulsión anticipada. El director Bernardo Quesney y el productor Pedro Peirano, aprovechan el relato para transcribir una abierta crítica al sistema burocrático, que permite muchas de éstas injusticias y las hace pasar por cuestiones de elemental administración. También hay un sesgo marcado, que muestra a las profesoras de experiencia como más compresivas y maternales que las nuevas docentes, preocupadas únicamente de ser rentables al sistema trazado. Es un choque cultural y de vocación de servicio. Mientras las viejas maestras muestran su amor por la enseñanza, las más jóvenes aparecen como coléricas y desalmadas, y aceptan el trabajo por una simple necesidad de subsistencia, sin siquiera comprender la importancia de su rol en la formación de los alumnos. Tampoco se queda corta la película, cuando debe confrontar las posiciones políticas de los muchachos. Mientras, unos aparecen como dispuestos al diálogo y la negociación, otros, simplemente son partidarios del desorden y el caos, porque ven agotados los canales tradicionales de integración y credibilidad.

Al amparo de un guión muy idóneo en lo formal, aunque débil en la profundización de la sicología de sus personajes, los actores logran asumir susrespectivos roles con solvencia y pulcridad. El filme es entretenido, y aunque parezca extraño, logra hacer comprender algunas de las raíces del problema educativo. En la rebeldía de los chiquillos, está la consecuencia más directa de los errores que no se corrigieron en su momento, para asegurar que la idea inicial de la reforma llegara a ser una realidad.

La actriz Ana Reeves practicando skate con la ayuda de sus alumnos, durante un descanso del rodaje.

Lobby card publicitario de la película, disponible en DVD.

Inocencia Interrumpida.

*** Un acontecimiento deleznable como un acto terrorista, sirve de contexto para esta singular comedia dramática sobre una niña inocente que sufre de la enfermedad de Dawn, y nos da una lección de vida.

"Anita" ( 2009 ) dirigida y escrita por el cineasta argentino Marcos Carnevale, toma como contexto el atentado a la AMIA producido el 18 de Julio de 1994, para ficcionar la historia de una joven con el síndrome de Dawn y aprovechar de radiografiar la realidad de un país hermano, que muestra algunas de nuestras propias carencias y defectos. En la primera media hora la relación afectiva entre Dora ( la estupenda Norma Aleandro ), la madre de Anita ( la debutante Alejandra Manzo ), remarcan la naturalidad para interrelacionarse en un ambiente familiar. Todo va de maravillas hasta que cerca de la librería que la madre de Anita mantiene, explota una bomba... El relato pasa de la comedia familiar al drama existencial y logra cautivar, porque jamás traiciona sus fines aleccionadores. De alguna manera, Marcos Carnevale orienta la mirada a la expurgación de las diferencias raciales, políticas y sociales, para insistir que lo importante está en ellos, nuestros propios hijos.

Conmovedora y emotiva es esta película que, en su momento dió mucho que hablar en Argentina. No sólo porque utiliza un hecho noticioso real para enmarcar una crónica de supervivencia, sino porque nos devuelve todo el talento de la maravillosa actriz Norma Aleandro ( "La historia oficial"; "El hijo de la novia"; "Sol de Otoño" ), sin duda, una de las grandes actrices del cine latinoamericano. Cabe resaltar, la estupenda interpretación de Alejandra Manzo, no sólo porque memoriza unos diálogos complejos, sino porque hace de su apariencia, una grandiosa transformación de chica vulnerable, llena de candor, dulzura e inocencia.

Esta es una de las fotos promocionales de la singular película trasandina.

Transitando en búsqueda de la madre desaparecida, Anita vivirá una aventura llena de sorpresas y personajes muy característicos de la realidad bonaerense.

Con absoluta propiedad, la actriz Alejandra Manzo es capaz de hacer reír, conmover y transmitir la angustia de estar sola en una ciudad enorme. Luego de esta experiencia, participó en la serie "Televisión por la inclusión" en el 2011.

Adiós a los niños.

*** El filme francés "Une Enfance"/"Una infancia", explora por la tremenda circunstancia que lleva los hijos al desamparo más cruel e injusto, producto de los conflictos al interior de un matrimonio marginal. Es una mirada cruda, realista, visceral y contingente, que retoma el estilo de la vieja escuela de nouvelle vague.

Las desventuras de Jimmy ( Alexi Mathieu ), de once años y su hermanito Kevin ( Jules Gauzelin ), hijos de un matrimonio disfuncional que vive del tráfico de drogas y del robo, está narrada desde la óptica de la clásica escuela de la nouvelle vague. Es decir, hay una sucesión de acciones realistas, con actores no profesionales ( y algunos de trayectoria ), en ambientes naturales y con una gran libertad para mover las cámaras y ambientar las distintas situaciones que viven estos chicos. También se nota la influencia de los hermanos belgas Dardenne en el estilo estético - filmaciones desde atrás de los protagonistas, improvisación de los niños actores en momentos sorpresivos y efectos realistas ), con una cuota de sensibilidad familiar muy acorde a los filmes de denuncia social de estos tiempos.