Séptimo 7 sello: Las comedias cómicas que reviven en el gusto cinéfilo :

La Alegría de Vivir.

El Inspector Clouseau en uno de sus numerosos gags.

En mi adolescencia, escapando de una mala nota escolar, me refugié buscando tranquilidad en el Cine Astor de Talca.
El programa de las marquesinas no me decía nada especial, pero frente a la soledad que me embargaba, decidí entrar para distraer mis tensiones.
Ese día proyectaban en programa doble : "¿ Y dónde está el piloto ?" y "Xanadú".
Sin saberlo, ahogué mis penas en dos comedias de distinto registro.
La primera titulada en inglés "Airplane !" ( 1980 ) , era una astracanada tan inteligente, que hizo estragos entre la concurrencia, destornillando las carcajadas con sonora complicidad.
De la angustia inicial pase a la risa estertórea.
Nunca me había reído tanto. El desahogo me hizo muy bien.
Me acordaba de las viejas películas de guerra y de las cintas catástrofes, que remedaban muchas de sus secuencias, así que entendía los chistes y las imitaciones atolondradas.
Nunca olvidaré la parodia a John Travolta bailando en "Fiebre de Sábado por la noche", o a la escena más característica de amor de "De Aquí a la Eternidad", o la "tomadura de pelo" a "Aeropuerto", con ese avión lleno de pasajeros locos y desenfrenados.
Tampoco al eternamente cano Leslie Nielsen, entrando y saliendo por la cabida del piloto, para desear buen viaje, mientras la tragedia se cernía como una sombra maléfica.
Relajado y sin prisas, acudí al término de la exhibición, al foyer donde expendían caramelos y bebidas.
Al divisar el baño, comprobé los resultados de la carcajada destemplada. Era una larga fila de espectadores, que acudía a secarse las lágrimas de alegría, que logró originarnos esa película entrañable del grupo ZAZ ( David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker).
Con el tiempo, este trío de judíos transgresores de las reglas de la comedia, se harían famosos con nuevos remedos al cine de espionaje y al thriller policial.
Sin sospecharlo siquiera, habíamos asistido a un nuevo estilo de humor, basado en los éxitos más célebres del cine. En la memoriabilia del séptimo arte.
Después vino la exhibición de "Xanadú" ( 1980) de Robert Greenwald, la placidez del amor, hecha música, canciones, romance con Olivia Newton John en la cresta de la ola, interpretando a una musa que enamora a un joven artista ( Michael Beck ), y de paso, inspira la apertura de un gran salón de patinaje, en la época en que baile y roller eran compatibles. Gene Kelly hacía un papel entrañable como un veterano músico de Tommy Dorsey.
Sonará fetichista, y aunque esté considerada dentro de las peores películas de la historia, debo reconocer a "Xanadú", su alegría, su vigor y su diáfana música, interpretada por Electric Light Orchestra y Olivia en el pináculo de su gloria.
Ciertamente, la comedia tuvo la culpa, de sacarme de la depresión y devolverme las ganas de vivir, con la alegría de sus originales historias.
De este género, trata esta nueva entrada semanal de "Séptimo7sello".
Revisitaremos clásicos, nos sumergiremos a descubrir algunos de los maestros del gags y reflotaremos la esencia de este maravilloso arte, con la complicidad de Ustedes nuestros fieles seguidores. ¡¡¡¡Bienvenidos !!!!

"La Pantera Rosa" :
¡ Cuidado que llegó el Inspector Clouseau!

Inconfundible de gabardina, guantes y sombrerito tirolés. Es Peter Sellers como el Inspector francés.

Nunca el inicio de créditos de una película, originó un personaje tan original, como "La Pantera Rosa" ( "The Pink Panther", 1964) dirigida por Blake Edwards.
Sinónimo de la destrucción, la locura y la anarquía, el filme inicial nunca determinó su real importancia en el contexto del género, hasta su resurreción diez años más tarde, siempre con la interpretación del genial Peter Sellers.
Antítesis del actor excéntrico, Sellers era una tipo esmirriado, nada de simpático en el set, muy autosuficiente y egomaníaco.
Si hay algo que reconocerle al personaje, es la facilidad para subliminar al actor. El Inspector Closeau es lo opuesto a la verdadera personalidad de Sellers.
Como supondrán, la versión original interpretada por Capucine, Claudia Cardinale, David Niven y Robert Wagner, es una cinta rodada en exteriores, aunque todo ocurre en un mundo ficticio y originó ocho películas más, incluyendo la desabrida versión de Steve Martin.
Como recordó una vez, el crítico Hvalimir Bálic, a propósito de la obra de Edwards :
"La gran originalidad de La Pantera Rosa no está en que Sellers- Clouseau sea un angélico-destructivo que recrea el origen oculto de las cosas, sino que, el camino triunfal que le abre a un personaje que tendrá éxito, haga lo que haga, diga lo que diga, y esté donde esté.
Es este capítulo inicial, donde se resume su visión del mundo policial -perseguidores y perseguidos incluídos- como una unidad en la cual, el caos y la casualidad, tienen mejores posibilidades de triunfar que el trabajo sistemático y la planificación, tanto por parte de los representantes del orden como de los delincuentes".
De alguna manera en el frenesí de la parodia, Closeau logra compenetrarnos en un mundo caótico, en el cual, buenos y malos subliminan sus acciones, en una encadenamiento de situaciones desmadradas.
El robo de la preciada joya ( un enorme diamante que al verse traslucida al sol, parece una pantera rosa que baila ), no es más que un guiño surrealista, que nunca se lleva a cabo, porque el personaje de Claudia Cardinale, no es la típica chica linda y tonta, fácil de engañar. Y aunque el ladrón de guante blanco encarnado por David Niven, hace lo que puede, primero solo con sus atributos de dandy, y después secundado por un sobrino; nunca se desestima la capacidad femenina de atisbar el aroma de ambiciones, que se entrecruzan en el relato.

Disfrazado para pasar desapercibido, Clouseau hace de las suyas.

Un trío de singulares ladrones de guante blanco : Robert Wagner, Capucine y David Niven.

A los agradables escenarios naturales en los pirineos, se une la sofisticación y el glamour de un hotel de pasajeros adinerados.

Fue el único capítulo donde salió su mujer, una ladrona siempre golosa en la cama.

Los gags se suceden como en un cartoon. Con desbordes surrealistas y algo desenfrenados y caóticos.

Peter Sellers en el debut de su inspector idiota y destructivo, aparece engañado por su propia esposa ( Capucine), demostrando que, es muy bueno en la cama y muy malo en las investigaciones profesionales.
Clouseau es un freak, que todo lo que toca estalla y muere. Un bobalicón, demasiado sumergido en el marasmo de su matrimonio modélico,en el espejismo de una vida aparentemente feliz.
Clouseau aparece como un experto criminalístico, un Sherlock Holmes de las altas esferas, un espejismo loco y pequeño, que zozobra ante la patudez de una mujer, demasiado ambiciosa y perenne.
Los mejores gags están en la intimidad de una almohada : toda la secuencia en el dormitorio de él, a costa de los ladrones refinados y su mujer, se cuenta entre los más significativo que ha legado para el género, el bueno de Edwards. Es un constante cambio de escondrijos bajo la cama, dentro del baño, o en unas cortinas, mientras Clouseau sólo piensa en tirar. Porque tirar, le asegura la eficacia, que en la profesión no consigue ni con toda la "surete" bajo su mando.
Ni olvidar el gag del anciano que intenta atravesar una avenida, donde se entrecruzan vehículos con personajes disfrazados, que van y vienen, calle arriba y calle abajo.
Ahí está la médula de la serie cómica de "La Pantera Rosa", la risa inteligente, sutil y certera, que no se olvida y permanece siempre en nuestra memoria cinéfila.

"Un disparo en la sombra" :
La secuela accidental.

Ahora el Inspector, defiende la inocencia de una escultural Elke Sommers.

A Blake Edwards no le gustaba para nada el guión de "A Shot in the dark" ( "Un disparo en la sombra"/"El nuevo caso del Inspector Clouseau", 1964), la siguiente película que debía filmar después de "La Pantera Rosa".
Era una historia sobre criminales encerrados en una mansión de lujo, que reflotaba los viejos thrillers de los años treinta, donde el mozo era el único que sabía la identidad del asesino, o era el culpable criminal.
Inteligentemente, Edwards adulteró el guión y lo convirtió en la secuela de la aventura inicial de Clouseau para mayor gloria de Peter Sellers, que terminó actuando a cambio de los vuelcos de orientación que tuvo la historia central.
"Un disparo en la sombra" es un filme que hay que descubrir. Merece una revisión inmediata, pese a sus irregularidades en el planteamiento de las situaciones, porque condiciona las intrigas del inspector, con una afortunada sucesión de hechos demenciales.
Hasta el cuartel de policía francés, llega una bellísima Elke Sommers en el colmo de su sensualidad. La chica es todo candor. Todo sexo. Curvilínea, con unos labios muy sensuales, una mirada de gatita regalona y un arma difícil de olvidar : sus pechos. Culpable de la serie de asesinatos que se registran en una lujosa mansión, el Inspector cree en su inocencia, porque frente a una esbelta rubicunda sensual, Clouseau es un perro en celo.
Lo que viene después está planteado en plan descabellado : el mejor gag sigue siendo cuando el Inspector y su beldad, se meten en un campo nudista con las consecuencias risibles del caso.

Premunido de su pistola, el detective investiga las muertes, que deja una hermosa mujer en una mansión.

La chica sostiene su inocencia y sólo Clouseau le defiende.

El mejor gag de la película, Clouseau debe desnudarse para investigar en un campo nudista.

Cuando Clouseau parece recibir su sexual recompensa, viene la destrucción explosiva.

Hay muchísimo humor, pese a su uniformidad, y un apego al slapstick que recuerda a Laurel, el ícono de Sellers de"El Gordo & el Flaco".
Toda la escena de Sellers jugando pool con el irascible George Sanders, es divertida y caótica.
A partir de este capítulo, hacen su aparición : Herbert Lom, como el rabioso y enloquecido Charles Dreyfuss, jefe de Clouseau, que aquí se manda un numerito intentando asesinar al inspector; el singular Burt Know como Kato, el sirviente japonés que arremete con todo lo que tiene, cuando entrena artes marciales con su despreocupado jefe; y Graham Stark, un comediante de segunda línea, que disfrazado de distintos personajes, estuvo siempre al lado de Sellers en la saga. Muy cómica.

"El Regreso de la Pantera Rosa" :
Reencuentro triunfal con el personaje.

Degradado a gendarme, vigila el frontis de un banco.

Diez años después de iniciada la saga del Inspector Clouseau, con Peter Sellers como el intérprete central, el director Blake Edwards retoma el personaje, con unas ideas eficaces y una trama perfecta.
Degradado por su jefe Dreyfuss ( Herbert Lom ), debe restituírlo en su puesto a la brevedad, cuando es comisionado a seguirle la pista a un refinado ladrón, Charles Litton ( Christopher Plummer ), después que aparentemente, éste perpetrara el robo de la joya en Oriente, y engañara la inexpugnable fortaleza de seguridad donde estaba en exhibición.
El filme tiene la virtud de no hostigar. Los gags no están pensados a la ligera.
Cuando Clouseau deja atrapado su maleta en las puertas giratorias, o malinterpreta el rol del espía disfrazado de empleado telefónico, estamos en presencia de la esencia de la comedia ligera refinada y artera. Además, todas las secuencias de humor, son la sumatoria de hechos anteriores, y nada de lo que Clouseau haría, está sujeto a un oasis de inercia.
Agréguese la presencia de la bellísima Catherine Schell, como Lady Claudine, que en su golpe de autosuficiencia maestro, se transforma en una ladrona refinada con rostro angelical.
Toda la secuencia donde ella actúa que no conoce a Clouseau, la revela en su fuero interno : además de una arpía es una celestina con la astucia y suspicacia de un zorro bestial.
Edwards tuvo la suficiente virtud de estirar la cuerda de los personajes centrales, para darle cabida a la ironía, el buen gusto y la sorpresa.

Intentando pasar desapercibido, Catherine Schell no puede aguantarse la risa.

Con Kato disfrazado de geisha, se enfrenta en un restaurant con las consecuencias catastróficas del momento.

El filme obtuvo un tremendo exito, secundado por la serie animada que, era muy popular entre los niños y jóvenes, que no se perdían sus capítulos por la televisión.
De esta manera, "El Regreso de la Pantera Rosa" ( "The return of pink panther", 1975), significó el reinicio de una secuela, que repitió sus tics y sus inolvidables personajes, con la seguridad de una obra de comprobada calidad artística.
Cabe mencionar, el notable trabajo del músico Henry Mancini que elabora melodías muy singulares para esta entretenida secuela rosa. Imperdible.

"La Pantera Rosa ataca de nuevo" :
No hay tercera sin cuarta.

La parodia alcanza la sátira, a través de los numerosos disfraces y secuencias alocadas que integra la historia.

Esta continuación de la saga del Inspector Clouseau, insiste en los escatológicos desaciertos del personaje, ahora tras la pista de un terrorista árabe internacional ( Omar Shariff). Mientras, el Inspector Dreyfuss ( Herbert Lom ), ha sido dado de alta tras su reclusión en una clínica siquiátrica.
Es la saga con más variedad de locaciones, ya que se desarrolla en : París, Londres, Egipto, Nueva York y Alemania.
Además, integra con mucho acierto, una trama llena de personajes interesantes, desde el profesor Hugo Fassbender ( Richard Vernon ), pasando por una espía rusa ( Lesley Ann-Down), hasta el Superintendente Rossiter ( Leonard Rossiter ).
La contingencia política también es motivo de una parodia en Washington, con el presidente de Estados Unidos y un secretario que es la viva copia de Kissinger.
Y para los hombres enamorados, está la presencia magnética de la olvidada Colin Blakely, una especie de muñequita rosa, que asume su encuentro con Clouseau a la manera europea : directo al grano.
Dreyfuss en la sicosis de sus deseos de asesinar a Clouseau, está en la cima de sus potenciales histriónicos, y como nunca Herbert Lom sostiene casi todo el filme.

Pobre Dreyfuss, que sufre las consecuencias de su odio sicótico contra el Inspector.

Este capítulo remarca el juego de las apariencias. Clouseau se disfraza hasta de un tipo gordo y bombástico, y aparece en varias oportunidades, con maquillajes realmente singulares.
También es el capítulo con más homenajes al cine : "Batman", "King Kong", "La Novicia Rebelde", "Cantando bajo la lluvia", el cine cómico silente, el cine de aventuras, etc.
La notable fotografía de Harry Waxman le saca partido a las secuencias en exteriores, privilegiando lugares turísticos característicos, mientras que el montaje de Alan Jones, ata los cabos sueltos con sólo la sugerencia visual y los empalmes directos.
"La Pantera Rosa ataca de nuevo" ( "The Pink Panther strikes again", 1976), puede que no sea un modelo de relato, pero asegura la diversión con buenos gags y una cuota de optimismo. Recomendable.

"La Venganza de la Pantera Rosa" :
La Mafia en la secuela.

Clouseau con otro de sus extravagantes disfraces.

Cuando se estrenó "La Venganza de la Pantera Rosa" ( "Revenge of the Pink Panther", 1978),

ya era famosa la saga de "El Padrino" de Coppola. Este capítulo por lo tanto, incorpora a un Don, Bruno Langlois ( Robert Loggia ), para ampliar las posibilidades del personaje de inmiscuirse en asuntos criminales.
La idea está desarrollada con astucia. Dyan Cannon es la "querida" del Don, que ha sido expulsada y busca refugio con Clouseau. Lo demás, es un juego de accidentes, dobles vueltas, confusiones en la tradición de "La Pantera Rosa".
La película logra aplicar la filosofía de la destrucción a escala global. Ya no basta con los altilugios en el entrenamiento de Kato, sino que, ahora Clouseau arremete contra los cacos, con una inconciente ansiedad.
Clouseau es un petrimete. Un tipo buen corazón, distraído y bobalicón, que destruye todo lo que toca, y que se salva innumerables veces de la muerte, porque tiene una suerte loca.
Como nunca antes, Edwards acentúa estas circunstancias, para replantear al personaje su arquetipo de cándido-destructor.
Es como una vuelta a su habitat natural. Clouseau no es que sea concientemente malévolo, pero en su distraído comportamiento, están los detonantes de su propia autodestrucción.

Ni la condecoración presidencial le sale bien, al obsecado policía de la surete francesa.

El filme adiciona el desenfreno demencial de Dreyfuss, ya fuera de sí, y los desaciertos de unos mafiosos demasiado encantadores.
La dirección de Blake Edwards, se encamina a los estadios más demenciales de los thrillers policiales con capos de la mafia integrados dentro de una cazuela.
Todo parece circular sobre Clouseau aunque él no esté en presencia física. Cuando se disfraza de un capone gordo con un terno rayado algo sicodélico, Sellers incorpora al personaje la inocencia procaz. Suave, delicado, caballeroso, atendible, imponente, pero tremendamente explosivo.
En este sentido, la secuencia final en el puerto con los fuegos de artificio, nos recuerda a Jacques Tati en "Día de Fiesta". Muy entretenida.

"La Pista de la Pantera Rosa" :
Rigor mortis.

Un resumen de los mejores gags de la serie reúne este capítulo despedida.

La historia que se esconde detrás de esta sexta película de la serie de "La Pantera Rosa", es tremenda. Porque para entenderla hay que considerar, que Peter Sellers estaba muy enfermo. Con un marcapasos, ya había sufrido dos preinfartos y varios problemas serios al corazón.
"La Pista de la Pantera Rosa" ( "The Trial of the Pink Panther", 1982 ) es por lo tanto, un filme inacabado. Un bosquejo de un relato que no fue.
El director Blake Edwards y su productor habitual Tony Adams, decidieron rodar la película y estrenarla como un homenaje a Sellers-Clouseau.
En este contexto, hay que entender porque a medio camino del relato, Sellers desaparece, y una reportera ( Joanna Lumley ) asume la misión de investigar ¿ dónde está Clouseau ?
El resto es como un reportaje televisivo" falso", que reconstruye con los personajes secundarios que le acompañaron en la saga, la historia de su desaparición.
Ello da origen, a una selección con los mejores gags de la serie Sellers.
Para los cultistas de la serie, hay también algunos personajes originales, como el que interpreta Richard Mulligan, con esa anciana empleada que un perro ayuda, mientras sirve copas. Un gag de lo mejor, creado para la serie. Interesante.

Blake Edwards :
Maestro Indiscutible de la Comedia.

Al realizador le gustaba hacer reír al espectador.

Padre gestor de "La Pantera Rosa", el director, productor y guionista Blake Edwards ( 1922-2010), se hizo muy popular a raíz del personaje, aunque su filmografía da cuenta de un autor a toda regla, muy afiatado a la línea de comedia sofisticada, aunque probó otros géneros como el thriller, el western, y el drama.
Proveniente de una familia de profesionales vinculados al cine ( su padre era J.Gordon Edwards, un destacado director del período silente ), su vocación estaba predestinada al mundo del entertainment.
De tanto acompañar a su familia a los sets, a los 20 años de edad, alguien le ofrece la posibilidad de trabajar como extra.
Sin pensarlo dos veces acepta y hasta 1948, se hará sus primeros pinitos como actor secundario en 27 producciones de distinto interés.
Después, se inicia como guionista, resaltando como colaborador habitual del director Richard Quine, a través de siete películas, entre ellas "Faltan hombres" ("My sister Eileen", 1955) y "Mi novia es un teniente"/"Operación faldas" ( "Operation mad ball", 1956).
Como subrayó Zoom recordando al artista : "La carrera de Edwards ha tenido momentos de triunfos y otros de franca desesperación que lo convirtieron en un frecuente paciente de siquiatras".
"Su condición estelar de showbitz kid le permitió acumular una enorme fortuna ( nacida principalmente de La Pantera Rosa y secuelas, que ha producido un negocio de multifacéticas dimensiones estimado en cerca de 500 millones de dólares de su época); y cumplir una trayectoria que estuvo emsombrecida constantemente por sus frecuentes enfrentamientos con productores tiránicos que han mutilado sus obras".
Esta relación de amor-odio, le significó efectuar algunas de las comedias más críticas contra el star system, y también convertirse en un hombre-empresa, capaz de financiarse sus propias películas.

Con su esposa, la actriz Julie Andrews, en el set de "Victor/Victoria".

Junto a Peter Sellers en el set de "La Fiesta Inolvidable"/"The Party".

Con Amy Irving y Dudley Moore en el rodaje de "Mis dos mujeres"/"Micki and Maude".

Casado desde 1970 y hasta el final de su vida, con la actriz Julie Andrews ( "La Novicia Rebelde"), protagonista de siete de sus filmes, asumió una vida muy activa, compartida entre viajes internacionales, negocios y obras de caridad pública.
Su filmografía considera : 28 títulos como productor, 68 como guionista y como director, 10 trabajos para la televisión y 37 para el cine.
Entre sus obras más destacadas, fuera de las populares aventuras del Inspector Clouseau,están : "Muñequita de lujo" /"Desayuno en el Tiffany"( "Breakfast at Tiffany"s", 1961), su primera obra maestra, es una clásica comedia romántica con Audrey Hepburn y George Peppard; "Días de vino y rosas" ("Days of wine and roses", 1963), "un melodrama sólido, plegado sobre sí mismo, y sin salida posible", que gira alrededor del tema del alcoholismo con Jack Lemmon y Lee Remick; "La Carrera del Siglo" ( "The Great Race", 1965), "el más contundente de los homenajes rendidos jamás por Edwards, a los cineastas del cine mudo cómico, comenzando por Sennett, con Jack Lemmon, Tony Curtis y Natalie Wood; "La Fiesta Inolvidable" ( "The Party", 1968), en ambientes chic, desarrolla una obra maestra de la locura y la destrucción con Peter Sellers; "La leyenda del Tamarindo" ( ""The tamarind see", 1974), un melodrama de espionaje, con romances y escenarios exóticos para mayor lucimiento de Julie Andrews; "10: La Mujer perfecta" ( "10", 1979), ajuste de cuentas de Edwards con el ideal femenino protagonizado por una inolvidable Bo Derek en el colmo de su erotismo y Dudley Moore; "S.O.B." : Se Acabó el mundo" ("S.O.B.", 1981), comedia negrísima que ironiza a Hollywood ( "es un cuento macabro, como una comedia negra que es puro vinagre en medio del champaña hollywoodense",sentenció Zoom); "Victor/Victoria" ( 1982), "ajuste de cuentas con la pretendida diferenciación que la naturaleza hace entre los sexos", donde reluce Julie Andrews vestida de smoking varonil; el thriller de época desarrollado en el Hollywood de los años treinta, con Tom Mix ( Bruce Willis ) y Wyatt Earp ( James Garner ) en "Asesinato en Hollywood" ( "Sunset", 1988) y las comedias que analizan los sinsabores de la vida : "Mis dos mujeres" ( "Micki and Maude", 1984) con Dudley Moore y Amy Irving ; "Así es la Vida" ("That"s Life!", 1986) con Jack Lemmon y Julie Andrews; y "El Mujeriego" ( "Skin Deep", 1989) con John Ritter, Vincent Gardenia y Alyson Reed.

"It"s a Gift" :
Redescubriendo el humor hogareño de W.C.Fields.

Intentando salir del tacho de basura en una secuencia prodigiosa de la comedia americana de los años treinta.

Parece importar demasiado al comediante W.C.Fields, que una guagua le estropee la vida dentro de su almacén, cuando la dichosa creatura deja abierta un barril lleno de melaza.
El regordete hombrecillo hace lo que puede, cuando pisa el pegajoso compuesto, no sin antes expulsar al bebé, con la bronca de un caballo indómito.
En uno de los gags, más celebrados de esta clásica comedia de situaciones, el ciego y sordo señor Muckle ( Charles Sellon ), que acude a comprar goma de mascar, deja una huella de estropicios, y una nota discordante de suspenso, cuando esquiva una serie de automóviles y camiones bomberiles en medio de una emergencia callejera.
"It"s a Gift" ( 1933) está considerada como la comedia más importante de W.C.Fields, humorista norteamericano que destacó en el cine, en roles de carácter, como el que hizo para "David Copperfield".
Nunca más ecuánime que en esta cinta, donde interpreta a Harold Bissonette, un padre de una familia disfuncional, con la idea fija de comprar un terreno en California para cultivar naranjales.
En estos menesteres está, cuando se le advierte que ha adquirido un terreno que no sirve para nada. Aún así, en su gloria de alcanzar un sueño anhelado, Bissonette emprende un largo viaje por carretera con toda su familia.
La travesía incluye unas galopantes secuencias en terrenos arados; la irrupción de la familia en un break en medio de los exclusivos patios interiores de un castillo, y en fin, la ilusión que viaja en tranvía, para recomponer una vida futil, mediocre y servil.

W.C.Fields intentando entenderse con el minusválido Señor Buckle ( Charles Sellon).

Payaseando con el prodigio Baby Le Roy.

Fields era el arquetipo del hombre infelizmente casado. Su ícono parece remitir a los líos de "Fausto y Crisanta", la vieja tira cómica de los diarios estadounidenses, aunque en esencia, se trata de un pobre- tipo- bueno como la leche y pícaro como abejorro.
Mordaz e irónico, su humor puede parecer anacrónico, pero logra sus mejores momentos en la consecución de un personaje, enfrentado a las diatribas de la vida cotidiana.
Recuerden esos gags de Fields, intentando afeitarse con un espejito que rota sobre su cabeza, o esa secuencia prodigiosa en plano general, donde se acomoda a dormir, en medio de una batahola de ruidos y vecinas molestas. Es todo un hallazgo.
La obra está dirigida por el artesano Norman Z.McCleod ( 1898-1964), autor de 51 producciones para cine y televisión, que trabajó con otros comediantes como : los hermanos Marx, Constance Bennett, Cary Grant Danny Kaye, y el dúo Bing Crosby y Bob Hope. "It"s a Gift" es sin duda, una película por redescubrir.

"Hellzapoppin" :
Obra maestra absoluta del surrealismo cómico.

Olsen & Johnson comiéndose literalmente a Jane Frazee, en el set de la extraordinaria película.

¿ Qué convierte en singular el descubrimiento de esta alocada comedia americana ?
Tal vez, la originalidad de su propuesta. O quizás, su decidida y refrescante historia, que subvierte los principios de la narración clásica, para suponer los códigos del surrealismo y la abstracción a grados conspirativos. Ni más, ni menos.
Estamos frente a una obra demencialmente ingeniosa. Una curiosa película injustamente desconocida, que merece una urgente reivindicación. Al menos en Latinoamérica, donde sus protagonistas, Olsen y Johnson, son prácticamente unos desconocidos.
La trama es muy difícil de determinar, porque comienza con una lujuriosa visión del Infierno de Dante, en clave de comedia musical a lo Broadway.
Después la película rompe lo tradicional, al claudicar el estilo de narración de su época, por una dislocada narración que se construye desde dentro.
Vemos a uno de los Tres Chiflados ( Shemp Howard ), como un proyeccionista, instalando los rollos de la película que veremos unos minutos más tarde.
Encomendado por el propio dúo protagonista, entre desórdenes varios, el filme nos sitúa en la glamorosa locación donde se desarrollará la trama: una lujosa mansión a lo Beverly Hills, con piscina, chicas hermosas y mozos de cuadra.
Se supone que hay dos parejas en disputa. Se prepara una gran función de ballet para regocijo de las partes involucradas. Y en medio estos dos interactuantes, que en un momento de la trama deben interceder para salvaguardar los designios del amor, se complota contra el escenario y la presentación, donde en sucesión rápida y anárquica, se producen las secuencias más alocadas de la historia del cine cómico.
Los chistes visuales son cortos, rápidos y divertidos. A granel. No paran.
Chica persigue a chico equivocado. Chico desilucionado de chica quiere claudicar y emigrar. Chica se prenda de un larguirucho bailarín ( el inconfundible Mischa Auer ).
Y la explosión es pura dinamita.

El dúo cómico en una foto promocional.

Realmente si nos reído nunca con lo clásico, ésta es la oportunidad para hacerlo.
Los gags son innumerables.
Un tipo busca al dueño de un pequeño árbol, por cielo, mar y tierra. Mientras avanza la acción, el árbol crece y crece, hasta alcanzar una altura desmesurada.
Más tarde, entre líos de distinto calibre, aparece el tipo conduciendo un camión con el árbol a cuestas. Irrumpe en medio de la función de ballet, insistiendo en la búsqueda de su dueño. Plop.
En un momento sorprende, la película se descuadra. Olsen & Johnson insisten con el proyeccionista para que corriga la acción, lo que origina una serie de tomaduras de pelo a esta clásica irregularidad. Doble plop.
Dentro de un taxi que traslada a los cómicos, aparecen por delante, patos, loros, pollos, gatos, perros, y un sin fin de animales de corral. Triple plop.
En plena función de ballet, un tipo demasiado ensimismado en la lectura, busca el reflejo de la luz que le permita seguir leyendo su libro. Es tal su ansiedad, que irrumpe en el escenario, siguiendo los focos de luz que iluminan a una "ballerina". Cuádruple plop.
Un grupo de bailarines de color, logran conjugar todo el frenesí del tap, rock y malabarismo a partes iguales, en un número sorprendente.
Por favor, vean esa secuencia que es todo un descubrimiento.
Como lo insinuó el magnífico Tito Skywalker, aficionado a estas notables novedades del DVD, si uno se fija bien, los bailarines de color están moviéndose al ritmo del rock....¡¡¡ Diez años antes que Elvis Presley y Bill Haley & Comets irrumpieran en la escena internacional.
Manjar para los dioses, "Hellzappopin"( 1941), es una desmadrada comedia loca, llena de referencias a la cultura musical, cinematográfica y teatral.
La acción es rápida, rapidísima, excesivamente acelerada, y tan llena de ingeniosas ideas que no da tiempo para aburrirse o siquiera pestañear.
Una notable película, que merece con justicia ser catalogada de obra maestra.

H.C.Potter con la actriz Betty Grable, en el set de "Three for the show".

¿ Quién es el autor de esta exquisitez ?
H.C.Potter ( 1904-1977), un olvidado de las historias del cine, que estudió en la Universidad de Yale.
"Respetable, nieto de un obispo, un hombre inimaginable para el mundo del teatro o Hollywood. Debutó para el productor Sam Goldwyn con la película "Beloved enemy" ( 1936) , que se estrenó en la Navidad de aquel año, con escaso éxito de público y crítica".
Su perfeccionamiento lo fue adquiriendo sobre la marcha, lo que le llevó a ser considerado uno de los más imaginativos realizadores de su tiempo.
Filmó 22 películas, luciendo sus dotes en dramas y comedias como : "The Story of Vernon and Irene Castle" ( 1939) con Fred Astaire y Ginger Rogers, "Second Chorus" ( 1940) con Fred Astaire y Paulette Goddard, y "Mr.Blandings Builds his dream house" ( 1948), otra imaginativa comedia disparatada con Cary Grant , Melvyn Douglas y Myrna Loy.
"Hellzappopin", filme maldito donde los haya, merece una urgente reivindicación. Muy valiosa.

"Crazy House" :
El espectáculo a lo Broadway.

Retomando el humor de "Hellzapoppin", el dúo Olsen & Johnson vuelve a las travesuras dinámicas.

Inspirada casi como secuela de la anterior, "Crazy Horse"( 1943), comienza locamente con Ole Olsen y Chic Johnson intentando ingresar a los estudios "Universal" , provocando la destrucción más absoluta.
La cinta tiene el desenfreno del humor corrosivo del dúo, la ironía y el desparpajo, pero no logra subir la medianía, quizás porque se concentró demasiado en los musicales a lo Broadway, con una pléyade de figuras de su tiempo, relegando al dúo cómico a meros animadores de esta nueva fiesta.
Sin embargo, la mezcla funciona bien. Hay temas melosos, clásicos del pop, del gospel, Count Basie y su orquesta tiene un par de números prodigiosos , y en fin, el relato se desparrama con la rapidez de un rayo transgresor, incluyendo una serie de actuaciones hiperquinéticas y divertidas.
Los mejores chistes están en los entretelones del rodaje de una nueva película "Crazy Horse", y en las secuencias de la ciudad loca a la que alude el título, donde transita una corriente de personajes surrealistas como extraídos de un corto animado de Tex Avery.
Lo increíble sigue siendo la astracanada que infunde el dúo cómico a las situaciones cotidianas. Cuando se fuman unos puros que se desintegran en sus rostros, o atraviesan paredes como fantasmas, o se vuelven defensores de sus propios personajes en una corte tradicional, aflora lo mejor de Olsen & Johnson.
A no olvidar, la secuencia de la premiere de la película, que deben rellenar con artistas en vivo, porque el rollo final se ha quedado en la sala de montaje.

Con el realizador Edward F.Cline, en otra de sus desenfrenadas películas : "Ghost Catchers".

El filme está dirigido por el olvidado Edward F.Cline ( 1891-1961), que se inició en el cine cómico con Mack Sennett como actor de las Keystone Cops.
Como realizador, estuvo detrás de películas para los comediantes Buster Keaton, Ford Sterling y Mack Swain, trabajando indistintamente para Pathé, First National, MGM y Paramount.
Además, supervisó a W.C.Fields en dos de sus mejores películas : "My little Chickadee" ( 1940) y "The Bank Dick" ( 1940 ).
Para el cinéfilo avezado, también desfilan en esta película, las estrellas de la casa "Universal" : Basil Rathbone y Nigel Bruce como los personajes del serial "Sherlock Holmes", Robert Paige, Allan Jones, Leo Carrillo, Johnny Mack Brown y Andy Devine. Además de : Cass Dailey, Martha O"Driscoll que canta y encanta, Patrick Knowles, Hans Conried, Thomas Gomez, Billy Gilbert y Franklin Pangborn como un nervioso recepcionista de hotel.
Vuelve a colaborar con el dúo, Shemp Howard uno de los "Tres Chiflados". Divertida.

"Por meterse a redentor" / "Los viajes de Sullivan" :
Espejismo cruel.

Un director de cine y una actriz disfrazados de vagabundos.

Creador de una serie de películas clásicas, Preston Sturges ( 1898-1959), fue el primer director-guionista con sello propio del cine americano.
Como apunta Ethan Mordden : "Dramatizó la obra de época de la Paramount "Si yo fuera rey" /"If I Were a King", 1938), y la comedia de enredos de la Paramount ("Una chica afortunada"/"Easy Living", 1937) y para la Fox "El poder y la gloria" ("The Power and the Glory", 1933), trabajo que en cierta manera, allanó el camino de "Ciudadano Kane" ("Citizen Kane", 1941).
Sturges escribía tan bien, que a finales de los años treinta, decidió convertirse no únicamente en el autor de los guiones, sino también en el autor de las películas, y le dijo a la Paramount que no cobraría nada si le dejaba dirigir su guión de "The Great McGinty".
La Paramount estuvo de acuerdo, y el filme fue un éxito, iniciando una obra que nos dio siete filmes en cinco años" : "McGinty" ( 1940); "Navidades en julio" ("Christmas in July", 1940), "Las tres noches de Eva" ( "The Lady Eve", 1941); "Un marido rico" ( "The Palm Beach Story", 1942); "The Miracle of Morgan"s Creek" ( 1944); "Hail the Conquering Hero" ( 1944), y la que consideramos su obra más representativa, "Sullivans"s Travels" ( "Por meterse a redentor" /"Los viajes de Sullivan", 1941).
Sturges fue frente a todo un notable transgresor. Conciente de las virtudes del guión en "Por meterse a redentor" parte con la escena de una pelea, que concluye con dos hombres cayendo a un río desde un tren en marcha, y la palabra "The End".
Este golpe al mentón, sólo está justificado por una trama, que tiene de protagonista a un director de Hollywood John Lloyd Sullivan ( el notable Joel McCrea ), que en su afán de acercarnos a la dura realidad de los marginales a través del cine, se somete a una experiencia única e irrepetible : convertirse en un vagabundo desempleado.
El estudio al que ha vendido la idea, le coloca como soporte una corte de petrimetes arriba de un bus, que lo vigilan desde lejos en sus desventuras , intentando sacar provecho publicitario.
En este propósito de reflejar la vida de los desposeídos, se le cruza por el camino, una aspirante a actriz, ( la maravillosa Veronika Lake ), que le acompañará después disfrazada como pordiosera.

Dentro de un bus, el equipo publicitario que le saca provecho a la aventura.

Veronika Lake es en la película glamorosa y pobre. Gran actriz de una infinita belleza.

El filme inteligente y sutil, ataca desde dentro, las raíces de la ilusión que propaga Hollywood con sus encantamientos fílmicos.
Lo mejor viene después, con Sullivan que queda amnésico, tras un asalto, cuando en un golpe de inspiración le da con regalar dólares.
La experiencia de vivir en la prisión le reacomoda sus ideales de filmar la miseria en estado puro, y aprende que lo único maravilloso de está vida, está en la felicidad que nos brinda la ilusión.
Notable es toda la secuencia de la proyección de cine animado entre los marginales.
"Por meterse a redentor" es una obra maestra absoluta. La ansiedad de sentirse libre como creativo, dentro de una industria llena de límites, acapara los contextos de esta original trama, que lubrica los soportes más lúdicos y divertidos de la comedia mundana.
Con una exquisita Veronika Lake en la cima de su popularidad. Su personaje duplica el encantamiento de su personalidad fílmica, al sugerir sin concesiones, por qué ella misma abandonó Hollywood tiempo después.
Pequeña de estatura y grande de corazón, recuérdenla como pareja de Alan Ladd en los filmes-noir : "La llave de cristal" y "La dalia azul".
A su lado el "cowboy"eterno Joel McCrea, en un rol que se acomoda a su enorme estatura, y que le saca provecho a su aparente simplicidad, algo melancólica y distante.
El elenco lo completa un número considerable de buenos secundarios, que trabajaron en otras películas del director, entre los cuales cabe mencionar a : William Demarest, Robert Warwick, Franklin Pangborn, Robert Greig, Porter Hall, Torben Meyer, Esther Howard y Eric Blore. Obra maestra.

Jerry Lewis- Dean Martin :
La pareja dispareja.

La pareja cómica en "The Caddy".

Nunca antes el concepto de pareja dispareja funcionó tan bien en taquilla, como cuando el cantante ítalo americano Dean Martin ( 1917-1995) y el cómico Jerry Lewis ( nacido en 1926), fusionaron sus estilos, para rodar en once años, 16 películas, que fueron grito y dólares.
Desde los tiempos de "Laurel & Hardy", que no se veía una fórmula más consecuente con la dinámica de la comedia disparatada.
Mientras Martin le cantaba canciones de amor a sus bellas conquistas, Lewis se vanagloriaba de la estupidez del niño grande. Ese chico con cuerpo de hombre, que renuncia a crecer mentalmente, y que se solaza entre gritos destemplados, morisquetas y juegos malabáricos de un ciempies.
Jerry era eso y mucho más.
Cuando formaron el dueto para "My friend Irma"( 1949), las palabras fueron saliendo a borbotones; los chistes y bobalicadas encantaron al público y mantuvieron la premisa hasta "Hollywood or bust" ( 1956).
Nunca renegaron de la fama. Se rieron de ella, pero también de sus desaveniencias fuera del set.
Es cierto, cuando la fórmula se agotó, Jerry continúo una carrera versátil de director, guionista, actor y productor, que logró una obra maestra con "El Profesor Chiflado"; mientras Martin asumió liderazgo en la pandilla artística de Frank Sinatra para películas subliminales a Las Vegas.

Dorothy Malone, Dean Martin, Jerry Lewis y Shirley MacLaine en "Artistas y Modelos".

"Artistas y Modelos" ( "Artist & Models", 1955) de Frank Tashlin, es la quintaesencia de su legado. Una comedia modélica, llena de candorosa ingenuidad que le saca todo el potencial a las situaciones de enredos y malosentendidos, y que para gloria de una época, se sitúa en Hollywood.
Lewis es el fanático del comic, que sueña con su adorada superheroína, para terminar conociéndola entre sus esfuerzos por evitar que Martin le abandone, después de vivir una situación económica muy inestable.
El relato está dirigido por Frank Tashlin ( 1913-1972), que comenzó su carrera como dibujante de comics y animador en los estudios Disney.
Fue el realizador predilecto de Martin y Lewis y a la disolución del dúo, siguió dirigiendo a Lewis en algunas de sus obras más singulares como : "Tú, mi conejo y yo" ( "The geisha Boy", 1958), "El Ceniciento" ( "Cinderfella", 1960) o "Lío en los grandes almacenes" ( "Who!"s minding the store?", 1963).
"Artistas y modelos" integra la participación de figuras célebres de la pantalla, como Dorothy Malone, Eva Gabor, Anita Ekberg y la jovencísima Shirley MacLaine, que se entrecruzan con el travieso George Winslow, un niño que pasó a la historia del cine, por ser el fetiche infantil de Marilyn Monroe. Ante la falta de la figura de M.M., el chico se las trae y pone en aprietos al dúo cómico.
Excelentemente narrada por el magnífico Tashlin, se supone la obra más completa de la pareja, no tan sólo porque remeda muchas de los artificios marqueteros de Hollywood, sino más bien, porque fusiona el cine romántico con la comedia de situaciones, y refleja la dura realidad de los que, suponen, algún día triunfarán en el cine hollywoodiense. Obra maestra.

Buster Keaton en cortos modélicos :
El Genio de la Inexpresividad.

El cómico norteamericano en "Rostro Pálido" ( "The Palaface").

Buster Keaton sin maquillaje, con el prodigio infantil Jackie Cooper.

Tal vez, ningún genio de la comedia silente como Buster Keaton ( 1895-1966). Inexpresivo como rostro esculpido en granito, hizo del género ligero, su habitat y conoció de la mano del cómico Roscoe Fatty Arbukle, los secretos del lenguaje cinematográfico, que habrían de transformarle en un artista completo.
"Fatty asesino" ( "The Butcher boy", 1917) es su primera película y constituye el inicio de una fructífera relación, que habría de crecer con los años.
Su primer cortometraje relevante es "Fin de semana" ( "One Week", 1920), los desaguisados de una familia al término de la semana; a la que seguiría después la magnífica "Rostro Pálido" ( "The Palaface", 1921), donde encarna a un distraído entomólogo, en la cúspide de sus dotes de acróbata.
Hay una secuencia donde se lanza desde un monte con una prodigiosidad extraordinaria. Y otra, donde está totalmente distraído, sin percatarse siquiera de un ataque indio, del que sólo podrá escapar, casándose con la hija del gran jefe.
La película es una verdadera maravilla, rodada en escenarios naturales y con una notable simplicidad, logra situaciones de gran ingenio cómico.
De este año es también, la restaurada "La Barca" ("The boat",1921), que destaca por su acelerado ritmo y lucidez.
La historia de un padre de familia, su mujer y sus dos hijos, arrastrados a vivir en una barca, que sufre los embates en medio de una tempestad en el oceáno, están desarrollados por Keaton mediante una sucesión increíble de gags cortos, sumariales, inteligentes, divertidos y originales.
Notable son todas las secuencias dentro de la frágil nave, que simulan a un individuo atrapado en una coctelera.

Con las armas en la mano en el filme "En el polo norte"/"The Frozen north".

Arriba en el mástil en "El nido de amor" /"The love nest".

En "El Navegante", su primera obra maestra.

Más tarde, Keaton filma "En el polo norte" ("The Frozen north", 1922), una mirada social a las relaciones de pareja en tierras inhóspitas.
El relato ausculta los celos del personaje que interpreta el propio Keaton, que por error, mata a la mujer de otra pareja, creyéndola su mujer infiel.
La inseguridad del romance, la soledad, el juego de las apariencias, están superpuestos a una interesante historia que grafica los sinsabores del amor.
En "El nido de amor" ( "The lovest nest", 1923), el mundo de los ricos es mirado por Keaton, con desdén, desencanto, y como un irónico juego de poder y rituales domésticos.
El relato gira en torno a los intentos por lograr el verdadero amor, en medio de gags certeros, sutiles y divertidos.
Finalmente, "El Navegante" ( "The navigator", 1924), es la primera obra maestra de Keaton. Una pareja de millonarios todavía no logran estabilizarse emocionalmente para ir al altar.
Por cosas del destino quedan a la deriva, en medio del océano sobre un crucero abandonado.
Atacados por caníbales, Keaton vestido con escafandra, salva ileso a la chica de sus sueños.
Entretenida, divertida y gozosa, sorprende por la fluidez del relato, con menos intertítulos que lo habitual, logra integrar la mirada cómica con la analítica, que descifra las relaciones complejas de una pareja. Tiene suficiente ironía como para trascender en la memoria cinéfila.

Fotos -Gentileza : Paramount Pictures - Columbia Pictures- Universal Pictures - Dr-Macro - A Certain Cinema - Classic Movies - Enciclopedia Británica- Cine Clásico- 100 Years Old Movies- Cine Silente- Variety- Hollywood Classics- Archivo Lobby -Cards.-