Buñuel, Kazan y Scorsese :

El Cine de la Provocación, el Desarraigo y la Redención Existencial.

El realizador Martin Scorsese con Martin Sheen y Leonardo Di Caprio, en el set de su nueva película "The Wolf of Wall Street", que se estrena en Noviembre en Estados Unidos.

Dentro de la historia del cine mundial, estos tres nombres son insustituíble referentes de su tiempo. 
Cineastas a tiempo completo, son autores polémicos, innovadores, lastrados por su atrevimiento, y en menor medida, incomprendidos, que han sido revalorizados  después de algún tiempo.
Luis Buñuel, uno de los genios españoles del surrealismo cinematográfico, fue un gran provocador de la imagen, que utilizaba las metáforas visuales para penetrar en el conciente del espectador, a costa de ser denostado y vilipendiado.
Elia Kazan, uno de los directores estadounidenses más insurrectos, que matizó su vida personal, sus quiebres emocionales y profesionales, sobretodo cuando declaró frente al Comité de Actividades Antinorteamericana, hurgando en los temas de la delación, el desarraigo, el sentido de culpa, los cargos de conciencia, la incomprensión y la marginación, como si cada película fuese un confesionario.
Martin Scorsese, el mayor cineasta de su generación, y uno de los grandes directores activos del cine americano actual, representa las temáticas de la ira y la piedad desde su moral cristiana, con una volcánica y aguda utilización de los recursos expresivos del cine. 
Cada uno de ellos, motivos encendidos de admiración o repulsa, de admiración conciente o rechazo permanente. 
Los tres, son referentes obligados del cine como arte  y como medio de expresión personal del mundo.


Luis Buñuel :
La subversión organizada.

Una foto en color del maestro aragonés.

Resulta majadero intentar acercarnos a la filmografía del cineasta español Luis Buñuel Portolés ( 1900-1983), exclusivamente a través de su etapa más surrealista, porque su valoración como artista completo del audiovisual, está más allá de sus referentes estéticos. 
Se trata de una personalidad única, irrepetible, que no dejó herederos inmediatos, pero sí muchos "ahijados" que a través de la provocación de la imagen, intentaron acercarse a un universo en constante contradicción.  
Nació en un Calanda, Teruel, "un pueblo perdido, en el seno de una familia de terratenientes". 
Alumnos de los jesuítas en Zaragoza, se traslada a Madrid donde estudia Ingeniería Industrial, pero acaba licenciándose en Filosofía y Letras. 
En este período, se destaca en las actividades en la Residencia de Estudiantes, de la Institución libre de Enseñanza, donde se hace amigo entrañable de Salvador Dalí y Federico García Lorca.
El propio Buñuel recordó en una ocasión, aquellos tiempos :
_"De no haber pasado por la Residencia, mi vida hubiese sido muy diferente".
En 1925 se traslada a París, donde tiene un contacto directo con el mundo intelectual francés, que le va a permitir su adoración por el cine.
_"Esta locura por los sueños, por el placer de soñar, que nunca he tratado de explicar, es una de las inclinaciones profundas que me han acercado al surrealismo".  
A partir de un guión escrito a medias con Dalí, y con recursos económicos que le facilita su madre, filma el mediometraje  "Un perro andaluz" ( "Un chieu andalou", 1928), que se transforma en el manifiesto surrealista más importante de su época.
Con el financiamiento del mecenazgo del Visconde de Noailles, rueda su primer largometraje "La edad de Oro" ( "L"age d"Or", 1930), que se convirtió en su última colaboración con Dalí.
La cinta polémica y trangresora, le "fabrica" una imagen de innovador, que captan los norteamericanos cuando recibe una invitación para visitar los estudios Metro Goldwyn Mayer en Estados Unidos.



Entre España y México.

"Las Hurdes : Tierra sin pan" : la miseria desgarradora.

"Un Perro Andaluz" : antes del navajazo.

De regreso en España, filma el mediometraje "Las Hurdes: Tierra sin Pan" ( 1932 ), donde deja en claro su voluntad documentalista, que es también una visión descarnada de la época republicana, a partir de una visión testimonial, inconformista y amarga de una región de Extremadura, considerada dentro de las más marginales del país.
"En Las Hurdes las imágenes de Buñuel se hacen cruelmente descriptivas, eternizando la desolación y la penuria, la desesperanza y el destino sombrío de quienes viven apresados en una especie de mortal pesadilla, nunca acabada. Realismo, incisivo y violento, que trajo como consecuencia que la película fuera de inmediato prohibida por las autoridades republicanas, tal vez demasiado alarmadas por tal crudo retrato".
Después de trabajar como productor ejecutivo en la empresa Filmófono, y frente al estallido bélico en el país, Buñuel decide iniciar un "exilio voluntario" que lo lleva indistintamente a París, Hollywood y Nueva York, donde se desempeña en distintos oficios relativos al cine.
Como modo de subsistencia, trabaja incansablemente supervisando el doblaje de películas y el montaje, hasta que acepta la oferta del productor mexicano Oscar Dancigers de radicarse en ese país para dirigir películas. 
Se trata, por cierto, de una etapa determinante, que habría de darle un sentido vital a la creatividad y a la trayectoria del artista aragonés.
Su resurrección creativa comenzará con la película mexicana "Gran Casino" ( 1947), un melodrama popular para lucimiento del charro mexicano Jorge Negrete y de la actriz y cantante argentina Libertad Lamarque.
Después rodará, "El Gran calavera" ( 1949 ) "igualmente película de atmósfera sentimental dramática, en esta ocasión, protagonizada por otro afamado actor mexicano, Fernando Soler".
Buñuel demuestra que, puede rodar con rapidez utilizando pocos recursos. Al amparo de esta virtudes, desarrolla después su personal visión de la infancia marginal con : "Los Olvidados" ( 1950), un tremendo trozo de cine contestatario, a la manera de los neorrealistas y que guarda uno de sus puntos más álgidos en el posicionamiento de su membrecía en el concierto del cine hispanoamericano.


De los niños marginales a Nazario.

"Los Olvidados" : la marginalidad infantil en ciudad de México.

Buñuel rodando "Robinson Crusoe".

"Nazarín " : una película contra la ortodoxia, interpretada por Francisco Rabal.

 

"Los Ambiciosos" : María Felix y Gérard Philippe.

 

"La Joven" : un excelente estudio de caracteres.

A partir de "Los Olvidados", trabaja con regularidad en el cine azteca, efectuando con escasos recursos pero mucha inventiva visual, once películas de distinto interés, entre las cuales sobresalen : "El Bruto" ( 1952), un melodrama con Pedro Armendáriz como un carninero demasiado ofuscado como para tener una vida sexual ordenada y placentera; "Robinson Crusoe" ( 1952), la particular adaptación de Buñuel al clásico de Daniel Dafoe, que no es la visión acerca de la lucha por la supervivencia, sino más bien contra el resto de la civilización; "Abismos de Pasión" ( 1953), una modélica adaptación al clásico Cumbres Borrascosas de Emily Brönte, donde el argumento del amour fou está romantizado con una naturalidad casi celestial y "Ensayo de un Crimen" ( 1955), una comedia macabra sobre un hombre que subjetiviza sus deseos de asesinar con una caja de música.
Debido a la buena recepción que tuvieron estos trabajos en el extranjero, Buñuel inicia una etapa más internacional, que sin embargo, no se considera como muy fructífera en lo creativo.
Así en coproducción con Francia y México, dirige : "Así es la Aurora" ( "Cela S"Apelle L"Aurore", 1955),  donde dos historias confluyen en una : la de un médico  ( Georges Marchal ) que abandona a su mujer para vivir con otra, la joven Clara ( Lucía Bosé) ; y la historia de Sandro, el obrero, que es expulsado de su trabajo justo en los momentos en que su esposa está muy grave y a punto de morir. 
También filma "La Muerte en este jardín" ( "La Morte en ce jardin", 1956), donde introduce algunos de sus temas dentro de un esquema de cine de aventuras y "Los Ambiciosos" ( La Fievre monte a el pao", 1959), ambientada en una isla de reclusos de un país autoritario latinoamericano, donde se deja entrever un sesgo contingente, aunque el total del relato, considera una historia de amor entre el secretario del Gobernador tristemente asesinado ( la última actuación de Gérard Philippe) y la viuda del mismo ( encarnada por la bellísima María Félix).
Entremedio, rueda la adaptación de la novela de Benito Perez Galdós, "Nazarín" ( 1958), "una película en contra de la ortodoxia y el dogma, donde se esboza la discusión de ideas. La mitología cristiana se traslada a la película y encarna en las personas. La prostituta Andara tiene rasgos de María Magdalena. Están presentes tanto los fariseos ( representantes del clero, bajo cuyas órdenes padece el padre Nazario), como los ladrones ( representantes de la autoridad)". 
Y el padre Nazario, que en su nombre, grafica la vida y el camino que sufrió Jesús en la Tierra.
También efectúa : "La Joven" ( "The Young One", 1960), que está "mas cerca de las novelas americanas realistas que de las tradiciones fílmicas preferidas de Buñuel hasta ahora. Los caracteres se desarrollan en forma breve y concisa, explotándose los criterios sicológicos. El filme parece un reportaje, escueto, sobrio".
La historia se ambienta en una isla del sur de la costa norteamericana y plantea la relación entre una joven caucásica ( Key Meersman), Miller, el guardabosque ( Zachary Scott ) y Traver, un clarinetista negro ( Bernie Hamilton). 
Como siempre, Buñuel simpatiza con Traver, como suele hacerlo con los oprimidos y marginales. Hay racismo, fanatismo y y una violación, con una óptica crítica respecto a la brutalidad sexual y ambigüedad entre personajes de distinto origen.  


Obra maestra.

"Viridiana" : la recreación de la última cena.

En la citada película, Silvia Pinal y Fernando Rey como su tío.

"El Angel Exterminador" : la cena de los cautivos.

"Diario de una camarera" :Jeanne Moreau tras la pista de un sádico sexual.

"Simón del desierto" : Claudio Brook y Silvia Pinal: el Bien y el Mal  en medio de las rosas.

Después vendrá su primera gran obra maestra : "Viridiana" ( 1961), una fuerte insinuación de lo complejo que es hacer caridad en un mundo deshumanizado, y con la cual, gana la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Pese a que en España fue catalogada de "obra sacrílega", la cinta es una exponente realista de las tremendas diferencias sociales y culturales entre ricos y pobres, una enconada metáfora sobre el proletariado que tiene la oportunidad de vivir por unas horas la vida de los ricos. 
Totalmente embuído en los conceptos surrealistas que le vieron nacer como cineasta, Buñuel rueda despúes : "El Angel Exterminador" ( 1962), una parábola apocalíptica, donde un grupo de distinguidos invitados a una casa aristocrática, por una fuerza extraterrenal, no pueden abandonar el lugar sufriendo el deterioro anímico hasta sus respectivas reconversiones.  
Más tarde efectúa, "Diario de una Camarera" ( "Le Journal d"une femme de chambre", 1964), una excelente adaptación de la novela de Octave Mirbau, con Jeanne Moreau interpretando a una camarera, capaz de descifrar el misterioso asesinato de una niña violada sexualmente.
Apunta el crítico alemán Klaus Eder : "Buñuel hace un bosquejo de la aristocracia y del proletariado campesino. Es una miniatura de la sociedad. Madame Monteil la propietaria, es una mujer frustrada; sexualmente una vela consumida, mientras su marido, un petimetre que satisface sus deseos carnales con la servidumbre".
Tanto los personajes de la historia como los acontecimientos desarrollados, están planteados desde la perspetiva de Celestine, que ha dejado escrito sus vivencias en su diario personal. 
La película "Simón del desierto"  1965) es una producción menor, "un trozo de mitología católica transformada por el surrealismo". 
El cineasta aragonés, transforma la estructura narrativa del relato clásico para reconstruir al personaje bíblico, con un obvio carácter desmitificador. 
Jacques Goimard efectúa el rol de Simón con una exquisita coherencia histórica, mientras su contraparte, la actriz Silvia Pinal interpreta a Satanás con una celeridad propia de los fantasmas del desierto.


Bellas lacónicas.

"Bella de día" : Catherine Denueve como prostituta a medio tiempo.

"Tristana" : el rostro gélido de una mujer que es una estatua viviente.

Su segunda obra maestra, será : "Bella de día" ( "Belle de jour", 1966), una radiografía in situ acerca de la conciencia de una joven ( Catherine Deneuve ) que, presionada por imágenes eróticas y sadomasoquistas, decide emplearse como prostituta a tiempo parcial, obviando su acomodada situación económica con su marido cirujano ( Jean Sorel ) y pergreñando su vacío existencial, en la apetencia de ir contra las normas establecidas.
Con "La Vía Láctea" ( "La Voie Lactee", 1969), Buñuel efectúa un viaje por varios siglos a través de la historia, entremezclando tiempos y espacios, a partir de dos peregrinos en su ruta a Santiago de Compostela. 
Se trata de "una personal y compleja historia de las herejías".

Apunta Klaus Eder : "En La Vía Láctea aparece un ángel de la muerte entre los destrozos de un auto humeante; en un albergue las personas atraviesan las puertas cerradas, y llegan a las piezas en las cuales, según las leyes de la física, no podrían estar. Y Buñuel no se maneja con menos libertad en el campo temporal. Uno de los dos peregrinos le grita a un automovilista "Rómpete la cabeza, pedazo de idiota", y segundos más tarde, realmente se estrella. Para Buñuel los deseos y los sueños tienen el mismo carácter real que todas las otras cosas del filme".

En "Tristana" ("Tristana", 1970), una notable adaptación de otra novela de Galdós, el director se centraliza en las relaciones que se establecen, entre el anticlerical matapasiones don Lope Garrido ( un excepcional Fernando Rey) y su protegida Tristana ( Catherine Denueve ), encomendada por su madre moribunda.
Tras el trato paternalista de don Lope, se esconden los deseos eróticos de poseerla. Como Tristana le rechaza, no existen esperanzas para que la relación fructifique. Entonces, la mujer abandona por un tiempo la ciudad y se va con el pintor Horacio ( Franco Nero), hasta que regresa dos años después, muy enferma y sumisa.
Ambos se casan y Buñuel analiza en el fondo, la existencia de una matrimonio sin amor, pero sobretodo, la paulatina transformación de una mujer que, pasa de ser una inocente virginal, a una mujer que está atada a sus orígenes.
La crítica destaca, sus excelentes diálogos escritos en colaboración con su guionista habitual Julio Alejandro, su austera y eficaz realización capaz de desarrollar una compleja mirada a sus personajes, mucho más vitales que otros de su abultada filmografía.
Esta película iniciará su etapa de la madurez más reconocida en el extranjero. 


Ultima etapa.
 

"El discreto encanto de la burguesía" : el absurdo en la cena que no es.

"El Fantasma de la libertad" : la simbología surrealista.

 

"Ese oscuro objeto del deseo" : las desventuras de un hombre maduro con una joven interpretada a dos bandas.

Con el filme "El discreto encanto de la burguesía" ( "Le charmet discret de la burgeoisie",1972), regresa a sus orígenes más surrealistas. 
Un grupo de personas se visitan mutuamente, en una cadena interminable de invitaciones : el embajador de Miranda , un país ficticio ( Fernando Rey ), el matrimonio Thévenot ( Delphine Seyrig y Paul Frankeur), su hija Florence ( Bulle Ogier ), el matrimonio Sénéchal ( Stephane Audran y Jean Pierre Cassel), todos pertenecientes a la alta burguesía.
Las situaciones absurdas se desencadenan en un relato muy vigorozo, irónico y metafórico. Y como nunca antes, el desborde surrealista es imparable.
Escribe Eder : "Cuando los amigos de una cena irrealizable se vuelven a reunir la próxima vez, tienen que compartir la comida con unos soldados, a quienes les había sido abjudicada la casa durante una maniobra. El coronel los invita a todos a su casa, pero los pollos que les sirven son de cartón, la casa se convierte en escenario, se levanta el telón y exhibe a la sociedad burguesa con su apetito voraz. Buñuel escenifica los rituales de la burguesía". 
Su penúltima obra será "El Fantasma de la libertad" ( "Le Fantome de la liberte", 1974), compuesta por una serie de episodios entrelazados entre sí, como si fueran vagones de una misma locomotora. 
Prosigue su estilo caótico y surreal, lleno de simbologías, para denunciar los rituales de la alta alcurnia, por medio del trastorno de los hechos. 
En una reunión, los comensales están sentados en inodoros y tiran la cadena como parte del protocolo, y cuando deciden comer se van a un rincón avergonzados. 
El tono del relato es gracioso y muy sutil, aunque nunca deja de propagar la ironía de las situaciones más inverosímiles.
Copiandose así mismo, transgrede los conceptos de unidad de lugar y acondiciona su historia, a lo opuesto que se espera de las acciones. Es como una moneda que está siempre al revés. De esta forma, Buñuel se ha transformado en un innovador y en un gran subersivo de la imagen y la narrativa cinematográficas.
Su última película será "Ese oscuro objeto del deseo" ( "Cet obscur objet du désir", 1977), acerca de las desventuras de don Mateo ( Fernando Rey ), un hombre de edad madura, por los constantes requerimientos y rechazos amorosos de la joven Concha Perez (  interpretada a dos bandas, por la española Angela Molina y la francesa Carole Bouquet ).
El filme, sin ser perfecto, es muy atractivo temáticamente, no ya tanto por su aspecto seudoerótico, sino por el descarnado análisis que hace del amor imposible. Además, el hecho de que su protagonista femenina la encarnen dos actrices, tiene un valor agregado, que jamás desentona con sus resultados.


Su estilo :
 

Buñuel frente a la máquina de escribir.

Rupturista e insobornable, es un subversivo crítico de la sociedad acomodada, que tiene una voluntad de supervivencia moral, perceptible hasta en los momentos más duros de su vida.
El teórico español Román Gubern escribió una vez :
"En Buñuel como en todo surrealista auténtico, los supuestos morales residen en una voluntad purificadora que incita a la demolición sistemática de la moral burguesa, conservadora e hipócrita, y de los andamiajes sociales que la sustentan. Para llevar a cabo tal demolición, Buñuel utiliza en ocasiones , la acusación social cruel y desgarradora ( "Los Olvidados" ), el lenguaje de la fantasía pura ( "El ángel exterminador", 1962), el onirismo ( "Subida al cielo", 1951), el erotismo ( "Bella de día", 1966), la blasfemia ( "Simón del desierto", 1965) o el humor ( "Ensayo de un crimen", 1955). Mecanismos de agresión puestos al servicio de una incorruptible vocación de subversión moral y cultural, cuyas fuentes últimas se hallan en Sade, en algunos poetas y novelistas románticos, en las enseñanzas de Freud y, también, en unas constantes de la cultura ibérica, perceptibles incluso en sus sofisticadas producciones francesas".


Temática Recurrente :

 

En terreno, Buñuel en pleno rodaje.

Su cine es parte de la cultura más castiza, cabecilla del surrealismo, uno de los  movimientos artísticos más importante del siglo XX. 
Sus películas son un registro de sus obsesiones más singulares y también el reflejo de una época caótica donde la religión, la burguesía, el sexo, el poder, la autoridad, la guerra, marcaron a fuego y hierro a toda una generación de artistas.
Ajeno a las modas, a los clichés rebuscados, a las sistemáticas cúpulas del arte más selecto, Buñuel se mantuvo como un lobo estepario, "esquivo en las explicaciones , encerrado en la imagen de su pueblo en Calanda y con la humildad del que no se reconoce como artista, sino que prefiere la condición del hombre desconcertado que no sabe si su trabajo significa algo o nada".
Inconformista y rebelde logró de la ambigüedad en los temas más personales, consolidar un estilo que lo perfiló frente al mundo.
Todo su cine, es un ferviente grito de fortaleza insurrecta frente a los cánones establecidos, un artista siempre adolescente, que se mantuvo a resguardo de clichés y lugares comunes, al vinculársele al mundo fantástico de los mitos.


Filmografía Fundamental :

"Ese oscuro objeto del deseo" : su última obra cinematográfica.

La carrera de Buñuel, incluye su trabajo como guionista en 40 títulos, como productor en nueve películas, como editor siete producciones, y como director 34 títulos, entre los cuales se cuentan :
"Un perro andaluz"( 1928) ; "La edad del Oro" ( 1930), "Gran Casino" ( 1947), "El gran calavera" ( 1949), "Los Olvidados" ( 1950), "Subida al Cielo" ( 1951), "El Bruto" ( 1952); "Robisnon Crusoe" ( 1952), ""El " ( 1952); "Abismos de pasión" ( 1953); "La Ilusión viaja en tranvía" ( 1953); "Así es la aurora" ( 1955); "Nazarín" ( 1958); "Los Ambiciosos" ( 1959); "La Joven" ( 1960); "Viridiana" ( 1961); "El ángel extereminador" ( 1962); "Diario de una camarera" ( 1964); "Simón del desierto" ( 1965); "Bella de día" ( 1966); "La Vía Láctea" ( 1969); Tristana" ( 1970); El discreto encanto de la burguesía" ( 1972); "El Fantasma de la libertad" ( 1974) y "Ese oscuro objeto del deseo" ( 1977).


Películas Seleccionadas :
"Los Olvidados" ( 1950).

La pandilla luchando por sobrevivir en un mundo salvaje.

Siguiendo los patrones del neorrealismo italiano, Buñuel debuta en el cine azteca en su exilio voluntario, con este melodrama que funde realismo y onirismo a partes iguales.
El relato describe las vidas marginales de un grupo de chavales, entre los diez y los dieciocho años, para asumir los sinsabores de la pobreza, con un desgarrado lirismo.
En su absoluta impresión del mundo en que habitan esos muchachos del desamparo, Buñuel no pierde sus dimensiones surrealistas, cuando somete algunos personajes a sus sueños mas recurrentes. Hay allí, conceptos determinantes de la conciencia de quienes están en los bordes de las grandes ciudades, viviendo siempre al límite de todo : comida, habitación, estabilidad laboral, familia, seguridad. 
Lo que queda, es la ley de la selva. Vivir para sobrevivir a la muerte. Malvivir para superar las estrecheces afectivas y materiales.
Es un cine sin concesiones. Cuando los niños atacan al organillero ciego, o éste intenta violar a la menor, se establece que estamos en un mundo donde las cadenas de desamparados fustigan a los de su estirpe, porque , sencillamente, no conocen otra forma de vida.
Amarga, sincera, naturalista, impactante, conmovedora, inconformista, es la visión de un director que creyó encontrar en el drama auténtico, uno de los géneros más prácticos para enrostrar las carencias humanas de la sociedades modernas.
Notable el trabajo del reconocido fotógrafo azteca Gabriel Figueroa, que remarcan a cada momento, la decadencia y el confinamiento. Los niños se mueven en medio de edificios en ruinas, oscuros y lóbregos. Casi nunca aparece el Cielo o la tierra con su hermosa naturaleza. La casa de una sola habitación donde vive Pedro y su familia, está atestada de fierros viejos que se convierten en sombras mortecinas como si el niño estuviera en una prisión. Todo este simbolismo estético caracteriza la película y le da una atmósfera dramática incontrarrestable.
Se trata en algún sentido, de un cine acerca de los pobres hecha con humildad y expresividad, donde lo simbólico buñueliano también remarca la marginalidad más elocuente. A no olvidar el elenco de niños, jóvenes y veteranos que integran : Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Stella Inda, Miguel Inclán, Alma Delia Fuentes, Héctor López Portillo, Francisco Jambrina, Efraín Arauz, Javier Amezcua, Mario Ramirez y Salvador Quiroz. 
En definitiva, una recreación casi-documental de la realidad de los "de abajo". Valiosa. 


"Bella de día" ( 1967).

Prostituta de día, Esposa de noche.

La película se inicia con un sueño. La hermosa Severine ( Catherine Deneuve ), está en la carroza con su marido, quien le castiga en medio de un bosque, a latigazos.
La historia de un ama de casa francesa, que se convierte en prostituta, le sirve a Buñuel para gatillar una trama acerca de los deseos irrefrenables de una mujer, por liberarse de las ataduras de la vida monótona y acomodada.
La personalidad de la chica, a la que la dueña del burdel, bautiza como "Bella de día", porque sólo da sus servicios sexuales en el día, pasa de una franca desolación a una pétrea vulgaridad muy distante. 
Todo en ella es glacial. En escasas ocasiones ella sonríe, y cuando lo hace está recostada en la cama con un cliente, a quien parecen gustarle los juegos eróticos.
Buñuel confronta esta doble vida, con la insoslayable búsqueda de una muchacha por los placeres mundanos, que no se atreve a solicitarle a su marido; pero también profundiza en las cuestiones sicosociales que podría originar este provocador comportamiento.  
El cineasta español contiene las secuencias eróticas y sólo sugiere las sexuales, con un estilo que atisba que la temática central no va por el camino fácil del erotismo sadomasoquista.
Su planteamiento va más en la dirección de reflejar las obsesiones eróticas de la burguesía, y muestra el camino de una liberación progresiva del inconciente, respecto a estas cuestiones íntimas. 
A nivel narrativo, sólo el desarrollo externo del filme es lógico. A nivel de los sueños, la película asume el aliento surrealista, en una amalgama realmente evocadora y lírica. 

Completan el casting : Jean Sorel, Michel Piccoli, Genevieve Page, Francisco Rabal, Pierre Clementi, Georges Marchal y Francoise Fabian.



"Tristana" ( 1970).

La insinuación erótica.

La obra de Benito Pérez Galdós está adaptada por Buñuel, con una austeridad digna de agradecer.
El relato no sólo es una metáfora al egoismo, la altanería y el desamor, sino una intensa película sobre la paulatina transformación de una mujer, bella y distante ( Catherine Denueve, radiantemente maquillada ), que pasa de ser una angelical y sumisa creatura, que acepta los favores sexuales, de su protector, don Lope ( un formidable Fernando Rey ), a la autosuficiencia más cruel, después que sufre una enfermedad, donde pierde una pierna.
La cinta le saca provecho a los espacios físicos de un pueblo, y a los cambios de estación, que no son más que los propios cambios de pureza en frialdad absoluta de su protagonista.
Don Lope es el típico burgués acomodado, que no cree en el trabajo que se hace por amor al dinero y que rehúye a los curas por su falta de fé, que cumple el doble rol de esposo y padre con una ironía salvaje. 
Su personalidad  inconformista y cínica, no asume las diferencias entre Tristana y sus otras mujeres, y aunque pasan los años, sus actitudes donjuanescas siguen siendo preponderantes.
Tristana que parece reprimir una frigidez proclive a las náuseas y depresiones, conoce al pintor Horacio ( Franco Nero ), con el que intenta iniciar una nueva relación frustrada en su egoísmo y materialismo.
En un momentpo, Buñuel nos sugiere que la falta de maternidad de Tristana, ha hecho dilapidar su hermosura exterior, transformándola en un témpano de hielo, capaz de transgredir las normas de la piedad, cuando Don Lope esté moribundo.
Estamos frente a un drama pulcro, austero, intenso, realista, que se circunscribe a la etapa de mayor madurez de su autor. 
Notable montaje de Pedro del Rey, que prioriza los segmentos más significativos de esta singular relación; magnífica fotografía de José Aguayo que resalta la belleza gélida de la Deneuve en medio del paisaje rural, y sólidas interpretaciones, que incluyen a la secundaria Lola Gaos como Saturna la criada de Don Lope y a Jesús Fernández como el hijo sordomudo de la eficiente empleada. Recomendable.




Comentarios :

"El Cine es como un arma magnífica y peligrosa si la maneja un espíritu libre. Es el mejor instrumento para expresar el mundo de las emociones, del instinto. El mecanismo creador de las imágenes cinematográficas es, por su funcionamiento, el que, entre todos los medios de expresión humana, mejor recuerda el trabajo del espíritu durante el sueño. El filme parece una imitación involuntaria del sueño". 
  

( Luis Buñuel ).

El guionista francés Jean Claude Carriere, colaborador habitual del cineasta español.

"Luis Buñuel es uno de los artistas más españoles que ha existido, tanto como puede serlo El Greco, Goya, Quevedo o Cervantes. Y desde luego, el cinematografista más ibérico que hasta ahora se ha dado, y que tardará todavía mucho en volverse a producir. De ahí hay que partir, para comprenderle, y comprenderle es saber que vive de cara a dos universos, hoy contrapuestos. La realidad y sus arcanos."

( El recordado crítico español Manuel Villegas López).

La fotografía más característica de su trayectoria.

"Las películas de Buñuel constituyen a diversos niveles de lectura, un juego de espejos y de imágenes donde, por ejemplo, la estructura de una clase ( la burguesía ), de una religión ( el cristianismo ), de una civilización ( Occidente ), de una ciudad ( Roma o París), de una casa ( Viridiana, El ángel exterminador), reproduce la estructura mental de todo individuo, que de ellas haya surgido". 

( El especialista francés Gérard Langlois ).



Elia Kazan :
La delación contestataria. 

Kazan en rueda de prensa frente al agua.

Para muchos el nombre de Elia Kazan ( 1909- 2003 ), significa el sinónimo del "informante", el término más crudo relativo al que se transforma en un esbirro que, para salvar su vida, denuncia frente al Comité de Actividades Antidemocráticas, integradas por el senador McCarthy, a sus colegas de la falange comunista.
Para otros, obviando este período de persecuciones ideológicas que afectaron a la industria del cine estadounidense, Elia Kazan es sin duda, uno de los principales referentes autorales del cine de mediados del siglo XX.
No se puede estudiar la historia del cine americano, dejando de lado el aporte creativo de Elia Kazanjoglou, un emigrante nacido en Constantinopla, en el Imperio Otomano ( hoy Estambul, Turquía), que llegó a los cuatro años a Estados Unidos y se instaló con su padre en Nueva York.
Su cine es, además el reflejo de sus tremendas contradicciones personales. Toda su vida de pertenecer a unos y otros, está inserto en la enorme variabilidad temática de su filmografía. 
Su sentido de culpabilidad, sus fricciones ideológicas, sus altos y bajos, su ansiedad compulsiva por los referentes de la actuación del Actor"s Studio siguiendo las teorías naturalistas de Stanislasvky, instituyeron una nueva era en el desarrollo de la interpretación frente a las cámaras.
Todas sus obras condescendientes a su vida personal, grafican en mayor medida, la indisoluble vulnerabilidad del artista comprometido con su arte.

 
El Actor"s Studio.
 

Frontis del edificio donde funciona el "Actor"s Studio" en Nueva York.

Estudiante de Arte dramático en la "Yale Drama School", en 1932 integra el "Group Theatre" de Lee Strasberg y Harold Churman, y hacia 1934 comienza con su carrera de director teatral  y como actor en obras de Clifford Odets. 
En paralelo, su versatilidad le hace actuar en radio y efectuar roles secundarios en películas de Hollywood. 
Todos fueron aspectos que habrían de enseñarle los distintos espacios de expresividad que adoptaría como suyos a través de su carrera.
Durante los años cuarenta y cincuenta, logra una sólida reputación como director teatral por montajes de obras de Arthur Miller y Tennesse Williams; a la vez que en 1947, funda el "Actor"s Studio", junto a Cheryl Crawford y Robert Lewis, y que dirige junto a Lee Strasberg.  
Desde esta Academia de interpretación neoyorquina, habrían de surgir grandes actores como : James Dean, Marlon Brando, Marilyn Monroe, Montgomery Clift, Jack Palance, Karl Malden, Ben Gazzara, Shelley Winters, Rod Steiger, Lee Remick, Eva Marie Saint, Carrol Baker, Natalie Wood, Paul Newman, Joanne Woodward, James Caan, Al Pacino, Robert De Niro, Dennis Hooper y Harvey Keitel. 

En ella, se siguen fundamentalmente los métodos de interpretación del actor, director y teórico Konstantin Stanislavsky, donde se profundiza en el subtexto de los diálogos para interponer las vivencias emocionales y naturales de sus intérpretes.

Su relación con las tablas, explica parte de la evolución que tendría su personalidad. 
Comenzó una vida comprometida con las ideas comunistas, para posteriormente, en el pleno período de "Caza de Brujas" de McCarthy, rehuír de ellas, y sostener una mirada ácida respecto a los compromisos ideológicos, quizás muy marcados por su inseguridad y sus constantes cuadros de angustia. 
Este fenómeno que podríamos denominar del "emigrante desarraigado", marcó para siempre lo mejor de su cine, y estableció las pautas vívidas de relatos exploratorios que hurgaron por la conciencia de sus personajes, comportamientos erráticos y estados psicológicos que no hacían otra cosa que reflejar su propia existencia.


Inicios en el Cine.
  

Kazan dirigiendo su primera película con los actores : James Dunn, Dorothy McGuire y los niños Peggy Ann Gardner y Ted Donaldson.

"El Justiciero" : una vigorosa historia judicial.

Lobby card de "Mar de Hierba" con Spencer Tracy y Katharine Hepburn.

Aunque dirigió con anterioridad, un documental de cortometraje titulado "The People of the Cumberland" ( 1937), su carrera se inicia en el terreno del largometraje con :  "Lazos Humanos" ( "A Tree Grows in Brooklyn", 1945 ), "un sensible filme, basado en la novela de Betty Smith, que cuenta la historia de una joven de una familia irlandesa en el barrio de Brooklyn de principios de siglo. El drama se origina por la dura atmósfera creada por un padre que sólo vive para la bebida". 

Producida por la "20th.Century Fox" es una película de estudio muy bien narrada, que adolece de los grandes conocimientos del lenguaje audiovisual, que Kazan fue demostrando con el tiempo. 
Un elenco integrado por : Dorothy McGuire, Joan Blondell, James Dunn, Lloyd Nolan y los niños Ted Donaldson y Peggy Ann Garner, le agregan un interés adicional al conflicto, que juega con astucia, las oportunistas implicancias emocionales del tema central. 

Más tarde, y con un contrato ya establecido en la Fox, Kazan rueda "Lo que la carne hereda"/ "El justiciero" ( "Boomerang", 1947), una potente historia judicial acerca de un joven fiscal ( Dana Andrews ), luchando contra toda una comunidad, que intenta encontrar un culpable al horroroso asesinato de un pastor clerical. 
La película basada en el artículo "The Perfect Case" de Anthony Abbott, tiene garra y un realismo sobrecogedor y cuenta con magníficas actuaciones que completan también : Jane Wyatt, Lee J.Cobb, Sam Levene.

Sin mucho interés, filma luego "Mar de Hierba" ( "Sea of Grass", 1947), que el autor consideró su peor película, aunque está basado en el célebre libro de Conrad Richter.
Es una cinta interpretada por Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Melvyn Douglas y Robert Walker, sobre las confrontaciones que existen entre patrones y colonos, o mejor aún, entre lo rural y la naturaleza agreste. 
Lamentablemente, se rodó en estudio, lo que imposibilitó el naturalismo que Kazan estaba seguro encontrar, y las situaciones parecen así, más artificiales que realistas. Con todo, merece una revisión justa, al menos para salir de dudas respecto a lo fatigoso que debió haber sido, simular los espacios abiertos bajo las luces de un staff.


Racismo y Anti-semitismo.

"El sol sale para todos" / "La luz es para todos" / "La Barrera Invisible" : notable relato antisemita, con Gregory Peck, Celeste Holm y John Garfield..

En 1947, se estrena "El sol sale para todos"/ La Luz es para todos" / "La Barrera Invisible" ( "Gentleman"s Agreement" ), su primera gran película de madurez. 
A partir de la investigación que efectúa Philip, un joven periodista ( Gregory Peck), para una revista neoyorquina sobre el anti-semitismo, Kazan adelanta un cuadro dramático y realista, respecto al significado de sentirse perseguido por sus orígenes religiosos. 
El film revela que, cualquier hijo de buen vecino, puede llegar a transformarse en racista y xenófobo, aunque sus implicancias mayores están en el estudio del comportamiento social respecto al tema.
Dean Stockwell está estupendo en el papel del hijo único de Peck, fustigado por sus compañeros de colegio, por tener un padre aparentemente judío; Anne Revere ejecuta un personaje inolvidable como la abnegada madre del reportero; Celeste Holm, simplemente deliciosa y consecuente como la amiga de élite del profesional; y John Garfield aparece increíblemente vulnerable, en su doble rol de amigo y víctima de una sociedad que margina al que es distinto. Es a través de su personaje, que nos acercamos a la realidad familiar más detestable del comportamiento semitista.

Su siguiente película :"Pinky" ( 1949), es una curiosa adaptación de la novela de Cid Ricketts Summer, que invierte los supuestos dramáticos del original, transformando el alegato antiracista, en una dramática historia acerca de una joven blanca con orígenes negros, luchando para ser aceptada dentro de una comunidad anglosajona.
Grandes actores como Ethel Barrymore y Ethel Waters, se entremezclan con la protagonista Jeanne Crain, en un surtido encadenamiento de anécdotas y vivencias más o menos vigorosas y coherentes. 
Nuevamente un tema de candente actualidad, le permite a Kazan desarrollar un amplio estudio sobre el racismo, las diferencias sociales y los contínuos desaciertos de un estado multivalente.  

  

Intensidad y Revolución.

"Pánico en las calles" : un magnífico thriller con Jack Palance.

Marlon Brando y Kazan en el set de "Un tranvía llamado deseo".

"Viva Zapata" : su particular visión de la revolución mexicana con Marlon Brando y Anthony Quinn.

Desarrollada siguiendo los patrones del relato policial, filma luego : "Pánico en las Calles" ( "Panic in the streets", 1950), un estupendo thriller que describe los esfuerzos de un hampón ( el inolvidable Jack Palance ) por evitar extender la peste que ha contraído jugando naipes.
El filme es pródigo en secuencias inolvidables y en la recreación de atmósferas, muy acorde al cine negro, que se estaba produciendo con gran éxito en aquellos años en Hollywood.

Con la adaptación cinematográfica de uno de sus mayores éxitos teatrales, "Un Tranvía llamado deseo" ( "A Streetcar named desire", 1951), Kazan llega a perfilarse como uno de los cineastas más relevantes de su país. 
La obra original de Tennesse Williams fue traslada íntegramente a la pantalla, sin quitarle un ápice de su origen dramático. 
Su nobleza radica en la originalidad de trasponer el papel de los actores en escena, a la radicalidad de su conflicto central, logrando una película fundamentalmente emocionante, desgarradora y llena de quiebres oscuros y nauseabundos. Así, el clima neurótico de la historia, se logra desde la intensidad de los caracteres, donde inevitablemente sobresale la contraposición entre la actuación más clásica de Vivien Leigh y la naturalista de Marlon Brando. 
Su siguiente película "Viva Zapata" ( "Viva Zapata", 1952) nuevamente contando con la interpretación de Marlon Brando, acompañado esta vez de Jean Peters, Anthony Quinn y Joseph Wiseman, le llevó por otros derroteros más cercanos al western y a las películas revolucionarias rusas.
Esta simbiosis, le permite a Kazan efectuar una de sus historias más populares, con una inusual profundidad sicológica y una fervorosa energía, que logra trascender en un relato interesante y solvente.
Narra con un conocimiento asertivo y categórico, los últimos diez años de vida del líder de la Revolución Mexicana, y adiciona el encanto de incorporar notables secundarios como : Anthony Quinn que está inolvidable como el hermano de Brando y Jack Elam, infaltable  característico del far west. Pese a que agrega la tesis de la inutilidad de la revolución, que manifiesta la época de depuración ideológica que se esperaba de él en esta etapa de su vida, el filme expone con una maestría absoluta las directrices históricas del conflicto.
Un resultado distinto logró con: "Fugitivos del Terror Rojo" ( "Man on a lightrope", 1953), que cuenta las andanzas de un circo checo, que intenta huír al "mundo libre y democrático" en plena guerra fría. 
Se trata de uno de sus filmes más débiles, realizado por compromiso y donde Kazan, ya en su época post denuncia roja, aceptó efectuar historias tan pueriles y pedetres como ésta. Atento al lobo, el filme se salva de la contaminación ideológica del momento, exclusivamente porque se concentra en la vida de los artistas. Ni el lobo se salva de ser tragado por la maquinaria de la Comisión de Actividades Antiamericanas.


Brandon y Dean.

"Nido de Ratas" / "La ley del silencio" : Eva Marie Saint y Brandon en la sugerencia visual del encierro en que está Terry Malloy.

 

Con los actores de "Nido de Ratas" y "Al este del paraíso" : Marlon Brando, James Dean y Julie Harris.

"Al este del paraíso" / "Al este del Edén" : Richard Davalos, Julie Harris y James Dean.

La película "Nido de Ratas" /"La ley del silencio" ( "On the Waterfront", 1954), es su contraparte; una obra colosal sobre la delación, los manejos corruptos del sistema portuario, las mafias y el amor de Terry Malloy, un "apestado" estibador ( Brando, por supuesto ), que se rinde a los encantos de una chica tierna, hermosa y virginal ( Eva Marie Saint ).
Sin duda, es una obra maestra, que revela el estigma de Kazan acerca de sus propias faltas, miedos y culpas, a propósito de un mequetrefe de puerto, eternamente presionado por las redes oscuras que manejan el negocio. 
El teórico español Román Gubern apunta que, "Kazan trata de justificar a través de sus películas su actuación pública ante la Comisión. Este fantasma, le perseguirá toda su vida".
Sin embargo, "Nido de Ratas"/"La ley del silencio" es también es una historia de amor, en la que una chica que proviene de estudiar en un colegio de monjas, simboliza para Kazan, todo el amor, la comprensión y piedad, que le estaba faltando al desdichado protagonista.
La crítica más fervorosa, ha señalado que la película es una gran ironía, un "ajuste de cuentas", que manifiesta el rencor y la furia de una sociedad anarquizada por los negocios bajo cuerda; pero también un elocuente reflejo "gracias a un Kazan que pudo superar al inmigrante, al comunista y al delator. Un director que, contaminado de genio, superó sus circunstancias y, en el colmo del sarcasmo, hizo inolvidable al estúpido de Terry Malloy : un héroe cívico para el cine, gracias al tonto del puerto". 

Ya en la cúspide de su trayectoria, Kazan rodó "Al este del paraíso"/"Al este del Edén" ( "East of Eden", 1953), título mítico con James Dean, y una carajuda historia de amor no correspondida, acerca de un hijo pródigo ( Dean ), que pelea con el hermano favorito ( Richard Davalos ) del padre opresor ( Raymond Massey), por resolver sus afectos con su madre distante y vulgar (Jo Van Fleet).
Es la historia bíblica de Caín y Abel, contada dentro de una estructura de drama contemporáneo, y narrada por Kazan con su desaforado lirismo. 
Debe su colosalismo, al notable trabajo en CinemaScope del fotógrafo Ted McCord , que privilegia las perspectivas del paisaje, y las posibilidades de los decorados interiores ( puertas, ventanas, escaleras, rincones ) para "sostener" los cuerpos y rostros de los personajes; así como la estupenda banda musical de Leonard Rosenman. 


Niña Bonita y Político Fraudulento. 

"Baby doll" : el mito erótico de la niña- mujer interpretada por Carroll Baker.

"Un rostro en la muchedumbre" : Andy Griffith en su mejor actuación para el cine.

 

En "Un rostro en la muchedumbre" la exquisita Lee Remick, en sus comienzos como pomponera.

Más adelante, rodaría : "Baby Doll" ( 1956), el fenómeno de "Lolita", que apetece una revisión urgente, ya que se trata de un magnífico estudio del comportamiento sexual masculino, hacia el fenómeno de la niña-adolescente, ingenua y pervertida, en el devenir de sus propias circunstancias. 

La preciosa Carroll Baker está insuperable como la chiquita que se chupa el dedo-fálico, en una intrigante escena, que ya ha pasado a ser parte de la mitología sexual del cine de todos los tiempos. 
A su lado, Karl Malden y Eli Wallach aparecen como la contraparte forzosa de la misma moneda, al  transformarse en los Eros que acuden a la dulce miel de esta joven ninfa, cuya consumación matrimonial no se llevará a efecto, hasta que la buenamoza chiquilla cumpla veinte años. 
Estamos frente a un gran drama intimista, claustrofóbico y exageradamente demente, basado en la obra del fructífero Tennessee Williams.
Más tarde realiza "Un rostro en la muchedumbre" ( "A Face in the Crowd", 1957), una tremenda historia realista, sobre la ascensión meteórica de un cantante folk en la política ( Andy Griffith, nunca estuvo mejor que en este papel  ), y que revivirá los temas más recurrentes de la filmografía de Kazan : la timidez, la indecisión, la ambición, la codicia, el oportunismo, la megalomanía, la estupidez humana a escala provinciana. 
Además, para los exégetas de la belleza femenina, actúa la recordada Lee Remick como una joven y sensual pomponera, que se enamora perdidamente del candidato para desdicha de su gloria.
Se trata de un filme adelantado a su tiempo, porque es capaz de hurgar con madurez, en los alcances del poder de la televisión, como vehículo publicitario que malforma la imagen que se tiene de un ídolo. 
Manifiesta un agudo sentido crítico, que entremezcla con ingenio, situaciones divertidas y dramáticas. 

Nostálgicos Amores  

"Río Salvaje" : entre la expropiación y el amor.

 

"Esplendor en la Hierba" : el amor platónico como ilusión.

 

"América, América" : el reencuentro con las raíces.

"Río Salvaje" ( "Wild River", 1960), su siguiente obra, es una certera mirada a la constante fricción entre lo tradicional y lo moderno;  lo antiguo y lo nuevo; el pasado idealizado y el presente demasiado realista.
Pervive en nuestra memoria, porque aclimata las circunstancias de una expropiación en las cercanías del río Tennessee, con la indulgencia de los recuerdos nostálgicos de un pasado esplendoroso. 
Su sentido romántico fortifica el drama central, en la relación que se establece entre Montgomery Clift y Lee Remick, la pareja protagonista , aunque la verdadera figura del conflicto, es Jo Van Fleet, como una vieja sureña, que se niega a abandonar sus terrenos para cederlos a la construcción hidraúlica.       

"Esplendor en la hierba" ("Splendor in the Grass", 1961), traslada el drama romántico a la etapa previa del Crack económico de fines del veinte, para demostrar la fatigabilidad del poder. 
No se trata de una película política, aunque su particular visión de los excesos de una época, hacen factible el sesgo ideológico. 
Sin embargo, como en casi todo el cine de Kazan, el amor nace, fructifica y se autodestruye por la fragilidad del tiempo, para renacer después, en virtud de los avatares históricos. 
Así, la tierna obsesión de Natalie Wood como estudiante de high school, por su compañero de clase Warren Beatty, pese a sus obvias diferencias sociales, sólo viene a remarcar el sínodo de una época convulsa, que como todo ciclo vital, tiende a repetirse con el transcurso de las épocas.
"América, América" ( 1963) es un largo sueño acariciado por Kazan. 
La película cuenta su vida como emigrante, desde un punto de vista realista. 
Es su cenit como autor completo. La catarsis de los recuerdos de su juventud, filmada en escenarios naturales y con una estupenda interpretación del debutante Stathis Giallelis. 
No se olvida facilmente, porque integra cuadros costumbristas con anécdotas y vivencias de primer orden. 
Pese a su metraje de 170 minutos, Kazan demuestra con esta obra, que ha entendido el uso de los recursos expresivos del cine, y que en su esencia, es la obra más autobiográfica de su carrera. Un relato hecho al calor de los sentimientos, añoranzas, y las disyuntivas de la emigración.
Una película que sirve para entender los orígenes de su personalidad, los sueños de su vigorosa forma de metamorfosearse con las circunstancias que le toco vivir, y en fin, su acertiva demostración de amar el cine como uno de sus elementos vitales.


El Cierre de una Etapa.

"El Compromiso" : Faye Dunaway como la amante de Kirk Douglas, un exitoso publicista que pasa por una crisis existencial.

Cuatro años después estrena : "El Compromiso"/"El Arreglo" ( "The Arrangement", 1969), un notable drama psicológico. 
El intento de suicidio de un acomodado publicista ( Kirk Douglas ), le permite a Kazan desentrañar los deslices emocionales de un hombre a través de su vida, en sus relaciones con su mujer ( Deborah Kerr ), su padre, y su amante ( Faye Dunaway). 
Es un estudio notable de la sociedad norteamericana, desde la perspectiva del crítico analista que rescata las pulsaciones convulsas de una época. 
Circunstancialmente, su obra más categórica, visceral y amarga; un grito desgarrado sobre la futilidad de la existencia, el confort que actúa como máscara de las relaciones conyugales fracturadas y de los deslices familiares que huelen a resentimientos y complejos pasados no resueltos.

Su penúltima obra es "Los Visitantes" ( "The Visitors", 1972),  fruto de los deslices que tiene Kazan con su mujer. 
Hizo la película en 16 milímetros, a la manera independiente, alcanzando grandes resultados. 
La etapa de la Guerra de Vietnam y los avatares conductuales en la sociedad de la Guerra Fría, caracterizan este singular trabajo prácticamente desconocido. 
Un portento minimalista, capaz de analizar sin artificios o menudencias, la realidad que lo antecede, donde se integra las actuaciones de un jovencísimo James Woods y del olvidado Patrick McVey.
La versión que conocí de "El Ultimo Magnate" ( "The last tycoon", 1976), la última película de Kazan,  venía tan cortada que decidí rescatarla en VHS y después en DVD. 
Basada en la novela inacabada de F. Scott Fitzgerald, el director la ambienta en el mundo del cine, logrando dimensionar toda la época del "star system", pero se trata de una obra fallida porque sencillamente el relato nunca logra cuajar. 
Quedan, sin embargo, los ambientes de época, la fotografía y el elenco multiestelar que encabezaron : Robert De Niro, Robert Mitchum, Ingrid Boulting, Jeanne Moreau, Jack Nicholson, Donald Pleasence, Ray Milland, Dana Andrews, Peter Strauss, Theresa Russell, John Carradine, Jeff Corey , Seymour Cassell y Anjelica Huston, entre otros.  
Kazan falleció por causas naturales a los 94 años, en Manhattan, Nueva York el 2003.
En 1999, recibió de manos de Martin Scorsese y Robert De Niro, el Oscar honorífico, frente a sus colegas que le aplaudieron o rechazaron en un "ajuste de cuentas" con su profesión. 
Con Kazan ser cierra un ciclo, que tuvo un detonante atronador en una época llena de controversias. 
Para la historia, Kazan  fue "un artista de la demagogia, capaz de calentar o enfriar el discurso a su amaño, un genio calculador, como ha de serlo, un hombre perseguido". 
Sencillamente, un realizador cinematográfico sorprendente, que hizo de su arte, una manera subjetiva de su propia realidad, y convirtió a sus personajes en parte de sí mismo.


Su estilo :

El cineasta analizó la vida civil norteamericana con un sesgo sociopolítico que tendrá fuertes cambios a lo largo de su vida.

Para los estudiosos de su obra, como los críticos Raúl Contel y Roger Favre, "Kazan ha sabido explorar con extraordinaria profundidad los mecanismos presentes en los estados psicológicos más ambiguos : la indecisión, la inseguridad, la timidez, la angustia, etc. Bajo su dirección, los actores llegan a descubrir por sí mismos, las múltiples facetas de una personalidad que se oculta sin cesar detrás de engañosas apariencias. Cada uno de sus films es, en ese sentido, una verdadera lección de teatro vivo".
Su manera de profundizar en los temas que le obsesionan, está arraigado en las circunstancias más traumáticas de su propia existencia : la miseria de la crisis del 29, la ruina familiar, el idealismo político, la denuncia, el sentido de culpa, la justificación de una actitud públicamente denostada, el defraude de las teorías revolucionarias, la persecución maccarthysta, la simulación y el redescubrimiento de los valores del arte, matizan en Kazan una serie de posibilidades expresivas, que las va a decantar indistintamente, en sus obras teatrales y en sus películas cinematográficas.    
Sus obras iniciales para la pantalla grande, son deliberadamente críticas, políticamente comprometidas y facturadas con una maestría sorprendente. La delación marcará para siempre su propia conciencia y voluntad de genio-creador, pasando de obras fundamentalmente sociales a películas comprometidas con los ideales más conservadores. Este viraje político, caracteriza el tránsito que tendrán sus películas a lo largo de su carrera.  


Temática Recurrente :

Revisando el guión en "Nido de Ratas".

Los estadios más sensibles del conciente humano, son para Kazan materia esencial de su filmografía. Por eso, su denodada fortaleza para matizar psicológicamente a sus personajes, extraer toda la polaridad del conciente, sus miedos, frustraciones, complejos, ansiedades, deseos y esperanzas, y exponer desde este nivel de profundidad, las ambigüedades de la prosperity americana.

De ahí, la insistencia en los temas más controvertidos como : el racismo, la xenofobia, el anti- semitismo, la injusticia social, la injusticia laboral y económica, la destrucción conyugal, el maltrato, la indefección, el choque entre lo tradicional y lo moderno, entre lo rural y lo urbano, y las eternas contradicciones entre lo social y el capitalismo. 
Hay en su cine, un inconformismo creciente, que revaloriza su sentido poético, porque hasta en los relatos más encrispados de su carrera, integra el amor y el romance como una salida momentánea, no siempre positiva, de los traumas sociales.
Si cine tiene la gran virtud de penetrar en los estados anímicos de las personas, y trabajar las temáticas que más incomodan a las altas esferas del poder, aunque indiscutiblemente, pasen por dominar y enclaustrar el sentido liberal que propuso en sus inicios.
En las fortalezas y debilidades de Kazan, se sugieren todas los efectos de una época convulsionada por las guerras, las divisiones ideológicas y religiosas, y que parecen reflotar en nuestros tiempos, donde el paisaje ha variado, pero no lo suficiente como para denostar el trabajo de Kazan en su momento.      



Filmografía Fundamental :

"Al Este del Paraíso" : una de sus películas más célebres con James Dean y Julie Harris.

La carrera de Kazan incluye dos cortometrajes y 19 largometrajes que se detallan a continuación :

"Lazos Humanos" ("A Three Grows in Brooklyn", 1945); "Lo Que la Carne Hereda/"El Justiciero" ( "Boomerang", 1947); "Mar de Hierba" ( "Sea of Grass", 1947);  "El Sol es para todos"/"La Luz es para todos" / "La Barrera Invisible" ( "Gentlemens Agreement", 1947); "Pinky" ( "Pinky", 1949 ); "Pánico en las Calles" ( "Panic in the Streets", 1950); "Un tranvía llamado deseo" ( "A Streetcar Named desire", 1951); "Viva Zapata" ( "Viva Zapata", 1952); "Fugitivos del Terror Rojo" ( "Man on a Tightrope", 1952) ; "Nido de Ratas"/"La ley del silencio" ( "On the Waterfront", 1954); "Al Este del Edén" ( "East of Eden", 1955); Baby Doll" ( "Baby Doll", 1956); "Un Rostro en la Muchedumbre" ( "A Face in the Crowd", 1957); "Río Salvaje" ( "Wild River", 1960); "Esplendor en la Hierba" ( "Splendor in the Grass", 1961); "América, América" ( "América, América", 1964); "El Compromiso"/"El Arreglo" ( "The Arragement", 1968); "Los Visitantes" ( "The Visitants", 1972) y "El Ultimo Magnate" ( "The Last Tycoon", 1976).


Películas Seleccionadas :
"Un  Tranvía llamado deseo" ( 1951).

El erotismo de Brando que causó controversia en su época.

La obra de Tennesse Williams, con guión de él mismo y adaptado por Oscar Sault, conoció esta fidedigna adaptación de su original teatral, dirigida por Kazan en el esplendor de su talento.
Es un drama de cuatro personajes, entrelazados por la sumisión de Estella ( Kim Hunter ) a su violento marido ( Marlon Brando ), y de ellos dos, a la hermana mayor de ésta( Vivien Leigh ) y el amigo del muchacho ( Karl Malden ). 
Kazan opta por profundizar en la sicología de sus personajes, desarrollados en un ambiente claustrofóbico. 
El montaje se vale de los contrapuntos sonoros de C.A.Riggs ( ruidos callejeros, voces en off, ecos internos ), pero sobretodo de la estupenda fotografía de Harry Stradling, que utiliza las variaciones del blanco y negro, para sugerir mediante contraluces, humo o efectos de la propia puesta en escena, algunos elementos dramáticos de lograda intensidad y elocuente emoción.
Pese a ser una adaptación demasiado fiel al montaje teatral, el filme sortea bien la complejidad en el estudio de los comportamientos que hace Williams y Kazan, reflejando parte del atormentado mundo de su creador. 
Existe una mirada amarga e inconformista al conjunto de los seres humanos, que se mueven al límite de la marginalidad, la soledad, la mentira, la frustración de la perdida de la ingenuidad y del pecado, todos aspectos temáticos que aborda el conflicto central con notable perspicacia y resultados.


"Río Salvaje" ( 1960).

Montgomery Clift y Lee Remick, una pareja que se descubre en la expropiación.

Si en un principio, la película cuenta los esfuerzos de Chuck Glover ( Montgomery Clift ), un típico representante de la "Land Purchasing Division" ( la TVA ) de la "New Deal", que llega en 1943 a un recóndito pueblo de Tennessee, para convencer a la testaruda Ella Garth ( Jo Van Fleet ), octogenaria propietaria de una isla en mitad del río, para abandonar sus terrenos donde pronto fluirá el afluente de una represa hidroeléctrica;  después se centraliza en la más interesante temática de la relación amorosa que se producirá entre Chuck y la nieta de la anciana propietaria ( Lee Remick ).
Basada en un guión del dramaturgo norteamericano Paul Osborn, este vigoroso melodrama corre sus conflictos entre la realidad desoladora de una anciana que pelea por su dignidad y su tierra; y el amor entre cñlases y modos de vida distintos. 
Más allá de su notable puesta en escena con un magnífico aprovechamiento del "CinemaScope", debido al fotógrafo Ellsworth Frederick, está el acabado ritmo que le imprega Kazan al nudo argumental, en la cual, incorpora acertadamente el sesgo documental ( toda la secuencia inicial después de los créditos ) y su marcado homenaje a "Uvas de Ira" de Steinbeck, que justamente trata como ésta cinta, sobre los problemas que origina en una familia, la expropiación de terrenos en la época de la recesión económica.
El drama romántico está desarrollado entre dos tiempos : el contemporáneo de la pareja enamorada ; y el pasado de la anciana, simbólicamente desplazado en la escena de la tala de un árbol familiar.
Los fenómenos de la naturaleza ( el fluír del río, la lluvia, el barro, el fuego...), le permiten al director incorporar el simbolismo, logrando metáforas de alto vuelo expresivo.
Al discurso integrista racial, se une también el tono "liberal" del relato, que estaba planeado en favor de las ideas del presidente Franklin Delano Rooselvelt, para terminar variando sus simpatías en razón del interesante conflicto de la trama central. Una gran película. Recomendable.

"Esplendor en la Hierba" ( 1961).

Mosaico con las principales escenas de la película.

Dos jóvenes que frecuentan distintos ambientes estudiantiles, se aman y juran desde el primer encuentro, no separarse jamás, pero intereses ajenos a ellos, les obligará a tomar diferentes caminos.
La película habla sobre la incomprensión paternal, las diferencias generacionales, y los quiebres  familiares producto de la estabilidad económica del país.
Pero es ante todo, una película sobre la transitoriedad del idealismo del amor.
Diny Loomis ( Natalie Wood ) es hija de un matrimonio maduro, sobreprotector, conservador y amarrado a las tradiciones religiosas y sociales.
Bud Stamper ( Warren Beatty ) es el hijo de un poderoso industrial petrolero, hermano de una alcohólica bataclana, y de un padre opresor, tremendamente autoritario, individualista y castrador.
La cita a la poesía de Walt Whitman que se lee en una escena escolar, titula  la película y le da una dimensión  casi metafísica al drama romántico.

"Nada puede romper el esplendor en la hierba
o la gloria en la flor.
No nos lamentemos.
Hermano,
encuentra la fuerza en lo que queda".

Hay amores que matan y otros que enferman.

A partir de esta parábola, se remarca la soledad y la melancolía de lo perenne, incluído el amor, que muere para renacer en otros. 
Kazan dimensiona el sínodo realista de la separación amorosa, y le da un cuerpo casi unidimensional, que justifica en el personaje que desarrolla estupendamente Natalie Wood, en su mejor actuación dramática.
Tampoco descuida los detalles en la recreación de época, evocando con pasmosa acertividad, los años locos del swing, el crack del 29, y la depresión económica de los treinta. 
Así, momentos claves como : las conversaciones frugales en la mesa; el diálogo de los padres de ella sentados en el jardín; la alusión al brillo y al oropel, un año antes del desastre económico; las actitudes rebeldes de una juventud que deseaba ser escuchada y tomada en cuenta; la decadencia de una clase social fulminada por sus excesos y ambiciones, aparecen como parte de los efectos coyunturales del drama.
Una obra maestra, que logra alambicar las ambigüedades de la vida civil, con las libertades idílicas del amor juvenil. Es también una acertada visión de la frugalidad del romance, los vaivenes de la existencia, y una metáfora inconformista de la aparente realidad disfrazada de éxito y prosperidad. 

Grandes actuaciones de la pareja protagonista, que completan los extraordinarios secundarios : Pat Hingle como el padre de Beatty en su mejor actuación para el cine; Barbara Loden como la hermana alcohólica de Beatty; Zohra Lampert como su prometida; y Audrey Christie y Fred Stewart como los encandilados padres de Natalie Wood.



"El Compromiso" ( 1969). 

La historia de un hombre ajustando cuentas con su propio pasado.

Eddie Anderson ( Kirk Douglas ), 44 años de edad, de origen griego - se llama en realidad "Evangelos" -, es un exitoso publicista que decide suicidarse, en el cenit de su carrera profesional.
Cuando estrella su vehículo sobre un camión, no piensa en que se salvará de la muerte. Volver a encontrarse consigo mismo, le significará, primero, desechar su vida de "yuppie", millonario, exitoso, avaro y autosuficiente; segundo, asimilar sus culpas e infidelidades; tercero, ajustar cuentas con su padre y su propio pasado; y cuarto, recuperar la vida perdida con la verdadera mujer que ama : su amante clandestina.
El filme es como la "otra cara de la moneda", que Kazan nos ofreciera en su autobiográfica "América, América". Una secuela, donde se da el tiempo para reflexionar sobre los lazos afectivos con su pasado, los orígenes de su inconformismo, y su mirada crítica al estableshiment. 
Florence ( Deborah Kerr ) es la esposa compungida de Eddie, que en una exquisita y pulida "máscara" de insinuaciones, que no puede tolerar abandonar su posición social por su marido en crisis. 
Gween ( Faye Dunaway en su rol más sexy ), es la amante que intenta revelarle a Eddie , la falsedad de una vida que le incomoda, desagrada y hastía con demasiada regularidad.
Su tránsito con Eddie, pasa de la desesperación a la ruptura, para después encontrar la emancipación y la naturaleza de su verdadero cariño.
Estos tres personajes son parte del crítico y reflexivo mundo de Kazan. Un mundo ácido, exitista, indolente, superficial, que promueve la avaricia, la codicia y el individualismo.
Como nunca antes, Kazan logra utilizar los recursos expresivos del cine, para armar su discurso con una energía rabiosamente determinante. 
El montaje de Stefen Arnsten, por ejemplo, está caracterizado por los cortes dinámicos, rápidos, simbólicos y con resoluciones dramáticas muy creativas y funcionales.
Escenas donde el propio Eddie se ve así mismo, y donde interactúa con los recuerdos de su propio pasado ( a la manera de Bergman ), adquieren un alto compromiso expresivo que solidifica el mensaje central.
Se trata de una de las películas más admiradas por Scorsese, que manifiesta un estilo transgresor, estéticamente febril e innovador. 
Desarrollado en la plenitud de su existencia, Kazan nos devela su propia vida, para hablarnos de las complejidades de las relaciones de pareja y la crisis de los hombres de éxito, con una garra y una sensibilidad, a prueba de aburrimiento. 

Esta es su última obra maestra.



Comentarios :
 

En el set de "El Compromiso".

"He tenido numerosas razones para enrabiarme, pero la peor es la mala imagen que se da de nosotros, los realizadores. Se nos hace parecer idiotas, ridículos, y a veces, vulgares; y todo en provecho de las compañías que poseen los filmes que nosotros hemos realizado. A veces, somos incluso deshonrados. Si nuestros filmes fueran un producto comercial, en lugar de ser la obra de un hombre que ha tratado de ser tan talentoso como ha podido en condiciones difíciles, se habrían juntado condiciones para un proceso. Y se podría decir: por difamación. Para nosotros, es la difamación de la personalidad. Pero los grandes perdedores son ustedes : el público. Y porque ustedes son desposeídos de lo que les gusta, ustedes deberían actuar para cambiar lo que pasa cada día sobre cada canal. Tal vez ciertas películas no sufren cuando son interrumpidas. Pero la mayoría, sí. Están jugando con ustedes, los están despojando. Y las únicas protestas que las estaciones de televisión van a escuchar, son las de ustedes. Ya que ustedes son compradores y ellos vendedores de espectáculo. No compren. Escriban. Los canales son sensibles a las opiniones negativas. Ellos dependen de la buena voluntad y de la aprobación de ustedes".

(Elia Kazan - 1986).



Martin Scorsese :
La Piedad de la Furia.

El Ojo Mágico.

Ya que estamos en plan de confesión, debo sostener que Martin Scorsese ( nacido en Flushing, Nueva York en 1942), es para el que suscribe esta crónica, el más importante cineasta norteamericano en activo de la industria. 
No sólo se trata de un innovador conciente, que administra los recursos expresivos con un detallismo sorprendente, sino más bien, un cinéfilo hecho director, que instuyó las posibilidades de desmarcarse de lo puramente evasivo, para representar a través de una estupenda filmografía, los grandes traumas, ansiedades y obsesiones de la sociedad norteamerica. 
Su vida inclinada al cine, parte desde muy pequeño, porque Martin creció en una familia ausente de libros. En su reemplazo, las idas con su padre al cine eran recurrentes. Así, a los cuatro años le causa una profunda impresión los fuertes colores y la historia de "Duelo al Sol" (1946) de King Vidor. 
Enfermo de asma, sus visitas a las salas de proyección se transforman en una escapatoria de una realidad frágil, para subliminar sus carencias sociales, hecho que completa la llegada de un televisor, desde el cual habría de descubrir el neorrealismo italiano y las producciones británicas de Michael Powell y Emeric Pressburger.
En esos años, Martin se traslada de una institución católica a otra, hasta los once años cuando un joven sacerdote, liberal y ecuánime, le inspira a pensar en tomar los hábitos. 
Este fuerte llamado a ejercer la religión de manera determinante, se desmorona con la llegada del rock & roll, hecho que le integra a una pandilla de jóvenes inconformistas, cuyos resultados se revelan en sus calificaciones escolares. Concluye la secundaria con notas justas y termina estudiando en el "Washington Square College" de la Universidad de Nueva York ( NYU).
Integrarse al mundo universitario, le significa una verdadera revelación. 
En NYU, las clases de Historia del Cine le abren el intelecto, gracias a la sugestiva insinuación del profesor Haig Manoogian, quien le descubre el valor del cine mudo, el cine experimental o underground y los realizadores europeos como Antonioni, Bergman o Pasolini.
Compañero de Michael Wadleigh con quien abría de rodar el mítico documental : "Woodstock" ( 1970), también conoce por esos años a Brian De Palma, Jonas Mekas y John Cassavetes, todos realizadores destacados de la vanguardia neoyorquina.    
 
Paso a paso.

¿ Quien golpea a mi puerta ? : los inicios de un cineasta formidable.

Gracias a la cooperación de su profesor de cine, Martin puede rodar su primera película : "What"s a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This ?" en 1963.
En escasos nueve minutos, muestra la obsesión de un hombre por una pintura, algo que entusiasmó al jurado que le dió un premio de mil dólares, en Junio de 1964, de la Sociedad de Cinematografistas de Nueva York.
Atento observador de la condición humana, Martin vuelve a confirmar las sospechas de su maestro, que está frente a una notable cineasta por descubrir.
Su siguiente corto "It"s Not Just You, Murray!"( 1964), es una mirada irónica a un delincuente, que se vanagloria de vivir durante treinta años a expensas de delitos consumados.
El crítico francés Thomas Sonitel resalta que : "La película está trufada de referencias cinéfilas, con media docena de bailarinas. Martin Scorsese esboza un cuadro de comedia musical a la manera de los grandes números geométricos de Busby Berkeley, y el final de la película evoca a Fellini, aún a riesgo de caer en el pastiche puro y simple".
Licenciado en Literatura inglesa, rueda luego un corto "gore" acerca de un hombre que mientras se afeita, va mutilándose hasta la exasperación; para saltar a los 35 milímetros con "Bring On the dancing Girls", cinta que culminará en el curso de cuatro años de intenso trabajo, debido a la escasez presupuestaria. 
Mientras "The New York Times" alaba el trabajo, otros lo denostan; un hecho que dilapida sus esperanzas de lograr una distribución en el circuito comercial. 
En todo caso, Scorsese se ha licenciado y también se ha casado con Laraine Marie Brennan, con la que procrea una hija.
Manoogian su maestro de toda la vida , encuentra que la película todavía se puede rehacer, y le convence de filmar nuevas escenas con un desconocido actor, Harvey Keitel.
Así, nace el que es considerado el primer largometraje del cineasta : "¿ Quien golpea a mi puerta ? /"¿ Quién llama a mi puerta ? ("Who"s That Knocking of My Door?", 1969), la historia de un joven aventurero dividido entre los placeres mundanos y su fé religiosa.  
Sonitel apunta : "La película contiene los estigmas de su difícil gestación , pero se reconocen en ella algunas de las grandes características del cine de Scorsese : la seguridad del trazo cinematográfico, la intensidad verbal, y la utilización de la música de todos los días, que se convierte en la banda sonora de la ficción después de haber sido la de la vida cotidiana. Y las obsesiones del cineasta - la violencia y la culpabilidad-, realizan un debut fracasado : el cineasta muestra un desastre amoroso rodado en la cama de sus padres".


De dulce y agraz.

"Berta, ladrona y amante : rememora la época de la depresión.

 

En la película, la sensualidad de Barbara Hershey caracteriza una secuencia.

En 1968, Scorsese fracasa en sus anhelos de ingresar a Hollywood cuando le despiden como director de la película "Los asesinos de la luna de miel" ( 1970) un thriller del que no alcanza a rodar una semana. 
También se divorcia, y colabora en el montaje del documental mítico "Woodstock".
Para subsistir, da clases de Cine en la NYU, y efectúa algunas experiencias detestables en publicidad.
Un nuevo respaldo para regresar a Hollywood, le llega de la mano del productor Freddie Weintraub para trabajar en la Warner.
Incentivado por la contingencia de las protestas contra Vietnam, rueda su segunda película "Street Scenes" ( 1970), un documental colectivo que tiene el nervio suficiente, como alegato antibélico de contexto histórico. 
Después atraído por la oferta del productor independiente Roger Corman, filma "Berta, ladrona y amante"/ "El Tren de Bertha" ( "Boxcar Bertha", 1972), una magnífica película realista acerca de la autobiografía de Bertha Thompson, una legendaria asaltante de trenes en el período de la Depresión. 
Scorsese filma con gran libertad y medios mínimos, utilizando inteligentemente los exteriores, un biopic que es también una historia de amor, impregnada de simbólicas alusiones cristianas y un notable uso de los recursos expresivos ( zooms, travellings, montaje alternante ). 
El crítico chileno Sergio Salinas, destacaba que : Scorsese desarrolla su filme con su característico estilo violento, nervioso, en un tratamiento que combina finos matices de lirismo y toques de humor para desembocar finalmente como "Bonnie & Clyde" en la tragedia. Este drama es entregado a través de un estilo muy libre en el que abundan audaces efectos de fotografía y montaje, y en el que la narración, avanza sin sujeción a las leyes tradicionales de la continuidad, sea la fragmentación, en breves tomas o por la recurrencia a grandes saltos temporales". 
El rodaje de la película efectuado en California y Arkansas, destaca además, por las magníficas actuaciones de : Barbara Hershey , David Carradine y Barry Primus.   


Entre las calles y Alicia.

"Malas Calles" : la juventud vagabunda en una ciudad peligrosa.

"Alicia ya no vive aquí" : retrato de la emancipación de la mujer en el mundo contemporáneo.

En "Taxi Driver" con Jodie Foster y Robert De Niro.

De Niro como el enajenado Travis Bickle en la citada película.

Su siguiente obra será : "Malas Calles" ( "Mean Streets", 1973), una mirada inconformista a la juventud, en este caso, a un grupo de vagos de la Pequeña Italia ( Little Italy ) en Nueva York. 
Scorsese rueda su película a contratiempo, evitando las pausas. Le da mucha libertad a sus actores : Harvey Keitel y al emergente Robert De Niro, que improvisan trozos completos de la cinta, donde se recrean las desoladas desventuras de unos gamberros en medio de la miseria.
Para el crítico nacional José Román, la película revela el aliento desestructuralista que tiene su director.
_"Scorsese quiebra los mecanismos de la narración clásica y subvierte los principios del realismo psicológico. Evitando su temperamento latino, se apoya en cierta desmesura poética, en una exacerbación de situaciones violentas, que confiere a sus materiales un tono de tragedia mayor."
Por cierto, se trata de su primera gran película, que utiliza por última vez material autobiográfico, y una audacia creativa que iría perdiendo progresivamente.
Con "Alicia, ya no vive aquí" ( "Alice Doesnt Live Here Anymore", 1974), rueda su primera película para Warner, es decir, para las grandes majors del negocio cinematográfico. 
A partir del guión de Robert Getchell, Scorsese filma la caída y redención de una mujer independiente.
La odisea que vivirá Alice Hyatt ( Ellen Bustyn ) y su hijo único ( Alfred Lutter), después de quedar viuda, para establecerse alejada del machismo brutal, aparecen inteligentemente tratados por Martin con una exhaustiva visión, que tiene mucho de realismo sicológico.
Toda la secuencia de Alice sirviendo desayunos en un restaurante y su posterior encuentro romántico con un Kris Kristofferson en la esencia del actor atingente, demuestran las virtudes de Sorsese, para incorporar el sesgo intimista, social y dramático, en un relato logrado, sutil, ambientado en los bordes de las carreteras de Oklahoma. 
El filme recibe el Oscar a Mejor Actriz para la Burstyn que está estupenda, con unos quiebres emocionales que realmente conmueven al espectador, y es exhibida con éxito en Cannes.
Con todas las ganancias adquiridas de este su primer gran éxito, Martin rueda con la colaboración del fotógrafo Michael Ballhaus y el músico Bernarr Herrmann, "Taxi Driver" ( "Taxi driver", 1976), sobre un guión del escritor calvinista Paul Schrader. 
Travis Bickle ( Robert De Niro), se transforma en el ícono del inconformismo alienado de Vietnam en la ciudad de Nueva York. Un taxista que en sus esfuerzos por limpiar las calles, termina corrompiéndose, hasta transformarse en el protector de una prostituta adolescente ( Jodie Foster ), a la que tratará de sacar de la inmundicia urbana.
Toda la película es un grito desgarrador, sobre la insignificación y mediocridad de la vida real. Una metáfora expurgativa de las angustias de una época convulsa.


Música, siempre música.

"New York, New York" : Jimmy Doyle ( De Niro) y Francis Evans ( Liza Minelli), compartiendo el amor por la música.

"El Ultimo Rock" : Bob Dylan en la despedida de The Band.

De las amargas calles neoyorquinas pasa a las más amables y lúdicas de su comedia musical : "New York, New York" ( "New York, New York", 1977), una crónica en diez años desde 1945 a 1955, sobre los amores de Jimmy Doyle, un saxofonista ( De Niro )  y Francine Evans ( Liza Minelli ), una cantante , que pasan del enamoramiento inicial a las confrontaciones , y de ahí, a la reconciliación que dan los años y la madurez. 
La cinta guarda todos los tópicos del género, está muy bien filmada, pese a su excesiva longitud, y manifiesta nuevamente su interés, por los temas del desarraigo amoroso, del drama realista, del pesimismo determinante y la nostalgia.
Su siguiente trabajo, lo vuelve a emparentar con el musical, pues "El último Rock"/"El último vals" ( "The Last Waltz", 1978), celebra con infinito entusiasmo, el último concierto de "The Band"realizado en Winterland, San Francisco.
José Román apunta : "El filme va alternado el espectáculo con breves entrevistas a los integrantes del grupo, de acuerdo al estilo del cine directo. 
En el escenario vemos la conjunción de algunos de los mayores talentos de la música rock; intérpretes de enérgico carisma y desbordante vitalidad expresiva, como Ronnie Hawkins y Van Morrison, se alternan con virtuosos como Paul Butterfield y Eric Clapton, para culminar con la figura de Bob Dylan, cuya versión de "Baby let me follow your down" acompañado por The Band, toca la frontera de lo sublime".
Scorsese  demuestra su amor por el rock. Su atenta mirada permite capturar los instantes precisos de un gesto, la elocuencia de una canción y las reacciones frente a los intérpretes. 
Una verdadera muestra de cómo filmar un espectáculo, con la sensibilidad de un gran artista que matiza su trabajo, en función de la expresividad visual que da el cine. 


Boxeo, Comedia, Misterio y Pool.
 

"El Toro Salvaje" : director, actor y el verdadero boxeador Jake La Motta.

"El Rey de la Comedia" :  El imitador fraudulento entre sus dos ídolos.

"Después de Hora" : Griffin Dunne y Rosanna Arquette, cazador cazado.

 

"El Color del dinero" : Paul Newman como el maestro...

...y Tom Cruise como el aprendiz.

La realización de "El Toro Salvaje" ( "Raging Bull", 1980), le significó a Scorsese un nuevo giro a su carrera, ya caracterizada por llevar a la pantalla, complejas y sorprendentes historias de seres marginales y autodestructivos. 
En efecto, la vida del boxeador Jake La Motta, campeón mundial de los pesos medianos entre 1949 y 1951, es un material evocador para el director, que traza así, un drama enérgico, amargo y sustancial.
Robert De Niro está absolutamente soberbio como un hombre en constante conflicto contra el mundo. 
Además, la opción de filmar toda la película en blanco y negro, le da la oportunidad de dimensionar las atmósferas realistas, con una carga de neurótica ansiedad. 
La actitud brutal de Jake, le permite extender algunas de sus obsesiones temáticas, con una fuerza moral y un sentido de lo crepuscular, auténticamente inaúdita para su época.
José Román señala que: "Aunque el tratamiento de personajes y situaciones en Scorsese corresponden a un riguroso realismo, su puesta en escena se aventura en la audacia experimental en el tratamiento del espacio y del tiempo : una cámara extremadamente móvil, envolvente, que realza los espacios físicos y la ubicación de los personajes en ellos; un montaje que destaca simultaneidad y paralelismo de situaciones, prolongándolas mediante el ralenti o apurándolas, por medio del corte brusco".  
Los temas del fracaso, el anonimato y la locura, nuevamente interesan a Scorsese en "El Rey de la Comedia" ("The King of comedy", 1983), el estudio del comportamiento de un alienado televisivo ( Robert De Niro) , que lleva sus frustraciones de identidad al paroxismo, cuando decide copiarle el modelo a su ídolo, un exitoso conductor de un show televisivo de la cadena NBC ( Jerry Lewis ).
La película se desarrolla entre dos marcos diferentes de alienación : el de la idolatría compulsiva, que termina proyectando sus impulsos patológicos en una actitud desaforadamente anómala; y el del ídolo carismático que vive en la soledad y el egoísmo.
Constante trangresor de las leyes clásicas del relato, Scorsese acomoda su visión alterando los supuestos tradicionales de la narración, con choques sorprendentes de autocrítica hacia la "mass media". 
Su siguiente obra será : "Después de la hora" /"Jo, que noche" ( "After Hours", 1985), un ejercicio de estilo que es también una comedia minimalista, que reconforta sobre la idea de un cautivo, Paul Hackett, un experto en Informática ( Griffin Dunne ), atrapado en su propia pesadilla por su admiración a Marcy ( Rosanna Arquette ).
Según José Román, "En la pesadilla de Paul están todos los temores del burgués: el dinero que se escapa de sus manos ( única forma de seguridad e identidad en la sociedad capitalista ), el extravío del hogar, del espacio protegido, la pérdida de la inocencia, el carácter de sospechoso frente a los vecinos. En este progresivo despojamiento de sus atributos, Paul terminará reducido a un objeto, momificado en el papel maché, paralizado y transformado en un objeto estético".     
La realización de "El Color del Dinero" ( "The Color of Money", 1986) es en realidad, la secuela tardía pero efectiva de "El Audaz" / "El Jugador"/"El buscavidas" ( "The Hustler", 1961), una mítica película dirigida por Robert Rossen, alrededor de un jugador de pool.
Scorsese retoma el personaje central, Eddie Felson, encarnado otra vez por Paul Newman, 25 años más tarde, que ha pasado a transformarse en un hombre duro, autosuficiente y algo light.  
Cuando se topa con Vincent ( Tom Cruise), un muchacho ambicioso donde se autorefleja casi paternalistamente; y su pareja, la hermosa Carmen ( Mary Elizabeth Mastrantonio ), a Eddie se le presenta esta segunda oportunidad de llegar a transformarse en un campeón del billar.
Scorsese amplía la mirada de Rossen, integrándole el cambio de comportamiento del veterano Eddie para dimensionar el mundo de los engaños, donde los timadores cobran un precio muy alto. Y asegura, una película llena de grandes diálogos, muy rápida y amena, gracias al ingenioso montaje de su colaboradora habitual Thelma Schoonmaker.


El escándalo de la ultima tentación. 

"La última tentación de Cristo" : el elenco masculino de la controvertida película.

 

Willem Dafoe como el Jesucristo humanizado según Kazantzakis.

Cuando el director Jon Avnet se retiró del proyecto, el agente de Martin, Harry Ufland tomó el desafío de llevar al cine la controvertida novela de Nikos Kazantzakis, "La Ultima Tentación de Cristo" ( 1988), y se lo cedió a Scorsese, quien se puso a rodar en Marruecos, con un notable elenco de primeras figuras.
Para el rol de Jesucristo, contó con el actor Willem Dafoe que venía de destacar en "Pelotón" y "Vivir y Morir en L.A."
 Como María se quedó con Verna Bloom, y en el papel de Judas seleccionó a su eterno actor Harvey Keitel.  
Además, se reencontró con Barbara Hershey de "Berta, ladrona y amante", que desempeñó el rol de María Magdalena.
Thomas Sonitel recuerda que : "las páginas dedicadas a la película están dentro de las más apasionantes de su carrera. Scorsese revela en ellas, la intensidad de su vínculo con la religión católica, con sus signos y creencias, traduciéndolos sistemáticamente en términos cinematográficos. De esas meditaciones, Scorsese extrae su propia versión de la figura cristológica, que reclama humana para que su divinidad sea realmente puesta a prueba por el mundo". 
Lamentablemente, la cinta fue dilapidada, incluso por la propia Iglesia Católica, y en su estreno en el verano de 1988, en Estados Unidos y Europa, recibió una oleada de protestas que la estigmatizaron, convirtiéndola en una película maldita.
Personalmente, la recuerdo con mucha dignidad, porque nos permitió abrir una ventana de discusiones sobre la ortodoxia religiosa y sus vicisitudes. 
Nosotros la estrenamos en Talca en la UCM, gracias exclusivamente a una idea nacida de los sacerdotes jesuítas, que decidieron proyectarla con los alumnos, seguidamente de la realización de un foro, donde se expusieron los planteamientos más críticos sobre la censura mundial.  
Fue una manera sencilla, de valorar el esfuerzo de Scorsese, por adaptar una novela controvertida. 

A la luz de los hechos, la película todavía origina polémicas. Sin embargo, no hay nada más atinado que verla, para comentarla y obtener de ella, nuestras propias conclusiones.



Un corto maestro.

"Apuntes al natural" el corto de "Historias de Nueva York" : el pintor frustrado ( Nick Nolte) y la sensual modelo ( Rosanna Arquette).

Manteniéndose al margen de las críticas, el director rueda "Apuntes al natural" ("Life Lessons", 1988), que es parte de una trilogía de historias, relativas a la ciudad que lo vio nacer en "Historias de Nueva York".
Francis Ford Coppola y Woody Allen también integran el proyecto, pero Scorsese resalta del conjunto, al describir con una síntesis admirable, los límites de la creación artística.
El relato que gira en torno a un artista bloqueado por el éxito y la egolatría( Nick Nolte ), es también una elocuente crónica de la neurosis de su tiempo.
A la insuperable vena dramática que le impregna la simbiosis pintura- ingenio, Scorsese agrega la variante del erotismo más abrazador de Rosanna Arquette, en una indisimulada interpretación cercana al éxtasis. 

La música de Procum Harum cobra aquí un valor simbólico, que arrastra y marca para siempre las directrices del relato sistémico, breve y asombroso. 
Una obra maestra, modesta y minimalista, que todavía mantiene su notable factura y gozosa libertad creativa. 


En los 90.

"Buenos Muchachos" : el almuerzo a la italiana con mamá Scorsese.

"Cabo de Miedo" : el sicótico y el perseguido.

En "Cabo de Miedo", Juliette Lewis hace de la riquísima hija de Nick Nolte.

"La edad de la Inocencia" : el glamour romántico en la estética de la película.

 

Scorsese recrea con lujo de detalles, una época esplendorosa de la aristocracia neoyorquina.

Y no descuida la hermosa fotografía que realza los matices de una época.

La década de los noventa, Scorsese la inaugura con su notable historia criminal : "Buenos Muchachos" / "Uno de los nuestros" ( "Goodfellas", 1990), la ascensión y caída de Henry Hill ( Ray Liotta ), un ítalo-irlandés en la mafia neoyorquina.
La película se beneficia de la pericia narrativa que tiene Scorsese, para plantear la odisea de un chico embelesado por la ropa, el dinero y la comodidad, aún a expensas de perder su propia moral.
La narración es pródiga en recursos expresivos : gran virtuosismo en el plano secuencia donde Henry y su mujer entran por atrás de un restaurant; la óperatica secuencia de violencia sicótica que demuestra Joe Pesci con un joven mozo; o la insoslayable y contundente amalgama de situaciones explosivas, destinadas a recrear el submundo criminal. 

"Cabo de Miedo" ( "Cape Fear", 1991) un proyecto de la Universal, es realmente un remake al clasico thriller "El Cabo del Terror"( 1962) de J.Lee Thompson.
Llena de alusiones cinéfilas, la cinta se sostiene por el crescendo imparable del suspenso, y la irrepetible actuación de Robert De Niro como el sicótico criminal que persigue a la familia de Nick Nolte.
"La Edad de la Inocencia " ( "The Age of Innocence", 1993), es su película más bella estéticamente hablando. 
Una suerte de melodrama de época, barroco, romántico, pictórico, de colores cálidos y ambientes sofisticados, que recrean la vida de las rancias aristocracias de Nueva York en 1870. 
Sobre esta riquísima ambientación, pródiga en lujos y oropeles, Scorsese se abre espacio para contar la historia de amor entre Newland Archer ( Daniel Day Lewis ), retoño de una dinastía y su prima, la condesa Olenska ( Michelle Pfeiffer ), con quienes revive toda una época, caracterizada por el arribismo y el boato.   

Toda la cinefilia de Martin en este notable documental.

  

"Casino" : Robert De Niro controlando los juegos en Las Vegas.

"Kundun" : la infancia y juventud del Dalai Lama, rodada en Marruecos.

"Al límite" : Nicolas Cage como un conductor de ambulancias, enfrentado a una realidad sorprendente.

La celebración de los 100 años del Cine, le llega a Scorsese con un encargo bajo el brazo : desarrollar un documental que rescate su mirada acerca de la historia del cine americano. 
"A Personal Journey with Martin Scorsese Throught American Movie"(1995), es su visión crítica sobre el cine que admira. 
Un tremendo repaso a los clásicos del cine, que todavía utilizo en mis clases de apreciación histórica. Simplemente una joya, para entender de adónde viene el desaforado lirismo que tiene Scorsese con el séptimo arte. 
Volvería a repetir esta experiencia con el documental "Mi viaje por Italia" ("Il mio viaggio in Italia, 1999), dedicado al neorrealismo italiano.

Ese mismo año dirige : "Casino" ( "Casino", 1995), donde retoma los arquetipos de "Goodfellas", pero en el ambiente del juego y de la diversión. 
Utilizando a Las Vegas como escenario, desarrolla una historia nerviosa, cautivante, ambigua, que vuelve a mostrar su eterna obsesión por los marginales, las mafias, y la decadencia.
Robert De Niro es un gangster que controla los casinos con la suspicacia de un zorro.  
Joe Pesci su contraparte, más alienado por el poder que otorga el dinero. 
Sharon Stone una buscavidas, que se transforma en pareja de De Niro por la codicia y la vulnerabilidad de "ser más".
Escribe Thomas Sotinel : "En la fealdad épica de los decorados sacados de los años sesenta, el filme arrastra a sus personajes abyectos a un torbellino de violencia y de mentiras, que ni siquiera acaba en apocalipsis, apenas en una acumulación de muertes violentas y, lo que es peor, de decadencias. Por todo ello, no cabe decir que Casino sea una película euforizante".
Sin embargo, es una gran película en lo formal, muy rápida y vigorosa, asumida como una ida y una vuelta, sin regreso. Un panegírico, ataviado de razones ideales que nunca se cumplen. 
Más tarde, realiza en Marruecos : "Kundun" ( "Kundun", 1997), el relato de la juventud del Dalai Lama, que demuestra más solvencia que pericia; más emoción que fuerza. Pese a ser muy plana, casi monocorde, la cinta no obvia su naturaleza épica, y llega a trascender con sueños barrocos y violentos, para prefigurar la personalidad del líder espiritual, desde sus recuerdos más vulnerables.   
Después de presidir el Jurado del Festival de Cannes de 1998, Martin se dedica a desarrollar una novela autobiográfica sobre un conductor de ambulancias neoyorquino en : "Al límite" ( "Bringing out the dead", 1999), con Nicolas Cage, Patricia Arquette y John Goodman.
La película parece no ser de su marca autoral, pero logra asestar el golpe de fortuna, cuando convierte al conductor en una especie de nuevo Travis Bickle, acomodado a los designios de su profesión. 
Además, integra un humor corrosivo y macabro, y unas actuaciones que están realmente conseguidas, pese a lo pétreo que puede resultar la expresividad de Cage. 

En el siglo XXI. 

"Pandillas de Nueva York" : el pasado criminal de una ciudad cosmopolita.

 

En la citada película hay grandes interpretaciones de Leonardo Di Caprio,Daniel Day Lewis y Cameron Diaz.

 

"El Aviador" : se recrea en el viejo Hollywood con todo su espectacular glamour y boato.

La costosísima "Pandillas de Nueva York" ( "Gangs of New York", 2002), es la película con la que abre este milenio. 
Se trata de una exhaustiva reconstrucción de los orígenes de la ciudad- rascacielos, a partir de la novela escrita en 1928 por Herbert Asbury.
El atrevimiento de narrar el crimen organizado y las luchas internas por el dominio de la ciudad, tienen como escenario The Five Points, un barrio al sur de Manhattan, donde se ubica actualmente Chinatown.
Al lado de Jack Cocks, Scorsese escribe nueve guiones antes del rodaje, para dar con la fidelidad que espera de una épica histórico-criminal.
La producción es colosal, e incluye la reconstrucción de enormes escenarios de época, la participación de cientos de extras y el coste total de 93 millones de dólares, para dar con el realismo deseado.
Convoca a estrellas del calibre de : Leonardo Di Caprio, Daniel Day Lewis, Cameron Diaz y Liam Neeson y logra cautivar en las taquillas. 
Pese a las interferencias del productor en el desarrollo del rodaje, efectuado en los estudios italianos de Cinecittá, la película vuelve a demostrar, la pericia narrativa de Scorsese y su montadora Thelma Schoonmaker.
Aguda y sorprendente, es una película difícil de olvidar.

Más adelante, hereda por compromiso : "El Aviador" ( "The Aviator" , 2004), el proyecto desestimado del realizador Michael Mann ("Ali", "Colateral" ), que es la historia del productor y millonario norteamericano Howard Hughes.
La cinta aprovecha de toda su cinefilia. La vida del egocéntrico y obseso personaje, le permite a Scorsese, demostrar una vez más, su contundente narratividad para penetrar en la sicología de sus personajes. Hay homenajes exquisitos al glamour de las estrellas, al cine de la época, a los idealizados ambientes de la alta élite del cine hollywoodiense.
Hughes interpretado magníficamente por Di Caprio, es un outsiders como el resto de sus personajes favoritos. Que se mueve en los ambientes del viejo Hollywood, recreados por Scorsese con todo el boato que le permite la técnica digital. 
Una obra maestra, que postuló a once Oscar, y que se devolvió con las manos vacías a casa. 

En "Infiltrados" dirigiendo una toma con Jack Nicholson.

 

Ahora en "La Isla Siniestra", supervisando a Matt Damon y Leonardo Di Caprio.

En el 2005, Martin estrena en el Festival de Toronto, el documental de Bob Dylan "No Direction Home", y más tarde, su ácida "Infiltrados" ( "The Departed", 2006), que gira en torno a la monstruosa figura del gángster Frank Costello ( Jack Nicholson ). 
El filme se desarrolla entre dos aguas. Por un lado, la corriente del policía aparentemente impío ( Matt Damon ), que intenta cazar a su presa mafiosa; y por otro, el brazo del policía novato ( Leonardo Di Caprio), estrenado por Costello para espiar y mantener a resguardo sus actividades delictuales.
El filme es una gran película de acción, suspenso y dobles vueltas de tuerca. 
Un alambicado encadenamiento de situaciones complejas, muy bien sugeridas, desarrolladas y entrelazadas, y que explotan hacia un final absolutamente sorprendente.
Otra vez, los temas de la corrupción, la ambigüedad, la ambición, el poder, cobran su precio más alto, con notables resultados cinematográficos.
"Infiltrados" , se transforma en su película más comercial, con unos ingresos brutos de 288 millones de dólares, sólo en su paso por los cines.
Scorsese está en la cúspide. Le llueven los reconocimientos públicos, que incluyen su consagración definitiva con la entrega del Oscar al Mejor Director, que se había mantenido esquivo durante tantos años. 
La estatuilla llega en un momento de plena madurez personal y artística.    
Su siguiente obra : "Shine a Light" es la grabación de dos conciertos de los míticos "Rolling Stones", un regreso a sus ansiados tiempos de documentalista de eventos rockeros. 
El resultado es freak, porque no puede catalogarse toda la película de documental : hay manipulación de planos vía digital y una "actuación impostada" de los espectadores elegidos para la ocasión. 
Sin embargo, la esencia del homenaje a la legendaria banda está ahí. Con una mirada irónica y admirativa, que deviene en encanto. Una real delicia para los cultistas del mítico grupo británico.
Scorsese abre la nueva década con :"La Isla Siniestra" ( "Shutter Island", 2010), otro ejercicio interesante de estilo, que recuerda la estructura impuesta por "Los Sospechosos de siempre" y "Sexto Sentido". 
El filme es un thriller sicológico, donde Leonardo Di Caprio aparenta ser Teddy Danields, un agente judicial comisionado con su compañero Chuck Aule ( Mark Ruffalo ), a visitar el hospital siquiátrico de Shutter Island, para descubrir las pistas que descifren la desaparición de una paciente infanticida.
El suspenso está matizado por la subjetividad de las apariencias. 
En verdad, toda la película es como una caja china, llena de claves y simbologías por resolver. Los personajes parecen fantasmas de una pesadilla.
Bajo sus juegos lúdicos de subjetivismo, se esconde la violencia en sus grados más profundos : Max Von Sydow y Ben Kingsley encarnan, cada uno a su modo, las derivaciones de la ciencia del mal. 
Puede que la película no resulte tan transparente como quisiera, pero el material con el que trabaja Scorsese, está en el libro de Dennis Lehane, base para aventurarlo en nuevos terrenos atractivamente desconocidos. 

"La Invención de Hugo Cabret" : con los actores Asa Butterfield y Chlöe Grace Moretz en la premiere de la película.

  

"The Wolf of Wall Street" : Leonardo Di Caprio en el rodaje del nuevo filme de Scorsese.

Su última película hasta la fecha es : "La Invención de Hugo Cabret" ( "Hugo", 2012), una imaginativa historia de sesgo infantil, que homenajea a George Mélies, y de paso, a los pioneros del cine mundial.
En virtud de su trabajo, Martin ha logrado transmitir su amor por los cuentos de espíritu misterioso, ahora para traernos la naturaleza de los orígenes del cine.
Asa Butterfield y Chlöe Grace Moretz, son los protagonistas infantiles del relato, que se desarrolla casi exclusivamente en la estación de trenes de París en los años treinta. 
Ben Kingsley revive ahora como el mítico prestidigitador y creador del espectáculo cinematográfico, acompañado de un elenco de grandes figuras como Christopher Lee y Sacha Baron Cohen.
Actualmente abocado a la post-producción de "The Wolf of Wall Street" ( 2013) con Leonardo Di Caprio, donde registra la corrupción financiera en Wall Street, Scorsese se da tiempo para repetirse de cuando en vez, las imágenes de "Duelo al Sol", donde realmente todo comenzó para él.
Un cinéfilo hecho cineasta, por amor a las películas. Y claro está, por amor a la vida.


Su estilo :

En una auténtica pose natural.

Ningún rasgo más auténtico del cine de autor, que la filmografía de Scorsese, para entender su compromiso vocacional. 
A través de sus películas, que pudiéramos ordenar cronológicamente, se construye la historia de la sociedad norteamericana del siglo XX.
"A la manera de John Ford, Scorsese ha trabajado las leyendas modernas para disecarlas desde dentro".
Su mirada suele ser ácida, volcánica, en eterna erupción. 
Su carácter inquisidor, suele molestar a los tutores del sistema, porque revela sin concesiones, los traumas, delirios, grandezas y debilidades del "american way of life".
Es el analista más agudo de los personajes marginales, enfrentados a la violencia, la amenaza de muerte, la codicia, la traición, el desdén, la impudicia, la autodestrucción. 
No hay idealización en la mayoría de sus personajes más característicos, porque a Scorsese le interesa la vulnerabilidad y las debilidades sico-sociales como leit motiv de sus conflictos. 
Su óptica revela las complejidades del ser humano, su soledad y egoísmo en un mundo ambivalente.
Como bien señala José Román : "El cine de Scorsese, paralelamente con la gradual profundización en los temas que recorren su obra, ha llegado a constituírse en un modelo de escritura cinematográfica, en la que una primera aproximación aparentamente académica, es constantemente transgredida por mecanismos de ruptura y audacias estilísticas, que lo convierten probablemente en el realizador más original de su generación".  


Temática Recurrente :

Planificando un plano.

"La marginalidad, la violencia, el infierno urbano y una visión onírica de la sociedad cercana a la pesadilla", subraya como temáticas favoritas José Román.
Gran parte de su cine es un estudio profundo y crítico del pavoroso abismo en que se mueven los marginales. 
Los íconos del cine de Scorsese, son seres en eterno conflicto, que por ambición se transforman en personas contradictorias.   
Este interés por los anarquismos sociales,  los caracteres extremos y las impurezas trágicas, le permiten diseccionar como un taxidermista, los rasgos más categóricos de las debilidades humanas. 
Entonces, los temas relativos a su cine como : la caída y la redención, el anonimato, la ira, la piedad, el desaliento, el fracaso, la locura, son contemplados con gran patetismo y un sentido casi mesiánico, muy acorde al espíritu cristiano de su religión.
En alguna medida, Scorsese es un gran moralista, que a partir de los elementos menos "gratos y agradables" de la sociedad, intenta revelarnos la desolación y la ferocidad del hombre urbano.
"Cine físico, anti-intelectual, el suyo conjuga la depuración de un consumado estilista, con la permanente ruptura de las convenciones en el uso del montaje y de los insólitos movimientos de cámara".
Innovador conciente, es además un retratista absoluto de la realidad humana, que transita con igual verosimilitud, por los terrenos del drama, la comedia de situaciones, el retrato de época, el cuento infantil y el thriller de resonancias psicológicas.



Filmografía Fundamental :

Dirigiendo a Di Caprio en "La Isla Siniestra".

Productor de 45 trabajos entre cortos, largos, documentales, telefilmes, y series para la TV Cable ( "Boardwalk Empire" ); guionista de 13 títulos, incluyendo los documentales de cine americano y neorrealismo italiano; es el director de : 9 cortos, 13 documentales, 4 series de TV, 3 videos y 25 largometrajes de ficción, que se detallan a continuación :
"¿Quién golpea a mi puerta? ("Who"s Knocking at my door?",1969); "Street Scenes" ( 1970); "Bertha, ladrona y amante" / "El Tren de Bertha" ( "Boxcar Bertha",1972); "Malas Calles" ( "Mean Streets", 1973) ; "Alicia ya no vive aquí" ( "Alice Doesn"t Live Here Anymore", 1974); "Taxi Driver" ( "Taxi Driver", 1976); "New York, New York" ( 1977); "El Ultimo Rock"/"El Ultimo Vals" ( "The Last Waltz", 1978); "El Toro Salvaje" ("Raging Bull", 1980); "El Rey de la Comedia" ( "The King of Comedy", 1983); "Después de hora"/"Jo, que noche" ( "After Hours", 1985); "El Color del dinero" ( "The color of money", 1986); "La Ultima Tentación de Cristo" ( "The Last Temptation of Christ", 1988); "Buenos Muchachos/"Uno de los nuestros" ( "Goodfellas", 1990); "Cabo de Miedo" ( "Cape Fear", 1991); "La edad de la inocencia" ( "The Age of Innocence", 1993); "Casino" ( "Casino", 1995); "Kundun" ( "Kundun", 1997); "Al límite" ( "Bringing out the dead", 1999); "Pandillas de Nueva York" ( "Gangs of New York", 2002); "El Aviador" ( "The Aviator", 2004); "Infiltrados" ( ""The Departed", 2006); "La Isla Siniestra" ( "Shutter Island", 2010); "La Invención de Hugo Cabret" ( "Hugo", 2011) y "The Wolf of Wall Street" ( 2013 - en postproducción).


Películas Seleccionadas :
"Taxi Driver" ( 1976).

En el rodaje de la película con Robert De Niro.

 

Jodie Foster como la prostituta adolescente que trata de salvar Travis.

 

Travis en su sicosis violentista.

A partir del personaje de Travis Bickle ( interpretado con maestría por Robert De Niro), Scorsese efectúa una metáfora sobre la desolación humana, los miedos y fantasmas que atacan a un hombre en su disyuntiva de supervivencia en la jungla de cemento. 
En efecto, el taxista que sale a recorrer Nueva York de noche, justifica su malograda actitud demencial, como habitante de un mundo corrompido, donde él intentará poner orden y eliminar por la vía de la violencia, todo vestigio de podredumbre y maldad.
En su catarsis alucinatoria, Bickle atisba un universo poblado de seres  repugnantes, del que sólo puede escapar, trastocándolo con el uso del armamento.
Al guión de Paul Schrader, Scorsese le agrega el uso de una fotografía que acentúa la degradación de su personaje central, donde Michael Chapman acentúa las luces nocturnas y los vapores tóxicos que se escapan por las rejillas del metro, con una afortunada estilización. 
Toda la secuencia frente al espejo, de elocuente desolación, subraya el tono apocalíptico que tiene la obra.
Notable es también la partitura de Bernard Herrmann, músico habitual de Hitchcock y Welles, que en su despedida de la vida, elabora una matizada correspondencia de obsesiones y pulsaciones rítmicas de gran efectividad.
"Taxi Driver" es una película curiosa y fascinante, porque gatilla las anomalías que se esconden en nuestras grandes ciudades, y las convoca, con un sincretismo notable, que eleva la estúpida circunstancia de un ser alienado y lo trasforma por obra de las mass media, en un héroe a escala nacional. 
Es una película nerviosa, anómala, distinta, original, histérica, voluble, inolvidable, con pretensiones metafísicas, tremendamente escrutadora de la realidad urbana. La obra de un genio, que recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes.
Completan el reparto : Harvey Keitel, Jodie Foster, Cybill Sheperd, Peter Boyle y Albert Brooks. 
Ojo con la actuación del propio Scorsese, como un pasajero con una Magnum 44, que acude a asesinar a su esposa, que está con otro hombre en su casa. Valiosa.  


"El Toro Salvaje" ( 1980).

 

Curiosa foto en color de la película en blanco y negro.

La vida del boxeador Jake La Motta, campeón mundial de los pesos medianos entre 1949 y 1951, le sirve a Scorsese para graficar la existencia de un ser desquiciado, un matón vulgar y soez, que no puede escapar de su condición violenta, porque está recluído en un machismo exasperante.
El filme es una nueva provocación, que escapa de las reglas del melodrama común, para insertarnos en el devastador análisis de una circunstancia, que transforma en ídolo, la propia miseria humana.
Jake está asumido como un héroe inestable, tremendamente autosuficiente, detestable y pendenciero, que no sale de su propia cárcel, porque no conoce otros derroteros.
De ahí, su fracaso en la vida matrimonial como esposo y padre, de ahí sus enconados rounds fuera del pugilato, y su marginalidad social que lo transforma en una caricatura de sí mismo en la madurez. 
Scorsese no da tregua al espectador. Su cine está en las antípodas de la belleza hollywoodiense. Rupturista innato, convoca y provoca, a grados superlativos. Nada está ajeno a su diseccionada mirada, y como nunca antes, logra empatizar un ser incómodo consigo mismo y con los demás, y lo convierte en el espejo de sus propias obsesiones temáticas. 
El epicentro de "El Toro Salvaje" está en la actitud de un personaje abominable, un monstruo humano que reniega de sus propios defectos para satisfacer su egolatría. 
Hay en este estudio sicológico, una magnífica percepción de los recursos expresivos del cine, acomodados a satisfacción, a una trama muy interesante, volátil y febril, en constante ebullición; y con certeza, guarda una de las mejores actuaciones protagónicas del gran Robert De Niro, que engordó como elefante para darle cuerpo, vida y espíritu al execrable La Motta.  
Completan el elenco : Cathy Moriarty, Joe Pesci, Frank Vincent, Nicholas Colasanto y Theresa Saldana. 
Obra maestra.


"Buenos Muchachos" ( 1990).

En el set con su madre y sus actores protagónicos.

Esta es su particular visión a la mafia, que a diferencia de "El Padrino" de Coppola, no lubrica una iconografía épica, sino más bien, vulnera las correspondencias del género madre, con una acertada rúbrica, tan volátil como "El Toro Salvaje".
La narración en off de Henry Hill ( Ray Liotta ), un italo-irlandés que se embelese observando a los mafiosos de su cuadra para transformarse en uno de ellos, está desarrollada por Scorsese, con un ritmo enervante, lleno de zooms, travellings, planos- secuencias y congelados, que transforman el material del libro de Nicholas Pileggi, en una verdadera bomba de tiempo.

La película inaugura el trabajo de su propia productora Cappa ( el nombre de soltera de su madre ), "con sede en Britt Building , el edificio que albergó a las grandes productoras musicales del pop americano".
Un relato en el estilo de Godard y Truffaut, lleno de referencias a la cultura pop, a los cambios de época matizados en los vehículos, el vestuario, la decoración y el diseño de las casas, intensifica la espiral en que se sumerge el ambicioso Henry Hill, para elucubrar una trama siempre perfecta, soberbia en sus consecuencias dramáticas y espectacular en sus sorprendentes escenas de violencia al rojo.
Además, Martin le adiciona una banda sonora musical plagada de éxitos musicales, algunas secuencias actuadas con ídolos del ayer, y una sintomática recurrencia a las elipsis que no desentonan con el total del argumento. Muy Intensa y espectacular.

En el casting siempre sorprendente actúan : Ray Liotta, Robert De Niro, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Paul Sorvino y Frank Vincent. Recomendable.


"El Aviador" ( 2004).

 

La azarosa vida de Howard Hughes interpretado por Di Caprio.

Con gran euforia, Martin adapta la biografía del multimillonario Howard Hughes, centralizándose en los años cuando era director y productor en Hollywood.
Esta excusa, le permite a Scorsese poner en escena el mundo del cine de antaño. Sus mitos, sus grandes anécdotas, sus excesivo glamour, su símbolos eternos. 
La película se abre con Hughes cuando niño, desnudo, mientras le baña su madre, quien le inculca el aseo diario. Esta secuencia breve, es la clave central para entender la obsesión compulsiva que tiene el personaje ya adulto.
Después se circunscribe al rodaje de una de sus producciones más célebres donde los aviones tienen una importancia radical. Con una notable espectacularidad, Martin aplica sus conceptos estéticos para recrear un rodaje en las alturas.
Más adelante, incorpora pequeños elementos que ayudan a entender la jibarización de un freak, en un medio aún más excéntrico que le rodea.
La óptica de Martin para los detalles estilísticos está fuera de discusión. Sin embargo, la película tiene unos momentos muy logrados, como el choque desastroso de Hughes mientras prueba un avión jet; o las matizaciones de color que pasan del bicolor de los primeros tiempos del cine de los años veintes, al Technicolor de la época de oro. Todo, en una maravillosa amalgama de situaciones, líos, amores y desamores, competencias y desaires políticos más o menos conocidos por los estudiosos del cine. 
Con "El Aviador" Scorsese demuestra su gusto por el cine, pero también su innovadora manera de comprender la mitología de la industria.    

Gran actuación de Leonardo Di Caprio, como Hughes que incluso, logra simular las gesticulaciones más finas del personaje, en la secuencia de las declaraciones frente al Comité de Actividades Antiamericanas; Cate Blanchett como la actriz Katharine Hepburn, la amante de Hughes antes de conocer a Spencer Tracy y Alec Baldwin como su contrincante en la industria aérea comercial. Una joya para cinéfilos.



Comentarios :

Una original exposición alusiva a sus películas.

 
"Puede que Martin Scorsese tenga una naturaleza expresionista. 
Su infancia de asmático, postrado en la cama de un hogar siciliano-americano de Little Italy, hizo de él un adicto a las películas violentas y emocionantes que veía. 
Física e intelectualmente, es un demonio de la velocidad, un derviche.
Pero Scorsese es también, el más carnal de los realizadores americanos". 

( Pauline Kael en "Underground Man", The New Yorker). 

En su oficina en Nueva York.

"El Cine de Scorsese, tiene de vocación de parte interesada, no de árbitro, ni de juez. 
Por eso sus mejores películas están articuladas desde las profundidades de una pasión, desde el centro de una herida. 
Arterialmente intenso, hombre de continuidades pero también de rupturas, de preocupaciones constantes pero también renovadas, es dueño de un sentido de la factura y del ritmo en su prosa cinematográfica, que no tiene parangón en el cine actual". 

( Héctor Soto en "Enfoque" ).

Dirigiendo a De Niro en "El Toro Salvaje".

 
"En El Toro Salvaje, puse todo lo que sabía y sentía, y pensé que sería el final de una carrera. A esta forma de hacer cine lo llamo Kamikaze : dalo todo, luego olvídalo y empieza una nueva vida".

(Martin Scorsese).


Fotos- Gentileza : Warner Bros.- Universal Pictures - Columbia Pictures-  Paramount Pictures - Worldpress-  Universidad de Toronto ( Canadá )- Diario El País ( España ); Jim Marshall ( USA ) - "The New York Times" ( USA )- "A Certain Cinema" - Dr.Macro - Nicolas Guerín - Getty - "The Hollywood Reported" ( USA )- "Variety" ( USA )- Cinemanía" ( España ).-

Martin Scorsese en la portada de un famoso magazine.

 

Poster de "Ese Oscuro objeto del deseo" de Luis Buñuel.

 

Afiche de "El Compromiso" de Elia Kazan.

  

Poster de "El Aviador" de Martin Scorsese.

 

Poster original de"New York, New York" de Martin Scorsese.