En la Ruta del Oscar :

85 Años de Tradición Productiva.

En su nueva versión el Oscar sigue siendo un codiciado premio del mundo del cine.

Vamos colocando las cosas en su lugar. Realmente ¿ Qué es el Oscar ? ¿ Porque se le da tanta importancia a 85 años de su creación, considerando que, para muchos la estatuilla dorada es un barómetro de las grandes "majors" respecto a  su propia producción ?
Resulta peyorativo, hacerse el tonto y dejar de pertenecer a esta fiesta, que concita la atención de casi todo el mundo cinematográfico. Una actitud algo snob. Quizás, sí. Una posición demasiado unilateral. Quizás, nó. 
Es que el fenómeno de los Festivales Internacionales de Cine, tiene su antecedente directo en este dichoso premio, que congrega a cientos de periodistas, "mass media" y entusiastas, que le siguen el pulso a las apuestas de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood. 
Es cierto. Berlín tiene su Oso de Plata. Cannes su Palma dorada. España su Goya. Chile su Paoa. Etc. Y la industria del cine norteamericano, su Oscar. Tradición y membrecía, que digita las pulsaciones de cada año, en rigor de una idealización : triunfar y ser reconocido por sus pares, en la cumbre de los mejores. 
Una actitud que es parte de nuestra cultura. El incentivo profesional necesario dentro de un negocio millonario, competitivo, abrumador. 
Por eso, hay que decirlo, Oscar hay uno. 
En este sentido, "Séptimo7sello", no podía estar fuera de esta contienda. Humildemente, desde la butaca del tiempo. Porque el Oscar tiene su historia: antecedentes interesantes que redescubrir, las películas más premiadas, los actores y actrices más celebrados, los instantes más recordados.
Como una manera de entender, por qué es importante esta "fiesta" del cine, en momentos previos a la consagración de los mejores del año pasado, nos atrevemos a presentarles a Ustedes, esta entrada dedicada a la estatuilla dorada. Sólo déjense llevar por la magia del cine.      


Algo de Historia.

En 1932 por un caso excepcional simultáneamente ganaron el Oscar dos actores : Wallace Beery por "El Campeón" y Fredric March por "Dr.Jekyll & Mr Hyde", en la foto luciendo sus estatuillas.

 

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, fue fundada en mayo de 1927 por 36 cinematografistas, que nombraron al actor y productor Douglas Fairbanks su primer presidente.
Una completa revisión a su historia, efectúo el recordado crítico uruguayo Homero Alsina Thevenet, en su voluminoso libro "Cine Sonoro Americano : Los Oscar de Hollywood", varios de los datos históricos, los extrajimos de sus páginas, como una manera de ser fieles a los detalles de su tiempo.
Y otros, los obtuvimos directamente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas en Hollywood, que en su portal, detalla los momentos más significativos de su pasado. 
El director artístico Cedric Gibbons, efectúo los bosquejos de la estatuilla original que se daría como premio anual, siguiendo la idea del productor Louis B.Meyer. Poco después, el escultor George Stanley moldeó la figura definitiva. Hasta esos momentos, el símbólico galardón no tenía nombre, pero "un día de 1931, Mrs. Margaret Herrick, que había sido bibliotecaria en Yakima , Washington, se presentó a trabajar por primera vez como bibliotecaria de la Academia. Le mostraron la estatua, que ya a esa altura era un personaje importante de la institución , y ella reflexionó en voz alta : "Me recuerda a mi tío Oscar". Un periodista que estaba cerca, publicó que los empleados de la Academia, llamaban cariñosamente Oscar a la estatua, lo que no era rigurosamente cierto, pero fue aceptado por todos como una ocasión de bautismo".
La estatua mide 33 cms. de alto y tiene un baño de oro de 10 quilates. Se trata de la figura de un hombre, un semidios, que se apoya sobre una espada, sobre un rollo de celuloide. En cada apoyo, se inscribe el nombre del ganador, el año y la categoría por la que compite. 
El trabajo todavía se efectúa de manera casi artesanal, y como comprobamos este año, una "estatuilla real" tuvo la ocasión de recorrer las principales estados norteamericanos, pasando de mano en mano entre la gente común.

El proceso de Votación.

Este fue el escenario de la trigésima edición en 1941, todavía en plena Segunda Guerra Mundial.

El afiche promocional de la ceremonia que se desarrollará este domingo en Hollywood.

Sin duda, es el premio que está en la mira internacional todos los años. Pues se sabe de la enorme influencia que tienen los productores con el jurado, que promueven y promocionan a los candidatos, utilizando los mecanismos más originales del marketing y la publicidad. 
Como todo proceso de selección, éste en particular, tiene sus pro y contra. Por ello, se han modificado ciertas normas en el transcurso del tiempo, y aunque parece increíble, igual ocurren omisiones y desaciertos, que incentivan a los críticos a denostar el valor intrínseco que tiene el premio. 
El proceso de votación, se mantiene inalterable desde su creación. Al menos, en sus puntos claves. 
Así cada miembro del jurado, está repartido en categorías. 
De esta manera,  los fotógrafos votan por la Mejor Fotografía. Los diseñadores de producción votan por su pares. Los editores por el Mejor Montaje.
Hay casos de votación múltiple : los intérpretes deben elegir cuatro series de candidatos : mejor actor, mejor actriz, mejor actor secundario y mejor actriz secundaria.
Para el rubro "Mejor Film del Año" las candidaturas previas, son votadas por toda la masa social de la Academia. Por eso es considerado el Oscar más importante.


Ilustres Omisiones.

El premio también omitió las carreras de grandes directores como : Charles Chaplin y King Vidor que, en activo, nunca ganaron la estatuilla dorada.

Greta Garbo fue una de las grandes actrices olvidadas por el galardón.

 

"El Ciudadano Kane" considerada como la mejor película de la historia, no ganó la estatuilla ese año y se tuvo que contentar con el premio al mejor guión.

El actor Cary Grant, pese a ser un excelente comediante y un notable actor de thrillers jamás obtuvo un Oscar.

Henry Fonda que desempeñó un magistral papel en"El Joven Lincoln" de John Ford, y despúes hizo una carrera espectacular, se tuvo que contentar con un Oscar Honorario en la última etapa de su vida.

Deborah Kerr fue una gran actriz dramática no reconocida en su momento con el Oscar.

En la práctica, la justicia suele ser esquiva, ya que no se le puede dar la preferencia a todo el mundo. Sin embargo, se han considerado omisiones históricas importantes, Charles Chaplin y Greta Garbo. Nunca recibieron el Oscar en sus categorías, sino un tardío reconocimiento después cuando ya se habían retirado.
En el caso de Chaplin, esa omisión puede ser atribuída a cuestiones políticas, desde que abandonó Estados Unidos por Suiza, debido a las hostilidades que sufrió por sus ideas liberales de izquierda en el período de la "caza de brujas " de McCarthy.
Cuando Garbo postuló a la estatuilla dorada, por su magnífica actuación en "La dama de las camelias" / "Camille" ( 1937), se le ocurrió competir sin quererlo, con Louise Rainer que hacía de campesina china en el drama "La Buena Tierra", llevándose ésta última el premio.
Uno de los casos más bullados de omisión fue : "El Ciudadano Kane"( 1941 ), actualmente catalogada como la mejor película de la historia del cine. 
Por su temática alusiva al magnate de la prensa amarilla William Randolph Heartsh, quedó fuera de competencia, y sólo ganó un Oscar secundario al guión original de Orson Welles y Herman Mankiewicz. 
"Cantando bajo la lluvia" ( "Singin" in the rain",1952) y "Nace una estrella" ( "A Star is Born", 1954 ), dos de los musicales más valiosos de la historia del cine, figuraron en diversas categorías, pero se fueron con las manos vacías.
"El Aviador" ( 2004), el extraordinario "biopic", que Martin Scorsese llevó con absoluta perfección, sobre el excéntrico multimillonario productor Howard Hughes, después de 11 nominaciones se llevó los sueños del premio al limbo, para después ganarlo individualmente Scorsese por "Los Infiltrados" ( 2006 ), con idéntico equipo de producción.
Hay otros casos de injusticias históricas, como : Alfred Hitchcock y King Vidor, catalogados entre los mejores directores de la industria, que también debieron marchar con las manos vacías a su casa. 
Entre los contemporáneos, el más célebre caso es : Stanley Kubrick, considerado un innovador, por "Dr. Insólito", "2001, Odisea del Espacio", "La Naranja Mecánica" y "Barry Lyndon", nunca pudo sentir el peso del Oscar en sus manos.
Los casos más patéticos están entre los actores. Leslie Howard que venía de Inglaterra con "Pygmalion" y que cosechó buenos lustros en "Lo Que el Viento se llevó", ni olió la gloria del Oscar. 
Cary Grant, considerado un estupendo comediante por "La Fiera de mi niña" y "Arsénico por Compasión"/"Arsénico y Encaje Antiguo", y un magnífico actor de "thrillers" de suspenso con Hitchcock por "Cuentame tu vida" e "Intriga Internacional", se tuvo que contentar con las alabanzas del público y la crítica. 
El Tío Oscar jamás tocó su puerta estando activo. 
Henry Fonda qiue compuso un extraordinario "El Joven Lincoln" para John Ford y después rompió su imagen de bonachón en "Erase una vez en el Oeste" para Sergio Leone, ni la vió cuando parecía insuperable como el díscolo Joad en "Las
Uvas de Ira" de Ford. Nunca obtuvo en actividad el Oscar.
Las recomposiciones en algunos casos, llegaron en el otoño final de sus vidas.
Entre las actrices como Garbo, ni Barbara Stanwyck, ni Margaret Sullavan, ni Deborah Kerr, ni Eleanor Parker, ganaron su estatuilla por algunos de sus excepcionales trabajos.  

Variables Recurrentes.

Walt Disney recibiendo de la pequeña Shirley Temple, un Oscar grande y siete pequeños por la cinta animada "Blanca nieves y los siete enanitos".

Martin Scorsese luciendo orgulloso su Oscar como Mejor Director por "Los Infiltrados".

La pequeña Anna Paquin, cuando ganó el Oscar por "La lección de Piano".

Sin embargo, frente a todo este panorama de desaciertos, el Oscar sigue siendo la "brújula" más importante, que mide la producción anual de la industria del cine norteamericano. 
La mayoría de las revistas y publicaciones importantes, han sacado a relucir en todas estas décadas, algunas variables para medir en qué se fija la Academia a la hora de votar. 
Se insiste que el voluntarismo y la simpatía de una estrella, sirven para obtener la estatuilla. 
Pero también, el rigor en la campaña previa de la película postulada.  
En este terreno, entran fuerte los productores de un filme. Deben ser capaces de convencer a los miembros, por qué los atributos de su obra son más valiosos e importantes que los de su competencia.
"Más en el fondo del problema, un filme popular ( espectacular, musical, simpático, elocuente, impactante ), tiene más probabilidad de éxito, que otro filme de calidad más firme, pero de recepción más difícil".
Ahí están los ejemplos dados a películas discutibles como : "El buen pastor" ("Going My Way", 1944 ), El Espectáculo más grande del mundo" ( "The Greatest Show on Earth", 1952 ), "La vuelta al mundo en 80 días" ( "The Around the World in 80 Days", ( 1956) y "Rocky" ( 1976 ),  que ganaron sendas estatullas; en desmedro de obras maestras absolutas como : "Las Uvas de Ira" ( "The Grapes of Wrath"), "Ambiciones que matan" ( "A place in the Sun" ) , "A la hora señalada" ( "High Noon" ), "Gigante" ( "Giant" ), "Rebelde sin Causa" ( "Rebel with case" ), "Taxi Driver" ( 1976 ), "Regreso sin Gloria" ( 1976 ) y un largo etc.
En todo caso, la balanza se equllibra cuando se revela que los miembros también supieron distinguir en su momento, las magníficas obras de John Ford, William Wyler, James Cagney, Fredric March, Spencer Tracy. Y más recientemente, el buen calado de Peter Jackson, Martin Scorsese, George Lucas, Francis Ford Coppola, Robert De Niro, Dustin Hoffman o Meryl Streep.


Las Nominadas del 2013 a Mejor Película.

A estas alturas las apuestas están cerradas. Pero nunca es tarde para opinar. Cada una de las nueve candidatas al Oscar este año, gane quien gane, tiene sus méritos que la hacen singular frente al resto. 
Recabando información aparecida estas semanas en periódicos americanos, revistas, portales de Internet y magazines, comparando opiniones con algunas revisitadas, establecemos en cada una, sus mayores atributos. O defectos. 
Las críticas más profundas, vendrán después, con el paso del tiempo.


"Argo" de Ben Affleck.

  
Es una de las favoritas para obtener la estatuilla. No sólo porque el tema del guión es original, distinto e interesante, sino porque Affleck ha demostrado que la industria necesita "renovarse" en función de las historias, frente a la paulatina emigración de guionistas, que ha habido en los últimos años a las grandes cadenas de televisión. 
La película recrea el rescate de seis diplomáticos norteamericanos que logran un refugio temporal en la casa del embajador de Teherán, en momentos en que la guerrilla islámica se toma la sede norteamericana. Para eso, Hollywood y la CIA intervendrán en una de las "salidas" mejor interpretadas de su existencia.


"Una Aventura Extraordinaria" ( "Life of Pi" ) de Ang Lee.

Lo señalamos en una ocasión, se trata de un cuento maravilloso de supervivencia, tolerancia, misticismo, espiritualidad. Maravillosa estética - que han destacado varias publicaciones-, pero además, una sólida rúbrica narrativa, basada en la novela del canadiense Yann Martel. 
Lee no es un desconocido del Oscar, ya que ha ganado reconocimiento internacional con sus anteriores trabajos : "El Tigre & el Dragón" y "Secretos en la Montaña".
Se trata de una historia compleja de adaptar en imágenes, cuyo personaje central inspiró a "un escritor a creer en la existencia de Dios, luego de sufrir un naufragio brutal que dejó a un joven sin familia y con la sola compañía de un arisco tigre de Bengala a bordo de una balsa".


"Lincoln" de Steven Spielberg.

Otra de las favoritas de la Academia. No sólo se trata de una épica singular que explora en la personalidad y el carácter del mítico Presidente estadounidense, sino de un registro detallista de una época. 
Las críticas han alabado la actuación memorable de Daniel Day Lewis, a estas alturas uno de los tres o cuatro actores más versátiles de la actualidad. 
También la fotografía que juega con los contrastes de luz, el diseño de vestuario, la dirección artística que reconstruye los escenarios tal y como fueron en la biografía del presidente, que abolió la esclavitud. Pero hay más.
El trabajo singular de Spielberg que "madura" frente a la cámara, la imponente figura de un líder natural de la Democracia Universal.
"Es el largometraje más alejado de mi carrera. Muy distinto. Mi película europea. Porque por primera vez mi prioridad no fue la cámara, sino las interpretaciones", señaló Spielberg.
El relato basado en la novela "Team of Rivals" de la escritora Doris Kearns Goodwin, integra además, duelos verbales en el Congreso y la solemnidad tan apabullante de un cineasta, que entendió que estamos frente a una de las figuras más importantes de la historia moderna.  
 

"Django, sin cadenas" ( "Django, unchained" ) de Quentin Tarantino.

A estas alturas se trata del director más idolatrado del momento. Especie de cruce entre Orson Welles y Sam Peckinpah, su cine es tremendamente renovador, sobre la base de los clichés del cine de género, instaurando una manera de contar historias diferente, rompiendo los códigos, reciclándolos, fotocopiándolos y haciéndolos propios, hasta originar una nueva caligrafía visual.
En este film, recompone la historia del "sphagetti western" de los 60, integrándole todo su estilo para delinear acción, suspenso y personajes, con un Leonardo Di Caprio inolvidable como villano, Christophe Waltz en la esencia de su versatilidad y Jammie Foxx paseándose por los áridos paisajes del faw west, como el nuevo ídolo del "black power" americano. 
En su fase interior, se trata de un alegato antirracista, pletórico en intensidad, diálogos brillantes, violencia coreografiada y atravesado por una cinefilia recurrente.

"La Niña del Sur Salvaje" ( "Beast of the Southern Wild" ) de Benh Zeitlin.

Nos remitimos a las críticas favorables que recibió en el Sundance y Cannes.
El programa televisivo "Días de Cine", alabó su sencillez para contar un relato que tiene mucho de cuento infantil. Es una película independiente, "sobrecogedora" , "mística" y tremendamente "cautivante". 
"El debutante Benh Zeitlin crea un mundo único con un paraje al borde del mar, que no se rige por las normas de lo urbano, y que se ve arriesgado por una tormenta dispuesta a anegarlo todo. Una cámara siempre inquieta y una iluminación que acentúa las texturas y los brillos de la luz eléctrica, contribuyen a crear la atmósfera de un cuento mágico".
Todas las opiniones hasta ahora publicadas, nos hacen augurar su exitoso paso por las salas de exhibición. 
Ojalá la tengamos muy pronto por estos lados del mundo.


"La Noche Más Oscura" de Kathryn Bigelow.

  
Los acontecimientos que rodearon la persecución y muerte de Osama Bin Laden, a través de la historia de una agente de la CIA ambiciosa y autosuficiente, le sirve a la Bigelow para volver a mostrar su tremendo oficio para el thriller de acción, con la sutileza de haber recibido un Oscar anteriormente por "Vivir al límite" ( "The Hurt Locker" ), también desarrollada en el Medio Oriente con las tropas militares que desarman bombas, exponiendo su vida todos los días en el frente.
"Grandes actuaciones ( con Jessica Chastain trabajando con decidida credibilidad ) , excelente puesta en escena y tensión dramática in crecendo para un relato vigoroso y eficaz".
"Se revela una película cargada de carisma y furia controlada , sublimada en la impecable recreación de la Operación Lanza de Neptuno".
"Técnicamente impecable, ejecutada con una maestría inquebrantable. Una joya tan ruda como su propio contenido".

"El lado bueno de las Cosas" de David O.Russell.

Las experiencias que vive un hombre en la casa de sus padres, después de haber sido dado de alta de una clínica mental, cuenta con el solvente trabajo de Russell , que también ganó su Oscar previamente por "El luchador"/ "El Ganador" ( "Fighter" ).   
La película nos recuerda "lo doloroso que puede llegar a ser el amor".
"La recomposición individual y peculiar actitud de los personajes, es más que suficiente, para que el previsible triángulo amoroso que se plantea, no resulte algo molesto, sino una etapa clave para alcanzar esa ansiada felicidad".


"Los Miserables " de Tom Hooper.

Toda clase de estímulos y críticas ha recibido esta novedosa comedia musical basada en el clásico literario de Victor Hugo. 
A un trabajo de producción colosalista, se cuenta que las escenas cantadas se filmaron "sin playback", y eso ha dado mucho que hablar, en favor, y también en contra. 
Se aduce la extraordinaria actuación de Anne Hathaway, y los "quebrantos" de Russell Crowe sobrepasado en su papel.
"Tom Hooper quería voces sin pulir y reales", adujo en su defensa el actor.
Según los expertos en música, "la banda sonora ha sufrido enormemente con grandes actores pretendiendo ser cantantes". 
Sin embargo, la película ha gustado a moros y cristianos. Por algo será. Ya habrá tiempo de analizarla mejor. 
En todo caso, una gigantesca promoción, la convierte en una de las "regalonas" del Oscar. 
Recuerde que el director, ya ganó la estatuilla dorada por "El discurso del Rey".



 "Amor" de Michael Haneke.

Es la película "más cerebral y sensible" del año.
Dos profesores de música retirados, ponen a prueba su amor frente a un suceso inesperado, lo que utiliza Haneke para explorar en el comportamiento de las relaciones de pareja en la tercera edad. 
"La cinta comprende elipsis audaces y un gusto muy pronunciado por el realismo. Se trata de un relato triste, tristísimo, sobre la decrepitud y la resignación, el cariño, la fidelidad, el dolor y la muerte. También sobre la vida en pareja, de una serenidad expositiva y una calidez en la textura de la imagen que sorprende y sobrecoge". 
Contundente estudio de personajes, minimalista, ternurista, intelectual, humanista, pudiera ganar su Oscar como Mejor Película Extranjera, aunque Chile y Noruega le compiten codo a codo la dichosa precea.


Un Hito para Chile.

Que Chile compita este año con la película "Nó" de Pablo Larraín , es un hito que no debiera desestimarse. 
Considerando lo precaria que está la industria nacional cinematográfica, donde los documentales sacan la cara por el país, es realmente importante y valioso que uno de nuestros realizadores, llegue a postular al Oscar.
El hecho de estar considerado entre los nominados,  es algo excepcional, un premio que han acariciado en otras épocas, cineastas de reconocida trayectoria como Miguel Littín, que con su "Alsino y el Condor",  postuló sin ganarlo por Nicaragua.
Hay algo mágico en todo esto. Semanas previas a la ceremonia final, otra película chilena: "Gloria" de Sebastián Leilo, gana el Oso de Oro a la Mejor Actriz ( Paulina García ), en el Festival de Berlín.
Ojalá que está buena racha no se dilapide y siga creciendo para beneficio de los directores como Pablo Larraín y Sebastián Leilo que, con esfuerzo casi independiente, han logrado poner en la primera página de la prensa cinematográfica especializada, el nombre de Chile.
Que nuestro país aparezca citado por primera vez, en la Ceremonia de Premiación del Oscar, es un triunfo que nos debiera incentivar, para seguir promoviendo la importancia que tiene el lenguaje audiovisual  en el desarrollo de la cultura , el arte y la educación.
Los que llevamos décadas en esta tarea desigual, creemos firmemente que el Arte - como el Deporte, la Salud y la Educación - debieran ser políticas de Estado,  independiente de las tendencias ideológicas imperantes. 
Como en los países más desarrollados, para poder crecer y avanzar en Democracia, es necesario mantener y renovar los esfuerzos por llevar el lenguaje del audiovisual a las aulas, con la seguridad de proveer y aumentar la cultura de nuestros niños y jóvenes, evitando así, que el oscurantismo de la droga, del alcohol y los vicios los corrompa, y fortificando su autoestima, con programas que incentiven el trabajo en equipo, la solidaridad y la creatividad. 
Nunca es tarde para enmendar rumbos. Ellos esperan más respuestas prácticas del mundo adulto a sus necesidades de conocimiento y recreación. 
Aún estamos a tiempo, para afianzar en nuestros países, el valor del Arte, la Cultura y el Deporte.  



Las Películas del Oscar.

A continuación rescatamos un puñado de películas ganadoras del Oscar de todos los tiempos. Como epílogo, agregamos espléndidas fotografías con algunos de los ganadores más ilustres de estos últimos 85 años de vida.  


"Alas" ( "Wings", 1927) de William Wellman :  

Charles "Buddy" Rogers y Clara Bow.

La primera obra ganadora del Oscar a la Mejor Película, es también un título del clave del género bélico.
La "Paramount" quiso arriesgarse a llevar a la perfección esta historia aérea ambientada en la Gran Guerra, con un elevado presupuesto, y encomendó al realizador Wellman la ardua tarea de rodaje, debido a su experiencia como piloto del Lafayette Flying Corps. 
Para lograr el tremendo realismo, Wellmann situó las cámaras en la parte delantera de los aparatos y mandó a construír una torre de más de treinta metros, para filmar desde la altura las batallas aéreas. 
Del mismo modo, una extensión desértica en Texas de dos kilómetros, fue dinamitada en serio, para construír las trincheras donde se desarrolla la acción. 
Se cuenta que sólo para la secuencia de la batalla de St.Mihiel participaron 3.500 soldados y sesenta aviones. 
La película adhiere el atractivo adicional de una exquisita Clara Bow en la cúspide de su picardía, y un jovencísimo Gary Cooper en un breve rol.


"Cimarrón" ( 1931 ) de Wesley Ruggles : 

Una secuencia antológica de la película.

 

El retrato histórico de una familia de granjeros en Oklahoma desde 1890 a 1915, es uno de los grandes westerns de la primera etapa sonora, lleno de situaciones costumbristas, humor, drama, acción y unas dosis de aliento nacionalista, que no desmerece el encanto con que está filmada. 
Richard Dix e Irenne Dunne están insuperables como la pareja protagonista, y pese a cierto maniqueísmo propio de la época, logran encausarnos con solvencia por un relato verdaderamente arrebatador.
Inolvidable la secuencia verídica de la carrera de coches, carromatos y caballos por conseguir un terreno gratis donde vivir, y que Anthony Mann repitió en la deslucida "remake" de 1960, y Ron Howard lució en la compuesta "Un Horizonte lejano" de 1992.  


"Sucedió aquella noche" ( "It Happened One Night", 1934 ) de Frank Capra :

A la manera tradicional, la pareja protagonista haciendo "autostop".

Una comedia renovadora del género, que habla sobre "la batalla de sexos", desde la insólita situación de la huída de casa, que acomete una rica heredera ( Claudette Colbert ), que en su camino se topa con un periodista ( Clark Gable ), recién expulsado de su trabajo. Ella perdida en una parada de autobuses donde le roban sus maletas, y él , aprovechando esta situación para recuperar su trabajo, vivirán una aventura de carretera ( "road-movie ") donde se enamorarán, pese a las diferencias sociales y de caracteres.
Elegante, sutil, agradable, divertida, romántica, se trata de una de las más efectivas colaboraciones entre Capra y el guionista Robert Riskin, que ganó cinco Oscar y logró posesionarse, con madurez y altura de miras, en los temas de pareja que importan. 
Escenas tan vívidas como el viaje en bus, o la separación con una sábana del dormitorio del Motel, que se ven obligados a compartir en una noche de desvelos, está entre los más memorable del cine de Capra. Una auténtica delicia.



"Lo Que el Viento se Llevó" ( "Gone Wind the Wind", 1939) de Victor Fleming y otros.

 

Dos mitos del cine feminista : Scarlett y "Tara".

Que se puede decir de esta épica película que ya no se haya escrito. La novelista Margareth Mitchell que murió por un accidente automovilístico, sólo disfrutó del éxito de ésta, su única gran obra, ambientada en el Sur durante la Guerra de Secesión. 
Podría parecer una revisión moderna de "El Nacimiento de una Nación" de Griffith, pero es , ante todo, un melodrama romántico, sobre una mujer autosuficiente, independiente, ambiciosa y hermosa, que terminó sus días con lo único que puede renovar, su tierra. 
Como destacaron las críticas más recientes del clásico, quizás su mayor mordiente esté en mostrar a los hombres como patoches, sinvergüenzas, incapaces de sobrevivir, en un mundo matriarcal. Sólo así se explica ver a Scarlett sufrir, pervivir, levantarse de todas las aflicciones y mandar al diablo, al propio Red Buttler, aunque sufrirá escalas arriba por su partida.
Inusualmente la banda sonora de Max Steiner permanece como un clásico indiscutido, aunque fue hasta "Ben Hur", la película más premiada por la Academia ( nueve Oscar ), es también la representación más fidedigna de la grandilocuente fortaleza y astucia de su productor David O.Selznick. 
Vivien Leigh y Clark Gable; Olivia de Havilland y Leslie Howard permanecen como los íconos más perdurables del cine romántico.


"Qué verde era mi valle" ( "How Green Was My Valley", 1941 ) de John Ford :

El pequeño Roddy McDowell subiendo a la mina galesa.

Se trata de unas de las épicas familiares más nostálgicas del cine. A partir de los recuerdos del pequeño Huw Morgan ( un Roddy McDowell "master" ), sobre su familia, unos mineros galeses que poblaron el valle convirtiéndolo en un lugar próspero y tranquilo; Ford traza un drama costumbrista lleno de candor, humanidad y heroismo.
El guión de Philip Dunne está plagado de pequeños momentos, que retroalimentan una historia singular, donde la figura patriarcal es insobornable.
Ford recubre el minimalismo de lo cotidiano, con trozos espectaculares de música folclórica, religiosa y épica de Alfred Newman, y acentúa las escenas dramáticas con una mirada espiritual rara y satisfactoria. 
La belleza de sus imágenes también se debe al talento expresionista del fotógrafo Arthur Miller, que trabajó en un escenario grandioso que asemeja un poblado en perspectiva, según los decorados de Thomas Little. Ambos obtuvieron la estatuilla dorada.
El elenco interpretativo es antológico, pues reúne a clásicos característicos como : Donald Crisp ( ganador del Oscar ) , Sarah Allgood y Barry Fitzgerald con actores de gran presencia escénica como : Maureen O "Hara, Walter Pidgeon y el pequeño Roddy McDowell.   


"Los Mejores Años de Nuestras Vidas" ( "The Best Year of Our Lives", 1946 ) de William Wyler :

Crónica familiar sobre los soldados que regresaron de la guerra.

Notable comedia dramática que analiza desde la vida cotidiana, las consecuencias sociales que dejó la Segunda Guerra Mundial, a partir de las dificultades de readaptación que tienen tres ex combatientes.
Wyler cerró su colaboración con el productor independiente Sam Goldwyn, con esta magnífica película,  insitiendo en reordenar el panorama civil de su país, considerando la serie de vivencias que trajeron a casa los exsoldados que combatieron en el frente.
Tal vez su mayor poder evocador, está en el absoluto realismo con que Wyler traza las relaciones interpersonales de sus protagonistas, intentado reflejar fidedignamente una situación cotidiana, y llegando a rodar en escenarios naturales, como los centros de aprobicionamiento bélico, y los enormes hangares que quedaron en las salas de montaje aeronáutico.
Fredric March, Myrna Loy, Teresa Wright, Dana Andrews, Virginia Mayo, Cathy O"Donnel y un auténtico "ex marine" minusválido, Hoagy Carmichael, le agregan solidez y autenticidad a una exitosa producción que ganó siete Oscar.               


 "La Luz es para Todos" / "La Barrera Invisible" ( "Gentlemen "s Agreement", 1947 ) de Elia Kazan :
 

Una amistad en familia y un amor fracturado por las circunstancias.

Drama contemporáneo basado en la novela de Laura Z.Hobson, que cuenta la historia de un periodista recién llegado a Nueva York ( Gregory Peck ) , que decide hacerse pasar por judío, para descubrir como articulista de un famoso magazine, el antisemitismo que existe en la sociedad americana.
Los momentos agridulces, como la constatación de su pequeño hijo en el colegio ( Dean Stockwell ) de la malsana perspectiva respecto al tema; o de la madre ( Anne Revere ) respecto al cumplimiento del deber y la libertad ansiada, que parece ser una utopía más que una realidad, acondicionan los momentos más fuertes del relato , como cuando el protagonista debe abandonar un hotel porque no admiten judíos, o cuando a su mejor amigo ( John Garfield ), le enrostran en un restaurant, su condición de tal. 
Se trata de un relato moderno que Kazan "desviste" de falsedad, en momentos que su propia condición política es investigada por McCarthy y sometida al juicio donde éste se transformó obligadamente en un "delator". 
Para bien o para mal, la película es una obra maestra redonda, donde no faltan los detalles cotidianos ( como cuando Stockwell fríe huevos revueltos al desayuno o la madre tiene un preinfarto ) y la crítica mordaz a un sistema jerárquico.
También ganó el Oscar al Mejor Director y a la Mejor Actriz Secundaria, para Celeste Holm, que hace el lúcido y sensible papel de una amiga fiel y consejera.  


"La Malvada"/ "Eva al desnudo" ( "All About Eve", 1950 ) de Joseph L.Mankiewicz

Los intérpretes del filme ( de izquierda a derecha ) : Gary Merrill, Bette Davis, George Sanders, Anne Baxter, Hugh Marlowe y Celeste Holm.

Un original guión que resuelve la variedad de puntos de vista con el "flashback", y una soberbia caracterización sobretodo de Bette Davis y Anne Baxter, como "amigas" disfuncionales, eternas competidoras en el mundo del teatro, convierten a esta película en una real e innovadora cinta, que escudriña con madurez, por la moral y el sentido del exitismo como pocas veces se había hecho en la pantalla grande. 
Producida por Darryl F. Zanuck, se lleva media docena de Oscar, y aunque parece una cinta demasiado "claustrofóbica", todavía sigue siendo una delicia "subliminal" ver los duelos verbales entre Baxter y Davis, y George Sanders y Celeste Holm, que acompañan a las chicas en sus evocadores recuerdos.
La cinta se convirtió en "Applause" un musical de gran éxito en Bradway en 1970.  
 
"Un Americano en París" / "Sinfonía en París" ( "An American in Paris", 1951) de Vincente Minnelli :

Gene Kelly y Leslie Caron : la pareja ideal del musical romántico.

Uno de los grandes musicales de la historia del cine, debido a la feliz conjunción entre el guionista Alan Jay Lerner, el productor Arthur Freed, el coreógrafo, bailarín y actor Gene Kelly y el realizador Minnelli.
A partir de la famosa composición homónima de George Gershwin, esta historia ambientada en un París posbélico, narra las aventuras y desventuras de un trío de amigos : el irónico pianista Adam Cook ( Oscar Levant ), el pintor misántropo Jerry Mulligan ( Gene Kelly ) y el cantante de music hall, Henri Baurel ( Georges Guetary ), los dos últimos, perdidamente enamorados de una joven francesa Lise Bouvier ( Leslie Caron ), hermosa bailarina de ballet.
Utilizando los croquis de Toulouse Lautrec y otros pintores impresionistas, y amalgamando la energía de Kelly con la gracia clásica de Caron, cuenta con estupendos números musicales, desarrollados sobre el transcurso de una historia romántica inolvidable. Es la prueba más categórica, junto con "Cantando bajo la lluvia", de la calidad que lograba la Unidad Freed trabajando al alero de la MGM.


"De Aquí a la Eternidad" ( "From Here to Eternity", 1953) de Fred Zinnemann :

En pleno rodaje de la escena icónica del filme.

Invariablemente, es el filme romántico con trasfondo bélico más taquillero del Oscar. Ambientada en las semanas anteriores al ataque de Pearl Harbor, en el cuartel de Schofield en Hawaii, subvierte los patrones clásicos del melodrama, para entrecruzar la existencia de soldados y sus parejas, con el tono crítico de Zinnemann, pues en su lectura están los temas de la corrupción, el autoritarismo, la traición, y el individualismo del ambiente castrense.
Montgomery Clift y Burt Lancaster están estupendos en sus roles militares, pero la precea de la brutalidad se lo lleva Ernest Borgnine, como un irascible y vengativo sargento. 
En el cuerpo de soldados, Frank Sinatra y Philip Ober componen sendos papeles secundarios, aunque realmente las actrices están ideales como Deborah Kerr en el rol de adúltera y Donna Reed como prostituta de alterné.
Censurada en su momento por el tono erótico de algunas escenas, todavía es iconográfica la secuencia del encuentro amoroso en la playa de Lancaster y Kerr, besándose acostados en la arena, mientras las olas parecen arrebatarlos hacia el mar. 


"El Puente sobre el Río Kwai" ( "The Bridge on the River Kwai", 1957 ) de David Lean :

Alec Guiness y Sessue Hayakawa enfrentándose en el climax del conflicto.

 

Una de las películas bélicas más populares del cine, que hasta hace poco se reestrenaba con gran éxito en las salas. 
La trama se desarrolla en Birmania durante la Segunda Guerra Mundial, y relata los esfuerzos de un puñado de soldados americanos, británicos y canadienses ( entre los cuales están Alec Guiness y William Holden ), rehenes de un cuartel japonés, que deben construír un gran puente de madera para unir Bangkok con Rangún, siguiendo las órdenes del dictatorial coronel nipón Sato ( Sessue Hayakawa ).   
El filme está elaborado con el detallismo abrumador de Lean, tanto que, el puente que aparece en la película, se mandó a construír como réplica del verdadero, y el rodaje se efectúo en condiciones climáticas adversas en plena jungla oriental.
Con todo, una superproducción notable que muestra la futilidad de la guerra con la pericia narrativa y estética de uno de los grandes "colosalistas" del cine.
Ganadora de siete Oscar, puso de moda la marcha militar del "Coronel Bogey" que tiene la particularidad de ser únicamente silbada. 
Recuerdo con nostalgia, los reestrenos de la película en el "Cine Palet" de Talca en Chile, que se llenaban de entusiastas fans de Holden y Guiness, previo a su última etapa famosa como Obi Wan Kenobi en "La Guerra de las Galaxias".


 "Ben -Hur" ( "Ben -Hur", 1959 ) de William Wyler :

La amistad rota de amor y odio en el centro de la trama.

La etapa apoteósica de las grandes producciones en Hollywood, llevaron a efectuar a la MGM este "remake" de su éxito mudo, de 1926 dirigido por Fred Niblo.
Wyler en el otoño de su carrera, efectúa con un vigor a prueba de atletas, esta espectacular versión en "Technicolor" y da el papel original de Ramón Novarro a un jovencísimo Charlton Heston, y el de Francis X.Bushman a Stephen Boyd, logrando una épica colosalista inolvidable.
No sólo manda a construír en los estudios de "CineCittá" el atrezzo más grande de la historia para la escena única de la carrera de cuadrigas, sino que, acomete con una exquisita plasticidad, los cuadros simbólicos del nacimiento de Cristo en Belén y la huída de María y José, entre planos convenientemente sugeridos, pues, la historia central es de un judío, Ben Hur, enfrentado a las fuerzas del tribuno romano Messala. 
Esta historia de amistad errática ( Messala está enamorado desde niño de Hur ), cuenta con la magnificencia en la puesta en escena de los diseñadores William A. Horning y Edward Carfagno; los efectos visuales de A.Arnold Gillespie y Robert MacDonald, el vestuario de Elizabeth Haffenden, el montaje de Ralph Winters y John Dunning, la música de Miklos Roszá, la fotografía de Robert L.Surtees, la dirección de Wyler, todos sendos ganadores del Oscar. 
Hasta "Titanic", fue la película con más estatuillas en su bolsillo : acumuló 11 Oscar.   


"Amor Sin Barreras" ( "West Side Story", 1961) de Jerome Robbins y Robert Wise :

Richard Beymer y Natalie Wood : un amor imposible.

Adaptación del clásico shakespereano "Romeo & Julieta" en clave urbana, con la lucha entre bandas rivales de emigrantes y americanos, y el amor imposible entre María ( Natalie Wood ) y Tony ( Richard Beymer ). A juzgar por su elocuente contenido, podría haberse convertido en un trasnochado melodrama, pero ocurre lo contrario. Además, se filmó una parte en estudio y la otra en las auténticas calles y avenidas neoyorquinas, lo que le da un soplo casi documentalista, y somete el exquisito material literario, a una revisión juvenil muy al amparo de la moda de "rebeldes sin causa" que impusiera años antes James Dean.
United Artist encomendó a Robert Wise las partes más narrativas del dichoso cuento, y dejó en libertad de acción al coreográfo Jerome Robbins, que se encargó de las estupendas secuencias musicales, con el aporte de Leonard Berstein.
Todavía resultan antológicas, escenas cantadas como : "María", "América" o "I Feel Pretty", aunque su decidido encanto reside sin duda, en el equilibrio de sus partes : un magnífico encuentro entre la pluma clásica y el vigor coreográfico moderno.
Notable Rita Moreno, que se desvive con arrolladora vehemencia en su pasión bailable, premiada con el Oscar a La Mejor Actriz Secundaria. Obtuvo 10 Oscar.   


"Lawrence de Arabia" ( 1962 ) de David Lean :

Peter O"Toole en su rol consagratorio.

La película definitiva de Lean, que reconstruye la vida del legendario T.E.Lawrence, ( Peter O"Toole ), un agente británico que en comisión al Cairo, incentivará la revuelta de los árabes contra los turcos, para transformarse en ícono de la guerra en la conquista de Akaba. 
El trabajo del productor Sam Spiegel, el guionista Robert Bolt y el director Lean, se lleva a cabo en condiciones extremas de rodaje en pleno desierto del Sahara, y supone algunos retrasos en la edición definitiva de la película. 
Modélica como espectáculo, pero también como narración fluída y transparente, que entremezcla convenientemente cuestiones políticas, con la compleja personalidad de Lawrence, cuyo lado homosexual queda relegado, por un relato épico grandilocuente.  
La versión original supone 222 minutos y queda reducida a un montaje de 189 minutos, para ser reestablecida en 1989 con 212 minutos de poryección.
Sin duda, estamos frente a una empresa gigantesca, que logró ganar siete Oscar, incluyendo los reservados a Mejor Película, Dirección, Montaje ( Anne Coates ), Música ( Maurice Jarre ) y Fotografía ( Fered A. Young ). 


"Oliver" ( 1968 ) de Carol Reed :

Jack Wild y  Mark Lester, como dos entrañables amigos en la alegría y la adversidad.

Denostada en su momento, por su colosalismo y longitud; y apreciada con el tiempo, por su insuperable manera de extraer todo el potencial del clásico literario de Charles Dickens, se trata de una excelente historia infantil,  aplicada al concepto musical de Broadway, según una adaptación del inglés Lionel Bart.
Los niños prodigios Mark Lester y Jack Wild, están estupendos como los dos amigos marginales, que se encuentran en un Londres amenazador y siniestro, plagado de antros y vodeviles de mala muerte. Ron Moody está entrañable como "Fagin" el ladrón, que mantiene una pandilla de muchachos a su servicio y Oliver Reed totalmente increíble como el villano de turno. 
Además, hay una acabada labor en las multitudinarias coreografías, con ese estilo tan propio de Reed, de incorporar a todos los personajes típicos de una época, en cuadros musicales de excepción.  
No es acaso interesante, observar la contraposición marcada que hace el director, de los ambientes siniestros del bajo fondo londinense con los barrios más acomodados del cual proviene su protagonista.
Una real delicia para grandes y chicos, que ganó cinco Oscar reservados a : Mejor Película, Dirección, Dirección Artística ( John Box y Terence Marsh ), Música ( John Green ) y Sonido. 


"El Padrino" ( "The Godfather", 1972) de Francis Ford Coppola :

En pleno, la familia Corleone.

El inicio de la trilogía épica crepuscular de la vida de Vito Corleone ( Marlon Brando ), "cappo" de la mafia neoyorquina, que se concentra en las relaciones conyugales y en los turbios negocios que solidifica en base a la corrupción policial, según la novela homónima de Mario Puzo.
Obsecado como es Coppola, el guión muy bien trabajado con el autor original, en sesiones que demoraron meses, se transforma en una "ópera" narrativa llena de momentos sorprendentes. 
No es extraño que esta película, gire en torno a la mesa y a los ritos católico-italianos, pero su perdurabilidad en el tiempo está enlazada a sus dos continuaciones, tan magníficas y sorprendentes como esta obra inicial.
Al inolvidable elenco de actores encabezados por unos irrepetibles : Marlon Brando, Al Pacino, Diane Keaton, Robert Duvall, James Caan, John Cazale y Talia Shire, Coppola integra un contralectura sobre "el desgarramiento, las coacciones, y los miedos de la sociedad norteamericana, en la que las antiguas normas morales del bien y del mal, se tambalean cada vez más, bajo el efecto de Vietnam y de una profunda crisis de la evidencia nacional".  
"El Padrino II" su notable continuación, obtuvo seis Oscar y fue para muchos "la mejor de las tres", tanto por su historia, narrativa, estética y valores simbólicos.


"Dos Extraños Amantes" ( "Annie Hall", 1977 ) de Woody Allen :

La pareja dispareja.

La primera gran obra de su realizador, es una comedia aparentemente liviana, que esconde una fuerte carga autobiográfica y un análisis lúcido a las relaciones de pareja en los años setenta.  
En la campaña de publicidad, se remarcó que se trataba sobretodo de una historia de amor, llena de "gags" y escenas divertidas; que acentúa su empatía con el espectador medio, por la magnífica estructura dramática que reinterpreta la sensación de pérdida y desconcierto de una pareja.
Más allá de su excesivo y verborreico cuestionamiento sobre la personalidad de un intelectual neoyorquino, la película esconde una lírica y pasiva reflexión sobre el amor, el pensamiento práctico, las diferencias irreconciliables y los encuentros legítimos de una pasión que puede reverdecer más adelante. 
Estupenda fotografía de Gordon Willis, para una interesante película de la "United Artist", que posibilitó el desarrollo sustentable que tuvo después Allen en el concierto fílmico internacional.      
Con las actuaciones impagables de : Diane Keaton, - pareja en esos momentos en la vida real del artista - , Tony Roberts, Paul Simon, Shelley Duvall, Janet Margolin, Collen Dewhurst, Christopher Walken, y el teórico Marshall McLuhan que aparece en un "cameo" como él mismo.


"Amadeus" ( 1984) de Milos Forman :

El genio musical dirigiendo una de sus piezas maestras.

Adaptación de la obra teatral de Peter Schaffer, que se concentra en las duras relaciones de admiración / odio que existió entre los compositores Mozart y Salieri en la Viena del siglo XIII.
La película está recreada con lujo de detalles y recuperan el aliento universal de la historia dramática. 
Es la descripción sutil y elocuente de la rivalidad entre un genio ( Tom Hulce ) y un envidioso marginal ( F.Murray Abraham). 
Lujosa, atractiva, insólita, poética, sugerente, brillante, nunca responde a la interrogante ¿ Cómo Mozart llegó a ser uno de los genios más grandes del mundo ?  Pero da pistas para entender que, a veces, el intelecto nace y no se educa. 
Gran película ganadora de ocho premios de la Academia, incluyendo : Mejor Película, Dirección, Actor ( F.Murray Abraham ), Guión ( P.Schaffer ), Dirección Artística ( Patrizia von Brandenstein ), Maquillaje y Sonido.      
   

"Pelotón" ( "Platoon", 1986 ) de Oliver Stone :

Los tres amigos en el infierno bélico.

Fue la película bélica anti Vietnam más taquillera de su tiempo, y solidificó el prestigio que ya traía como realizador y guionista Oliver Stone. Su mayor atractivo parece provenir de la visión absolutamente crítica al conflicto, pero también su equilibrio formal, que la hace ideal como película de suspenso y acción. 
Es difícil olvidar la imagen de Willem Dafoe alzando las manos en medio de un bombardeo, o la desoladora experiencia de sentirse aislado y solo en medio de la selva. 
Se trata de una visión que concentra las sensaciones más fuertes y desgarradas de la contienda, aunque asume una posición reflexiva, es totalmente visceral en su apuesta, porque enciende el interés en función de la debacle que ocurre en el frente de batalla. 
La progresión dramática de un muchacho idealista, que se inscribe de voluntario, ignorando los verdaderos horrores de la guerra, para terminar renegando de ella, está entre lo más sensible que ha dado el cine bélico en su historia, porque el relato tiene mucho de autobiográfico. Y esta carga emocional la transmite Stone sin tapujos y con la honestidad de alguien que está expurgando sus propias pesadillas. 
A considerar el estupendo elenco que encabezan : Tom Berenger, Willem Dafoe, Charlie Sheen, Forest Whitaker, Francesco Quinn, Kevin Dillon y Johnny Deep.
Ganadora de cuatro Oscar incluyendo : Mejor Película, Dirección, Música ( Georges Delerue ) y Montaje ( Claire Simpson ).


"Danza con Lobos" ( "Dances with Wolves", 1990 ) de Kevin Costner :  

Asumiendo un lugar en la cultura dakota.

Un western épico en toda su magnitud, concentró los esfuerzos del actor y director Kevin Costner. 
La actitud era osada para su época, porque el género venía en caída libre, y esta película lo reposicionó en el gusto del público. 
El filme se centra en las aventuras de un soldado idealista, que después de demostrar su heroismo, es comisionado a viajar como explorador a las praderas de los dakota, donde se asentará con un puesto de avanzada.
En el primer contacto con los indígenas, redescubre su verdadero carácter y posición en este mundo. 
El tránsito de pasar de este lado al otro, le significará aceptar a los índígenas por su cultura y tradiciones, evitando que sean doblegados por las tropas de sus propios compañeros.
La cinta tiene un discurso pro-indio que nunca se desestima, porque dimensiona perfectamente el choque que existe entre las dos culturas. Pero hay más.
Una historia romántica entrecruzada por el lirismo visual ( con Mary McDonnell ), momentos de acción, suspenso, humor y escenas espectaculares como la caza del búfalo y batallas fracticidas.
Cabe destacar, la encomiable labor fotográfica del australiano Deam Semler, que le saca partido a las extensas llanuras de Dakota, con un sentido plástico que recuerda las panorámicas de los westerns clásicos de John Ford y Anthony Mann.
Pese a su longitud ( 183 minutos ), la cinta logra cautivar y transformarse en una renovada visión de presentar con respeto y admiración el mundo aborigen.
Ganadora de siete premios Oscar, incluyendo Mejor Película, Dirección, Guión ( Michael Blake ), fotografía ( Dean Semler ), Montaje ( Neil Travis ), Música ( John Barry ) y Sonido.


"La Lista de Schindler" ( "Schindler list", 1993 ) de Steven Spielberg :

La niña símbolo del exterminio judío.

Adaptación de la obra de Thomas Keneally, que el director y productor Spielberg hizo suya con la suspicacia de rodarla en blanco y negro ( para preservar su aliento documentalista ), trabajando al detalle las atmósferas, los momentos de tensión y drama, con la certera manifestación de estar contando parte de la historia nauseabunda del exterminio judío en manos de los nazis.
El filme está lleno de detalles simbólicos ( y artísticos, como esa niña en rojo que vaga entre la muchedumbre ), que recrean el Holocausto como si las cámaras estuvieran realmente allí. Algo que por los demás, Spielberg repitió en" Rescatando al soldado Ryan" con idéntica intensidad.
Sin embargo, lo que realmente eleva este significativo drama bélico por sobre lo usual, es su enorme  poder emocional, que tiene la solvencia de contrastar, los momentos más glamorosos de Schindler ( Liam Neeson ), con la desdicha de los reclusos cautivos en el campo de concentración, dirigido por un Ralph Fiennes en toda su malévola suspicacia.
Seguramente mucho de los acontecimientos más fascinantes de la historia verídica pasan por el frente, debido al sentido piadoso que el director manifiesta en su relato, aunque es una decisión loable porque seguramente la película hubiera perdido parte de su testimonio moral, que es lo que, definitivamente la hace impagable.
El filme obtuvo siete Oscar incluyendo : Mejor Película, Dirección, Guión ( Steve Zaillan ), Dirección Artística ( Allan Starki y Ewa Braun ), Fotografía ( Janusz Kaminski ). Montaje ( Michael Kahn ) y Música ( John Williams ).


"El Paciente Inglés" ( "The English Patient", 1996 ) de Anthony Minghella :

El pasado de un hombre amnésico.

Tres años se demoró Minghella, en estructurar el guión de esta embriagadora historia de amor, entre una enfermera francocanadiense ( Juliette Binoche ) y un desfigurado y amnésico piloto ( Ralph Fiennes ), cuyo avión zozobró en el norte de Africa en los albores de la Segunda Guerra Mundial.
La historia nace de una novela de Michael  Ondaatje, y se refuerza, por su novedosa manera de contar una intriga romántica, sin desestimar lo intrincado del asunto.
Su majestuosidad mana a borbotones por la estupenda labor fotográfica de John Seale, que le saca provecho a las secuencias aéreas; y el solvente ritmo narrativo que le impone su director  a la película. 
Al hipnótico esteticismo que caracteriza unas sensuales secuencias de amor, arrebatan por igual el estudio de caracteres, la pausada recuperación mental del protagonista, y los accesibles dones que tiene la enfermera, tan inteligente como dócil, una odalisca de ensueño. 
La cinta ganó nueve Oscar, considerando los reservados a : Mejor Película, Dirección, Actriz de Reparto ( Juliette Binoche ), Dirección Artística ( Stuart Craig y Stephanie McMillan ), Fotografía ( John Seale ) , Vestuario ( Ann Roth ), y Montaje ( Walter Murch ), entre otros.


"Gladiador" ( "Gladiator", 2000 ) de Ridley Scott :

La espectacularidad de las luchas en el Coliseo Romano.

Si "Danza con lobos" recuperó para el público la afición por el western, entonces ésta cinta vino a recordarnos que en otros tiempos, las películas de romanos eran un taquillazo.
Indudablemente, "Gladiator" se transformó en un éxito, convenientemente debido a varios factores : una historia original acerca de un general romano transformado por obra del destino en guerrero de la arena ( Russell Crowe ). 
La venganza como "leit motiv", dimensionada de manera unilateral por los designios de la naturaleza de un hombre de espíritu libre y transgresor.
El aliento épico que Scott lleva al éxtasis visual, utilizando escenas masivas y decorados espectaculares. Y una insuperable constelación de secundarios que están increíbles como : el veterano Richard Harris interpretando a César, Joaquín Phoenix a su hijo Comodo, Oliver Reed y Derek Jacobi recuperando parte de su iconografía fílmica pasada; y una hermosísima Connie Nielsen, tan bella como sorprendente.
A los FX propios de los nuevos tiempos informáticos, Scott acomoda un relato que tiene vigor, solvencia, una cuota de heroismo, mucha acción, y una fascinación que emana de sus elocuentes escenas de lucha.
La película se llevó cinco Oscar incluyendo : Mejor Película, Mejor Actor ( Russell Crowe ), Vestuario ( Janty Yates ), Efectos Especiales y Sonido.


"El Señor de los Anillos : El Retorno del Rey" ( "The Lord of the Rings : Return of the King", 2003) de Peter Jackson :

Tres personajes de una trilogía colosal.

La trilogía de "El Señor de los Anillos", significó muchas cosas para el cine : partiendo por colocar a Nueva Zelandia en el mapa de las grandes realizaciones, y por solventar a la alicaída productora independiente "New Line Cinema", que arriesgó un capital multimillonario, exigiéndole al director, rodar las tres partes casi en simultáneo. Una tarea titánica que sólo pudo considerar la abierta pasión que Jackson siente por el cine desde su infancia.
"Mi tarea principal ha sido hacer tres buenas películas completamente fieles a los libros. No obstante, acepto la responsabilidad de no defraudar a los numerosos admiradores de los libros. Por eso, he intentado no perder nada de lo que nos parece fundamental o importante para los libros, y por eso, casi sin excepción, todas las cosas que resultan memorables y vívidas cuando las lees, también están en las películas".
Este fue el capítulo final de la primera trilogía y cierra maestramente todos los atractivos de las dos anteriores, agregándole mayor espectacularidad, unas batallas que sólo existen en la imaginación, y un conflicto filosófico casi telúrico, que hace de las entregas, algo nuevo, alternativo, renovado en el cine de fantasía. 
Su estética "dark" muy dominante en el cine de los 90 y 2000 ( "Batman", "Harry Potter", ), habla de las contrariedades mundanas de estos tiempos de crisis y ansiedad.
La última parte de la trilogía se llevó once Oscar reservados a : Mejor Película, Dirección, Guión Adaptado ( Frances Walsh ), Música ( Howard Shore ), Canción Original ( Annie Lennox por "Into the west" ), Dirección Artística ( Grant Major, Dan Hennah y Alan Lee ), Vestuario ( Ngila Dickson y Richard Taylor ), Montaje ( Jamie Selkirk ) , Maquillaje ( Richard Taylor y Peter King ) , Efectos Especiales ( Jim Rygiel, Joe Letteri, Randall William Cook y Alex Funke ) y Sonido.


"Million Dollar Baby" ( 2004) de Clint Eastwood :

Una relación particular.

La película de mayor madurez de Eastwood, es también una mirada al mundo de la mujer (  la aspiración de una chica por ser una campeona de boxeo) , y el drama intenso de personajes fracturados por el tiempo. 
La historia de una camarera de 31 años de Wisconsin, que llegó a ser campeona de boxeo, frustrada en su camino a la fama, por una tetraplejia, y que conciente la eutanasia, en momentos en que su vida parece no tener ningún destino, causó polémica y supuso la consagración definitiva de la actriz Hillary Swank.
El relato exquisitamente planteado por el estupendo guionista Paul Haggis, - que después se hizo realizador -, tomó prestada la novela de F.X.Toole, para subrayar el carácter intimista de una tragedia urbana, con el rigor de estar frente a un material literario y humano de profunda repercusión social.
Los magníficos ambientes, realzados por la fotografía de tonos pétreos de Tom Stern, y el siempre vigoroso montaje de Joel Cox, le permiten a Eastwood dibujar una crónica sensible, dramática y humana sobre el destino. 
Grandes actuaciones de la Swank y Morgan Freeman, que merecieron el Oscar, completando cuatro estatuillas incluyendo Mejor Película y Dirección. 


"Sin lugar para los débiles" ( "No Country for Old Men", 2007 ) de Ethan y Joel Coen :

Sádico y sanguinario.

  
Que atractivo tan hipnótico tiene este "thriller" desarrollado en pleno desierto y con un personaje endemoniado que gusta asesinar utilizando un extintor o un balón de oxígeno. Las respuestas hay que hallarlas en la filmografía de los hermanos Coen, unos notables directores y guionistas neoyorquinos que han logrado renovar el relato policial con insólitas historias y personajes excéntricos.
Este filme no escapa de su norma recurrente, pero adiciona un solvente desarrollo, ingeniosos diálogos y muertes sorprendentes. 
La caza del gato y el ratón está estructurado con tal fineza, que es difícil no dejarse comprometer con los visos mórbicos que tiene la historia.
Se trata de una metáfora sobre la violencia, que tiene mucho de ironía y sarcasmo. Acerca del tema recordemos lo que señaló en su momento, su actor central, Javier Bardem :
"Cuando leí el guión estaba un poco reticente por la gran cantidad de violencia que había en la trama. Hablé con los Coen y leí el libro. Finalmente pensé que había algo detrás del filme, no exactamente como un mensaje, algo que la gente quiere ver y oír: que la violencia no puede ser detenida con más violencia".
La cinta ganó cuatro Oscar como : Mejor Película, Mejor Dirección, Mejor Actor Secundario ( Javier Bardem ) y Mejor Guión Adaptado ( los Coen ).

 
"El Artista" ( "The Artist", 2011) de Michel Hazanavicius :

Rememorando el cine mudo.

Coproducción franco-belga que causó una verdadera sensación, por atreverse a devolvernos la magia del cine mudo, en blanco y negro, y con intertítulos.
Además, la trama aborda una historia de amor, en los ambientes glamorosos del Hollywood de los años veinte y principios del treinta.
Los distintos hechos anecdóticos que ocurren en la trama, vigorizan el estilo barroco que tiene su estética y se recrea con los recursos técnicos y sonoros de una época clásica del cine silente.
Un legendario artista del cine mudo ( Jean Dujardin ) y una chica aspirante a la fama ( Bérénice Bejo ); los deseos de producir cine independiente; el sueño hecho realidad, la irrupción del "crack" del 29; la ruina; el incendio; el rescate; la nueva estrella, la reconciliación, las exigencias del contrato, el musical juntos en la vida real y en la pantalla grande. The End.
Para los cinéfilos es la más perfecta síntesis estética y narrativa, de que el cine mudo poseía el don de expresar mediante la imagen, lo que el lenguaje abarrotó en exceso con la llegada del sonido. Nostálgica, divertida, agradable, romántica, original.  
Completan el elenco : Penélope Ann Miller que está deliciosa, John Goodman, James Cromwell y el perro Uggie.
Obtuvo en su momento, cuatro Oscar por Mejor Película, Dirección, Actor ( Jean Dujardin ) y Vestuario ( Mark Bridghes ).




Instantáneas Fotográficas del Oscar.

El actor Cuba Gooding Jr., hizo volar su Oscar, cuando ganó el premio al Mejor Actor Secundario por "Jerry McGuire".

Por la película "Kramer vs.Kramer" : Dustin Hoffman, Mery Streep, el director y guionista Robert Benton y el productor Stanley Jaffe, en Abril de 1980, luciendo felices sus respectivas estatuillas.

El vicepresidenmte de la Academia Conrad Nagel, con el presidente de los estudios "Universal"Carl Laemmle que recibe el Oscar a la Mejor Película, por el drama bélico "Sin Novedad en el frente" ( 1931) , mientras observa el actor secundario Slim Summerville.

La actriz Natalie Portman y su Oscar por "El Cisne Negro".

   

La actriz  Hattie McDaniel ganó el Oscar a la Mejor Interpretación Secundaria por "Lo Que el Viento se llevó", convirtiéndose en la primera profesional de color en recibir la estatuilla.

Los flamantes ganadores de la producción musical "Gigi" con sus Oscares ( de izquierda a derecha )  : el actor y cantante  Maurice Chevalier,el productor Arthur Freed, el compositor Frederick Lowe, el letrista Alan Jay Lerner y el director Vincente Minelli.

La actriz  italiana Sofía Loren posa junto al director inglés David Lean, ganador del Oscar por "El Puente sobre el Río Kwai".

La actriz española Penélope Cruz obtuvo el Oscar por "Vicky Cristina Barcelona", la primera intérprete hispana en lograr la estatuilla.

La actriz Greer Garson ( sustituyó a Vivien Leigh que ganó el Oscar por "Un Tranvía llamado deseo" ) y el actor Humphrey Bogart que obtuvo la estatuilla por "La Reina Africana".

Después de cinco nominaciones sin lograrlo, Kate Winslet ganó el Oscar por "El Lector" ( "The Reader").

La precoz Tatum O"Neal obtuvo el  galardón por "Luna de Papel" revelándose internacionalmente.

El actor Sean Penn recibiendo su segundo Oscar por "Milk". Ya lo había ganado anteriormente por "Río Místico".

La película musical "Mi Bella dama" dió el Oscar a los actores  Rex Harrison y Audrey Hepburn, al productor Jack L.Warner y al director George Cukor.

La actriz Vivien Leigh luciendo su estatuilla dorada por su rol en "Lo Que el Viento se llevó".

Tom Hanks feliz como ganador por: "Forrest Gump" y después consecutivamente al año  volvió a ganar el Oscar  por  "Filadelfia".

Yul Brynner posa junto a su Oscar por el musical "El Rey y Yo".

El actor español Javier Bardem besando las posaderas del Oscar, que logró por  su rol en "Sin lugar para los débiles".

Fotos Gentileza : The Academy of Motion Pictures Arts and Sciencies in Hollywood - "Los Angeles Times"- Reuters - "The New York Times" - "Variety" - Uncle Oscar - "Vanity Fair"- A Certain Cinema - "The Guardian" -Dr. Macro-  "American Film"- "Hollywood Revue".-  

Poster Oficial de la 85" versión de la entrega del Oscar, Febrero del 2013.-