Séptimo 7 sello: El Cine fantástico y terrorífico que barre en las taquillas :

Las Mil y una Noches.

Si hay algo que nos deja el cine fantástico es la capacidad de remontarnos a lejanas galaxias como George Lucas lo hizo en "Star Wars".

¿ Qué poder evocador tiene el cine fantástico y terrorífico, que atrae masivamente a grandes y chicos ?
Se trata de uno de los géneros más populares y que nació con el cine, cuando al francés George Mélies se le ocurrió improvisar frente a cámara "Un Viaje a la luna" y "Un viaje a través de lo imposible".
Nunca estuvo más idóneo que, cuando convirtió a los selenitas en comparsas satíricas, que intentan cautivar a los terrícolas después de mandarlos a la punta del cerro.
Mélies conocía el poder evocador que tenía este medio, y como buen prestidigitador, sacó del sombrero de copa de la magia irrealista, toda la carrocería con que nos haría volar por mundos infinitos más allá de las galaxias. A él, se debe el espíritu de espectáculo que tiene el séptimo arte, pero también muchos de los efectos visuales, que se han repetido hasta el cansancio a la largo del desarrollo de estos importantes géneros, que actúan sobre la base de la emoción del espectador.
Recrear mundos lejanos, hizo de los directores : Stanley Kubrick, George Lucas, Steven Spielberg, Richard Donner, Brian de Palma, Ridley Scott, James Cameron, Robert Zemeckis, John Carpenter, los nuevos Mélies del cine contemporáneo. Y apuntó para sí mismo, la base y fortaleza de un negocio, que se mueve por el marketing, los verdes dólares y también la inteligencia de los artistas más susceptibles a encarar los complejos proyectos de producción.
Transformaron la industria, para integrar la importancia del relato fantástico y del cuento de horror, a los cinco sentidos del espectador.
M.Night Shyamalan probó que también hay un "Sexto Sentido", capaz de erizar los pelos, y asumir que, se puede ser original como narrador y astuto como manipulador de emociones.
La película todavía sigue siendo modélica, al jugar con maestría las basas del subjetivismo en el relato. Vale decir, todo lo que te han contado en los primeros 80 minutos, Shyamalan te indica que, puede derribarse inteligentemente con un final sorprendente.

Definiciones Fundamentales.

"Star Trek: la película" : fue una experiencia única verla en cine, debido a su acabado formal, espectaculares escenarios, FX y un notable relato de complejidad filosófica.

La nave "Enterprise" fue icónica en el panorama de la fanta-ciencia de fines de los años setenta.

Se entiende por fantasía "el proceso de creación dirigido a la producción de ideas o relatos en los que se transgreden las leyes naturales de la realidad".
El género animado recurre constantemente a la fantasía. Y también puede estar presente en otros géneros como : la comedia, la ciencia ficción y la videocreación, donde priman las ideas fuera de los común, sobrenaturales, ilógicas, con la capacidad de anticipar como podría ser el mundo más adelante, o simplemente recrearse en la sorpresa, la desproporción o el misticismo, con el mismo poder evocador de una pintura de Doré o un cuento de H.G.Wells o Jules Verne.
Se trata de los géneros más populares, y paradójicamente, el que considera una proporción mayor de obras malditas, detestadas por la crítica, o menospreciadas por el público.
Ahí están los casos emblemáticos de : "Freaks" ( 1932 ) de Tod Browning; "2001 : Odisea del espacio" ( 1968) de Stanley Kubrick o "Star Trek" : la película" ( 1979) de Robert Wise, que en sus respectivos momentos, no lograron entusiasmar a los especialistas y a los espectadores.
El tiempo ha permitido revalorizar como corresponde estas obras, y a su modo, transformarlas en películas de culto.
A su vez, el terror como tal, se ha caracterizado por la utilización de relatos caracterizados por el miedo, el pavor y paranoia, reflejando los temores y ansiedades más profundos de las sociedades industrializadas.
La paranoia y la inestabilidad mundial, generan períodos históricos donde la producción de películas de terror, aumenta y justifican su tránsito por las salas, como canales catárticos donde el espectador libera muchas de las tensiones y aflicciones de la vida moderna.
Monstruos populares como Freddy Krueger de la saga de las "Pesadillas" o Jason Vorhees de"Martes 13", asumen sus respectivos arquetipos, como engendros robustecidos por una "emoción primaria del ser humano", que "desahoga" su carga emocional, en las imágenes más escalofriantes y sangrientas de la iconografía audiovisual.

Stanley Kubrick : Un Innovador.

El "homo sapiens", la primera imagen categórica de "2001".

La rutina en la estación lunar sólo alterada por "Hall 9000".

Keir Dullea en el paso del tiempo, envejeciendo cíclicamente, para...

...renacer después, mirando desde la bóveda celeste al planeta Tierra.

La primera película de la era moderna de la fantasía y ciencia ficción fue : "2001 : Odisea del espacio" ( "2001: a Space Odyssey", 1968), que significó un gran paso adelante al valorizar un género que, hasta ese momento se consideraba menor, y por ende, marginado de los grandes presupuestos, confinado en las beaterías de la serie "B".
El tremendo impacto que provocó Kubrick en las salas del mundo, con esta compleja y fascinante historia según el relato corto de Arthur C.Clarke, nos viene a confirmar que, la innovación del género debía venir del aspecto visual con una temática espesa difícil de digerir, y en su conjunto, de la certera imaginería acerca de la ciencia aeronáutica, la antropología, la cosmología, y sus probabilidades futuras.
Según confidenció el propio cineasta : "Intenté crear una experiencia visual que evitara el encasillamiento de las palabras, y penetrara directamente en el subconciente, con un contenido emocional y filosófico".
El crítico alemán Nils Meyer establece que : "2001 no supuso tan sólo un enriquecimiento del género de ciencia ficción, sino que también marcó nuestra visión del Universo; con un Sol resplandeciente, cuyos rayos se reflejan en la nave blanca mientras la cara a la sombra se hunde en un negro profundo; con la estilográfica que flota en la cabina, que se le ha escurrido de una mano al pasajero que duerme en el vuelo hacia la Luna; con el silencio fantasmagórico en el que un astronauta muerto y vestido con su traje espacial amarillo da vueltas para siempre sobre sí mismo por el Universo ; con la estación espacial redonda que gira sobre su propio eje como una rueda gigante ; con el destello azul del planeta Tierra. El universo es un descubrimiento de Stanley Kubrick".

"La Naranja Mecánica" : metáfora de la vida urbana posterior a su tiempo.

Las pandillas violentistas, un fenómeno que vió Kubrick intensificarse en el futuro.

Malcolm McDowell, vampirizado entre las oníricas imágenes del clásico filme.

El director británico, encabezaría el síntoma de la renovación del género, con la emblemática "La Naranja Mecánica" ( "A Clockwork Orange", 1971), una extraordinaria fábula social que despertó tanta polémica como "2001", aún a guisa de convertirse en uno de los filmes de culto, más alabados del cine contemporáneo.
El cineasta recuerda los orígenes del salvaje comportamiento de su protagonista : "Hemos nacido de monos erectos, y esos monos eran unos asesinos armados. ¿ De qué vamos a asombrarnos ? ¿ De nuestros asesinatos, genocidios y misiles ? El milagro del hombre no reside en cuán bajo ha caído, sino a que altura se ha elevado".

Kubrick trabajando en la "Olivetti" que uso despúes Jack Nicholson en "El Resplandor".

Danny Lloyd y la amenaza fantasma en el recóndito hotel.

Con "El Resplandor" ( "The Shinning", 1980), completaría esta trilogía dedicada al cine fantastico y terrorífico, llevándose buena parte de las alabanzas, pese a modificar los esquemas característicos del horror movie.
Stephen King autor de la novela, indicó que se trata de "una historia sobre el bloqueo mental de un escritor" y que Kubrick acentúa respecto a la locura que nace con el aislamiento físico.
El filme está desarrollado con extremo control, y patentiza la historia de "fantasmas", con la mezcla de la malsana hiperrealidad de un intelectual encerrado en sus propias obsesiones.
Jack Nicholson está irremplazable, y demuestra conocer al dedillo los condicionamientos interpretativos del "Actor"s Studio", sometiéndose a una improvisada manera de asumir la locura incontrolable frente a las cámaras.
Shelley Duvall y Danny Lloyd perfectos como la esposa y el hijo, aparecen victimizados con las fijaciones de una aventura mental esquizofrénica.

Más allá de las estrellas.

"Dark Star" : con escasos medios y mucha inteligencia, John Carpenter hizo una amena y divertida película de ciencia ficción.

"THX-1138" : el minimalismo en la forma, la estética y el fondo, en los primeros pasos de George Lucas, con la interpretación de Robert Duvall.

Ciertamente, el tema de las aventuras galácticas despertó fuerte en la década de los setenta, a raíz de los avances tecnológicos, y del interés de una nueva generación de cineastas universitarios, que transitaron con regularidad por el tema fantástico hasta convertirlo en el "totem" de las taquillas.
John Carpenter rodó "Estrella Oscura" ( "Dark Star" , 1974) con el vuelto del supermercado. Y demostró que, se podía ser original siguiendo los cánones de las películas de bajo presupuesto.
George Lucas hizo lo suyo, con la minimalista : "THX 1138" ( 1970), una fanta-ciencia caracterizada por sus imágenes abstractas de fondos blancos y cabezas rapadas, según la historia del especialista Michael Chrichton.
Negar la solvencia en el tratamiento de la puesta en escena, es quitarle el valor real a una película "maldita", interesante, amena y eficaz en sus parámetros futuristas.

Relato metafísico acerca de los deseos inconscientes de la humanidad materializados por un lejano planeta en una galaxia superior, "Solaris" ( 1972) del ruso Andrei Tarkovsky, vino a robustecer las bases del género, con el delirio del esteta convulso y del genio del maestro, que lubrica su pluma con el aceite del talento habilidoso.
El crítico Garret Chaffin Quiray asegura que, "se trata de un brillante ejercicio que combina duración y grandes ideas con una producción ascética...contra la ambivalencia de la realidad y a favor de la satisfacción sin límites de la fantasía".

"Star Wars" : Artoo-Detoo el primer robot enano del cine, que logró popularidad mundial.

"El Imperio Contraataca" : la clave de los personajes encantadores y del relato secundario de amor entre Han Solo y Leia Organa.

Los duelos a espada láser : una real delicia.

Remedo de "Laurel & Hardy" , C3-PO y Artoo Detoo alcanzaron la gloria de Hollywood.

Bobba Fett el cazarecompensas galáctico, tan célebre como otros personajes de la serie.

"Yoda" maestro de los Jedis, con la apariencia de Einstein, un feto y la fuerza de 1.000 hombres.

"Star Wars" : la tríada joven estelar del filme.

La nueva trilogía de "Star Wars" será de la Walt Disney, que adquirió por dos billones de dólares la productora "Lucas Films". Así el realizador original, cede para las próximas generaciones, las ideas de sus clásicas películas galácticas.

Por otro lado, el impacto popular que tuvo la serie británica de televisión "Espacio 1999" ( "Space 1999"- 1974 ), posibilitó entre otras cosas, la concretación de los FX de "La Guerra de las Galaxias" ( "Star Wars", 1977) , ya que el mismo equipo de especialistas, tuvo la misión de desarrollar una "nueva"etapa en el cine de aventuras espaciales y galácticas en pantalla ancha.

A nivel narrativo, George Lucas acomodó todas las variables del cine que disfrutó cuando niño, - aventuras serializadas como "Flash Gordon" o "Buck Rogers", películas de la segunda guerra mundial, cintas de espadachines japoneses, los épicos westerns - , para remodelar el paisaje cinemático con un talento abrazador, que patentó con un desarrollo maravilloso de la técnica, que Meliés había desarrollado sesenta años antes.
Sus aventuras "más allá de las galaxias", atemporales, vertiginosas y encantadoras, se desarrollaron en los paisajes más diversos del paisaje terrícola, a años luz de nuestro planeta. Desiertos, pantanos, tundras, cielos, hielos, vinieron a remarcar que, la imaginería visual no tiene por qué ser tan alejada de los propios habitat, aunque en rigor, las atmósferas más recurrentes de la trilogía original, vinieron a graficar la inspiración en los grandes clásicos del cine de matiné de antaño.
Agréguese, un significativo respeto a las religiones orientales ( "el karma", la energía espiritual, "la fuerza" incorporada en el relato y que vaga entre nosotros, para propender a robustecernos en los momentos de máxima ansiedad y delirio ), y una estética convenientemente vanguardista, con escenarios maravillosos, extensos, lejanos, oníricos, superiores al misticismo selvático de los relatos tarzanescos.
De esta forma, Lucas vino a poner de moda, el "collage" multicultural en sus trilogías. No sólo porque hay alusiones directas a rebeldes y dictadores galácticos, sino una profusión de habitantes cosmopolitas, que remiten a razas específicas de nuestro propio mundo.
Epica gozosa que afianzó el cultismo por el cine, "La Guerra de las Galaxias" vino a replantearnos las infinitas posibilidades que nos brinda el género fantástico, convirtiendo nuestros juegos lúdicos de niños, en una realidad hipnótica, de extraordinaria factura.

"Tiburón" : tres hombres enfrentando a la muerte en alta mar.

Todavía hoy esta secuencia resulta escalofriante.

Del mismo modo, el realizador Steven Spielberg volcaría su entusiasmo por el cine de terror, desde su muy acelerada "El Duelo" / "El diablo sobre ruedas" ( "Duel", 1971), que contaba con un magnífico guión de Richard Matheson y la vibrante actuación de Dennis Weaver; hasta la repulsiva y efectista "Tiburón" ( "Jaws", 1975) , la primera película que utilizó las nuevas tecnologías de la robótica en los FX y el marketing en su campaña promocional.
Tal fue su impacto mediático, que muchísima gente dejó de bañarse en el mar por años.
El escritor estadounidense David Kaufman, autor de un libro monográfico acerca del cineasta, aduce que , "Tiburón tiene un esqueleto sensiblemente distinto : la historia es descaradamente obvia, el planteamiento no esconde nada. Todo se puede adivinar en ella, al contrario que un filme de Hitchcock. Spielberg se permite incluso ciertas servidumbres, como la poca fluidez de las historias de los personajes; allí aparece el que no debe saturar al espectador presentando constantemente al tiburón. La duda reside siempre en cuándo y dónde aparecerá. Y de hecho, todo es un acierto en Spielberg, pues en los momentos más inesperados, cuando los personajes cuentan sus propias historias, allí aparece el asesino. La tensión se acumula y no se reduce. Spielberg intuye lo que quiere el público y sabe dárselo, poniendo siempre a salvo su honestidad, haciendo gala de un elegante savoir fair cinematográfico".

Imágenes perturbadoras.

"Vij" : una hermosa bruja que llora lágrimas de sangre en su féretro, en una colosal película soviética por revalorizar.

"El bebé de Rosemary" : el mal que vive entre nosotros.


"El Exorcista" : la manifestación de la posesión satánica en una adolescente.

"La Profecía" : ahora es un niño la encarnación del mal.

"Carrie" : la sangre, la telequinesis y la venganza.

Una amplia variedad de temas pudieron desarrollarse con el devenir del cine terrorífico, a expensas del criterio de cineastas B, que inmortalizaron su nombre con la rúbrica de trabajar, en uno de los géneros más apetecidos por el espectador.
Aporte desconocido fue la película : "VIJ" ( 1967 ) de los rusos Georgi Kropachyov y Konstantin Yershov.
A partir de un relato corto de Gogol, se desarrolla una aterradora historia acerca de un seminarista perdido en una comarca, dominada por los monstruos de una bruja.
Expurgar frente a la urna de la mujer, los demonios que pululan por el lugar, es una tarea de valientes, que el joven Khoma ( Leonid Kuravlyov ), deberá efectuar en el curso de tres noches.
Al estupendo trabajo estético, se une el soberbio clima de pesadilla que la cinta ostenta y que se materializa con gran capacidad de inventiva visual, hacia el desenlace final, cuando se presenta una horda de los monstruos más horripilantes de la historia del cine.
Escalando murallas, contorsionándose, apareciendo de la nada, y escabulléndose como reptiles, aparecen esos engendros y rarezas, extraídos como si fueran habitantes del mismo infierno.
El tema demoníaco que está tratado en el cine desde los tiempos de Méliés, asume en : "El Bebé de Rosemary" / "La semilla del diablo" ( "Rosemary"s Baby", 1968) de Roman Polansky, la capacidad de insertarse en la vida urbana contemporánea, con un hiperrealismo significativo y transgresor.
Ya no es un monstruo originado en un laboratorio o una amenaza extraterrestre.
La maldad se anida en la propia sociedad civil, y acuna el nacimiento del mal, con la protección de la comunidad que rodea a una demacrada ama de casa ( Mia Farrow ), a punto de dar a luz.
Polanski lleva el terror a la casa, porque asume que la cordura, la corrupción y las debilidades humanas, son la puerta abierta para el habitat de la maldad y su permanencia destructiva.
En la década siguiente, fue temática valedera de películas como : "El Exorcista" ("The Exorcist", 1973); "Ellos Viven"/ "Estoy vivo" ("It"s Alive", 1974); "La Profecía" ( "The Omen" ,1976) y "Carrie" ( 1976), aunque en esta última, la maldad surgiera como punto de inflexión, de una venganza por el maltrato recibido por una joven.
Un título señero del cine" gore" es : "Suspiria" ( 1977) del realizador italiano Darío Argento, cruce entre "giallo" y "psychokiller" americano, plasmado en imágenes ricas en simbolismo plástico, y desarrollado en un marco gótico que intensifica el "suspense", en función del choque constante entre efectismos sangrientos y subterfugios terroríficos, donde todo fluye por pura intensidad. Notable tratamiento de la imagen y de la banda sonora musical debida a los rockeros Goblin, que convierten la vida de una Academia de danza en una pesadilla horripilante.

"La noche de los muertos vivos" :el cine de zombies renace en los 60.

"El Hombre de Mimbre" : obra maestra que incluye una simbólica sucesión de ritos ancestrales propias del paganismo.

Christopher Lee está magnífico como personaje antagónico, en esta escena determinante del relato.

Más visceral en su exposición de la putrefacción carnal, es George Romero que rodó : "La Noche de los Muertos Vivientes" ( "Night of the Living Dead", 1968), convirtiendo los "zombies" de la RKO, en juguetitos de peluche al lado de estos "muertos que caminan".
La metáfora social y el aliento casi documentalista, confirió características de cinta de culto a esta modesta producción.
Instancia que, Romero aprovechó con los años, para trascender con historias más modernas, "gores" y sangrientas, abriendo el campo terrorífico a los refrescantes cultivos de la ansiedad histérica y la invasión multimedial del consumismo capitalista.
Como destacan los críticos chilenos Ascanio Cavallo y Antonio Martinez , "en Romero cohabitan la destreza del realizador febril , el anarquismo del creador solitario y la vehemencia del artista sombrío. Es una de las combinaciones más extrañas, la única capaz de explicar la coherencia entre la perturbación colectiva de "Código : Trexie" ( "The Crazies", 1973), y la individual de "Martin" ( 1978); la locura cultural de "Creepshow" ( 1982) y la científica de "Monos diabólicos" ( "Monkey shines", 1988) y, muy especialmente, la demencia contagiosa de "Zombie, el amanecer de los muertos vivientes" ( Dawn of the dead", 1978) y la trilogía de la cual es el centro, el eje y la gravedad".
Nuevos bríos propinó al género, el cineasta británico Robin Hardy y su debut con la película : "El Hombre de Mimbre" ( "The Wicker man", 1973), una de mis películas de horror favoritas.
La historia de un policía escocés ( Edward Woodward ), que investiga la desaparición de una niña en Summerisle, una localidad rural donde se practica la religión pagana, el culto a los druidas y el folclore de raíces célticas, está dimensionado con una certera objetividad, que hace ver cosas extrañas y "creíbles", con la suspicacia de presenciar la trampa en que está metido un hombre cándido y encantador.
La película logra equiparar los momentos de audacias sexuales con espiritismo y sacralización negra, consiguiendo un equilibrio abrumador.
El climax del desenlace, está entre los más aterrador que ha producido el cine. Todavía sigue siendo impactante por su absoluto realismo y sínodo trágico.
Para el crítico británico Philip Kemp , "The Wicker Man enfrenta la cristiandad plesbiteriana escocesa y el paganismo exhuberante, y expone los fallos de ambos. Inteligente, irreverente y revelador en la presentación de una dialéctica doctrinal, el guión de Anthony Shaffer, alcanza el climax en el enfrentamiento entre Howie, el policía estirado inglés ( Woodward ) y el cortés lord Summerisle ( Peter Cushing )."
Se trata por cierto, de una obra inclasificable, magnífica, en su conjunción de temas, con el pulso narrativo ideal de un director, que hizo poco más, en el cine.

Monstruos Colectivos y Anomalías Climáticas.

"Halloween" : renacieron los sicópatas urbanos con la fuerza narrativa de John Carpenter.

"La Gran Masacre de Texas" : la familia "freak" de los 70.

"Terciopelo azul" : la estética de lo feo, lo nauseabundo, lo horroroso.

El monstruo colectivo que anida entre nosotros, caracterizó varias producciones de la época como : "Las colinas tienen ojos" ( "The Hills Have Eyes", 1977); "La Furia" ( 1978) y "La Peste" ( "The Brodd" ( 1979) y no faltó la popularización del "monster hogareño" a partir de "Halloween" ( 1978), un estupendo filme de suspenso, abarrotado de situaciones crispantes gracias a la banda musical que compuso el propio director para la ocasión.
La irrupción de un asesino en serie entre la juventud, vino a acrecentar el gusto ( o morbo ) por la sangre. Surgirieron las películas "gore", exageradas transposiciones licérgicas de horror y matanzas masivas, que capturaron ( y dominaron ) buena parte de la década siguiente.
"La Matanza de Texas" ("The Texas Chain Saw Massacre", 1974) de Tobe Hopper, golpeó con visceralidad el conciente del espectador , transformando las "carnicerías" homicidas, en un juego lúdico arrollador y extravagante.
Despúes de su estreno, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, adquirió una copia, fue divulgada en el Festival de Cannes, y en Londres fue catalogada como la Mejor Película del Año. El "gore" conquistó las cúpulas, revelándonos de que materia están hechas las pesadillas.
La idea del monstruo recorre toda la filmografía del estadounidense David Lynch, autor de sendas historias de terror y claustrofobias.
Desde su minimalista "Cabeza borradora" ( "Eraserhead",1978), una compleja y disfuncional historia de un personaje maníaco depresivo, tímido y gordinflón, que vive en un cuartucho húmedo cubierto de algas marinas; hasta su superproducida "Duna" ( "Dune",1983), irregular adaptación de una novela de Frank Herbert, que sobresale por su colosalista puesta en escena.
Completan esta interesante etapa del director, "El Hombre Elefante" ( "The Elephant Man", 1980), un meritorio drama caracterizado por increíbles atmósferas que humanizan los conceptos históricos del "monstruo" de feria, a propósito de la historia de John Merrick ( un inolvidable John Hurt ); y su obra maestra "Terciopelo Azul" ( Blue Velvet", 1986), punto cúlmine de un trabajo pictórico ideal, debido a los conocimientos que adquirió como alumno de la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania.
"Terciopelo Azul se ordena sobre dos colores dominantes y dos canciones románticas. La estructura diádica es general : la rubia y tópica Sandy con la morena y fatal Dorothy; la ingenuidad adolescente de Jeffrey con la perversión infantil de Frank; el pueblo feliz de Lumberton con el distrito infame de Meadow Lane; el mundo controlado por el policía Williams y el mundo controlado por el prostibulario Ben. La puerta de esta sucesiva dislocación es el sexo, que Lynch divisa como un mundo misterioso de fascinación y miedo, de placer y dolor , de atracción y repulsión y , sobretodo, de ferocidad".
Sin duda, Lynch es un referente obligado del cine que nos legó el género en esta época.

"La Niebla" : la cruz y los espectros.

"Christine" : el auto rojo, la sangre, la muerte.

"Starman" : el extraterrestre, su fuerza vital, la mujer, los destellos.

"El Príncipe de las Tinieblas" : Alice Cooper, la muchedumbre, la espera, frente a la Iglesia.

"Al borde de la locura" : el monstruo poliforme de la citada película.

Para nosotros, John Carpenter, es el cineasta neoyorquino que mejor orientó los supuestos temáticos de la fantasía, el terror y la ciencia ficción en los 70 y 80.
Experto en el "CinemaScope", que utilizó de manera muy convincente para sacarle partido emocional a sus magníficas obras, su filmografía es pródiga en creatividad, diversidad y filosofía universal.
En "La Niebla" ( "The Fog") subyuga con la aparición de viejos fantasmas que vienen a cobrar deudas antiguas en una pequeña comarca.
En "Christine" ( 1983), le da vida a un automóvil que tiene más del poder nefasto de una venganza femenina, que de una horda de insinuaciones fantasmales.
Para "Starman" ( 1984), se recrea en el visitante extraterrestre que conocerá todo tipo de pequeñas aventuras con el rasgo de la humanidad servil y autocomplaciente.
Su magnífica "El Príncipe de las Tinieblas" ( "Prince of the darkness", 1987), estipula un ardiente ejercicio teológico, donde escudriña en las creencias en el Mal, que habita en los confines subterráneos de una Iglesia.
Con "Ellos Viven" ( "They live", 1988), desarrolla una original parábola política a raíz de una invasión alienígena, que sólo puede ser descubierta colocándose unos lentes con visión de rayos X. Subliminal, catártica, rapida, amena y malentendida por la crítica en su momento.
Admirador de la prosa de Lovecraft, seduce con su adaptación de "Al borde de la locura" ( "In the Mouth of Madness", 1994), un trabajo lúcido y acabado en lo formal, que juega con la idea subjetiva de la creación literaria que se sale de madres y parece avanzar por el infinito de una "conciencia superior" domesticada en las huestes del demonio.
Sus siguientes trabajos, "Vampiros"( 1998) y "Fantasmas de Marte" ( 2001), no harán más que proseguir la huella de Browning, con la estética "dark" que él mismo impusiera años antes con "Escape a Nueva York"( 1979).

"The Cars that at París" : insólita, refrescante, original.

"El Misterio de las Rocas Colgantes" : estilizada historia sobrenatural.

"La Ultima Ola" : en paralelo los cambios climáticos y el vudismo aborigen.

También surgieron las compostelas esotéricas, como la cinta australiana : "The Cars That at Paris" ( 1974), especie de vuelta de tuerca, al siempre interesante tema de la sobrevivencia colectiva.
La película se beneficia de la ironía narrativa y de la originalidad de su insólita historia, los originales y estrombóticos autos, que chocan a transeúntes distraídos en una comarca para hacerse de sus cuerpos.
Humor, suspenso , acción y una gotas de terror adicional, convierten a esta película en una joya de culto, porque además, es el primer trabajo destacado del gran realizador australiano Peter Weir.
El mismo director volvería a insistir en los terrenos fantásticos con dos películas ejemplares : "El Misterio de las Rocas Colgantes" ( "Picnic at Hanging Rock", 1975) y "La Ultima Ola" ( "The last wave", 1977).
A la belleza fotográfica de Russell Boyd en "Picnic at Hanging Rock"", Weir acomoda las variables de un hecho histórico real que aconteció a principios de siglo ( la desaparición de unas estudiantes de colegio privado en las inmediaciones de Hanging Rock ), presumiblemente "tragadas" por una fuerza enigmática, para enaltecer el simbolismo de lo inexplicable.
La inolvidable estética de la película subrayada por la oxigenante banda musical de Zamfir y Bruce Smeaton, y el estilo clásico de relatar los desvaríos de una excursión estudiantil, con la componenda de ambigüedad y oculto lesbianismo, le otorgan un valor agregado a una cinta imprescindible.
En "La Ultima Ola", Weir "aborda la relación simbiótica del hombre con la naturaleza". La investigación de un abogado ( Richard Chamberlain ) para aclarar el homicidio en que se ve envuelto un aborigen, corre en paralelo, a los abruptos cambios metereológicos caracterizados por hechos realmente insólitos - como granizadas y chubascos apocalípticos -, y que se intensifican a medida el profesional, explora por el desconocido mundo de las tradiciones ocultistas nativas.
Una película singular, diferente, muy original y que realmente cautiva de principio a fin.

Un oasis difícil de olvidar.

Con "Superman" ( 1978 ) nació una nueva horda de espectadores fanáticos de las historias del comic al cine.

"Ladyhawke, el hechizo de Aquila" : la aventura con toques de magia.

"Timeline" :una aventura fallida, y aún así, entretenida que se disfruta como pastilla de menta.

El neoyorquino Richard Donner estuvo desarrollando su propia narrativa audiovisual en la televisión, donde se convirtió en uno de los realizadores más destacados, por series como : "Cannon", "Kojak" y "Las Calles de San Francisco".
Su paso al cine taquillero, vino de la mano con : "La Profecía" ( "The Omen", 1976 ), donde reveló su mordiente para contar una historia de terror, con gran oficio y solvencia.
Después inauguró la segunda era de "Superhéroes" originados desde el comic, con su versión inolvidable de "Superman" ( 1978 ), que se recuerda entre otras cosas, por el millonario pequeño papel que interpretó Marlon Brandon como "Kar El", el padre del héroe; y las extraordinarias secuencias de vuelo, logradas con la magia de los efectos visuales de Stuart Freeborn.
Donner "rehuyó sabiamente la tentación de hacer una versión camp de la historia y confió en que los espectadores contemporáneos, supiesen aceptar las limitaciones propias de una fantasía como ésa y divertirse con las aventuras de un ser desprovisto de cualquier defecto o flaqueza humana".
La película fue un exitazo en las boleterías, convirtió al recordado Christopher Reeve en el adalid de la justicia y a Margot Kidder en la chica, por la cual, el superhéroe se desvive.
En entradas anteriores, analizamos la relación que existe entre el Comic y el Cine, por lo tanto, ahora sólo citaremos esta película "totem" que inauguró la fiebre que hay en el cine americano, respecto a estos personajes de tinta y papel.
Donner siguió en la huella fantástica, con su aventura "Lady Hawke : El Hechizo de Aquila" ( 1985), y nos devolvió al espíritu de las viejas leyendas de caballería con candor y espectacularidad.
Más tarde, insistió en el tema de los viajes por el tiempo, con desgano y esquematismo, en la irregular "Timeline" ( 2003), un paso en falso que por el momento ha marginado al director a trabajar exclusivamente para la televisión.

Terrores Siderales y Consumismo Hogareño.

El estupendo diseño para el monstruo de la saga "Alien".

Los estupendos escenarios de "Blade Runner" que hicieron escuela en el cine de anticipación.

En "Blade Runner", el actor Harrison Ford transformado en cazador de replicantes.

"El Cristal Encantado" / "El Cristal Oscuro" : la fantasía de los muñecos en una producción estilizada maravillosa y divertida.

"Krull" :inspirada fantasía que mezcla la aventura con la magia de otros tiempos. Por ahí están comenzando sus carreras Liam Neeson y Robbie Coltrane.

"Krull" : escapando del monstruo con la princesa cautiva.

"Mad Max" : western post-apocalíptico con Mel Gibson.

"Encuentros Cercanos del Tercer Tipo" : la visita de los extraterrestres en plan pacifista.

"E.T. el extraterrestre" : el clamor de un extraño por comunicarse con los suyos.

La aparición de "Alien, el Octavo Pasajero" ( "Alien", 1979 ), vino a reforzar la idea que "más allá de las galaxias" también podrían ocurrir situaciones de espanto y horror.
Esta simbiosis perfecta entre los dos géneros más populares , permitió al director inglés Ridley Scott efectuar "una nueva lectura" al clásico B, "It the Terror from Beyond Space", y propender erigir una nueva filosofía, donde el héroe terminara siendo una mujer.
En efecto, Sigourney Weaver se convirtió en las secuelas posteriores, en la máxima ícono del cine feminista, pues con el coraje de enfrentarse casi sola al "monstruo", superó los dividendos de la historia original, transformándose en toda una estrella, capaz de superar a los hombres en su arriesgada aventura espacial.

A los magníficos sets que recrean una enorme nave alienígena llena de huevos, se une el talento del diseñador H.R.Giger, que creó la figura de un engendro producido en lejanos confines del universo. Aunque sin duda, lo que hace la diferencia ostensible y convierte en atractiva esta historia de suspenso cósmico, fue la innovadora forma de presentar visualmente "esos confines" y la marcada tendencia a suplir el arrojo varonil por la gallardía femenina.
Scott volvería a innovar con su notable " Blade Runner" ( 1982), un nuevo cruce entre el thriller policial y la ciencia ficción, acentuada al máximo por unos maravillosos escenarios futuristas y un tono poético raro y específico, que habla sobre la Creación, Dios y la Fé.
Para muchos críticos, esta cinta fue el inicio de una nueva Era en el cine de anticipación, y aunque resulta chovinista remarcar sus atributos visuales, todavía hoy, resuena con gran vigor en las reposiciones, porque alcanza un equilibrio entre los géneros, que es formidable, difícil de superar, como lo han demostrado décadas después sus imitadores convulsos.
El británico Frank Richard Oznowicz, más conocido en el mundo artístico como Frank Oz, salido de las huestes de Jim Henson, dirigió la maravillosa aventura fantástica con muñecos : "El Cristal Encantado" / "El Cristal Oscuro" ( "The Dark Crystal", 1982), que lo acerca a los trabajos más detallistas de Jiri Trnka.
Su fuerza para narrar y convertir escenarios artificiales en verdaderos portentos de una aventura singular, lo llevaron al pináculo de la originalidad en tiempos que, la "stop motion" todavía seguía siendo considerada, un trabajo para artesanos de segundo orden.
Luego concentró su estilo algo irónico y mordaz, en la comedia terrorífica "La Pequeña Tiendita del Horror" ( "Little Shop pf Horrors", 1986), un "remake" al clásico "bomb" de Roger Corman, para volver al sendero de lo maravilloso con la estupenda y desvalorizada : "La Llave Mágica" ( "The Indian in the Cupboard", 1995), metáfora en favor de las razas aborígenes, que se construye desde la mirada infantil, cuando un niño convierte sus figuritas de juguete, en seres reales mediante el uso de una caja mágica.

Siguiendo los pasos de "Star Wars", apareció desde la legión británica : "Krull" ( 1983) de Peter Yates, denostada en su momento por los seguidores de la fantaciencia, y revalorizada con el tiempo.
Cruce entre relato de aventuras medieval y cinta fantástica, es una extraordinaria producción, que restablece el valor de la puesta en escena y la magia de los efectos especiales.
La historia del joven príncipe Colwyn ( Ken Marshall ), que encabeza una cruzada con un grupo de aventureros, para rescatar a su princesa cautiva ( Lysette Anthony ), en manos de una siniestra bestia; logra entusiasmar de veras, por la magnífica arrogancia de fantasear, reviviendo el espíritu de los viejos filmes de aventuras de caballería, brindándonos algunos de los pasajes más categóricos del género, como la viuda ( Francesa Annis ) que custodia la enorme telaraña de cristal o esa enorme fortaleza negra, donde habita la monstruosidad de turno.
Al exquisito paladar estético del director ( con unos escenarios realmente singulares ), se une la magnífica banda musical y el portentoso uso de los FX, tan vistosos como efectivos.
Es una gran película que recobra el espíritu de la matiné para pasar el rato, con la suspicacia de someter al espectador, a un relato concientemente maravilloso y entretenido.
Otra película que cambió el horizonte del cine fantástico, fue "Mad Max" ( 1979) del australiano George Miller, de la que se estrena una nueva versión este año.
Las desventuras de un policía de la carretera en un mundo post apocalíptico, vinieron a llenar el gusto por el cine de acción, vertiginoso e hiperquinético. Grandes dósis de adrenalina ( décadas antes de "Rápido & Furioso" ), violencia al rojo vivo, y un marcado acento en lo anárquico, vinieron a conferir una estatura universal al personaje interpretado por Mel Gibson.

"Encuentros Cercanos" : la visita esperada por los científicos.

La madre y el reencuentro con su hijo viajero espacial.

La criatura que comunica sus intenciones con señas manuales.

"E.T." : el otro viajero perdido en casa ajena.

En medio de esta batahola futurista, aterrizó Steven Spielberg con dos obras miméticas de su cine : "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo" ("Close Encounters of the Third Kind", 1977) y "E.T. el extraterrestre" ( "E.T., the extraterrestrial", 1982).
Cruzadas por su fé cristiana, inmersas en una mirada crítica de la vida familiar, y sobrellevadas con ahínco y buenas intenciones por una positivista manera de asumir la visita de extraterrestres, este díptico vino a poner de moda las películas alienígenas a escala infantil, y superar con creces los resultados en la taquilla.
Spielberg alecciona respecto a las relaciones conyugales, donde los niños aparecen como las víctimas de sus padres, y aunque no deviene en una utopía antropológica, logra demostrar el sentido único que tiene valerse así mismo.
Hay en las familias de "Encuentros Cercanos" y "E.T.", el reflejo de la sociedad de los setenta, esa clase media que brotó como esporas en los suburbios urbanos y que patentizó la comida rápida, la televisión en color, el culto al supermercado y el consumismo cotidiano de la vida moderna.

En los 80 y 90, el fetichismo al "Yo".

"Terminator" : Imponiendo su moda : los lentes, la chaqueta de cuero, la pistola y el peinado.

Scanners " : lucha entre telépatas con cabezas de explotan y cuerpos que se desintegran.

"La Mosca" ( 1986 ) : la transformación de hombre a bestia.

"Pesadilla" : Freddy Krueger iniciando la saga original más popular de su época.

"Puerta al Infierno" : seres demoníacos para otra variante del terror de gran guiñol.

La aparición de "Terminator" ( 1984) de James Cameron , con el inconfundible Arnold Schwarzenegger , vino a replantear por qué derroteros iría el cine futurista durante las siguientes décadas.
Ya no sólo aparecía atractivo el sentido de integrar un robot de otros mundos al espacio urbano, sino acentuar el lado individualista del héroe / antihéroe con la autosuficiencia de la tecnología desconocida.
Si "Mad Max" y "Escape de Nueva York" insistieron, en la virtud de tener un ícono fetichista proclive al machismo gay ( tan de moda en los setenta, con sus casacas de cuero negra, sus biceps culturistas y su acerbo yoyoísta ), "Terminator" restituyó el papel del humor irónico y las "muletillas" en diálogos siempre chispeantes y novedosos ( "Hasta la vista, baby" ). Además, restableció el papel de la mujer ( Linda Hamilton ) en la trama, y la mezcla de clichés y situaciones insólitas con mucha imaginación y talento.
No desmereció la seguidilla de películas dirigidas por el canadiense David Cronenberg, como las maestras "Scanners" ( 1980) sobre una lucha encubierta de poderosos telépatas ; "Videodrome" ( 1983) metáfora acerca del poder de la televisión y los medios de comunicación masivos; la remake" de "La Mosca" ( "The Fly", 1986), muy vistosa ( y viscosa ) en lo estético; la extraordinaria "Mortalmente parecidos" / "Inseparables" ( "Dead Ringers, 1988), con una modélica historia de amor y autodestrucción de dos hermanos gemelos, que ejercen la ginecología; la soporífera y licérgica "El almuerzo desnudo" ( "Naked Lunch", 1991) y la entusiasmante irrealidad de "Existenz" ( 1999), entre otras.
Cronenberg es un referente importante del cine de terror y ciencia ficción, y a su modo, el estilista más convulsivo de la última etapa.
El cultismo al "Yo" cobró nuevos "íconos" en los sombríos rincones del terror.
Con la aparición de Freddy Krueger ( Robert Englund ) en : "Pesadilla" / "Pesadilla en Elm Street" ( "A Nightmare on Elm Street", 1984) de Wes Craven, se vino a asentar el gusto por las secuelas "viscerales", donde la magia provenía de la propia irrealidad que cosecha el cine.
¿ Cuando vemos a Freddy atacando desde los sueños, lo que vemos está concebido en la temporalidad del relato o fuera de él ?
El gatillo que disparó al blanco del éxito, vino a sugerirnos hasta que punto, un monstruo puede ser un artículo fetichista de los fans. Con el rostro deformado por la hoguera, el sombrero a lo Bogart, la chaleca a rayas y el pantalón derruído por el tiempo, además de unas manos metálicas que terminan en afilados cuchillos, Freddy Krueger se transformó en el ícono por excelencia del género del miedo. Tenía una personalidad viciosa, que resultaba aterradoramente encantadora, porque usaba el humor y su personalidad yoyoísta para cometer asesinatos en serie. Ni Jason Vorhees, ni el "cara de cuero", lograron desplazarlo del pináculo de la popularidad, y lo que parecía un presagio ( "nunca segundas partes fueron buenas ), se convirtió en una virtud, pues las secuelas sí fueron mejores que la cinta original, intensificando el subjetivismo del espacio y superando sus propios delirios homicidas con notables efectos especiales.
Por una senda parecida pero más visceral, fue el escritor y director Clive Baker, con : "Puerta al Infierno" ( "Hellraiser",1987 ).
Basada en la novela Cabal de su propia autoría, es una cinta inusual dentro del contexto de la paranoia de monstruos y seres deleznables, que proliferó en el cine de esa época.

El tema del sadomasoquismo y la irritación sicológica, alcanza parangones increíbles, con el debut del director David Cronenberg como actor, encarnando a un siquiatra con apetitos sicópatas y el único que es capaz de despertar a esos seres pedasillescos verdaderamente horripilantes. La cinta favorita de los cultistas del género, tendría una larga vida en sagas posteriores, cada vez más oscuras y demenciales.

De vuelta al futuro.

"Volver al Futuro" / "Regreso al Futuro" : revolvió la historia siguiendo los esquemas creativos de H.G.Wells.

"El Vengador del Futuro" : recapituló la idea de un proyecto lunar mesíanico.

"Brazil" : el onirismo Orwelliano en una satírica versión a lo Monthy Python.

"Jurassic Park" : el terror de juntar dos eras antagónicas con los saurios versus la Humanidad.

"Inteligencia Artificial" : el niño robot que busca el amor por sobretoda las cosas.

"Inteligencia artificial" : la precisión de unos decorados inspirados en la ideas de Kubrick.

Si "Volver al Futuro" / "Regreso al Futuro" ( "Back to the Future", 1985) de Robert Zemeckis, fue renovar la temática de "La Máquina del Tiempo" de H.G.Wells, con la estética posmodernista de los rockeros tiempos del siglo pasado; y "Día de la Independencia" (1996 ) de Roland Emmerich, la transformación de las consabidas invasiones alienígenas a la altura de los nuevos tiempos; entonces "El Vengador del Futuro" ( "Total Recall", 1990) de John McTiernan, fue la constatación de un universo bilateral, que nada tenía que ver con el tiempo, aunque si con los márgenes del superdesarrollo industrial y el consumismo exacerbado, una especie de nueva "Metrópolis" al amparo de los escenarios de cartón piedra y los efectos visuales en boga.
En todo este panorama , "Brazil" ( 1985) de Terry Gilliam, vino a reflotar toda la imaginería de "1984" de George Orwell ( que también se hizo película ), sin desconocer su sentido plástico, el absurdo como elemento dramático y la elocuente decoración que alcanza cotas superiores, sólo repetibles, más tarde, en "Las Aventuras del Barón Munchausen" ( 1988) dirigida también por Gilliam.
Pero fue "Parque Jurásico" ( "Jurassic Park", 1993), el paroxismo de la época.
Con el buen olfato que tiene el productor y director Steven Spielberg, se reflotó el espíritu de las producciones clásicas de dinosaurios de Ray Harryhausen, para entregarnos un producto modélico. Tanto si se piensa en la película, como una "monster movie", una cinta catastrofista, o una aventura fantástica.
En cualquier modo, el trabajo de los diseñadores y expertos en FX, llega a su cenit con el aporte de Stan Winston, el mago que dió vida al tiranosauro Rex.
Magnífico cine-espectáculo, es difícil rebatir en pantalla grande, la impresión que provoca la primera vez, ver a los brontosauros pastar en la frondosidad de los árboles, o desentenderse de ese primer gran ataque del Tiranosaurio con el sheep volcado, los niños dentro y el tipo sentado en el WC, desalojando el terror del primer encuentro. Yo la recuerdo con nostalgia, porque la dimos en el cine universitario y hubo niños que, simplemente lloraban de la impresión cuando el saurio engulle a su primera presa humana.
Spielberg vuelve a transformar el sueño en realidad. O en este caso, la pesadilla de la amenaza prehistórica en el detonante de una gran historia basada en la novela de Michael Crichton.
Absoluto maestro en sus dominios, el director insistirá en el género con : "Inteligencia Artificial" ( "AI", 2001), una revisitación al cuento "Pinocho" de Collodi en clave futurista, beneficiada de la extraordinaria actuación del prodigio Haley Joel Osment y "Sentencia Previa" ("Minority Report", 2002), lograda cinta de acción policial, ambientada en un futuro no lejano, con la practicidad de un Tom Cruise en plena forma.
Nunca Spielberg ha estado más a sus anchas, que en estos dípticos como narrador, esteta y creador de fantasías supremo.
Quizás, no detente la nostalgia por su pasado infantil a lo "E.T." o el subjetivismo anacrónico de "Jurassic Park", pero amortigua sus excesos estilísticos con notable seguridad y aplomo.

Estilizados transgresores.

"El Joven Manos de Tijeras" : nacer raro, marginal y sin manos para amar...

...pero sí para crear en el hielo o en el césped, obras maestras.

"La leyenda del jinete sin cabeza" : los protagonistas luchando contra...

...la maldición del decapitado que aterroriza el lugar.

"Marcianos al Ataque" . el juego de la invasión con Jack Nicholson apunto de ser achicharrado.

"Alicia en el país de las maravillas" : la relectura adolescente al clásico de Lewis Carroll.

En "Alicia..." la maravilla de los FX en decorados elaborados digitalmente.

El nombre de Tim Burton, consolidará a su modo, una nueva propuesta plástica novedosa y original para el cine de géneros.
Desde "El Joven manos de Tijeras" ( "Edward Sciccorhands", 1990), hasta la colosal cinta de terror, que homenajea la estética de la "Hammer" en : "La leyenda del Jinete sin cabeza" ( "Sleepy Hollow", 1999), Burton se encargará de poner a resguardo los mejores prospectos del relato fantástico.
Al encanto surrealista de "Beetleejuice" ( 1988 ) y la modélica simbiosis entre filme de "sci fi" clase B, con estética de revista de moda "sixteen", en : "Marcianos al Ataque" ( "Mars Attack !, 1996); Burton agregará en los albores del nuevo milenio, su propia versión de "El Planeta de los Simios" ( "Planet of Apes", 2001 ), el encantador cuento revisitado por segunda vez de "Charlie & la Fábrica de Chocolates" ( "Charlie and the Chocolate Factory", 2005 ), la magnífica historia de "El Gran Pez" ( "Big Fish", 2003), que es el canto del cisne de los cuentos modernos, y la reinterpretación de "Alicia en el País de las Maravillas" ( "Alice in Wonderland", 2010), con una protagonista adolescente, enfrentada a su voluntariosa manera de olvidar el pasado infantil, para reintegrarlo al confrontar la imposición adulta.

"El Protegido" : el juego del gato y el ratón entre adultos cazurreros.

"Señales" : el padre, los hijos, la reconversión de la fé y la invasión alienígena.

"La dama del agua" : la sensualidad de una sirena varada en tierra firme.

El realizador indio-americano M.Night Shyamalan, alcanza interesantes momentos con una filmografía novedosa, original, refrescante, que bebe tanto de los clásicos de Hitchcock, como de las películas fantásticas de serie B de otros tiempos.
"El Protegido" ( "Unbreakable",2000); remitiendo a los superhéroes del comic en clave dramática, construye un relato sorprendente, con su ya característico estilo de "dar vuelta la tuerca" a último minuto, con esos giros narrativos rocambolescos antes del desenlace.
"Señales" ( "Signs", 2002), acerca de una presumible invasión alienígena y las alteraciones que provoca en una familia rural, somete el material más puro de la reconversión de la fé de un Mel Gibson inolvidable, a los desesperados esfuerzos de supervivencia de su familia, que integran unos extraordinarios Joaquin Phoenix, Rory Culkin y Abigail Breslin.
"La dama del agua" ( "Lady in the water", 2006), retomando el cuento de las sirenas varadas en tierra firme, efectúa un análisis al comportamiento de un puñado de personajes, aprisionado en sus propios departamentos.
"El Fin de los Tiempos" ( "The Happening", 2008 ), con una amenaza natural que puede ser catastrófica y mortal, repite la idea de la supervivencia en exteriores, tan amenazantes como el encierro hogareño.
En cualquiera de sus formas, Shyamalan debe ser tomado en serio como otro autor importante del género fantástico, que con una economía de recursos ejemplar , logra delinear conflictos, dimensionar personajes y crear grandes atmósferas de suspenso.

"Darkman" : el reciclaje de "El Fantasma de la Opera" en clave científica.

"Matrix" : la nueva era digital en su apogeo cibernético.

Por otra parte, desde el cine independiente Sam Raimi logró acomodar dos sagas que hicieron las delicias del público fanático de excesos terroríficos.
Por una parte "The Evil Dead" ( 1981), que se burlaba de los clichés y lugares comunes del género y , por otro, la lúcida saga de "Darkman" ( 1990), la reproducción a escala de western urbano, de los temores más sanguinarios que ha dado el cine en el apartado de los "mad doctors".
No es extraño que el director ítalo americano, se hiciera cargo más adelante de la resurrección de "Spiderman".
Estilo personal, como narrador y esteta, capaz de reconstituír las claves del género, es un referente obligado del avance que ha tenido el gusto por el miedo entre los espectadores.
El viaje fantástico del cine del siglo XX, culminará con los hermanos Andy y Larry Wachowski y su : "Matrix" ( The Matrix", 1999), una simbiosis perfecta entre la violencia soterrada a lo Sam Peckinpah ( en ralenti y a quemarropa ), el comic "dark" para adultos, las coreografías de las artes marciales, la moda trash, y "el escepticismo cartesiano sobre la verdadera naturaleza de la realidad", que impuso un nuevo peldaño en el desarrollo del género.
Morfeo, Neo y Trinity, asumieron la mezcla de opciones, en virtud de los avances de la informática y al subjetivizarle al público, la existencia de una realidad dominada por las máquinas.
Historia desarrollada con inteligencia, que no logró superarse en las dos secuelas posteriores, vino a implantar un nuevo concepto sobre la realidad virtual que trasciende su época.

El aporte hispanoamericano.

"El Espinazo del diablo" : la guerra, la bomba, los fantasmas, los niños y los residentes.

"El laberinto del fauno": el bebé, la niña, el soldado, la chica, el mito.

"El día de la bestia" : la noche, la altura, la sangre, el monstruo, la muerte.

La incursión del cine chileno por el terror sangriento.

"Sangre Eterna" : los vampiros que pululan por la metrópolis.

Desde otra perspectiva, el mexicano Guillermo del Toro, se convertirá en el más importante y destacado director, productor y guionista hispanoamericano, que cruce a Hollywood en Estados Unidos, España y Nueva Zelandia, para solventar sus buenos quehaceres profesionales.
Desde la primigenia "Cronos" ( 1993), pasando por "Mimic" ( 2007), "El Espinazo del diablo" ( 2001) y "El laberinto del fauno" ( 2006), a sus labores de productor en : "El Orfanato" ( 2007), "Mamá" ( 2013) y "El Hobbit" ( 2012-14), el cineasta se ha transformado en el nuevo "Rey Midas" del género.
No sólo se trata de un magnífico innovador temático, sino de un gran propulsor de realizadores jóvenes, que buscan el apoyo para mantener a salvo, la vertiente creativa que el cine actual necesita para su supervivencia en el tiempo.
A escala española, Alex de la Iglesia impondrá su rúbrica con olfato comercial, talento y una innovadora manera de encarar la puesta en escena, en sus películas de terror y suspenso, que son magníficas recomposiciones visuales, alusivas a los clásicos del cine "gore", "freak" o fantasmal.
Indisoluble maestro del horror, logra un estilo singular en películas como : "Acción Mutante" ( 1993), "El día de la bestia" ( 1995), "La Comunidad" ( 2000) y "Balada Triste de Trompeta" ( 2010).
Exégeta del cine atípico, se mueve con verdadera energía holística, en las bondades del cine independiente, acumulando un espíritu transgresor que lo restituye como adalid de cineastas nóveles y productor de temáticas novedosas, fuertes, y atrevidas.
También en España iniciará su carrera , Alejandro Amenábar, chileno radicado en la Madre Patria, que hurgará con notable originalidad, en los terrenos del cine de terror con "Tesis" y "Los Otros".
Películas perfectas en sus fines sensoriales, adecúan una estética maravillosa en el uso de la arquitectura, los espacios cerrados y la fotografía de contrastes.
Como señaló el crítico chileno Francisco Pérez en su momento : "Los Otros es un filme pesadillesco y estético en iguales proporciones. Más notable aún es el hecho que Alejandro Amenábar no haya incursionado en efectos especiales o maniobras digitales extrovertidas para alcanzar su cuota de espanto. El miedo no nace para un monstruo reservado para el último cuarto de hora, sino de un desplazamiento puntilloso y constante sobre el delgado hielo de lo sobrenatural".
A escala local, el nombre del joven cineasta chileno Jorge Olguín, constituye una "anomalía" en el panorama de la producción nacional.
No sólo porque se especializó en cintas B de terror y fantasía, sino porque adujo desde la perspectiva de la narración "dark", el inicio de una nueva era temática, que abrió la vertiente para nuevos valores y conceptos de estilo, ajenos a lo que se venía haciendo desde hace décadas en el panorama interno.

"Angel Negro" se beneficia de la excelente fotografía y el control de la tensión en espacios cerrados.
"Sangre Eterna" de lo gótico y vampírico, dentro de un juego lúdico que tiene a Santiago nocturno como su principal referente ambiental.

"El Caleuche" significa un giro dentro de los márgenes del fantástico, pues adapta los conceptos básicos de una leyenda tradicional de apariciones fantasmales.
La película se estrena este año por estos lados del mundo, y seguramente, volverá a poner en los primeros planos de los diarios y revistas, la imagen original de un realizador, que tiene energía, talento y un calculado oficio, para expurgar las maldiciones de la sociedad contemporánea.

Reciclaje y Fotocopias.

"Drácula"( 1992) : amor, tragedia, sexo, un maravilloso barroquismo.

"Frankenstein"( 1994) : Robert de Niro desfigurado interpreta al monstruo.

"El Hombre lobo"( 2010) : gracias a la avance de los FX ahora también escala alturas y se convierte con absoluto realismo.

"El Aullido" : la variante sexual es el detonante del conflicto, en esta novedosa reversión sobre licantropía.

"Cocoon" : el "voyeur" que es descubierto por el extraterrestre.

"Gremlins" : tiernas criaturas que al mojarse se convierten en horripilantes monstruitos.

Una de las tendencias más constantes del cine de las últimas décadas, ha sido la reproducción de éxitos antiguos. No faltan tampoco las reversiones a los monstruos clásicos de la Universal y a las características simbiosis entre íconos recientes del horror fantástico, como "Aliens vs, Depredador" y "Freddy vs.Jason".
A las "remakes" de "La Mosca", "Nosferatu", "La Marca de la Pantera", "El Enigma de otro mundo", "El pueblo de los malditos", "La Tiendita del horror", "Las Brujas de Salem", "Halloween", "El Amanecer de los Muertos" y "Psicosis", se unieron las revisitaciones de "Drácula" (1992), con una interesante variante romántica y gótica de Francis Ford Coppola; "Frankenstein" (1994 ) que incorporaba a Kenneth Branagh como actor y director, luchando con su monstruosa creatura entre los hielos, un convenientemente deformado Robert de Niro ; "Entrevista con el vampiro" (1994) de Neil Jordan, en una recomposición valiosa y extraña del legendario cuento de Nosferatu; y "El Hombre lobo" ( 2010), la efectista y remozada versión al mito de la licantropía, que se beneficiaba de la magnífica actuación de Benicio del Toro.
El tema de las reconversiones de hombre a bestia fue el "leit motiv" de : "El Aullido" ("The Howling", 1981) de Joe Dante, impregnada de una sensualidad avasalladora; "Un lobo americano en Londres" ( "An American WereWolf in London", 1981) de John Landis, esperpéntica suposición licantrópica beneficiada de unos notables efectos de mutación del actor David Naughton; "Un lobo quinceañero" ( "Teen Wolf", 1985) de Ron Daniel, la divertida pero intrascendente historia de un joven hombre lobo ( Michael J.Fox ) en el "high school"; "Lobo" ( 1994) de Mike Nichols, con Jack Nicholson y Michelle Pfeiffer que amortiguan una historia compleja de amores controvertidos y luchas de poder.
Cabe recordar, el extraordinario diseño de producción y vestuario, que tuvo :"La Célula"/ "La Celda" ( "The Cell", 2000), una novedosa historia surrealista, muy estética y terrorífica dirigida por el solvente Tarsen Singh.
Tampoco faltaron los anacronismos basados en el "pulp magazine" de magnífica cinefilia como : "Planet Terror" ( 2007) de Robert Rodríguez; o la intensa historia de "Cloverfield" ( 2008) de Matt Reeves.
En otro sentido, la amenaza de los hombres muertos explotó con alocada excentricidad en : "Zombieland" ( 2009) de Ruben Fleischer y de manera más ternurista y familiar en "The Hole" ( 2009) de Joe Dante.
Y el "psichokiller" de miedos soterrados, tuvo su variante más lúcida y efectiva en : "El Cisne Negro" ( "The black swan", 2010) de Darren Aronofsky, con el mejor papel que ha tenido hasta ahora Natalie Portman, como desquiciada bailarina de ballet del "Metropolitan" de Nueva York.

Por otro lado, existe una innumerable serie de películas de terror y fantasía, que han magnificado la producción con jugosas sagas, entre las que podemos citar : "Gremlins", "Chucky", "La Historia sin fin", "Cocoon", "Critters", "Creepshow", "Robocop", "Tron", "Hombres de Negro", "El Vengador Tóxico", "El Juego del Miedo", "Scream", "Resident Evil", "Sé lo que hicieron el verano pasado", y que vinieron a constatar la febril actividad que tienen realizadores como : Wes Craven, Tobe Hopper, Frank Oz, Wolfgang Petersen, Ron Howard, Stephen Herek, George Romero, Barry Sonenfeld, Sean S.Cunningham, Joe Dante, John Lafia, Ronni Yu, Jim Gillespie y Mick Garris, entre otros.
Además, productoras independientes como "New Line Cinema" ,"Troma INC" y "Cinemarque Entertainment", lograron transformarse en las catedrales del insistente poder productivo del cine gore, y a su manera, permitieron alcanzar cotas territoriales de mayor amplitud, pese a que después fueron absorbidas por empresas trasnacionales.

Aire Oriental.

En "Ringú" el fantasma se arrastra desde la televisión.

El ojo maldito característico de la saga de "Ringú".

"El Grito" : el espíritu infantil se escabulle y asusta.

"Audition" : el sadomasoquismo alcanza parangones inauditos.

"Dos hermanas" : la familia, la sangre y la muerte.

"The Host" . la contaminación del río, el monstruo y la niña cautiva.

El cine japonés irrumpió con fuerza desde la taquillera "Ringú"( 1998) de Hideo Nakata, que después fue cedida a los Estados Unidos para una "remake" conocida por estos lados como : "El Aro" ( "The Ring", 2002 ) de Gore Verbinski.
La manera de encarar el terror desde su propia cultura , con una estética renovada y unos relatos que nacen en la vida cotidiana, para desencajar el equilibrio de la propia naturaleza, trajo una oleada de títulos hasta hoy, muy singulares.
"El Grito" ( "The Grudge", 2001 ) de Takashi Shimizu, puso a contracorriente los relatos hogareños, con un sentido plástico y corporal de los fantasmas que viven en casa, realmente escalofriante.
Toda esa extraordinaria capacidad de sugerir con economía de medios, vino a superar cotas de conformismo, como en la claustrofóbica "One Kissed Call" ( 2003) de Takashi Miike, con espíritus nauseabundos que ocupan las redes telefónicas para asentar su juego de muerte. Miike es un maestro del "gore" estilizado y bien nutrido intelectualmente, que tiene a su haber una obra maestra absoluta con : "Audition" ( 1999), especie de "El Inquilino" en clave sangrienta, ya que la mayoría del relato, ocurre en un departamento con unos límites del sufrimiento humano castradores y serviles a una trama intensa e impactante.
Igual de endiablados son los relatos nipones de : "Premonition" ( 2004) de Norio Tsuruta, "Retribution" ( 2006) de Kiyoshi Kurosawa, "Infection" ( 2009) de Masayuki Ochiai , "Coldfish" ( 2010) de Shion Sono y "Agua Turbia" ( Dark Water, 2002 ) de Hideo Nakata.
Todos a su manera recomponiendo el panorama del terror urbano, atractivo y gore.

De Asia y principalmente de Hong Kong, Corea del Sur, Taiwan y Singapur son las propuestas fílmicas que masifican el gusto por el cine de horror exótico.
Títulos como : "The Host" ( 2006) de Joo-Ho Bong, con un monstruo licuoso que se mueve de día con gran rapidez; "The Maid" ( 2005) de Kelvin Hong, con los reparos fantasmales que vienen al caso; "Voices" ( 2007) de Ki-Whan Oh en la mirada de los espectros polifacéticos; "El Ojo" ( The Eye, 2002 ) de Oxide y Danny Pang, un metafórico ataque a la dualidad del voyerista cinéfilo hecho con inteligencia y olfato mercantil; y "A Tale of Two Sisters" / "Dos hermanas" ( 2003) de Jee-Woon Kim, acerca de las maldiciones familiares de rigor, se nos presenta una variedad de historias, que a los ojos occidentales nos parecen realmente novedosas, originales y diferentes.

Otros soplos europeos.

"Creatura de la noche" / "Déjame entrar" : el vampirismo en una inteligente variante del cine sueco.

"Anticristo" : la variante dramática y terrorífica de Lars Von Trier.

"Taxidermia " : el cuerpo, el culto, la ciencia, la muerte.

"REC" : el ataque de los zombies contra la humanidad, en un punto de arranque sin retorno.

"Exterminio" : el apocalipsis de una plaga masiva.

"Pacto de lobos" : estilizada historia que entrezcla géneros y temáticas.

Todos los países europeos que producen cine, han tratado de introducirse en la vasta predilección que tienen los directores americanos por el terror.
En los últimos años ha sido significativo el éxito de películas como : "Déjame Entrar" / "Criatura de la Noche" ( "Lat Den Rätte Komain", 2008) del sueco Tomas Alfredson, una obra maestra en su estilo, al dimensionar el mundo vampírico en la etapa adolescente, utilizando el ambiente realista de un Estocolmo de los años setenta, dilapidado por una ola de asesinatos en masa.
A esta altura, el danés Lars Von Trier incorporó en "Anticristo" ( "Antichrist", 2009) la mirada apocalíptica premonitoria de ciertas religiones cristianas.
"Taxidermia" ( 2006) del húngaro Gyorgy Pálfi, "Sílení" ( 2005) del checo Jan Svankmajer y "Calvaire" ( 2004) del belga Fabrice Du Weltz, significaron serios aportes a la amplitud de temáticas abordables por un género inagotable.
La cinta B española "REC" ( 2007) de Jaume Balagueró y Paco Plaza, convirtió la pandemia de la inmortalidad, en una claustrofóbica aventura, que tuvo secuelas tan esquizoides y sangrientas como su historia original.
En la medida de lo posible, el británico Danny Boyle expresó la amenaza conciente de la muerte masiva en : "Exterminio" ( "28 Days Later" ), sacándole buenos lustros a la sugerencia totalitaria, con un sentido del suspenso efectivo y efectista.
Exquisita en lo estético la cinta : "Pacto de Lobos" ( "Le Pacte des Loupes", 2002) del francés Christopher Gans, es una variante al tema de la licantropía.
Combinación pretenciosa de melodrama de época con película de artes marciales, aventura fantástica en paisajes surrealistas con la sensibilidad del new age, es una gozada visual que logra hacer creíble una leyenda de 1765, durante el reinado de Luis XIV.
Vincent Cassell y Monica Belucci se lucen en el reparto, con la complicidad del voyerista adulador, aunque lo verdaderamente importante es el equilibrio que logra entre la mística del cuento y la parafernalia del relato de acción.
Desbordante para un estilo barroco de composición, le saca partido a las escenas de terror y acción, con la agilidad de un frenético narrador embuído en el lucimiento de su pieza maestra.

Con miras al siglo XXI.

En la saga de "Harry Potter" se pasa de la inocencia infantil a las tribulaciones de la adolescencia.

En "Harry Potter" la maldad tiene el rostro humano de una serpiente.

En "El Señor de los Anillos" la maldad es un gran ojo escrutador, capaz de invadir los sueños y la conciencia.

"Avatar" : la tecnología de efectos visuales que compone un universo lejano con absoluto realismo.

La saga de "Crepúsculo", que ha barrido en las taquillas con una historia romántica inusual especialmente dirigida a las adolescentes.

"Guardianes de la noche" . la inocencia infantil del hijo presumiblemente abortado, que tenta el lado oscuro.

"Jeepers Creepers" : un monstruo alienígena que esculturaliza sus presas humanas.

Dos películas marcaron el inicio de la nueva centuria en el terreno fantástico : la saga de "Harry Potter" sobre los libros de J.K.Rowling y la trilogía de "El Señor de los Anillos" basada en las novelas de J.R.R.Tolkien.
Ambas a su modo, tributaron a los espectadores un cúmulo de referencias estéticas, caracterizadas por lo "dark", lo maravilloso como concepto mágico, y lo febril, como muestra de una infinita capacidad para imaginarse mundos lejanos, con la virtud de los efectos especiales de última generación.
"Avatar" ( 2009) de James Cameron, vino a demostrar que, no hay límites para el cine informático. Su propuesta válida, puso en serio peligro el papel de los actores de carne y hueso, pero arrojó a su favor, la invaluable capacidad de concebir mundos lejanos.
De esta forma, nada parece imposible en los años venideros del cine. Como lo demuestran las últimas películas más taquilleras del género.
A los refritos del terror y el romance juvenil de la saga de : "Crepúsculo", "Eclipse" y "Amanecer"; las violentas y anárquicas acciones de un Montecristo moderno en "V de Venganza", el vértigo y la acción trepidante de "Inframundo", el cuento "slasher" ejecutado con humor y irreverencia de : "Noche diabólica", la metáfora apocalíptica con seres extraterrestres que sólo se llevan del planeta Tierra a los niños elegidos por ellos con anterioridad en : "Cuenta Regresiva", se unen los descréditos de "Las Crónicas de Narnia" y "La Brújula Dorada", que no alcanzaron a superar el interés de sus gozosos planteamientos iniciales. Y los cuentos alternativos sobre viejas leyendas como : "Hansel & Gretel", "La Cenicienta", "Abraham Lincoln", "Caperucita Roja" y un largo etc.
Tampoco debemos olvidar el novedoso díptico ruso de "Guardianes de la noche" ( 2004) y "Guardianes del día" ( 2006), del director ruso Timur Bekmambetov, que trae a la época actual los conflictos entre brujas, vampiros y mutantes, con la suspicacia de una estética arrolladora, un concepto de la novedad realmente plausible.
Como señaló en su momento el crítico bonaerense Andrés Moretti : "Bekmambetov le aportó cafeína a la película, no sólo con persecuciones alocadas , acrobacias escalofriantes, explosiones poderosas y criaturas de otros mundos, sino también con una mezcla muy particular de humor furtivo, rica filosofía y la profunda percepción humana que ha caracterizado a la literatura rusa".
En todo caso en la actualidad, han rebrotado en los filmes de terror, los personajes icónicos como en la saga de "Jeepers Creepers" ( 2001 ) de Victor Salva, producida por Francis Ford Coppola.
Autor de "La naturaleza de la bestia" y la excelente "Powder", Salva logra encausar una historia que tiene todo lo necesario para atraer a las taquillas jóvenes.
Es una narración escalofriante con instantes patéticos, que revaloriza el "tempo" narrativo sin ripios y mantiene la tensión con un apego a las virtudes de un guión bien elaborado y a un personaje monstruoso, que nos recuerda que Freddy Krueger, no es la única bestia que amenaza la humanidad.

"Mamá" : el exitazo taquillero de terror de este año.

Escenarios de cuento de hadas trae "Oz, el poderoso".

"Titanes del Pacífico" : Guillermo del Toro se recrea en el fantástico con amplitud de medios técnicos y humanos.

Nicholas Houlth en "Jack, The Giant Slayer".

Así y todo, el cine sigue dándonos precuelas, secuelas, continuaciones o "remakes" de películas vistas.
Este reciclaje que han tenido los filmes de anticipación, también demuestra que, la originalidad se pierde por momentos en las beaterías del consumo.
Sin embargo, como demuestra la cartelera de este año, el cine fantástico y terrorífico sigue siendo el favorito del público.
"Mamá" ( "Mama", 2013 ) de Andrés Muschietti, supera con creces la taquilla de estas semanas en Estados Unidos.
La historia de dos niños perdidos en un bosque, que sobrevivieron ayudados por una monstruosa y fantasmal creatura, supone que el terror está más vivo que nunca.
"Oz, el poderoso" ( "Oz, the Great Wonderful", 2012)de Sam Raimi , viene a licuar la magia musical del gran clásico MGM, para devolvernos a la majestuosa relación onírica que hay entre el mundo real y el imaginario.
"Titanes del Pacífico" ( "Pacific Rim", 2013) de Guillermo del Toro, apuesta por los encendidos fuegos de las monster-movies, a escala gigantesca, algo que hizo muy parecido el año pasado, "Batalla Naval" con extraterrestres varados en la Tierra y listos para conquistar el planeta.
"Oblivion"( 2013) de Joseph Kosinski, vuelve sobre la temática del cumplimiento del deber, al contar la historia de un veterano soldado de un mundo distante, instado a destruír a una raza alienígena.
"U.F.O." ( 2012) de Dominic Burns, recobra el interés por las cintas de extraterrestres invasores.
"El Hobbit"( 2012) de Peter Jackson y secuelas, reflota el mágico mundo de Tierra Media con un Frodo maduro e indulgente.
"Jack, the Giant Slayer" ( 2013 ) de Bryan Singer, aviva sus fuegos en la hoguera de la leyenda de "Jack y las habichuelas mágicas", pero superando los límites del viaje al mundo de los gigantes, ya que incorpora una invasión sorprendente e insólita al mundo terrenal.
Además, reviven "Frankenstein", "Carrie" y los espíritus de casas embrujadas diversas.
O sea, tendremos lumbre para todo el camino fílmico de este año. En hora buena.

Fotos - Gentileza : Warner- 20th.Century Fox - Universal Pictures- New Line Cinema- Troma INC - The New York Times - The Guardian- Horror Movies Collection - Cine serie B - Fangoria - FilmFax - United Artist - Lucas Films - Dreamworks - Stan Winston School of Characters Arts- Archivo Lobby Cards -