Séptimo 7 sello: Mitomanía de Grandes Actores y Actrices :

Astros y Estrellas de la Pantalla Grande.

Tres grandes mitos del cine americano : Marilyn Monroe, Lauren Bacall y Betty Grable.

La Mitomanía es un culto a la imagen del actor y de la actriz, una especie de coleccionismo que se perpetúa en la imagen fotográfica y se traslada al cine como referente de modas, estilos y códigos establecidos de belleza y postura. Culto que han tomado gran significación en las últimas décadas, por que, a partir de un rostro de un intérprete, se comercializa una película.
Por eso, no es extraño que la industria del cine, en sus afiches promocionales "venda" la obra, considerando la imagen de una estrella.
Casi siempre, es rutina comprobar en las salas de exhibición, esos maravillosos diseños gráficos que condicionan la aptitud del espectador, para sacar un "ticket" y ver la película. Pero no es todo.
En los tiempos del "star system" en Hollywood, donde todos estos parámetros se pusieron en marcha, existía un riguroso control de la "estética" de la imagen de los astros y estrellas del firmamento fílmico.
Desde luego, no podían descuidar su físico, y en este sentido, eran rigurosas las clases de natación, atletismo y gimnasia; y las dietas alimenticias para mantener, peso y figura.
Además, existían toda clase de adicionamientos que mejoraban el "look", para hacerlo "admirable" en la concepción que se tenía de la belleza griega. Vestuario, cosméticos, peinados, iluminación y un sentido etéreo, espiritual, sensual o carnal , según el caso, esquematizaron las imágenes de Greta Garbo, Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, James Dean, Gary Cooper, John Wayne, Marlon Brando y un largo etc.

Jóvenes Actores Inmortales : Natalie Wood y James Dean en el rodaje de "Rebelde sin Causa".

Hubo fotógrafos expertos en sacarle todo el "glamour", el "ángel" o "el halo misterioso" a los rostros de los actores en boga, originando la mitomanía, que se tradujo en la fascinación admirativa, por los "bonitos" rostros y cuerpos de muchas de las estrellas de la industria.
Ellas : Rubias, morenas, trigueñas o colorinas; tradicionales, modernas o rupturistas; amazonas, sensuales o sexuales, según las exigencias de sus arquetipos, vinieron a abastecer las publicaciones periódicas de revistas, magazines, folletos, catálogos , afiches y "lobby cards".
Ellos : Altos, bajos o medianos; atléticos, joviales o vigorozos; efebos, maduros o esbeltos actores, que supusieron la réplica perfecta entre los varones al ideal de hermosura"dorada" de la meca del cine.
Ambas divisiones de actrices y actores, disputándose el privilegio de posar para Clarence Sinclair Bull, George Hurrell o Edward Steichen , que se especializaron en las fotografías de estudio, "en la still pose que los departamentos de publicidad de las grandes productoras enviaban a la prensa de todo el mundo, como promoción de sus películas pero también de las estrellas".
Estas condicionantes, vinieron a establecer las normas por las que se mueve todavía la industria mundial. En general, el cine para incentivar al espectador a las salas, se vale subrepticiamente de estos recursos propios del "marketing" audiovisual. Son parte de las exigencias del "showbusiness".

Clarence Sinclair Bull componiendo una de sus célebres fotos con el dúo de opereta Jeanette McDonald y Nelson Eddy.

En esta nueva entrada, recopilaremos nombres de las actrices y actores que han marcado una época.
Como toda selección , ésta es subjetiva y priman los gustos personales, aunque hemos intentado suponer que, todos estos rostros ( o la mayoría ) son fieles representantes de esta tendencia mítica, de fascinar e incentivar a conocer sus trabajos en la gran pantalla.
Un galería de fotografías para coleccionistas, agregan atractivo a la lectura, que sólo pretende revivir las obras más importantes de cada figura.
Para otra ocasión, dejaremos a los rostros más destacados del Cine Europeo. También el fenómeno de la mitomanía, involucra otros continentes.
Por ahora, nos remitiremos a resaltar, aquellas figuras que hicieron carrera y fortuna en Hollywood. Como una forma de recordarles, asumiendo que, con su imagen, ellos y ellas también brillaron con denodada fuerza en el cielo del Olimpo Cinematográfico.

Grandes Mitos :

Greta Garbo :
La Misteriosa Divina Dama.

Rostro perfecto con un simetría celestial, la sueca que no fue rubia, pero sí una encendida amazona del cine, fustigó las malas lenguas, con una parsimonía que en escena, engrandecía a personajes históricos como : "Mata Hari" ( "Mata Hari", 1931 ) y "Cristina de Suecia"( "Queen Christina", 1933 ), y sensibilizaba a los clásicos de la literatura como : "Anna Karenina" ( "Anna Karenina", 1935 ) y "La Dama de las Camelias" ( "Camille", 1936 ).
Greta Lovissa Gusstafsson, nacida en Estocolmo, en un modesto hogar de un jornalero y una costurera, a los catorce años, tuvo que trabajar en un pub para sobrevivir, tras la muerte de su padre.
Modelando sombreros filmó publicidad. Allí comenzó todo. Corre 1920, y representaba más de quince años. Cuando la requieren para una comedia abandonó, sin dudarlo, el cargo de dependienta, por los sets cinematográficos. Por un sueldo miserable, apareció en "Pedro, el vagabundo" ("Lutffar Petter", 1922 ), un filme al estilo Mack Sennett, con chicas en traje de baño y argumento insulso. Este trabajo insignificante, le sirvió para ingresar en la Real Academia de Arte Dramático, poco antes de cumplir los 17 años.
Requerida después por el director Mauritz Stiller para "Gösta Berlings Saga" ( 1923 ), se convirtió en su protegida y en una estrella.
Después de rodar en Berlín, "Bajo la máscara del placer" ( "Die freulose gasse", 1925 ) de G.W.Pabst, el productor Louis B.Mayer contrató a Stiller, pero sólo aceptó, si la contrataban también a ella. El magnate aceptó y comenzó a tejerse la nueva historia de la Garbo en California.
Luego de protagonizar en Hollywood, "El Torrente", sobre la novela "Entre Naranjos" de Blasco Ibañez dirigida por Monta Bell, Stiller comenzó a supervisarla en "The Tempress", pero pronto fue reemplazado por Fred Niblo.
El carácter nórdico del director, chocó con la máquina serializada de producción norteamericana. Tras el gran éxito de "El demonio y la carne" ( "Flesh and the devil", 1926) de Clarence Brown, Stiller regresó a Suecia con su contrato rescindido, donde, poco después, murió de tuberculosis.
Su gran creación : Greta, creció y se desarrolló en Estados Unidos, hasta transformarse en un mito.

La actriz y Robert Taylor en el set de "La Dama de las Camelias". Observa de pie, el director George Cukor.

Divina Garbo como la tísica Margarita Gautier junto a su amado, Robert Taylor.

En "Susan Lennox", ahora en los brazos de Clark Gable sin bigote.

De patriota polaca con Napoleón, interpretado por Charles Boyer.

En el set de "Grand Hotel", con su amigo y amante John Gilbert.

Con Fredric March en "Anna Karenina".

Con Basil Rathbone y el pequeño Freddie Bartholomew en "Anna Karenina".

El amor idealizado por Hollywood. en una foto coloreada digitalmente.

De sus treinta y dos películas, sobresalen varias, aunque a veces los argumentos superficiales fueron una excusa para el derroche de opulencia y glamour al estilo Hollywood, que aumentaron su mito hierático y solemne.
En "Gran Hotel" ("Grand Hotel", 1932 ), de Edmund Goulding, para MGM, la primera "Gran reunión de superstars" en un "casting", por una idea del productor Irving Thalberg, sella a fuego y lágrimas, su arquetipo de chica taciturna y dramática.
En "Susan Lennox"( "Susan Lennox", 1931) de Robert Z.Leonard, al lado de Clark Gable; mancilla su lado más singular : la altura de su mirada perdida que enciende hasta las fogatas más lejanas, por su infinita pasión y ese aspecto misterioso tan oculto como el lado oscuro de la luna.
Convertida en espía histórica en "Mata Hari" ( 1931 ), deshiela a Ramón Novarro que aparece impostado y ripipí; más suerte tendrá con "La Reina Cristina de Suecia" ( 1933 ), un personaje que se acomoda a su personalidad y que hace perder la cabeza al otrora galán del mudo, John Gilbert, entre juegos ambiguos y cumplimientos del deber. El romance real que vivió la pareja dentro y fuera del set, hizo correr las tintas de los periódicos y magazines de la época.
Luego de su ardiente aventura en tierras hostiles en "El Velo Pintado" ( "The Painted Veil", 1934 ), surgen sus obras más logradas : "Anna Karenina" ( "Anna Karenina", 1935 ), según Tolstoi, una adúltera menospreciada por la sociedad de su época , que abandona a su marido, un aristocrático y flemático conde Alexei Karenin ( Basil Rathbone ) y a su retoño Sergei ( Freddie Bartholomew) , por el amor de su vida, el capitán Alexei Vrosky ( Fredric March ); la tísica "Margarita Gautier" de la novela clásica de Alejandro Dumas, "La dama de las Camelias" ( "Camille", 1936 ), que gracias a la pericia del director George Cukor, se transforma en una heroína melodramática, que muere en los brazos de su amado impoluto, el joven Armand Duvall ( Robert Taylor ), en medio de una colosal recreación de época; y "María Waleska" ( "Conquest",1937 ), que narra "los últimos años de la vida del Emperador Napoleón a través de una sucesión de encuentros con la patriota polaca", según una novela de Waclav Gasiorowski.

Como "Mata Hari" lució esta costosa toca de diamantes y zafiros.

Su belleza instituyó un apellido que no existe : Garbo. Y pasó a la posteridad.

En "Ninotchka" ella ríe, y lo hace con sonoro desplante y contagiosa alegría.

"Reina Cristina de Suecia" : para muchos su mejor actuación.

En "El Velo Pintado", luciendo otro de sus famosos modelos.

En "La Mujer de las dos caras" : su despedida definitiva de la pantalla grande.

Greta Garbo ( 1905- 1990 ), alcanzó con estos trabajos, la estatura de mito universal del cine. En este compendio está "la gran estrella, el gran rostro de la pantalla, la gran actriz, cargada de hieratismo y de misterio, de reticencia personal".
Nunca fue menos, porque Hollywood le quedaba chico. Ella era el cine. No sólo porque convirtió "la mirada lejana y perdida" en un tic refinado, estudiado, expresivo; y su hermoso rostro, en objeto de colección de mitómanos clásicos. Sino porque su halo misterioso, la llevó a refugiarse lejos del cine, después de su prematuro retiro, tras el estreno de "La Mujer de las dos caras" ( "Two faced woman", 1941) , en un departamento neoyoquino, donde se dejó acariciar por la amistad fiel de perros de raza fina, que crío como mascotas de compañía. Despúes recibió amigos de paseos dominicales y mantuvo un aislamiento progresivo con la soledad de su intelecto.
La dama del coraje y la audacia cinematográficas, optó por una vida lejos del mundanal ruido californiano, y parece que, después de todo, fue feliz. Y claro, volvió a reír muchas veces, como en "Ninotchka"( "Ninotchka", 1939 ), sin cámaras furtivas, que la obligasen a exponer su inexpugnable máscara a la furia de los vientos. Por lo demás, en esta comedia maravillosa de Ernst Lubistch, ríe de forma estertórea y subliminiza su imagen de mujer casual, simpática y divertida; atractiva y sutil, elegante y misteriosa.
De todas las actrices de los albores del sonoro, es la que más admiramos, por su temple, lozanía y carisma.
Sinónimo de Garbo, hay una sola : Greta, por supuesto.

La mirada altiva de Garbo. Un tic de su genio y figura.

Un Comentario :

"Uno se pregunta que queda por decir de una estrella que, habiendo interpretado los peores films que concebirse pueda, continúa manteniendo incólume su leyenda; maravilloso su misterio. Se le impuso la etiqueta de mujer fatal desde su primer film, "El Torrente", y únicamente en contadas ocasiones se le permitió salir de él para encasillarla en papeles históricos, de un romanticismo decadente, como "María Waleska" o la "Reina Cristina de Suecia" que es, con todo, su mejor interpretación. En el resto de su filmografía, abunda un género de seducciones en las que la época quiso ver ( con unas anteojeras que hoy sólo podrían inducirnos a ironizar , si la tentación no fuera demasiado fácil), un símbolo de lo pecaminoso a ultranza. Pero cualquier revisión de sus películas nos convence de que, en la gran mayoría, Garbo no sólo no destruía a sus hombres, sino que llegaba a sacrificarse por ellos. La rendición de la vampiresa era total, y lo significativo es que ésta se realizase por medio del sentimiento, un sentimiento estreotipado, si se quiere, pero que la magia de la actriz consigue hacer sublime, trascendiendo los torpes materiales que le toca en suerte manejar".
( El recordado crítico español José Luis Guarner ).

Marlene Dietrich :
Angel Azul o Violeta de los Desiertos.

Marlene Dietrich ( 1901-1992 ), fue un Mirlo de ojos azules, que resplandecieron por primera vez en el technicolor de "El Jardín de Alá"("The Garden of Alah", 1936), perdida en el Sahara idealizado por Hollywood, al lado de Charles Boyer, el actor francés de mirada adormecida.
Debo confesar que, yo la descubrí en la adolescencia, en unas funciones de Cine Arte del Goethe Institute, que proyectaba "El Angel Azul"( "Der Blaue engel", 1930), de Josef von Sternberg.
Como recordarán, Marlene era todo piernas, largas como las de una cigüeña silvestre; embrujadora, con esa voz susurrante, insinuadora, sensual, perversa, déspota, coqueta y atrevida.
Encarnaba las tensiones íntimas más deseables de las relaciones de pareja y las desbordaba en la pantalla grande con perturbadora lascivia.
Nunca la olvidaré como Lola- Lola cantando en "El Angel Azul", aunque después en VHS descubrí sus otras grandes películas.
De todas ellas, me quedo con : "Marruecos"( "Morocco", 1930) de Josef Von Sterberg; donde coqueteaba vestida de un varonil frac, a un apuesto legionario Tom Brown ( Gary Cooper ); "Capricho Imperial" ( "The Scarlet Empress", 1934 ), de Josef von Sternberg, siempre radiante entre velos y tules como la princesa prusiana Sophia Federica, que se convirtió en Catalina II, en medio de vetustas y grotescas esculturas de palacio y encendiendo las pasiones del conde Alexei ( John Lodge ) y el jefe de la guardia Grigori Orloff (Gavin Gordon ); y "Deseo" ("Desire", 1936), de Frank Borzage, convertida en Madeleine, una ladronzuela de joyas internacional, que se relaciona con el ingeniero norteamericano Tom ( otra vez, Gary Cooper ) durante un viaje de vacaciones a España, previa a la guerra civil.
Se trata de una trilogía - toda - Marlene, donde ella es la símbólica encarnación de las tentaciones sexuales más viriles que puedan imaginarse.
Aunque Marlene le gustaban las mujeres, tuvo "affaires" con los galanes más populares de Hollywood, y desde luego le gustó Gary Cooper, el escritor Erich Maria Remarque y Jean Gabin, a quienes trataba como sus "petite buché" ( bocadillos ).

En "El Angel Azul", luciendo las piernas más hermosas de su época.

George Hurrell hizo esta foto de la actriz.

Radiante junto a Gary Cooper en "Deseo" de Frank Borzage.

Con John Wayne en "Seven Sinners".

Prendiendo un cigarrillo con mirada sensual e instigadora.

En "El Jardín de Alá", su primera película en technicolor.

Con Basil Rathbone en los exóticos parajes del Sahara construídos en estudio.

Vampiresa culilingüe, que todo lo probaba y degustaba como si fueran ricos postres, siempre ataviada de pieles y joyas, glamorosa y sensual, conquistó a la ciudad del cine, con la parsimonia germana vestida de oropeles nauseabundos.
Ya en su madurez, y lejos de su tutor Josef Von Sterberg, que le dió sus mejores papeles en siete películas y la esculpió como si fuera una roca helada y futil, Marlene revivió por obra y gracia de Billy Wilder y Orson Welles , para : "Testigo de Cargo" ("Witness from the prosecution", 1957 ) y "Sed de Mal" / "Sombras del Mal" ( "Touch of Evil",1958), dos estupendas películas donde desempeña roles secundarios, que la reposicionaron en el mundo de las estrellas.
Su filmografía comprende 54 películas. 54 impresiones que dejan una huella muy difícil de borrar.
Ciertamente, Marlene fue un Mirlo, pero de azarosa existencia, que nunca miró hacia atrás, ni pidió permiso para romper con los tabúes más tradicionales del modo de vida americano.
A su manera, ella encarnó la independencia de la Diosa que nació Violeta de los Desiertos.

En el esplendor de su fotogenia, la Dietrich en "fluo" como gustaba a sus fans.

Un Comentario :

"Hicimos las fotos de publicidad. Se me encargó que llevara al estudio a mis protegidas verdes y, por primera vez, la Dietrich fue retratada luciendo sus esmeraldas. Otra novedad eran las cejas. La Dietrich llevó aquellos altos arcos hasta que rodó El Jardín de Alá y, después, siempre que deseaba aparecer muy Dietrich. Cada vez que se necesitaba desesperadamente la iluminación de Jo, era llamado, llegaba rápidamente al estudio fotográfico, hacía su número mágico y se marchaba. Las fotos que se obtuvieron en aquellas sesiones son algunas de las más sensacionales que se le hicieron a la Dietrich. Tienen luz, chispa, encanto; no se refleja en su mirada ninguna preocupación personal que empeñe la perfección. Pero ésta es la impresionante disciplina de esta profesión y aquello que más influyó en la atracción que mi madre sentía por ella. Los problemas personales no tenían cabida. No se permitía que nada, absolutamente nada, pudiera infiltrarse y dañar el producto. La falta de profesionalidad no tenía excusa. Si dejas asomar un dolor personal , aunque sólo sea un instante; la cámara lo detectará , descubrirá la secreta vulnerabilidad del actor y se convertirá en enemiga suya. Sólo a los muy grandes les está permitido, a veces, aprovechar su sufrimiento personal para realzar una interpretación. Lo que a mi madre le faltaba de talento, ella lo suplía con creces con su disciplina".
( María Riva, hija de la actriz, recordándola en sus memorias ).

James Dean :
Rebelde al este del Paraíso.

¿ Qué extraño encantamiento hizo de este pequeño actor de barriada pobre, cegatón y rebelde, el ícono de toda una generación de jóvenes que, como él, cansado de las viejas tradiciones, abrió sus alas y se echó a volar por cielos lejanos ?
Tal vez, su "padre cinematográfico" Nicholas Ray, le prendió el fuego de la perturbación emocional, que haría materia fundamental en la interpretación de sus escasos filmes : "Al Este del Paraíso" ( "East of Eden", 1955) ; "Rebelde Sin Causa"( "Rebel without a cause", 1955), y "Gigante"( "Giant", 1956 ).
Se trata de un tríptico fatalista, melodramático, moderno y transgresor, como el aroma de sus colonias.
Difícil olvidar a James Dean ( 1931-1955 ), el hombre con cara de niño perdido, exigiendo la atención de unos padres bobalicones, demasiado encasillados en viejas costumbres de pueblo chico.


"Al Este del Paraíso" : el debut estelar del joven actor.

En el comienzo de su mitología, Dean interpretando a un chico subvalorado por su padre.

Con Natalie Wood , su compañera y amiga de reparto en "Rebelde sin causa".

Referente obligado de una época, Dean inmortalizó su nombre como un joven rebelde.

Su estilo de actuación incluía la improvisación estudiada al máximo.

"Gigante" , el filme póstumo del artista. Es un chico menospreciado que encuentra petróleo y se convierte en magnate.

Dean era, a su modo, la voz de los "sin voz", la imagen imberbe del adolescente furioso, que reniega del pasado para vivir en el presente, libre de ataduras, sesgos o condicionamientos adquiridos.
Murió como vivió, a 120 kilómetros por hora; saltándose los apéndices de los capítulos más desoladores de la existencia cotidiana, y asumiendo su desamor, en el rostro encendido de sus buenos amigos, que también eran sus confidentes más entusiastas.
Hay algo de fuerte y nauseabundo en su sínodo trágico; la experiencia de "vivir y morir" joven, con el rostro de efebo culposo, vagabundo de las orillas de los caminos de Keroac ; rebelde por autonomasia, peleando por causas perdidas, cuando los viejos se han rendido a la comodidad y al consumismo.
James hay millones, Dean sólo uno, que alcanzó la eternidad en el celuloide de la mano de Ray, Kazan y Stevens.
Un mito de carrera breve y contundente, que le sacó lustre a los gijarros más sucios de la acequia de la vida.

Un Comentario :

"De sus 22 películas , Nicholas Ray siempre prefirió Rebelde sin Causa, porque es la que pudo terminar con menos interferencias. Se trata, en efecto, de una obra en la que su fuerte inclinación abstracta, se combina con la intensidad emocional, y ambas se complementan con el mito de James Dean: es la película por excelencia de la juventud de la segunda mitad del siglo XX".
"La presencia de James Dean en el papel de Jim, ha cargado a la película con la idea de la rebelión y de la inconformidad. Sin embargo, si se la mira desde el punto de vista de Platón ( Sal Mineo ), el niño solitario y aterrorizado, su verdadero sentido es muy otro : tal como Platón busca a un padre al cual emular, Jim quiere respetar al suyo. Ambos desean no ser defraudados, no ser traicionados ; pero incluso ( o sobretodo ) el amor tiene algo inevitablemente fraudulento, según Ray ; Jim traicionará a Platón sin desearlo y sólo en virtud de esa renuncia logrará reconciliarse con su propio padre".
( Los críticos chilenos Ascanio Cavallo y Antonio Martínez ).

Marilyn Monroe :
La Sensualidad de una Bomba Rubia.

M.M. ya es una marca universal. Antes que B.B. ( Brigitte Bardot ) instituyera su desaforada sexualidad toda curvas, busto y piernas; M.M. ( Marilyn Monroe, 1926-1962 ), alcanzó la cúspide de la fama y la gloria, con su exquisita corporalidad, impregnada de satisfacción y fetichismo, en la alfombra roja acostada, sin ropas, ni recato.
Teñida de rubio encendido, la trigueña que fue amazona de mil y una noches de amor y luna; conquistó a los caballeros que las prefieren rubias; aunque antes fue a Niágara a mover su pelvis, en un rojo encendido en seda y tacones lejanos.
Demostró que, sabía contonearse; pero también actuar con la dulzura de las mieles más sabrosas que satisfacen al macho cabrío.
Dejó como legado para el cine, 32 películas, que son 32 ensoñaciones de cómo hacerle el amor a una rubia o a una morena con la sabia de la imaginación desbordante del cine.
Marilyn no sólo sabía interpretar a casquivanas atrevidas en comedias pasajeras, también cantaba y hasta podía emocionar con la voz titilante, arrulladora, siempre refrescante. Ella era a su modo, una bomba rubia siempre dispuesta a satisfacer al hombre, que fue padre incestuoso y amante prodigioso, cariñosa en extremo, amable para toda la vida, sexual a punto de explotar, derramando los aromas lacerantes de su "Channel" número cinco.
Se convirtió en el sueño erótico de todo macho recio, que en la jungla de asfalto, amenazaba con su cuerpo curvo y deseable, hasta el más fuerte de los duros. Porque a la dureza, ella oponía virginidad idealizada. Aunque en su conciencia, prevaleciera la mujer íntima que conoce al hombre en todas sus debilidades y en todas sus posiciones; MM nunca fue menos que una diosa del amor. Todo mieles, toda sensaciones, porque la tentación vive arriba y ella la encarnaba con toda ligereza y sacrilegio.

En sus inicios artísticos posando como modelo fotográfica.

La foto del calendario que la llevó al cine.

Joven, trigueña y desenvuelta, Norman Jean en sus inicios como modelo profesional.

Prueba de vestuario para el thriller "Niágara" de Henry Hathaway.

En "La Jungla de Asfalto" como chica de compañía, con Louis Calhern.

"Los Caballeros las prefieren rubias", como a Marilyn.

En la misma película, con un sensual vestuario dorado. Marilyn es oro puro.

En "Niágara" como cantante de saloon. Insisto, ella vale oro.

De blue jeans en brazos de Robert Mitchum.

Marilyn exquisitamente sofisticada.

En "La Comezón del séptimo año" , volviendo loco a Tom Ewell, su vecino soltero de verano.

En "Una Eva y dos Adanes" : aparece riquísima como caramelo.

Actuando para las tropas norteamericanas en Corea.

En "Clash by Night" de Fritz Lang , toda encendida y romántica.

En medias negras y transparentes, para "Bus Stop" de Joshua Logan.

Alcanzó la pléyade de los tiempos con :"Niágara"( "Niágara", 1953 ) de Henry Hathaway; "Los caballeros las prefieren rubias" ( "Gentlemen prefer blondes", 1953 ) de Howard Hawks; "Cómo casarse con un millonario"( "How To Marry a millionaire", 1953) de Jean Negulesco; "Río Sin Retorno"("River of not Return",1954) de Otto Preminger ; La Comezón del séptimo año"("The seven year itch",1955) de Billy Wilder; "Bus Stop"( 1956) de Joshua Logan y "Una Eva y dos Adanes" ( "Some like it hot",1959) de Billy Wilder ; sin perder su imagen imperecedera de mujer moderna, transparente, agradable, sinuosa, ingenua nada de tonta, y sí muy inteligente y compleja.
Un torbellino, que arrasó con su propio mito para enquistarse en la conciencia del hombre común, como la víctima de una sociedad egoísta y competitiva.
Al despedirse con "Los Indomables"/ "Vidas Rebeldes" ( "The Mistifts", 1960), en un trío fatalista ( actúo con Clark Gable y Montgomery Clift, que como ella, partieron después a reunirse al universo celestial ), MM fue la Mujer Mejor parida de los sentimientos efusivos, transparente y sensible, que lucha con la ansiedad de la ecologista conciente, al salvar a esos caballos de la prisión doméstica.
Vestida de bluejeans y blusa desabotonada, en medio de la nada, a temperaturas exageradamente altas, arriba de un camión "Ford" de trabajo equino, surtió el efecto revitalizador que el mundo rudo de los cowboys necesitaban para expurgar sus desdichas. Su corazón era de oro y su dentadura de plata, que brillaba con la sonrisa cómplice del macho que se la quería devorar con la vista.
Marilyn en verdad fue la Bomba Rubia , que explotaba en risas, cuando se trataba de conquistar a un galán y que derretía hasta los corazones más helados del conservadurismo intelectual. Un arma secreta hecha mujer y amante, que vivirá para siempre en nuestros corazones. Y mejor aún, en el corazón eterno de la inmortalidad de sus películas.

Un Comentario :

"Pensamos en Marilyn como en alguien que fue el romance de todo hombre con Norteamérica. Marilyn Monroe que era rubia y hermosa y tenía una vocecilla armoniosa y dulce, y toda la limpieza de todos los limpios patios interiores americanos. Era nuestro ángel, el dulce ángel del sexo, y la dulzura del sexo brotaba en ella, como una resonancia de sonidos de la fibra más sonora de un violín. A lo largo de cinco continentes, los hombres que más sabían de amor, la codiciarían, y el clásico acné del adolescente que hace sus primeros tanteos solitarios, también pretendería tantearla, porque Marilyn era entrega, un auténtico stradivarius del sexo, tan espléndida, tan clemente, graciosa, complaciente y tierna, que hasta el músico más mediocre confiaba su propia carencia de arte, a la magia evanescente de su violín".
( El escritor norteamericano Norman Mailer ).

Gary Cooper :
El Secreto de Vivir.

Si hay un actor que se identificó con el cine de los años treinta del siglo XX, afín con el gusto popular, y sobretodo que rindió con igual ductibilidad en westerns, dramas de época, aventuras épicas , comedias y relatos bélicos, fue Gary Cooper ( 1901-1961 ), alto, muy alto, altísimo intérprete de mirada lejana, apuesto galán y valiente héroe fílmico.
Hijo de emigrantes ingleses, fue estudiante del "Dunstable School" en Gran Bretaña, y después en el "Wesleyan Cogge de Bozeman" en Montana.
En California siguió dibujo comercial, publicando "comics" infantiles y caricaturas políticas, hasta que en 1924 atraído por el rodeo, actúo como jinete y extra en breves papeles en la Paramount.
Nacido Frank James Cooper, cambió su nombre por el de Gary, cuando supo que existían varios Frank en el cine.
En 1926 tuvo su primer papel importante en "La conquista de Barbara Worth" ( "The Winning of Barbara Worth") dirigido por Henry King. Pronto se convierte en una estrella del "western" sin renegar sus dotes histriónicas para dramas y comedias. Hizo 115 películas en 34 años de carrera.
De este modo, se le identifica como un cowboy mítico en relatos ambientados en el far west, como : "Buffallo Bill" ( "Tha Plainsman", 1936 ) de Cecil B.De Mille donde se da el coraje de defender a la mismísima Calamity Jane encarnada por Jean Arthur ; "El Vaquero y la Dama" ( "The Cowboy & The Lady", 1938 ) de H.C.Potter, en tono de comedia interpreta a una ruda estrella del rodeo que enamora a la hija del candidato presidencial ; "El Forastero" ( "The Westerner", 1940 ) de William Wyler, donde aparece metido en unas disputas territoriales con el juez Bean; "Policía Montada del Canadá" ( "North West Mountad Police", 1940) de Cecil B. De Mille, encabezando una nueva incursión por el Oeste, que se destaca por su agilidad narrativa y su fuerza dramática; "Along Cames Jones" ( 1945 ) de Stuar Heisler, donde confronta a un rebelde "outsider" ( Dan Duryea ) para mancillar su amor por Loretta Young ; "Los Inconquistables" ( "Unconquered", 1947 ) de Cecil B.De Mille, donde encarna a un virginiano en el siglo XVIII, atraído por el amor de una convicta inglesa en medio de ataques indios y robos a descampado; "A la Hora Señalada" ( "High Noon", 1952 ) de Fred Zinemann, una apología al terror y a la persecución ideológica desde la mirada escrutadora de un sheriff, enfrentado a una banda de forajidos, sin ayuda de los habitantes del pueblo donde habita ; "El jardín del diablo" ( "The garden of Evil", 1954 ) de Henry Hathaway, modélico western crepuscular, sobre un trío de aventureros en territorio mexicano , intentando encontrar al marido desaparecido de una hermosa mujer ( Susan Hayward ); "El Hombre del Oeste" ( "Man of the West", 1958 ) de Anthony Mann, otra joya del género, donde encarna a un "outsider" refornado que se ve obligado a trabajar para su ex patrón , evitando así, las implacables injusticias de una banda de maleantes ; y "El Arbol del Ahocardo" ( "The Hanging Tree", 1959 ) de Delmer Daves, donde efectúa el rol de un médico de turbio pasado, que se hace cargo de una ciega ( María Schell ) con todos los problemas que se le originan en el camino.

En "Marruecos" acunando a Marlene Dietrich.

En "Adiós a las armas" sobre la novela de Hemingway, trabajaba con Helen Hayes, su pareja que era enfermera y Adolph Menjou.

Con la simpática Jane Arthur en "Buffalo Bill" de Cecil B.De Mille.

En "El Secreto de Vivir" de Capra, atendido por su chaperón.

En "El Forastero", mostrando su gran estatura ( medía 1,92 ).

"Sueño de amor eterno": entrañable historia romántica surrealista con Ann Harding.

El actor en una pose publicitaria fumando cigarrillos.

Cooper en "Las Aventuras de Marco Polo" con una idealizada ambientación oriental.

"El Sargento York": obtuvo el Oscar al encarnar a un pacifista que se convirtió en héroe en la PGM.

"A la hora señalada" : uno de sus papeles más emblemáticos, por el que obtuvo su segundo Oscar.

En "Policía Montada del Canadá" que hizo dirigido por Cecil B.De Mille.

En "El Jardín del diablo", con la bellísima Susan Hayward.

De sus otras actuaciones que revelan su versatilidad y constancia en el negocio, hay que destacar :
"Marruecos" ( "Morocco", 1930 ) de Josef von Sternberg, dejándose seducir por Marlene Dietrich; "Adiós a las Armas" ( "A Farewell to Arms", 1932 ) de Frank Borzage, adaptación de la novela de Ernest Hemingway, donde encarna a un soldado de la primera guerra mundial, buscando a su amada en medio de las devastaciones del holocausto; "Noche Nupcial" ( "The Wedding Night", 1935 ) de King Vidor, donde reveló su gracia para interpretar una comedia de enredos amorosos; "Tres lanceros begalíes" ( "The lives of a Bengal Lancer",1935 ) de Henry Hathaway, magnífico filme de aventuras, ágil y notablemente narrado e interpretado sobretodo por Cooper; "Sueño de Amor Eterno" ( "Peter Ibbetson", 1935 ) de Henry Hathaway, maravilloso relato romántico que llamó la atención de los surrealistas, por sus desbordes oníricos desde la prisión, donde Cooper está cautivo, aunque a través de los sueños se reúne con su amada, la rubia Ann Harding; "Deseo" ( "Desire", 1936 ) de Frank Borzage, repitiendo la química con Marlene Dietrich, ahora en los acontecimientos previos a la guerra civil española; "El Secreto de Vivir" ( "Mr.Deeds Goes To Town", 1936 ) de Frank Capra, una notable comedia, donde interpreta al heredero de una cuantiosa fortuna que decide repartir su dinero entre las personas necesitadas durante los años de la depresión económica; "Las Aventuras de Marco Polo" ( "The Adventures of Marco Polo", 1938 ) de Archie Mayo, como el célebre explorador en una cinta sobreproducida y muy entretenida; "La Octava mujer de Barba Azul" ( "Bluebeard"s eight wife", 1938 ) de Ernst Lubistch, "deliciosa comedia llena de cinismo" con el humor habitual de su director y Cooper como pareja de Claudette Colbert; "Beau Geste" ( 1939 ) de William Wellman , la notable adaptación de la célebre novela de P.C.Wren, donde tres hermanos se reúnen en la legión extranjera intentando expurgar el aparente robo de una joya familiar y mueren luchando contra los árabes; "Sargento York" ( "Seargent York", 1941 ) de Howard Hawks, donde Cooper interpreta a un hombre pacifista que durante la primera guerra mundial se convierte en héroe nacional; "Juan Nadie" ( "Meet John Doe", 1941 ) de Frank Capra, magnífica comedia social, acerca de un desconocido alzado por la mass media que debe combatir contra los poderosos de las finanzas y la política; "El Orgullo de los Yankees" ( "The Pride of the Yankees", 1942 ) de Sam Wood, un "bio pic" de la estrella del beisbol Lou Gehrig, con suficiente narrativa y extraordinaria interpretación de Cooper, que es un clásico del productor Samuel Goldwyn; "Bola de Fuego" ( "Ball of Fire", 1941 ) de Howard Hawks, una trepidante y divertida comedia que es una transpolación del cuento "Blancanieves", con un grupo de sabios locos preparando una enciclopedia y Cooper acaparando las miradas de Barbara Stanwyck ; ¿ Por Quién doblan las campanas ? ( For Whom the Bell Tolls", 1943 ) de Sam Wood, otra adaptación de Hemingway, con Cooper y la bellísima Ingrid Bergman en medio de los fastos de la guerra civil española; "Uno Contra Todos" ( "The Fountainhead", 1949 ) de King Vidor, una torrencial historia de amor donde un creativo arquitecto se enamora, condicionando su futuro esplendor por ambiciones desmedidas de empresarios inescrupulosos; "La Gran Tentación "("Friedly Persuasion", 1956 ) de William Wyler, sobre "la historia de una familia de cuáqueros luchando por mantener su identidad entre la confusión y la desesperación de la Guerra Civil de Norteamérica"; y "Sombras de Sospecha" ( "The Naked Edge", 1961 ) de Michael Anderson, donde interpreta al sospechoso de un crimen y que fue su última película, totalmente rodada en Londres.

Un Comentario :

"Desde La Conquista de Barbara Worth, la carrera de Gary Cooper demostró una clara predilección por el western. Incluso cuando fue legionario en tierras exóticas, soldado en Europa o en Asia, o caballero de los tiempos modernos sin espada, en las comedias de Capra, Gary Cooper producía siempre la impresión de haber abandonado provisionalmente su habitual atuendo y parecía cowboy de permiso deambulando por las calles de Nueva York, por el Sahara o por los frentes de combates europeos. Es importante observar que, el actor fue siempre un personaje positivo, un cowboy bueno, y jamás interpretó a un pistolero malvado o a un torvo ladrón de ganado. La culminación de su mito se produjo, con el sheriff Will Kane de A la Hora Señalada, abandonado por la comunidad a la que debe defender, paralizada por el miedo, que aparenta ser una alegoría del miedo nacional, que atenazó al país durante los años de la inquisición política del señador Joe McCarthy".
( El recordado crítico español Angel Fernández Santos ).

Humphrey Bogart :
La Materia Con Que Están Hechos Los Sueños.

Antihéroe por autonomasia de los años cuarenta del siglo pasado, Humphrey Bogart ( 1899-1957 ), supo aclimatar ternura con dureza, a dosis perfectas, que le colocarían a la palestra del cine negro o policial y de los melodramas de la Warner.
Es recurrente identificar su carácter mancebo, escrutador y beligerante, siempre dispuesto a burlar con sarcasmo los golpes del destino, y plasmar la imagen más atractiva del desencanto.
Su biografía retoma los puntos centrales que marcaron su ruta de actor : "Su padre, el doctor Belmont DeForest Bogart, era uno de los cirujanos más destacados de la ciudad. Su madre, Maud, trabajaba como ilustradora de revistas. Tras completar sus estudios en la "Trinity Scool", Bogart ingresó en la "Phillips Academy" de Andover, Massachusets. Expulsado por mala conducta, se enroló en la marina en 1918, y permaneció varios meses en ella. A su vuelta a la vida civil, fue contratado por el productor teatral William A.Brady , que le convirtió en gerente de sus giras y le animó probar suerte como actor. Sus primeras apariciones en escena, no resultaron demasiado convincentes, pero Bogart insistió y, poco a poco, fue aprendiendo el oficio".
En 1929 descubierto por un cazatalentos de la 20 th.Century Fox, firmó contrato por un año, aunque fue desperdiciado, y después de aparecer en "Bad Sister" para la Universal, desapareció de la pantalla para volver a Broadway, convencido de que éste negocio, no era su destino profesional.

En el mítico café de Rick : Paul Henreid, Ingrid Bergman y "Boggie".

Una pareja inolvidable : Ingrid Bergman y Humphrey Bogart.

Rick rememorando un pasado romántico, entre tragos de whisky y cigarrillos eternos.

Icono ideal del cine "negro" o policial.

Bogart instauró una voz característica, con su sonsonete a lo Brooklyn.

Después de un regreso esporádico por el cine, en 1935 interpretó el rol del gangster Duke Mantee, en "El Bosque Petrificado" (1936 ), según la obra teatral de Robert E.Sherwood, que lo consagró definitivamente.
Repetía el rol que llevó a las tablas durante siete meses, tiempo suficiente para confiar en que la versión fílmica no pasaría inadvertida.
Así ocurrió, cuando a los treinta y siete años firmó contrato con la Warner, que lo llevaría a transformarse en un notable actor secundario y después en un ícono del cine negro o policial. Su vasta trayectoria considera 81 películas.
Conocedor de todas las ruindades de este mundo y del otro, el de las cloacas más putrefactas del crimen organizado y la corrupción, Bogart fue la encarnación perfecta de "Sam Spade", y a la vez, el amante ideal de odaliscas perfumadas de ambición, que lapidaban detrás de su belleza de "femme fatales", los propios designios de la naturaleza, sudando su ardiente pasión por el curtido personaje.
"El personaje creado en 1929 por el novelista Dashiell Hammett, había sido llevado ya dos veces a la pantalla, pero sin demasiado éxito; sin embargo, la tercera versión de El Halcón Maltés, más fiel a la novela que las dos anteriores, dio plenamente en el blanco. Rodeado de un magnífico reparto, Bogart ilustraba a la perfección la ética del detective privado. Intransigente, totalmente independiente, indiferente a la policía y, sin embargo, dispuesto a aceptar su colaboración ; su Sam Spade poseía una gran autenticidad. El personaje Bogart había encontrado por fin su verdadera fisonomía. Era, y seguiría siendo a partir de entonces, un hombre que ocultaba sus propias necesidades bajo una aparente capa de dureza, que rechazaba los principios altisonantesy desconfiaba de las causas abstractas. Era un solitario, que se negaba a pedir ayuda a los demás".

En "El Halcón Maltés" : con los villanos de turno, Sidney Greenstreet y Peter Lorre.

Con la ambicionada figura de "la que están hechos los sueños".

Con Mary Astor, que de victima pasa a sospechosa.

"El Gran Sueño" : paradójicamente el sueño de Bogart de enamorarse y encontrar su pareja ideal, la hermosísima Lauren Bacall.

"Sierra Alta" : la consagración definitiva del actor, dirigido por Howard Hawks.

"El Tesoro de Sierra Madre : obra maestra de John Huston.

"El Tesoro de Sierra Madre" con Tim Holt, la codicia que se esfuma con el viento.

"Sabrina" con Audrie Hepburn.

"La Reina Africana" junto a Katharine Hepburn en dos roles antológicos.

En la pantalla grande, el actor podía ser rudo, chulesco, tierno, golfo y pendenciero; agradable y tremendamente intrigante; irónico y cazurrero. Siempre a la defensiva, muy desconfiado y altanero; jamás traidor y corrupto.
Se sabía todas las historias oscuras del submundo delictual, esas que ocurren a las sombras de la noche.
Su estilo, hizo escuela entre los alumnos del "Actor"s Studio", que sacaron esa forma de pararse confiadamente y sin poses, mirando : "Pasión Ciega" ( "They drive by night", 1940); "El Halcón Maltés"( "The Maltese Falcon", 1941 ); "Sierra Alta" ( "High Sierra", 1941 ); "Casablanca" ( "Casablanca", 1942 ); "Tener y No Tener" ( " To Have and have not", 1943 ); "El Sueño Eterno" ( "The Big Sleep",1946 ) ; "Callejón sin salida" ("Dead Reckoning",1947 ) ; "El Tesoro de Sierra Madre" ("The Treasure of the Sierra Madre",1948 ) y "Cayo Largo" ( Key Largo", 1948) .
Bogart fue eso y mucho más : aventurero borracho y cínico en "La Reina Africana" ( "The African Queen", 1951 ); abogado comprometido con la juventud rebelde en "Llamad a cualquier puerta" ( "Knock on any door,1949) ; escritor metido en una ambigua pasión romántica en ; "En un lugar solitario" ( "In a lonely place", 1950 ); esquizofrénico capitán de navío en "El Motín del Caine" ( "The Caine mutiny", 1954 ), hermano mayor de una familia adinerada en "Sabrina" ( "Sabrina", 1954 ); relator casi periodístico de los misterios que encierra "La Condesa Descalza" ( "The Barefoot contessa", 1954 ); cabecilla de una banda de criminales en "Horas Desesperadas" ( "The desperate hours", 1955 ) y notable dramático en ambiente boxeril en su última película : "Mas dura será la caída" ( "The Harder they fall", 1956 ).

"La Condesa Descalza" en pose publicitaria con Ava Gardner.

Un actor de buena cepa que, ironizaba dentro y fuera de pantalla, con las ambigüedades del comportamiento humano, y que desafiaba el código Hays de prohibición, con marchas y paros; y asumía cierto progresismo intelectual, con realismo y "con la materia con que están hechos los sueños". Auténticamente, realista, aunque sin por ello, dejar de soñar.
"Se casó cuatro veces, pero sólo en su último matrimonio con Lauren Bacall que aparece en su vida y en el cine en 1945, encontró esa felicidad que sus tres esposas anteriores habían cambiado por la violencia y el alcohol, y que Ingrid Bergman, cara al público de todas las plateas del mundo, se llevó consigo en la última y más hermosa escena de "Casablanca", que debe ser una de las más bellas películas de Bogart y de todo el cine hablado".

Un Comentario :

" El eco que provoca Bogart hoy, la estela que ha dejado en sus películas, y su imagen perdurable se debe a que Bogart representa más que ningún otro actor, la convicción, la determinación de ser sí mismo, en frente de toda la adversidad plural. Representa el consejo : Se trate de lo que se trate, sea lo que sea, sencillamente oponte. Como réplica al bien intencionado consejo, sigue las normas o perderás".

( El crítico español Manolo Marinero ).

John Wayne :
"El Duque"del Oeste Mítico.

De todos los mitos recios creados por el cine del Oeste, Marion Michael Morrison debió ser el más selecto y el más perdurable.
Cuando el director Raoul Walsh le dió su primer papel, en el primer western sonoro de la historia, "La Gran Jornada" ( "The Big Trail", 1930 ), le hizo adoptar el nombre de John Wayne ( 1907-1979). Como tal, rodó 172 películas, desde seriales "B" hasta largometrajes de largo aliento.
Walsh recordó así su descubrimiento : "El joven y alto muchacho que llevaba un sillón muy pesado al almacén, tenía hombros anchos en concordancia con su altura. Descargaba un camión, en los estudios de William Fox, y no me vió. Le contemplé mientras acarreaba un sólido sofá Luis XV como si estuviera hecho de plumas y, además, una silla con la mano que le quedaba libre. Cuando se dispuso a cargar de nuevo, me acerqué para hablarle. ¿ Cómo te llamas ?, le dije. Me miró con todo cuidado. Le conozco, respondió. Dirigió El Precio de la Gloria refiriéndose a una de mis primeras películas. Me llamo Morrison...Luego me contó que se había licenciado en la Universidad de Columbia y que quería entrar al cine. Esto es a lo máximo que he llegado, añadió, mirando sus manos enormes con lástima. ¿ Qué más puede hacer además de trasladar trastos ?, le interrogé. Jugar al fútbol, me dijo riendo. Le creo, y me fijé en su altura que bordeaba el metro noventa, y en su peso, de unas doscientas libras. Podía ser justamente lo que buscaba, así que le dije que volviera a verme en un par de semanas y que se dejara crecer el pelo".

En "La Gran Jornada" : su debut en el cine.

En sus inicios, Wayne hizo muchos seriales del Oeste y películas B.

En "La Diligencia" con Claire Trevor, su inicio estelar.

En "Río Rojo" convenientemente envejecido, junto a Walter Brennan.


En "Río Grande" con Maureen O"Hara.

En "Río Bravo" con el sombrero chato y la mirada perdida.

En "Río Lobo", historia culminante de sus épicos "Ríos", más envejecido y recalcitrante.

"La Gran Jornada" después de varios contratiempos, acabó bien su rodaje y recaudó dinero. A pesar del mal tiempo y de los frecuentes cambios de filmación, John Wayne apareció cómodo y sencillamente increíble en el rol de aventurero de la frontera.
Se movía con soltura y lograba aclimatar los momentos de suspenso, como el traslado por las montañas de los carromatos de la caravana, con los de romance y acción, cuando se enfrentaba a los bandidos de la historia.
Ciertamente, la película coestelarizada por Marguerite Churchill, condicionó varios de los esquemas tradicionales del western : la caravana y sus esfuerzos por llegar a las tierras prometidas; la idea de un joven héroe invencible que pasa por todas las situaciones con valentía y rudeza; y lo más significativo, que logró incorporar la figura imponente del fornido actor en Hollywood.
Aunque a vista y paciencia del intérprete, debió transcurrir nueve años y sesenta películas ( en su mayoría westerns de clase B ), antes de dar el salto al estrellato con "La Diligencia" ( "Stagecoach", 1939 ), y empezar a ser valorado como actor con recursos expresivos a prueba de simples balazos.

Wayne como héroe bélico en : "Arenas de Iwo Jima".

"El Angel y el Malvado" : rescatado de la muerte por amor a una mujer.

En "Hondo" junto a su rifle, su montura y su fiel amigo canino.

En "El Alamo" como un ágil explorador.

En "El Conquistador" de guerrero mongol duro y bestial.

El papel del sheriff tuerto y alcohólico en "Temple de Acero" que le dió el Oscar.

Sus notables películas dirigido por el maestro John Ford, a lo largo de veinticinco años, le transforman en un ícono del género, que trasunta la pantalla para convertirse en el arquetipo perfecto, de la imagen más tradicionalista del americano nacionalista.
Ello no es óbice de sus logros dramáticos, principalmente en los terrenos del cine de acción : relatos bélicos como "La patrulla del coronel Jackson" ("Back to Baatan", 1945 ) de Edward Dmytryck; "Arenas de Iwo Jima" ( "Sands of Iwo Jima", 1949 de Allan Dwan; "Infierno en las Nubes" ( "Flying Leathernecks", 1951 ) de Nicholas Ray; "Piloto de Jet" ( "Jet Pilot", 1957 ) de Josef von Sternberg; "Primera Victoria" ( "I"m Harms Way", 1965 ) de Otto Preminger; o cintas de aventuras como : "Piratas del Mar Caribe" ( "Reap the Wild Wind", 1941 ) de Cecil B.De Mille y "Pittsburg" ( 1942 ) de Lewis Seiler.
Sin embargo, su verdadera inmortalidad como imagen icónica del cine, será como la figura del cowboy rudo y valiente, que acaparó las audiencias adictas al far west.
Es, en su hipertérrima figura recortada sobre el horizonte del "Monument Valley" en Arizona, donde Wayne solidificará su mito.

"Más Corazón que Odio" : el cowboy más completo de su carrera, en una obra maestra de John Ford. En la foto aparece con Harry Carey Jr.

En el clásico de Ford, se sugiere muy sutilmente, un amor pasado con su cuñada.

En "La Legión Invencible", de la trilogía dedicada a la caballería,dirigida por Ford.

En este género, John Wayne vistió las ropas de un "cowboy" clásico, arreando ganado por el desierto, enamorando a las mujeres, protegiendo las caravanas de los indios y de las intespestivos cambios de la naturaleza. Fue sheriff, explorador, granjero, cazador, soldado, pistolero, capitán y coronel durante la guerra de secesión. Todos roles que fraguaron su personalidad cinematográfica.

Un puñado de magníficos westerns, intensificaron su ascensión mitológica, donde no pueden faltar títulos como : "La Diligencia" ( 1939 ); "Los Usurpadores" ( "The Spoilers", 1942 ) de Ray Enright; "El Angel y el malvado" ( "Angel and the bad man", 1946 ) de James Edward Grant; Fuerte Apache" ( "Fort Apache", 1948 ) de John Ford ; "Río Rojo" ( "Red River", 1948 ) de Howard Hawks; "Tres Padrinos" ( "Three Godfathers", 1949 ) y "La Legión Invencible" ( "She Wore a Yellow Ribbon", 1949 ), ambas de John Ford ; "Río Grande " ( "Rio Grande", 1950 ) de Ford ; "Más Corazón que Odio" ( "The Searchers",1956 ) de Ford ; "Río Bravo" ( "Rio Bravo", 1959 ) de Howard Hawks; "Los Comancheros" ( "The Comancheros", 1960 ) de Michael Curtiz ; "Un Tiro en la Noche" ( "The Man Who Shot Liberty Valance", 1962 ) de Ford; "El Dorado" ( "El Dorado", 1967 ) de Howard Hawks; y "Temple de Acero" ( "True Grit", 1969 ) de Henry Hathaway, con la que ganó el Oscar al Mejor Actor, en la cumbre de su gloria.

En "El Hombre Tranquilo" es un ex boxeador de pasado turbio, que viaja a Irlanda.

La estrella del western rodeado de sus admiradoras, a la salida de un teatro.

Una estatua de su imagen, ubicada en el patio de la casa donde vivió con su familia.

En Utah, una enorme estatua recuerda al hijo pródigo del cine.

Wayne como director, supervisando una toma de "El Alamo" donde también actúa.

Desayunando con su fiel compañero de aventuras.

Además , fue irlandés condicionado por los recuerdos y añoranzas del maestro John Ford en : "El Hombre Tranquilo" ( "The Quiet Man", 1952 ), una de sus mejores películas y en "La Taberna del Irlandés" ( "Donovan"s Reef", 1963 ); un aguerrido mongol en "El Conquistador " ( "The Conqueror", 1956 ) de Dick Powell ; un despótico visitante en tierras niponas en "El Bárbaro y la Geisha", 1958 ) de John Huston ; y el propietario de un enorme espectáculo en "El fabuloso Mundo del Circo" ( "Circus World", 1964 ) de Henry Hathaway.
Habitante de otros tiempos, ya en su declive actoral protagonizó sendos westerns que remarcaron su ocaso, pero que destacaron parte de los atributos de su carácter personal, ya sea con los niños en "Los Cowboys" ( "The Cowboys", 1972 ) de Mark Rydell ; las mujeres en "Chisum" ( "Chisum", 1970 ) de Andrew V.McLaglen y sus viejos amigos de correrías en "El Pistolero" ( "The Shootist", 1976 ) de Don Siegel, su último filme.
También dirigió : "El Alamo" ( "The Alamo", 1960 ) la reconstrucción de los enfrentamientos sufridos en 1876 entre texanos y mexicanos; y "Boinas Verdes" ( "The Green Berets", 1968 ), la única película realizada en favor de la intervención norteamericana en Vietnam.

"El Pistolero" : su último papel estelar en el cine, basado en su propia iconografía.

Un Comentario :

"Para el espectador la figura de John Wayne marcha asociada con las ideas de vigor, destreza, profesionalismo, soledad, y nobleza de espíritu, en un mundo de violencias y aventuras. Ahora que el otrora elegante paso de Wayne se ha hecho cansino, se podría concluír que el actor ha envejecido con el mito. Pero un mito, por esencia, no puede envejecer. Sólo, le resta morir. El Pistolero es un filme asediado por la idea de la muerte. Para el viejo J. B. Brooks ( Wayne ), que ha vivido enfrentando a la muerte a cada paso, el hecho de morir de un cáncer es casi una paradoja; refuerza la identificación actor-personaje, la circunstancia de que Wayne en su vida real falleciera de este mal. Extraño western, tanto por su tema como por su construcción. Los últimos ocho días en la vida de J. B. Brooks son remarcados en el film, como en las páginas de un diario y en una continuidad casi episódica. Numerosos actores invitados representan el encuentro de Brooks con figuras de su pasado o de su presente inmediato. James Stewart otro viejo pistolero de magníficos westerns, algo más vulnerable que el "mito Wayne" es el doctor Hostleter, quien lo diagnostica y le sugiere la manera de "bien morir". El casi olvidado John Carradine es el obsequioso empresario de pompas fúnebres, tan elegante y circunspecto como en La Diligencia; el artero Sweeney encarnado por Richard Boone , emerge del pasado para dirimir una antigua ofensa, y así sucesivamente. Los encuentros de Brooks van dejando una acumulación de sabor amargo. En su profunda soledad de moribundo ( "la muerte es el más privado de los actos" ), sólo encuentra en los demás hostilidad, incomprensión, obsequioso aprovechamiento de su fama. La crueldad que este film posee no es del exhibicionismo gratuito, sino la que entraña toda reflexión sobre la muerte".

( El crítico chileno José Román ).

Ingrid Bergman :
Tócala, de nuevo Sam.

De todas las figuras míticas originadas por los grandes estudios de Hollywood en su época de oro, Ingrid Bergman ( 1915-1982 ), debe estar entre las basas superiores, no sólo porque fue una de las bellezas nórdicas más esplendorosas de la pantalla, sino porque demostró a través de los años, una versatilidad y un sentido de pertenencia, que sólo se logra madurando plenamente sus recursos expresivos.
La mitología entiende una de sus escenas antológicas en "Casablanca" al lado de Humphrey Bogart, con la frase "Tócala de nuevo Sam", que en realidad jamás pronuncia así en lo textual.
Sin embargo, en el conciente colectivo esa clemencia arrebatadora de mujer enamorada que conquistó la incorregible fortaleza de Rick, el dueño del café más concurrido de la mítica Casablanca, aparece para definir el sacrificio rector, de una atractiva esposa, Ilse Lund ( la Bergman, lógicamente ), dispuesta a acompañar a su marido cautivo, Víctor Laszlo ( Paul Henreid ), hasta el fin del mundo.
En el supuesto que, el cine es donde se hacen realidad los sueños, la bellísima Ilse consigue los pasaportes para salvar la vida, y nosotros con ella, toda su mágica fortuna, que es un regalo para los ojos; o mejor dicho, un obsequio para la cámara que se "enamoró" de ella, desde la primera escena cuando aparece en la mítica película romántica de Michael Curtiz.
Conquistar los cielos hollywoodenses, tiene su historia. Siempre interesada por el teatro, de joven actúa en obras amateurs hasta 1933, cuando se inscribe en la Real Escuela de Arte Dramático de Estocolmo, su ciudad natal.
En cine debutó en 1934, con la película "El Agujero en el muro" ( "Munkbrogreven"), dirigida por Edvin Adolphson; y durante diez años acrecienta una fama nunca gratuita, producto de su belleza y su notable sensibilidad interpretativa.
Vendrán títulos como : "Intermezzo" (1936 ), "Un rostro de mujer" ( "En Kvinnas ansikte"1937); y "Destino" ( "En enda natt", 1937), todas de Gustva Molander que "moldea" a la actriz; hasta que el productor David O.Selznick se la lleva a Hollywood para hacer una nueva versión de "Intermezzo" (1939 ), bajo la dirección de Gregory Ratoff y con Leslie Howard de "partenaire".
La película es un melodrama acerca del romance entre un profesor de música, violinista, casado y con hija; y su joven alumna donde las articulaciones más desbordantes del "amour fou", brotan como hiedra después del rocío.

Su debut en EEUU : la "remake" de "Intermezzo".

A las órdenes de George Cukor hizo "Luz de Gas", con Charles Boyer.

"Casablanca" : el inicio de su mitología.

Con Claude Rains en un clásico de Hitchcock : "Notorius".

Junto a Cary Grant y Alfred Hitchcock, de quien fue una de sus actrices favoritas.

Bergman arrebata con su imagen refrescante, sonriente, tremendamente fotogénica, transparente y sensual. De sus títulos posteriores, recuerden el de institutriz de cuatro diablillos incorregibles y traviesos en la olvidada "Los cuatro hijos de Adán" ( "Adam Had Four Sons", 1941 ), nuevamente supervisada por Ratoff, y repitiendo los tics de "robacorazones", esta vez de un hombre maduro y acomodado. Célebre fue su rol en "Dr.Jekyll & Mr.Hyde" ( 1941 ) de Victor Fleming, porque mantuvo incólume su grácil hermosura, frente a los constantes cambios físicos del Dr. Jekyll que salía en las noches transformado en un monstruo y asesino sangriento.
1943 fue el año de su consagración definitiva , gracias a su participación en dos estupendas películas : "Por Quien doblan las campañas" ( For Whom The Bells Tolls") de Sam Wood, la adaptación de la célebre novela de Ernest Hemingway, con la guerra civil española de fondo y Gary Cooper haciendo de guerrillero romántico y aventurero fiel ; y la Bergman de su pareja de accidentada vida ; y "Casablanca"( "Casablanca", 1943 ) de Michael Curtiz, título mítico del séptimo arte, que transformó a la pareja Bogart-Bergman en el ideal no consumado del amor pasado.
Respecto a este filme, el filósofo español Julian Marias escribió : " La historia amorosa de la película, está admirablemente contada, presentada como corresponde al cine, con una matización sumamente aguda del tiempo - los días evocados en París -, y algo todavía más esencial : la evidencia instantánea. Hay dos o tres momentos en que el rostro de Ingrid Bergman se ve sin más su biografía, se hace transparente lo que es su realidad personal. Con una técnica distinta que rehúye la transparencia y se denuncia más bien en expresivos gestos de ocultación, sucede lo mismo con Humphrey Bogart; son sus elusiones las que descubren su intimidad; si en Ingrid se procede por "iluminaciones", en él se logra análogo efecto con significativos "ensombrecimientos" ; los dos juntos componen una finísima técnica de lo que podríamos llamar "claroscuro expresivo" para descubrir y recrear ante nosotros la historia de su amor".

Como la heroína y mártir francesa en "Juana de Arco", que murió escaldada.

De la misma película, pero en traje de guerrera.

En "Atormentada", aparece traumada y encerrada en sus pesadillas en Australia.

De su etapa europea, "Stromboli" de Rosellini, su marido en aquel entonces.

Elegante y preciosa de abanico en la mano.

Sus sucesivas películas para el cine, en una filmografía que alcanza 53 filmes en más de cuarenta años de carrera, la alzan como la más selecta de las actrices que conocen la intensidad dramática y la ejecutan con total desplante en su trabajo.
Títulos como : "Luz Que Agoniza "/ "Luz de Gas" ( "Gaslight", 1944 ) de George Cukor , un sólido policíaco psicológico, basado en la obra teatral de Patrick Hamilton, que le da su primer Oscar; "Recuerda" ( "Spellhound", 1945 ) y "Encadenados" ( "Notorius", 1946 ) ambas de Alfred Hitchcok, estupendos thrillers de suspenso, donde ella es víctima y heroína romántica; "Juana de Arco" ( "Joan of Arc", 1948 ) de Victor Fleming; la historia de la legendaria Doncella de Orleans, inspirada en la obra teatral de Maxwell Anderson y con la Bergman en traje de guerrera algo masoquista y pendenciera; y "Atormentada" ( "Under Capricorn",1949 ) otra vez bajo la batuta de Hitchcock, ahora como la sufrida y enclaustrada esposa de un emigrante irlandés ( Joseph Cotten ), en las florecientes tierras australianas.
Después viene su período personal más turbulento, cuando en 1949 siendo la número uno de taquilla en Norteamérica, decide abandonar a su esposo, el doctor Peter Lindstrom y a Pía, la hija de ambos, para emprender nuevos rumbos con el cineasta italiano Roberto Rosellini.
Cuando se divorció del famoso cineasta con quien tuvo tres hijos : Isabella ( también conocida actriz ), Isota y Roberto, se casó con el director sueco Lars Schmidt, relación que también terminó en separación.
Con Rosellini, sin embargo, rodó cuatro obras maestras absolutas : " Stromboli"("Stromboli, terra di Dio", 1949 ); "Europa 51" ( 1951 ); "Te Querré Siempre" ( "Viaggio in Italia"1954 ) y "El Miedo" ( "La Paura", 1954 ).
Su carrera posterior, continuaría en Europa con películas de interés como : "Anastasia" ( "Anastasia", 1956 ) de Anatole Litvak, que le dió su segundo Oscar ; "Elena y los Hombres" ( "Elena et les hommes", 1956 ) de Jean Renoir ; "Indiscreta" ( "Indiscreet", 1958 ) de Stanley Donen; "La Visita" ( "The Visit", 1963 ) de Berhard Wicki; "El Roll-Roys Amarillo" ( "The Yellow Rolls-Royce", 1964 ) de Anthony Asquith y "Flor de Cactus"( "Cactus Flower",1969 ) de Gene Saks.
En la última etapa de su vida, destacó en películas como : "Crimen en el Expreso Oriente" ( "Murder on the Orient Express", 1974 ) de Sidney Lumet,con la que obtuvo su tercer y último Oscar ; "Nina" ( " A Matter of Time", 1976 ) de Vincente Minelli ; y "Sonata Otoñal" ( Herbstsonaten", 1978 ) de Ingmar Bergman, su último filme, que fue una digna despedida a su carrera maestra.

En "Europa 51" toma conciencia social, después del aparente suicidio de su pequeño hijo.


En "Anastasia" lució hermosos trajes como éste, enfundado en joyas.

Con el director Roberto Rosellini tuvo tres hijos.

De su última etapa, sobresale "Sonata Otoñal" de Ingmar Bergman, aquí con Liv Ullman.

Pese al transcurso del tiempo, su carisma antológico para las historias del cine mundial, todavía visitan las penumbras de las salas. En reciente reposición de "Casablanca" en un programa de clásicos Warner, pudimos comprobar en pantalla grande que su luminosidad no había muerto. Como decía un crítico una vez, las estrellas del cine cuando mueren, sólo se convierten en soles negros ( fade out ). La verdad es que Ingrid sigue viva, ahí en la pantalla, radiante y hermosa, en un fade in.
Su mito perdura inexplicablemente, porque su belleza fue atemporal, demasiado moderna y adelantada a los patrones de estética de aquellos tiempos. Siempre fresca, jovial, efervescente, como una botella de refresco gaseosa a punto de estallar en mil fuegos de pasión. Así era la Bergman.
Su vida tan arrebatadoramente turbulenta como sus personajes cinematográficos, en una fusión no del todo correcta, que masifica la imagen de beldad cautivadora, rupturista, independiente y romántica.
Siempre dispuesta a defenderse de los designios de la vida, si éstos venían complejos y oscuros; apaciguando las atracciones íntimas más decadentes, surtiendo su mundo de cristal, con el fuego del amor, la fuerza de los vientos solanos, el hierro de la virilidad atractiva, y la luz del alma.

Un Comentario :

"Ingrid Bergman rodó tres películas con Alfred Hitchcock : "Recuerda" ( 1945 ); "Encadenados" ( 1946 ) y "Atormentada" ( 1949 ). Fue la primera de las grandes actrices del equipo habitual del director, "cargo" que también ostentaría Grace Kelly y Tippi Hendren".
"A pesar de que el cineasta se sintió enormemente defraudado cuando Bergman decidió dar por terminada su colaboración. Sin embargo, ambos mantuvieron una estrecha amistad hasta la muerte del británico. Ingrid fue la quintaesencia de la belleza natural, a la que cabía sumar una presencia de enorme nobleza y una intachable profesionalidad."

( El crítico alemán Philipp Bühler ).

Marlon Brando :
El Salvaje Mito del "Actor"s Studio".

Hijo pródigo de la Academia neoyorquina de Lee Strasberg; huracán salvaje de la realidad juvenil; adonis sensual, carnívoro irritable, actor brutal, que enquistaba sus dientes entre los filtreos de las damas y las ambigüedades de los varones refinados, Marlon Brando ( 1924-2004), cosechó la gloria interpretando a rebeldes transgresores en una época de constantes cambios sociales y políticos, que clamaban por nuevos ídolos, acorde a los pensamientos más liberales y despóticos de la sociedad americana.
No hay nada que se le parezca, porque Brando era uno sólo. Uno que cruzó por las avenidas de los despropósitos más celebrados de Hollywood, instituyendo las pautas de Stanislawsky en la interpretación naturalista; saltándose todos los códigos y las reglas establecidas, para transformar el papel del actor con el "método". Marlon Brando fue un actor colosal. Colosal de colosalista. Los gigantes que sostenían con sus manos la roca sólida de los templos; como Brando que mantenía una carrera llena de aciertos sólo con la profundización compleja y valerosa de sus personajes.
"El método" fue Brandon, como Brandon fue "el método". La sicología de sus interpretaciones, venían de las cuerdas más profundas de su propia conciencia. Interiorizaba cada actuación, desde la experiencia personal, extrayendo sus demonios y fantasmas, con la rudeza y el coraje de la práctica del sicoanálisis.
Fue único en su especie. El inicio de un estilo, pero que no tuvo parangones más elevados que él mismo.
Todo lo hacía a conciencia, incluso cuando en su vida íntima, transgredía los supuestos del macho recio amante de mujeres hermosas y dispuestas.
Conocida fue su desaforada apetencia sexual producto de una anomalía congénita, que le impedía dejar de hacerlo. Brando era un semental siempre dispuesto a probar nuevas tentaciones, incluso cambiando sus gustos y probando las mieles y los caracoles con la sutileza del "gourmet" exótico.
Nada pasaba desapercibido en su agitada vida real. Cada nueva sensación la asumía después, en los personajes que interpretaba para la pantalla.
Profesional correcto y práctico, era capaz de improvisar aceptando los desbordes dramáticos si la escena lo requería, con la indulgencia de los directores que veían en él, a un animal de trabajo increíble, prodigioso, sutil, natural, convincente y realista.

"El Salvaje" : la imagen de la juventud airada de los años 50.

En la película, Brandon encabeza el liderazgo de una pandilla de motociclistas que irrumpen en un pueblo solariego.

"Un tranvía llamado deseo" : el inicio de su mitomanía.

"Julio César" : Brandon inspirado en Shakespeare y el método de Stanislawsky.

"Nido de Ratas" : las mafias del puerto, el sindicalismo y el amor clandestino.

En un descanso del rodaje en exteriores, con Eva Marie Saint.

Hijo de una humilde familia de escasos recursos, tuvo una infancia y una adolescencia nómade ejerciendo distintos oficios, hasta que llega a Nueva York en 1939. En la ciudad de los rascacielos, empieza a estudiar arte dramático, se involucra en la actuación teatral, debutando en las tablas en 1944.
En estos pagos, conoce a Elia Kazan quien lo insta a estudiar en el Actor"s Studio y le da su primer rol importante en una obra de Tennessee Williams, "Un Tranvía llamado deseo", que después adaptó al cine.
Brando pertenece a una generación de actores rebeldes - como Montgomery Clift, Paul Newman o James Dean -, que se educaron en las técnicas de Stanislawsky para profundizar en la sicología de los personajes desde la experiencia vital de cada intérprete.
A lo largo de su carrera, iniciada como el parapléjico de "Vivirás tu vida" ( "The Men", 1950 ) de Fred Zinneman, y que registra 39 títulos, "Brando evolucionó del chico de la moto y la chaqueta de cuero ( "El Salvaje" / "The Wild One", 1953, dirigido por Laszlo Benedek ), a roles menos simbólicos pero más intensos".
Como lo recuerda el desaparecido crítico chileno Hvalimir Bálic, "Como el rudo Kowalski de "Un tranvía llamado deseo" ( "A Streetcar named Desire", 1951) de Elia Kazan, Marco Antonio, Emiliano Zapata, Napoléon, el capitán Flechter Christian o el autodestructivo viudo de "El Ultimo Tango en París" ( "Ultimo Tango a Parigi", 1972 ) de Bernardo Bertolucci, este actor mitológico que renunció a la pompa y a la vanidad para refugiarse en una isla paradisíaca, marca con su presencia buena parte del cine norteamericano moderno".

Disparando en "El Rostro Impenetrable", que también dirigió.

En "La Jauría Humana" recibe una sorpresa...

...la más realista de las palizas de la historia del cine.

Como Vito Corleone el patriarca de la mafia en "El Padrino".

En "Apocalipsis Ahora" es un verdadero demonio encarnado.

"Duelo de Gigantes" con Jack Nicholson.

Entre sus magistrales interpretaciones debemos considerar : "Julio César" ( Julius César", 1953 ) de Joseph L.Mankiewicz; "Nido de Ratas" ( "On The Waterfront", 1954 ) de Elia Kazan, "El Rostro Impenetrable" ( "One-Eyed Jacks", 1960 ) que también dirigió; "La Jauría Humana" ( "The Chase", 1966 ) de Arthur Penn; "Reflejos de un ojo dorado" ( "Reflections in a Golden Eye", 1967 ) de John Huston ; "El Padrino" ( "The Godfather", 1972 ) de Francis Ford Coppola; y "Apocalipsis Ahora" ( "Apocalipsis Now", 1979 ) , también dirigido por Coppola.

Brando cosechó cada grano de uva feliz, en un huerto pródigo en realizaciones irrepetibles. Porque su cosecha era tan buena como el vino de guarda.
Desde luego partió en el teatro, pero cuando debutó en el cine, caló de inmediato en el conciente colectivo, porque tenía una presencia fuerte, viril, moderna, adelantada a su tiempo.
Bastaría recordarlo en una sola actuación, cuando estaba a punto de cumplir los 50 años de edad. "Francis Ford Coppola lo transforma en Don Vito Corleone, el personaje eje de la adaptación a la pantalla de El Padrino de Mario Puzo. Con el rostro deformado, estirando la voz hasta alcanzar un registro áspero y tenebroso, fue la encarnación magnífica del patriarca de la mafia. Nadie, en verdad, podría haber imaginado a otro actor en ese fascinante rol".
Como los grandes mitos del cine, Brandon ganó su espacio con esfuerzo, crecimiento profesional y un talento irrepetible.

Un Comentario :

"En una de las aventuras fílmicas más desesperadas jamás emprendida, el mismo Francis Ford Coppola le confió a Brandon el papel del demente Coronel Kurtz en Apocalipsis Ahora ( 1979 ), un descomunal fresco sobre la guerra de Vietnam, inspirado en la novela de Joseph Conrad, El Corazón de las Tinieblas. En esta caracterización, el actor puso en juego todos sus recursos, revelando que el tiempo es el mejor aliado de la perfección artística. Treinta años después de su debut en la pantalla, Marlon Brando ya podía darse cualquier lujo : como salvar todo el descomunal proyecto de Coppola gracias a una sola presencia".

( El recordado crítico chileno Hvlamir Bálic ).

Fotos Gentileza : 20 th.Century Fox, Warner Bros, Columbia Pictures, MGM, Vogue, Getty Images, Dr.Macro, Variety, John Wayne Legacy, M.M.Web Site Official, Clarence Sinclair Bull Archive, George Hurrell Legacy, Archivo.-