Séptimo 7 sello: Oficio del Cine : Asesor de "Technicolor" :

Natalie Kalmus :
La Era del Color en Hollywood

"Lo Que el Viento se Llevó" : el triunfo del sistema cromático en el cine.

Una de las maravillas que hicieron encantar al público del cine en los años treinta, cuarenta y cincuenta del siglo pasado, fue la incorporación del color en el proceso fotográfico de filmación, algo que logró transmitir toda la magia de las comedias musicales, los relatos históricos y las aventuras familiares, junto a westerns y "thrillers" que, por primera vez, asumían las tonalidades de la naturaleza.
Natalie M.Kalmus ( 1878- 1965 ), se convirtió en la asesora del sistema "Technicolor" más influyente de la industria, creado por su marido Herbert T.Kalmus ( 1881-1963 ), que se constituyó en todo un avance en el desarrollo de la industria cinematográfica norteamericana.
Ella como profesional, logró supervisar este sistema cromático, trabajando en más de 350 películas, desde : "Mystery Of The Wax Museum" ( 1933 ) de Michael Curtiz, hasta "The Elusive Pimpinela" ( 1950 ) de Michael Powell y Emeric Pressburger.
Natalie entró al mundo del cine de manera poco habitual, especialmente para una mujer. En 1915, ella y su marido el doctor Kalmus , profesor de Física, Electro-Química y Metalurgia, formaban parte del Consejo de Administración de la "Technicolor Motion Pictures Corporation".
Titulada en "Arte" por el "Boston Arts School" y la "Curry School of Expression", se convirtió en Asesora de Color de buena parte de los largometrajes rodados en Hollywood, cuando las "Majors" adoptaron el sistema como parte fundamental del proceso de rodaje.
A mediados de los años treinta, el contrato del estudio con la casa "Technicolor" incluía el alquiler de una cámara y un director de fotografía encargado de aconsejar al director artístico del estudio, al decorador, a los departamentos de vestuario, maquillaje, iluminación y demás, que aspectos primordiales del color, debían usarse en sus respectivas áreas.
En estas negociaciones, Natalie y su marido tenían gran parte de los acuerdos establecidos, y ella dirigía el negocio con absoluto rigor y conocimiento, demostrando un exquisito gusto estético y una sensibilidad artística digna del mejor promotor de acuarelas gráficas.

Las primeras películas eran coloreadas a mano y exigían muchísimo trabajo y tiempo.

Natalie Kalmus junto a su prodigiosa cámara en technicolor.

El logotipo de la compañía.

El primer largometraje de acción real en Technicolor.

Pese a los esfuerzos desplegados por instaurar el color, la película no agrado al público.

En "Becky Sharp", los colores "molestaban a la vista".

De las primeras películas rodadas con este procedimiento, destacan : "La Casa de los Rotschild" ( "The House of Rostchild", 1934 ); "La Feria de las Vanidades" ( "Becky Sharp", 1935 ) y "The Trail of the Lonesome Rine"( 1936 ).
La Kalmus era pródiga en exaltar las bondades del Technicolor en los vestuarios, decorados, arquitecturas, escenarios construídos en estudio y hasta en exteriores, donde matizaba los colores y entremezclaba con notable gusto los distintos tonos de su paleta cromática.
Uno de los géneros que se vió más beneficiado con el sistema, fue la comedia musical donde se prodigaron en la estética de sus historias.
Como apunta el recordado Ethan Mordden : "Una de las características de las producciones MGM de Arthur Freed es la vivacidad decorativa : el énfasis en el Technicolor, y la naturaleza aventurera de su concepción".
Aunque no fue el único estilo que asumió "las bondades" cromáticas del sistema, no se pueden concebir hoy en día, comedias maravillosas como "La Rueda de la Fortuna"; "Easter Parade", o "Cantando bajo la lluvia", sin el acento estilizado de las tonalidades duras y brillantes de la familia Kalmus.
Títulos como : "Las Aventuras de Tom Sawyer" ( 1938 ) , "Las Aventuras de Robin Hood" ( 1938 ); ""Lo Que el Viento se Llevó" ( 1939 ); "El Mago de Oz" ( 1939 ); "Hacia otros Mundos" ( " Nortwest Passage", 1940 ); "El Ladrón de Bagdad" ( "The Thief of Baghdad", 1941); "El Fantasma de la Opera" ( 1943 ); "National Velvet" ( 1943 ); "Piratas del Mar Caribe" ( 1942 ); "Duelo al Sol" ( 1946 ); "El Despertar" ( 1946 ); "Los Inconquistables" ( 1947 ); ""Los Tres Mosqueteros" ( 1948 ) y "Mujercitas" ( 1949 ), se benefician de la sabiduría de Natalie Kalmus, para entremezclar colores en un equilibrio hermosamente estético, acorde a las brillantes tonalidades del "Technicolor".
En 1950, Natalie fundó la "Kalmus Television Company" y comenzó a producir películas para el nuevo medio. Sus asociados más frecuentes fueron : Henri Jaffa, Morgan Padelford y Robert Brower, con los cuales apareció en los créditos de numerosas películas.
El trabajo de los asesores del "Technicolor" duró mientras la técnica no tuvo competidores.
Con la irrupción de nuevos sistemas de filmación en color, culminó el período más característico de este revolucionario invento, que abrió una nueva perspectiva en el desarrollo de las tecnologías fotográficas de rodaje.

Un Breve Recuento Histórico.

"Arboles y Flores", el primer corto animado en colores realizado por Walt Disney.

Mucha agua debió correr bajo el puente, antes de imponer el nuevo invento prodigioso que alambico la utilidad de cámaras más pesadas y complejas.
Como escribió el desaparecido crítico uruguayo Homero Alsina Thevenet, "La idea de agregar color al Cine, es desde luego tan antigua como el Cine mismo, pero comenzó lógicamente con la idea de hacer fotografía en color. Eso lleva a la historia hasta 1855 cuando James Clarke Maxwell descubrió que una escena impresa en tres negativos ( azul, verde y rojo ) podía ser recompuesta en colores sobre una pantalla si esos negativos se proyectaban a través de los mismos filtros. La primera patente de cine en color fue registrada en Belín en 1897, mientras florecían los los experimemtos de color pintando a mano sobre el film mismo, los sietmas y técnicas de nombres muy diversos, el primer Technicolor elaborado sobre verde y rojo".
Todo este proceso culmina en 1932 con la película "Arboles y Flores" ("Flowers and Trees", 1932 ) de Walt Disney, que mostró un sistema totalmente perfeccionado sobre tres colores básicos y con los dibujos como elementos de composición. El mediometraje "La Cucaracha" ( 1934 ), el Technicolor fue aplicado por primera vez a seres humanos y acción viva. Después películas como "La Casa de los Rothschild"( "The House of Rothschild", 1934 ), integraron el color en una narración efectuada en blanco y negro.
La prueba de fuego llegó con el estreno del largometraje "La Feria de las Vanidades" ( "Becky Sharp", 1935 ), drama histórico de Thackeray, que fue realizado completamente con este nuevo procedimiento.
La verdad es que a nadie le gustó el filme, ni sus colores brillantes, casi chillones que embetunaban la acción, demostrando que fue difícil pasar de una cinta blanco y negro a una color, con la aceptación de la mayoría.

"El Jardín de Alá" : el paisaje árabe idealizado al atardecer..

Marlene Dietrich por primera vez, revelando sus ojos azules en colores.

Con Charles Boyer en un drama romántico, matizado por lo cromático.

"El Jardín de Alá" : Pruebas de color en pintura maté, realizadas por el experto Jack Cosgrove.

"Lo Que el Viento Se llevó" : el amanecer en Tara.

El incendio de Atlanta en "Lo Que el viento se llevó", permitió aumentar el brillo de sus colores.

La cámara de "Technicolor", compleja y extremadamente pesada.

"El Despertar" : el realce de los colores de la naturaleza.

Claude Jarman Jr., matizado por el Technicolor. Ojo con el reflejo en el río.

Como el color era novedad, en 1936 sólo se produjeron cuatro películas con ese sistema en Hollywood, entre ellas "El Jardín de Alá" ( "Garden of Ala", 1936 ), con la sofisticada Marlene Dietrich.
En realidad, no todos los colores salían muy bien aplicados en Technicolor. Los rojos eran demasiado encendidos y especialmente dotados para los fuegos capitales como en el incendio de Atlanta en : "Lo Que el Viento Se Llevó" ( "Gone With The Wind", 1939 ) , y los verdes demasiado ocres, pero lucían espectaculares en "El Despertar" ( "The Yearling", 1946 ).
El azul, fue el color que más dolores de cabeza acarréo a sus creadores.
Porque era inconsistente, demasiada poca densidad en los celestes y muy duro en los marinos intensos. Costo muchísimo darle equilibrio y fuerza, a través de la fotografía tricromática.
La revolucionaria cámara "Technicolor" contenía un "beam-splitter" ( un prisma especial ) para multiplicar la imagen desde el objetivo. Este proyectaba imágenes por separado en tres cintas en blanco y negro, impresionando individualmente los colores rojo, azul y verde. Mediante un procedimiento especial, se superponían los colores al proyectar la película en los cines.
Pese a que el resultado de las cámaras era excelente, su fabricación consideraba un elevadísimo costo y el complejo procesado, agregaba más gastos que muchas productoras no querían cubrir.
La primera película rodada en exteriores con este procedimiento fue : "The Trail of the Lonesome Pine" ( 1936 ), aunque el filme no obtuvo premios o méritos por su proeza. Eso sí, hubo opiniones críticas como en la "Newsweek" donde se comentó : "A pesar de lo poco natural que es, el color no daña seriamente la imagen".

Películas Fundamentales del Technicolor.

"Las Aventuras de Robin Hood" ( The Adventures of Robin Hood", 1938 ).

La Warner se quiso aventurar con el technicolor y rodó este clásico del cine de aventuras, para mayor gloria de la pareja integrada por Erroll Flynn y Olivia De Havilland.
La historia remite a la época de Ricardo Corazón de León en Sherwood, en una Inglaterra idealizada por Hollywood pero absolutamente pródiga en sus recursos escenográficos, con las andanzas de Robin Hood ( Erroll Flynn ), que roba a los ricos para dárselo a los pobres, hasta que por accidente, se le cruza una caravana con la bella Lady Marianne ( Olivia De Havilland ).
La pelea a capa y espada entre Erroll Flynn como Robin y Basil Rathbone interpretando a sir Guy de Gisbourne, se encuentra entre los momentos antológicos del género, pero lo que realmente lucen, son las tonalidades del color, en escenas como : las competencias de arquería al aire libre y esas sensacionales incursiones del héroe por el castillo del ambicioso usurpador del trono, Juan sin Tierra ( Claude Rains ).
Los directores William Keighley y Michael Curtiz, rodaron en distintos tiempos , con su oficio acostumbrado, esta proeza del cine de su época, que mantiene intactos su frescura, su ironía y su capacidad de entretención.
Aunque su verdadero atractivo provenga de la carismática actuación de Flynn, moldeando un personaje entre irreverente y locuaz, valiente y justiciero, muy a tono con el arquetipo que le definió durante su carrera en Hollywood.

Erroll Flynn en color, luciendo vestuario, maquillaje y peinado acorde a la producción.

Gran contrincante de Flynn, Basil Rathbone como Guy de Gisbourne.

Robin Hood : un prodigio de la arquería...

....y también de las lanzas mortales. Nótese el reflejo en el filo de la navaja.

Robin con Lady Marianne, con la luz cenital sobre sus cabezas.

Robin preparando su furtiva aparición desde los árboles.

En las competencias de arquería, la belleza de los colores del sistema.

Fíjense : verde y café para Robin : rojo y plateado para Lady Marianne. Equilibrio perfecto.

Realmente se trata de un pasatiempo refrescante, divertido y de gran ritmo narrativo, que demuestra lo mejor de la factoría, que habría de especializarse en filmes de piratas, relatos bélicos, policiales, y "cartoons" rupturistas y transgresores como Bugs Bunny y el Pato Lucas.
Además, cuenta con una contagiosa banda musical, creada por el prestigioso Erich Wolfgang Korngold, que intensifica los momentos de suspenso y magnifica las irrupciones sorpresas del héroe y su banda.
Sobre el tema, se han efectuado varias producciones, cabe recordar entre ellas : la versión muda de 1922 dirigida por Allan Dwan, y estelarizada y producida por Douglas Fairbanks; la adaptación de los estudios Disney en dibujos animados realizada en 1973 titulada "Robin Hood"; la variante temática de Richard Lester estrenada en 1976 "Robin y Marian" con Sean Connery y Audrey Herpburn; las dos adaptaciones sucesivas, "Robin Hood : Príncipe de los Ladrones" ( 1991 ) de Kevin Reynolds con Kevin Costner, y "Robin Hood" ( 1991 ) de John Irvin, con Patrick Bergin; y la más reciente versión de Ridley Scott , "Robin Hood" ( 2010 ), con Russell Crowe y Cate Blanchett.

"Lo Que el Viento Se llevó" ( "Gone With The Wind", 1939 ).

Qué se puede decir de nuevo, de este clásico épico del cine hollywoodense, que ya no se haya escrito.
Síntesis maestra de delirio romántico, épica histórica y representación primigenia de la emancipación femenina en la gran pantalla
Ambientada en Georgia en 1861, cuenta las aventuras románticas de Scarlett O"Hara ( Vivien Leigh ), que ama a su primo Ashley Wilkes ( Leslie Howard ), aunque éste prefiere a la tímida Melanie Hamilton ( Olivia De Havilland ), lo que la lleva a una espiral de relaciones maritales desastrozas, que culmina con su matrimonio con Rhett Butler ( Clark Gable ), un vividor aventurero y fanfarrón que es la "otra cara de la moneda".
Basado en la novela-río de Margareth Mitchell, el productor David O.Selznick efectúa una de las películas más emblemáticas de la era dorada de los estudios en Hollywood.
Realizada al menos por tres directores : George Cukor, Sam Wood, y Victor Fleming, sigue siendo la película clásica más rentable de la historia. Contó con la colaboración de una docena de profesionales de prestigio como : los guionistas Sidney Howard, Charles MacArthur, Jo Swerling, Francis Scott Fitzgerald, entre otros; el director William Wellman, el diseñador de producción William Cameron Menzies y el productor Val Lewton.
Cuenta con una magnífica música de Max Steiner, que ya es todo un clásico de las "soundtrack"del período.

Vivien Leigh luciendo un vestido verde. Fíjense en el tono que adquiere con el nuevo sistema.

Scarlett de blanco resaltante, ellos de azul, cafés y celestes.

"Mammy" ( Hattie McDaniell ),apretando el corset de Scarlett ( Vivien Leigh ). Atrás : fondos dorados y colores pastel.

Ahora con sombreros. Ojo con la iluminación de esta escena.

La Mansión de Tara devastada por la guerra civil.

Pruebas de color para simbólica escena.

Tara antes de la guerra. Nótense los vivos colores de la naturaleza.

El árbol gigantesco, símbolo de la fuerza de la naturaleza y de la Tierra.

Como lo define la crítico Kim Newman, "Al igual que El Nacimiento de una Nación ( 1915 ), simplifica muchas complejidades históricas, mostrando sólo esclavos felices y presentando la relación de Ashley , después de la guerra con una organización de encapuchados del Ku Klux Klan como algo auténticamente heroico. Pero la película es irresistible y las grandes escenas de Selznick se cuentan entre las más emblemáticas de la historia del cine : el retroceso de la cámara cuando Scarlett atiende a los heridos que hace que toda la pantalla se llene de soldados heridos con uniforme gris, la huída de Atlanta envuelta en llamas, Gable llevando en brazos escaleras arriba a Leigh y desapareciendo entre las sombras llenas de connotaciones sexuales".
Tal vez, su encanto estriba, en la figura dominante de Scarlett, como un personaje femenino vigoroso y autoritario, que se impone al machismo de unos crépulas. Aunque no es menos valiosa, la transcripción que hace de una época histórica determinada, el derroche de grandiosidad; y los exquisitos matices del uso cromático del "Technicolor", gracias a la fotografía de : Ernest Haller, Lee Garmes y Ray Rennahan.

"El Mago De Oz" ( "The Wizard Of Oz", 1939 ).

El viaje onírico de la niña Dorothy ( Judy Garland ) al mágico mundo de Oz, condimentado con imaginación, talento y F/Xs de notable elocuencia para su época.
Detrás de cada personaje, hay una moraleja : el espantapájaros perenne ( Ray Bolger ), asume que la valentía está en uno mismo y sólo hay que demostrarla en los momentos que se necesitan; el león tímido ( Bert Lahr ), restriega su falta de personalidad cuando aprende a defender lo suyo con arrojo y personalidad ; el hombre de lata ( Jack Haley ), adquiere un corazón cuando demuestra su amor al grupo y a Dorothy. Todos van en busca del mago ( Frank Morgan ), amigo del hada buena ( Billie Burke ), y acérrimo enemigo del hada mala ( Margareth Hamilton ), para crecer en la aventura y extraer más de una lección vital, según los personajes del cuento de Frank L.Baum.
La película es una comedia musical infantil, resuelta con todos los detalles maravillosos de la Era de los Estudios : unidad de lugar, unidad de acción, grandes secundarios, enanos auténticos para las escenas en los inicios del "camino amarillo"; espectaculares decorados, disfraces y vestuarios, y un alegórico uso del color.

Dorothy y la luz de la bruja buena, que le protegerá en su aventura.

Los Munchkins, enanos que inician a Dorothy por el camino amarillo.

La bruja mala del Norte ( Margaret Hamilton ). Nótense los colores del mono.

La bruja buena del Sur ( Billie Burke ),en estilizado escenario.

Los colores de la fantasía, en una producción antológica de la historia del cine.

Otra foto con los Munchkins, con trajes de distinto matiz.

Dorothy con el Mago de Oz. Observen el verde y el celeste como contraste a los vestuarios.

La piel verdosa de la bruja en traje negro, y el delantal celeste de Dorothy, contraste ideal.

En plena aventura fantástica, Dorothy y sus amigos.


Vista panorámica de las Tierras de Oz, gracias a los efectos visuales de la pintura matté.

Recuerden ese campo de amapolas que deben atravesar los protagonistas, o ese caballo que cambia de tonos como un camaléon, que les transporta en Oz.
Aquí el uso del invento de los Kalmus, adquiere un carácter simbólico.
Todo el sueño es en color. Y ahí lo significativo de la historia: parece ser que la vida real es en blanco y negro, oscura, agreste, triste y desolada.
Sin duda, uno de los momentos inolvidables del filme, es la transición del blanco y negro al color, cuando Dorothy trasladada por el tornado, llega a las mágicas Tierras del Cuento y abre su ventana, mientras Oz se transforma al technicolor.
Es la película más popular del director norteamericano Victor Fleming, que tuvo que dividirse el trabajo, para supervisar, a la vez, algunas escenas de "Lo Que el Viento Se llevó", una vez que George Cukor abandonó el rodaje.

"El Ladrón de Bagdad" ( "The Thief of Bagdad", 1940 ).

De la cinematografía inglesa proviene esta extraordinaria película de aventuras y fantasía extraída de "Las Mil y una Noches".
Exquisita en lo estético, en las notables transcripciones de un mundo maravilloso, es la obra maestra de los hermanos Korda que debieron concluírla en los estudios norteamericanos por el inicio de la Segunda Guerra Mundial.
Dirigida a tres bandas por Ludwig Berger, Michael Powell y Tim Whelan,con la colaboración del prestigioso director artístico William Cameron Menzies y la fotografía en technicolor de George Perinal, resume el punto culminante de espectacularidad cinematográfica, en una simbiosis atractiva entre Korda y Hollywood.

El majestuoso escenario del estupendo clásico de aventuras fantásticas.

Dúo protagonista : El califa Ahmed ( John Justin ) y Abú ( Sabú ).

El villano de turno : el visir Jaffar ( Conrad Veidt ). Observen los colores oscuros del personaje.

La hermosa princesa ( June Duprez ), toda belleza y glamour.

Sabú en exteriores. Los colores más fuertes en el fondo del cuadro.

Personajes maravillosos integra la historia. Ojo con celeste y rojo.

Una notable panorámica de Bagdad , matizada por el "Technicolor".

Desde el barco, todo es esplendor visual.

El Ojo espía del visir, cercado por el rojo encendido de los Kalmus.

Arriba al fondo, el viaje en la mágica alfombra voladora.

El encuentro con el genio de la botella ( Rex Ingram ).

Abú ( Sabú ), a punto de ser pisoteado por el genio.

Intentando recuperar el trono, pese a la mendicidad y la ceguera.

Y fueron felices para siempre.

Otra maravilla : el caballo volador.

La historia que sirvió de base a la cinta animada "Aladdin", recrea los esfuerzos del califa Ahmed ( John Justin ) y su fiel amigo Abú ( Sabú ), por evitar las ambiciosas estrategias del visir Jaffar ( Conrad Veidt ), para asentarse en el trono de Bagdad. Ello, a costa de dejarlo ciego por lograr el amor de su princesa ( June Duprez ) , hija del sultán de Basora ( Miles Mallieson ), que también está enamorada del muchacho.
Notables efectos visuales, que recrea al genio de la botella ( Rex Ingram ) y los vuelos mágicos de un caballo mecánico o de la alfombra mágica, le agregan no poco encanto a esta inolvidable cinta de aventuras.
Además, en su restaurada versión DVD se puede constatar toda la belleza del sistema cromático, que agrega un encanto adicional a escenas decisivas como : el primer encuentro de la princesa y su pareja mirando un riachuelo, o esa otra de los amigos viajando río arriba, en busca de las soluciones que restablezcan el orden y la tranquilidad en la ciudad llena de minaretes y obeliscos.

"El Fantasma de la Opera" ( "Phantom of the Opera", 1943 ).

El cine de terror también ingresó al Technicolor por la puerta ancha, y fue con esta película de la Universal , que se basa en la clásica novela de Gastón Leroux, para narrarnos la historia de un amor imposible : entre un enloquecido compositor ( Claude Rains ) y una hermosa cantante de la Opera de París ( Susanna Foster ), a vista y paciencia del compañero de actuaciones de la intérprete ( Nelson Eddy ).
El drama del monstruo escondido en las sinuosas cavernas bajo el piso; aflora como un encantamiento, que aprisiona el cerebro y los sentidos, cuando la idolatría del hombre, le obliga a aprisionar a su beldad, frente a las funestas maquinaciones del esbirro.
Esta historia se ha realizado en varias ocasiones : en la época muda conoció en 1925 una notable versión dirigida por Rupert Julian, estelarizada por Lon Chaney, Mary Philbin y Norman Kerry; y después en 1962, Terence Fisher insistió en el mito con Herbert Lom, Heather Sears y Thorley Walters ; en 1974 , Brian De Palma hizo lo suyo con Paul Williams, Jessica Harper y William Finley ; mientras que, en 1982 Robert Markowictz volvió al tema con Maximilian Schell, Jane Seymour y Michael York.
Las últimas versiones conocidas por estos lados son : de 1990 del artesano Dwight H.Little con Robert Englund, Jill Schoelen y Alex Hyde-White y del 2005, que es la adaptación musical de Broadway de la obra de Andrew Lloyd Weber, llevada a la pantalla grande por Joel Schumacher con Gerard Butler, Cindy Rossum y Patrick Wilson.

Susanna Foster realzada por el rojo encendido de los Kalmus.

El famoso teatro Opera de París, que hasta hoy se usa en rodajes.

Fondos oscuros, máscara y vestuario blanco para destacar a los personajes.

La historia tiene su encanto : animalidad sexual transmutada en la imagen monstruosa del deforme; virginalidad explosiva de la chica embelesada por sus encantos vocales ; brutalidad versus belleza, en una simbiosis interesante y atractiva.
Esta cinta de 1943, tiene a su favor, la notable y estilizada concepción de un universo romántico clásico, gracias a "las bondades" del Technicolor.
Colores pastel para ella, ocres y negros para él; y una almibarada presentación plástica simulando la Opera auténtica, con grandes resultados escenográficos.
De hecho, el escenario del teatro de esta película, se ha mantenido intacto por décadas, sirviendo a otras producciones de distinto interés y tonelaje.

"Que el Cielo la Juzgue" ( "Leave Heart to Heaven", 1945 ).

Que el cine negro o policial introdujera el technicolor, cuando su origen estaba en las componendas del blanco y negro, fue una verdadera innovación y gran desafío para el realizador John M.Stahl, que entregó una obra redonda sobre la instigación y el amor permisivo.
Gene Tierney es la chica que conoce por casualidad a Cornel Wilde, un novelista famoso, con quien se casa, pero víctima de sus afiebrados celos y resquemores relativos a su pasado, eliminará a todas las personas que se interpongan en sus caminos, incluyendo su joven cuñado paralítico ( Darryl Hickman ) , y su prima ( Jeanne Crain ) .
Con una magnífica estructura de itinerario, rodada en espléndidos escenarios naturales con todo el esplendor del technicolor del fotógrafo Leon Shamroy, la película es una extraordinaria obra de crimen y obsesiones románticas.

Encuentro casual y fatal que termina en matrimonio.

La agradable cabaña de veraneo.

La prima otro obstáculo para el amor demencial de la chica.

En la intimidad, la pasión obsesiva.

Con su joven cuñado en una escena tensa y elocuente.

El juicio en colores ocres, con Vincent Price de abogado acusador.

Parecían la pareja perfecta, pero ella venía enferma de celos.

Todavía impactan escenas, como cuando deja que su cuñado se ahogue o aquella adonde se deja caer por las escaleras para abortar, sin embargo su mayor valor artístico hay que encontrarlo, en la estupenda narrativa lograda por el guionista Jo Swerling, que asume toda la desolación y encrispada mentalidad de la chica, hermosa, preciosa, cruel , intuitiva, celosa y arpía.
El filme se basa en la novela de Ben Ames Williams y se convierte en su adaptación cinematográfica, en una verdadera joya del suspenso y del drama romántico alienado.

"Duelo al Sol" ( Duel in the Sun", 1947 ).

Si hay una película que idolatra el cineasta Martin Scorsese, y que nosotros defendemos desde la modestia de su revisión, es este colosal y mastodónico western romántico, producido por David O.Selznick para lucimiento de su esposa la actriz Jeniffer Jones, y dirigido por el solvente King Vidor.
El relato procede a los O"Hara, ahora en un ambiente del lejano Oeste, un enorme rancho ganadero, hasta donde va a vivir la joven amerindia Pearl Chavez ( la Jones, claro está ), bajo la protección de Laura Belle ( Lillian Gish ), de los arrebatos románticos de sus hijos : el modesto y bienaventurado Jesse McCanles ( Joseph Cotten ) y el perverso y sangrón Lewt McCanles ( Gregory Peck ).
Todo este cuadro aderezado por la grandilocuencia de escenas como : el enfrentamiento entre ganaderos y ferrocarrileros; estupendamente realzados por el technicolor de la fotografia de : Lee Garmes, Harold Rosson y Ray Rennahan.

El título sobre un sol abrasador.

Pruebas de color para la película sobre pintura matté.

Gregory Peck como el díscolo y malvado Lewt McCanles.

En exteriores, el acento en los cielos.

La aridez del desierto remarcada por los rojos intensos.

Los interiores nocturnos remarcados por la luz de la lámpara.

La grandilocuencia visual de la épica western.

El imponente escenario rodado en technicolor con pintura mate.

Los actores del filme ( de izquierda a derecha ) : Walter Huston, Joseph Cotten, Jeniffer Jones, Gregory Peck y Lionel Barrymore.

Se trata de un western poco común, lleno de excesos maravillosos : el saloon es casi tan grande como una cancha de fútbol; las corridas por los faldeos ganaderos no la hace una pandilla de vaqueros, sino cientos de cowboys galopando para impedir la construcción del ferrocarril; y la temática del apasionado romance idílico, termina a balazo limpio, con la pareja ultimándose entre acantilados desiertos y con un sol abrasador, que abre y cierra la película.
Además, el elenco cuenta con sendas actuaciones secundarias de : Lionel Barrymore; Walter Huston, Herbert Marshall, Charles Bickford, Tilly Losch, Harry Carey y Otto Kruger. Verdaderamente, notable.

"Cantando Bajo la Lluvia" ( "Singin "in the Rain", 1952 ).

Considerada la comedia musical americana más perfecta de la historia, es también una digna representante del "cine dentro del cine".
En efecto, la historia se recrea en la transición del período mundo al sonoro, describiendo los esfuerzos de la desconocida actriz y cantante Kathy Selden ( Debbie Reynolds ), por triunfar en el Hollywood de 1927.
El filme cuenta cómo Don Lockwood ( Gene Kelly ) se convirtió en estrella y hace una parodia de los tremendos esfuerzos de muchos actores y actrices por superar sus problemas vocales con la irrupción del sonido.
Al fracasar el rodaje de su última producción, por la chillona voz de su pareja, la famosa Lina Lamont ( Jean Hagen ), Lockwood decide integrar a la chica aspirante a estrella, con la ayuda de su amigo Edmond Brown ( Donald O "Connor ), pese a los celos y a la furia descontrolada de su "partenaire" habitual.

El filme rememora la transición del cine mudo al sonoro,

Glamour en el vestuario y en el uso del color.

Debbie Reynolds interpreta a la chica que desea triunfar en el Hollywood de 1927.

Apareciendo en un pastel para sorpresa de Gene Kelly.

Con Donald O"Connor y Gene Kelly, la chica expresando su alegría.

El momento mágico que Kelly rodó resfriado. Color, danza y música.

La danza hecha sueño, y el sueño hecho realidad por la magia del cine en technicolor.

El amor hecho canción : Kelly sellando su romance con Debbie Reynolds.

El filme recicla varios de las antiguas canciones del musical americano, pero también integra de manera muy inteligente, una crítica mordaz a los productores estereotipados y a las beldades vulgarizadas, que son elevadas al rango de artistas de la pantalla, con el apoyo de los medios de comunicación masivos.
Se trata, sin duda, de una obra maestra del musical, más pletórica de ritmo, color y fuerza, que muchas de las adaptaciones que se hicieron de obras teatrales de Broadway. Debida a la estrecha colaboración del tinglado conformado por : el productor Arthur Freed, que formó una Unidad en la MGM para producir notables obras como ésta; el bailarín, coreógrafo y director Gene Kelly y el realizador Stanley Donen, todos grandes cultores del género. Y también al estupendo guión del matrimonio formado por Betty Comdem y Adolph Green, lleno de ideas, vigor, astucia, ironía, humor, romance y canciones, dentro de un repertorio irrepetible.

Fotos Gentileza : Warner - MGM - Disney- 20 th.Century Fox - Universal - United Artist- Doctor Macro - CasperWorld- Matte Shot A Tribute to Golden Era - Variety - Kalmus Legacy - Archivos. -