Oficio del Cine : Director de Fotografía :

Luz, Cámara , Acción ¡ Se Rueda !

Ciertamente, el Cine no existiría sin la fotografía. Una reflexión que suena a perogrullo, sin embargo, es fundamental reconocer que, el arte filmico siempre ha estado condicionado por distintos inventos adicionales, que le dieron la sangre al cuerpo y potenciaron su desarrollo a través de los años.
Como está establecido en la historia, que tan señeramente destaca el teórico y crítico español Román Gubern : "hacia 1816, el francés Joseph Nicéphore Niepce ( 1765-1833) tratando de perfeccionar el invento de la litografía, consiguió químicamente fijar las imágenes reflejadas en el interior de una cámara oscura. Hombre retraído y de holgada posición, Niepce se encerró en su finca absorto en sus experimentos, que le valieron no pocas satisfacciones, llegando a obtener su primera fotografía de un paisaje en 1826, empleando una exposición de ocho horas. Poco antes de morir, se asoció con el decorador Louis-Jacques Mandé Daguerre ( 1787-1851),que consiguió reducir el tiempo de exposición a media hora y heredó para sí la gloria del invento, al que denominó daguerrotipo".
La maravilla del momento, incentivó la creación de la reproducción de monumentos y vistas siguiendo los patrones de su origen. Hasta que, la progresista carrera por obtener fórmulas más rápidas e instantáneas de revelado, logró prender el desarrollo en paralelo de un arte, si bien, con todos las limitancias de su primitivismo.
Por correspondencia, el cine que salió de varios inventos anteriores sumados a los hallazgos técnico-químicos de los hermanos Louis y Auguste Lumiéré, vinieron a remarcar la valorización de la fotografía en la impresión de cada fotograma ( o cuadro cinematográfico ).
Gubern destaca : "La Ilusión del Cine se basa en efecto, en la inercia de la visión, que hace que las imágenes proyectadas durante una fracción de segundo en la pantalla no se borren instantáneamente de la retina. De este modo, una rápida sucesión de fotos inmóviles, proyectadas discontínuamente, son percibidas por el espectador como un movimiento continuado".
El fenómeno óptico descubierto por el físico belga Joseph Plateau ( 1801-1883), llamado de "la persistencia retiniana", ideó una serie de juguetes populares, de los cuales saldría después, el cinematógrafo. 
"El secreto del invento residía en realidad en un sencillo mecanismo, ( grifa de la excéntrica ), que permitía el arrastre intermitente de la película, dispositivo que se le ocurrió durante una noche de insomnio a Louis que no obstante, asoció el nombre de su hermano a la patente".
Así, la fotografía es la "espina dorsal de este esbelto y robusto cuerpo", que nos ha entretenido desde 1895 a la fecha con la maravillosa ensoñación, de que la fantasía también puede convertirse en realidad a los ojos ( o mejor dicho, al lente ) del visor de la cámara.

¿ Qué es el Director de Fotografía ?

Es aquel profesional responsable de la toma de vistas : iluminación, encuadre, selección de la cámara, del objetivo y del tipo de película para cada toma. En realidad, es la mirada del filme. Una persona que es experta en estética, con gusto y personalidad, capaz de extraer de situaciones potencialmente complejas, aspectos maravillosos de paisajes, escenarios, platós, rostros, cuerpos, objetos, y que invariablemente tiene un nexo con el director de producción y el realizador.

Unión Indisoluble.

El comediante Buster Keaton en "El Cameraman".

Grandes binomios ha tenido la historia del Cine, respecto al trabajo mancomunado entre director y director de fotografía. Colaboradores habituales que, en su esencia, han demostrado una franquicia de notable creatividad y que perpetúa el arte cinematográfico.
Entre las duplas señeras hay que destacar : Gregg Toland-John Ford y William Wyler; Gabriel Figueroa- Emilio Fernández; Ben Reynolds-Erich von Stroheim; Eduard Kazimirovich Tissé- Sergei Eisenstein; Karl Freund-Friedrich Murnau; Rolland H.Totheroh-Charles Chaplin; Leonce-Henry Burel - Abel Gance y Robert Bresson; Fritz Arno Wagner-Fritz Lang;  Théodor Sparkühl-Ernst Lubistch; Joseph H.August-John Ford; Harold Rosson-Howard Hawks y Allan Dwan, Cecil B.De Mille, Josef von Sternberg, entre otros. 

En el cine contemporáneo hay maestros de la luz como: Néstor Almendros , Sven Nykvist, Robbie Müller, Subatra Mitra o Gordon Willis, imposibles de disociar de las filmografías de Francois Truffaut, Ingmar Bergman, Wim Wenders, Satyajit Ray o Woody Allen, respectivamente, porque sus meritorios trabajos están relacionados con grandes películas de estos cineastas de reconocida trayectoria.
Indistintamente, el director de fotografía es lo que "los ojos" son para nuestro diario vivir, una metáfora de importancia radical en el trabajo de estos expertos.

En el cine actual.

Vittorio Storaro considerado uno de los fotógrafos más prestigiosos del cine actual.

Las asociaciones entre directores de fotografías y realizadores son tan recurrentes como las que éstos tienen con sus respectivos diseñadores de producción y montajistas. Lo que pasa es que, para un director de fotografía resulta más cómodo trabajar con equipos preestablecidos, donde ya existe un "feeling" y un "tempo" que los acomoda en los proyectos más determinantes del negocio.
En este panegírico de profesionales, también salen a relucir individualismos muy difíciles de romper.
El experto fotógrafo Vittorio Storaro creador de las imágenes de "El Ultimo Tango en París", "El Conformista", "Apocalipsis , ahora", "Dick Tracy", "Golpe al Corazón" y "El Ultimo Emperador", le señala al periodista Juan M. Rodríguez, que siempre hay un peligro latente que desata pasiones y exigen autorías algo personalistas en los rodajes. 
__"Cuando el director es bueno, eso no ocurre. Yo me someto a la realidad de que el cine como toda obra común, debe tener un responsable, y ese responsable debe ser el director. El problema es que las ideas esten claras ; así cada artista gozará de su propia libertad. La idea de las fotografía en las películas de Bertolucci o de Coppola es de Storaro. Pero es justo que la aprobación final sea suya".

Mosaico con los principales aspectos estéticos y colorísticos de "Apocalipsis Ahora" de Coppola.

 

El dantesco paisajismo, roto por la caravana aérea de la muerte.

 

La iluminación tenue en la habitación del soldado.

Colores húmedos al interior de la selva, replegados en siluetas misteriosas.

 

"Golpe al corazón" : la magia cromática del musical rodado en estudio.

La simbología publicitaria en luces de neón en las sobreimpresiones.

La fastuosidad de los carteles y los artificios estéticos en el ambiente.

  

Las Vegas bajo techo, sugerido en brillantes colores.

 

"El Ultimo Tango en París": los colores simbólicos del drama urbano.

A Storaro se le considera un "maestro de la luz", porque ha renovado con su técnica los conceptos que se manejan en este campo. 
El mismo infiere que : "Yo escribo con la luz. Y la luz tiene usos simbólicos. Cuando comprendo el sentido del filme doy a cada personaje o a cada emoción un tono, un color. Para hacer Golpe al Corazón de Coppola, estudié cromoterapia, una ciencia que explica como cambia el cuerpo ante la presencia de determinada luz. No se trata de magia, es ciencia. Igual en El Ultimo Emperador, mi teoría fue de la vida o la luz". 
"Otro ejemplo : en El Conformista se cuenta una historia en un país, Italia, sometido a un período histórico de claustrofobia y rigideces. Y de repente, hay una secuencia en París; esa secuencia está filmada en azul para dar sensación de libertad. Sin embargo, el mismo París, dos años después en El Ultimo Tango fue tenue y naranja, al descubrir que la luz de la ciudad era languideciente porque era una mezcla de luz natural y luz artificial. Encontré que el naranja irradiaba en esa frecuencia , y que eso coincidía con la decadencia del personaje de Marlon Brando. Así surgió ese color que expresaba la pasión y, a la vez, el refugio en el vientre materno".

En el cine clásico. 

Gabriel Figueroa, dejó una huella imborrable en el cine mexicano.

Maestro indiscutido del cine mexicano y americano, Gabriel Figueroa ( 1907-1997), fue frente a todo, un exégeta de la pintura que selló un estilo característico sobretodo en la visualización del paisaje azteca.
Figueroa está considerado uno de los directores de fotografía más influyentes del cine de los años cuarenta y cincuenta, que trabajó con John Ford en "El Fugitivo", con John Huston en "La Noche de la Iguana" y "Bajo el Volcán", con Luis Buñuel en  "Los Olvidados", "El", "La fiebre sube al Pao", "Nazarín", "La Joven" y "El Angel Exterminador" y fue el cameraman habitual del "Indio" Fernández para películas como : "Flor Silvestre", "María Candelaria", "La Perla", "Río Escondido" y "Maclovia", entre otras.
El crítico José Román lo entrevistó a propósito de su visita en el Festival de Toronto hace más de una década.
Dentro de la temática del encuentro, el profesional deja muy en claro, la relación simbiótica que existe entre el director de fotografía y el realizador de una película :
__"La fotografía es una intérprete, como un actor y una actriz. De repente es tan estrella como una estrella del cine. Al respecto le puedo mencionar Barry Lyndon, Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago, La Hija de Ryan, las tres últimas de un gran director como David Lean; pero Freddie Young era el fotógrafo y con esas películas ganó tres Oscar. El director es responsable de toda una película. En su relación con el fotógrafo le dice yo veo desde aquí mi escena. Pero si él tiene confianza en el fotógrafo y quiere tener una imagen mejor , deja que piense el fotógrafo. Entonces, éste puede proponerle algún cambio. Cuando usted pide algo y se lo mejoran en la fotografía, es porque se trata de la especialidad de un fotógrafo. En esa línea, ha habido grandes filmes en que se ha producido un entendimiento entre el director y el fotógrafo, Eisenstein-Tissé, Ford-Toland, Lean-Young, Bergman-Nykvist,Emilio Fernández y yo, guardando las proporciones. En estas combinaciones director-fotógrafo, cuando se busca una buena imagen bien compuesta, artística , entonces usted no sabe donde termina la dirección y adonde empieza lo artístico en la fotografía".

"Enamorada" : claroscuros y perspectivas infinitas.

Famosos en el cine azteca son "los cielos de Figueroa".

El "Indio" Fernández, fotografiado por Figueroa.

  

"María Candelaria" : los personajes subordinados al paisaje.

 
Los maestros de la luz también se dejan influenciar por estilos, movimientos y vanguardias artísticas de otras culturas, aunque intentan mantener un sello "localista" que las identifique. 
Figueroa confidenció que : "Yo divido mis estudios o más bien mi observación plástica en dos. En primer lugar, el expresionismo alemán que, hasta la fecha, sigue vibrando, con su fuerza en la iluminación de interiores. Recordemos lo que ganó Hollywood, con la iluminación de los cineastas alemanes. Ellos cambiaron desde un principio, la imagen de las bellezas de Hollywood. Josef von Sternberg que era muy buen fotógrafo, iluminó a Marlene Dietrich creando la imagen de la femme fatale. Antes la iluminación de las estrellas, Dolores del Río y Greta Garbo, era plana. Entonces encontraron al fotógrafo Lee Garmes , uno de los mejores que ha tenido Hollywood y con él nació la imagen de la mujer fatal, con fuertes high lights en el pelo, con gasas de difusión para darle la belleza y el misterio. Desde ese momento, Hollywood cambió la iluminación de todas sus estrellas. Ahí apareció el glamour derivado del expresionismo alemán. 
En lo que respecta a la iluminación de exteriores, nadie como Tissé y Eisenstein. Todo era vibración, belleza, fuerza, composición. Recordemos la escalinata de El Acorazado Potemkin. Yo tomé esas dos escuelas. Estuve becado en Hollywood en 1935, con Gregg Toland que fue el fotógrafo de El Ciudadano Kane. Y el me aceptó. Después lo seguí viendo con frecuencia. Cada vez que tenía la oportunidad volaba a Hollywood para verlo trabajar, porque era un hombre muy inquieto que siempre estaba buscando nuevas cosas". 
"En resumen, mis influencias fueron , el expresionismo alemán, el cine soviético, y la pintura flamenca en iluminación y composición, especialmente Vermeer. Según todos sabemos Rembrant era mucho mejor pintor. Pero  Vermeer se especializaba en seguir la luz y la sombra. Inclusive él hizo una de las primeras cámaras fotográficas, con un agujero para poder seguir la luz. También estudiamos las perspectivas de Velasquez, uno de los grandes. De ahí pasamos al impresionismo, Turner, ese pintor inglés que fue el primer impresionista sin saber que lo era, en el paisaje y en todo. Después una de las fuertes impresiones que he tenido y que he aprovechado en el cine, ha sido la pintura de Chirico, con sus sombras. Todo eso fue mi estudio, mientras yo no encontraba un estilo. Después vino el estilo mexicano. El estilo es donde el espíritu toma forma. Seguí la composición de Diego Rivera, la fuerza de José Clemente Orozco y la gran fuerza de Siqueiros, con sus escorzos que le dan tal actitud al ser humano, que en la pantalla se salen de ella, si usted emplea bien la perspectiva, la luz y las sombras". 
 

"El Fugitivo" con Henry Fonda dirigida por John Ford, uno de sus trabajos para el cine americano.

El detallismo de la luz en el campanario con el sello del artista.

  
Como recuerda Figueroa más tarde vino el "technicolor" que obligó a renovar los conceptos prácticos de iluminación y estética.
___"En el color no se necesita buscar volumen, porque lo dan los colores mismos. Es un problema más bien de gusto. En un principio, el color estuvo un poco frenado, porque Hollywood era el patrón de todo lo que se hacía en el mundo, en película, aparatos y sistemas. Vino entonces el Technicolor , que ha sido el mejor hasta la fecha. El problema es cómo era pensado el sistema. Recuerdo el caso que se presentó con Lo Que el Viento Se Llevó. Selznick el productor, contrató a ese gran director George Cukor, y a Lee Garmes, ese gran fotógrafo. Al poco tiempo, Selznick los despidió a ambos, porque estaban haciendo un trabajo artístico y eso era algo que él no quería. El quería el color con el que vive el norteamericano, el color de las palomitas, del Tío Sam de los strips. Y eso no se puede criticar porque es materia de gusto. Entonces, puso a Victor Fleming y Ernest Haller como director y fotógrafo, e hicieron una película al gusto del productor".
Finalmente, respecto a su relación con el director Emilio Fernández, a partir de la cual, surgió una "nueva plástica" dentro del cine mexicano, recordó que :
___"Ahí hubo una gran ventaja, porque Emilio Fernández tenía talento y podía tener comunicación con la gente. Era emotivo. El había hecho algunas películas que no se distinguían fotográficamente de otras. Cuando nos juntamos, desde la primera escena que vió, descubrió que tenía fuerza, que tenía belleza, que tenía algo que yo agregaba con mi forma de ver las cosas. 
Si usted toma la pintura, la escultura, la arquitectura, la música, la danza, la poesía, ninguna de esas actividades es arte. El artista es el que las vuelve arte", concluyó.

Grandes Fotógrafos del Cine Clásico.

La lista de profesionales es innumerable. Por eso, como siempre hemos intentado seleccionar los más característicos de su época. Como una manera de homenajear, el trabajo valioso que han hecho respecto a su colaboración con destacados  directores. 

Billy Bitzer ( 1872-1944 ).

El pionero camarógrafo rodando con el maestro David Wark Griffith.

"El Nacimiento de una Nación" : obra cumbre del cine de todos los tiempos.

Considerado el primer gran operador cinematográfico de la historia, consagró su talento trabajando habitualmente para el pionero David Wark Griffith.
Significativamente, descubrió con Griffith el valor expresivo del primer plano, del "flash back", y de los movimientos de cámara. Intentó dominar además, las técnicas de la iluminación natural y artificial, para darle más relieve a las imágenes.
En los estudios Biograph y con Griffith rueda más de 450 cortos entre 1908 y 1914, que van desde la comedia al western, pasando por la parábola social, las reconstrucciones históricas y las adaptaciones fílmicas de clásicos literarios de : Edgar Allan Poe, Charles Dickens, Jack London, Guy de Maupassant, William Shakespeare y Robert Louis Stevenson. 
Su consagración definitiva llegará de la mano de las obras maestras del pionero del cine como : "El Nacimiento de una Nación" ( "The Birth of Nation", 1915), un fresco histórico de casi tres horas de duración sobre la guerra de secesión, el asesinato de Abraham Lincoln, el nacimiento del Ku Kux-Klan y como todo ello influye y evoluciona en las relaciones de dos familias de época;  "Intolerancia" ( "Intolerance", 1916 ), que entrelaza un drama social contemporáneo, con la matanza de la noche de San Bartolomé y la pasión de Cristo; "Lirios Rotos" ( "Broken Blossoms", 1919 ), un drama sobre las funestas relaciones entre un padre alcohólico, su hija y un comerciante chino en el puerto cantonés; "Las dos tormentas" ( "Way Down East", 1921), un desgarrador melodrama sobre odios, abusos, vicios y sufrimientos de una pareja en el apartado pueblo de Belden; y "Las dos huerfanitas " ( "Orphans of the Storm", 1922), otro melodrama ambientado en la Francia revolucionaria, y rodado en unos enormes decorados construídos en los estudios de Mamaroneck de catorce acres de extensión.
También dirigió seis películas entre 1903 y 1908, de las cuales no existen vestigios.

Rolland H.Totheroh ( 1860-1967 ).

De gorro de lana, Totheroh y Chaplin rodando "La Quimera del Oro" en helados exteriores.

"El "Pibe" : Totheroth en el cenit de su trabajo fotográfico.

Se desempeñó primero como ilustrador de un periódico antes de concentrarse en el campo cinematográfico. Aunque nunca muy ponderado por su director favorito Charles Chaplin, Totheroh desempeñó una labor definitiva en el establecimiento estético de las comedias y dramas del genial bufo.
Partió en la "Essanay" con Chaplin en el corto "His New Job" ( 1915 ) y culminó su carrera con el largometraje "Candilejas" ( "Limelight", 1952).
Su trabajo valioso y discreto, alcanza la exquisitez plástica en los ambientes dickensianos de "El Pibe" ( "El chico" ( "The Kid", 1922), más romántico en extremadas condiciones climáticas en "La Quimera del Oro" ( "The Gold Rush", 1925 ); y verdaderamente simbólico en "Luces de la Ciudad" ( "City Lights", 1931), más ajustado a las claves dramáticas de la historia.
También podía ser futurista prodigando el plano general en "Tiempos Modernos" ( "Modern  Times", 1936 ), los "travellings" y encuadres realistas a propósito de una parodia de la realidad en "El Gran Dictador" ( "The Great Dictator", 1940) y más intimista y sugerente en : "Una mujer de París" ( "A Woman in Paris", 1923) y  "Monsieur Verdourx" ( 1947 ).
Para Totheroh la prevalencia del plano americano era una característica formal de la propuesta chapliniana, tributaria del teatro y del vaudeville. Pero como buen esteta visual, pudo someter su mirada ( y la de Chaplin ) a primeros planos decisivos, que ayudaban a entender el "gag" o la emocionalidad fingida del artista en momentos culminantes ( recuerden la escena final de "Luces de la Ciudad" ).

Eduard Kazimirovich Tissé ( 1897-1961 ).

Gran parte de su trayectoria la efectúo con Sergei Eisenstein.

 

"Acorazado Potemkin" : las escaleras de Odessa, antología del cine.

Operador ruso que trabajó como "cameraman" de actualidades durante la revolución, a principios del siglo XX. 
Sus inicios en la profesión fueron en las películas : "Hambre, hambre, hambre" ( "Golod...Golod...Golod" , 1921), "La Hoz y el Martillo" ( "Serpt Imolot", 1922 ) ambas de Vladimir Garlin y "Cine-Verdad ( "Kino-Pravda", 1922 ) de Dziga Vertov.
Su colaboración habitual con el director letonio Sergei Eisenstein, le llevaría a fotografiar las películas más influyentes de lo que se denominó el cine del "montaje de atracciones", punta de lanza de la edición entendida como herramienta al servicio del lenguaje cinematográfico.
De ahí nace la fotografía decisiva de "El Acorazado Potemkim" ( 1925 ), en las escalinatas de Odessa, donde filma cada detalle del acribillamiento de la "masa" popular por parte de las tropas zaristas. 
La fuerza de sus imágenes y su capacidad para crear emociones, en ausencia de protagonistas individuales, representan para el desarrollo del cine, nuevas cotas expresivas de gran originalidad y lirismo.
En "La Huelga" ( 1925 ) se convierte nuevamente en un virtuoso de la cámara. Construye metáforas visuales con Eisenstein, y alegorías simbólicas a un ritmo de frenesí sin precedentes.
Otro aluvión de imágenes de características barrocas que integran elaboradas metáforas está en "Octubre" ( 1928); mientras recorre un universo mucho más reducido e intimista en "La Línea General" ( 1929), donde nos muestra planos generales del campo sembrado de trigo, de gran belleza visual.
Exégeta de la cultura azteca, alcanza su paroxismo en las potentes alusiones visuales de "Que viva México" ( 1931), la inconclusa obra que ha sido remasterizada y valorada como es debido a una pieza maestra del cine.
Su labor concluirá con dos obras imprescindibles del cine ruso : "Alexander Nevsky" ( 1938 ), llena de simbólicas panorámicas y certeras elucubraciones plásticas de total barroquismo; y la exhuberante "Iván el Terrible" ( 1944, I Parte; 1946, II Parte), pieza operática insustituíble de la obra del genial Eisenstein. 

Leónce-Henry Burel ( 1892-1977 ).

El operador francés en su juventud.

"Napoleón": la monumental película de Abel Gance, fotografiada por Burel.

 
Fotógrafo francés que se transformó en colaborador habitual del realizador Abel Gance. 
Maestro del contrastre ampuloso, es autor de las escenas delirantes de "Yo, acuso" ( "J"Acusse", 1919), donde los muertos se levantan de los campos de batalla y se preguntan si su partida ha servido para algo. 
Fue el director de fotografía de : "La Rueda" ( "La Roue", 1923), un imaginativo homenaje al ferrocarril, donde Gance imprime una intensidad y un ritmo elocuente y original; y sobretodo, la monumental "Napoleón" ( "Napoleón", 1927), aparatosa biografía del general Bonaparte, donde mediante la construcción de diversos dispositivos, se dotó a la cámara de gran movimiento : convirtiéndola en un péndulo en la secuencia de la Convención; o montándola en un trineo en la escena de la batalla infantil de bolas de nieve. 
Además, se utilizó por primera vez la "Polyvisión" y la proyección en un tríptico, en un antecedente director del "CinemaScope". 
En el período sonoro, Burel trabajó con regularidad junto a Robert Bresson, para quien efectúo notables hallazgos visuales, que involucran una estética simbólica y la recreación de atmósferas intimistas de gran austeridad y expresividad religiosa, como en : "Diario de un Cura Rural" ( 1951); "Un Condenado a Muerte se ha Fugado" ( 1956 ) o "Pickpocket" ( 1959). 
Durante su trayectoria completó 139 producciones, que revelan una vida azarosa dedicada al cine. 

Karl Freund ( 1890- 1969 ). 

El fotógrafo alemán, instituyó toda una estética en los estudios americanos Universal.

"Metrópolis" : obra cumbre del cine alemán que rodó Freund.

Nació en Bohemia en Koeniginhof, que era parte del Imperio Austro-húngaro, ahora República checa. A los quince años era un proyeccionista profesional, y a los 17, se dedicó a operador de cámara de hechos y actualidades noticiosas. Consecuentemente, se fue a trabajar a los estudios UFA durante los años veinte, convirtiéndose en el fotógrafo germano más imaginativo del mundo.
Su obra variada y dispersa, demuestra su inquietud profesional, siempre buscando innovar en el terreno de la fotografía. 
En "El Ultimo" ( 1924 ) de Friedrich W, Murnau, instituyó el uso de lo que se denominó "la cámara desencadenada", que se independizaba del operador y comenzaba a desplazarse libremente en la altura de los escenarios, obteniendo así, tomas más fluídas y encuadres sorprendentes. 
Además, Freund utilizó la cámara para crear imágenes significantes, que son parte integral de la narrativa, visualizando y dilucidando la parte sicológica del protagonista. Freund filmó en esta película, la escena del alcoholismo con una cámara asegurada a su pecho con baterías, para producir la sensación de la intoxicación con cortes vertiginosos y movimientos abruptos. 
Toda una hazaña en el campo de la experimentación visual, que se prorrogó a obras maestras del expresionismo germano como : "El Golem" ( 1920);  "Tartufo" ( 1925); "Fausto" ( 1926); y "Metrópolis" (1927).
Además, fue coguionista con Carl Mayer y el director Walter Ruttmann de "Berlín, Sinfonía de una gran Ciudad" ( 1927 ), especie de diario de vida durante un día de la capital, a partir de las aventuras de un avezado camarógrafo que se lía, corre y desplaza en la búsqueda de las mejores tomas de su existencia.
Emigrado a Estados Unidos  en 1929, bajo el alero Universal, se convertirá en el mayor fotógrafo de esa casa cinematográfica, aportando sus mayores ideas al desarrollo del cine de terror para películas emblemáticas como : "Drácula" ( 1931); "Crímenes de la Calle Morgue" ( 1932); "La Momia" ( 1932);y  "Las Manos de Orlac" ( 1935). 
También estuvo en la MGM ( "El Gran Ziegfeld", 1936; "La Buena Tierra", 1937) y la Columbia ( "Golden Boy", 1939), para terminar sus días en la televisión ( "I love lucy", 149 episodios entre 1951 y 1956 ).


Charles Rosher ( 1885-1974 ).
 

El fotógrafo británico se inició rodando un documental de Pancho Villa.

 

"El Pequeño Lord" : Dolores Costello y Freddie Bartholomew.

Nacido en Londres, rodó su primera película "Life of Villa" en 1912, para la "American Mutoscope and Biograph Co."
Filmando la batalla de las fuerzas del revolucionario mexicano Pancho Villa y las tropas federales de Ojinaga, el "cameraman" fue capturado por los soldados y trasladado donde su comandante general. Rosher pensó que lo acusarían de espía, cuando al presentarse le vió un alfiler de la logia masónica en su solapa, Rosher fue convidado entonces, a realizar unas imágenes sobre el gobernador mexicano. Así las cosas, el fotógrafo salvó la vida y de regreso a Hollywood, se convirtió en uno de los más famosos operadores del mundo del cine hollywoodense.
Padre de la actriz Joan Marsh, y del también cameraman Charles Rosher Jr.,fue frecuente colaborador del director de musicales MGM, George Sidney, con quien trabajó en ocho de sus películas, entre ellas ) "Magnolia" ( 1951) y "Scaramouche" ( 1952).
Amigo de F.W.Murnau fotografió con Karl Strauss, "Amanecer" ( "Sunrise", 1927 ), por el que ganó el Oscar.
"La creación del espacio fílmico, el magistral empleo de la profundidad de campo, y la agilidad en los movimientos de cámara , confieren a la película una estética irrepetible".
137 películas rodó en su trayectoria, entre las cuales también merecen destacarse : "El Pequeño Lord Fauntleroy" ( en sus dos versiones de 1921 y 1936 ); "Rosita" ( 1923 ); "Tempestad" ( 1928); "Los Amores de Cellini" ( 1934 ); "Kismet" ( 1944) ; "Yolanda y el ladrón" ( 1945) ; "El Despertar" ( 1946 ); "Fiesta Brava" ( 1948 ) y "La Hija de Neptuno" ( 1949).

Harold Rosson ( 1895-1988 ).

El profesional fotografió a la mayoría de las estrellas de Hollywood.

"El Mago de Oz" : una de las películas rodadas por Rosson.

Neoyorquino, entró al mundo del cine como actor de la Vitagraph, en Brooklyn. Eventualmente iba a seguir actuando , hasta que se le presentó la ocasión de ser asistente del director de fotografía Irvin Willat en la Mark Dintenfass Studios. Se cambió a la Famous Players Studio en 1912, pasando por toda clase de oficios como asistente, extra, hombre para todo servicio, y simultáneamente trabajó en una oficina. 
En 1914, se fue a un teatro en Brooklyn como proyeccionista y boletero. 
Rosson abandonó finalmente Nueva York por California, en diciembre de 1914 y se empleó en la Metro Pictures como asistente del propietario Danny Hogan y del director de fotografía Arthur Cadwell. 
Comenzó entonces como fotógrafo, eventualmente en 1915 , siendo su primer filme "David Harum" dirigido por Allan Dwan.
Hombre multifacético trabajó después en la Kalem Company, la Famous Players y Essanay, pero interrumpió su carrera cuando fue movilizado a la Armada durante la Primera Guerra Mundial. 
Después del conflicto, retornó a la Metro, aunque también estuvo en la Cosmopolitan Productions, designado como fotógrafo de Mary Pickford.
Rosson fue uno de los precursores del color y un asiduo entusiasta de la innovación fotográfica. De hecho, es difícil encontrar a un profesional de su estirpe, que haya fotografiado a tantas estrellas famosas en una época determinada. 
Gloria Swanson, Clark Gable, Spencer Tracy, Judy Garland, Frank Sinatra, Robert Mitchum, Gene Kelly, Marilyn Monroe, Gregory Peck, Wallace Beery, Johnny Weissmüller, Kirk Douglas y Jean Harlow, con quien estuvo casado entre 1933 y 1935, se cuentan entre las célebres figuras que fotografió para el cine.
Y por lo general, colaboró con los mayores directores de su tiempo como : Howard Hawks, Allan Dwan, Cecil B.De Mille, Josef von Sternberg, King Vidor, John Huston, George Cukor, Mervyn Le Roy, Victor Fleming, Clarence Brown, Gene Kelly y Stanley Donen. 
Títulos como : "Los Muelles de Nueva York" ( "The Docks of New York",1928); "Tarzán de los Monos" ( "Tarzan The Ape Man",1932 ); "Capitanes Intrépidos" ( "Captains Courageous",1937 ); "El Mago de Oz" ("The Wizard of Oz", 1939); y "La Jungla de Asfalto"/ "Mientras la ciudad duerme" ( "The Asphalt Jungle",1950), llevan su sello estético inconfundible.   

Gregg Toland ( 1904-1948 ).
 

Considerado el mayor genio de la fotografía de su tiempo.

 

"Ciudadano Kane" : obra cumbre del cine moderno donde Toland desarrolló el "deep focus".

Se inició en el cine, trabajando por doce dólares a la semana, a los quince años en una oficina de la "William Fox Studios". Después subió a dieciocho dólares a la semana, como asistente de camarógrafo. 
Como fotógrafo debutó con la película "The Brat" ( 1926), un relato de crimen y horror dirigido por Roland West.
Su carrera considera 66 películas hasta "Enchantment" ( 1948 ) de Irving Reis.
Para muchos, Toland es el mejor operador fotográfico que tuvo Hollywood en su época de esplendor. 
Innovador constante de las técnicas fotográficas imperantes, creó una nueva técnica visual denominada "deep focus"( profundidad de campo ), con la que la cámara podía recoger al mismo tiempo, una zona próxima y otra lejana en un mismo plano. Este recurso apareció por primera vez en "Ciudadano Kane"( "Citizen Kane", 1941 ) de Orson Welles, donde Toland tuvo una importante participación.
Recuerda Orson Welles : "Digamos de paso que, Gregg fue el cámara más rápido que jamás vivió, y usaba pocas luces. Disponía de un equipo maravilloso,  con sus propios hombres. En los platós en los que trabajaba Toland, jamás se oía un ruido, excepto cuando procedía de los actores o del director. Entre ellos, jamás se alzaban la voz y se comunicaban por signos. Era tan silencioso que casi parecía alemán. En su equipo, todos llevaban corbatas. Esto puede parecer deprimente, pero tenía un ritmo de jazz que mantenía en alto nuestra moral".  

Mosaico con los contrastes de luz y sombras de "El Ciudadano Kane".

Efectos de claroscuros tan característicos del universo fotográfico de Toland.

"Cumbres Borrascosas" : otra de las grandes obras rodadas por Toland para el cine.

Especialmente notable fue la utilización sistemática de la profundidad de campo, que Toland logró sirviéndose de objetivos de 24 milímetros, empleando la sensible película "Kodak Super X X", y la iluminación de arco voltaico en los interiores. Merced a estos objetivos, se obtenía también una cierta distorsión de las imágenes, que se acentuaba con otro recurso expresionista : la contínua utilización de ángulos de cámara insólitos y enfáticos, en la tradición del cine vanguardista de los años veinte.
Toland conoció los secretos de la luz, siendo ayudante de otro grande, George Barnes, y de allí se transformó en el responsable de la mayoría de las mejores películas del productor Sam Goldwyn. 37 en total, como : "Esos Tres" ( "These Three", 1936); Decepción" ( "Dodsworth",1936); "Rivales" ( "Come and Get It!",1936); Dead End" ( 1937); "Jezabel" ( 1938); "Cumbres Borrascosas" ( "Wuthering Heights", 1939, por la que obtuvo el Oscar ); "The Westerner" ( 1940); "La Carta" ( "The Letter",1940); "La Loba" ( "The Little Foxes", 1941); "Rosa de Abolengo" ( "Mrs.Miniver", 1942 ) y "Los Mejores Años de nuestras vidas"( "The Beast Years of Our Lives", 1946).
También trabajó para John Ford ( "Hombres Intrépidos"/"The Long Voyage Home", 1940; "Uvas de Ira" /"Grapes of Wrath", 1940), Howard Hughes ( "El Forajido"/"The Outlaw",1943) y Howard Hawks ( "Bola de Fuego"/"Ball of Fire",1941); entre muchísimos otros. 

Raymond Rennahan ( 1896-1980).

Acomodando las luces para una escena.

"Lo Que el Viento se llevó" : con las bondades del " technicolor".

"Duelo al Sol" : la clave de lamparas en altura.

El contraste de los trajes típicos y sus colores.

"Por quien doblan las campanas " : el cromatismo pictórico nos acerca al drama romántico.

Verdadero impulsor del "Technicolor" con sus rojos encendidos y sus verdes aguafuertes, fue un gran esteta muy influenciado por lo pictórico, aunque manejaba como ninguno los espacios arquitectónicos y el "CinemaScope" ( pantalla ancha ).
Ganó el Oscar compartido con su colega Ernest Haller, por su labor en "Lo Que el Viento se Llevó" ( "Gone with the Wind", 1939) y después en "Sangre y Arena" ( "Blood And Sand", 1941 ), donde se dió el lujo de "improvisar" los colores brillantes de una corrida de toros española, en los estudios de Hollywood.
Rennahan podía ser versátil y siempre muy estilizado en su uso de la paleta cromática, pasando con oficio de la comedia musical ( "Down Argentine", 1940), al drama ( "Lady in the dark"); del western ( "Tambores a lo largo del Mohawks" / "Drums along the Mohawks",1939; "Duelo al Sol" / "Duel in the Sun", 1946) al relato bélico ( "Por quien doblan las campanas" / "For Whom the Bells Tolls",1943).
108 películas comprenden su carrera como fotógrafo y es uno de los seis especialistas que cuentan con su "estrella dorada" en el famoso Paseo de la Fama en Hollywood.

Stanley Cortez ( 1908-1997).  
 

Detallista, minucioso y calculador en extremo, el fotógrafo hizo maravillas en blanco y negro.

"La Noche del Cazador" : jugando con las sombras nocturnas del estudio.

El ambiente mágico y tenebroso de un cuento infantil caracteriza la notable obra maestra del cine.

Los escenarios construídos en estudio e iluminados por Cortez.

El dormitorio iluminado como una iglesia donde ocurre el asesinato.

 

La búsqueda demencial de los niños en el ático : luz y sombras acentuadas por el fotógrafo.

La anciana protectora que espera defender a los niños del mal.

"Secreto tras la puerta": el misterio nauseabundo de las atmósferas inquietantes.

Hermano del actor Ricardo Cortez, de ascendencia latina, cuenta con dos obras maestras en el cenit de sus dotes artísticas : "La Noche del Cazador" ( "The Night of the Hunter", 1955) de Charles Laughton y "Los Magníficos Ambersons" ( "The Magnificent Ambersons", 1942) de Orson Welles.
En la primera cinta, con una sabia utilización de los efectos ópticos, los decorados en estudio, y los recursos naturales en exteriores, amalgamó los conceptos al uso, para elaborar un ambiente mágico como si se tratara de un cuento infantil. Mientras que en la segunda película, integra al relato, largos y brillantes planos, de gran expresividad visual donde el tono lo dan, los juegos de claroscuros y las angulaciones dramáticas.
78 películas efectúo en su carrera desde 1936 hasta 1977, caracterizándose por rodar de manera lenta, cerebral, calculando hasta la exasperación los ribetes de la luz y la sombras, aunque siempre buscando una visión innovadora de gran riqueza estética.  
Otros títulos que llevan su sello inconfundible son : "El Gato Negro" ( "The black cat", 1941) de Albert S.Rogell; "Desde que te fuistes" ( "Since You Went Away", 1944) de John Cromwell; "Secreto tras la puerta" ( "Secret beyond the door", 1947) de Fritz Lang; "Dinosaurio" ( "Dinosaurus", 1960) de Irvin Shortess Yeaworth; "El Beso Amargo" ( "The Naked Kiss", 1963) de Sam Fuller ; "Blue" ( 1968) de Silvio Narizzano y "Puente a Remagen" ( "The bridge at Remagen", 1968) de John Guillermin.

Arthur C.Miller ( 1895-1970).
 

 

"Que verde era mi valle" : la calidez de la familia según Miller y Ford.

Fue el fotógrafo favorito de la productora "20 th Century Fox", considerando que estaba siempre para las mejores producciones de época y del cine escapista más elaborado. Tenía un gusto certero para extraer todo el potencial estético de los escenarios en estudio, y una predilección notable por los estilos expresionistas e impresionistas que amalgamaba con correción y oficio, en un puñado de sólidas colaboraciones con realizadores de renombre como : John Ford, Henry King, Edmund Goulding, Walter Lang, William Wellman y John M.Stahl. 
132 películas dejó para la posteridad, desde 1914 a 1951, en un trabajo reconocido en tres ocasiones con el Oscar de Hollywood por : "Que verde era mi valle" ( 1941) , la magnífica obra maestra de Ford; "La Canción de Bernardette" ( 1943), el melodrama religioso de King y "Ana y el Rey de Siam" (1946), la notable aventura oriental de John Cromwell.

 Henry Alekan ( 1909-2001).
 

Tremenda obra dejó Alekan siempre adelantado a su tiempo.

"La Bella y la Bestia" : su obra cumbre como fotógrafo.

Gran fotógrafo francés que trabajó en 86 películas desde "La Vie está nous" ( 1936 ) hasta "Golem, le jardin petrifié" ( 1993).
 El aporte de Alekan a la obra maestra del director Jean Cocteau, "La Bella y la Bestia" ( "La Belle et la Béte", 1946 ) es antológico.
Como recuerda Cocteau en su diario de producción :
__"Alekan me dice que todo el material que yo pienso que es admirable, es considerado por algunas personas del estudio como desechable, mal iluminado, queso blando...Estoy convenciendo a Alekan a tomar la dirección contraria de lo que los tontos creen que es poético. Nada me parece más funesto que la uniformidad fotográfica de un film, que los sabelotodos denominan estilo. Una película debe distraer la vista con sus contrastes, con efectos que intentan no copiar aquellos de la naturaleza, sino que encontrar la verdad que Goethe contrasta con la realidad. Algunas veces ilumino más un rostro, que en otras oportunidades, ilumino una habitación más o menos de manera más intensa que lo que sería al natural, o le imprimo a una vela el poder de una lámpara". 
El filme establece una atmósfera inolvidable y transmite emociones producto de las imágenes surrealistas u oníricas que Alekan se esmeró en reproducir, traduciendo el concepto estético y la intencionalidad poética del cineasta.
Su estilo también puede encontrarse en películas como : "La Princesa Que Quería Vivir" ( "Roman Holiday", 1953 ) de William Wyler, donde a la sugerencia visual, el fotógrafo agrega magníficas tomas en exteriores de la Roma de la época ; y "Las Alas del deseo" ( 1987 ) de Wim Wenders, donde en un estetizante blanco y negro, Alekan construye otro poemario visual a propósito de las subjetivas reflexiones de los ángeles que se mueven en esta tierra.
Otros títulos por descubrir son : "El Emigrante" ( 1940); "Los Amantes de Verona" , 1949); "Zoe" ( 1954 ); "La Reina Margot" ( 1954 ); "El Caso del doctor Laurent" ( 1958); "El Ballet de Paris" ( 1960);  "La Princesa de Cleves" , ( 1961); "Topkapi" ( 1964) ; "Lady L" ( 1965); "Mayerling" ( 1968) ; "El Estado de las Cosas" ( 1981) y "La Trucha" ( 1982).


G.R.Aldo ( 1902-1953 ).

Sus conceptos de la luz reflejada fueron manifiestos para el neorrealismo.

 

"Umberto D" : obra clave del movimiento italiano, fotografiada por Aldo.

Pieza fundamental del neorrealismo italiano, cuyo verdadero nombre era : Aldo Graziati. En verdad, fue el artífice y el esteta del movimiento peninsular, que alcanzó sus mayores cotas de autenticidad expresiva en obras de : Luchino Visconti y Vittorio De Sica.
Inolvidable son sus plano-secuencias en "La Terra Trema" ( 1948) ,  los neblinosos amaneceres de "Milagro en Milán" ( 1950), la intimista y afiebrada soledad de "Umberto D" ( 1952 ) y el barroquismo desaforado en color de "Senso" ( 1954). 
15 películas comprenden su filmografía desde "Couleur de Venice" ( 1947 ) , pasando por el "Otelo" ( 1951) de Orson Welles, "Estación Terminal" ( 1953 ), hasta "Senso" ( 1954 ). 
Aldo falleció prematuramente en un accidente de carretera.

Asakazu Nakai ( 1901-1988).

Trabajando con el maestro del cine japonés Akira Kurosawa.

"Kagemusha, la sombra del guerrero" : a la altura del loto, con la distancia característica del cine nipón.

Operador de fotografía japonés, autor de varios de los clásicos de Akira Kurosawa y considerado un magnífico maestro de la luz.
Creador de atmósferas intimistas y enrarecidas como en "Vivir" ( 1952 ), podía moverse con igual ductibilidad, en los terrenos de las películas de guerreros medievales, en el estilo de : "Los Siete Samurai" (1954) o "Kagemusha, la sombra del guerrero" ( 1980);  como en los paisajes más agrestes de la región de Ossuri, en plena taiga siberiana para rodar "Dersu Uzala" (1975). 
Su carrera considera 79 películas desde 1933 cuando debutara con la desconocida "Quingdao Karakita Onna",  hasta su despedida con la superproducción nipona "Ran" ( 1985 ) de Kurosawa.

Nicholas Musuraca ( 1892-1975).

Un experto en la creación de atmósferas para el "film noir".

"Traidora Mortal" : luces intermedias aumentando los contrastes y las sombras.

 

"La Mujer Pantera" de la RKO, creando terror con el subjetivismo de los claroscuros iluminados para la cámara.

Gran fotógrafo del "film-noir" norteamericano, de ascendencia italiana. Se inició con el pionero y productor J. Stuart Blackton, debutando con la película "On the banks of the Wabash" ( 1923 ), y se retiró después de cuarenta y tres años de carrera, con la serie de televisión "F Troop" ( 1966).
Maestro del refinamiento en el uso de la luz dura, para dar contrastes acentuados y de los claroscuros influenciados por el expresionismo alemán, Musuraca fue uno de los artífices del "look" del cine negro o policial de los años cuarenta.
En este campo, consiguió verdaderos prodigios visuales como en : "Traidora y Mortal" ( "Out of the Past", 1947 ) de Jacques Tourneur, donde sugirió toda la travesía existencial de un detective privado contratado por un gangster para que ubique a su ex-amante, elaborando secuencias completas entre rejas, acentuando las sombras de barrotes y los ambientes opresivos.
En "La Mujer Pantera" ( "Cat People", 1942), una de las más célebres producciones terroríficas de la RKO, rodada en 21 días con un modesto presupuesto de 130 mil dólares, consiguió un notable clima de terror, sin mostrar nada, a fuerza de pura sugestión, mediante sombras, atmósferas nocturnas, y planos subjetivos de gran tensión síquica.
En otro clásico, "La Escalera de Caracol" ( "The Spiral Staircase",1945 ), acentúo el suspenso, al elaborar con los contrastes de luz y sombra y las serpenteantes dimensiones de una escalera, un ambiente que pareció surgido de los relatos de Edgar Allan Poe. 
En "Chico Dorado" ( "Golden Boy", 1939) que significó el debut del actor William Holden, dividió la tensión dramática de las peleas en el cuadrilátero boxeril con el lado romántico del eximio violinista frustrado, aumentando los contrastes en las escenas de lucha  y disminuyendo drásticamente el brillo, cuando el intérprete ejecutaba su violín. 
174 películas rodó Musuraca, y aunque probó la mayoría de los géneros populares, su mayor aporte está en los thriller policiales, donde creó toda una estética alambicada de gran fuerza y tensión.
Títulos como : "Bombardier" ( 1943 ); "Back to Bataan" ( 1945 ); "Blood of the Moon" ( 1948); "The Blue Gardenia" ( 1953 ) o "Clash by Night" ( 1952 ), también se caracterizan por mostrar su acertivo y estilizado manejo de los contrastes de luz y sombras. 

22 Grandes Fotógrafos del Cine Mundial.

Fritz Arno Wagner ( 1894-1958).

"Nosferatu" : el expresionismo alemán influenciando al cine.

Decorador y operador cinematográfico alemán , cuyo trabajo influenció poderosamente en la consolidación estética del expresionismo. 
Realizó algunas de sus mejores labores como fotógrafo para directores de la talla de : Friedrich W.Murnau, Fritz Lang y Ernst Lubistch, en películas como : "Madame Dubarry" ( 1919); "El Castillo Vogeloed" ( 1921); "Las Tres luces" ( 1921); "Nosferatu, el vampiro" ( 1922); "Los Espías" ( 1928); "M, el vampiro de Dusserdorf" (1931) y "El testamento del doctor Mabuse" ( 1933),entre otras.

Julius Jaenzon ( 1885-1961).

Notable operador de cámara sueco, colaborador habitual del realizador Victor Sjöstrom. Su contribución al séptimo arte queda reflejada en su maravilloso tratamiento de la luz y del paisaje naturalista, que caracterizó al cine sueco en el mundo. Nunca dejó de aplicar sentido estético a sus poderosos encuadres, ni siquiera en escenas nocturnas donde era pródigo en crear atmósferas casi surrealistas, mágicas y tenebrosas.
Algunos filmes que llevan su impronta son : "Los Proscritos" ( 1918); "El Tesoro de Arne" ( 1919); "La Carreta Fantasma" ( 1921); "La leyenda de Gösta Berling" ( 1924); "Service de nuit" ( 1931); "Branningar" ( 1935); Stora Famnen"(1940); "Katrina" ( 1943); y "Djurgärdskvällar" ( 1946).

Elgin Lessley ( 1883-1944).

50 películas considera su filmografía desde que debutó como "cameraman" en 1916, hasta la obra maestra del comediante Buster Keaton "The Cameraman" ( 1928).
Eterno colaborador de Keaton ( "Rostro pálido", 1921; "La ley de la hospitalidad", 1923; "Las Tres Edades", 1923; "Siete Ocasiones", 1925 ); también lo fue de Frank Capra ( "El Hombre Cañón", 1926: "Sus primeros pantalones", 1927). 

Théordor Sparkühl ( 1891-1946).

"Beau Geste" : una de las películas que rodó el prestigioso fotógrafo alemán en EEUU.

 
Educado en la Universidad de Göttingen y la Universidad de Bonn, este reconocido fotógrafo alemán fue colaborador habitual de Ernst Lubistch , aunque también rodó películas para William Wellmann , Jean Renoir, Mitchell Leisen, Frank Lloyd y Raoul Walsh, una vez, emigrado a Estados Unidos.
132 películas considera su carrera que inició en 1916, abarcando 30 años de trayectoria inninterrumpida, con títulos como : "Carmen" ( 1918); "Ana Bolena" ( 1920); "La Golfa" ( 1931) ; "The Big Broadcast of 1937" ( 1936); "Wells Fargo" ( 1937); "Beau Geste" ( 1939); "Second Chorus" ; "The Glass Key" ( 1942); "Salty O"Rourke" ( 1945); y "The Bachelor"s Daughters" ( 1946 ), a la sazón, su último trabajo.

Ben Reynolds ( 1891-1967).

Gran fotógrafo americano que hizo toda su trayectoria comprendida por 77 películas, entre 1917 y 1935, en Hollywood. 
Su mayor obra, está en las películas del director Erich von Stroheim, con quien trabajó en títulos antológicos como : "Maridos Ciegos" ( 1919); "Esposas frívolas" ( 1922); "Avaricia" ( 1924) ; "La Viuda Alegre" ( 1925) y "La Reina Kelly" ( 1932).

Tony Gaudio ( 1883-1951).

 

Se llamaba en realidad : Gaetano Antonio Gaudio, nacido en Italia, y profesionalmente radicado en Estados Unidos. Experto en iluminación contrastada para melodramas y "biopics", fue un atento observador de las "bondades" del blanco y negro, donde pareció moverse como pez en el agua.
Ganó el Oscar en su especialidad por la película : "Adversidad" ( "Anthony Adverse", 1936) dirigido por William Wyler. 
También realizó dos películas : "Seadled Lips" y "The Price of Sucess". 
Su filmografía incluye 146 filmes como fotógrafo, entre las que se destacan : "The Mark of Zorro" ( 1920); "Angeles del Infierno" ( 1930); "The Story of Louis Pasteur" ( 1936); "The Life of Emile Zola" ( 1937); "La Carta" ( 1940); y "Canción Inolvidable" ( "A Song to Remember", 1945).
Además, fue uno de los pioneros del technicolor, labor que desempeñó para la Warner en la conocida producción de aventuras : "Las Aventuras de Robin Hood" ( "The adventures of Robin Hood", 1938) dirigido por Michael Curtiz y William Keighley.

Arthur Edeson ( 1891-1970).

"Frankenstein" : el "look" de la Universal en el género del terror.

 
Uno de los maestros de la luz, que supo impregnar sus trabajos de una notable y sustanciosa textura, en blanco y negro, en los años dorados del "star system" en Hollywood. 
Edeson era un eximio técnico norteamericano, que lograba moverse con igual versatilidad en los terrenos del cine de terror para componer secuencias enteras de marcado expresionismo, y en el drama de época, el western y la aventura, demostrando rasgos equiparables que no desentonaban con el "look" de estudios tan distintos como la "Universal" y la "Warner".
137 películas comprende su carrera desde que debutara en 1914, hasta su despedida en 1949. 
Entre las películas que llevan su "estilo" sobresalen : "Robin Hood" ( 1922) ; "El Mundo perdido" ( 1925); "In Old Arizona" ( 1928); "La Gran Jornada" ( 1930); "Sin novedad en el frente" ( 1930); "Frankenstein" ( 1931); ""El Hombre Invisible" ( 1933); "Motín a bordo" ( 1935); "El Halcón Maltés" ( 1941); "El Sargento York" ( 1941); "Casablanca" ( 1943); "La Máscara de Dimitrios" ( 1944); y "My wild irish rose" ( 1948).

Bert Glennon ( 1893-1967).

El reconocido fotógrafo con John Ford y su eterna pipa.

 
Licenciado de la Universidad de Stanford en 1912, se convirtió en un prestigioso director de fotografía, a partir de 1916, al trabajar para cineastas de reconocida trayectoria como : Cecil B.De Mille ( "Los diez mandamientos", 1923 ); Josef Von Sternberg ( "Underworld", 1927; "La Ultima Orden", 1928; "La venus rubia", 1932; "Capricho Imperial", 1934) ; John Ford ( "Prisionero del Odio", 1936; "La Diligencia", 1939; "Tambores a lo largo del Mohawk", 1939; "El Joven Lincoln", 1939; "Wagonmaster", 1950; "Río Grande", 1950; "El Sargento Negro", 1960); Raoul Walsh ( "Murieron con las botas puestas", 1941); y Michael Curtiz ( "Dive Bomber", 1941). También dirigió nueve películas sin mayor trascendencia, entre 1928 y 1932. 
115 películas como fotógrafo, hasta su retiro en 1963.

Eugen Schüfftan ( 1893-1977).

Fotógrafo alemán, creador de dos procedimientos para rodar, en los cuales se emplean espejos para superponer imágenes reflejadas e imágenes reales.
Su carrera partió en Alemania colaborando con directores de la talla de Edgar G.Ulmer y Robert Siodmak, para proseguir en Hollywood , hasta completar 73 películas desde 1930 a 1966.
Ganó el Oscar por la fotografía blanco y negro de "El Audaz" ( "The Hustler", 1961) de Robert Rossen.
Títulos como : "El Muelle de las Brumas" ( 1938) de Marcel Carné; "A través del espejo" ( "The Dark Mirrow", 1946) de Siodmark  o "Lilith" ( 1964) de Rossen , se cuentan entre sus colaboraciones más destacadas. 

Christian Matras ( 1903-1977).
  
Formado en el género documental, comienza su carrera en 1926. Se da a conocer internacionalmente con la película "La Gran Ilusión" ( "La Grande Ilusion", 1937), obra maestra de Jean Renoir sobre la guerra, el pacifismo y la creación de un nuevo orden mundial. Su labor posterior considera algunas de las producciones más taquilleras de su época como : "Fanfan, la Tulipane" ( 1951); y obras vanguardistas en el estilo de "La Ronda" ( 1950) o "Madame de..."(1953)de Max Ophuls.
Fue el fotógrafo, además de : "El Fin del día" ( 1939); "Bola de Sebo" ( 1945); "El Príncipe Idiota" ( 1946); "Lucrecia Borgia" ( 1953); "Madame Du Barry" ( 1954); "Naná" ( 1955); "Lola Montes" ( 1955);  "Las Travesuras de Till" ( 1956); "El Espejo tiene dos caras" ( 1959); "Thérese Desqueyroux" ( 1962); "Cartouche" ( 1964); y "Scheherezade" ( 1962), ésta última rodada por Matras en "SuperTechnirama", o sea, 70 milímetros.

Burnett Guffey ( 1905-1983).

Uno de los más grandes fotógrafos del cine norteamericano, que ganó dos veces el Oscar por : "De Aquí a la Eternidad" ( "From Here To Eternity", 1953), dirigido por Fred Zinneman y ""Bonnie and Clyde" ( 1967 ), realizada por Arthur Penn. 
91 películas en una carrera que inició en 1929, en los albores del sonido con "Fairways and Foul" y que mancilló en sendas colaboraciones para directores de la estatura de : Robert Rossen, Nicholas Ray, Jacques Tourneaur, Bud Boetticher, Fritz Lang, John Ford, George Stevens, John Frankenheimer y Martin Ritt.
Películas que lo consolidan como : "Decepción" ( "All the King"s Men", 1949); "En un lugar solitario" ( "In a lonely place", 1950); "Llamad a cualquier puerta" ( "Knock on any door", 1949); "King Rat" ( 1965); "La historia más grande jamás contada" ( 1965 ) o "La Gran Esperanza blanca" ( "The Great White Hope", 1970), hablan de un profesional siempre dispuesto a innovar y a perfeccionar sus conocimientos en b/n y color, con la sabiduría de los veteranos de Hollywood. 

Lee Garmes ( 1898-1978).

Delineó toda una estética glamorosa para Marlene Dietrich.

Fotógrafo del cine estadounidense, creador de la imagen de la "femme fatale", con fuertes "high lights" en el pelo, gasas de difusión para darle belleza y ese tono de misterio tan característico de las novelas "negras".
Se convirtió en el fotógrafo de las grandes estrellas y fue un infaltable colaborador de Josef von Sternberg y Marlene Dietrich en su época de gloria.
Ganó el Oscar por "El Expreso de Shanghai" ( "Shangai Express", 1932 ), pero no recibió el crédito merecido por su labor en "Lo Que el Viento se llevó" ( 1939), aunque fotografió la tercera parte de ese mítico filme.
Su versatilidad alcanza parangones de gran maestría y parecía cómodo moviéndose en los expresionismos del blanco y negro y las estetizantes bondades del "technicolor", ya que nada le resultaba complicado.
128 películas considera su filmografía desde 1918 a 1973, con películas como : "Marruecos" ( 1931) ; "Scarface" ( 1932 ); "Fatalidad" ( 1931); "El libro de la selva" ( 1942); "Duelo al Sol" ( 1947); "El Callejón de las almas perdidas" ( "Nighmare Alley", 1947); "Detective Story" ( 1951); "El Gran Pescador" ( "The Bog Fisherman",1959) y "Misty" ( 1961), entre otras.  

Kazuo Miyagawa ( 1908-1999).

Uno de los más brillantes fotógrafos del cine japonés, maestro de los largos plano-secuencias en movimiento, dejó una huella y un estilo en : "Rashomon" ( 1950 ) de Akira Kurosawa y "El Intendente Sansho" ( 1954) de Kenji Mizoguchi, donde la naturaleza aparece majestuosamente hermosa e inmutable.
Con Kurosawa , el operador nipón filmó la película contra un fondo deslizante, el cual sirve tanto para encerrar las personas como para ocultarlas, demostrando que la vida continúa con impresionante detalle, mientras que con Mizoguchi, estableció un estilo caracterizado por la elaboración de planos con "travellings" y grúa de gran realismo, donde la forma y el contenido son indivisibles.
Su estilo único y original, alcanza ribetes fantásticos en el clásico : "Cuentos de la luna pálida de Agosto" ( 1953), donde elabora sofisticadas tomas como nebulosas escenas de lagos y ríos, con hombres y faroles en bote, y espíritus flotando en las riberas.

Claude Renoir ( 1914-1993).

El operador francés trabajó habitualmente con su hermano Jean Renoir.

"El Río" : la espectacularidad del paisaje hindú en una película notable dirigida por Jean Renoir.

Hermano del célebre director francés Jean Renoir, e hijo del famoso pintor impresionista Auguste Renoir. Destacó como un notable fotógrafo valorado en su máximo esplendor creativo por la colorista película "El Río" ( "The River", 1951), una de mis obras maestras favoritas y donde resalta con una gran riqueza plástica los exteriores de la India. 
Tanta fue su influencia como que, Subatra Mitra, el operador de Satyajit Ray, el gran maestro del cine hindú, se inspirara para hacer muchas de las películas posteriores del cine local.
Renoir trabajó asimismo, para directores como : Rudolph Maté, Gérard Oury, Henri Verneuil, Alain Cavalier, entre otros.


Sven Nykvist ( 1922-2006).
 

Colaborador habitual de Ingmar Bergman y Woody Allen.

El más importante fotógrafo del cine sueco de la posguerra, gracias a sus trabajos con Ingmar Bergman. Importado a Estados Unidos desarrolló una carrera al amparo de Woody Allen , Lasse Hallström y Philip Kaufman.
Sus mayores recursos expresivos están en películas como : "La Fuente de la doncella" ( 1960); "Persona" ( 1966); "Gritos y Susurros" ( 1972); "La Flauta Mágica" ( 1974); "El Huevo de la Serpiente" ( 1977); "Fanny y Alexander" ( 1983); "Septiembre" ( 1987); "La Otra Mujer" ( 1988); "Crímenes y Pecados" ( 1990); "El Poder del Amor" ( 1995); "La Insoportable levedad del ser" ( 1988) y "Chaplin" ( 1992). 
También rodó "El quimérico inquilino" ( 1976 ) de Roman Polansky; "El Sacrificio" ( 1986 ) de Andrei Tarkovsky;  "La Tragedia de Carmen" ( 1984) de Peter Brook y el capítulo "Edipo Reprimido" de "Historias de Nueva York" ( 1989).


Néstor Almendros ( 1930-1992).
 

Con su amiga de toda la vida : la cámara de cine.

 

"La Laguna azul" : la plasticidad de los cuerpos y del paisaje.

El exotismo adolescente de Brooke Shields.

"Días del Cielo" : la belleza del crepúsculo y el equilibrio de los cuerpos en el encuadre.

La sutil mirada del trigal, el paraguas, las posiciones de los personajes en el encuadre y la luz solar.

  
Indudablemente, es el fotógrafo español más internacional de su tiempo. A los 14 años ya dirigía un Cine-Club, y radicado en Cuba con su familia, desarrolló una intensa actividad cultural con Germán Puig, Guillermo Cabrera Infante y otros jóvenes entusiastas, donde también fundaron el Cine Club de La Habana en 1948. 
Apadrinado por Henri Langlois en Francia, aprende su oficio, experimentando con películas amateurs de 8 y 16 milímetros.  
Su creciente interés por conocer el mundo de la imagen, lo conduce a Nueva York donde estudia en el "Institute of Filme Techniques of City College", y luego en el "Centro Experimental de Cinematografía"de Roma, para regresar a la ciudad de los rascacielos en calidad de instructor de español en el "Vassar College".
Con la revolución cubana, Almendros decide partir y establecerse en 1959 en Francia, donde desarrolla gran parte de su carrera de fotógrafo cinematográfico profesional. Allí ha de adquirir una valorable reputación, gracias al trabajo que tuvo con directores como : Erich Rohmmer, Francois Truffaut, Jean Eustache, Marguerita Duras; más tarde, redescubierto por Hollywood hará una intensa carrera en Estados Unidos con : Roger Corman, Monte Hellman, Terence Malik, Randall Kleiser, Alan J.Pakula y Robert Benton, entre otros.  
Su magnífico sentido estético, ha quedado registrado en importantes películas como : "La Colleccionista" ( 1966); "El Niño Salvaje" ( 1970); "Domicilio Conyugal" ( 1971); "Las dos inglesas y el continente" ( 1972); "Historia de Adele H"( 1975); "El Ultimo Metro" ( 1980); "Confidencialmente, tuya" ( 1984); "Días del Cielo" ( 1976); "La laguna Azul" ( 1979); "La Decisión de Sophie" ( 1982); "En un lugar del Corazón" ( 1984) y "Billy Bathgate" ( 1991).

Rudolph Maté ( 1898-1964).

Nacido en Cracovia, Polonia, culminó sus estudios en la Universidad de Budapest, combatió en la Gran Guerra, y en 1921 comenzó a trabajar como ayudante de cámara en la productora "Hungarian Films", en películas dirigidas por Alexander Korda.
Después de colaborar con el director de fotografía alemán Karl Freund y el productor Eric Pommer, a mediados de los años veinte del siglo pasado, se convierte en un prestigioso fotógrafo, que destaca, sobretodo, por las obras que hace para el director danés Carl Theodor Dreyer como : "Mikael" ( 1924); "La Pasión de Juana de Arco" ( 1928), cuya particularidad es que está conformada en su gran mayoría por close up sobre fondos blancos; y "Vampyr" ( 1931), una de terror en ambientes sobrenaturales.
De Francia se instala en Estados Unidos en 1935, donde alcanza un notable prestigio por su trabajo con William Wyler, Alfred Hitchcock, Leo McCarey, René Clair, Sam Wood y Ernst Lubistch.
Interesado en dirigir comienza una carrera como realizador a los cincuenta años de edad.

Boris Kaufman ( 1906-1980 ).

De origen ruso, hermano del realizador Dziga Vertov, inició su carrera trabajando para el realizador francés Jean Vigo ( "Cero en Conducta", 1933; "L"Atalante", 1934).
Establecido después en Estados Unidos, trabajó para Elia Kazan ( "Baby Doll", 1956; "Nido de Ratas", 1954; "Esplendor en la Hierba", 1961) y Sidney Lumet ( "Doce hombres en Pugna", 1957; "El Grupo", 1966), logrando un estilo muy singular sobretodo en los escenarios interiores, de atmósferas sugerentes y claustrofóbicas.

Roger Hubert ( 1936-1964 ).

Destacado fotógrafo francés, colabotrador habitual de los realizadores Marcel Carné y Julien Duvivier. Con Carné tuvo que efectuar un complejo plan de rodaje en su obra maestra "Les Enfants du Paradis" (1945), por la envergadura y el tamaño de la superproducción en escenarios construídos en estudio. 
Se trata de la película más costosa y suntuosa de su tiempo, ambientada en el teatro popular y el mundo del hampa en el París de 1840, convenientemente revalorizada en su traspaso al DVD. 

Alex Philips ( 1901-1977).
 

Fotógrafo de origen canadiense, uno de los más refutados de la época de oro del cine mexicano. Su sello estádesde los inicios del período sonoro, y alcanza un buen puñado de clásicos y películas populares, con directores de excepción como : Fernando De Fuentes, Alberto Goult, Roberto Rodríguez, Roberto Gavaldón, Luis Buñuel, Sidney Poitier, entre otros. 
204 películas desde 1921 a 1975, entre las que se cuentan : "Santa" ( 1931) de Antonio Moreno, considerado el primer filme sonoro azteca; "El Compadre Mendoza" ( 1933); "La mujer del Puerto" ( 1933); "El Tesoro de Pancho Villa" ( 1935); "Ojos Tapatíos" ( 1938); "Ay Jalisco, no te rajes" ( 1941); "Doña Bárbara" ( 1943); "La Otra" ( 1946); "Aventurera" ( 1949); "La Red" ( 1953) ; "El Pequeño Proscrito" ( 1955);  "El diario de mi madre" ( 1959); "Odio en las praderas" ( 1972 ) y "La Ira divina" ( 1972), entre otras.
Su hijo Alex Philips Jr. ( 1935-2007), también destacó como operador de cine en México.

James Wong Howe ( 1899-1976).

El maestro de origen chino, trabajando a dos cámaras.

Fotógrafo de origen chino, cuyo verdadero nombre era : Wong Tung Sim. Innovador sutil, esteta del color, logró un sólido prestigio en Hollywood, al llevar a la paleta visual sus rasgos orientales, que entremezclan la iluminación impresionista con los juegos de luces y decorados llamativos.
Ganó el Oscar en su especialidad por : "La Rosa Tatuada" ( 1955 ) dirigido por Daniel Mann y "Hud, el Indomable" ( 1963 ) de Martin Ritt.
Trabajó con los mayores realizadores del cine estadounidense como : Howard Hawks, Raoul Walsh, Norman Taurog, John Cromwell, William Dieterle, Richard Quine, John Frankenheimer, Martin Ritt, Michael Curtiz, entre otros, y en películas como : "El Prisionero de Zenda" ( 1937); "Las Aventuras de Tom Sawyer" ( 1938); "Dr.Ehrlich"s Magic Bullet" ( 1940); "Yankee Doodley Dandy" ( 1942); "Objetivo : Birmania" ( 1945); "PicNic" ( 1955); "El Viejo y el Mar" ( 1958); "Seconds" ( 1967); The Molly Maguires" ( 1970).

Otello Martelli ( 1902-2000).

"Arroz Amargo" con Silvana Mangano, y en la cámara Martelli.

"La Dolce Vita" : Mastroianni y Martelli detrás de cámara.

Uno de los más renombrados fotógrafos del cine italiano de posguerra. Punta de lanza de la concepción visual del neorrealismo, trabajó con algunos de los directores más importantes de su época : Federico Fellini ( "La Strada", 1954; "Las Noches de Cabiria", 1957; "La Dolce Vita", 1959) ; Roberto Rosellini ( "Paisá", 1946; "Stromboli, Terra di Dio", 1950 ) , Guiseppe de Santis ( "Arroz Amargo", 1949; "Roma, ore undici", 1952 ); Jules Dassin ( "La Ley", 1959) ; Ladislao Vajda ( "Carne de Horca", 1955) y Tomás Gutierrez Alea ( "Historias de la Revolución", 1961), entre otros. 



Otros nombres de relevancia internacional.

De los últimos cuarenta años, hemos logrado acumular nombres valiosos para el desarrollo del cine. Cada uno de ellos, a su forma y desde la testera de las grúas, dollys y cámaras más livianas, digitales y de última generación, mantiene su actividad, en la mayoría de los casos, hasta la longevidad. 
Todos son profesionales destacados que labraron un nombre en el competitivo mundo del cine.
En esta lista deben considerarse también los nombres de : 

Freddie Francis ( 1917-2007), fotógrafo inglés de películas como: "Los Inocentes" ( 1961); "El Hombre Elefante" ( 1980); "Duna" ( 1984) y  "Cabo de Miedo" ( 1991).  
Comenzó como clappero en los estudios Elstree en 1935, y fue asistente de dirección en Pinewood. 
Desde 1962 se transformó, además, en un estupendo director de cine de terror para los estudios Hammer y Amicus. Colaborador habitual del realizador Terence Fisher, como realizador entre sus mayores obras se cuentan :"Drácula vuelve a su tumba" ( 1968) y "El Doctor y los Asesinos " ( "The doctor and the devils", 1985).

Ernest Laszlo ( 1898-1984) , que ganó el Oscar por "La Nave del Mal" ( 1965 ) y cuyo trabajo se puede vislumbrar en : "Heredarás el Viento" ( 1960); "El Mundo está loco, loco, loco"; ""Viaje Fantástico" ( 1966) y "Aeropuerto" ( 1970).

 

Stradling y Audrey Hrepburn en el set de "Mi Bella dama".

Harry Stradling ( 1902-1970), versátil y desacado fotógrafo del "star system" en Hollywood, que obtuvo dos veces el Oscar , por : "El Retrato de Dorian Gray" ( 1945 ) dirigido por Albert Lewin y "Mi bella dama" ( 1964 ) de George Cukor.
Su estilo matemático, preciso, podía ser refinado y glamoroso, o realista y naturalista, sin perder los exquisitos delineamientos de un conocedor del arte pictórico, la arquitectura y las bondades placenteras de la fotografía pancromática.
De su variada filmografía destacan títulos como : "Easter Parade" ( 1948); "El Pirata" ( 1948); "La Magia de tus bailes" ( 1949); "Un tranvía llamado deseo" ( 1951); "Hans Christian Andersen" ( 1952); "Johnny Guitar" ( 1954); "Melodía Inmortal" ( 1956); "Un rostro en la multitud" ( 1957); "Gypsy" ( 1962); "Funny Girl" ( 1968) ; "Hello, dolly" ( 1969) y "Pequeño gran Hombre" ( 1970).
Su hijo Harry Stradling Jr, también fue un destacado operador de reconocida trayectoria.


John A.Alonzo ( 1934-2001) , que debutó en 1968, en una vasta trayectoria con 53 películas como : "Mamá Sangrienta" ( 1970); "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo" ( 1977); "Norman Rae" ( 1979) y "Scarface" ( 1983).  

Sam Leavitt ( 1904-1984), que obtuvo el Oscar por "Fuga en Cadenas" ( 1958), para descollar también con filmes como : "Nace una estrella" ( 1954); "El hombre del brazo de Oro" ( 1955); "Exodo" ( 1960) y "Adivina quien viene a cenar" (1967).

Ted McCord ( 1900-1976) ; notable fotógrafo e innovador en el "CinemaScope" y un acertivo profesional gracias a películas como : "El Tesoro de Sierra Madre" ( 1948); Al Este del Paraíso" ( 1955) y "La Novicia Rebelde" (1965).  

Nicholas Roeg (n.1928), comenzó a los 22 años como claquetista, para darse a conocer como eximio fotógrafo, en los años sesenta, por películas como : "La Máscara de la Muerte Roja" ( 1964) de Roger Corman; "Farenheith 451" ( 1966 ) de Francois Truffaut; "Lejos del Mundanal Ruido" ( 1967 ) de John Schlesinger" y "Petulia" ( 1967 ) de Richard Lester.
También se convierte en un conocido realizador ( "Insignificance", "Track 29" y "Brujas" ).


Joseph Biroc ( 1903-1996), ganador del Oscar por "Infierno en la Torre" ( 1974), fue un colaborador habitual del director Robert Aldrich en : "Hush, hush, sweet Charlotte" ( 1965); "La banda de los Grissom" ( 1971); "La Venganza de Ulzana" ( 1972) y "El Emperador del Norte" (1973).

Lucien Ballard ( 1908-1988 ), lució su exquisitez colorística en "La Fiesta Inolvidable" ( "The Party", 1968) de Blake Edwards, y su estilo también hizo escuela, sobretodo en el western, gracias a títulos como : "Estación Comanche" ( 1960); "Will Penny" ( 1967); "La Pandilla Salvaje" ( 1969) y "Temple de Acero" ( 1969).
132 películas considera su filmografía desde 1930 a 1985.

Burks tras la cámara rodando para Alfred Hitchcock.

 
Robert Burks ( 1909-1968 ), encargado de efectos especiales en la Warner Bros., pasó a ser director de fotografía con el genial Alfred Hitchcock, para quien hizo : "La Ventana Indiscreta" ( 1954); ""El Hombre Que sabía demasiado" ( 1956); "Vértigo" ( 1958); "Intriga Internacional" , 1959); "Psicosis" ( 1960);  "Los Pájaros" ( 1963), "Marnie, la ladrona" ( 1964), entre otras.
Ganó el Oscar en su especialidad, con una película del maestro del suspense moderno : "Como Atrapar a un ladrón" ( 1955).

Fred A.Young ( 1902-1988), notable operador inglés, que obtuvo el Oscar en dos ocasiones por : "Dr.Zhivago" , 1965) y "La Hija de Ryan" ( 1970), ambas de David Lean, su director predilecto, con quien también filmó : "Lawrence de Arabia" ( 1962). 
130 películas considera una carrera iniciada en 1938 y finalizada en 1985.

Philip Lathrop ( 1912-1995), habitual "cameraman" de Blake Edwards, trabajó con directores como : Francis Ford Coppola , Sam Peckinpah, John Boorman y Wim Wenders, en películas del estilo : "Días de vino y rosas" ( 1963); "La Pantera Rosa" ( 1963); "El camino del Arcoiris" ( 1968); "Hammett" ( 1981), entre otras.

Hall con una cámara de los estudios "Universal".

Conrad Hall ( 1926-2003), una carrera ejemplar para un maestro de la fotografía cinematográfica contemporánea : 17 nominaciones, 21 premios y tres Oscar, avalan su fructífera trayectoria, que comprende 40 películas entre 1958 y el 2003. 
Deben su abigarrada estética, títulos como : "A Sangre fría" ( 1967 ); "Ciudad dorada" ( 1972); "La Viuda Negra" ( 1987) y "Camino a la Perdición" ( 2002).
 

Willis alcanzó la maestría como fotógrafo de la trilogía de "El Padrino" de Coppola.

  
Gordon Willis ( n.1931 ), considerado el operador más creativo del cine americano contemporáneo, su trabajo consagratorio está en la trilogía de "El Padrino" ( 1972,1974 y 1989) de Francis Ford Coppola. 
Ha trabajado también para Woody Allen ( "Annie Hall",1977; "Zelig", 1985: "La Rosa Púrpura del Cairo", 1985 ),  Robert Benton ( "Mala Compañía", 1972) y Alan J.Pakula ( "Se presume inocente", 1990, "Enemigo Intimo", 1997), entre otros.

Müller simplemente notable en las películas de Wim Wenders.

"París-Texas" : el valor cromático de los avisos publicitarios y las luces de neón.

En la misma película, la sensualidad del rojo en Nasstassja Kinski.

Robbie Müller ( n. 1940 ). Gran fotógrafo del cine alemán, conocido por su estrecha cooperación con el director Wim Wenders. Dominando hasta los extremos el plano americano y las panorámicas, Müller dotó de un aliento cada vez más estadounidense la mirada contemplativa de Wenders, remarcando los detalles del paisaje, la puesta en escena y el color. Sus trabajos están en películas como : "Alicia de las ciudades" ( 1973), "En el transcurso del tiempo" ( 1976); pero sobretodo en "El Amigo Americano" ( 1977), "París Texas" ( 1984) y "Hasta el fin del Mundo" ( 1991 ), todas de Wenders. Además, ha sido director de fotografía en películas de : Peter Bogdanovich ( "Saint Jack", 1979; "Y todos Rieron", 1981), William Friedklin ("Vivir y Morir en Los Angeles", 1985), Barbet Schroder ( "Las Mariposas de la Noche", 1987), Jim Jarmusch ( "Dead Man", 1995) y Lars von Trier ( "Contra Viento y Marea", 1995 ).

John Alton ( 1901-1996), considerado el maestro de las grúas y travellings del musical MGM, por títulos como :" Un Americano en Paris" ( 1951) y "Cantando bajo la lluvia" ( 1952). 
102 títulos deben su experiencia como fotógrafo, desde que debutara en 1933 y hasta que se despidiera del cine con "Elmer Gantry" en 1960.

Geoffrey Unsworth ( 1914-1978 ), de origen británico, ganó el Oscar por "Cabaret" (1972), y fue un activo colaborador en el desarrollo de nuevas técnicas y adelantos de filmación, como la proyección frontal de "2001, Odisea del Espacio" ( 1968) dirigido por Stanley Kubrick, o los efectos de vuelo en "cromakey" de "Superman" ( 1979) de Richard Donner.

June supervisando una toma en "El Jardín Secreto" con los niños prodigios Dean Stockwell y Margaret O"Brien.

 
Ray June ( 1895-1958), adquirió experiencia como camarógrafo trabajando en la Armada, durante la Primera Guerra Mundial. Luego se convirtió en uno de los directores de fotografía más característicos, del clásico "touch" estilístico de los estudios MGM.
166 películas rodó desde 1915 a 1958, entre las cuales están :  "La Isla del Tesoro" ( 1934); "Baby in Arms" ( 1939); "El Jardín Secreto" ( 1940); ""Funny Face" ( 1957) y "Houseboat" ( 1959), a la sazón, su último trabajo para el cine.
 

Owen Roizman ( n.1936), gran fotógrafo expresionista que sacaba partido de los ambientes urbanos, aunque su fuerte versátil y sensible, alcanzaba el paisaje desértico del far west y los paisajes menos recurrentes del panorama americano. 28 películas deben su estilizada manera de visualizar los espacios, desde 1970 a 1995, con películas como : "Contacto en Francia" ( 1971); "El Exorcista" ( 1973); "Network: Poder que mata" ( 1976); " Confesiones verdaderas" ( 1981); "Havana" ( 1990); "Los locos Adams" (1991 ) y "Un beso francés" ( 1995).

Shamroy obtuvo cuatro Oscar durante su carrera.

 Leon Shamroy ( 1901-1974), extraordinario esteta del "technicolor", fue un consagrado de su tiempo, que ganó cuatro Oscar por : "El Cisne Negro" ( 1942); "Wilson" ( 1944); "Que el Cielo la juzgue" ( 1945 ) y "Cleopatra" ( 1963).  
Asiduo colaborador del realizador Henry King, también hizo películas para : Otto Preminger, Michael Curtiz, Joshua Logan, Walter Lang, William Wellman y George Cukor, entre otros.
Su filmografía considera 114 trabajos, desde 1926 hasta 1969.

 

Rotunno con su cámara.

 
Giuseppe Rotunno ( n.1923 ), es el colaborador habitual que tuvieron Luchino Visconti y Federico Fellini, instaurando toda una estética casi esperpéntica o barroca, rica en detalles pintoresquistas, en películas como :  "Amarcord" ( 1973); ""Senso"( 1954), "Rocco y sus hermanos" ( 1960); "El Gatopardo"( 1963); "Satiricón" ( 1969); "Y la nave va" ( 1983).
También trabajó para otros directores como : Stanley Kramer ( "La Hora final", 1959); Terry Gilliam ( "Las aventuras del Barón Munchausen", 1988), Bob Fosse ( "El Show debe seguir", 1979); Mike Nichols ( "La Fuerza de la Verdad", 1991; "Lobo", 1994) y Sydney Pollack ( "Sabrina", 1995), entre otros.

 Luis Cuadrado ( 1934-1980), considerado el mejor fotógrafo que ha existido en España, inicia su formación en la Escuela Oficial de Cinematografía, para consagrarse profesionalmente de la mano de Carlos Saura, Luis Buñuel y Victor Erice. 
Es el autor de la fotografía de : "La Caza" ( 1965); "La Vía Láctea" ( 1968); "Ana y los lobos" ( 1972), "El Espíritu de la Colmena" ( 1973) y "El Amor del Capitán Brando" ( 1974), entre otras.

Escamilla y su cámara con la que ha hecho maravillas a 24 fotogramas por segundo

Teo Escamilla ( 1940-1997), asistente de cámara por largos años de Luis Cuadrado, debuta como director de fotografía con "El Desencanto" ( 1975) y "Cría Cuervos" (1976), donde aplica fielmente el estilo esencial de su maestro. Su colaboración con directores como : Jaime Chavarri, Manuel Gutierrez Aragón, José Luis Burau, Victor Erice, Jaime de Armiñán, Basilio Martín Patino y Carlos Saura, le llevan a la consagración profesional.

Michael Chapman ( n.1935 ), antes de alcanzar prestigio profesional, este neoyorquino trabajó como asistente de Gordon Willis, cuyo "clasicismo", según propia confesión, marcó a fuego, su estilo artístico.
Se reveló tempranamente en 1973 con "El Ultimo deber" de Hal Ashby, para transformarse en un colaborador habitual de Martin Scorsese y Philip Kaufman.
Vinieron títulos emblemáticos del período como : "Tiburón " ( 1975), "Taxi Driver" ( 1976) y "El Toro Salvaje" ( 1980). 
Desde 1963 dirige sus propias películas , aunque sin obtener la trascendencia que le ha deportado la fotografía.

Slocombe es el padre visual de las "Indiana Jones" de Spielberg-Lucas.

Indiana corriendo para que no lo aplasten.

 

Slocombe en el set de "Cazadores del Arca Perdida" con Harrison Ford y Steven Spileberg.

Douglas Slocombe ( n.1913 ). Se inició como reportero para las revistas "Life" y "París-Match" durante la Segunda Guerra Mundial. Después derivó al cine, cosechando prestigio en los estudios británicos "Ealing", donde hizo la fotografía de obras importantes como : "Ocho sentencias de muerte" ( "Kind Hearts and Coronels", 1949) de Robert Hamer; "The Lavender Hill Mob" ( 1951) de Charles Chrichton y "Mandy" ( 1952) de Alexander Mackendrick. 
También fue director de fotografía de películas interesantes como : "El Sirviente" ( 1963), "A High wind in Jamaica" ( 1965); "La danza de los vampiros" ( 1966); "El león de Invierno" ( 1968); "The Music Lovers" ( 1970); "Viajes con mi tía" ( 1972); "El Gran Gatsby" ( 1974); "Rollerball" ( 1975); "Nijisnsky"( 1980) y "Lady Jane" ( 1985).
Fue el fotógrafo titular de la saga de aventuras de Steven Spielberg  de "Indiana Jones" desde "Los Cazadores del Arca Perdida" ( 1981) hasta "Indiana Jones y la Ultima Cruzada" ( 1989 ), esta última, su trabajo de despedida. 

El desaparecido Cronenweth dejó un legado dificíl de olvidar.

"Blade Runner " : la obra más destacada del fotógrafo cinematográfico.

Jordan Cronenweth ( 1935-1996), fotógrafo californiano, que labró méritos de gran esteta, sobretodo a partir de "Blade Runner" ( 1982) dirigido por Ridley Scott. Su trabajo que comprende 30 películas, también destacó en filmes como : "Peggy Sue, su pasado le espera" ( 1986) y "Jardines de Piedra" ( 1987) ambas de Francis Ford Coppola; y "Tiro de Gracia" ( 1991 ) y "Deseo y Decepción" ( 1992) ambas de Phil Joanu. 
 

Carpenter con su característico "jockey" y cabellos largos.

Esta fue la película con la que Carpenter ganó el Oscar en su especialidad.

  
Russell Carpenter ( n.1950), experimentado fotógrafo de cine que ha resaltado en producciones que exigen gran despliegue de medios técnicos y efectos visuales. Su obra si bien ha desentonado en comedias disparatas en los últimos años, tiene un mayor registro estético en cintas como : "El Hombre del Jardín" ( 1992) de Brett Leonard;  "La llave mágica" ( 1994) de Frank Oz; Mentiras Verdaderas" ( 1994 ) de James Cameron y "Titanic" ( 1998 ) también de Cameron, y por la que ganó el Oscar.
 

Daviau cosechó fama gracias a su colaboración con el director Steven Spileberg.

Iluminación estilo Daviau para la nave extraterrestre de E.T.

El vuelo efectista con sobreimpresión y fondo croma.

Allen Daviau ( n.1942 ), magnífico operador del cine norteamericano que cosechó sus lustros  en colaboración con Steven Spielberg, para quien hizo la fotografía de : "E.T., el extraterrestre" (1982); "El Color Púrpura" ( 1985) e "Imperio del Sol" ( 1987).
También ha trabajado para John Schlesinger ( "La Traición del Halcón", 1985 ); Barry Levinson ( "Avalon", 1990; "Bugsy", 1991 ); Peter Weir ( "Sin miedo a la vida", 1994) y Frank Marshall ( "Congo", 1995 ), entre otros, hasta completar 39 películas a la fecha. De sus últimos trabajos estéticos, sobresale el que efectúo en la más bien clipera "Val Helsing" ( 2004).
 

El fotógrafo argentino se hizo famoso en Estados Unidos con la trilogía de "Mi pobre Angelito".

Macaulay Culkin saltó al estrellato fotografiado por Macat.

Luces altas y rebotantes en esta imagen característica del taquillero filme.

Julio Macat ( n.1959 ), bonaerense, que logró triunfar en Hollywood después de colaborar con Mario Tosi, John Alcott y Andrei Konchalovsky. Es muy conocido por la estética navideña de la trilogía de "Mi Pobre Angelito" ( 1990-1992 y 1997), además de participar como fotógrafo en otras comedias taquilleras como : "Ace Ventura" ( 1994); Milagro en la Calle 34" ( 1994); "El Profesor Chiflado" ( 1996 ); "Loco en Alabama" ( 199); "Como perros y gatos" ( 2001) y "Winnie The Pooh" ( 2011). 

Lubezki revisando las tomas en su monitor digital.

Emmanuel Lubezki ( n.1964 ), gran fotógrafo mexicano, que ha impuesto un sello particular en producciones estadounidenses, aunque su fuerte sigue estando en el cine de su país.
38 producciones a la fecha, desde que participara como camarógrafo de cortos en 1983. Entre sus trabajos más destacados están las películas : "Como agua para chocolate" ( 1992); "La Princesita" ( 1995); "Grandes Esperanzas" ( 1998 ); ""La leyenda del Jinete sin cabeza" ( 1999); "Y tu mamá también" ( 2001); "Una serie de eventos desafortunados" ( 2004) ; "Children of Men" ( 1996); y "El Arbol de la Vida" ( 2011 ), este último filme dirigido por Terence Malik, que resume sus mayores atributos estilísticos. Sencillamente, notable. 

Tonino Delli Colli ( 1922-2005 ), uno de los más extraordinarios fotógrafos del cine italiano, que desarrolló notables recursos para el uso de la pantalla ancha, así como una riqueza colorística pauteada por su vigorosa forma de encarar el trabajo cinematográfico. 
Colaborador habitual de Pier Paolo Pasolini ( "Accatone", 1961; "Mamma Roma", 1962; ""El Evangelio según San Mateo", 1964 ), y de Sergio Leone ( "El bueno, el malo y el feo", 1963 ; "Erase una vez en el Oeste", 1968, "Erase una vez en América", 1984 ), lo fue posteriormente de Dino Risi ( "Anima Persa", 1977 ; "Papá", 1979 ) y Roman Polanski ( "La Muerte y la Doncella", 1994 ).


Vilmos Zsigmond ( n.1930 ), de origen húngaro, se dió a conocer internacionalmente como operador de las producciones de Steven Spileberg : "Loca Evasión" ( 1974) y "Encuentro Cercanos del Tercer Tipo" ( 1977).
Sin embargo, sus mayores logros están en películas de Michael Cimino como "El Francotirador" ( 1978 ) y "Las Puertas del Cielo" ( 1980).
También ha trabajado para : Brian De Palma, George Miller, Mark Rydell, Richard Donner, Sean Penn y Jerry Schatzberg. 

Menges aquí está en sus aguas, sacándole lustre a la luz y a los colores.

Chris Menges ( n.1940), británico que ganó el Oscar en su especialidad por : "Los Gritos del Silencio" ( 1984)  y "La Misión" ( 1986), ambas de Roland Joffé.
Colaborador de directores como : Stephen Frears, Neil Jordan o Jim Sheridan, también es un entusiasta director muy vinculado al cine infanto-juvenil, por títulos como : "Madre Soltera " ( "Criss Cross", 1992); "Second Best" ( 1993 ) y "Un Mundo Aparte" ( "A World Part", 1988).
Uno de sus últimos trabajos como fotógrafo fue en la película "Tan lejos, tan cerca ( 2011), donde volvió a demostrar que es un gran director de fotografía de niños.

"La Costa Mosquito" : una de las cooperaciones de Seale para Peter Weir.

John Seale ( n.1942 ), para nosotros el más experimentado y solvente director de fotografía australiano, colaborador habitual de Peter Weir ( "El Misterio de las Rocas Colgantes", 1975; "Testigo en Peligro", 1984; "La Costa Mosquito", 1986; "La Sociedad de los Poetas Muertos", 1989 ), y que ha trabajado indistintamente en su país, Estados Unidos e Inglaterra.
Ganó el Oscar por "El Paciente Inglés" ( 1996 ), y su atractivo estilo también está en películas como : "Te Amaré en Silencio" ( 1986 ); "El Periódico" ( 1994); "El Talentoso Mr.Ripley" ( 2000); "Regreso a Could Mountain" ( 2003 ) y la taquillera "Harry Potter y la Piedra Filosofal" ( 2001).

Alcott y Kubrick, eternos genios de la imagen.

"La Naranja Mecánica" : brillantes colores y contrastes para una película inolvidable.

El paisaje imitando la pintura romántica del siglo XVIII.

Alcott-Kubrick idearon lentes especiales para las tomas con velas encendidas.

"El Resplandor" : la "steady-camp" marcando estilo en el terror.

 
John Alcott ( 1931-1986 ), talentoso y notable fotógrafo del cine inglés, que estableció nuevos parámetros en la técnica de rodaje, gracias a su estrecha cooperación con el director Stanley Kubrick para "2001: Odisea en el Espacio" ( 1968), "La Naranja Mecánica" ( 1971 ); "El Resplandor" ( 1980), y "Barry Lyndon" ( 1975 ), esta última una de las piezas estético-pictóricas más deslumbrantes del cine de todos los tiempos.

MacAlpine trabajando en terreno.

Donald Mac Alpine (n.1934 ), dentro de los mejores fotógrafos australianos, que ha incursionado con igual versatilidad en el drama intimista, la comedia familiar, la aventura exótica, el relato de fantasía y el cine de acción.
Fue durante un tiempo, habitual colaborador del director Paul Mazursky ( "Tempestad", 1982; "Un loco suelto en Beverly Hills", 1986; "Moscú en Nueva York", 1984 ) y Phillip Noyce ( "Juegos de Patriotas", 1992 ; "Peligro Inminente", 1994 ), aunque ha trabajado con directores como : Martin Ritt, Peter Collinson, Bruce Beresford, John Badham, Chris Columbus, Baz Luhrmann, Lee Tamahori y P.J.Hogan, con este último hizo la moderna versión de "Peter Pan" ( 2003 ).

Balllhaus mostrando las bondades de una cámara.

Michael Ballhaus ( n.1935 ), excelente fotógrafo alemán que ha hecho carrera en Estados Unidos después de trabajar con Rainer Werner Fassbinder.
Su estilo llamativo y rico en sensaciones cromáticas está en : "El Color del dinero" ( 1986 ), "La Ultima Tentación de Cristo" ( 1988);  "Buenos Muchachos" ( 1990); "La Edad de la Inocencia" ( 1993); "Pandillas de Nueva York" ( 2002); "Infiltrados" ( 2006), todas de Martin Scorsese; "Los Fabulosos Baker Boys" ( 1989) de Steven Kloves;  "Drácula" ( 1992 ) de Francis Ford Coppola; "Los Hijos de la Calle" ( 1994 ) de Barry Levinson y "El Gran Pez" ( 2003) de Tim Burton, entre otras.
 

Richardson con Martin Scorsese en el set de"Hugo".

"Hugo" : imagen de uno de los últimos trabajos de Richardson para el cine.

  
Robert Richardson ( n.1955 ), colaborador en once de las películas del director Oliver Stone ( "Pelotón", 1987; "Wall Street", 1987; "J.F.K.", 1991; "The Doors", 1991; "Nixon", 1995, entre otras ), está ahora aclimatado al realizador Martin Scorsese, pues se muestra más cómodo en realizaciones de grandes presupuestos y exigencias técnicas de última generación. Con el cineasta italoamericano ha hecho : "Casino" ( 1995); "Al límite" ( 1999); "El Aviador" ( 2004); "Shine a Light" ( 2008); "Shutter Island" ( 2010) y "Hugo" ( 2011). 

Kaminski es el fotógrafo habitual de Steven Spielberg.

  

"Inteligencia Artificial" : texturas, colores y mucho neón.

 

En la película, jugando con los contrastes de luz.

 

"Caballo de Guerra" : uno de sus últimos trabajos para el cine.

Janusz Kaminski ( n.1959), de origen polaco, alcanzó renombre internacional al colaborar habitualmente para el realizador Steven Spielberg , en películas como : "La Lista de Schlinder" ( 1993 ) con la que ganó el Oscar; "El Mundo Perdido" ( 1997); "Amistad" ( 1997 ); "Rescatando al soldado Ryan" ( 1998 ) con la que obtuvo su segunda estatuilla ; "Inteligencia Artificial" ( 2002); "Minority Report" : Sentencia Previa" ( 2002 ); "Atrápame si puedes" ( 2003); "Terminal" ( 2004); "La Guerra de los Mundos" ( 2005); "Indiana Jones y la Calavera de Cristal" ( (2008); "Caballo de Guerra" ( 2011); y "Lincoln" ( 2012).
Su característica central como fotógrafo, es la búsqueda constante de cierto preciosismo estético y algunos rasgos de vanguardismo ( como en "Buscando al Soldado Ryan" ), donde acomodó el relato a un estilo casi documental, con una cámara nerviosa, alterada por el montaje digital y acelerada en su proceso de integrar al espectador en los acontecimientos. 
35 trabajos ha efectuado a la fecha desde que debutara como director de fotografía en 1990.

Suschitzky en otras de sus aficiones profesionales : la fotografía artística.

"El Imperio Contraataca" : uno de sus mayores logros.

El final de la segunda parte de la primera trilogía, con las notables tomas sobre pantalla verde del operador.

Peter Suschitzky ( n.1941 ), notable fotógrafo polaco, que se acomoda a proyectos de distinto calado, aunque su carrera lo acerca más al realizador canadiense David Cronenberg, para quien ha rodado : "Mortalmente Parecidos" ( 1988 ); "El Festín desnudo" ( 1991); "M.Butterfly" ( 1993); "Crash : Extraños Placeres" ( 1996 ); "Una historia de violencia" ( 2005); "Promesas del Este" ( 2007) y "Un método peligroso" ( 2011).
47 películas considera su filmografía desde que comenzara en estos terrenos en 1964. Su estilo de colores siempre vivaces, con una luz impresionista que sostiene en los márgenes del encuadre, con una acertiva manera casi "orgánica" de transmitir emociones, le ha llevado por géneros diversos, desde los tiempos de su cooperación con Warris Hussein ( "Melody", 1971; "Enrique VIII y sus seis esposas" , 1972 ),  Jim Sharman ( "The Rocky Horror Picture Show", 1975 ) y Ken Russell ( "Lisztomanía", 1975 ; "Valentino", 1977), hasta su trabajos en Hollywood que han alcanzado cotas increíbles en películas como : "El Imperio Contraataca" ( 1980 ) dirigido por Irving Kershner; "Amor a Primera Vista" ( 1984 ) de Ulu Grosbard; "¡ Marcianos al ataque!, 1997 de Tim Burton, y "El Hombre de la Máscara de Hierro" ( 1997 ) realizada por Randall Wallace. 
 

Deschanel un experto en fotografiar la naturaleza.

  

"El Corcel Negro" : una de sus trabajos más característicos.

Caleb Deschanel ( n.1944), prestigioso fotógrafo del cine estadounidense, que ha cosechado elogios, sobretodo en películas de ambientes naturales como : "El Corcel Negro" ( 1979); "Los lobos no lloran" ( 1984 y"Volando a Casa" ( 1997), todas de Carroll Ballard. 
Su fuerte, para ser la fotografía de la naturaleza, aunque ello no es óbice de integrarse a proyectos más ambiciosos, donde su estilo marca el sello de historias reales como en : "Los Elegidos" ( 1983) de Philip Kaufman, sobre la carrera austronáutica; "El Patriota" ( 2000) de Roland Emmerich, sobre la independencia norteamericana; "La Pasión de Cristo" ( 2004 ) de Mel Gibson con la vida , pasión y muerte de Jesucristo; "Las crónicas de Spiderwick" ( 2008 ) de Mark Walters, un relato de fantasía infantil ; o "Gente detrás de las paredes" ( 2012 ) de Jim Sheridan, un cuento de horror con niños. 
Además, es el padre de las conocidas actrices Zooey y Emily Deschanel, que hace una década vienen deleitándonos con su versatilidad y belleza. 




Jörgen Persson ( n.1936 ), gran fotógrafo sueco, que ha mantenido una reputación gracias a su colaboración con directores como : Lasse Hallström ( "El Año de Arcoiris", 1987 ); Bille August ( "Pelle, el conquistador", 1987 ; "Con las mejores Intenciones", 1991; "La Casa de los Espíritus", 1993 y "Jerusalem", 1996 ); Daniel Alfredson ( "Varg", 2008 ) y Liv Ullman ( "Trolösa", 2000 ).

Hoytema rodando "Creatura de la noche" a bajo cero.

  

La espacialidad en solitario para Käre Hedebrant en "Creatura de la noche".

 
Hoyte Van Hoytema ( n.1971 ), renombrado fotógrafo sueco, que ha logrado convertirse en una década, en uno de los más experimentados del rubro en su país. Su carrera considera 19 títulos, entre trabajos desarrollados para el cine y la televisión, y que lo mantienen en la primera división de los directores de fotografía mundial, con filmes como : "Creatura de la Noche" / "Dejame Entrar" ( 2008 ) y "El espía" ( 2011), ambas de Tomás Alfredson ; y "The Girl" ( 2009 ), el notable debut de Fredrik Edfelt.

Roberts es conocido como director de fotografía del realizador James Ivory.

Tony-Pierce Roberts (n.1945 ), solvente y preciosista fotógrafo inglés, que ha desarrollado casi toda su carrera en estrecha colaboración con el realizador James Ivory, con quien ha trabajado para películas como : "Un amor en Florencia" , 1986); "La Mansión Howard"( 1992); "Lo que queda del día" ( 1993); "Mr. and Mrs.Bridges" ( 1993 ); Sobreviviendo a Picasso" ( 1995 ) y "La Copa dorada" ( 2000 ), entre otras.

Alan Hume ( n.1924 ), camarógrafo londinense, reconocido por rodar varias de las películas de James Bond ( "Octopussy", 1983; "Sólo para tus Ojos", 1981;  "007, en la mira de los asesinos",1985 ), es un magnífico operador en películas de fantasía ( "El Regreso del Jedi", 1983 ; "Fuerza Siniestra", 1985 ), en dramas existenciales ( "La Isla de las Tormentas", 1981; "Escape Imposible", 1985 ) y en comedias trascendentales ( "Los Enredos de Wanda", 1988; "Shirley Valentine", 1989). 
 

Fujimoto de "jockey" y su ayudante rodando una escena en exteriores.

Tak Fujimoto : De origen nipón, ha logrado una carrera principalmente vinculada a los directores Jonathan Demme ( "Totalmente salvaje", 1986 ; "El Silencio de los Inocentes", 1991; "Filadelfia", 1993 ) y M.Night Shyamalan ( "Sexto Sentido", 1999 ; "Señales", 2003 ), si bien cuenta con títulos notables para realizadores de la talla de : Terence Malik ( "Muerte sin Perdón", 1974 ) y Carl Franklin ( "El demonio vestido de azul", 1995 ).

Adrian Biddle ( 1952-2005): Gran operador inglés, que debutó como director de fotografía en : "Alien, el Regreso" ( 1986), aunque su carrera es versátil y variada. Por ejemplo, fue el fotógrafo de : "La Momia" ( 1999 ) y "La Momia Regresa" ( 2001); "1492: A la Conquista del Paraíso" ( 1992); "Bridget Jones" ( 2004 ) y las dos partes de las aventuras Disney, "101 Dalmatas" ( 1996 ) y "102 Dálmatas" ( 2002 ).

Tetzlaff f extraordinario fotógrafo que también dirigió sus propias películas.

Ted Tetzlaff  ( 1903-1995), un magnífico creador de atmósferas misteriosas y experto en dotar a los filmes de cierta inquietud tenebrosa, fue operador de importantes filmes como : "Recuerdo de una noche" ( "Remember the night", 1940)dirigido por Mitchell Leisen, "El Secreto del día" ( "The Talk of the town", 1942 ) de George Stevens y "Tuyo es mi corazón" ( "Notorius", 1946) de Alfred Hitchcock.
También tuvo una destacada carrera como realizador por filmes como : "La Ventana" ( "The Window", 1949) y "El Hijo de Simbad" ( "The Son of Sinbad", 1954).

Fotos Gentileza : Revista Empire, Variety, The Angeles Times, Starcolor, CasperWorld, Dr.Macro,  A Certain Cinema,  Great Cinematographers, MGM, Warner, Universal, Columbia, Paramount y Archivo.

La fotografía y el color adquiere simbolica metáfora en películas como "Vértigo".

Al cierre de esta entrada, no podemos dejar de mencionar, el tremendo aporte que ha significado para el desarrollo profesional de los fotógrafos del cine, los nombres de : Ennio Guarnieri, Carlo Di Palma, Tonino Delli Colli, Aldo Tonti, Gianni Di Venanzo, Pasqualino De Santis, Carlo Montuori, Dante Spinotti, Henri Decae, Raoul Coutard, Ghislain Cloquet, Jean Bourgoin, Jean Bachelet, Sacha Vierny, Jules Kruger, Subatra Mitra, William Danields, Tony Gaudio, John Mescall, Joseph Walker, Joseph LaShelle, J.Peverey Marley, Oswald Morris, Sol Polito, Jack Cardiff, Alfonso Beato, Thomas del Ruth, Don Burguess, Renato Berta, Jost Valcano, Thomas Mauch, John Hora, David Watkin, Theo Van De Sande, Vilko Filac, Lajos Kotai, Miroslav Ondricek, Andrzej Batkowiat, Stephen Goldblatt, Jan De Bont, Roger Pratt, Peter Biziou, Dean Semler, Phillippe Rousselot, Stephen H.Burum, Oliver Stapleton, Jack N.Green, John Bailey, Barry Sonenfeld, Ernest Dickerson, Alex Thompson, Anthony Richmond, Douglas Milsome, Bill Butler, John Alcott, Dean Cundey, Roger Deakins, Phedon Papamichel, Laszlo Kovacs, Matthew F.Leonetti, Oliver Wood, Ralf Bode, Ric Waite, Victor J. Kemper, John Toll, Hans Bürmann, Bill Pope, Eduardo Serra, Guillermo Navarro, Hiro Narita, Russell Boyd, José Luis Alcaide, José Fernández Aguayo, Adam Greenberg, Héctor Ríos, Angel Luis Fernández, Rodrigo Prieto y David M.Walsh.

Poster de la película "Sangre y Arena", fotografiada por Raymond Rennahan.

Afiche promocional de "El Pájaro Azul", fotografiada por Arthur C.Miller.