Grandes directores del Cine Actual - Cut 17 :

Sin miedo a transgredir las reglas.

En este nuevo paseo cinéfilo por los realizadores más destacados de la actualidad, le hemos dedicado este espacio, ha resaltar a aquellos cineastas que, sin miedo a transgredir las reglas, han hecho del cine una caja de resonancia de temas controvertidos, polémicos o simplemente tabúes. Se trata de un cine personal, reflexivo, tremendamente efectivo a la hora de los resultados, y con un sello personal como nos gusta, para paladares exigentes. Como es nuestra norma, intentamos incluír a directores de distintos países, aunque claro esté, Estados Unidos por su aparatosa industria, lleve cierta delantera.

John Woo : El Cine a 24 fotogramas por segundo.

Considerado el cineasta de Hong Kong y China más popular del momento.

Desde que Bruce Lee deslumbrara en los setenta, con sus películas de artes marciales, hasta los tiempos actuales, Hong Kong ha internacionalizado su cine, en base a un decantismo certero y abrumador, dedicado al cine de acción, a las comedias románticonas lagrimógenas y a los "animes" más excitantes del mundo adulto. Sus actuales paladines son tres, Ringo Lam dedicado a una cine de extrema violencia y vertiginoso ritmo, como "Full Contact" , "Replicante" y "Máximo Riesgo"; Tsui Hark que,  a propósito de su propia compañía, ha insistido con vehemencia en un cine de innovador estilo visual como en "El Killer"; "La Colonia"; y "Vampire Hunters";  y John  Woo  ( nacido en 1946 ), el más conocido de los tres, por un cine avanzado, estilísticamente sofisticado y claramente renovador en la vertiente de la acción trepidante y esquizofrénica. Para muchos especialistas, este tipo de cine sólo puede ser explicado, como la necesaria sangre que la industria hongkonesa necesita para subsistir en el mercado occidental. Para otros, sin embargo, con todas las salvedades del caso, se trata de un modismo artístico, que ha logrado compenetrarse y trascender en el mundo de las películas, imponiéndose por su acabado formal y su compostura estética singular . La discusión de si es arte o nó, la condiciona a cierta repelencia en el lado de los más esnobistas , que piensan que sencillamente, este es puro cine comercial aplicado a los avances de la tecnología digital. Sacándonos cualquier trauma respecto al tema, hemos decidido incluír en nuestras listas al solvente Woo, porque creemos tiene un estilo novedoso, original y coherente,  que ha influído enormemente en el cine de acción actual.

"Una bala en la cabeza" . la acción hecha acrobacia, pirotecnia y ballet.

Nacido en Guangzhou en el sur de China, sus recuerdos de niñez no son nada agradables : "Eramos tan pobres que vivíamos en cabañas y tras el gran incendio de 1953, nos quedamos sin casa. Vivimos en las calles durante años antes de instalarnos en Taudis. Mi padre era filósofo y no podía encontrar trabajo en Hong Kong. Luego enfermó y permaneció en el hospital durante diez años. Mi madre tuvo que mantener a la familia, trabajando duro en casa, en construcción. Mi familia no tenía suficiente dinero para enviarme a la escuela. Mi hermano y yo tuvimos la suerte de contar con la ayuda de la iglesia".
Fascinado por la cultura occidental, idolatraba a James Dean, Elvis Presley y The Beatles, escapándose de la escuela varias veces, para visitar la biblioteca, ir al museo o al cine donde conoció las películas de Truffaut, Antonioni, Bergman, Kurosawa y su ídolo de siempre, Jean-Pierre Melville.
Atraído por el cine como su madre, Woo formó un grupo de jóvenes entusiastas del cine, con quienes alquilaba películas y se reunía para comentarlas. Así de manera autodidacta, aprendió mucho de la técnica y la narrativa del séptimo arte. Entre 1968 y 1970 , Woo realiza cortometrajes en super 8 y 16 mm. Sucumbe al encanto del trabajo de Sam Peckinpah, Francis Ford Coppola y Stanley Kubrick. Ingresa al cine trabajando como asistente de producción y supervisor de scripts para los estudios Cathay. Durante dos años aprende todo lo que se necesita para salir adelante en este mundo de ensueños, y luego de abandonar los estudios, se integra de lleno a trabajar bajo el alero de los hermanos Shaw, con quienes se dispuso a renovar el cine de acción, las comedias familiares y las películas de artes marciales. Debutó en el cine como realizador en 1973, con la película "The Young Dragons", logrando su primer gran éxito con "A Better Tomorrow"( 1986 ),  que inauguró en el cine de acción, lo que algunos han llamado como "heroic bloodshed" ( matanza heroica ). 
 Su filmografía comprende 29 largometrajes, tres cortos, un videojuego y tres colaboraciones en series de televisión.

"El Killer " : Chow Yun-Fat, reveló ser uno de los actores fetiches del famoso director.

 

"Código : Flecha Rota" : la acción explosiva en una notable historia de traiciones.

"Código : Flecha Rota" ( 2 ) : el frenesí del enfrentamiento a quemarropa.

 

"Contracara" : es su policial americano más perfecto, con la idea del doble y de la usurpación de identidad.

Sus características estilísticas alcanzan el frenesí del montaje y de los FX de última generación. Todas sus películas de acción como : "El Killer" ( 1989 ), "Una bala en la cabeza" ( 1992 ); "Código : Flecha Rota" ( 1996 ) o "Contracara" ( 1997 ),  integran la violencia exacerbada con apoteósicos tiroteos filmados como si se tratara de ballets, amistades traicionadas con amores conversos, en una inclaudicable manera de emocionar y trascender.
Sus actores fetiches , como los asiáticos Chow Yun - Fat y Tony Leung, o los americanos, John Travolta, Tom Cruise y Nicolas Cage,  aparecen siempre en roles crispantes, donde demuestran su pericia para defenderse con la sabiduría y la destreza de un tigre.
Sus mayores fortalezas están en la construcción de momentos de extrema tensión, en los ritos de los enfrentamientos a muerte, en la elementalidad que da a las confrontaciones que casi siempre terminan en un frenesí mayúsculo. Aparecen los temas de la lealtad, la traición, el honor, la vida, la muerte, la soledad , la redención, la idea del "falso culpable", el simbolismo de las relaciones profesionales y  la violencia como un fruto nauseabundo que nace y emana de la propia sociedad.  

 

"Acantilado Rojo" : la superproducción más cara de la historia del cine chino y oriental, es su última obra conocida.

 

"Acantilado Rojo" ( 2 ) : Todo en el filme, huele a detallismo y tragedia.

 

"Acantilado Rojo" ( 3 ):  un cine espectacular con miles de extras y mucha pirotecnia trae Wood en su nueva obra.

"Acantilado Rojo" ( 4 ) : No descuidó detalles para recrear época y tradiciones.

"Acantilado Rojo" ( 5 ) :  Tampoco se olvidó de realzar a los actores frente a la magnitud de los escenarios.

 
Entre sus últimos trabajos destaca el díptico "Acantilado Rojo 1 y 2" ( 2008/ 2009 ), la producción más cara de la historia del cine chino, que se ha exhibido en algunos países de Occidente, con una versión resumida de las dos partes originales de esta grandiosa épica, que reconstruye el final de la Dinastía Han en el año 208 A.C. Nuevamente Woo, está a sus anchas, manejando miles de extras, asumiendo el peso de una colosalista reconstrucción histórica y demostrando que sigue siendo el más destacado de su generación. Un maestro jedi a la altura de estos tiempos.

Películas Fundamentales : "A Better Tomorrow" ( "Ying Hung Boon Sik", 1986 ) ; "El Killer" ( "Dip Huet Seung Hung", 1989 ) : "Operación Cacería" ( "Zong heng si hai", 1991 ) : "Una bala en la cabeza" ( "Hard Boiled", 1992 ) ; Duro de Vencer" ( Hard Target", 1993 ) : "Código : Flecha Rota" ( "Broken Arrow", 1996 ) : "Contracara" ( "Face/ Off", 1997 ) : "Misión Imposible II" ( "Mission Impossible II" ( 2000 ) : "Código de Honor" ( "Wind Talkers", 2002 ) ; "Paycheck" ( 2003 ) ; "Acantilado Rojo"o "Red Cliff, Parte 1"  ( "Chibi", 2008 ) y "Acantilado Rojo" o "Red Cliff, Part 2" ( "Chi Bi Xia : Jue zhan tian Xia", 2009 ).

Próximo estreno : "Love and Let Love" ( 2013 ), un drama con Ziyi Zhang, Hye-Kyo Song y Cheng Chang.

En el rodaje de "Misión Imposible 2 " con Tom Cruise preparando una escena.

"Misión Imposible 2 " : Cruise frente a la inmensidad del "Monument Valley" en Arizona, otrora escenario de John Ford.

Un comentario : "Sin duda, si se trata de establecer quien es el más avanzado de todos los hijos del cine proveniente de Hong Kong, el nombre de John Woo surge por inercia. 
Para nadie es un misterio que se trata del maestro de maestros , quien en buena medida fue el responsable de reinventar el cine de acción. Antes de eso realizó unas catorce películas destacando como un especialista en comedias y filmes de artes marciales que para nada hacían preveer el cambio" ( El crítico Miguel Angel Fredes ). 



 Sam Mendes : El Cine del apremio legítimo.

Graduado de la Universidad de Cambridge, Mendes pasó del teatro al cine con "Belleza Americana", su notable debut.

Si algo condiciona el cine del director, guionista y productor Sam Mendes ( nacido en 1965 ), es su conciente intimismo, para reflejar los acmbios en el comportamiento humano y social en tiempos dicímiles. Todo su cine esta armado desde la concepción del taxidermista que después de analizar la pieza de colección, la disecciona en distintas partes y las somete a un análisis más profundo y cercano a la antropología. 
Como lo definió el crítico alemán Burkhard Röwekamp, "Mendes nunca expone sus personajes al ridículo y los protege de las risas baratas otorgándoles tiempo para que se desarrollen. Además , confiere profundidad a las relaciones entre éstos y las organiza en dramáticas constelaciones". 
Toda la experiencia de Mendes en el teatro, se evidencia tanto en "Belleza Americana"( 1999 ) como en "Camino a la perdición"( 2002),  donde organiza las escenas, desde la posición simétrica de los personajes frente a los encuadres con los objetos, las cosas o los escenarios , hasta la lectura de los subtextos, remarcando los diálogos de importancia con gestos, espacio para los silencios o exabruptos putativos. Hay en el cine de Mendes, un abierto juzgamiento a sus caracteres, para devolverles su dignidad en el transcurso de las acciones y de las experiencias exaltadas por la cámara.
Redunda en los temas de la persecución de la felicidad, la riqueza material y espiritual, el control palaciego de la institución familiar por sobre los derechos privados, el cuestionamiento moral a la sociedad,  que no es de ningún modo prometedor y edificante.
En el cine de Mendes, la vida aparentemente agraciada, puede ser cruel  y perversa. Y hasta los personajes más sutiles, sucumben a las ansiedades del poder. Esta mirada del apremio legítimo respecto a las responsabilidades del mundo adulto en la constitución familiar, es su mayor espiral de desasosiego, una inquietud que emana de la propia base creativa y se transmite con gracia y pudor en un cine efectivamente ético  e inconformista. Y aún así, esperanzador.

"Belleza Americana" : la milimétrica corrección en los planos y encuadres.

"Belleza Americana" ( 2 ) . es un ácido retrato a la vida conyugal en el confort y la opulencia.

"Belleza Americana" ( 3 ) : la lozanía desdichada de los hijos que vemos crecer pero con los que no nos comunicamos.

En "Belleza Americana" ( 1999 ), un agente de publicidad que pasa por la crisis de los cuarenta, vive una vida cómoda y servil, con una esposa insatisfecha, que aparenta su felicidad en medio del desconcierto de sentirse sola y aburrida. Despertando de su sordidez familiar, Lester ( un camaleónico Kevin Spacey ), manda al traste su vida de apariencias, renegando de su trabajo de oficina, extorsionando a su jefe, enamorándose apasionadamente de la mejor amiga de su hija adolescente y confrontando su nueva posición a su mujer, con la que ya no tiene ninguna relación afectiva, sexual o marital. Esta lapidaria mirada, Mendes la acomoda a una puesta en escena pulcra y metódica, donde cada mueble, cada adorno del decorado de la casa del protagonista, cada sugerencia de gestos, miradas o afectos, le sirven para acentuar la aparente uniformidad de la existencia de la comodidad irracional y falsa.
El debut de Mendes en la dirección, es estupendo, pues narra con fluidez un drama moderno, estructura bien las acciones y le saca excelente partido a las actuaciones de Kevin Spacey, Annette Bening, Thora Birch y Chris Cooper. 

 

"Camino a la perdición" : el choque moral es brutal y sin destino.

 

"Camino a la perdición" ( 2 ) : supuso el último trabajo del eximio fotógrafo Conrad Hall.

Aunque mantiene su sesgo crítico en "Camino a la perdición" ( 2002 ) , un notable filme de gangsters que apuesta a las actuaciones, desde la ruindad de un viejo Paul Newman a la mansedumbre oficiosa de Tom Hanks que están sencillamente notables; toda la obra de Mendes donde más se destaca y se hace meritoria, es en la ácida mirada que entrega de las relaciones de pareja.  Con un tono seco e intimista, prodigada en la fotografía del desaparecido Conrad Hall, la película es un relato tenso y dramático del choque entre Michael Sullivan ( Hanks ) y John Rooney ( Newman ), su padre adoptivo, dedicado a los negocios ilícitos en la época de la depresión económica.
Mendes reacondiciona el nudo dramático, como si se tratara de una nueva revisión del antiguo conflicto entre Caín y Abel. Como en Al este del paraíso, El Padrino o Buenos Muchachos, la pelea final es entre hermanos. Uno carnal, otro adoptivo.Cierra el círculo intrincado de muerte, un fotógrafo ( Jude Law ), comisionado por el gangster para asesinar a Sullivan, una vez que éste opta por retirarse con su familia del juego mortal. La narración en "off" , con el niño de espaldas a la cámara mirando el mar, que abre y cierra la película, nos remarca la afición de Mendes por los relatos circulares. Su lírica no está en la elocuencia febril de la emoción contenida, sino en la sugerencia de los encuadres "fuera de campo" (  la ráfaga de ametrallamiento cuando el niño descubre en que oficio trabaja su padre ) ; en la neutralidad del ruido (  el uso acertado del "ralenti"en la secuencia de la muerte del padre adoptivo y sus secuaces, que está sobredimensionada gracias a la estupenda banda sonora de Thomas Newman ) ; en la matizada temática del sentido de pérdida o en la irrefutable noción de que el destino es inalterable. Gran actuación del actor infantil Tyler Hoechlin, que pasa a la antología del cine, junto a Hanks y Newman, que están sencillamente increíbles.   

 

"Revolutionary Road" : la exaltación estética y costumbrista de una época.

"Revolutionary Road" ( 2 ) : los estímulos visuales y cromáticos también son importantes en la obra del director.

"Revolutionary Road" ( 3 ) : el estilo y los comportamientos vuelven a ser analizados por Mendes.

Más adelante, Mendes insistirá en el drama conyugal con :  "Revolutionary Road" ( 2008 ), otra obra asfixiante sobre las relaciones de un matrimonio, en la Connecticut de la década de los cincuenta. Se destacan : su detallada puesta en escena, su estilizado cromatismo visual, y el estupendo trabajo interpretativo de Leonardo Di Caprio y Kate Winslet, ahogados por la neurosis familiar. En cualquier caso, Mendes tampoco se queda corto en su marcado buen gusto por la expresividad estético-visual. 

"Jarhead" : las experiencias de un soldado estadounidense en Arabia Saudita.

"Un lugar donde quedarse" : ha sido lo último visto del célebre realizador.

"Un lugar donde quedarse" ( 2 ) : otra vez las conversaciones frugales vuelven a ser motivo de análisis.

Entremedio, ha realizado dos filmes análogos :  "Jarhead" ( 2005 ), un drama bélico sobre un "marine" y sus experiencias en Arabia Saudita, a propósito de la guerra en Kuwait, con Jake Gyllenhaal, Jamie Foxx y Lukas Black; y "Un lugar donde quedarse" ( 2009 ), una comedia más romántica que dramática, con trasfondo moral, estelarizada por John Krasinski, Maya Rudolph y Allison Janey.


Películas Fundamentales : "Belleza Americana" ( "American Beauty", 1999 ) ; "Camino a la Perdición" ( "Road To Perdition", 2002 ) ; "Jarhead" ( 2005 ); "Revolutionary Road" ( 2008 ) y "Un lugar en donde quedarse" ( "Away we go", 2009 ).


Próxima obra : "Skyfall" ( 2012 ), que se estrena en Noviembre en Estados Unidos, y que es la nueva aventura de la saga de James Bond, el agente británico 007, interpretado por Daniel Craig.

"Belleza Americana" : el sueño erótico transformado por Sam Mendes en imagen icónica del cine actual.

Un comentario : "Cuando hice American Beauty , quería que la visión del filme ofreciera a todo espectador, una experiencia íntima. Espero que sea una obra universal , que ayude a entender la vida un poco mejor". ( Sam Mendes en "Le Figaro" ).



 

Paul Thomas Anderson : El Cine de la realidad dolorosa.

 Relatos corales y un realismo palpable caracterizan su obra fílmica.

La carrera del director, productor  y guionista Paul Thomas Anderson ( nacido en 1970 ), partió en la televisión como asistente de dirección, en programas de concursos y producciones de videoclips. Más tarde, se retiró de la "New York University School", para seguir trabajando por su propia cuenta en el terreno del cortometraje. Así llegó a Cannes, con el largo " Hard Eight", que salió de un corto "Cigarettes and Coffe", guión extendido que le dió a conocer en el mundo del cine. Sin embargo, su verdadero éxito llegó con "Boogie Nights"  ( 1997 ), nominada a tres Oscar, que es un verdadero golpe a la cátedra de clasicismo narrativo, atenta y rupturista visión al mundo de la producción de películas pornográficas con una desmadrada historia tremendamente eficaz y realista.
El Cine de Anderson, se caracteriza por su innovador estilo de dirección, de rocambolescos giros en sus tramas, complejas ramificaciones dramáticas y notables personajes, estructurados desde la disección sicológica, demostrativo de un estilo que no tiene miedo de transgredir las reglas, ni de usurpar modismos para denostar la realidad inherente a sus temáticas. 

"Boogie Nioghts" : Burt Reynolds en el papel de su vida.

"Boogie Nights" ( 2 )  : Personajes excéntricos y extravagantes para un relato maestro.

 

Anderson recrea en "Boogie Nights" ( 1997 ) una época de cambios culturales, ideológicos y de costumbres, con la cepa de los grandes maestros del cine social. Nada de lo que determina, está excento de la transgresión, pues todo es cuestionable y perenne. Burt Reynolds en el rol de su vida, es un productor de "soft core" que estimulado por el floreciente mercado de las películas triple X en la década de los setenta, decide convertir el negocio en una gran industria del cine.
A su alrededor, giran numerosos personajes del ambiente : chulos superdotados, chicas acarameladas y quejosas, prostitutas sofisticadas y ramplonas, con los cuales Anderson erige un manifiesto absolutamente humano y realista, de este mundillo de excesos, drogas, alcohol, sexo fácil y dinero a raudales.
A nivel técnico, el uso preponderante de la "steady-camp", remarca los encuadres de gran naturalismo y la sugerencia erótico-sexual está supeditada a los primeros planos como puntos fijos de trascendencia emocional y afectiva. Escenas como la del rodaje de una porno, donde prima el poder de concentración en la  eyaculación y el coito, o el desenlace con el protagonista más superdotado del grupo, enrostrando sus animalidad frente a un espejo, pueden resultar chocantes en su elocuencia y visceralidad, pero se justifican dentro de un argumento que está a la altura del conflicto dramático.

"Magnolia" :  un gran drama hecho con sensibilidad, humanidad  y lirismo.

"Magnolia" ( 2 ) : también hay una visión al mundo de los concursos de la televisión.

"Magnolia" ( 3 ) : Julianne Moore es la atribulada esposa de un moribundo.

"Magnolia" ( 4 ) : la mirada a los niños genios, es también efectiva en el relato.

 
Con "Magnolia" ( 1999 ), Anderson vuelve sobre la estructura de un drama coral, expuesto a varias  voces; con una multiplicidad de situaciones entre dramáticas, misteriosas y fantasiosas. A esta altura, se nos revela la lucidez del cineasta, para retratar los conflictos familiares, acentuando su historia en el terreno de las tristezas y desengaños con una brillante elocuencia visual.
Múltiples personajes le permiten al director, asumir las contrariedades de la vida con sentido filosófico, ético y humanista.
Como destacaban los medios escritos en el momento de su estreno : "Magnolia que dura tres horas y no le sobra ni un segundo, está justo en medio, tan cerca de sus personajes que podemos sentir la respiración". En el centro de esta tragicomedia moderna, está Big Earl Partridge ( Jason Robards ), un magnate de la televisión, de asquerosa calaña, moribundo en su cama, con una magnolia marchita.
La película cuenta "la historia de las personas en cuyas vidas Earl ha ejercido una influencia perdurable : su hijo Frank ( Tom Cruise ), la hermosa esposa de Earl ( Julianne Moore ) y el presentador más popular de un programa de concursos para genios ( Philip Baker Hall )"; además de otros personajes afines a cada segmento :  un policía tierno y sensible ( John C.Reilly ), una joven drogadicta y alcohólica ( Melora Walters ) y un niño prodigio ( Jeremy Blackman). 
En este alambicado y complejo universo, Anderson acomoda su fluidez narrativa para administrar con equilibrio y lucidez, la riqueza de los detalles interiores de los personajes.
Manteniendo el ritmo con el intercalamiento de situaciones proféticas como el tremendo aguacero donde llueven ranas desde el cielo, o la destrucción superlativa de objetos y cosas, el director se nos impone en el conciente colectivo, como un notable narrador cinematográfico, capaz de solventar historias de candente actualidad, con madurez, inconformismo y transparencia.

"Petróleo Sangriento" : la metáfora sobre la corrupción del poder dentro de una estructura de moderna tragedia.

 

"Petróleo Sangriento" ( 2 ) : magnífica adaptación de una novela de Upton Sinclair.

De todas las demás películas que rodó, destaco : "Petróleo Sangriento" ( 2007 ), un magnífico drama épico, que habla acerca de las ambiciones del dinero, la religión, la soledad y los vínculos paterno-filiales fracturados por el ego y el poder industrial.
Emulando a John Ford en lo estético, y a Orson Welles en lo intelectual, adapta la obra "Oil" del escritor Upton Sinclair, publicada en los años veinte del siglo pasado. Todo ello, para emular el sentido trágico que tiene la vida, cuando se construye únicamente sobre la base de la traición, la conspiración, la mentira y el egoísmo.  En efecto, la aventura que emprende Daniel Plainview ( un excepcional Daniel Day Lewis ), como un emergente petrolero que no se detiene ante nada, ni ante nadie, con tal de ampliar sus negocios, sirven de pretexto a Anderson, para efectuar una durísima metáfora sobre los valores de una sociedad que se construyó en base a la explotación del crudo, y que hoy todavía campea, en razón de mantener su liderazgo en el resto del mundo.
Película modélica en sus logros estético-narrativos, es una adecuada forma de acercarse a la filmografía de Anderson, porque mantiene todas sus obsesiones e inquietudes artísticas con sentido lírico y crepuscular.

Películas Fundamentales : " Boogie Nights" ( 1997 ) ; "Magnolia" ( 1999 ) ; "Punch- Drunk Love" ( 2002 ) y "Petróleo Sangriento" ( "There will be blood" ( 2007 ).

"The Master" : la última película de Mendes, donde el actor Joaquín Phoenix regresa al cine.

Próximo estreno : "The Master" ( 2012 ), un drama sobre las relaciones amorosas de un carismático intelectual de la década de los cincuenta del siglo pasado, con un elenco que integran : Philip Seymour Hoffman, Joaquín Phoenix - que regresa al cine después de su alejamiento voluntario para dedicarse a la música -, Amy Adams y Laura Dern.

Un Comentario : "En Magnolia, la cinta empieza con un tono macabro y satírico y cada vez se torna más sarcástica, incluso cínica. Una clara y divertida voz, habla al principio sobre la absurdidez de la vida y niega la existencia de las coincidencias, tesis que el filme se encarga de confirmar. Aunque al comienzo los episodios parecen ser una vaga colección de acontecimientos inconexos, poco a poco se descubre una densa red de vínculos. La película arrastra al público, a una espiral de relaciones fracasadas e insatisfechos anhelos de libertad, amor y respeto muto. Este descenso influye en las imágenes del filme, cuyo ritmo se ralentiza y cuyos colores se oscurecen ; los espectadores empiezan a sentir que la espiral hacia bajo no tiene fin. Pero Magnolia es todo, menos un filme pesimista..."
( Del crítico Burkhard  Röwekamp, para el voluminoso libro "100 Clásicos del Cine de Taschen").


Milos Forman : El Cine de la destrucción constructivista.

Eterno escrutador de la "american way of life", Forman asume un cine de denuncia con trasfondo intelectual.

Abanderado de la "Nueva Ola " del cine checoslovaco, el director, productor y guionista Milos Forman ( nacido en 1932 ), ha hecho de su cine, una magnífica radiografía cultural del mundo. Su obra se ha caracterizado por su "brillantez narrativa, sus audaces interpretaciones y su carácter subversivo y de denuncia del sistema". Desde que se radicó en los Estados Unidos, el cineasta se ha transformado en un gran escrutador de la vida americana, armando con brillantez, una mirada refrescante y naturalista de la sociedad estadounidense. Adaptando novelas y obras de teatro, ha logrado mantener un sentido atractivo y sugerente de la realidad histórica de Europa y América, sin menoscabo de mostrarnos lo terrible y trágico que es el capitalismo; la opresión del arte por el consumismo y el elitismo intelectual ; la libertad creativa por sobre las ideologías más extremas y el riesgo de contar una verdad, sin miramientos o timideces restrictivas. 
En el cine de Forman, hasta los personajes más crépulas tienen un derecho de ser y actuar que los justifica. Ni los marginados en un psiquiátrico, ni los vetustos celos de un compositor clásico, ni los fetichismo adorados de un "play boy" en la cima del éxito, ni las relaciones amorosas del juego más antiguo de la seducción, pierden su vigencia por el tratamiento siempre interesante y valedero que le da Forman en la pantalla. Hay en su cine, un apego a enrostrarnos los tabúes más señeros, con el aperturismo de criterio más valedero de estos tiempos.  En este sentido, Forman es un moralista a carta cabal.
 

Forman en su hogar junto a su joven esposa.

Su filmografía comprende, trece largometrajes desde que debutara en la dirección  con "Black Peter" en 1963. 
Sus primeras películas son alegorías polémicas y desafiantes contra el comunismo, y asumen un sentido de búsqueda estética y formal. "Los Amores de una rubia" ( 1965 ) y "Al fuego bomberos" ( 1967 ), pertenecen a la nueva ola checa, que insistió en su aguerrida manera de denostar al régimen político. En 1969, Forman se fue a Estados Unidos, donde rodó "Taking Off" ( en algunos países exhibida como "Juventud sin esperanza", 1971 ), " una visión divertida y compasiva de la confusión de la clase media norteamericana ante la rebeldía juvenil". La cinta ganó la Palma de Oro en Cannes.

"Atrapado sin salida" : denunció la atención de ciertas clínicas siquiátricas, otorgándole cinco Oscar.

 

"Atrapado sin salida" ( 2 ) consagró a Jack Nicholson y dio a conocer nuevos actores.

"Atrapado sin salida" ( 3 ) : inolvidable papel para la actriz Louise Fletcher.

 
Cuatro años después, dirigió "Atrapado sin salida " 1975 ), que arrasó con cinco Oscar, y que reveló con gran olfato y tacto, la realidad de una hospital siquiátrico. Cinta que se apoya en el estupendo elenco de actores, encabezados por Jack Nicholson y que logra atmósferas de gran autenticidad y verismo. Acerca de ella, recuerda Forman : "La novela original estaba narrada desde el punto de vista del indio esquizofrénico, e incluía todas sus alucinaciones surrealistas. Sin embargo, yo quería que la película fuera lo más realista posible, para retratar con crudeza todo el horror y la absurdidez de la situación. En literatura, las imágenes surrealistas ayudan al lector a comprender el horror, pero en cine, utilizarlas hubiera restado credibilidad a la película".

 

"Hair" : la sicodelia y el hippismo de una época hecho comedia musical.

 

"Ragtime" : un ambicioso retrato de la época del swing.

 

"Ragtime" ( 2 ) : el desaparecido Howard E. Rollins se lució en su rol protagónico.

"Ragtime" ( 3 ) : recreó una época dentro de los estudios lo que encareció el coste de la película.

Después adaptó un musical, Hair" ( 1979 ) con toda la sicodelia y el hippismo de esos años, que los norteamericanos no comprendieron del todo; para pasar a la adaptación de la novela de E.K.Doctorow, "Ragtime" (1981 ), que significó la última aparición del glorioso James Cagney.
La cinta costó 20 millones de dólares de la época, porque tuvieron que construír los escenarios del "Madison Square Garden" y barrios clásicos de principios del siglo veinte como el "Lower East Side" en el estudio. Cine-río de largos 155 minutos, que sin embargo, revelan la acertada mano de Forman para mostrar la burguesía, la miseria y la aristocracia "con la misma soltura con que anuda cada hilo de la abultada madeja, en forma de no dejar ningún acontecimiento sin solución, ni personaje sin destino" ( de la comentarista María Romero ).

 

"Amadeus" : nuevamente destacó la espectacular ambientación de época.

"Amadeus" ( 2 ) : Todo en la película está cuidado y detallado al extremo.

"Amadeus" ( 3 ) : Grandes papeles para Tom Hulce como Mozart y F.Murray Abraham como Salieri.

Más tarde, Forman vuelve a demostrar su oficio en la alabada "Amadeus" ( 1984 ), una colosal película de intrigas, suspenso y épica con la vida de Mozart y sus pugilatos con Salieri, en una recreación de época espectacular y brillante. Para lograr el equilibrio que la película determina, Forman trabajó mancomunadamente con el escritor Peter Shaffer, autor de la obra teatral.
El cineasta recuerda : "Lo más importante era contar la historia de una manera dinámica, que fuera lo menos estática posible. En lo referente a la música, no quisimos esperar el montaje final. Compusimos la banda sonora con antelación, dedicándole una hora diaria durante los tres meses que precedieron al rodaje. Me gusta disponer de la banda sonora de antemano, y cuando esto no es posible, pongo música de referencia durante el rodaje, ya que esto ayuda a los actores a introducirse en la atmósfera del filme de manera rápida y profunda".

"Valmont" : su mirada al universo de Choderlos de Laclos.

"Valmont" ( 2 ) : la calculada utilización del encuadre, las formas y los colores.

 

"Valmont" ( 3 ) : la mirada de Forman es pictórica y muy estilizada.

Pasaron cinco años para su siguiente trabajo, "Valmont" ( 1989 ), una nueva adaptación al clásico "Relaciones Peligrosas" de Pierre Choderlos de Laclos, que ya había llevado a la pantalla, Roger Vadim en los 60 y Stephen Frears, paradójicamente, el mismo año en que se estrenó esta producción de Forman.
El resultado es prístino, agradable de ver y seguir, menos intimista que Frears y más exquisito en su recreación de atmósferas. Todo resalta en el filme, la mueblería, la arquitectura, los decorados, el vestuario, las esculturas, los jardines, y este peso visual, no extralimita el correcto desempeño narrativo de Forman para dimensionar la obra. Ello no es óbice, para acondicionar la sensualidad del libro a una visión contemporánea. Así, la escena en que el protagonista ( Colin Firth ) besa los muslos de la joven , mientras ésta escribe el dictado de una carta, está condicionada a una preparación semiológica conciente de Forman, aprovechando de sugerir los deseos de felación, con los objetos, decorados y pinturas, como también ocurre con el encuentro de la cándida muchacha y su joven profesor de arpa.

 

"Larry Flint..." : la mirada al excéntrico fundador de la revista "Hustle".

Larga ausencia de las pantallas, Forman sólo regresó siete años después con otra polémica película " Larry Flint, el nombre del escándalo" ( 1996 ), especie de "bio-pic" del excéntrico fundador y director de la revista pornográfica "Hustle". El relato es un conciso estudio acerca de la libertad de expresión, la rigurosidad moral, el compromiso ético y el espectáculo mordaz, irónico y unipersonal de un hombre que, fracturó a todo un sistema, a través de la publicación de una revista para adultos.
Sus últimas obras, "El Mundo de Andy" ( 1999 ) y "Goya"s Ghosts" ( 2006 ), debilmente recibidas por el público y la crítica, no evidenciaron que Forman haya perdido vigor, concentración y un sentido  práctico de contar historias. 
Aunque los más puristas lo consideran algo desgastado, Forman no ha vuelto a trabajar desde que hiciera una obra musical "Dobre Placena Prochazka" en el 2009. Como Mozart y Flint , su genialidad incomprendida por algunos, le ha traído un retiro anticipado, dedicado a otros menesteres en compañía de su joven y bella mujer. Disfrutando de la vida hogareña como cualquier mortal, aunque dejando una obra imprescindible para la historia del cine.

Forman disfrutando de la tranquilidad de su hogar en Connecticut, Estados Unidos ( Fuente : "The New York Times").

Películas Fundamentales : "Los amores de una rubia" ( 1965 ) : "Al Fuego, Bomberos" ( 1967 ) : "Taking Off" ( 1971 ) : "Atrapado sin salida" ( "One Flow Over the Cuckoo"s net", 1975 ) ; "Hair" ( 1979 ) ; "Ragtime" ( 1981 )  ; "Amadeus" ( 1984 ) ; "Valmont" ( 1989 ) ; "Larry Flint, el nombre del escándalo" ( "The People vs. Larry Flint", 1996 ) ; "El Mundo de Andy" ( "Man on the Moon", 1999 ) y "Goya"s Ghost" ( 2006 ).


Un comentario : " Si estas tratando de contarle a alguien una historia y esa persona empieza a perder interés, sabes que estás haciendo algo mal. El objetivo es contar la verdad sin resultar aburrido. Por eso las mentiras son tan interesantes, porque la verdad, por su propia naturaleza, puede llegar a ser muy insulsa" ( Milos Forman ).



Oliver Stone : El Cine del visionario inconformista.

Gran narrador de "biopics" políticos y de sus propios recuerdos de la guerra de Vietnam.

Si algo define el cine del director, productor y guionista Oliver Stone ( nacido en 1946 ), es la reconstrucción histórica ventilada desde la sensibilidad del artista, que es también ideológo, sociólogo y cronista periodístico. Hijo de un judío y de una francesa católica, estudió cine en la Universidad de Nueva York. En su carrera, corre la doble vena del guionista y del realizador. Como escritor cinematográfico ganó el Oscar por "Expreso de Medianoche" y su nombre está ligado a notables obras como "Caracortada" y "Manhattan Sur".
Como cineasta se la juega por un estilo de películas que se recrea en el pasado. 
Todo su cine, sobretodo los "bio-pic", están elaborados desde el detallismo del investigador pulcro y exigente. Nada de lo que trasuntan sus películas, parecen meros datos recabados al azar. Esta ansiedad por recrearse en la historia de hechos pasados, le ha creado un estigma que lo eleva pero también lo menoscaba frente al espectador. Porque cada película que se espera de él, debe ser mucho mejor que la anterior. Como que siempre se está esperando de él, algo más elevado, superior, de candente realismo y asumido sentido crítico. Rabioso, inconformista, minucioso, aparatoso, errabundo, espectacular. Sin embargo, parece ser que, donde menos se marchita como cineasta, es en la mirada que tiene de los personajes históricos más afines con su idiosincracia.

"Pelotón" : la película que lo dió a conocer internacionalmente.

Todo su cine, está así, recorrido por el subjetivismo del investigador avezado, pero que tiene un compromiso con sus ideales y sus maneras de pensar. Como todo gran realizador, el cine de Stone, es un cine riesgoso, no siempre muy alabado, y definitivamente innovador por la mirada en los temas y la reconstrucción de aquellos enigmas históricos difíciles de olvidar. En algún sentido, Stone ha puesto parte de su personalidad en los íconos universales que ha dimensionado con la venia del artista, del intelectual y del crítico más contumaz. Un cine que no se olvida y pervive en sus formas, con la gracia del poeta, que es feliz con la creación que lo ha incentivado a trabajar en lo que más le gusta.
Su filmografía está compuesta por diecinueve largometrajes, dos cortos, dos documentales y dos capítulos de la serie televisiva "American Undercover".

 

"La Mano" : terror granguiñolesco para una divertida historia demencial.

"Salvador" : de Guatemala a El Salvador cámara en mano aceptando el riesgo.

"Nacido el 4 de Julio" : la mirada crítica sobre los excombatientes de Vietnam.

En cine debutó con la cinta de terror B, "Seizure" con Jonathan Frid, el inolvidable vampiro "Barnabás Collins", aquí metido en la piel de un novelista de cuentos de espanto. Después rodó "La Mano" ( 1981 ), una divertida historia demencial acerca de una mano vengadora y mortal, que ni Michael Caine puede dominar; para pasar a "Salvador" ( 1986 ), un drama bélico sobre el país centroamericano y sus reyertas en consonancia con un emergente James Wood y James Belushi.
En 1986 estrena "Pelotón", la primera parte de su trilogía dedicada a la guerra de Vietnam, que completan "Nacido el cuatro de Julio" ( 1989 ) y "Entre el Cielo y la Tierra" ( 1993 ). Interesante reflexión sobre el conflicto que incorpora las propias experiencias de Stone , quien estuvo quince meses , entre 1967 y 1968, en los frentes vietnamitas. Por su desempeño militar recibió una estrella de bronce y el reconocimiento MASH por sus heridas.
Las tres películas son una visión autobiográfica de la guerra, pero además, condicionan la mirada familiar, el drama doméstico del regreso y la escasa ayuda que reciben los soldados al reinsertarse en la sociedad.

"The Doors" : el "biopic" a Morrisey y toda una época de excesos, traumas y creación musical.

 

"Asesinos por naturaleza" : experimental y sicodélica como los "psycho-killers".

 

"Camino sin retorno" : minimalista y sincera.

 

"Alexander" : la grandiosa épica histórica de Stone.

"Alexander" ( 2 ) : Alejandro Magno y su séquito.

 

"Alexander" ( 3 ) : la gloriosa épica con toda la pompa de un "peplum" histórico.

"Alexander" ( 4 ) : el poder de uno contra otro, medido por la brutalidad animal.

"Alexander" ( 5 ) :  ambiciosa puesta en escena, para contar las conquistas del Rey de Macedonia.

De sus siguientes películas, destacamos : "Wall Street" ( 1987 ), una famosa recreación del mundo financiero neoyorquino que pese a su abigarrado cuestionamiento moral, no contrapone el idealismo a los fines del sistema; "The Doors" ( 1991 ), un notable "biopic" alrededor del célebre conjunto musical que lideró Morrisey; "Asesinos por Naturaleza" ( 1994 ), una casi experimental recreación visual de los "psycho killer" que estaban siendo moda cinéfila en esa década; "Camino sin retorno" ( 1997 ) un policial minimalista que se recrea en el paisaje de Arizona y en las estupendas actuaciones de Billy Bob Thorton, Nick Nolte, Sean Penn, Jenniffer Lopez, Claire Danes, Nick Nolte y Joaquin Phoenix; y la colosalista "Alexander" ( 2004 ) magnífica recreación histórica sobre Alejandro Magno, que costó la friolera cifra de 150 millones de dólares de la época.
Se trata de una épica de aliento operático, que da espacio para el cuestionamiento moral respecto a las ambiciones del poder - tema recurrente de su filmografía -, y los escarnios de una vida disipada, llena de traumas y obsesiones. Espectáculo  maravilloso en lo visual, demuestra el inagotable talento de Oliver Stone para recrearse en el pasado. Cómo olvidar escenas de notable sugerencia : la entrada triunfal de Alejandro Magno en la capital persa o los sensuales encuentros orgiásticos en la India; las lascivas insinuaciones de su madre, o las hermosas tomas de instrucción infantil en la lucha libre.
Sin duda, es un esfuerzo titánico que recuerda los viejos tiempos épicos de Cecil B.De Mille, Nicholas Ray o William Wyler. Acompañaron esta transcripción, actores de gran talento como : Colin Farrell, Angeline Jolie, Anthony Hopkins y Christopher Plummer, entre otros.

"J.F.K." : minuciosa recreación sobre la investigación del asesinato del presidente John F. Kennedy.

"Nixon" : los traumas y ansiedades de un conservador en la Casa Blanca.

"W" : completa su trilogía política con  George W. Bush. 

Otra de las vertientes por las que es muy conocido, son las "biopics" de políticos : "J.F.K." ( 1991 ), su obra maestra, es una notable película de intrigas judiciales alrededor del asesinato del Presidente John F. Kennedy. "Nixon" ( 1995 ), un análisis superlativo a la vida del estadista conservador, donde se detallan sus traumas y obsesiones, sus errores y su contradictoria personalidad marcada por una infancia y una juventud solitaria. Y "W" ( 2008 ), que es la mirada crítica a la personalidad de George W. Bush sin renegar de la posición, asumiendo eso sí, las trabas y meteduras de pata del estadista. 
En las tres obras, florece todo el estilo Stone : montaje rápido y alternante, diálogos sumarios y de revelación sorpresiva en momentos de extrema placidez, sutileza en los saltos temporales, "flash backs" y condicionamientos técnicos al uso. Meritoria fotografía , música y una impecable recreación de época. Nota aparte para las actuaciones, pues Oliver Stone se esmera en sacar el máximo de partido de sus actores.

"Wall Street" : el mundo bursátil de Nueva York en la mirada de Stone.

Cabe recordar que hizo además, "Las Torres Gemelas" ( 2006 ), una relato coral sobre los acontecimientos del 11-S, a partir del drama de dos bomberos atrapados bajo los escombros de los edificios y la continuación veinte después, de las correrías del "yuppie" Gordon Gekko en "Wall Street : El dinero nunca duerme" ( 2010 ), que ha sido hasta ahora, su última película conocida.

Películas Fundamentales : "Pelotón" ( 1986 ) ; " Wall Street" ( 1987 ) ; "Nacido el cuatro de Julio" ( 1989 ) ; "The Doors" ( 1991 ) ; "J.F.K." ( 1991 ) ; "Asesinos por naturaleza" ( "Natural born killers", 1994 ) ; "Nixon" ( 1985 ) ; "Camino sin retorno" ( "U Turn" , 1997 ) ; "Un Domingo Cualquiera" ( "An given Saturday", 1999 ) ; "Alexander" ( 2004 ) ; "Las Torres Gemelas" ( "World Trace Center", 2006 ); " W" ( 2008 ) ; y "Wall Street : el dinero nunca duerme" ( "Wall Street : Money never sleeps"  2010 ).

"Savages" : la última película del conocido realizador norteamericano.

Próximo estreno : "Savages" ( 2012 ), un "thriller" con Aaron Johnson y Taylor Kistch.

Un comentario : "Cada película tiene sus propias trampas, atolladeros y arenas movedizas, lo que te obliga a ser muy flexible. Siempre he pensado que los buenos directores son como el bambú, cuyas cañas son resistentes y flexibles a un tiempo. Un director debe tener una personalidad muy fuerte para sacar adelante un rodaje, pero al mismo tiempo su ego no debe interponerse en el trabajo de los actores ni de sus colaboradores, a los que debe dejar crecer y florecer. Su trabajo consiste en cierto modo, en subliminarse a sí mismo y dejar que todos ellos emerjan. Hablar de un buen director tiránico es incurrir en una contradicción. No tiene ningún sentido. Un buen director, jamás puede ser un tirano, ya que sus actores no dispondrán de la libertad necesaria para explorar debidamente sus personajes". ( Oliver Stone ).

"Acantilado Rojo" : la superproducción china del gran John Woo.