Grandes directores del Cine Actual - Cut 16 :

La mirada anómala.

Tienen en común, su mirada respecto de las ambigüedades y contrariedades de la vida contemporánea. Cada uno, ha logrado una obra maestra respecto de los temores, ansiedades y obsesiones de la existencia. Ninguno se ha desacreditado, porque nunca se salen de los contornos de sus temáticas, sino al contrario, todos han marcado estilo, tendencias y algunos lugares comunes que otros realizadores más nóveles intentan imitar desde sus modestas posiciones. En verdad, hablamos de cineastas aclamados, criticados y alabados por los especialistas.

David Fincher : El Cine del inconformismo y la ansiedad.

Del mundo de los FX y videoclips saltó a la realización cinematográfica con : "Alien 3 ".

Hijo de un articulista de la revista "Life", David Fincher ( nacido en 1962 ), comenzó trabajando en el cine en la "Industrial Ligh and Magic" de George Lucas, a cargo de los FX de la clásica "El Regreso del Jedi". Tipo listo y muy interesado en las nuevas tecnologías audiovisuales, se dedicó luego a realizar spots y clips musicales para grupos como "Aerosmith" , "The Motels", "The Rolling Stones" y "Gypsy Kings" y solistas como Sting, Patty Smith, George Michael, Madonna, Michael Jackson, y Roy Orbison, entre otros.
Más tarde, formó su propia productora "Propaganda Films", debutando en la realización cinematográfica con "Alien 3"( 1992 ).
Su filmografía comprende nueve largometrajes, cada uno de ellos, con una rúbrica que le es característica : su detallado acabado formal, y su sugerente estructura narrativa.
Equilibrio entre las formas y el fondo de sus historias, algo que no siempre logran los directores más avezados y prolíficos.
 

"Alien 3 " : la secuela que reveló el talento de Fincher para la tensión dramática.

 

"Los Siete Pecados Capitales" : el acabado formal con excelentes atmósferas.

 

"Los Siete Pecados Capitales"( 2 )  : el thriller hecho horror y oscuro misterio.

Vamos por parte. Sin ser una obra totalmente lograda, "Alien 3 "( 1992 ), aprovechó del original, sus extraordinarios ambientes extraterrestres, su tenso ritmo, y su explosiva ausencia de diálogos soporíferos. 
"Los Siete Pecados Capitales"( 1995 ), fue una notable película de misterio policial, alambicado en el paroxismo de un criminal sádico y manipulativo y dos investigadores cazurreros y atípicos. Aquí, como nunca, Fincher se nos reveló como un magnífico creador de atmósferas enrarecidas y un sutil maestro del "suspense" a lo Hitchcock, que nos revuelve el estómago sólo con la sugerencia final de una cabeza humana encerrada en una caja.
"Al filo de la muerte" ( 1997 ), prorroga el tema del juego de la realidad y la ficción, la verdad y la mentira, contraponiéndole grandes dosis de tensión y ambigüedad.

"El Club de la Pelea" : la violencia urbana como norma e ideología.

"El Club de la pelea" ( 1999 ), especie de cinta de culto, acerca de la violencia urbana, el fascismo ideológico y la futilidad de las sociedades consumistas.  A través de la figura de un "yuppie", que sin tener familiares cercanos y amigos entrañables, entabla estrecha relación con un proyectista de cine, mesero a medio tiempo, que piensa que la violencia autodestructiva es la única forma de cambiar las anomalías del mundo, el  director Fincher nos lleva por el descenso moral y sicológico de un hombre enajenado en su propia existencia vacía y solitaria. 
"La Habitación del pánico" ( 2002 ), una crispante y claustrofóbica historia de persecución, que pone el acento en los "tiempos muertos" y los dobleces narrativos, llenos de trampas, soluciones de último minuto y giros emocionales.
 

"Zodíaco" : un notable policial realista , que es una obra maestra del cine contemporáneo.

"Zodíaco"( 2 )  : la investigación sumaria con el paso del tiempo aprisionan la verdad.

"Zodíaco" ( 2007 ), su gran obra maestra. Un notable policial, acerca de un caso real, lleno de ramificaciones dramáticas en su desarrollo investigativo. Me detengo un instante en esta maravillosa película, ideal para hacer clases de guión y edición.
La trama del filme, se estructura sobre la base de las pistas y supuestos del azaroso proceso de recopilación de datos incompletos, hechos predeterminados e interrogantes por resolver, y un número indeterminado de información. Se trata del "Zodíaco", un asesino múltiple, que jamás es descubierto.
Fincher asume la inmediatez en la información de los datos recabados, pero no los ajusta a un criterio dramático, sino más bien, deja que la trama fluya por las distintas vías de la probabilidad científica y periodística. Este proceso, que marca el inexorable paso del tiempo, respecto a los hechos acaecidos, es también una premisa básica dentro de sus temáticas recurrentes.
Notable es su forma de mostrar, como 22 años no pasan en vano, ya que utiliza las elipsis y los fundidos encadenados, con una corrección milimétrica. Excelente el montaje de Angus Wall, lleno de imaginativos "travellings" laterales y sobreimpresiones, por ejemplo, de los epígrafes que hace el homicida prófugo para anunciar que ha sumado una nueva víctima. Fincher no se queda corto para dividir la pantalla si es necesario y sugerir dos momentos en uno. Además integra una notable banda sonora y musical que define cada época. Todo en un conciente manejo del tiempo narrativo. A la manera de los grandes clásicos del cine negro, Fincher opta por usar el sonido de forma creativa, llegando a sugerir sólo con el ruido de la lluvia, un coche que parte o un bebé que llora desconsolado, las tensiones del conflicto.

"Zodíaco" ( 3 ) : la insinuación homicida aprovecha los recursos expresivos del encuadre.

El trabajo fotográfico de Harris Savides,  con los efectos de claroscuros, los encuadres recortados con mucha cámara subjetiva- sobretodo en los ataques del homicida -, y los encuadres como el "fuera de campo", cobran real importancia para originar el horror, la neurosis  y el desconsuelo en un enigma histórico sin resolver. La cámara de Fincher, está siempre desbordada en sus encuadres, como si  a cada paso, una sorpresa aún mayor nos esperara a la vuelta de la esquina.

 

"El Curioso Caso de Benjamin Button" : la fantasía de nacer viejo y revivir.

"El Curioso Caso de Benjamin Button" ( 2 ) : rejuvenecer para reencontrar el amor perdido.

 

"El Curioso Caso de Benjamin Button" ( 3 ) : revive épocas, costumbres  y tendencias.

"El Curioso Caso de Benjamin Button" ( 4 ) :  los actores envejecen para rejuvenecer.

"El Curioso Caso de Benjamín Button" ( 2008 ), nos enterneció con una historia fantástica algo demencial : un bebé llegó a este mundo, con todos los rasgos del recién nacido, salvo que su tamaño corresponde a un hombre de 86 años. Una abominación de la naturaleza, que dejaron abandonada, fue recogida y adoptada y además a cada minuto empezó a rejuvenecer drásticamente. La historia se recrea en la idea de la reencarnación, pero desde la óptica del retroceso genético. Tiene dosis de suspenso, humor y romance, y aunque se resiente un poco por su longitud, es una película  entrañable.

"La Red Social" : especie de "biopic" sobre Mark Zuckerberg, el creador de facebook.

"La Red Social"( 2 )  : el perfil de un genio o de un excéntrico personaje.

"La Red Social" ( 3 ) : la creación y la ambición en una lectura increíble.

"La Red Social" ( 2010 ), reconstruye la biografía del excéntrico y multimillonario creador de facebook, Mark Zuckerberg. La cinta es magnífica en su tratamiento del tiempo, como siempre Fincher se maneja maestramente en el uso del montaje paralelo, las elipsis y los golpes de efecto. Director de matices, Fincher nos proporciona datos increíbles acerca del genio detrás del negocio , su drama judicial, su repentina fama, y sus tribulaciones íntimas, que son carne de cultivo para lograr una intensa película que jamás pierde el hilo de su interés ni se sale de madres.

 

Atractivo y diferente es el trabajo de Fincher en el cine industrial.

Más tarde, y con el oficio que nos tiene acostumbrados, el cineasta se embarcó en la "remake" de la primera parte de la trilogía "Millenium", el exitazo del recordado escritor sueco Stieg Larsson. 
En efecto, "La Chica del dragón tatuado" ( 2011 ), mantiene el interés con dignidad, sobretodo porque incorpora el detallismo tan estudiado de Fincher, para mantener la tensión alta, en una cinta que guarda con su original, el buen sentido del ritmo, el suspenso y los personajes excéntricos, sádicos y marginales.
Por ahora, el realizador se ha embarcado, en la ambiciosa nueva versión del clásico de aventuras, basado en el libro de Jules Verne, "20.000 leguas de viaje submarino", que es una visión algo diferente, aunque apegada al espíritu de la obra original. La película titulada "20,000 leagues under the sea : Captain Nemo", se estrenará durante el 2013.

"El Nautilus" será parte preponderante en el próximo trabajo de Fincher.

Películas Fundamentales : "Alien 3 " ( 1992 ); "Los Siete Pecados Capitales" ( "Se7en", 1995 ) ; "Al filo de la muerte" ( "The Game", 1997 ) ; "El Club de la pelea" ( "Fight Club", 1999 ), "La Habitación del pánico" ( "Panic Room", 2002 ); "Zodiaco" ( "Zodiac", 2007 ) ; "El Curioso Caso de Benjamin Button"( "The Curious case of Benjamin Button, 2008 ); "La Red Social" ( "The Social Network", 2010) y "La Chica del dragón tatuado" ( "The Girl with the dragon tatoo", 2011 ).

Próxima obra : "20,000 leagues under the sea : Captain Nemo" ( 2013 ).

Un comentario : "El ligero e inquietante relato fantástico de Francis Scott Fitzgerald , ninguneado en su minuto, comparte sólo parcialmente la premisa original, y casi nada más, con la cinta de Fincher que, en un hecho bastante significativo, está escrita por el mismo guionista de Forrest Gump. En cierto modo, Button, un niño en cuerpo de viejo que termina como viejo en cuerpo de niño, es un testigo perplejo de su tiempo. Pero sería descortés y erróneo ver aquí a un Forrest Gump sofisticado o sencillamente remojado en ácido. El don de Fincher , cada vez más pulido, de meterse bajo la piel de los personajes, de abordar lo que pasa con la urgencia y la singularidad del minuto en que ocurre, encuentra por momentos un estado de gracia : la vejez, esa "autocrítica de la naturaleza"de la que habló Cioran, asoma luminosamente, así como el eterno deseo de ser jóvenes, de alejarnos de la enfermedad y de la muerte". ( Del crítico Pablo Marín ).


Darren Aronofsky : El Cine de la neurosis contemporánea.

Tremendamente original , así es el cine de este notable director norteamericano.

Amante de las películas clásicas, el director, productor y guionista neoyorquino Darren Aronofsky ( nacido en 1969 ), llegó al cine después de estudiar animación en la prestigiosa Universidad de Harvard.  Apasionado del arte grafitero, no ha perdido la ruta del cine personal, desde que debutara con el largometraje " Pi, Fé en el Caos" ( 1998 ).
La cinta costó 134.000 dólares y su nombre proviene de la cifra 3.14159265, expresada simbólicamente "Pi" ,  a partir de la cual elabora un "thriller" mesiánico que es el antecedente directo de "Matrix". Ambientada en atmósferas de pesadilla urbana, blanco y negro, y rodada con cámara al hombro, cuenta la historia de Max Cohen ( Sean Gullette ), un genio matemático que busca en la esencia numérica la presencia de Dios. Asumida como una película de ficción futurista, "Pi, Fé en el Caos", no escatima su inspiración en Kafka, el racionamiento cartesiano y las claves del uso del recurso del montaje.

 

"Pi, Fe en el Caos" : su relevante debut en los circulos independientes.

"Requiem por un sueño" : el notable papel de Ellen Burstyn.

"Requiem por un sueño" ( 2 ) : dirigiendo a una gran actriz dramática.

"Requiem por un sueño" ( 3 ) : La mirada alucinógena y sensual  de los efectos de la droga, la pasión y la marginalidad.

Después rodó "Requiem por un sueño" ( 2000 ), en color y con actores de reconocida trayectoria como : Ellen Burstyn, Jaret Leto, Marlon Wayans y la estupenda Jeniffer Connelly.
Basado en la novela de Hubert Selby Jr., el cineasta nos sumerge con una frenética cámara subjetiva, y una manifiesta preponderancia de primeros planos, en el mundo de la adicción a las drogas. 
Cuatro personajes para cuatro formas distintas de drogarse, logran una película licérgica, llena de buenas ideas y golpeadora en el sentido visual, donde Aronofsky nos señala que el viejo sueño americano está bien muerto y enterrado.
La perspectiva subjetiva, le sirven al director para reflexionar sobre los abusos de la vida moderna, la demencial manía por los programas de concursos de la televisión, la sicología de los narcotraficantes, la búsqueda insistente del amor, la soledad, la vejez y las distancias generacionales.
Visión emblemática, asfixiante, excesiva, como si se tratara del viaje de ida y vuelta de un drogadicto, la película es más exacta y menos surrealista que "Trainspotting", tal vez, porque Aronofsky opta por "castigar" a sus personajes, con la mirada del que se ríe de tanto exceso  malintencionado propio del consumismo moderno.

"La Fuente de la Vida" : imágenes pletóricas de significados.

"La Fuente de la Vida" ( 2 ) : la belleza  y su filosofía de la vida y la muerte.

"La Fuente de la Vida" ( 3 ) : metáfora del reconocimiento.

Más adelante, estrenó "La Fuente de la Vida" ( ( 2006 ), que demoró cuatro años en rodarla y que frente a su complejidad, deja indiferente a muchos espectadores, acostumbrados a las beaterías y pirotecnia del cine más comercial.
Filosofía mezclada con religión, cultura maya con sicología americana, teniendo como temas de reflexión :  la muerte, la reencarnación y "el más allá". Se trata de un cine puro, descontaminado de manierismos didácticos y esquemas narrativos al uso, que es una obra hermosa, llena de significados y con un notable elenco de actores que integraron : Huck Jackman, Rachel Weitz y Ellen Burstyn.
Una obra que está editada en DVD, y necesita una urgente reivindicación, como lo que es, una auténtica obra mayor del cine contemporáneo.
Retomó el tema de los perdedores con "El Luchador" ( 2008 ), donde se lució Mickey O"Rourke, un actorazo que estaba relegado en películas "B", oscuras y misteriosas.
Vuelve sobre los significados de la vida, la muerte y la soledad; la caída y la redención del que fue una estrella del combate, un luchador que intenta cambiar su destino.

"El Cisne Negro" : la mirada fragmentada de la conciencia.

Tiempo después, "El Cisne Negro" ( 2010 ), nos confirmó el dotado regusto que tiene Aronofsky por los personajes marginales que vienen de vuelta. La hermosa Natalie Portman, en el papel de su vida, interpreta a una novata estrella del ballet, que hace todo lo que puede, por llegar a ser la "prima donna" del "Metropolitan Ballet" de Nueva York. En su itinerario, desvariará hacia los recovecos de la inconciencia, urgando en sus propias ansiedades y deseos más íntimos. El director no tiene pelos en la lengua, cuando se trata de graficar el estado cataléptico de una sicópata. Su propuesta es muy original, pues ambienta esta historia de amor y odio, en el entorno del ballet. Ni "El Lago de los Cisnes" se salva como obra clásica, para aplicar toda la carga dramática que necesita el tema. Muy a lo Hitchcock, Arofnosky logra su obra maestra.
Por ahora, el cineasta prepara "Noah" para el 2014. Se trata de un drama con la actuación de : Russell Crowe, Jeniffer Connelly y Saoirse Ronan. Seguramente, tendrá los toques de demencia y visceralidad necesarios para quitar el sueño, como nos tiene acostumbrado hasta ahora este notable realizador norteamericano.

"El Cisne Negro" ( 2 ) : Natalie Portman en el rol de su vida.

Películas Fundamentales : "Pi, Fé en el Caos" ( "Pi", 1998 ) ; "Requiem para un sueño" ( "Requiem for a dream", 2000 ) ; "La Fuente de la Vida" ( "The Fountain", 2006 ) ; "El Luchador" ( "The Wreatler", 2008 ) y  "El Cisne Negro" ( "Black Swan", 2010 ).

Próximo Proyecto : "Noah" ( 2014 ).

Un Comentario : "Algunas personas llaman a la lucha la forma más baja del arte, y otras llaman al ballet la más alta. Pese a ello, hay algo que comparten a un nivel muy elemental, el miedo a perder la capacidad física más que mental, para ser vistos y apreciados" ( Darren Aronofsky ).


 Todd Haynes : El Cine del amor trágico y vetusto.

El director es controvertido, talentoso, y un manierista del cine melodramático.

Graduado en la Universidad Brown, el director, guionista y productor Todd Haynes ( nacido en 1961 ), se muda a Nueva York donde efectúa el controvertido corto "Superstar", basado en la historia trágica de la cantante Karen Carpenter.  Después con "Poison" ( 1991 ), desata otra controversia y es acusado de pornográfico, pese a la decisión del jurado de Sundance que premia la obra. 
Un nuevo filme, "Safe" ( 1995 ), le da un vuelco a su carrera , al contar la historia de una mujer con VIH, Sida, interpretada por la actriz Julianne Moore.

"Velvet Goldmine" : toda la estética del glam-rock.

"Velvet Goldmine" ( 2 ) : Christian Bale en su atribulado personaje esotérico.

"Lejos del paraíso" : la obra maestra que se inspira en los clásicos de Douglas Sirk de los años 50.

Más tarde, rueda "Velvet Goldmine" ( 1998 ), acerca de la controvertida estrella del "glam-rock" Brian Slade, con un elenco integrado por : Ewan McGregor, Jonathan Rhys Meyers y Christian Bale.

La película era pródiga en asumir los excesos de una época, con distención, gracia, sentido anecdótico y una estética que se transformó en su marca de fábrica.
Su obra maestra es "Lejos del Paraíso" ( 2002 ), su siguiente película, un drama a lo Douglas Sirk, que es un ejercicio de estilo en tiempos de abundancias galácticas y despertares alienígenas. Un ejemplo digno y logrado entre el género melodramático que se cultivó con profusión en el Hollywood de los años cincuenta del siglo pasado, y el cine realista de denuncia social.

 

"Lejos del paraíso" ( 2 ): Julianne Moore en uno de sus mejores roles cinematográficos.

 
En un transfondo maníqueo, Haynes traza la destrucción paulatina de la estabilidad emocional de un matrimonio modelo de orden y exquisitez, asumiendo los controvertidos temas de la homosexualidad encubierta, la sodomía, los prejuicios raciales en momentos en que todos esos aspectos eran tabúes. Julianne Moore se mueve entre los esquemas básicos del cine melodramático a lo Sirk, con una elaborada síntesis en los diseños de la producción, la música del veterano Elmer Berstein y la fotografía en technicolor de Ed Lachmann. Toda la película es una deliciosa gozada estética, llena de estilizadas formas y asumidas maneras dialogales, propias de un cine que se fue y marcó toda una época. Al tono melancólico de la cinta, Haynes traza un cariñoso retrato de las costumbres de su tiempo. Secundado por un estupendo elenco de actores que integran : Julianne Moore, Dennis Quaid y Dennis Haysbert.

"I"m not there" : las letras y canciones de Bob Dylan hechas una cautivante película.

"I"m not there" : Cate Blanchett en el notable papel de Bob Dylan. Ni más, ni menos.

Hubo que esperar cinco años para su siguiente obra, "I"M Not There"( 2007 ), un novedoso relato armado sobre las letras y la música de Bob Dylan, interpretado en distintos momentos por Cate Blanchett, que está estupenda, pese a que ella es mujer. Al soberbio despliege de aforismos y viñetas , Haynes asume cada éxito en la discografía de Dylan como parte de la historia americana del siglo XX. 
Actualmente, el cineasta trabaja para la televisión en la "remake"( nueva versión ) del clásico filmico "Mildred Pearce", que supervisa para la cadena HBO con la actuación de : Kate Winslet, Guy Pearce e Evan Rachel Wood. Habrá que esperar un tiempo, creo yo, para volver a verlo regresar al cine.

"Mildred Pearce" : la "remake" para el canal de cable HBO.

Películas Fundamentales : "Safe" ( 1995 ) ; "Velvet Goldmine" ( 1998 ) ; "Lejos del Paraíso" ( "Far From Heaven" 2002 ) y "I"M Not There" ( 2007 ).

"Lejos del Cielo"( 3 ) : un drama a la manera de los clásicos, pero con el tratamiento narrativo de estos tiempos.

Un comentario : "Lejos del paraíso" : Basada en los melodramas de Douglas Sirk, este brillante filme propone un doble juego entre la moral de esos años y una poderosa lectura actual, con una belleza y emoción de extraordinaria sensibilidad. Escenas como la contemplación del cuadro de Miró , o la reflexión de Raymond en la calle cuando son amenazados por un paseante, hablan del gran tema del filme y del género : la imposibilidad de escapar de la cárcel de las convenciones y las apariencias. Pero el filme, más que discurso, ofrece el equilibrio entre belleza, sensibilidad, delicadeza, e inteligencia más perfecta de los últimos años, una obra maestra poderosamente popular por una parte, y una genuina pieza de arte posmoderna, por otra" ( Del crítico Jorge Letelier ).


 Julio Medem : El Cine de la pasión sexual.

Uno de los directores más importantes del panorama europeo actual.

 ¿ Qué tiene de singular, este realizador, guionista y productor español ( nacido en 1958 ), que lo sitúa en nuestra lista de los más destacados del mundo ?
Una trayectoria sobresaliente, que catapultó desde su increíble debut con "Los amantes del círculo polar" ( 1998 ), uno "de los títulos más embriagadores, líricos y perfectos de los últimos años", y que nos reveló a un cineasta notable, capaz de sumergirse por aguas correntosas o riachuelos de plena quietud y pasividad, con la facilidad de pasar de la narración clásica a una sensibilidad totalmente contemporánea.
Su filmografía comprende : ocho largometrajes , siete cortos y un documental. Su cine lo establece como uno de los más versátiles autores cinematográficos de España.
Vigoroso narrador de historias entrecruzadas por la pasión, el amor, el azar, la magia, la locura, el tiempo, el sexo, el subjetivismo de la realidad y la metamorfosis del viaje en la búsqueda de un destino.

"Los amantes del círculo polar" : el seductor debut del cineasta español.

Alabada en Europa por sus notables logros expresivos, "Los amantes del círculo polar" ( 1998 ),  resulta ser una experiencia novedosa, significativa y afortunada. A partir del encuentro entre Anna y Otto , desde la infancia hasta la madurez , dos hermanastros que han estado toda la vida enamorados, le sirven a Bardem de pretexto para escudriñar en el tema de las casualidades del destino. Esos encuentros amorosos, tienen una significación interior que marca los límites de la frontera del cariño. Ella lo ama a él, porque cree ver al hombre, que es la reencarnación de su padre extinto. El la ama a ella, porque ve en su figura,  a la encarnación del amor ausente, en una obsesión que mezcla el maternalismo inexistente, la fobia a la soledad y el desarraigo espiritual.
Medem es un esteta del bien. Cito a Jesús Ramos y Joan Marimón acerca de su cine : "El amor es tratado a partir de la salvación sicológica que puede aportar y surge a veces entre miembros de familias en conflicto, como sucede en "Vacas" ( 1992 ) y "Los Amantes del Círculo Polar" ( 1998 ), o entre personajes reunidos por el azar como en "Lucía y el sexo" ( 2001)". 
Medem se maneja a través de historias entrecruzadas por el triángulo amoroso, la idea de la magia y la casualidad, y la recurrencia a los problemas de orden sicológico.

"La Ardilla Roja" : remarca el tema de la amnesia como algo extremo y manipulativo.

"Lucía y el sexo" : los traumas depresivos erosionando las relaciones íntimas.

 

"Lucía y el sexo"( 2 )  : como es costumbre en el cine de Medem, la fotografía es hermosa y simbólica.

"Lucía y el sexo" ( 3 ) : Cada encuadre tiene un significado mayor.

En "La Ardilla Roja" ( 1993 ), es recurrente el tema de la locura y la amnesia, mientras que en "Lucía y el sexo" ( 2001 ), la depresión juega un rol central. Los viajes son físicos o en un itinerario existencial abierto a la autocrítica y a la reflexión. Sus historias, además condicionan  correlatos que se entrecruzan y se arremolinan en un aparente caos, pero que tienen una valedera necesidad en la concepción de la fábula que Medem acomete sin determinar que es real o ficticio.
Además de sus trabajos en el largometraje, Medem ha realizado con éxito notables cortos, "Patas en la cabeza" ( 1985 ), "Los seis en punta" ( 1987 ) y "Martín" ( 1988 ), y  además, es autor de spots comerciales que revelan su amor al mar, a las atractivas fortalezas de la mujer , la naturaleza y a los temas de las relaciones de pareja.
 

"Habitación en Roma" : la lectura del abandono a través de una relación lésbica.

Su último trabajo en solitario fue "Habitación en Roma" ( 2010 ), que es un  claustrofóbico drama acerca de dos lesbianas, que se encuentran en un departamento, y expurgan sus traumas, mientras se excitan disfrutando de la sexualidad carnal que les atrae y embarga. Soporífera y algo lineal, la trama es una reflexiva mirada acerca de la pasión, los traumas existenciales y las relaciones sexuales en la ambigüedad.
Finalmente, codirigió "7 días en la Habana" ( 2012 ), y ante la negativa de encontrar presupuesto para rodar "Aspasia", un relato de ficción en ambientes clásicos, la hizo novela publicándola recientemente en España. 

Películas Fundamentales : "Vacas" ( 1992 ) ; "La Ardilla Roja" ( 1993 ); "Tierra" ( 1996 ); "Los amantes del círculo polar" ( 1998 ); "Lucía y el sexo" ( 2001 ); "y "Habitación en Roma" ( 2010 ).

"Vacas" : historia rural de notable factura narrativa y visual.

"Tierra" : una mirada detallada y crítica a las relaciones de pareja.

"La Ardilla Roja"  : el suicida y su ángel redentor arreglando el destino.

Un comentario : "La Ardilla Roja : La idea es acerca de un chico joven que se dispone a suicidar pero, al presenciar el accidente de otra persona, desiste. La película empieza con una escena de climax , arranca con una potente intriga - la posibilidad de un suicidio - y se resuelve de una manera explosiva , con un accidente que probablemente ha provocado un herido o una muerte, y que desvía la voluntad suicida del protagonista. La realización y el montaje acompañan la proyección anímica del suicida ( cámara en mano, picados, subjetivos, montaje rápido ).  El ritmo acelera hasta el momento de la moto. La moto golpea la barandilla , que vibra, y esta vibración nos conduce al rostro del suicida. La llegada del protagonista  al motorista accidentado, está remarcada con el planting de una ventana, al principio en la oscuridad que, después, mientras el protagonista empieza a hablar con el motorista, se ilumina de forma que vemos a alguien que llama por teléfono. El motorista, que resulta ser una chica, y las palabras del protagonista , pareces caído del cielo, indican el rol simbólico del personaje femenino durante toda la película : será como un ángel que deberá salvar al protagonista de la muerte y devolverlo a la vida" ( Análisis de la escena introductoria de "La Ardilla Roja", por los especialistas Jesús Ramos y Joan Marimón ).


 David Cronenberg : El Cine del horror físico.

La amenaza del mal está en uno mismo, según comprobamos con la obra del famoso director canadiense.

Dentro de la pléyade de realizadores dedicados al terror, el nombre del director y guionista canadiense David Cronenberg ( nacido en 1943 ), debe estar entre los más promisorios y coherentes del cine actual.
Nacido en el seno de una familia judía, de orígenes lituanos, Cronenberg se interesó desde pequeño por el arte, gradúandose en Literatura de la Universidad de Toronto.
Su filmografía comprende : veinte largometrajes, nueve cortos para cine y televisión, y ocho trabajos como realizador de series y telefilmes.
Sus películas huelen a quirófano, porque las temáticas de sus películas tratan con insistencia, en el concepto de la metamorfosis, que altera la ciencia y los experimentos genéticos.

Cronenberg es un innovador en los temas del terror urbano y un esteta del transformismo.

Hay en su consolidación personal, un acabado formalismo, que emplea en rigor las inquietudes más íntimas del hombre hacia su propia sexualidad y rasgos patológicos.  Esta muestra de desestabilidad emocional y física, producto de la experimentación científica  propia de sus primeras películas, como "Rabia" ( 1977 ); "Parásitos Mortales" ( 1979 ) y "Scanners" ( 1981 ), encuentra en "Videodrome" ( 1983 ), su variante más efectiva y lograda.
La historia gira alrededor del inquieto Max Remm ( James Wood ), quien descubre, mientras se desempeña como presidente de la televisión pública, la existencia de un programa pirata de TV por cable, denominado "Videodromo", compuesto enteramente por sexo y violencia.  Sin percatarse que ha servido de "conejillo de indias" en los propósitos manipulativos de una investigación, Max se convierte en un videomaníaco, capaz de vivir inmerso en un mundo subliminal plagado de alucinaciones sadomasoquistas. Nuevamente la ciencia aparece como la amenaza para la gestación de una vida equilibrada, pero vinculada a un enfoque crítico de la somnolencia que provoca el vicio de ver tanta televisión, sin control ni horarios específicos. Una de las características más singulares del cine de Cronenberg son sus inteligentes diálogos que "Videodrome" trae  a colación con sensible pragmatismo.
Determino algunas frases inolvidables como : "Ver televisión es ayudarse a incorporar al tablero confuso del mundo" ; "Considero que este programa televisivo no se trata de un tumor. De hecho, es un órgano nuevo, una parte nueva del cerebro..." ; "¿ Cómo son las alucinaciones ?...Extrañas, increíbles, enfermizas, maravillosas...Eso provocará que, el mundo cambie de perspectiva".
Sus siguientes obras mantienen la rúbrica de innovación que el género de terror estaba necesitando para su subsistencia.

"Scanners" : la lucha entre telépatas en un filme moderno y singular.

 

"Videodrome": el juego televisivo que atrapa la conciencia de la realidad.

El horror ya no está afuera hecho zombie, hombre lobo o muerto vivo, sino adentro, " en el interior del hombre mismo, que por muy común o corriente que sea, es atacado por procesos degenerativos que tienen su origen en  él, en su mente, en su cuerpo descontrolado. Son horrores insoportables por lo internos, por lo independiente de la acción o la voluntad, por lo drásticos. "Scanners" ( 1981 ); "Videodrome" ( 1983 ); "La Mosca" ( 1986 ), donde la telepatía, la televisión y la genética se descontrolan llevando a los confiados animales humanos a transformarse en parodias de sí mismos, son películas ejemplos de un extremismo violentamente antihumano que nos remite a lo peor de nosotros y del mundo que hemos creado" ( cita textual del crítico José Leal ).

"Mortalmente parecidos" : el juego del doble y de la usurpación de personalidad.

"Mortalmente parecidos" ( 2 ) : ¿ se puede amar a la misma mujer entre hermanos ?

 

Hay en el cine de Cronenberg, después de "Mortalmente Parecidos"( 1988 ), - donde dos cirujanos gemelos se disputan el amor de una mujer - , un giro paulatino hacia temáticas que registran la exploración sicológica del hombre metido en situaciones límites. Extrapola los peligros de la ciencia por las tensiones del mundo. Condiciona los multiples giros de la demencia por la demencia universal.  Así se extienden sus inquietudes temáticas : la complejidad de la dimensión creativa del escritor, a propósito de su admiración a William Burroghs en "El Festín desnudo" ( 1991); el amor lúdico en la ambigüedad del travestismo cultural en "M.Butterfly" ( 1993 ); la obsesión sexual y el delirio sadomasoquista, producto de los choques automovilísticos más demenciales que registre el cine en "Crash" ( 1996 ) ; el mundo virtual de las consolas de videojuegos donde prevalecen la mutilación de las carnes y la reiterada usufructuación de lo real por lo imaginario en "eXistenZ" ( 1999 ); la violencia diaria que incentiva a un hombre de pasado sospechoso, ha transformarse en un héroe falso y maníqueo en "Una historia de violencia" ( 2005 ); y las eternas variantes del hombre que busca resarcirse de un pasado anómalo, en un mundo corrupto y ambiguo en "Promesas del Este" ( 2007 ), tal vez, la obra maestra de la última etapa.

"El Festín desnudo" : el homenaje a William Burroghs, que versatiliza su novela.

"eXistenZ" : así tal cual se escribe, lo orgánico en un filme de anticipación.

"A Dangerous Method" : su mirada al mundo de la sicología.

 
Con "A dangerous method" ( 2011 ), sobre el encuentro de Carl Jung y Sigmund Freund, Cronenberg definitivamente inserta una nueva variante a sus películas, el "biopic" de resonancias existenciales.
En el último tiempo, trabajando con el inseparable Viggo Mortensen, ha adoptado un nuevo piso en su itinerario artístico : el choque de ideas. Estimulando así el registro de sus obras recientes, que versan sobre obsesiones globales como : la belleza corpórea de abierto sesgo homosexual versus la maquinización de la tecnología y la ciencia ; la anomalía de la posesión versus la estabilidad progresista, la materia versus la conciencia de ser y las pulsiones internas versus el orden institucional.

"Una historia de violencia" : entre la leyenda y el mito habrá que publicar la realidad.

También ha sido inseparable colaborador, el músico Howard Shore, que lo acompañó desde sus primeras obras. "Los primeros proyectos de David - recuerda -, como "Parásitos Mortales", "Scanners" o "Videodrome", eran verdadero cine de guerrilla. Podías hacer lo que quisieras. Los presupuestos eran ínfimos y todo el mundo estaba lleno de entusiasmo. En aquellas ocasiones, componía aquellas bandas sonoras tras un solo visionado del film.  Vivía y respiraba el ambiente de la película durante aproximadamente una semana, y a continuación me ponía a escribir música, tratando de acceder a algún plano subconsciente de composición. Es una fase muy onírica en la que me limito a pensar en las imágenes de la cinta, en cómo me afectan y en cómo transmitir ese efecto a través de la música. Llegado a este punto , grabo mucha música, la mayoría improvisada. A continuación, dedico una semana a analizarla tratando de comprender qué he sentido, qué he creado y qué podré utilizar en el filme". Sin duda, que la colaboración de Shore ha sido fundamental para matizar y acentuar el impacto que provoca siempre ver una película de Cronenberg.

Películas Fundamentales : "Rabia" ( "Rabid ",1977 ) ; "Parásitos Mortales" ( "The Brood", 1979 ) ; "Scanners : Mentes Asesinas" ( "Scanners" , 1981 ) ; "Videodrome" ( 1983 ) ; "La Zona Muerta" ( "The Dead Zone", 1983 ) ; "La Mosca" ( "The Fly", 1986 ) ; "Mortalmente parecidos" ( "Dead Ringers", 1988 ) ; "El Almuerzo desnudo" ( "Naked lunch", 1991 ) ; "M. Buterfly" ( 1993 ) ; "Crash" ( 1996 ) : "eXistenZ" ( 1999) : "Una historia de violencia" ( "A History of violence", 2005 ) ; "Promesas del Este" ( "Eastern Promises" , 2007)  y "A Dangerous Method" ( 2011 ).

Ultimo estreno : "Cosmopolis" ( 2012 ), acerca de un billonario en Manhattan, con Robert Pattison y Julie Binoche.

Un Comentario : "A Cronenberg lo han admirado sus pares, el público lo ha repudiado o adorado, el status lo ha combatido y amenazado. La Mosca ha sido inaceptable para muchos, los que la han visto o se han negado a hacerlo. La razón la ha dado el propio realizador al declarar : " la tragedia del Dr.Brundle es la tragedia de todos nosotros". Cúal más, cual menos , todos nos estamos descomponiendo y envejeciendo, transformándonos en monstruos ante los ojos de aquellos a quienes amamos y de quienes esperamos que nos amen".( Del crítico José Leal ).

La televisión aparece como una droga que borra la conciencia.