Grandes directores del Cine Actual - Cut 15 :

Cineastas Emergentes.

Para esta ocasión, hemos destacado aquellos directores que con poca filmografía, han logrado llamar la atención en Festivales Internacionales, ciclos de cine independiente y muestras universitarias, al amparo de cinéfilos exigentes, que buscan la novedad en películas trascendentes.
Cada uno de ellos, en su forma y medida, han mantenido coherencia en sus temáticas y estilos visuales. Por correspondencia con el público que los sigue, muchos han vitalizado su forma de hacer cine, ampliando sus registros narrativos y temáticos, en pos de ideales creativos más determinantes. De esos que dejan huella para la posteridad.


John Carney : El Cine hecho música y romanticismo urbano.

Con un mínimo de recursos, el director irlandés  hizo una gran película.

Irlanda ha sido una influencia decisiva en el desarrollo de las artes cinematográficas desde los orígenes del cine. Estados Unidos, y principalmente Nueva York y California, beben de esa sabia desde tiempos inmemoriables. El guionista y director John Carney ( nacido en 1972 ), dublinense de corazón, logró lo imposible en la Academia Hollywoodense, cuando su pequeña película romántico-musical "Once" ( 2006 ), se llevó la estatuilla dorada a la Mejor Canción. Con ello, rompió el tabú que sólo las grandes producciones tiene derecho a adjudicarse el Oscar, en instancias que hay producciones menores en recursos económicos y técnicos, pero que trasuntan cualquier competencia con inteligencia y dignidad.
Carney viene del mundo musical : fue bajista y vocalista del grupo irlandés "The Frames" ( 1990-1993 ) , e hizo "Once", una maravilla rodada con cámara digital y en un período de tres semanas con escasos 100,000 Euros.

"Once" : el triunfo de la belleza musical  y el amor.

 

"Once" ( 2 ) : el viaje de reconocimiento en el desamor.

"Once" ( 3 ) : Glen Hansard y Markéta Irglova pasando a la historia con una canción premiada con el Oscar.

Utilizando como escenarios naturales las calles de Dublín, con un estilo realista, casi documental, Carney filmó con honestidad y desatado lirismo, la historia de amor entre un aspirante a músico  ( el notabilísimo Glen Hansard ), que recién pasa por una crisis de pareja y una joven emigrante checa     ( la hermosa Markéta Irglova ), madre soltera que ha llegado a la isla en busca de nuevos horizontes.
La apuesta minimalista de Carney, con cinco largometrajes en su currículum, es de certera transparencia, pues su estilo entrecruzado por la nostalgia, la melancolía y el amor desatado, se refuerza mediante espacios para la improvisación frente a cámara,  con un marcado control en el uso de los planos, las elipsis y los saltos temporales, fruto de una sutil labor en el montaje de Paul Mullen.

"Once" ( 4  ) : la mirada a la amistad en la soledad , con gran sutileza y emoción.

Su romanticismo extremo, está recorrido por una amalgama de sensaciones y anécdotas triviales acerca de las relaciones de pareja, la amistad, la creatividad, la soledad, la vejez, el sentido de la supervivencia y del esfuerzo, sobretodo en la mirada de los emigrantes. En paralelo, la música compuesta e interpretada con toda la garra y la fuerza de la emocionalidad por Glen Hansard, asume la perspectiva de estar frente a una situación de correspondencias románticas de seres resquebrajados por la vida conyugal. Sin duda, que la belleza de esta película, está en el equilibrado conjunto que Carney logra entre los temas musicales y el relato, pero sobretodo en su falta de ambiciones, sólo para reflejar la vida misma. Además existe una mirada efectiva a la globalización, producto de la emigración laboral. Ni los padres de los muchachos se salvan de equiparar este enfoque. La madre checa, abuela en tierra de nadie arguye y balbucea unas palabras en inglés, y el padre de él, con su negocio de reparaciones de artefactos domésticos, es un ser querible y solitario, que insta a su hijo a abandonar la monotonía de provincia, para emigrar a Londres, donde le espera una carrera profesional y un destino amoroso concreto. Este desarraigo humano y social que habla de la emigración desde sus propias raíces, es la mejor lectura que ha dado una película pequeña con grandes resultados.

"Once" ( 5 )  : la realidad de la vida urbana como telón de fondo al romance y la música.

 

"Once" ( 6 ) : paseando por la orilla de la hermosa isla dublinense.

En otro sentido, "Once", es una bella manera de entender la vocación del artista, que estimula la creación en su trabajo, desde sus propias experiencias vitales.

Filmes Fundamentales : ""Park" ( 1999 ), codirigida por Tom Hall ; "Once" ( 2006 ) y "Zonad"   ( 2009), codirigida con su hermano Kieran.

Próximo estreno : "The Rafters" ( 2012 ), una historia ambientada en las islas Aran, sobre dos trabajadores de una fábrica de conservas que chocan por el amor de una mujer.

Próximo proyecto : "Can a Song Save Your Life ? ( 2013 ), un nuevo drama romántico - musical ambientado en Manhattan, sobre los amores de un joven ejecutivo del "show business", interpretado por: Mark Ruffalo y Keira Knightley.

"Once"( 7 ) : los emigrantes en Dublín, aprendiendo el idioma en la TV.

"Once" ( 8  ) : la amistad que nace en el amor de pareja.

Un comentario : "Once es un filme verdaderamente encantador. Un clarísimo exponente de que la escacez de medios, no tiene por qué llevar una baja calidad del producto final. Se trata de una película tierna y creativa, que huye de alharacas románticas y se basa en el realismo de sus personajes".           ( Alfonso Gijón Morales en "Cine by Suite 101" ).


Kike Maíllo : El Cine de la ciencia ficción a la española. 

El director barcelonés, rodando en exteriores.

El director y guionista Kike Maíllo ( nacido en 1975 ), sorprendió gratamente al público al obtener el Goya al Mejor Director Novel del 2012, por su primer largometraje "Eva" , considerada la primera película española de robots.
Formado como realizador en la ESCAC, Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña, sólo se le conocía como realizador de cortometrajes, y videoclips musicales.
"Eva" ( 2011 ), es la resultante de un interés personal por abrir una nueva veta en el trabajo cinematográfico que se desarrolla en España. Se trata de una obra de ciencia ficción en clave dramática.
En efecto, la película es una magnífica y entretenida historia romántica en un mundo futuro,año 2041, donde los robots son parte de nuestro quehacer cotidiano. Algunos han llegado a tal nivel de perfeccionamiento, que aparecen en actitudes similares a la de los humanos, en razón del desarrollo de la "inteligencia artificial".  

"Eva" : Claudia Vega, la revelación infantil del cine español.

Un joven ingeniero cibernético, Alex  ( el inconfundible Daniel Brühl ), regresa a Santa Irene, después de diez años de ausencia, con la misión de crear un niño-robot. En estas instancias, se reencuentra con su hermano, un inquieto experto en informática como él, y la pareja de aquél, con la que tuvo una relación sentimental en el pasado.
Pero además, hay una niña, "Eva" ( como la primera mujer que surgió en la Tierra ), muy inteligente, saladilla y simpática, que termina por conquistar al joven con sus entusiastas visitas al hogar. El misterio que encierra este triángulo sentimental , que vincula a Alex con la pareja de su hermano, es la clave de una parte de la película. Aunque la verdadera protagonista es la niña, que oculta una verdad absoluta y es la pieza fundamental del dichoso conflicto.

 

"Eva" ( 2 ) : la robótica es el elemento central de la película.

A la película se le criticó mucho su falta de pretensiones argumentales y su excesivamente contenido desarrollo. No es menos valedero entonces, que Maíllo haya logrado una cinta original desde la perspectiva de entremezclar géneros y  hacerlos atractivos en un conjunto, mediante un despliegue visual arrebatador.
Toda la película es una auténtica delicia visual, llena de simbólicos contenidos. Recuerden que la trama se desarrolla en un lugar apartado de la urbe. Existe un bosque siempre nevado, y la niña viste eternamente de rojo, como la "Caperucita Roja" del cuento tradicional.
Hay notables efectos visuales, que corren por la doble vía de la animatrónica y el cine digital. Todo luce "normal" dentro de la rutina cotidiana y los actores más sobresalientes del conjunto, son Lluis Llomar como el  chaperón robotizado y Claudia Vega, la niña Eva, que es toda una revelación. Expresiva a rabiar, bonitilla, marca sus diálogos con acertada concentración. Pasa de la alegría a la tristeza y luego al pavor más expectante, con gran soltura y versatilidad.

 

"Eva" ( 3 ) : Daniel Brühl es el protagonista masculino de la interesante historia.

"Eva"( 4 )  : los paisajes nevados son parte de la tónica que tiene la película.

"Eva" ( 5 ) : la niña tiene un rol decisivo dentro del conflicto.

Además, "Eva" marca un antes y un después, en el panorama de la producción del cine español. Un antes, por tratar un tema complejo de desarrollar en su puesta en escena, los efectivos FX  que están a nivel de cualquier película norteamericana, y la mezcla de las técnicas dentro de un soporte dramático. Un después, porque ahora el desafío es mayor, al tratar de expandir las posibilidades que abre esta película en la ciencia ficción en nuestro idioma a escala digital. En eso, Kike Maíllo ha sido un precursor, que logra trascender con su obra en los críticos momentos que vive la industria del cine español..

Película Fundamental : "Eva" ( 2011 ).

Un comentario : "Por fin el cine español atina con la ciencia ficción gracias al talento del desconocido Kike Maíllo que debutó con Eva. El barcelonés ( ... ), hace una sugerente propuesta, que hasta el momento, es la producción española de ciencia ficción con mejores críticas y respuestas de público de todos los tiempos" ( Juan Luis Sanchez en "Cine by Suite 101 ).


Niu-Chen- Zer : El Cine desconocido de Oriente.

El multifacético director taiwanés sorprendió gratamente a Hollywood.

Actor, director, guionista, productor y animador de shows, Niu-Chen-Zer  ( nacido en 1966 ), debe ser uno de los rostros más célebres de Taiwán. Su carrera comenzó a los nueve años como actor infantil, para llegar a ser nominado el Mejor Actor de su país en 1983, por "Growning Up".
Gracias a la pantalla grande, se convirtió en un tremendo suceso interpretativo, con 18 películas a cuestas y una carrera que lo ha transformado en una estrella.
Como realizador debutó en el 2007, con la comedia "Qingfeide yizhi sheng cun zhi dao", y volvió a revolucionar el ambiente festivalero en Berlín, con el estreno de su última película "Love" ( "Ai", 2012), acerca de ocho personas en distintas situaciones románticas. Aunque parezca increíble, sólo  recién fue descubierto por estos lados, como realizador de la notable "Monga" ( 2010 ), un "thriller" que recrea la vida de una pandilla juvenil metida en el hampa, en las calles de Taipei de 1980.

 

En los escenarios de "Monga" planificando las tomas.

Trabajando con la gente de la calle, el realizador logra autenticidad y realismo.

El afiche de "Monga" que le reveló en Occidente.

"Monga" : la violencia de las calles, es también símbolo de traición y muerte.

 
En este ambiente callejero, Mosquito ( Mark Chao ),  y sus amigos, Monk ( Ethan Juan ), Dragón ( Rhydian Vaughan ) , Monkey ( Cai Changxian ) y A-Po ( Huang Denm ghui ), sueñan con un mundo mejor, lejos de la marginalidad. En esta perspectiva, ingresan como aprendices de una pandilla de mafiosos que controlan el juego y el tráfico de drogas en la ciudad.
La película es un largo "biopic",  que se construye desde el ingreso de los muchachos al hampa, pasando por sus distintas desventuras en la propia mafia, hasta su violenta caída producto de los excesos, las traiciones y las ambiciones en el poder.
Su estilo remite a Martin Scorsese de "Calles peligrosas " y "Buenos Muchachos", y mantiene su fuerza y garra emocional, por la notable utilización del montaje paralelo, en momentos donde la competencia obliga a sus protagonistas a adquirir posiciones antagónicas.
El estilo del cineasta taiwanés, es realmente singular. Construye sus personajes con acelerado ritmo, definiendo sus perfiles sicológicos con abundantes "flashbacks" y elipsis narrativas, condimentadas con suculentas escenas de acción y enfrentamientos de exacerbada violencia. Tampoco descuida los ambientes localistas, realzados con una fotografía colorida llena de luces de neón, lámparas chinas, y adornos de gran exotismo. Lo más novedoso de la película, es su mirada antropológica que incorpora elementos dramáticos y culturales hasta crear un sello propio.

"Love" : la última película del director taiwanés, estrenada en Berlín.

Películas Fundamentales : "Qing feide yizhi sheng cun zhi dao" ( 2007 ), "Monga" ( 2010 ) y "Love" ( " Ai", 2012 ), presentada recientemente en la "Berlinale".

 Un comentario :" Monga es una interesante película taiwanesa, que causó furor local y se alzó con el premio de revelación interpretativa para Mark Chao en el pasado Asia Films Awards.  
Doze Niu luce en su tercer trabajo , una dirección precisa y una fotografía envolvente a pesar de filmar en locaciones marginales" ( Del crítico Bruz en "Cine para todos" ).




Claudia Llosa : El Cine de la mirada descendiente.

La realizadora peruana sorprendió gratamente en el Festival de Berlín.

Dentro del panorama actual del cine latinoamericano, el nombre de la directora peruana Claudia Llosa ( nacida en 1976 ), surge con nuevos bríos, tras el éxito conseguido con su más conocida película "La Teta Asustada" ( 2009 ), galardonada con el Oso de Oro en el Festival de Berlín.
Sobrina del escritor peruano  Mario Vargas Llosa, Premio Nobel de Literatura, estudió en el "Newton College", después en la Universidad de Lima donde se tituló en Dirección Cinematográfica.
En 1998, continúo estudios en la Universidad de Nueva York y en Sundance. 
Como directora, se dió a conocer con la coproducción hispano-peruana "Madeinusa" ( 2006 ) rodada en los Andes ; y después con "La Teta Asustada" , la película que nos conmovió por su gran estructura dramática y su hermosa fotografía.

"La Teta Asustada" : la imagen que cautiva con un relato dramático de la marginalidad indígena.

El relato cuenta la historia de una joven indígena, que se ve obligada a trabajar de empleada en la casa de una destacada pianista clásica. A diferencia de la cinta chilena "La Nana" de Sebastián Silva,  esta "nana" mantiene su hogar junto a una escarpada colina, donde en paralelo, se celebran matrimonios, y además, debe reunir el dinero suficiente para enterrar a su abuela, fallecida en la placidez de su empobrecida habitación.
La película parte con la voz en "off" de la viejecita, que canta en quechua, y se abre al drama de la joven, pues en su cruzada doméstica nos enteramos que además, en su propia vagina se aloja un tubérculo que necesita operarse para evitar una enfermedad mayor. El calvario de la muchacha es propio de la marginalidad racial, que Claudia Llosa interpreta como un mal endémico de la sociedad peruana.

"La Teta Asustada" ( 2 ) : el desierto como mudo testigo de las desventuras de una joven.

 

"La Teta Asustada" ( 3 ) : en el jardín cantándole en aborigen a la patrona.

"La Teta Asustada" ( 4 ) : la apertura del filme con la anciana mártir que canta.

Su cámara es testimonial y hay momentos de antología que evitan los diálogos contundentes. Bastan sólo las imágenes. Una flor en la oreja, el corte de la raíz de una papa, un piano destruído en el patio de una artista solitaria, la procesión humana peldaños arriba hacia un destino incierto, la ceremonia de un matrimonio colorido pese a su pobreza, el intento de sodomía y la perpleja orfandad de una chica a la que inclusive le han robado una canción indígena, son momentos apreciables y sinceramente arrebatadores. En este sentido, Claudia no juzga a sus personajes. Es esa distancia, la que atrapa la atención del espectador, que arma en su cabeza el conflicto central, en base a gestos, miradas, actitudes, bellas imágenes y anécdotas ricas en detalles pintorequistas.

Películas Fundamentales : "Madeinusa" ( 2006 ) y "La Teta Asustada" ( 2009 ).

Ultimas obras : los cortos "El Niño Pepita" ( 2010 ) y "Loxoro" ( 2011 ).

"La Teta Asustada" ( 5 ) : La boda, una mirada pintoresca en medio de la nada.

Un comentario : " La Teta Asustada está magníficamente rodada y con una plétora de imágenes cautivantes...deliberadamente lenta , pero hermosa" ( Del crítico Peter Brunette en "The Hollywood Reporter" ). 


Tarsem Singh : El Cine de la estética arrebatadora.

Gran esteticismo y arrolladora puesta en escena, caracterizan las obras del director indio.

Hijo de un ingeniero, el director de ascendencia hindú Tarsem Singh ( nacido en 1961 ), es uno de los más solicitados de la industria cinematográfica norteamericana. ¿  La razón ?  Su marcado gusto por lo estético y sobrenatural, que hacen de su estilo algo único y singular.
Educado en la "Bishop Cotton Boy School" en Shimla, y becado a Estados Unidos para estudiar Negocios en Harvard, terminó por sacar el título de Cine en el "Art Center College of Design" en California.
Su carrera la inició como director de videos musicales trabajando para : Suzanne Vega, R.E.M., Vanessa Paradis, Britney Spears, Pink y Beyoncé. Recuerden que su clip "Losing My Religion" de R.E.M. ganó el Premio al Mejor Video del Año de la MTV.

 

La elocuencia visual que arrebata es el sello del cine de Tarsem.

"La Célula" : su primer largometraje, con Jeniffer López y Vincent D"Onofrio.

 Su amor por el cine, no se hizo esperar. Debutó con "La Célula" ( 2000 ), una rabiosa historia surrealista, llena de valores estéticos y donde resaltó el notable vestuario de la diseñadora japonesa Eiko Ishioka ( Oscar por el "Drácula" de F.F.Coppola ) y colaboradora habitual del realizador.
La película resulta novedosa, considerando una premisa básica para originar la aventura : Catherine Deane ( Jeniffer López, popularizada en la canción y el cine ),  es una curiosa investigadora que está capacitada para meterse en la conciencia de un niño en estado de coma y salvarlo de sus propios miedos. Secundada por un equipo de científicos, encabeza un proyecto de salud mental que pretende gatillar los estímulos que devuelvan a la normalidad al hijo de un millonario.Y ello, como un ejemplo para salvar miles de vidas que se encuentran en similar estado.
Un día, el FBI necesita de sus servicios urgentemente, pues deberá introducirse en la conciencia de Carl Stagher ( Vincent D"Onofrio ), un sádico asesino de hermosas chicas , que ha dejado a su octava víctima encerrada en algún lugar desconocido, donde al amparo de un calculado procedimiento, pretende ahogarla.
El viaje a la memoria del catatónico criminal, significará para la experta, descifrar los misterios del alma de un niño, que durante los primeros años de su vida, recibió toda clase de castigos y vejámenes hasta convertirlo en un monstruo violento y perverso. En este sentido, la premisa de la película, se la juega por la idea, de que todo hombre nace sano y libre, pero de acuerdo a sus experiencias vitales, se perviente y corrompe hasta matar su alma. Y cae prisionero de sus propias aberraciones.
Me detengo en ésta, la primera película de Tarsem, porque desde un principio, se nos reveló distinto y original. Al acabado formal de los escenarios pesadillescos, hay un tratamiento en los diálogos y en las acciones, muy logradas desde el punto de vista de la sugerencia y la ambiguedad.
Revalorizando el plano general y las panorámicas, Singh nos somete al delirio de la historia, con una mezcla estética llamativa, colorística y extravagante. Un caballo árabe trozado por cubos trasparentes, un desierto cubierto de duraznos en flor, un oscuro y febril reino donde priman las dobles exposiciones, los virajes escénicos, las flotaciones meditativas, y la simbología más afín con el agua, la sangre, el aire, y los elementos de la naturaleza.

 

"El Sueño de Alexandria" : la magia del cuento infantil viajero.

El Mundo de la fantasía de los sueños y la pérdida de la realidad, son temática recurrente en sus películas.

  

Este singular estilo de entender el cine, le ha llevado a Singh  a lo largo de toda su carrera, ha sobresaltar el valor de la puesta en escena, por sobre la temática de los diálogos. A destacar los valores adicionales de la fotografía, el color y el vestuario, en una amalgama que a muchos indigesta, y a otros, les conmueve y agrada en demasía. Queramoslo o nó, estamos frente a un artista innovador y obsesivo.
Sus siguientes películas, dan cuenta de ello : "El Sueño de Alexandria" ( "The Fall", 2006 ), una ambiciosa alegoría sobre la imaginación de un niño, que Tarsem se demoró 17 años en rodar por falta de presupuesto y debido a las extremas exigencias del rodaje, ya que la película se filmó en 18 países diferentes, aunque algunos aseguran que fueron 24.

"Inmortales" : el colosalismo en los escenarios caracteriza esta notable cinta épica y grandilocuente.

 

"Inmortales" ( 2 ) : la belleza plástica remarcada por el color y los FX.

"Inmortales" ( 3 ) : los seres mitológicos del Olimpo con la mirada de Singh.

"Inmortales"( 4 ) : A la acción y la fantasía, Tangh reflota el tema de lo onírico.

 

En el set acomodando las tomas, director y actor.

Después vinieron :  "Inmortales" ( "Inmortals", 2011), para muchos su mejor obra, una imaginativa historia desarrollada en la antigua Grecia, que relata los esfuerzos del rey Hyperion por controlar la Tierra y el Cielo, y que está obsesionado con liberar a los Titanes, únicos seres capaces de derrotar a los Dioses del Olimpo.
Como en otras ocasiones, las críticas se dividieron . Para muchos, son notables y preciosistas películas de fantasía, demasiado débiles en los textos y muy elocuentes en las imágenes. Para otros, se trata de un  cine maravilloso pero de escasa trascendencia narrativa.

"Espejito, Espejito" : Julia Roberts luciendo este maravilloso modelo de la notable Eiko Ishioka.

Lilly Collins es la fuerte y dulce Blancanieves.

"Espejito, Espejito" : el cromatismo de los cuentos clásicos de siempre.

Finalmente, Tarsem acaba de estrenar "Espejito, Espejito" ( 2012 ), la revisitación en clave de comedia dramática del cuento "Blancanieves" con Julia Roberts como la malvada bruja y la hija de Phil Collins, Lily como la  enérgica princesa a la que intentarán robar el corazón del Príncipe Alcott   ( Armie Hammer ). Nuevamente destaca el diseño de la producción , sus complejos FX y los maravillosos ambientes fantásticos.
Películas Fundamentales : "La Célula" ( "The Cell", 2000 ), "El Sueño de Alexandria" ( "The Fall", 2006 ) "Inmortales" ( "Inmortals", 2011)  y "Espejito,Espejito" ( "Mirror, Mirror",   2012 ).

El esplendor visual de Singh, tiene su espacio en el cine hollywoodense.

Un comentario :  " Es innegable que Tarsen Singh es un genio en lo visual. Crea escenarios fascinantes en su debut La Celula. Y ahora, en su regreso a la pantalla grande, sigue demostrando que no ha perdido ni un ápice de su talento. Inmortales es un filme plagado de virtudes, pero que no termina de cuajar como corresponde" ( Del crítico Alejandro Franco ).

Afiche de "Love", la última película de Niu-Chen -Zer.

Este amor por el cinehhhhhh