Momentos Inolvidables en 35 mm :

De Ilusión también vive el hombre. 
 

"La Guerra de las Galaxias" / "Star Wars" : cinta emblemática que legó para la historia del cine imágenes imborrables.

¿ Qué es el Cine, sino magia en fotogramas que sugieren la ilusión del movimiento en 24 fotogramas por segundo ? 
 ¿ Cómo recordamos una película, sino es por sus momentos, escenas o secuencias, que nos han impactado emocionalmente ?
¿ Quién se acuerda de los instantes precisos de una movie ?
¿ Cuánto hay de Mito y Realidad ?
Todas interrogantes que intentaremos responder a la manera de "Séptimo7sello", en la siguiente entrada semanal, donde pasaremos revista  a las secuencias, escenas o simples tomas, que nos han impactado en la historia del cine. 
Hay de todo. Desde una luchadora Scarlett O"Hara alzando sus brazos con un puñado de tierra roja de la mítica Tara en "Lo Que el Viento se llevó", a una mordida sangrienta al gigantesco Robert Shaw que termina tragado por un "Tiburón" mecánico, en la célebre película de Steven Spielberg, pasando por las espectaculares travesías cósmicas de las naves intergalacticas de "La Guerra de las Galaxias" ( "Star Wars", 1977) de George Lucas. 
Hay filmes clásicos y cintas actuales. En blanco y negro y a color. Mudas y sonoras. Cine de acción, terror, fantasía. Relatos bélicos e históricos. Westerns y Animación. Drama y Comedia. Todo vale en este juego que tiene mucho de nostalgia cinéfila y mitomaníaca.
Es que el Cine es una grata ilusión, que pervive en el conciente en función de nuestros sentidos. Acomódense en su butaca, que ya partimos, por este viaje colosal por las Mil y una Noches. Corre el telón !!!!
 
En una lejana galaxia...

Leia Organa y Chewbacca, son parte de la iconografía del cine fantástico.

Quizás ningún impacto más absoluto e instantáneo, que el crucero espacial que atraviesa por la pantalla ancha y en stereo de "La Guerra de las Galaxias" ( "Star Wars", 1977). 
En momentos que el cine tenía prácticamente abandonado el género fantástico.
Muchos espectadores jóvenes se iniciaron allí. Yo no. Tenía una colección completa de "Ecran", la mítica revista de cine chilena que dirigía María Romero, e iba al cine con regularidad desde los cuatro años, cuando quedé boquiabierto, observando el incendio en el bosque donde "Bambi" joven, debe huír para salvar su vida y la de sus amigos.
Era un  fanático de los westerns y de las películas de terror y sci fi de los 50. Nunca dejé de creerme el cuento de dedicarme algún día a realizador. 
Con mis primos y mascotas, organizábamos verdaderas producciones en vivo de las películas que íbamos a ver al cine. Se las contábamos a los amigos del barrio, actuando las escenas más importantes. 
Nunca dejamos de admirar la fotogenia de una Marilyn Monroe o Kim Novak. 
Cuando jóvenes nos volvían locos Ornella Muti,  Nasstassja Kinski, Jodie Foster y la siempre contemporánea Ingrid Bergman. Nos enamoramos de ellas, antes que de nuestras "novias" oficiales. Es que la fotogenia era celestial. Preciosas odaliscas en trajes de época. Musas del celuloide, que nos inspiraron nuestros primeros sueños adolescentes con el sexo femenino.
Jamás instuímos que esto nos iba a orientar una carrera, como educadores del lenguaje audiovisual en los Colegios y Universidades. 
Ni menos que, con el tiempo, llegaríamos a profundizar en el estudio de su Arte. 
Simplemente nos dejábamos conquistar por la desbordante imaginación, con que los directores y actores, trataban los temas, los paisajes, los colores y las muchachas.

Portada de la revista chilena "Ecran" que se distribuyó con gran éxito editorial en toda Latinoamérica. Completó 2005 números, de los cuales mil, todavía conservo como reliquia.

Presa de ese entusiasmo desbordante por el cine, descubrimos en las jornadas diarias de espacios televisivos, los clásicos del cine. 
Humphrey Bogart y "Casablanca". John Wayne y "La Diligencia". Gary Cooper y "Caballero sin espada". Judy Garland y "El Mago de Oz". James Cagney y "Angeles con caras sucias". Johnny Weissmüller y Tarzán". Buster Crabbe y "Flash Gordon". Fay Wray y "King Kong". Gene Kelly y "Cantando bajo la lluvia". Fred Astaire y "Sombrero de Copa". Charlton Heston y "Ben Hur". Kirk Douglas y "Espartaco". Bela Lugosi y Boris Karloff en cualquiera de esas maravillas terroríficas de la Universal. 
Debo confesar que, en un momento de arranque de furia juvenil, improvisé la mirada dura y castradora de Bogart en "Casablanca", quizás defendiéndome de una golpiza adolescente por una chica que nos entusiasmaba como cervatillo púber en primavera.
Esto de imitar a los ídolos de la pantalla, se volvió una actitud común entre los jóvenes de mi época. De hecho en mi liceo, había imitadores de Mark Hamill, John Travolta y Harrison Ford, a guisa de parecer modestos, jamás faltaron los clones de las stars del momento.  

"Cine Plaza" : última de las salas tradicionales que sobreviven de la época de oro del cine en Talca. Ahora, también tenemos multisalas que se abarrotan de éspectadores jóvenes.

 
Nunca en mi casa cuando llegaba el fin de semana, se hablaba de otra cosa que del último estreno en el "Cine Plaza", la sala más glamorosa de esa época en Talca. 
Un edificio mezcla de arquitectura barroca y rococó, adornado por una escalera del estilo de la mansión de los O"Hara ( de "Lo Que el Viento se llevó" ), larga y sinuosa, cubierta por una alfombra roja como la que hay en el Teatro Chino de Los Angeles en California.
Si vivías de comedias y películas juveniles de Elvis Presley, Doris Day o Sandra Dee, debías ir al "Cine Astor", que con los años se dedicó progresivamente a exhibir, películas de terror B, matinales de Disney o comedietas eróticas venidas de la belle Italia.  
Ahora, si te gustaban las musicales españolas o argentinas, las matineé B de Tarzán o Flash Gordon, y los programas triples de reestrenos que incluían "El Puente sobre el Río Kwain", "El Gitano" y "El Ultimo Cuplé", en una sola tarde , entonces, no podías perderte la programación del "Cine Palet".  
Su característica mayor estaba en el frontis del edificio, con unos dibujos aztecas que simulaban una película de acción, un boyer barroco y destartalado por el tiempo y la poca mantención; y unos gélidos corredores por donde también circulaban los amigos de Mickey Mouse.
Para el espectador rural, el "Cine Oriente" estaba considerado como la quintaesencia de los teatros más populares de Chile. 
Por su entrada, circulaban los vendedores del pan con tomate, las sopaipillas y los caramelos de bastón.
La sala se especializó en rancheras mexicanas con Jorge Negrete, Pedro Infante, Miguel Aceves Mejías o Javier Solís, y los melodramas argentinos con Libertad Lamarque y las hermanas Legrand.
En realidad, en Talca nunca faltó panorama para disfrutar un fin de semana entretenido con el cine de siempre.


Dolor, Angustia y Risas.

"El Campeón" el remake de Franco Zefirelli, que hizo llorar a hombres y mujeres.

Debo confesar que nunca lloré más, que cuando ví "El Campeón" ( 1979) de Franco Zefirelli, con Jon Voigh y Ricky Schroder. 
La escena cúlmine cuando el pequeño Ricky se acerca a despedir a su padre, es dura, cruel, y demasiado lagrimógena. Te deja el corazón apretado. Y la primera vez que la conoces, es imposible evitar llorar. 
Yo era un adolescente y recuerdo que, cuando vino la pausa comercial ( todavía se practicaban los programas dobles y triples), nos acercamos al baño entre sollozos y lagrimones elocuentes. Todo el mundo se estaba secando las lágrimas entre pañuelos de seda y papel higiénico.
Con los años la volví a ver de nuevo. El efecto fue cambiando mientras la recordaba. Es que el impacto es fuerte ( dicen ) la primera vez. Ya no lloré, porque en mi conciencia ya tenía las imágenes del drama preestablecido. 
Después me acerqué a adquirir la primera versión en blanco y negro. No se trata de una obra excepcional de King Vidor, pero es más simpática que la versión de Zefirelli. Así y todo, todavía recuerdo el mar de lágrimas que había en el hall del Plaza.
¿ Cuántas mujeres no salieron deseando adoptar a Ricky Schroder después de asistir a ver la película ?

Mosaico con escenas fundamentales de "Ladrón de Bicicletas".

Sentir dolor y tristeza durante la proyección de una película, es realmente catártico y evocador. Parecerá masoquista, pero algo se nos libera cuando mostramos nuestras emociones frente a la pantalla grande.
En este sentido, "Ladrón de Bicicletas" tiene un lugar por derecho propio en nuestros corazones. 
Su desenlace con Enzo Staiola observando a su padre cómo roba una bicicleta para reemplazar a la que a él le han usurpado, está entre los más emocionante que me ha tocado ver en el cine. Y es que el director Vittorio De Sica, no da concesiones. Simplemente, deja que los hechos se precipiten, con naturalidad, transparencia, desencanto y muchísima humanidad. Es emoción en estado puro.
Cuando dí unos Cursos de Cine en la Universidad Católica del Maule, recuerdo la sala, después que se encendieron la luces durante la exhibición de esta película. Todo el mundo estaba llorando. Parecía el funeral de Bambi. No se libraban ni los taquilleros, ni el proyectista que se deshizo de alabanzas por la glorificación de las clases obreras que hace la película.
Cierto. El cine también puede ser político. De hecho, todo el cine - incluyendo los cartoons -, son políticos, porque tienen la "mirada" de un director, con unos conceptos valóricos específicos, una tendencia social, ideológica y humana, que acondiciona su visión y subraya su estilo.
En ese plano, nunca olvidaré la presentación de "Missing" de Constantin Costa Gravas, con Sissy Spacek y Jack Lemmon, una historia verídica basada en los acontecimientos que rodearon la desaparición de un reportero norteamericano durante el golpe de Estado en Chile. 
Al final de la proyección, moros y cristianos, derechas e izquierdas, creyentes y ateos, asestaron el golpe duro y fracticida de la película, acerca de una época divisoria, sobre los acontecimientos que marcaron el final de una época y el principio de otra en nuestro país.
Recuerdo con más celeridad, la satisfacción que nos provocó descubrir a Charles Chaplin y Buster Keaton, juntos en un documental de cine mudo. 
Intentamos muchas veces imitar sus gestos, la manera de caminar que tenía Chaplin ( un pato con zapatos de clown ) y ese inexpresivo rostro de palitroque que tenía Keaton ( tan duro y granítico como el de una estatua ). 
Ambos considerados con justicia, como los maestros de la comedia bufa, nunca pasaron desapercibidos por los niños. 
Cuando íbamos al campo a proyectar películas de ambos genios, siempre nos funcionaban notablemente sus gags, sobretodo entre el público infantil.
"Es que son como los monos animados, tío", replicaban los alumnos. 
En realidad, ellos fueron los padres fundadores del gag, que las animaciones posteriores imitaron con fortuna hasta la saciedad, logrando la esencia de su metódico arte.
A su modo, Chaplin y Keaton, fueron los héroes de la risa.


Nuestros instantes favoritos.

"Terminator" y secuelas, instituyeron la moda de la cibernética en el cine de acción.

"Los Cazadores del Arca Perdida" . un momento del rodaje de la secuencia destacada.

 

"El Señor de los Anillos: Las dos torres": seres monstruosos en un relato lleno de magia, dinamismo y sorpresas.

 

"El Resplandor" : La escena más característica del conocido filme terrorífico.

"Halloween" impuso al cara de cuero, como un monstruo obseso y sangriento.

"2001: Odisea del espacio" : el bebé cósmico que domina desde el espacio exterior observando hacia la Tierra en un nuevo despertar existencial.

"Jurassic Park" : Gran secuencia de horror es el ataque del Tiranosaurio- Rex.

Si tuviéramos que hacer un compendio, con puros trailers de nuestros momentos favoritos de películas que valían mucho oro o eran pura taquilla, entonces deberíamos integrar los siguientes cortes, para recordar esas cintas eternamente.
"Lo Que el Viento se llevo" ( 1939) de Victor Fleming, George Cukor y Sam Wood  : Scarlett O"Hara ( Vivien Leigh ), asciende al árbol familiar en silueta, frente a una arrebolado amanecer, empuñando su mano pendenciera al cielo, para insistir que Mañana, será un nuevo día, en Tara.
"Terminator" ( "The Terminator", 1984) de James Cameron : "Hasta la vista, baby" ... la despedida clásica del cyborg asesino ( Arnold Schwarzenegger ), que termina convertido en el esqueleto de un robot en el desenlace de esta ingeniosa película B.
"Los Cazadores del Arca Perdida" ( "Raiders of the Lost Ark", 1981) de Steven Spielberg : Cuando Indiana Jones ( Harrison Ford), toma una reliquia de Oro en una tumba llena de trampas mortales, se libera una roca gigante en forma de pieza de billar y se le avalanza a Indy para aplastarlo.
"El Señor de los Anillos: Las dos Torres" ( "The Lord of the Rings: The Two Towers"", 2002) de Peter Jackson : Gandalf ( Ian McKellen ), lucha con el gigantesco monstruo de lava y fuego Balrog, después que ambos caen a un abismo bajo tierra.
"Apocalipsis , Ahora" ( "Apocalypse Now", 1979) Francis Ford Coppola: La aparición demoníaca del Coronel Kurtz ( Marlon Brando ), rapado y circunspecto, entre sombras y claro oscuros, filosofando como un semidios, y usurpando trozos enteros de la narrativa de T.S.Elliot y Joseph Conrad.
"Atrapado sin Salida" / Alguien voló sobre el nido del cuco" ( "One Flew Over the Cuckoo"s Net", 1975) de Milos Forman :  La sorpresiva aparición del paciente Chief Bromden ( Will Sampson ) cuando descubre que a su amigo, Randle McMurphy ( Jack Nicholson ), le han hecho una lobotomía, y decide ahogarlo con la almohada para que no viva en ese estado casi vegetal.
"Carrie" ( 1976) de Brian de Palma :  La mano aterradora que sale de la tumba en el desenlace, queda resonando en la sala con un pavoroso grito de terror, difícil de borrar.
"El Exorcista" ( The Exorcist", 1973) de Richard Donner : La adolescente Regan ( Linda Blair ) poseída por el demonio,  se enfrenta al padre Merrin ( Max Von Sydow), lanzando improperios, vómitos verdes, estertóreas carcajadas y una cabeza que gira sobre sí misma, demostrando que el mal, puede estar entre nosotros. 
"Halloween" ( 1978) : El encierro en su casa de Jamie Lee Curtis, con el chico de la máscara de cuero, urgando en su closet, atento para asestar su afilado cuchillo como un engolosinado púber sexual. Metáforas directas a la pubertad.
"El Resplandor" ( "The Shinning", 1980) de Stanley Kubrick : Jack Nicholson absolutamente fuera de sus cabales, irrumpe en la habitación a golpes de hachazos, mientras la neurótica Shelley Duvall intenta evitar que, su monstruoso marido la asesine.
"Erase una vez en el Oeste" ( "C"Era una volta in West", 1968) de Sergio Leone : Henry Fonda es Frank, un asesino a sangre fría, que no se inmuta cuando debe matar a toda una familia en Arizona. Después de disparar al padre y a sus hijos mayores, el pequeño que llora la masacre frente al pistolero, no se inmuta cuando recibe un disparo al quemarropa. Cut. El ruido del tren reinicia la obra en otra secuencia.
"2001 : Odisea en el Espacio" ( "2001: A Space Odyssey", 1968) de Stanley Kubrick : La imagen del astronauta Bowman ( Keir Dullea ), convertido en niño estrella, observando desde su placenta cósmica a la Tierra en un nuevo renacer, debe estar por derecho propio, entre las imágenes icónicas más características de la historia del cine.
"Parque Jurásico" ( "Jurassic Park", 1993 ) de Steven Spielberg :
Sin duda, la primera aparición de un brontosaurio retozando mientras come de la copa de una arboleda, y que es la constatación inicial de los estupendos efectos visuales que dieron vida a esas notables creaturas. Y la secuencia más terrorífica, es el ataque nocturno en medio de la lluvia del Tiranosauru Rex. La esencia del horror en su grado máximo.


Grandes Clásicos.

"Taxi Driver" ( "Taxi Driver", 1976) de Martin Scorsese :  

Del maestro Scorsese, se pueden elegir infinidad de escenas inolvidables, pero nosotros nos centramos en ésta, su primera película de aceptación popular y crítica, con Travis Bickle ( Robert De Nito), veterano de la guerra de Vietnam, que después de un intento fallido de asesinar a un político, intenta salvar a una joven prostituta ( Jodie Foster). Concurre al hotel donde asesina a su proxeneta ( Harvey Keitel), a su cliente y al gerente del local. 
Por un error semántico, Travis es celebrado después como un héroe por los medios de comunicación. 

" Superman" ( Superman", 1978) de Richard Donner : 

 
La aparición de los créditos detrás de la destrucción del planeta de Jor El, y ese viaje encapsulado de su hijo que lo llevará  a la Tierra, con la banda musical épica de John Williams, alcanza el cenit, sólo comparable al primer vuelo de Clark Kent y Louise Lane por la ciudad del "Daily Planet". Pura y franca ilusión.

"Tiburón" ( "Jaws", 1975) de Steven Spielberg : 

Lo más erótico que ha hecho Spielberg en su obra, es cuando la bellísima Chrissie ( Susan Blacklinie ), se baña desnuda en la noche con su novio, en las playas de Amityville.
La cámara subjetiva la arropa desde abajo, cuando la chica es empujada hacia el fondo maríno por un escualo gigante que no se ve. No es la escena más crispante, pero si la más simbólica. Tal vez, sólo comparable a la secuencia del desenlace, cuando el tiburón mecánico se devora frente a cámara al gigantesco Robert Shaw, y posteriormente Roy Scheider, se acomoda desde el mástil de una barcaza que se hunde, para disparar a la botella de oxígeno que hace explosionar al monstruo asesino. Aunque sigue siendo certera, toda la secuencia del falso tiburón merodeando por las playas, mientras los niños salen despavoridos ante la inminente presencia del escualo. Terror en estado puro.

"El Misterio de las Rocas Colgantes" ( "Picnic at Hanging Rock", 1975) de Peter Weir :  

La novela de Joan Leslie es como una crónica de época, que remarca las situaciones sobrenaturales y sin explicación lógica. 
La acción transcurre en el verano del 1900, a través del picnic que realizan las jóvenes de la Escuela particular de la señora Appleyard en Australia.
El que parecía ser un viaje agradable, se transforma en un enigma, cuando cuatro niñas escalan un volcán, y sólo regresa una de ellas.
Al atractivo fotográfico de John Seale se une la mágica partitura de Zamfir, y su flauta de pan, que intensifican las correspondientes fuerzas sobrenaturales que ostenta el relato. 
Inolvidable la escena de la bellísima Miranda ( Anne Lambert) peinándose frente al espejo, que reconstruye a los íconos de Boticelli; aunque sin lugar a dudas, su magia está en la secuencia, donde las chicas paulatinamente desaparecen, como si se las tragara otra dimensión existente entre las rocas. 
Exquisita estética para una historia original, que dió a conocer en Chile el cine oceánico.
 
"Africa Mía" ("Out of Africa", 1985)  de Sydney Pollack :

 
Mery Streep como la escritora danesa Karen Blixen le toma la mano a su amado cazador Robert Redford, mientras vuelan sobre los parajes africanos y resuena la música romántica de Maurice Jarre. 
El romance se expresa con sólo el gesto de tomarse las manos, frente a la inmensidad de la naturaleza agreste. Amor eterno Amor.



"Tuyo es mi corazón" ( "Notorious", 1940) de Alfred Hitchcock :  

 
Los besos, los arrumacos y las caricias face to face, entre Ingrid Bergman y Cary Grant están ensalzados hasta la saciedad, por un Hitchcock que prolonga estas escenas, con un guiño a su apetito personal y lúdico por la hermosa actriz sueca.
Una llamada prolongada por teléfono, un encuentro romántico entre diálogos dulces y palabras cálidas, hacen el resto de la obra. 
De hecho, la película adquiere consistencia con "el beso cinematográfico más largo de la historia del cine". Un ósculo entre palabras y susurros titilantes, como las flechas de Cupido que no paran de caer.   


"Rebelde sin Causa" ( "Rebel Without a Cause", 1955) de Nicholas Ray : 

 
Jim Stark ( James Dean) un solitario adolescente, recién mudado a Los Angeles  y Buzz ( Corey Allen), el jefe de una pandilla de high school, se enfrentan en una carrera de automóviles cerca de un peligroso acantilado. Buzz perecerá , mientras que Jim, acompañado de Judy ( Natalie Wood) y Platón ( Sal Mineo), huirán en una persecución nocturna a pie, en el detonante del conflicto de este gran clásico de clásicos. 


"La Bella y la Bestia" ( "La Belle et la Bete", 1946) de Jean Cocteau : 

 

La magia del cuento homónimo de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, alcanza lo sublime en la recreación del Castillo de la Bestia. El director se inspiró en los cuadros de Gustav Doré, para integrar recursos visuales y sugerencias prácticas tan logradas, como los candelabros sujetos a la pared mediante brazos humanos o los rostros de los cariátides, que siguen la mirada de los personajes con absoluta complicidad.
Un acierto estético inolvidable en el conciente colectivo del cine.

"Casablanca" ( "Casablanca", 1942) de Michael Curtiz :  

El notable guión escrito por los hermanos Epstein y Howard Koch, incluye diálogos antológicos como : "Siempre nos quedará París", o "Tócala otra vez, Sam". Sin embargo, la mitología se ha encargado de trasponer las situaciones y reconstruirlas a nuestro antojo, en los recuerdos de su visionado. No es "Tócala otra vez, Sam"....Y aunque parezca increíble, toda frase para el bronce, no suena redundante, ni palmario.  
Simplemente "Según pasan los años" al piano, ejecutado con inspirada expresividad por Dooley Wilson, mientras Ilsa ( Ingrid Bergman ) y Rick ( Humphrey Bogart ), se reencuentran, cobra plena vigencia porque el Amor sigue siendo el mismo de antaño. 
Se trata de un reencuentro frugal para salvar a una pareja de los esbirros nazis, mientras Rick y el prefecto de policía Renault ( Claude Rains ), se pierden en la niebla como buenos amigos para detener a "los sospechosos de siempre".  

"Ciudadano Kane" ( 1941) de Orson Welles : 

"Rosebud"... es la última palabra que pronuncia el magnate de la prensa amarilla Charles Foster Kane ( Orson Welles), mientras cae la bola de cristal con la casita que simula estar rodeada en medio de un paisaje nevado. Y el inicio de una película, casi providencial. La panacea de todas las películas sonoras de su tiempo. El inicio de una nueva era del lenguaje audiovisual, acoplado a una ingeniosa historia que integra el montaje vanguardista, la fotografía experimental y la magnificencia de los escenarios barrocos y lúgubres.


"King Kong" ( 1933) de Merian C.Cooper y Ernest B. Schoedsack  : 

Nada resulta más arrollador del cine clásico que la secuencia del ataque aéreo al Rey Kong en lo alto de Empire State Building. El cine alcanza así, su máxima estatura de espectáculo fantástico, capaz de hacer estrella a una creatura de "stop motion", y diluír los espacios encerrados del expresionismo gótico, por la aventura en escenarios prehistóricos profusamente surrealistas.
"La Bella mató a la Bestia", es cierto. Pero es la Bestia, la que pervive en el conciente del cinéfilo empedernido. 


"Lawrence de Arabia" ( "Lawrence de Arabia", 1962) de David Lean :

Gracias a la estupenda labor fotográfica de Frederick Young, Lean pudo dimensionar el tormento de un hombre en tierras árabes, con la suficiente poesía y dramatismo, como para envolver todo este espectacular biopic y abarrotarlo de metáforas visuales. 
No se trata de una cinta bélica o política, sino más bien del viaje de un individuo en la búsqueda de sí mismo, y en ese sentido, cobran real importancia, las secuencias de enfrentamientos y carnicerías masivas contra un regimiento turco, agotado y  aplastado por un hombre fuera de sí. 
Más allá de sus implicancias estéticas, muy bien acentuadas por el uso del Technicolor y de la SuperPanavision 70, esta épica crepuscular, resume todas las constantes más solventes de un cine que sabe ser intimista y a la vez, espectacularmente sobrecogedor.

"La Pandilla Salvaje" ( "The Wild Bunch", 1969) de Sam Peckinpah :

Ningún western pudo capturar toda la paranoia de Viertnam como esta sutil y alegórica historia, que tiene de salvaje y sangrienta, la exhuberante puesta en escena de Peckinpah y su insistente uso del zoom y los ralentis.  
En ese sentido, resulta inolvidable la secuencia del robo al banco con que se abre la película, su simbólica transcripción entre los niños que juegan y los alacranes que devoran las hormigas; aunque resulta más pasmosa, la secuencia final del acribillamiento a las tropas mexicanas. 
William Holden, Robert Ryan y Ernest Borgnine, se transformaron en los "duros" más lacónicos del Cine del Oeste, y asumieron su triste final, con la seguridad de estar participando en algo grande. Un hecho histórico que marcó la Revolución, y que nunca se contó hasta ahora. Eso claro está, en el subjetivismo de esta ficción. 




"Bonnie & Clyde" ( "Bonnie & Clyde", 1967) de Arthur Penn :

 

Si algo arroja la vida esta pareja criminal auténtica, que azotó en el período de la depresión económica los bancos de pueblos lejanos, es su mistica arrolladora, porque ambos están interpretados con absoluta solvencia por Warren Beatty y Faye Dunaway. 
Pero fíjense en la cantidad de símbolos y metáforas sexuales que tiene la película. Recuerden esa escena breve de la Dunaway, empuñando una pistola y pasándosela por la boca con absoluta complicidad. Pero hay más. Una acertiva visión a la época descrita; a los problemas de impotencia sexual del protagonista; y a sus exageradas manipulaciones sicológicas cuando asalta a quemarropa.
Escena exageradamente inolvidable : toda la secuencia donde ambos mueren acribillados y que está estupendamente montada por la veterana Dede Allen. 



"Muñequita de lujo"/"Desayuno con Diamantes" ( "Breakfast at Tiffany"s, 1961) de Blake Edwards :

 
La comedia romántica americana, tiene en esta deliciosa cinta uno de sus mayores exponentes. A partir de la novela de Truman Capote, se cuenta la historia de dos rebeldes obsecados, un chulo de paso ( George Peppard), que actúa como gígolo de mujeres ricas, y una chica ( Audrey Hepburn), que aparenta ser de élite, y no es más que, una pobre campesina en busca de riquezas y estabilidad emocional. Los dos terminarán enamorándose, aunque debamos esperar una hora para elucubrar un destino feliz. 
Nada es lo que aparenta ser. Ni Mickey Rooney que hace de un vecino japonés molesto con los ruidos de las fiestas ( guateques) en el departamento de la muchacha; ni Buddy Ebsen que interpreta  a su primer marido, decepcionado por el abandono de la mujer. 
Ni Holy ( Hepburn), falsa burguesa neoyorquina y snob; ni Paul (Peppard), que no tiene más que ofrecerle a la chica de sus sueños, que puro Amor. Y amorosa es la musica de Henry Mancini. "Moon River" es una canción deliciosa, que solventa extraordinariamente bien las escenas más interesantes.
Nosotros nos quedamos con la secuencia de la fiesta en el departamento, que resume el ambiente naif de cierta cultura urbana; y el final feliz en medio de la lluvia, buscando un gato perdido y con "Moon River" de fondo. Inolvidable.


"Muerte en Venecia" ( "Morte a Venezia", 1970) de Luchino Visconti :

  
¿ Hay algo más espectacular que un trozo de imagen convenientemente alegórica y la música de Mahner rebotando en su unidad ? Creanme que cuando vean por primera vez esta película, si gustan del cine como expresividad visual, los cautivará de principio a fin.
No es sólo la historia del compositor Gustav von Aschenbach ( Dirk Bogarde) azotado por el infortunio familiar, que se toma un descanso en un hotel de lujo en la Venecia de principios del siglo XX. Tampoco la irrupción del pequeño efebo Tadzio ( Björn Andresen ), que le hará volver a enamorarse de la belleza contemplativa , pese a sus implicancias homoeróticas o pedófilas. No se trata de eso. Sino de una valorización del concepto de arte, como pieza sublime de un equilibrio entre sus partes. 
La película es un discurso reflexivo sobre el origen de la creación del artista. 
Una compleja y bien intencionada parábola, sobre el sentirse vivos a través de la expresividad estética. 
Nunca antes el cine llegó a un simbolismo tan arrebatador, con sólo las atmósferas, los ambientes, las sugerencias visuales, el planteamiento idílico de la belleza. Por eso, y sólo por eso, las secuencias más logradas de esta cinta, están determinadas en la primera aparición de Tadzio a los ojos del artista, en medio de un hall barroco y delirante en lujos y glamour; y la muerte decadente de Gustav, mirando desde la playa como el chico se baña al sol. 
Alegorías certeras al imposible perfeccionamiento del Hombre y el Arte como constatación de un Dios omnipresente. 

"Blade Runner" ("Blade Runner", 1982) de Ridley Scott :

 
¿Quien puede más, el Hombre o la Máquina? 
De la novela de Philip K.Dick, se extrajo esta influyente película de ciencia ficción, que abrió nuevos conceptos para la creación de las atmósferas, esteticismo singular y metáfora sobre el mundo futuro, según las catastrofistas circunstancias del presente. 
Es un "cuento filosófico deprimente con decorados extraordinarios e impresionantes, una sofisticada iluminación y una grandiosa banda sonora de Vangelis".  
Un relato ecléctico y posmoderno, que logra transmitir la ansiedad de las grandes urbes, la globalización y la contaminación ambiental.
Escena inolvidable : Roy Batty, el androide rubio hegemonizado que busca a su Creador y que es capaz de sufrir y demostrar compasión con la sutileza de un humano, muere al final y se eleva por los cielos en la simbólica paloma que le sucede. Es un breve lapsus, póetico y subliminal, que dimensiona el eterno contrapunto del Hombre enfrentado a su Dios. Y todo interpretado con sólo unas líneas, sus gestos y su actuar. Rutger Hauer está tan inolvidable como Harrison Ford y Sean Young. Un clásico imperdible.   



"Titanic" ( "Titanic", 1998) de James Cameron : 

Considerada como la película más costosa de todos los tiempos ( 200 millones de dólares de su época ), que tuvo una campaña publicitaria sobreestimulada por la "mass media", que la reseña "como el relato romántico más estremecedor", el filme parece repetir en el fondo, muchas de las constantes clásicas del cine dramático, a partir de una tragedia histórica conocida.
Sin duda, se trata de una recreación espectacular del hundimiento del "crucero más grande y seguro del mundo", que se reconstruye a través de un largo flash back de una de sus supervivientes. 
Puede ser la secuencia más característica, aquella de Leonardo Di Caprio y Kate Winslet en la proa del barco, elevando sus brazos como un mascarón; pero resulta más inolvidable, la que representa la tragedia que está detallada hasta en sus mínimos efectos, con la solvente amalgama de FXs de última generación, escenarios gigantescos y actuaciones solventes.
Quizás, su única debilidad está en la construcción de personajes secundarios, algunos que aparecen, exclusivamente para esperar la muerte.
Cabe destacar, la inolvidable canción "My Heart Will Go On" interpretada por Céline Dion, que adelantó el éxito insuperable en la taquilla que iba a tener la película. 

"La lista de Schindler" ("Schindler List", 1993) de Steven Spielberg :

 
Se pueden discutir las intenciones políticas que hubo de recrear los hechos que marcaron la Segunda Guerra Mundial con el exterminio judío en manos de los nazis. También, la verdadera naturaleza que tuvo Schindler para ayudar a sus empleados a escapar de la muerte. Pero nunca su impronta de documento fílmico de primera necesidad. 
No sólo porque sirva para ejemplificar a las generaciones venideras, lo que el mundo debe evitar a toda costa. Ni siquiera, como explicación objetiva a un hecho irracional que destruyó la Paz y dividió al mundo en dos bloques. 
Sencillamente, porque se trata de una de las más contundentes películas bélicas sobre el racismo, el exterminio, el poder, la desintegración y la muerte. 
Escenas como la de los hornos crematorios donde las mujeres, los niños y los hombres esperan un destino terrible, no se condicen con esa pequeña pero simbólica secuencia, de la niñita vestida de rojo, corriendo en medio de la muchedumbre, y que se transforma en una cruel premonición de la masacre judía.
Liam Neeson, Ben Kingsley y Ralph Fiennes, pasaron a transformarse en rostros más reconocidos por el cine, y las caras visibles de una extraordinaria producción que entrega una lección moral, en tiempos donde la turbiedad oscurece el sol.


"Corre, lola Corre" ( "Lola rent",1998) de Tom Tykwer :

 
Novedosa y subyugante película alemana, que recompone una historia de veinte minutos, repitiendo desde su inicio el relato, para modificar sus contextos y obtener desenlaces distintos.
El argumento simple y directo, es acerca de Lola, una joven de cabellos rojizos ( Franka Potente), que recibe el encargo de encontrar el dinero de un motín, para evitar que a su novio lo asesinen. 
Utilizando magníficamente los recursos expresivos, Tykwer integra dibujos animados, videoclips, trucos y repleys instantáneos para elaborar un cuento interminable.
Escena icónica, la de Lola corriendo extenuada y que termina atropellada por un vehículo.


A vuelo de pájaro.

"Frankenstein": imagen icónica con una de las secuencias más trágicas y aterradoras del filme.

"El Pueblo de los Malditos" : extrañas creaturas.

 
Sutiles transposiciones, juegos de cámaras o guiños cinéfilos, escenas elocuentes, tristes o divertidas, en la siguiente "cartelera de instantes inolvidables", efectuadas a vuelo de pájaro. 
"Frankenstein" ( 1931 ) de James Whale : "It"s a live , it"s alive" grita en el colmo de su frenesí triunfalista el Doctor Frankenstein ( Colin Clive ) en su laboratorio, al darle vida a su creatura, con los rayos infernales de una tormenta eléctrica, y que es únicamente comparable, al momento cuando el monstruo arroja a una niñita al agua, creyendo quizás, que flotará como una margarita.
Más patética resulta la mujer-pollo en la escena final de "Freaks" ( "El Circo Barnum"/"La Parada de los Monstruos", 1932) de Tod Browning. 
Convertida en un monstruo, la otrora bella trapecista, déspota y codiciosa, paga todas sus culpas de la manera más horrenda imaginable.

Perturbador desenlace tiene también: "La Mosca" ("The Fly", 1958) de Kurt Nuemann, cuando el hermano del científico y el policía, observan en el patio de su casa, junto a una telaraña, un híbrido entre ser humano y arácnido, que repite en aguda voz : "Help me", "Help Me".  
Más explosivo resulta la secuencia del desenlace, de la modélica "El pueblo de los malditos" ( "Village of the damned", 1969) de Wolf Rilla. 
El nacimiento masivo de unos niños engendrados por una presencia invasora extraterrestre en una pequeña comunidad británica, sólo será dilapidada por un inteligente profesor, que les prepara una trampa, portando una bomba dentro de un maletín.  
Pese a que los niños tienen la capacidad de leer las mentes, esta vez , no podrán descifrar la clave del enigma y morirán en sus esfuerzos por dominar la Tierra.

"Nosferatu" : vampiro del horror.

"Metrópolis" : el "mad doctor", María y su réplica robótica.

"La Pasión de Juana de Arco" : Un instante...una vida.

 

"Intolerancia" : la mano que mece la cuna.

"Acorazado Potemkin" : el montaje de atracciones en la Escalera de Odessa.

Más expresiva es la aparición del vampiro "Nosferatu" ( 1922) de F.W.Murnau, que aprovechando los juegos de sombras y los escenarios naturales, amenaza como creatura demoníaca con su calvicie y sus dientes de roedor. Max Schreck que era un freak real, asume el papel con tal expresividad, que logra infundir terror con sólo su presencia sobrenatural.
Inolvidable resulta también, la pacifista María ( Brigitte Helm )de "Metrópolis" ( 1927) de Fritz Lang, que resurge como imagen icónica en la creación de una robot de exhuberantes formas femeninas. Inspiradora del C-3PO de "Star Wars".
Tampoco podemos olvidar la secuencia final en la hoguera de Juan de Arco (Reneé Falconetti ), en la clásica : "La Pasión de Juana de Arco" ( "La passion de Jeanne d"Arc", 1928) de Carl Theodor Dreyer. 
La película rodada exclusivamente con close up y sobre fondos blancos ( amarillos en el set original ), culmina con la mártir en la pira, mientras se intercalan imágenes de su sopor, su dolor y su angustia, y unas palomas que pasan para llevarse el alma de la mujer. Un rol memorable, elaborado sólo con la expresividad facial de una gran intérprete de corta vida en el cine.
Otra imagen imperecedera del cine, es el primer plano con ese ojo de mujer cercenado con una navaja en : "Un perro andaluz" ( "Un chien andalou", 1928), el corto de Luis Buñuel, que hiciera en colaboración con el pintor surrealista Salvador Dalí, para construír una metáfora sobre la memoria.
Tampoco se olvidan fácilmente, el cuerpo de un caballo sobre un piano o una mano recorrida por hormigas.

Imágenes icónicas hay también en : "Viaje a la luna" ( "Le voyage dans la lune", 1902) de George Melies, con esa nave en forma de bala que trastoca el ojo de una luna con rostro de hombre, y que está en el logo de este blog; "Intolerancia" ( "Intolerance", 1916) de D.W.Griffith, con Lillian Gish meciendo una cuna entre cada una de las historias yuxtapuestas, en esta épica sobre "la lucha del amor a través de los tiempos"; y la célebre secuencia de la Escalera de Odessa en "Acorazado Potemkin" ( "Bronenosez Potyomkim", 1925) de Sergei Eisenstein, clase magistral del montaje de atracciones y punto de inicio, de la idea del corte como metáfora política.  

"El Espectáculo más grande del mundo" : el payaso Botones ( James Stewart).

"Los 10 Mandamientos" : Moisés extiende sus brazos y se abre el Mar Rojo.

"Ben-Hur" : la espectacular carrera de cuadrigas.

"Cantando bajo la lluvia" y Gene Kelly.

 

"Boda Real" : Fred Astaire rompiendo las leyes de la gravedad.

 

"La Novicia Rebelde" : institutriz y alumnos colina abajo.

Menos agresivo pero igual de elocuente, resulta todavía el choque del tren del circo cargado de artistas y animales de "El Espectáculo más grande del Mundo" ( "The Greatest Show on Earth", 1952) de Cecil B.De Mille, o las escenas espectaculares de "Los diez Mandamientos" ( "The Ten Commandments", 1956) también de De Mille, como el paso del mar Rojo con Moisés extendiendo su cayado, ante las aguas embravecidas y la entrega de las Tablas de la Ley.

Sin obviar, la carrera de cuadrigas en el monumental escenario construído en los estudios italianos de Cinecittá de "Ben-Hur" ( "Ben Hur", 1959) de William Wyler, todas épicas con Charlton Heston como protagonista estelar. 
En materia de musicales, imperecederas resultan las escenas de : Gene Kelly en "Cantando bajo la lluvia" ("Singing in the rain", 1951) de Stanley Donen, que filmó en estudio, un día que tenía fiebre y catarro, donde bailó en una lluvia artificial originada por una manguera de bomberos. 
También, la escena de Fred Astaire bailando por los techos de su habitación, en un efecto innovador para "Boda Real" ( "Rotal Wedding", 1951) dirigida por Donen; las significativas escenas de la bruja del Norte atacando a Dorothy y sus amigos desde su bola de cristal en : "El Mago de Oz"  (Wizard of Oz", 1939) de Victor Fleming , sólo comparables al tornado que lleva a la niña desde un mundo oscuro en blanco y negro a un fantástico mundo en technicolor; o las relamidas canciones en los hermosos paisajes vieneses de "La Novicia Rebelde" ( "Sound of Music", 1965) de Robert Wise, entre las cuales siempre prefiero, el teatro de marionetas y el "Do Re Mi"  alrededor de los exteriores en 70 mm, más hermosos de los años sesenta. 
Tampoco olvido, las colorísticas secuencias de Olivia Newton John patinando al ritmo de "Xanadú" ( 1980) de Robert Greenwald, las gimnásticas contorsiones de Jeniffer Beals en : "Flashdance" ( 1983 ) de Adrian Lyne, las vetustas y cliperas historias de Michael Jackson en "Moonwalker"( 1988 ) de Jerry Kramer y Colin Chilvers, que fueron cada una, fenómenos de la taquilla popular juvenil. Suma y sigue. 
 

"Más Corazón que Odio" :  Ethan Edwards ( John Wayne ) demuestra su racismo y obstinación en la búsqueda de su sobrina.

 

"Vértigo" : la exquisita Kim Novak en su doble rol de chica encarnada y desconocida.

 
En la filmografía de John Ford, también hay una infinidad de escenas inolvidables.
Sólo basta recordar a Mamá Joad probándose unos aretes frente al fuego de su cocinilla en "Uvas de Ira" ( "The Grapes of Wrath", 1940), o el ataque de los indios a "La Diligencia" ( "Stagecoach", 1939), o la furia descontrolada de Ethan frente al cuerpo de una tumba indígena en "Más Corazón que Odio" ( "The Searchers", 1956), para entender el universo expresivo y sentimental del maestro de maestros.  
Y si se trata de secuencias imborrables, Alfred Hitchcock se transformó en un maestro del suspenso, en base a estos climaxs imposibles de olvidar. 
El asesinato de Janet Leigh mientras se ducha en "Sicosis" ( 1960), el ataque de "Los Pájaros" ( 1963) a un grupo de niños; el asesinato en el departamento del edificio de enfrente en "La Ventana Indiscreta" ( 1956), y en fin, la aparición casi fantasmal de una rubia entrañable, en un museo mientras observa un cuadro con la figura de una muerta en "Vértigo" ( 1958), son algunos de esos ejemplos factibles de enumerar en una lista de cut inolvidables.    



Sexo, Drogas y Rock and Roll. 

Parece sintomático pero las películas que interesan al público adolescente, incluyen estas tres premisas en sus temáticas más recurrentes.
Los instantes de intimidad sexual, también han logrado ingresar en determinados períodos de la historia del cine a los momentos más inolvidables.
Recordemos algunas emblemáticas secuencias fílmicas.

"Dr. No"/ "El Agente 007 contra el Doctor No" de Terence Young : 
La salida desde el oceáno vestida con un coqueto bikini blanco de la escultural Ursula Andrews, que arremete con el Agente 007, con el arma más seductora que tiene una mujer : su pistola.

"La Dolce Vita" de Federico Fellini : 
 El baño accidental de la rubicunda Anita Ekberg toda vestida de negro satinado, con Marcello Mastroianni de impecable vestón y corbata, en la Fontana de Trevi en Roma. Ella, todo besos y todo pechos. El, un macho hilarante sosteniendo su inmediatez, con la fortuna de acariciar la noche romana entre fiestas, paseos a ninguna parte y la inolvidable presencia de la sueca monumental.
Un instante breve, sumarial, mágico, que se escribirá con letras de molde, en todas las antologías posteriores del séptimo arte.

"Y Dios creó a la mujer" de Roger Vadim : 
 ...Y también Dios creó a la B.B. 
Por tradición plástica, Brigitte debió haber sido musa de Lautrec, pero nació en la Era del Cine, por eso se transformó en "La Sarah Bernhardt de la insinuación". Nunca mejor y más seductora, que en esta emblemática película, donde tuvo de escenario a un Saint Tropez cálido y sensorial,  y a una exquisita chica "petite bouché", enredada entre sábanas lácteas. Pecado Venial. 
Hay una toma que la muestra desnuda, apoyando en sus pechos a un jovencísimo Jean Louis Trintignant ( el mismo actor de "Amour". Cielos, cómo pasan los años ); y un puño de tela blanca tapándole su pubis angelical. En el colmo del destape a la europea, B.B. fue la Reina de la Seducción Sexual.

"El Graduado" ( "The Graduate", 1967) de Mike Nichols : 
 La sensual e insatisfecha Mrs.Robinson ( Ann Bancroft ), seduce al pristino y rebelde Dustin Hoffman, el novio de su hija, desnudando sus piernas y su cuerpo en una situación incómoda, que el joven aprovechará después en un hotel de paso, para satisfacer su candente ansiedad. Cierto. La huída con la novia, puede ser también una escena icónica, pero es la madre la que desata el conflicto, con su desenfadada entrega sexual.

"Cosi come sei" ( 1978) de Alberto Lattuada: 
Los inicios de Nasstassja Kinski en el erotismo audiovisual. Marcello Mastroinanni interpreta a un arquitecto que pasa por una crisis existencial, cuando se entera que una joven seductora ( la Kinski ), puede ser la hija de su fallecida amante. Ella lo persigue y se le ofrece en el banquete del dormitorio ideal. El, en cambio reniega de este romance clandestino, cuando presiente que puede ser su hija. 
Al fin, libre de estas trabas, y en un desayuno morboso, Marcello muerde con satisfacción el lindo culito de la Kinski, en un gesto lúdico, donde todos los espectadores entusiasmados con la muchacha, logran satisfacer este deseo carnal de ver, tocar y saborear sin prisas y sin tiempo, las hermosas nalgas de la chica soñada. El bocado más apetitoso en la historia del cine erótico.

 "Instintos básicos" ( "Instinct basic", 1992) de Paul Verhoeven : 
Nunca más atrevida en esos años, que la hermosa Sharon Stone, sentada, sin calzoncillos, entrecruzando sus piernas a unos espectadores desprevenidos, para descubrir de que materia están hechos sus soñados y frondosos arrecifes.
Bucear entre esas deliciosas pantorillas, es encontrar la diferencia que nos hace animales de paso. Eso de los instintos básicos, que nos devuelve a la edad de las cavernas. Cuando satisfacemos nuestros apetitos sexuales en el voyeurismo más plácido del observador privilegiado. 

 
"La Muchacha de Trieste"  ("La Ragazza di Triste", 1982) de Pasquale Festa Campanile : 
Ben Gazzara es el "cazador sexual" y Ornella Muti , "la presa de caza". La historia es lo de menos. Las situaciones están dadas para elevar la temperatura de la sala a grados 100. 
Ornella es una belleza salvaje, instintiva, aromática, que transpira la necesidad de amar, de ser poseída con la espada de Damócles. Es la chica perfumada más cercana a la naturaleza de Eva. Que mordió la manzana. Y murió disfrutando del pecado original. Aquí está en su habitat, saliendo del agua, calva o malva. Rosa o Gardenia. Nosotros suspirando de su perfume abrumador. Enamorados de su belleza bruna. De su curvilínea naturaleza de niña-mujer. Escaldada en los infiernos del placer vulgar, que da el fuego de sus pechos. Sufriendo una enfermedad que la tiene sometida a un extraño tratamiento, donde Ben Gazzara se la lleva a terapia intensiva en la cama. Ornella todavía begonia, suspira mientras su cuerpo disfruta de las mieles del placer. Eterna estrella joven de la pantalla ardiente. 

 
"La Comezón del Séptimo Año" ("The Seven Year Itch", 1955) de Billy Wilder :  
Nunca se olvida a Marilyn Monroe exigiendo brisas y masturbando el instinto básico de los espectadores, cuando se posa sobre una rejilla del metro, mientras un atolondrado Tom Ewell, la mira y se ríe con malicia. 
Después viene el aire fresco del paso acelerado del transporte subterráneo, que le levanta el vestido blanco de pureza fatua, hasta elevar sus alas, mostrando la torneada síntesis de sus hermosas piernas. Erotismo discreto a ojos actuales. Gran síntesis de la iconografía de la madre de todas las reinas del erotismo cinematográfico : M.M. Que es Mágica Mujer y también Malicia Magnífica. M.M. Eterna Diosa del Placer Urbano.

 
"La Maja desnuda" ( The Naked Maja", 1958) de Henry Koster :  
Anthony Franciosa es Francisco de Goya y su musa, Ava Gardner, es María Cayetana, la Duquesa de Alba.
La historia es insípida, muy ilustrativa de lo que transformaba ( o malformaba ) Hollywood, sin conocer mucho de la vida de los otros. Sin embargo, Ava es una Eva del placer. Toda su fisonomía llena la irregular historia. Y si antes Ava fue Pandora, Venus o la endiosada estrella María Vargas de "La Condesa descalza", en esta brilla con su lozana hermosura posando en el cuadro más famoso de Goya. Por primera vez, Ava se transforma en una pieza artística de envidiable valor.
Gran secuencia cuando ambos personajes están arrodillados sobre la alfombra en la sed de la clemencia romántica. Yo la prefiero con sus ojos embrujadores en close up. Ava era Eva, la que tentó a Adán. Sin duda, ella era la serpiente.

 

"L.A. al desnudo" ("L.A. Confidential", 1997 ) de Curtis Hanson :  
La historia es sobre corrupción policial, a propósito de un caso de asesinato en Hollywood, según el best seller de James Ellroy. 
Kim Basinger es la femme fatale, una prostituta de elite, rubia platino glamorosa, sensual, atractiva, condescendiente a los esbirros foráneos de la moral. 
Recuérdenla toda vestida de seda, brillando como estrella del firmamento. Y con un maquillaje Annabella, que la hace más bonita, intrigante y sensual. 
Ella es parte total de la película, y aunque no lo sabe, demuestra más cerebro que la organización criminal del conflicto. 
Kevin Spacey, Russell Crowe y Guy Pierce son los policías del relato, y aunque rivalizan en escena, la Basinger se los come a todos con su interpretación, quizás, la mejor de su inconclusa carrera.  

"Belleza Americana" ( "American Beauty", 1999) de Sam Mendes : 
Mirada crítica y reflexiva sobre quienes viven del sueño americano. Este tremendo drama urbano, debe mucho a la pericia con que el debutante director, amalgama los momentos poéticos con los exclusivamente elocuentes.
El vuelo de una bolsa de plástico mientras la filma Wes Bentley en video, la incursión del exmarine ( Chris Cooper ) en la casa de Kevin Spacey, absolutamente ensimismado por su amor platónico y delirio belicista; pueden ser imágenes inolvidables; pero nosotros nos quedamos con la belleza sutil y estética del sueño erótico de Spacey con Mena Suvari, donde ella aparece totalmente desnuda, y sólo cubierta por los pétalos de rosas que caen desde el cielo. Sin duda, la más simbólica de esta magnífica película contemporánea.

 
"Transpotting" ( "Transpotting", 1996) de Danny Boyle :
Crónica dura y visceral al submundo de las drogas en Edimburgo, basada en la novela del polémico escritor Irvine Welsch. 
El relato gira en torno a un adicto, Mark Rent Boy( Ewan McGregor ), que va cambiando su manera de vivir, según trastoca o trasciende su adicción. Todo está compuesto al ritmo frenético de un montaje funcional, música electrónica y un compulsivo sentido cinemático, que queda para siempre en la retina, en esa escena cuando el protagonista es tragado por un water y navega entre la mierda que hostiga su delirante pesadilla. Muy Freak y Cult.

 
 "Semilla de Maldad" ( "Blackboard Jungle", 1955) de Richard Brooks : 
Difícil abstraerse del encanto juvenil que provocó entre los espectadores de su tiempo. Glenn Ford es el profesor recién llegado a un colegio del Bronx en Nueva York, y mientras transita por una serie de problemas propios de una escuela marginal, el brillante tema "Rock around the Clock" con "Bill Haley & sus Cometas," resuena como eco contagioso de la furia rebelde de los "teddy boys". 
Piensen Uds., que a partir de aquí, el rock comienza a ser parte de la historia del cine. No olviden que entre los alumnos coléricos están : Sidney Poitier, Vic Morrow, Dan Terranova, Rafael Campos y el futuro realizador Paul Mazursky. 
Yo me quedo con Anne Francis, siempre hermosa como figura realista.

 
"La Noche de un día agitado"/"¡Qué noche la de aquel día!" ( "A Hard Day"s Night", 1964) de Richard Lester : 
Para uno que es beatlemaníaco de toda la vida, revisar este notable caleidoscopio de situaciones inconexas, donde las estrellas son Paul, John, Ringo y George, es un deber moral. 
Tránsito obligado si uno quiere enseñar en los jóvenes, donde comenzaron a gestarse los videoclips, pero también una magnífica oportunidad de constatar, que Lester estaba abriendo el cine a nuevos estadios de la imaginación. 
Gags que remiten a los hermanos Marxs, soliloquios informales en la vida del conjunto durante la preparación de una presentación en la televisión británica, y un enfoque realista, que extrae las costumbres y los modos sociales de una época, permiten valorar aún más, esta sorprendente propuesta cinematográfica propia del cine musical. Siempre me quedo con dos escenas categóricas que caracterizan el espíritu de la película : la huída del cuarteto del cuartel de policía llena de gags y sutiles ironías; y la más poética interpretada por Ringo, donde se supone, revive parte de su propia infancia, tirando piedras al río con una pandilla de muchachos. Nostálgica e Inolvidable.  

 
"Viva las Vegas"/"Cita en Las Vegas" ( "Viva Las Vegas", 1964) : 
Nunca el gran Elvis Presley fue más en cine, que en esta comedia de encuentros y desencuentros con la chica de sus sueños, una energizante y preciosa Ann-Margret. 
Difícil explicar por qué, pero parte de su encanto está en los escenarios playeros. Esa mezcla entre sol, arena, piscinas, hotelería de lujo, amores y canciones hace su efecto catártico, y logra sobredimensionar, los temas que el Rey del Rock, incorpora detrás de una historia sencilla y apacible.
La mejor escena está cuando ambos bailan y cantan con desenfrenada alegría, aunque yo me quedo siempre, con la figura de Ann insinuándose y contorsionándose entre hula hula y pop. Sueca de mis amores. ¡ Qué clima ! 

"Brillantina" ( "Grease", 1978) de Randal Kleiser : 
Un maravilla del kistch art, del pop y del disco, asumido como película de época, ambientada en el Instituto Rydell en los años cincuenta, logró conquistar al público por su equilibrada mezcla de romance, canciones, nostalgias de época, colores chillones y desenfrenados; y una notable química entre la cantante australiana Olivia Newton John  y el bailarín y actor ítalo-americano John Travolta. 
Kleiser nunca fue tomado muy en serio. A lo sumo, se le trató como un mero artesano. Pero conocía los gustos populares de su tiempo. Y aquí lo demuestra en toda su plenitud.
Ciertamente, Frankie Avalon hace un clip muy de su época, pero los verdaderos efebos de esta comedia juvenil son Olivia ( Sandy) y John (Danny), y están para recordarlos en dos escenas ejemplares de su mitología : "Greased Lightnin" donde demuestran la energía que los adolescentes buscaban integrar en su vida cotidiana; y ""Hopelessly Devoted To You", donde Olivia arroja todo su virginal corazón al clamor de la luna llena. Auuu!!!!

 
"Quiero decirte que te Amo" ( "Everyone Says I Love You", 1996) de Woody Allen:
Debo confesar que es una de las películas de Allen, que más atesoro. 
Su primera comedia musical, destila romance, positivismo y candorosa belleza por los cuatro costados. 
Rodada entre Nueva York, Venecia y París, integra las vicisitudes de una adolescente que tiene dos familias debido a la separación de sus padres.
Una, con su padre ( Woody Allen ), un escritor sentimentalmente frustrado que con la ayuda de su hija, encuentra a la mujer perfecta ( Julia Roberts ), tan asidua al sicoanálisis como a la pintura de Tintoretto, Bora Bora y a los sueños eróticos descabellados. 
Otra, con su padrastro ( Alan Alda ) de la clase acomodada neoyorquina, que vive de la política, los negocios y las componendas sociales, donde participa activamente su madre ( Goldie Hawn), que lucha por integrar a un convicto ( Tim Roth ) en la vida civil.
Hay diálogos inteligentes. muchísima ironía contingente, y una veintena de cuadros con canciones, donde los bailarines interactúan con gran acierto y candorosa complicidad. 
La estupenda banda musical permite que escuchemos cantar a Julia Roberts, Drew Barrymore, Edward Norton, Tim Roth, Alan Alda y al mismísimo Allen, con un sesgo nostálgico y sentimental, que acentúan los escenarios naturales de las ciudades donde transcurre la historia. 
Secuencias completas como el baile en la Cinemateca Francesa en homenaje a Grouxo Marx, o los números musicales como cuando salen a bailar los espíritus de los difuntos de un velatorio familiar, o aquella de los niños en Halloween que aparecen interpretando una rumba habanera, logran aclimatar las atmósferas gratas y románticas, de este esfuerzo por rescatar el espíritu que animaban las viejas comedias musicales.
Impagable la secuencia final del baile de Woody Allen y Goldie Hawn, frente al puente que inspiró "Un Americano en París" con Gene Kelly y Leslie Caron, y que aparece como un trozo mágico y surrealista. Es una pequeña joya musical contemporánea. 



Del Mundo Infantil.


"Los 400 Golpes" ( "Les quatre cents cops", 1959) de Francois Truffaut :  

 
Durante un partido de fútbol, Antoine Doinel ( Jean Pierre Léaud ), un rebelde e incomprendido quinceañero, escapa de la correccional y huye hasta llegar al mar. 
Truffaut congela la imagen y la película concluye con el niño mirando directamente a la cámara, en un close up muy elocuente y objetivo.
Sin embargo, este clásico de la "nouvelle vague" francesa también contiene escenas inolvidables en su desarrollo, como cuando Antoine roba una máquina de escribir, o junto a su amigo, usurpa los lobby cards de una película en un cine. 

"La Noche del Cazador" ( "The Night of the Hunter", 1955) de Charles Laughton : 
 

Mosaico con las escenas destacadas del filme.

Después de asesinar a mujeres vulnerables, Harry Powell ( Robert Mitchum ) disfrazado de predicador y con las palabras Hate y Love en sus manos, para expresar según él, la constante lucha entre el Bien y el Mal, se casa con una madre viuda ( Shelley Duvall ), para acceder a un cuantioso motín que el padre en prisión, le confidenció en sueños. 
La mujer convertida en esclava religiosa, es asesinada a sangre fría y su cuerpo hundido con su coche en el fondo de un río. Esta imagen abismal, sirvió sin dudas, para inspirar al monstruoso espíritu vagabundo, de la taquillera e ingeniosa "Mami" ( 2013), un notable cuento de terror moderno. 

"E.T.el extraterrestre" ( "E.T.The extraterrestial", 1981) de Steven Spielberg  : 

El niño Elliot ( Henry Thomas ), cruzando el cielo junto a sus amigos en bicicleta, mientras la luna llena ilumina la noche estrellada, está entre los más simbólico de la película. Recuerden que, de aquí salió el logotipo de la Amblin, la productora de Steven Spielberg.
Pero su poder de ensoñación, emana de la conjunción, entre la notable banda musical de John Williams y los momentos más emocionantes que Spielberg acumuló hacia el desenlace, entre los cuales están : la aparente muerte de E.T. que detona la fuga en bicicletas con la creatura y la despedida frente a la nave, cuando Drew Barrymore le entrega una flor, y la cámara se cierra con el corazón del alienígena. Ese dibujo en el cielo de la huella de la nave en viaje, subraya elípticamente este maravilloso cuento moderno de fantasía para todo espectador. 
 
"Cuenta Conmigo" ( "Stand by Me", 1985) de Rob Reiner :  

 
La novelita corta de Stephen King "The Body", le permitió al bueno de Reiner, elaborar una evocadora fábula, sobre el crecimiento personal de cuatro muchachitos de pueblo rural hacia la adolescencia. 
Inspiradora y poética, la cinta se sostiene en el estupendo cuarteto de prodigios infantiles, encabezados por River Phoenix y Will Wheaton, pero sobretodo, en los momentos más espontáneos que tiene la obra : el sueño mórbido del chico comepasteles de mora; los cuentos y mitos del mundo infantil alrededor de una fogata, la huída del tren, y el simbólico encuentro con la muerte, cuando hallan el cuerpo del muchacho embestido por el caballo de hierro. 
Es una gran obra maestra de iniciación infantil, que transita por la comedia, el drama y la aventura con una sagacidad notable.

"La Guerra de los Botones" ( "La Guerre des Boutones", 1961) de Yves Robert :  

 
Todo el universo infantil de las pandillas, de los compañeros de colegio, de las aventuras idealizadas, está en esta estupenda cinta francesa, que con gran naturalismo, inserta la tragedia de ser marginal, incomprendido y rebelde. 
Supuso la fama del pequeño Gibus, pero además, la constatación de un tipo de cine europeo, siempre interesante, que acentúa sus ponencias en el universo infantil, para revelar las disyuntivas del mundo adulto.
Escenas inolvidables como : el primer enfrentamiento de la pandilla de Gibus con sus adversarios simulando ser guerreros medievales; el ataque desnudo desde la floresta, siguiéndole los patrones a los libros de historia; o la embriaguez del pequeño protagonista, cuando sus amigos intentan completar una consigna en un muro de los enemigos tradicionales, adquieren un soplo de verdadera epopeya mancillada por la extraordinaria sensibilidad de Robert.  

"El Señor de las Moscas" ( "Lord of the Flies", 1963) de Richard Brooks :   

La novela de William Golding, publicada en 1954, considerada un clásico de la literatura británica, es una metáfora sobre la degradación de unos niños supervivientes de un naufragio, que quedan aislados en una isla remota. 
El filme estructurado sobre la base del aislamiento motivacional, adquiere un lirismo escrutador, porque perfila cada personaje infantil, desde la complicidad de sus líderes naturales. 
Toda la película es una clara alegoría al comportamiento adulto en la guerra fría. Sutilmente, escudriña con pasmosa originalidad en la siquis humana, para hacer valedera la teoría de la evolución, desde la naturaleza de su origen. 
Hay dos momentos inolvidables por su cruda visión : cuando James Aubrey asiste  a la muerte de su amigo Piggy, el gordito de anteojos, casi ultimado a malsalva por una horda de salvajes; y la aparición del marinero en la última parte, que  adiciona la angustia de haber vivido una experiencia degradante.

"El Espíritu de la Colmena" ( 1973) de Victor Erice :

Obra maestra del cine español que nos habla sobre "el enigmático sentido de la vida que plantea ; desde la inquietud despierta y anhelante de la infancia, hasta el hermetismo entre sombrío y callado de la madurez. Y todo ello enredado en un círculo cerrado, en una colmena donde sus habitantes se agitan dentro de ella, como si nada existiera en el abismo exterior".
Es una familia que vive aislada del resto del mundanal ruido, y las niñas Teresa e Isabel ( Teresa Gimpera  e Isabel Tellería),  viven unidas férreamente , y solo Ana ( la gran revelación de Ana Torrent ), la hija menor, busca en el asombro y el sentido de la ensoñación, que hay más allá de estas fronteras. 
Poética, lúdica, compleja pero muy comprensible, es un relato que se mueve entre las sombras y la luz, con la sutileza de una extraordinaria fotografía de Luis Cuadrado, que le saca provecho a los espacios y al paisaje, y al nutrido guión del recordado crítico Angel Fernández Santos y su director. 
Inolvidable el encuentro que tiene Ana con el monstruo de Frankenstein, después que la menor asiste a la proyección de la clásica película de la Universal. Su fascinación hace el resto. 

"El Niño de la luna" ( 1989 ) de Agustí Villaronga :

Misterio, aventura y ficción entremezcla esta extraordinaria película, que cuenta la historia de un huérfano ( el carismático Enrique Saldaña), que vive en un mundo entre guerras, y es adoptado por una oscura organización, que experimenta con mujeres capaces de procrear a un ser superior canalizado a través de la energía de la luna. En paralelo, corre la leyenda de un semidios encarnado en un niño, que una tribu africana espere baje del cielo para que les muestre el camino de una nueva Era.
Al notable talento narrativo del realizador de "Tras el Cristal", "El Mar" y "Pa Negre", se une la magnífica labor técnica ( montaje, fotografía, vestuario, ambientes ), que le saca partido a una trama original y novedosa en extremos.
Imposible no sustraerse del encantador muchacho de enormes ojos azules, que en su mirada refleja parte de la energía vitalizante de esta vigorosa producción.
Un cine refrescantemente innovador y sugerente.
Escenas maestras como la huída y posterior persecución del chiquillo y sus amigos, encerrados en la casa de una anciana, o el falso alumbramiento de la mujer en el desierto, en medio de una tormenta de viento abismal, resumen parte de esta inolvidable película española. 

 "Secretos del Corazón" (1997 ) de Montxo Armendáriz :

Crónica española de dos niños que por una tragedia familiar, deben compartir su vida entre dos casas, una en la ciudad con sus dos tías mientras asisten a un colegio jesuíta; y otra, en el campo con su madre y el hermano menor del fallecido. 
Las claves del drama, están estructuradas alrededor de un niño de nueve años, que desde su óptica alimenta la película con un entrañable intimismo, donde descubre los secretos que guarda el corazón de su familia y de su origen. 
Imborrables las secuencias realistas del ensayo escolar de una obra de Navidad o el velatorio de la madre de un amiguito; aunque siguen siendo más reveladoras, las secuencias del descubrimiento del amor de los chiquillos cuando detrás del paso de un tren, en una ventana abierta de una casona aparentemente abandonada, se vislumbra a una de sus tías haciendo el amor con un desconocido.
Nunca más fuerte, que la relación que establece el protagonista infantil, entre la silla ensangrentada y las fotos familiares, después que peina a su abuelo, acude a misa y logra reunir todas las piezas de su particular enigma.


"Mi Pobre Angelito" ( "Home Alone" , 1990) de Chris Columbus :  

Ciertamente, se trata de la película más taquillera de su tiempo. 
Macaulay Culkin se reveló como el prodigio más carismático de los noventa, y supuso el inicio de una nueva era de comedias familiares con niño, que explotaron al máximo las travesuras de tiernas criaturas, en momentos en que, el cine norteamericano se había erosionado con temáticas violentas y desprejuiciadas. 
La escena más característica que sacó alabanzas de Frank Sinatra en un show, es cuando Mac se peina semidesnudo frente al espejo, se coloca loción y grita despavorido. Ese aullido entre descarga emocional y alarde existencial, se vanagloria de haber convertido a un muchachito neoyorquino, en la superestrella de su tiempo. 
La narrativa de los cartoons y la estética navideña cobró, además, a partir de aquí, una nueva visión de las Pascuas venideras.

"Sexto Sentido" ( "The Sixt Sense", 1999) de M.Night Shyamalan : 

 
Notable thriller romántico y fantasmagórico, que resuelve sus conflictos interiores en un desenlace ejemplar. 
Seguramente, Ustedes se quedarán con esa secuencia final, donde todo lo que  vieron objetivamente se desmorona, por los conceptos temáticos que hilvana Shyamalan con astucia e ingenio.
Nosotros en cambio, nos quedamos con dos momentos increíbles : la primera confesión oral mientras está en cama de Haley Joel Osment a Bruce Willis, donde le detalla que él ve fantasmas; y la certera y penetrante intercalación del envenenamiento de una niñita en manos de su madrastra, un pequeño trozo de terror, que es como un corto adicional integrado en la película. 

"Matar a un Ruiseñor" ( "To Kill a Mockinbird", 1962) de Robert Mulligan  :  
 

La apreciada novela de Harper Lee, ganadora del Pulitzer, encuentra en la adaptación de Mulligan, una magnífica recreación de época, para acentuar los valores jurídicos y morales de Estados Unidos, respecto a temas que le incomodan como el racismo y la xenofobia.
Gregory Peck está inolvidable como Atticus Finch,  abogado penalista que le toca defender en el profundo Sur, a un hombre de color acusado de violación, y que adora a sus hijos ( Mary Badham y John Megna ). 
La película se construye desde la óptica infantil, y mantiene toda su garra emocional y suspenso, gracias al estupendo guión de Horton Foote. 
Hay dos momentos inolvidables, por su sorprendente integración y poder simbólico : cuando Peck frente a sus hijos, debe matar a un perro callejero con rabia; y la fuga nocturna de los chicos entre los matorrales, escapando de un homicida, donde la niña disfrazada de jamón y su hermano, se enfrentan con la cara triste de la muerte. Absolutamente, imprescindible.

"Charlie & la Fábrica de Chocolates" ( "Charlie and the Chocolate Factory", 2002) de Tim Burton :

 
Algunos me discutirán, porque no elegimos una secuencia de "El Joven manos de Tijeras"/ Eduardo Manos de Tijeras" o "Ed Wood", "Marcianos al ataque", "Alicia en el País de las Maravillas" o "Sombras Tenebrosas". 
Y es que Burton, ha logrado afianzar una carrera, en base a una estética reconocible, temáticas novedosas y un estilo expresivo, entre "freak" y "cool", muy original.
Creo, sin caer en el fetichismo, que esta cinta tiene todas sus obsesiones personales, pero además, reúne y especifica, a través de los caracteres infantiles, todas las ansiedades y trabas de la sociedad capitalista actual. 
Están el chico obeso demasiado cartesiano, la chica linda obsesionada con él cultivo al cuerpo, el niño computín que se lo pasa el día entero pegado a la Informática, el púber millonario eternamente autosuficiente y convulso, y Charlie, un crío anómalo, como de otros tiempos, extremadamente pobre en recursos pero rico en corazón. 
Se trata de la segunda adaptación del cuento de Roald Dahl, que el director convierte en análisis crítico y reflexivo de nuestra naturaleza pedestre.  

"Río Maldito" ( "Mean Creek", 2004) de Jacob Aaron Estes : 

Integrando la filmación de una cámara de video con el rodaje en celuloide, el realizador independiente Aaron Estes, efectúa un notable thriller moderno, que es también una comedia de adolescentes y un oscuro relato de venganza juvenil sobre un bote a través del río.
Rodada en un pequeño pueblo de Oregón, grafica el proceso moral que vive un grupo de muchachos después de cobrar venganza, asesinando a un chico disléxico, que maltrató a uno de ellos, con el suficiente"peso" dramático, como para integrar, cuestiones esenciales relativas a la familia, la tolerancia, la soledad y la estupidez.
Rory Culkin resulta toda una gran revelación interpretativa, sobretodo en la escena clave del asesinato del compañero de escuela, donde se da el lujo de desvariar, angustiarse y vomitar en escena con notable expresividad. 
A su lado, le acompaña un magnífico elenco de jóvenes promesas como : Ryan Kelley, Scott Mechlovicz, Trevor Morgan, Josh Peck y Carly Schroeder, que revelan con pasmosa naturalidad, las complejas ramificaciones del origen de la violencia, el sentido de culpa, y el papel de la familia en el proceso de la formación de valores éticos y humanos. Una gran producción independiente.

"Un Cuento de Verano" ("Sztuczki", 2008) de Andrzej Jakimowski:

 
Es una sencilla historia contada con espontaneidad, lirismo y una fotografía arrebatadora. 
Damian Ul está estupendo como el hermano menor de una familia desintegrada, que intenta hacer todo lo posible para que su padre ausente vuelva a casa.
Todo ocurre en un pequeño pueblo minero en Polonia, y en una estación de trenes.
Las situaciones son cotidianas, pero acentúan la capacidad de observación que tiene los niños. Una cinta contemplativa que se recrea en sí misma. 

"La Infancia de Ivan" (1961) de Andrei Tarkovski :

 
La obra con que el gran cineasta ruso debutó en el cine, es un relato acerca de un niño que se sacrifica espiando las líneas enemigas durante la guerra.
Un estudio sicológico acerca de los miedos infantiles, las aprehensiones de los recuerdos traumáticos, la capacidad de supervivencia en tierras inhóspitas, y el triste destino de un muchacho en tiempos de conflicto.
Ivan Burliaev está estupendo en el rol central, ya que su figura desgarbada y fina, contrasta poderosamente con su cándido rostro, siempre luminoso y expresivo, para resaltar las vicisitudes de la contienda.
Una obra sensorial, que se recuerda por sus imágenes de pesadilla, y sus sueños poéticos, como cuando Ivan sueña que va con su hermanita sobre un camión cargado de manzanas. 
Compleja y lírica visión sobre las traumáticas vivencias en la guerra.  
 

"El Niño de la Bicicleta" ("Le Gamin au veló", 2011) de Jean Pierre y Luc Dardenne :

 
Nunca mejor que esta película belga, para entender el fenómeno del niño - problema , ése que está  a la vuelta de la esquina, en nuestros barrios y colegios, producto de una paternidad no asumida, del abandono displicente y la soledad abrumadora. 
Thomas Doret interpreta con gran espontaneidad, al chico que por azar del destino, perderá a su padre, para recuperar en este mismo proceso, a una madre adoptiva ( Cécile de France ), y soliviantar una ausencia familiar destructiva.
Dos escenas inolvidables de la película : la visita al padre en un restaurante, donde el niño se da cuenta que lo ha perdido como tutor y guía, y que cuando regresa en el vehículo de su amiga peluquera, estalla en llanto, rasguñándose él mismo su rostro; y la otra, cuando se enfrenta con el hijo de un chico a los que ha asaltado y cae desde lo alto de un árbol. Es una muerte que nunca llega, porque son muy duros los años de su infancia, para morir por un simple golpe aplicado con odiosidad.
Se trata de una crónica triste y desoladora, sobre la infancia actual acerca de la incomunicación que existe entre los padres y sus hijos. Pero también sobre la soledad de una mujer, que encontró en un niño la maternidad que todavía no había asumido. Excelentemente actuada y dirigida.

 "Déjame entrar"/"Creatura de la noche" ( "Lat DenRatte Komma In", 2008) de Tomas Alfredson :

Una nueva forma de transcribir el tema del vampirismo, en una historia adolescente ambientada en la Estocolmo de hace unas décadas, donde ya se practicaba el bullying en el colegio, y la ciudad estaba azotada por una ola de asesinatos sangrientos.
Es una historia de amor entre dos niños marginales : Eli ( Lena Leandersson ), una vampiro que debe matar para sobrevivir y Oskar ( Käre Hedebrant), un chico tímido de doce años, hijo de un matrimonio separado, incomprendido por sus pares y golpeado por sus compañeros de curso.
La mordida cómplice de Eli al que parece ser su padre ( y según la novela es su amante pedófilo ), podría estar entre las secuencias más recordadas de la película, sin embargo, nos quedamos con la secuencia final en la piscina, cuando Oskar  empujado a una muerte segura, es salvado a ultimo minuto por su amiga vampira, que elimina a todos sus antagonistas y les da muerte sangrienta. 
La escena es subjetiva y está tomada desde el fondo del agua, por lo que , las sugerencias son mayores y logran afianzar el climax final del relato.


 "La Invención de Hugo Cabret" ( "Hugo", 2011) de Martin Scorsese :

 
La primera película infantil del gran Scorsese, es un cuento que homenajea al padre del espectáculo cinematográfico George Mélies, y engarza la historia de un niño ( Asa Butterfield) que tras morir su padre, se hace cargo de la mantención de los relojes que existen en la estación de trenes en París.
La sutileza en el relato, le permite al cineasta, incorporar una galería de personajes secundarios, y una trama que tiene suspenso, humor, acción y magia.
Entre sus secuencias más destacables, están todas las que reconstruyen el trabajo que tuvo Mélies al filmar sus cortos como "Viaje a la Luna", y principalmente aquélla, que pasa revista a los precursores del cine, cuando en una secreta investigación en la casa del genial artista, se revuelven por accidente, todas sus anotaciones, dibujos y story boards.
Además de ser una amena y novedosa producción familiar, es un tributo sensible al arte cinemático, y a su esencia, de convertir los sueños en realidad.   
 

De los últimos tiempos.

"Oldboy" ( "Oldboy", 2003) de Chan-wook Park : 

Un thriller edípico coreano, que fustiga el conciente del espectador y lo obliga a jugar con el delirio de una cruda historia sicológica, de un hombre encarcelado que decide buscar a los verdaderos culpables de su situación después de fugarse de la cárcel.
De todas sus enervantes escenas de acción y violencia, me quedo con aquella donde el hombre ( Choi Min-Sik ), en un restaurant de sushi, engulle con devoradora complacencia y desesperación, un calamar vivo antes de caer desmayado y exhausto. Compleja y entusiasmante película basada en el comic de Garon Tsuchiya.

Amelie" ( "Le fabuleux destin  d"Amelie Pulain", 2001) :

 
Quien no se haya enamorado la primera vez del hermoso rostro de la actriz francesa Audrey Tatou, podrá convenir conmigo, que esta fábula merece estar en esta lista por varias razones. Su infinidad de imágenes surrealistas acomodadas al cuento mágico ambientado en París. Su acertiva omnipresencia de lo pulcro, lo sano, lo positivo, lo alegre en un mundo en caos. Y su espectacular precisión narrativa proclive a la emocionalidad inocente y al sentimentalismo arrebatador.   
Secuencias como :  los dibujos de animales con las nubes; infinidad de sugerentes escenas de amor en paralelo o utilizando los objetos para atemperar el cuento de hadas, no se comparan con el luminoso close up de Tatou cuando logra al fin congeniar con su pareja ( Matthieu Kassovitz), en una compulsiva "road movie" por el metro y las avenidas más características de París.

"3 Idiots" ( 2009) de Rajkumar Hirani : 

Notable película hindú que cuestiona el sistema educativo desde la metáfora del cuento adulto. Con infinidad de situaciones cotidianas, enzalzadas por una espectacular estética, la película brinda un relato a tres voces, circunstancialmente más apetitosa de lo común.
No se puede olvidar el dominio que tiene Hirani para imbricar un conflicto nacido en la adolescencia, que repercute en la adultez, aunque el verdadero tema de la cinta, pasa por la amistad verdadera, el perdón y la búsqueda de la verdad, cueste lo que cueste. 
Escenas como la mujer embarazada que da a luz su bebé en medio de un cataclismo invernal en la escuela, no se olvidan jamás.
En su momento, fue la película hindú que más beneficiosos económicos originó en "Bollywood" ( como le llaman al "Hollywood indio ) en toda su historia.  

"Cazador de Trolles" ( "Trollhunter", 2010) de André Ovredal :

 
Novedosa y muy inteligente película fantástica producida en Noruega, sobre el mundo de los Trolles, esos seres míticos, mitad humano y mitad animales, que gustaban devorar cristianos como si fueran sushi. 
La originalidad de la propuesta, es que se cuenta como un falso documental, acerca de un joven reportero, su camarógrafo y una sonidista, que terminan siguiéndole la huella a un cazador de estas mitológicas bestias.
Sugerente y muy errática, porque sobredimensiona los hermosos paisajes noruegos desde sus propias argucias, logrando aclimatar la tensión, el terror y el ritmo necesarios, para interesar y agradar a los seguidores del género. 
Notables todas las escenas sorprendentes donde aparecen los troles, aunque yo me quedo con la secuencia final , en un espacio abierto, nevado y claro, donde se enfrentarán a un gigantesco monstruo de quince pisos, con la prodigiosidad de los efectos digitales de ultima generación. Una gozada fantástica escandinava, para tomar muy en serio.

"El Arbol de la Vida" ( "The Tree of Life", 2011) de Terrence Malik :

 
A través de un estilo muy experimetal, el realizador texano intentar responder cuestiones relativas a la Vida, la Muerte, los orígenes de la Tierra, la memoria familiar, y el relativismo del Universo.
Toma como eje dramático, la historia de una familia en los años cincuenta, su socavamiento y erupción, así como los momentos mágicos de su relación con la naturaleza.
La soberbia fotografía del mexicano Emmanuel Lubeszki, la inspiradora música de Alexander Desplat, el funcional montaje de Hank Corwyn, entre otros, y el tremendo trabajo interpretativo de Brad Pitt, Sean Penn, Jessica Chastain y los niños Hunter McCracken, Laramie Eppler y Tyle Sheridan, elevan a estatura de obra maestra, esta inusual historia. Algo que Kubrick relativizó en su "2001", y que aquí nos devuelve el encanto por lo metafísico, con una belleza apabullante que sobrecoge hasta las lágrimas.
 

"Mr.Nobody" ( 2009) de  Jaco Van Dormael :

 
Otra muestra magnífica de cine experimental, pero ahora vinculado a las ideas de la eternidad, la vejez, la muerte y la vida, a partir de un personaje que, desde que salió del Cielo, vive en distintas épocas, sin morir jamás. 
El notable entramado conecta momentos de la infancia, con la adultez del personaje y una serie de circunstancias atribuídas a sus relaciones con tres mujeres de distintas culturas.
Toda la secuencia de la infancia cuando debe decidir si se va con su padre o su madre, no sólo emociona, sino que condiciona el argumento a una realidad subjetiva, siempre en constante evolución. 
Magnífica como obsesión fetichista es la relación clandestina, que establece siendo adolescente con su media hermana, y el accidental encuentro con unos tipos que lo asesinan en el baño. Sin contar la escena del accidente en el automóvil, resuelto con notable economía de recursos expresivos.
Recomendable para los cinéfilos en la búsqueda de novedosos argumentos, que comprenden, inclusive, un futuro con viajes a Marte y dominado por las corporaciones mediales.   



"En la casa" ( "Dans la Maison", 2012) de Francois Ozon :

 
Libre adaptación de la obra teatral "El chico de la última fila" de Juan Mayorga. Con la pericia de un taxidermista, el director francés logra compenetrarnos en esta comedia - thriller, con el logrado clima de su ambigüedad soporífera y sus transgresiones oníricas, donde un adolescente manipulador, enciende el interés de un profesor de lenguaje, por la forma en que relata sus vivencias en la casa de un amigo.
Toda la cinta es una clase magistral de buen cine, y sus escenas más logradas, empatizan con la visión del voyerista, que desea a como dé lugar, incorporarse en la vida de una familia desestructurada y marchita. 
Nos quedamos con toda la secuencia de suspenso final, donde el alumno visita la casa del profesor y se encuentra con su mujer desdichada, y a la que, ( según la óptica del educador ), ha logrado parapetarse y compartir techo y cama con ella.  
La escena final, está casi calcada de "La Ventana Indiscreta" de Hitchcock, aunque las transiciones, revelan la angustia de un hombre en la crisis existencial de su aparente segura vida hogareña. 

"Una aventura extraordinaria" ( "Life of Pi", 2012 ) de Ang Lee :

 
Imposible dejar de recordar sus imágenes de gran riqueza estética, debido al fotógrafo de origen chileno Claudio Miranda. Pero seguramente, esta adaptación de la novela de Yann Martel, tiene a su favor , la complejidad de su estructura temática, resuelta con una prodigiosa capacidad de ensoñación digna de los cuentos de las Mil y una Noches.
Todas las secuencias inolvidables se remiten al uso de los ordenadores digitales, que permitieron hacer interactuar unos animales que no existen realmente, en escenarios rodados en estudio.
Por eso, nos quedamos con dos secuencias maravillosas : la primera, cuando aparecen los peces voladores y saltan en 3 D hacia el espectador, con la amenaza conciencia del tigre de bengala que está en el bote salvavidas; y la segunda, que representa una isla misteriosa poblada de micos, que brilla en la noche con sugerente inocencia y peligroso atractivo. 


"Argo" ( "Argo", 2012 ) de Ben Affleck :

Mosaico con el detalle de los planos de la película.

El actor, director y guionista Ben Affleck , logra integrar el thriller político, el suspenso y la aventura en una historia original, que tiene mucho oficio, garra y fuerza emocional.
La acción se centra en el rescate de seis miembros de la embajada norteamericana en Teherán en 1979 en medio de un conflicto, con una operación que la CIA ejecuta, secundada por Hollywood. 
Esta es la gran novedad del relato, porque para sacar vivos a los sobrevivientes cautivos, deberán impulsar falsamente, la idea de que una productora estadounidense, rodará allí una película de ciencia ficción.
La mejor secuencia del filme, sigue siendo el engaño en el Aeropuerto, cuando los miembros de la embajada están a punto de abandonar tierras orientales. Affleck y su gente, les terminan regalando las storyboards de la supuesta producción a los soldados, en un guiño que da a entender, el poder inconmensurable que tiene la mass media. Una notable película de candente actualidad.



"Los Vengadores" ( "The Avengers", 2012) de Joss Wedon : 

Si hay algo que identifica el cine de entretención de estos años, son las películas basadas en los comics de la Marvel o DC Comics. 
Esta en particular, resulta antológica porque reúne a varios de los superhéroes en una alianza superlativa, que los promueve como seres vulnerables, vanidosos y algo relamidos. 
La difícil convivencia que hay entre ellos, remite a los duelos familiares cuando los hermanos se dividen por amor a sus padres. 
En algún rincón de esta idealización, están los complejos más recurrentes de las familias demasiados abultadas, que entre palabras de amor y valoración, también pelean, discuten y se marchitan. 
Notable también por el tono de comedia de acción que mantiene la narración, pero inolvidable por la secuencia final del duelo, entre el villano de turno, sus secuaces y los superhéroes del momento; un trozo endiablado de FX, acción, pirotecnia y surrealismo digital. Pura adrenalina.
En futuras entregas, nos centraremos en otras escenas, secuencias o momentos inolvidables, especialmente del cine europeo y latinoamericano. Por ahora, este viaje ha concluído. Ojalá que estas líneas les hayan ayudado a recordar o incentivar a su programa selecto de DVDs y Blue Ray hogareño. 
No pierdan la ocasión de revisar estos títulos en sus casas. Y si se atreven, confeccionen Uds mismos sus propias listas de momentos inolvidables. 
¡ Hasta la próxima ! 

Fotos Gentileza : 20 th. Century Fox- Warner Bros.- Universal Pictures- Columbia Pictures - Variety - Cinemanía - The New York Times -The Guardian - El Centro - Pathé Films - Svenka - WorldPress- FilmKino- Archivo Lobby Cards.-   


 

Afiche de la película francesa "En la Casa" de Francois Ozon.

 

Poster de la cinta hindú "3 Idiots".

 

Afiche publicitario de la película belga "Mr.Nobody".