Séptimo 7 sello: El Universo Fílmico de Alfred Hitchcock :

El Hombre que sabía demasiado.

El genial realizador en el set de "Los pájaros".

Nunca es tarde para perdonar. O mejor dicho, siempre es saludable perdonar, demostrar piedad y redimir las culpas, porque nos hace más humanos.
Al menos, así parece manifestarlo en distintos períodos de la historia del cine, el notable realizador británico Alfred Hitchcock.
A la manera de "Séptimo7sello" intentaremos develar sus obsesiones temáticas, su particular estilo de composición visual y sus características más señeras, para culminar este apetitoso menú con una selección de sus obras más singulares.
Alfred Hitchcock el padre del suspense moderno, fue ante todo, un genio freak, que gustaba de las bromas pesadas, los relatos intrincados, el sesgo del falso culpable aplicado a seres anónimos, la sugestión de la cámara que parece mostrar algo que no es y engañar el conciente con recurrencia febril; y en fin, los rocambolescos giros del thriller, la comedia y el drama de época.
Sus peliculas son verdaderos tratados éticos y metafísicos sobre la sociedad norteamericana del siglo XX. Una galería de situaciones y personajes, proclives al sicoanálisis y a los sugestivos tratamientos de Sigmund Freud y su teoría de los sueños.
Un notable especialista como lo destacó Francois Truffaut en su célebre libro "El cine según Hitchcock", donde cada imagen, cada plano, cada escena, lleva la mirada escrutadora de su iris creativo.
Los invito pues, a recorrer juntos su selecta filmografía, donde revelaremos a Ustedes, sus manierismos, tics y sesgos autobiográficos, para valorar al hombre que fue, al cineasta que influyó en el desarrollo del thriller, de los relatos de época y las aventuras sorprendentes.

El subjetivismo de la cámara.

Con su esposa y compañera de trabajo de toda la vida, Alma Reville.

Si algo identifica al cine del genial realizador británico Alfred Hitchcock ( 1899-1980), es su original estilo, su particular estética, y su notable constitución subjetiva de la puesta en escena.
Nunca antes, hubo un director que trabajara tanto los recursos audiovisuales, en virtud del subjetivismo de la cámara.
Tal vez, deba su impronta, a la sutil elegancia de manejar las emociones haciéndose parte como un espectador más, pero además, como un furtivo voyeur, capaz de desnudar la intimidad más ambigua de una relación ocasional.
Hitchcock frente a todos, fue un innovador sublime. Un imaginativo calculador, que lograba sus "MacGuffin" y sus enrevesados relatos llenos de sorpresas y vueltas de tuerca, con la aplicada sensibilidad de un ingeniero, que sabe dónde y cuando subvertir las piezas de su obra arquitectónica.
Como recordó una vez, el especialista Lewis Jacobs : "Hitchcock obtiene el máximo de criterio de la materia tratada...cada detalle del guión, cada gesto de los actores, cada particularidad del decorado, cada ruido de la banda sonora se utiliza para enriquecer la escena, para trazar el personaje, para intensificar la eficacia de la atmósfera".
Minucioso hasta los extremos, perfeccionista compulsivo, instituyó una filmografía que es casi un género particular, que no se puede comparar, a nada, ni a nadie.
Su cine es tan singular, que no se puede encontrar un equivalente en ninguna carrera fílmica anterior o posterior. Ni siquiera, cuando reducimos su estilo a un género determinado.
No faltan sus obsesiones temáticas como : el falso culpable, las rubias hieráticas, el acento en sus imaginativas escenas de muerte y asesinato, el uso selectivo y connotativo del color, los falsos giros dramáticos, y los concientes aspectos que involucran el suspense basado en el subjetivismo del fenómeno cinematográfico.

Castigo ejemplar.

El maestro del suspense en el set de "Tuyo es mi corazón" ( "Notorius").

Hijo de un comerciante en Essex, efectúo su educación en San Ignacio, una escuela jesuita, donde descubrió el cine.
Al concluír los estudios secundarios, se transformó en un fans asiduo a las películas.
Un detalle no menor de su pubertad, fue el castigo ejemplar que intentó administrarle su padre. En vista de las constantes rebeldías para estudiar que tenía en su adolescencia, éste le jugó una broma pesada, que le persiguió toda su vida. Como no obedecía el régimen obligado de materias, fue encarcelado en un retén de policías, por unas horas.
El hecho de estar encerrado tras las rejas, le creó un cuadro de ansiedad tan grande, que indirectamente se le tradujo años más tarde, en una de las mayores motivaciones temáticas de sus películas.
Descubrió así, los orígenes del miedo, del encierro, de la incertidumbre y de la claustrofobia. Y también el origen del suspense.¿ Podré salir de la cárcel ? ¿ Mi padre me vendrá a buscar ? ¿ Estaré toda la vida encerrado ?
El suspense que según definió Truffaut en su célebre libro sobre el maestro inglés, es : "La dramatización del material narrativo de un filme, o mejor aún, la presentación más intensa posible de las situaciones dramáticas. Un ejemplo. Un personaje sale de su casa, sube a un taxi y se dirige a la estación para tomar el tren. Se trata de una escena normal en el transcurso de un filme medio. Ahora bien, si antes de subir al taxi este hombre mira su reloj y dice Dios mío, es espantoso, no voy a llegar al tren, su trayecto se convierte en una escena pura de suspense, pues cada disco en rojo, cada cruce, cada agente de la circulación, cada señal de tráfico, cada frenazo, cada maniobra de la caja de cambios, van a intensificar el valor emocional de la escena".
Licenciado en Ingeniería y Bellas Artes, Hitchcock entra en la Famous Players-Lasky donde se dedicó a diseñar los dibujos de los textos y el estilo de los rótulos de todas las películas allí producidas.
El trabajo en Islington era extenuante. Supuso muchos sacrificios que incluyeron una subida ostensible de peso, algo que nunca pudo controlar del todo.

"The Pleasure Garden" : la primera película del cineasta, es un melodrama romántico ambientado en el music hall.

Recuerda el propio cineasta, sobre aquellos años :
"Estoy entrenado a la americana. Todo el personal que trabajaba en el estudio era norteamericano. Y tan pronto como cruzabas la puerta del estudio, te impregnabas de una atmósfera americana. Empecé como diseñador de rótulos, trabajando con Mordaunt Hall, que más tarde fue crítico para el New York Times, y con Tom Geraghty , que había sido guionista para Douglas Fairbanks".
En este trabajo, Hitchcock demostró brillantes sugerencias y gran presteza, al asumir cada tarea concedida en rigor a su trabajo.
En 1922, el director George Fitzmaurice, realizó dos películas en Islington. Allí Hitchcock, aprendió los valores fundamentales de la puesta en escena, el decorado, la iluminación y el desarrollo coherente del guión.
Tres años después, el cineasta debuta en la dirección con "El Jardín de la alegría" ( "The Pleasure garden", 1925), una historia nada excepcional, sobre dos chicas del coro londinense y sus distintas infidelidades con los hombres que se les cruzan por su camino.
Alma Reville, compañera laboral inseparable y fiel esposa, desde sus inicios en el cine, retocó varias situaciones como guionista y organizó una película digestible.
Recuerda su biógrafo Donald Spoto :
"Mediante una hábil reordenación de varias escenas de la parte central de la película, Hitchcock dió una mayor fuerza a las irónicas asociaciones entre ambas parejas, enfatizando la entrecruzada amistad entre hombres y mujeres. La famosa escena inicial - con las chicas del coro , las piernas al aire, descendiendo por una escalera en espiral hasta un escenario, donde son ávidamente inspeccionadas por unos espectadores con gemelos de teatro -, es en muchos sentidos, un anticipo de escenas, imágenes y temas que tendrán, en posteriores filmes, una considerable resonancia sicológica: la vertiginosa escalera, el impulso del voyeurismo, el teatro como un ensayo al drama de la vida real. Esos fueron los añadidos del director a una historia más bien insulsa".

Habilidad para narrar.

"El Vengador" ( "The Lodger") : un tipo misterioso se mueve en la neblina londinense.

"Downhill" : los efectos expresionistas de la escuela alemana que caracterizaron desde un principio la obra hitchcockiana.

"Easy Virtue" : Isabel Jeans y Franklyn Dyall, un matrimonio en crisis por culpa de la sociedad.

Hitchcok dirigió nueve películas mudas, entre las cuales sobresale :"The lodger" ("El enemigo de las rubias"/"El vengador", 1926), sobre "el falso culpable" de los asesinatos que se producen en las neblinosas y oscuras calles londinenses y un policía que le sigue los pasos al sospechoso.
Aún hoy, en su visionado resulta ser una película novedosa y auténticamente personal, sobretodo por el imaginativo uso del montaje, los espacios y los detalles visuales, como los pasos de un residente sobre un segundo piso, vanguardistamente fotografiados sobre un vidrio.
Apunta Donald Spoto : "Técnicamente, el filme reflejaba la influencia alemana; genéricamente respondía a la predilección británica por la ficción criminal. Con su subtema del error de un detective celoso, que está a punto de causar la muerte del inocente inquilino, el filme intenta reordenar un mundo incoherente y confuso acerca de la ubicación de culpabilidad e inocencia. Los conflictos sociales se hallan en él dramatizados como dilemas personales".
"Downhill" ( 1927), "es la historia de un joven inocente (Ivor Novello ), que acepta en nombre de un compañero de la escuela, la asusación de ser el padre de un hijo ilegítimo. Expulsado del colegio y de su casa, sigue el camino colina abajo, soportando variadas experiencias por todo el mundo e incluso enfrentándose a su propia debilidad, hasta que finalmente es rehabilitado en el respeto familiar".
"Easy Virtue"( 1927), es un irregular drama basado en una obra teatral de Noel Coward. El relato se circunscribe a mostrar las tribulaciones de una mujer ( Isabel Jeans con los cabellos rizados ), cuyo segundo matrimonio es destruído por una sociedad conservadora que observa sólo su trágico pasado.
"Easy Virtue" se convierte entonces, en una cruda denuncia social que no gustó ni a los espectadores, ni a la crítica.
Pese a su inventiva visual, la cinta no logra trascender los esquemas más arquetípicos del melodrama.

"The Ring" : Carl Brisson , Lillian Hall Davis y Ian Hunter estelarizan este intenso drama boxeril.

En "The Ring" se inclina por primera vez por lo grotesco.

"The Manxman" : una oscura novela de Hall Caine, interpretada por Carl Brisson, Malcolm Keen y Anny Ondra.

"The Manxman" sobresale por los magníficos exteriores fotografiados por John J.Cox.

En "La muchacha de Londres", Hitchcock probando el sonido y la voz de Anny Ondra.

Con "The Ring" (1927), confirma toda la instrucción que recibió de la escuela expresionista alemana.
Se trata de una agridulce historia acerca de dos boxeadores, interpretados por Carl Brisson e Ian Hunter, que están enamorados de la misma mujer ( Lillian Hall Davis ).
Este triángulo en el enfoque que le da Hitchcock, resulta absolutamente fascinante, pues integra una inclinación inusual por lo grotesco.
"La boda de Nellie y Un-Round Jack tiene como asistentes, a sus amigos de la feria: los hermanos siameses discuten en qué lado de la Iglesia deben sentarse; la mujer gorda entra muy cuidadosamente; el gigante entra junto con el enano, y así sucesivamente. Su interés en los fenómenos y en la fenomenología, su creciente confianza en los trucos puramente cinematográficos ( imágenes borrosas, montajes distorsionados ), y el mantenimiento de la ambigüedad estructural y temática del título, recuerdan las enseñanzas que recibió Hitchcock de la escuela alemana de la cinematografía. Y las mujeres masculinas que eran personajes secundarios en The Pleasure Garden, El vengador, Downhill y Easy Virtue, aparecen ahora a plena luz; el ambiente teatral es ahora un alocado espectáculo marginal, poblado por una galería de tipos extraños".
En este período inicial, también destaca : "The Manxman" ( 1929), basada en la oscura novela romántica de Hall Caine, interpretada por Carl Brisson, Malcolm Keen y Anny Ondra, una actriz de origen polaco, que sobresale por sus hermosas tomas en exteriores debido a Jack Cox, por graficar con certera angustia el dolor del amor traicionado y por su estrepitoso desenlace incierto y triste.
Su primer filme sonoro fue "La muchacha de Londres"/ "Traición" ( "Blackmail",1929), protagonizado por Anny Ondra, John Lodgen , Donald Calthrop y Cyril Ritchard.
Se trató de una experiencia inicial en los bastos designios del sonido.
Por los archivos del British Film Institute, se conoce la auténtica versión que Hitchcock efectúo para los cines, con el nuevo sistema hablado.
Sólo rodó de nuevo algunas escenas, le agregó efectos especiales y Anny Ondra que tenía una terrible voz de acento extranjero, debió hacer la mímica, mientras otra actriz british, Joan Barry, la dobló fuera de cámara.
La película tuvo un enorme éxito de público, aunque Anny Ondra después debió abandonar su carrera. Regresó a Alemania, donde le solicitó el divorcio al director Karen Lamac, para casarse con el boxeador profesional Max Schmeling, y se retiró del mundo del espectáculo, para hacer una apacible vida anónima en Hamburgo.

Inclinando su interés por el relato policial.

"Murder" : un jovencísimo Herbert Marshall en el filme inspirado en la obra teatral de Clemence Dane y Helene Simpson.

"El número 17" : adaptación de la obra teatral de J.Jefferson Farjeon.

En el set de "Rich and Strange".

En las quince películas que dirigió en la década de los años treinta en Inglaterra, Hitchcock se reveló como un sólido narrador de thrillers y cuentos policiales, definitivamente inclinado por la idea del falso culpable, de las insinuaciones de la maldad conciente de villanos encambritados, de las mujeres bellas, hieráticas, inteligentes y difíciles de domar, de los ilustres secundarios que destacan en una constelación de historias inolvidables.
En detalle, deben resaltar por derecho propio, títulos como : "Murder" ( 1930), una auténtica rareza que integra actuaciones improvisadas, sobre la base de una "atractiva historia de un productor-director y actor ( Herbert Marshall ) que, mientras está formando parte de un jurado, se ve asaltado por la certeza de que la mujer acusada de asesinato, es inocente y decide descubrir al auténtico asesino".
También debe figurar : "Número 17" ( Number seventeeh", 1931), donde la protagonista debía ser invariablemente estúpida y no pronunciar ninguna palabra durante toda la acción.
La secuencia final de una persecución, está entre las situaciones de suspenso más logradas del relato.
Además, hizo "Rich and Strange" ( 1932), tal vez, la más autobiográfica de sus películas británicas. Es una comedia irónica, acerca de un matrimonio algo hastiado de la rutina cotidiana, que decide emprender un crucero para visitar París, y que remite mucho a la relación de Alma Reville y su marido.

En los estudios, Hitchcock y su equipo, rodando la primera versión de: "El Hombre que sabía demasiado".

"39 Escalones" : Robert Donat y Madeleine Carroll.

"Agente Secreto" : Peter Lorre, Madeleine Carroll y John Gielgud.

Su primera gran obra maestra del sonoro, fue "El Hombre que sabía demasiado"("The Man Who Knew Too Much", 1934), la primera versión inglesa, que requirió nueve semanas de rodaje.
La historia truculenta gira en torno a una pareja de vacaciones en Saint Moritz, que son testigos presenciales del asesinato de un hombre ( un agente británico encubierto, que intenta desarmar un complot, sobre el asesinato de un hombre en un concierto en el Albert Music Hall ), y más tarde, del secuestro de su propia hija.
Edna Best y Leslie Banks son los compungidos padres de la niña, y el expresivo Peter Lorre, el cortés secuestrador de la mocosa.
Su segunda obra maestra en este período fue "Treinta y nueve escalones" ( "The Thirty nine steps", 1935), con Robert Donat y Madeleine Carroll, una originalísima historia acerca de un hombre sospechoso de asesinato, que viaja de Londres a Escocia, tras los pasos de unos espías que han asesinado a una mujer en su propio apartamento.
El filme contiene todos los elementos temáticos que obsesionan a su autor, pero sobretodo, utiliza inteligentemente los recursos expresivos que están al servicio de una lograda historia, basada en la novela policial de John Buchan.
Con "El Agente Secreto" ( "The Secret Agent", 1936), el director se ahorra ingeniosamente las explicaciones en los diálogos, mediante una serie de intertítulos como : portadas de diarios, cartas, mensajes, sobreimpresiones en inglés sobre escritos en alemán.
Un joven John Gielgud, interpreta a un escritor metido a espía, y la rubicunda Madeleine Carroll, a su pareja, que llegan a un hotel en la frontera enemiga, donde los contrarios dan muerte a un agente secreto que creen enemigo.
La investigación en una fábrica de chocolates, acentúan la tensión del conflicto central con mucho uso del montaje paralelo y los "closeup".
La posterior huída del verdadero instigador en un viaje en tren, acapara buena parte de la acción, que termina en un explosivo descarrilamiento, sugerido por Hitchcock mediante maquetas y efectos sonoros de elocuente dramatismo.

Entre lo ideal y lo superficial.

"Sabotage" : Inocencia interrumpida.

"Inocencia y Juventud" : la grúa que se desplaza hasta dar con el tic delator.

En el set de "Sabotage" con Oscar Homolka.

"La dama desaparece" : un thriller maestro hecho con toda regla al suspense moderno.

En este período, realiza la primera versión de "Sabotaje" ( "Sabotage", 1937) sobre una novela de Joseph Conrad, con Sylvia Sidney, Oscar Homolka y el pequeño Desmond Tester; resulta inolvidable por la secuencia del niño inocente que transporta una bomba de tiempo y las atmósferas urbanas enrarecidas por los clarosocuros, que aumentan la tensión de los climaxs; y la insuperable "Inocencia y juventud" ( "Young and innocent",1937 ), una magnífica historia donde llevó "in extremis" los conceptos visuales del subjetivismo de la cámara, con detalles realmente cautivadores ( los ojos del asesino tienen un tic, que parpadea incesantemente cuando se pone nervioso ), para graficar el siempre latente tema de las apariencias, del juego del disfraz, del ocultarse tras una máscara, del asumir que lo que parece, no es frente a los ojos realistas de su visión.
Después dirige "Alarma en el Expreso"/ "La dama desaparece" ( "The Lady Vanishes", 1938), una entretenida película acerca de una joven mujer, que estando de vacaciones en un lugar mítico de los Balcanes, conoce a una encantadora viejecita, que más tarde a bordo del Orient Express, desaparece misteriosamente, sin dejar rastro alguno.
Todo el mundo niega su existencia, salvo la heroína que asume después de dudar un poco, que la viejecita existe y está viva en alguna parte.
Lo singular del cuento, es que la anciana resulta ser una espía que lleva a Londres un secreto codificado en una canción folclórica.
Como todo el mundo parece perseguirla, el suspenso crece y avanza vertiginosamente sobre el notable relato, muy bien concebido por la serie de vueltas de tuerca que sufre la historia.
El elenco está encabezado por : Margareth Loockwood, la veterana Dame May Whitty , Michael Redgrave, Paul Lukas y Cecil Parker.
La actriz principal, Margareth Lockwood recuerda del maestro inglés, su desinterés por dirigirla en el set :
"Yo había rodado un cierto número de películas para Carol Reed, y él, como contraste, era absolutamente meticuloso. Hitchcock, en cambio, no parecía estar dirigiéndonos en absoluto. Era como un dormilón y asentiente Buda con una enigmática sonrisa en su rostro".
La verdad es que, a Hitchcock le preocupaba poco la interpretación, por sobre la estructura de sus filmes.
El valorizaba por sobretodas las cosas, el montaje como elemento organizador de sus relatos. Condicionaba mucho sus guiones, al uso de los recursos expresivos de la técnica cinematográfica.
No es ajeno que, catalogara a sus actores como manada de reses, y desestimara el papel preponderante que le daban la mayoría de los directores a sus estrellas.
Su primer gran fiasco fue "Posada Jamaica" ( "Jamaica Inn", 1938), una soporífera historia interpretada por Charles Laughton y que decepcionó al propio director, que no pudo entenderse con el petulante actor británico, "por su costumbre de detener los ensayos o incluso la filmación durante horas, mientras meditaba en el gesto adecuado, el ademán más conveniente, la forma ideal de caminar, y la correcta sensación interior de una escena". Eso irritó a Hitchcock y derritió su obra.
Ciertamente, "Posada Jamaica" es, frente a todo, un melodrama cursi, amanerado, superficial y grandilocuente, que no supera la mediocridad.

Inicios de su etapa estadounidense.

"Rebeca" : la sugerencia visual del fotógrafo George Barnes en el inmenso castillo de la historia.

Mosaico de "Rebeca" con los detalles de la escenografía de Lyle Wheeler y la fotografía de Barnes.

"Rebeca" : el debut de Hitchcock en Hollywood con Laurence Olivier y Joan Fontaine.

En "Enviado Especial"/"Corresponsal Extranjero" : Joel McCrea es un reportero metido a agente secreto en Holanda.

Un complejo escenario de molinos de viento integra la película.

Contratado por el productor David O.Selznick, Hitchcock debuta en Hollywood con : "Rebeca" ( "Rebecca", 1940), adaptación de la novela policíaca de Daphne Du Maurier, acerca de la extraña relación que se establece entre una señorita de alterné y un rico lord británico, como matrimonio fracturado porque su marido no puede olvidar a su primera mujer, ahogada en extrañas circunstancias.
El filme que comentaremos más adelante en esta revisión, cuenta con la personalísima interpretación de Joan Fontaine, Laurence Olivier, George Sanders y Judith Anderson en el rol de una ama de llaves muy oscura y siniestra.
Ese mismo año, Hitchcock produce la entretenida "Corresponsal Extranjero"/ "Enviado Especial" ( "Foreign Correspondent", 1940), una palpitante historia de suspenso durante la guerra fría, que está matizada por el sólida dominio del suspenso y los climaxs en situaciones novedosas.
El filme interpretado por Joel McCrea, Laraine Day, Herbert Marshall, George Sanders y Albert Basserman, es un detallado itinerario por Holanda, considerada "una obra de propaganda antinazi y antibélica", que es también un melodrama romántico de trasfondo irónico, sobre un atolondrado periodista americano enviado a cubrir la situación europea en Agosto de 1939, y metido en una red de espionaje internacional, que terminará en unos molinos de viento simulados en estudio.
Se trata de una de las películas más costosas y detallistas de Hitchcock, en virtud de sus efectos visuales y sus escenarios recreados en Amsterdam.
Bajo la supervisión del cineasta, trabajaron 558 carpinteros, electricistas, fontaneros y hombres de utilería, una veintena de artistas, más un gran contingente de técnicos e ingenieros.
El reparto de intérpretes, volvió a lucirse especialmente la refrescante Laraine Day, una hermosa joven de pelo oscuro, que demostró simpatía y una naturalidad apabullantes.
Nuevamente, el estilo de dirección que Hitchcock impuso a sus actores, fue mínimo.
Joel McCrea, el actor central de la película, recordó una anécdota :
"Hitchcock tenía la costumbre de beberse medio litro de champaña durante las comidas. Un día después de almorzar, había una larga escena en la que yo intervenía simplemente de pie y hablando. Cuando la escena hubo terminado y espere oír el "Corten", mire por encima de mi hombro y allí estaba Hitchcock roncando y agitando los labios. Se había quedado dormido. De modo que fuí yo quien dijo el "Corten"y él se despertó y dijo ¿ Ha salido bien ? Y yo dije ¿ La mejor de toda la película !, y el dijo "Positiven".
En septiembre de 1940, Hitchcock estaba recibiendo críticas favorables y entusiastas de "Corresponsal Extrajero", y después de visitar Canadá a raíz de su estreno, se puso manos a la obra en su siguiente proyecto "Mr.and Mrs Smith" ( 1941).
Se trata de una comedia negra sobre un matrimonio, que se ama con locura aunque viven en constante conflicto, y que con el correr de los años, descubren que, por un efecto geográfico, su unión como pareja no es legal.
La película producida por RKO, no fue del gusto de su autor, y sólo lo hizo por admiración a su actriz central, la rubia Carole Lombard.
Ni siquiera la estelarización de Robert Montgomery, logra repuntar el guión de Norma Krasna, que a petición del propio Hitchcock, fue modificado para darle mayor vitalidad, un sesgo autobiográfico, y una cuota de ironía.

Replicas cinéfilas.

Para la RKO, "Sospecha" reunía Cary Grant y Joan Fontaine.

Cary Grant intentando convencer a su esposa que no es un criminal.

En "Sabotage", la segunda versión actúan Robert Cummings y Priscilla Lane.

Después estrenó : "Sospecha" ( "Suspicion", 1941), un curioso thriller acerca de una mujer, Lina McLaidlaw ( Joan Fontaine), que al descubrir que su marido, Johnny Aysgarth ( Cary Grant ), es un hombre de carácter fuerte, desenfadado y mentiroso, llega a tomarle por un asesino y a imaginarse equívocamente, que quiere matarla.
"La sospecha es algo tenue, tan impalpable, que el momento exacto de su nacimiento, no es fácil de determinar". Este es el segundo párrafo de la novela "Before The Fact" de Francis Iles, seudónimo del escritor inglés Anthony Berkeley Cox, que sirvió de base al director, para elaborar un magnífico estudio acerca del tema.
Como siempre en su cine, las vueltas de tuerca son estimuladas por la ambigüedad de sus personajes.
Inolvidable toda la secuencia en que marido y mujer, viajan a toda velocidad en automóvil por el borde costero.
El relato va in crescendo, y se intensifica con la acumulación de pistas que parecen inculpar al marido.
En este sentido, los guiños del cineasta, están dados en función de las sorpresas que contiene el desenlace.
Luego efectúo : "Sabotaje" ( "Saboteur", 1942), una "remake" del filme inglés del mismo nombre, realizado en 1936.
La trama digna del maestro del suspenso, aunque resulta errática en sus implicancias y resoluciones dramáticas, conserva toda su frescura y originalidad. Un joven empleado de una fábrica de armamentos, Barry Kane (Robert Cummings), es erróneamente acusado de sabotaje. Mientras huye, se encuentra con Pat Martin, una atractiva chica ( Priscilla Lane), que primero quiere entregarlo a la policía, y después, decide ayudarlo para probar su inocencia.
La novelista Dorothy Parker, ideó algunas réplicas cinéfilas muy agudas como cuando los protagonistas suben a un automóvil de una caravana y se refugian junto a los artistas de un circo ambulante ( tipo "Freaks" ); o el ciego que percibe todo a su alrededor con sólo su instinto; o la mezcla de imágenes reales de los restos del barco "Normandie" hundido en Nueva York. Todos elementos dramáticos, que concluyen en la clásica secuencia desarrollada en lo alto de la estatua de la Libertad, con Robert Cummings y Norman Lloyd colgando peligrosamente.

Aire familiar y dudas palaciegas.

En la localidad de Santa Rosa, Hitchcock y su equipo rodando "La sombra de una duda".

Joseph Cotten como el sádico asesino de viudas ricas, junto a su hermana cinematográfica, Patricia Collinge.

La familia en pleno de la citada película : Patricia Collinge, Teresa Wright, Joseph Cotten, Henry Travers y los niños Charles Bates y Edna May Wonacott.

Los intérpretes de "Naúfragos" ( izquierda a derecha ) : Hume Cronyn, Henry Hull, Tallulah Bankhead, John Hodiak, Mary Anderson y Canada Lee.

La película "La Sombra de una duda" ( "Shadow of Doubt", 1943), es una de sus grandes obras maestras.
El filme favorito de Hitchcock, es también un relato muy personal de clima familiar, enrevesado entre las cortinas de la incertidumbre, con la visita de un tío perverso.
Para elaborar el guión, Hitchcock pidió la cooperación de Thornton Wilder,"cuyo sentido de la vida americana en una pequeña ciudad en su obra Nuestra ciudad, admiraba grandemente".
Lamentablemente, Wilder fue llamado al ejército, e Hitchcock tuvo que elaborar su historia con diálogos de la escritora de relatos cortos Sally Benson.
Sus actores fueron Joseph Cotten, que dió vida al sádico "Tío Charlie" que gusta estrangular viudas ricas; Teresa Wright como Charlie Newton la sobrina adolescente que sospecha de su familiar más de lo permitido; el esbelto MacDonald Carey como el policía investigador Jack Graham, los magníficos actores teatrales Patricia Collinge y Henry Travers como los padres de Charlie, y Hume Cronyn que hizo su debut para la pantalla, con esta singular obra.
De ella, escribimos en extenso en el apartado, Obras fundamentales.
"Naúfragos" ( "Lifeboat",1944) es casi una cinta experimental, desarrollada arriba de un bote salvavidas, con los supervivientes de una tragedia naútica.
John Steinbeck autor de la obra original, abandonó el proyecto cuando vió a Hitchcock obsesivo por transformar su historia, en un drama cerrado por un decorado único.
El realizador le pidió ayuda a MacKinlay Kantor, y decepcionado de su trabajo, decidió encerrarse a confeccionar él mismo el guión, con algunas sugerencias de Ben Hecht.
La filmación de la película tuvo distintas complejidades, que debieron resolverse sobre la marcha. "Hitchcock ordenó la construcción de enormes ventiladores y máquinas rociadoras de agua , y sometió a sus actores a varios días de rodaje en una tormenta".
Durante esas difíciles escenas , varios de los intérpretes cayeron presa de resfriados y fiebre.
Tallulah Bankhead, la actriz central, escribió en sus memorias que : "Estaba negra y azulada de los chaparrones y los bamboleos. Gracias al calor, las luces, la falsa niebla y las inmersiones seguidas de un secado rápido, acabé con pulmonía, a principios de noviembre".

Cuentame tu vida" / "Recuerda" : Ingrid Bergman y Gregory Peck y las teorías de Freund.

El aporte del pintor español Salvador Dalí a la película.

"Tuyo es mi corazón"/"Encadenados" : Claude Rains, Cary Grant e Ingrid Bergman.

Curiosa fotografía de los actores en color de la película en blanco y negro.

"Recuerda"/Cuentame tu Vida"( "Spellbound", 1945), es una película que trata sobre la imposibilidad de amar, cuando existe el complejo de culpa.
Esta larva molesta en la filmografía de Hitchcock, le permitió efectuar agudos análisis sobre el comportamiento humano y la vida en pareja, transformándose en una de sus temáticas más recurrentes.
Escribe Donald Spoto, a propósito de esta interesante película :
"En el surgente mundo de Hitchcock, amante y amado nunca hallan la liberación de los grilletes de su pasado, nunca pueden alzarse de las cadenas del resentimiento y los remordimientos. Su trabajo se fue convirtiendo en una autobiografía espiritual más aguda con cada film. Una autobiografía basada en experiencias externas, que se transmutaban en torturadas fantasías guiadas por la culpabilidad".
La película interpretada por Gregory Peck y la exquisita Ingrid Bergman, incorpora el trabajo del artista español Salvador Dalí, que diseñó el contenido de los sueños y produjo más de un centenar de bocetos y cinco pinturas al óleo, para que el decorador Emile Kuri, las integrara en la historia.
"Tuyo es mi Corazón" /"Encadenados" ( "Notorius", 1946), era en principio, una historia de amor. Como recordó Hitchcock, después :
"Yo deseaba hacer este filme acerca de un hombre que obliga a una mujer a irse a la cama con otro hombre, porque es su deber profesional. La política del asunto no me interesaba demasiado, pero me dí cuenta de que tenía que dar una razón a que los alemanes estuvieran en Brasil. Pensamos en minas de piedras preciosas, de metales nobles, ese tipo de cosas, y luego le dije a Ben Hecht ( el guionista ) ¿ Qué hay con el uranio ? y el se alzó de hombros y dijo que no creía que importara , que un MacGuffin era tan bueno como cualquier otro, si lo que realmente estábamos haciendo era una historia de amor".
El filme es una obra categórica, en su estilizado manejo del montaje y de la puesta en escena.

Con pocos elementos, logró el máximo de ansiedad y tensión. Recuerden los objetos que son los mismos y se repiten a lo largo de la narración : una llave y una falsa botella de vino que contiene uranio.
La intriga sentimental es simple, pero su complejidad está en los subtextos. Minuciosamente elaborada en sus planos más categóricos, es una obra maestra de su etapa norteamericana.

En el set de "La Soga" : Farley Granger, Hitchcock, James Stewart y John Dall.

Lobby-card de "Atormentada" con el trío protagonista.

Completa la década de los cuarenta con : "El Proceso Paradine" ( "The Paradine Case", 1947), una irregular producción que, desde un principio se desarrolló desordenadamente, pese a las actuaciones de Gregory Peck y Alida Valli; la experimental y vanguardista "La Soga" ( Rope", 1948) , adaptación de la obra de Patricia Hamilton, que tiene la particularidad de estar editada , sin dar la sensación del corte, porque Hitchcock recurrió a significar los fundidos con los objetos o las personas integradas en las escenas y "Atormentada" / "Bajo el signo de Capricornio" ( "Under Capricorn", 1949), con Michael Wilding, Ingrid Bergman y Joseph Cotten, un drama de época, donde vuelve sobre el tema de la culpa, a partir de un guión escrito por Hume Cronyn.

Epoca de máximo esplendor.

En "Pánico en la escena", Marlene Dietrich trabaja sobre un guión de Alma Reville.

"Extraños en un Tren" : Farley Granger y Robert Walker, intercambiando deseos mórbidos.

De la citada cinta, la lucha en un carrussel.

La década de los cincuenta, se constituye en la época de máximo esplendor creativo en la filmografía de Hitchcock.
Parte el decenio, con la singular "Pánico en escena" ( "Stage Fright", 1950), interpretada por Marlene Dietrich, Jane Wyman, Michael Wilding y Richard Todd, que en su momento no fue acogida como merecía.
Thriller de suspense sicológico, que gira en torno a un joven estudiante de arte dramático que interpreta un rol en la vida real, dejando libre a un individuo acusado de asesinato.
Durante su conocimiento del sujeto, descubre que es culpable, y lo que viene después, es el itinerario de un inspector de policía encargado del caso, para descifrar el misterio de su culpabilidad.
El biógrafo Spoto remarca sobre esta obra :
"Bajo una historia en cierto modo irregular, subyace una maravillosa adaptación cómica de la naturaleza de la interpretación teatral en la vida real. El inicio del filme ya es de hecho, un apunte en esa dirección: la lista de créditos se disuelve sobre el telón de un teatro alzándose; y la escena detrás del telón no es un escenario sino el Londres real; cuando el telón se ha alzado del todo, el espectador se halla sumergido en la acción de la historia. Inmediatamente, a partir de entonces, las distinciones entre la vida real y la vida de la calle ( y a continuación entre el arte y la vida en sí ) empiezan a difuminarse. A medida que se desarrolla la historia, todo el mundo asume falsas identidades, todo el mundo representa un papel. Las apariencias resbalan y se deslizan, y nada es seguro en un mundo marcado por los disfraces y las matinés, las fiestas benéficas al aire libre y las mentiras de los falsos amigos. Hitchcock se inspiró en un amor típico inglés al teatro y al exhibicionismo, y en la fascinación de las lisonjas de la vida del actor, que había observado de cerca desde su juventud".
También desestimada, su siguiente película "Pacto Siniestro"/"Extraños en un Tren" ( "Stranger on a Train",1951), está considerada entre sus obras más características.
Por una parte, grafica de manera anecdótica, el tema de la duplicidad de caracteres. Guy Haines ( Farley Granger ) , es un hombre que ansía el divorcio, pero su esposa está aferrada a la idea de no darle la nulidad, lo que coarta sus planes con su actual novia, Ann Morton ( Ruth Roman).
En un viaje en tren, conoce por accidente a Bruno Anthony ( Robert Walker ), un sádico que tiene la idea fija de matar a su padre.
Durante una conversación trivial, uno le sugiere al otro, la probabilidad de deshacerse de las personas que les estorban. La diferencia está en que, uno lo dice en forma irónica y macabra, y el otro, con una determinación que desconcierta.
Ahora, si Bruno logra asesinar a la esposa de Guy; éste debe a su vez, retribuír el favor matando al padre, aunque en esencia, se ha convertido en el autor intelectual del delito.
Todas estas ambivalencias las aprovecha Hitchcock, para elaborar un magnífico relato, que remarca las características del suspense, explorando por dos conciencias al borde de los límites de la locura.
Antológica resulta la secuencia, sobre un tíovivo en una feria de diversiones, que alcanza un climax enfebrecido, gracias a las situaciones que se entremezclan para acentuar el nervio y la emocionalidad, como : un niño al borde del peligro, una lucha a muerte bajo el juego, la histeria colectiva y un viejo tratando de detener el desborde mecánico del carrusel.
Ahí está la esencia del arte de Hitchcock, prodigioso en el manejo del montaje, los efectos especiales, los climaxs y sus insinuaciones terroríficas.

"Mi secreto me condena"/"Yo Confieso" : Montgomery Clift como un sacerdote sospechoso de homicidio.

"Crimen perfecto" : la ansiedad criminal de un marido compulsivo.

En el filme, Grace Kelly y Ray Milland interpretan a un aparente matrimonio modelo.

El cineasta conversa con Grace Kelly, que se transformará en su actriz fetiche.

"Mi secreto me condena" / "Yo Confieso" ( "I Confess", 1952), tuvo la particularidad de ser rodada en Quebec, Canadá.
Cabe señalar que, el director desde 1949 a 1956, realizó secuencias importantes de sus películas en Nueva York, Washington D.C., Connecticut, la Riviera Francesa, Vermont, Marruecos y Londres.
El mismo como promotor de sus obras, tuvo la ocasión de visitar Indonesia, Australia, Japón, Roma, y además, estuvo buscando locaciones en Africa para una producción que nunca fue rodada.
Ambientar su película en Quebec, fue una cuestión de atmósferas.
Recuerden que, la ciudad es rica en tradiciones del catolicismo francés, donde abunda la iconografía religiosa , los hábitos sacerdotales y las imágenes de Cristo resucitado.
El relato no podía ser más controvertido. Su personaje central es el padre Michael Logan ( Montgomery Clift ), cuya experiencia en la guerra lo lleva, de un romance humano al romance divino de abrazar el sacerdocio.
Durante una de sus jornadas en la Iglesia, uno de sus colaboradores más cercanos, un extranjero refugiado, le confiesa que ha asesinado a un abogado.
Descubrir al culpable, será una ardua tarea para el Inspector Larrue ( Karl Malden ),pues todos los indicios de sospecha caerán sobre el sacerdote.
Revelar todas las aristas del homicidio, le permite a Hitchcock efectuar una de sus películas más complejas, donde son vitales, las emociones sicológicas y la recreación de atmósferas religiosas.
Después rueda "Crimen Perfecto" ( "Dial M for Murder", 1954), otro logrado thriller sobre homicidio.
En efecto, Romy Wendice ( Ray Milland ), un marido de clase acomodada, que sueña con deshacerse de su linda esposa, Margot ( Grace Kelly) , cuando instuye que ésta, le engaña con su mejor amigo, Mark Halliday ( Robert Cummings ).
Su gusto medio masoquista por las experiencias homicidas, alcanza el paroxismo en una estilizada puesta en escena donde grafica en toda su desesperación el ataque a la víctima, aunque además profundiza en el matemático uso de los encuadres, el montaje y la música, para crear una conjunción novedosa que atrapa al espectador de principio a fin.

"La Ventana Indiscreta" : Grace Kelly y James Stewart fisgoneando vidas ajenas a través de su ventana.

Actores y director conversando en el enorme set diseñado por Hal Pereira y Joseph MacMillan Johnson.

"Como atrapar a un ladrón"/"Atrapa a un ladrón" : Grace Kelly y Cary Grant.

De la citada película, Hitchcock y Grant, ensayando un cameo.

En el set de "Pero, ¿ Quién mató a Harry ?. Observa la toma Hitchcock mientras actúan Edmund Gween y Mildred Natwick.

Los actores de la película : Shirley MacLaine, John Forsythe, Edmund Gween y Mildred Natwick.

El remake de "El Hombre que sabía demasiado", ahora en color, con Doris Day James Stewart.

El pequeño Christopher Olsen es el hijo raptado de James Stewart.

Escena crucial de la citada película.

El mismo año, rueda en estudio "La Ventana Indiscreta" ( "Rear Window", 1954), un exhaustivo estudio sobre el voyeurismo, las implicancias sociológicas de vivir en apartamentos contiguos, la desolación del enfermo que espera recuperar fuerzas distrayéndose como observador de vidas ajenas, y el juego de las apariencias, muy bien resuelto por Hitchcock con el uso de la cámara subjetiva.
Se trata de obra maestra absoluta, que pone en el conciente colectivo al mismísimo James Stewart convalesciente, mirando con gemelos desde la distancia, a la rubicunda Grace Kelly como la chica "bien", que incorpora su fetichismo una vez que comparte el misterio de los hechos; y Thelma Ritter como una astuta ama de llaves y confesora fiel.
"Como Atrapar a un ladrón" ( "To Catch a Thief", 1955) y "Pero ¿ Quién mató a Harry ? ( "The Trouble With Harry", 1955), son encantadoras piezas de suspenso, abarrotadas de momentos singulares y una tensión "in crescendo".
En la primera de ellas, un impulsivo Cary Grant y una preciosa Grace Kelly, harán el amor en un sofá, sugerentemente expresados con juegos de artificios, en una escena sublime como metáfora y sensualidad.
En la otra, el esplendido uso de la cromatización en Scope, le permitirá introducir elaborados encuadres a un relato, donde el misterio de una muerte atosigará a sus selectivos personajes.
Resultan especialmente inolvidables, los característicos Edmund Gween, Mildred Natwick, Mildred Dunnock y Royal Dano, aunque la pareja conformada por John Forsythe y Shirley MacLaine no deslava jamás, insertos en un paisaje semi otoñal arrebatador.
Más adelante, realiza la remake de : "El Hombre que sabía demasiado" ( "The Man Who Knew Too Much", 1956), ahora con James Stewart y Doris Day, que, además interpreta el célebre "Que será, será".
La película tiene la inmejorable calidad de la fotografía en color de Robert Burks, y la certera prodigiosidad visual de Hitchcock, que alcanza el cenit en la secuencia efectuada en el Royal Albert Music Hall.
El pequeño Christopher Olson, un prodigio olvidado de las historias del cine, logra sobredimensionar todo el impacto del rapto infantil, y en su forma, asume los miedos que el propio Hitchcock, debió haber experimentado en el cuartel de policía cuando era un adolescente.

De la vida real.

"El Hombre Equivocado" : Peter Fonda y Vera Miles en una foto promocional de la película.

Hitchcock en un cameo mientras rueda la película con Henry Fonda.

El trío protagónico : Peter Fonda , Vera Miles y Anthony Quayle.

Con "El Hombre Equivocado"/"Falso Culpable" ( "The Wrong Man", 1956), Hitchcock se aparta de los relatos ficcionados para contar una historia real sobre un guión de Maxwell Anderson y Angus McPhail.
Christopher Emmanuel Balestrero ( Henry Fonda ), es un ciudadano ejemplar. Delizmente casado con Rose ( Vera Miles ), padre de dos niños, trabaja de noche, preferentemente en "night clubs", acompañando a una orquesta tocando el contrabajo.
Su regreso a casa por el metro resulta cotidiano, aunque su esposa siempre está ansiosa y preocupada por los peligros que encierra el trayecto nocturno.
Un día Christopher es confundido por un ladrón y es aprendido por la policía justo antes de retornar a casa. La situación se cpomplica porque Chris tiene todos los rasgpos del truhán, y porque además, ha complrtado una frase que la policía descubre como clave de su culpabilidad.
Decidido a probar su inocencia, el hombre contrata a Frank O"Connor, un abogado ( Anthony Quayle ), quien con todos los medios a su alcance, tratará de probar la inocencia de su cliente.
En su intertanto, Rose sufrirá un ataque de nervios, que la mantendrán internada en una clínica para enfermos mentales.
Otra vez Hitchcock juega con la idea del doble ( dos tipos con idéntica fisonomía; uno ejemplar padre de familia, otro un marginal fuera de la ley; dos mujeres que sufren su destino - madre y esposa -; dos hijos, dos policías, dos abogados, dos probables testigos y dos cárceles - el sanatorio y la reclusión policial; dos intertantos de la existencia de un falso culpable, que son opuestos y terriblemente reales.
Un drama absolutamente maestro que obliga a trasponer el siempre latente tema de la duplicidad de las apariencias.

Tres Obras Maestras Inolvidables.

"Intriga Internacional"/"Con la muerte en los talones" : el momento inicial cuando suceden las confusiones que incriminan a Cary Grant.

Lobby-card con una escena de las secuencias más características de la película.

Cary Grant en la borrachera obligada , con los villanos de turno, Martin Landau, entre ellos.

Cary Grant y Eva Marie Saint en las alturas del Monte Rushmore, en el desenlace del relato.

Seguidamente, Hitchcock en su frenesí creativo, ejecutará tres grandes-grandísimas obras maestras : "Vértigo"/"De entre los muertos" ( "Vertigo", 1958), con la soberbia música de Bernard Herrmann, y "Sicosis" ( "Psycho", 1960), de las que nos encargaremos en el apartado Obras Inolvidables.
También filmó la sugerente "Intriga Internacional" / "Con la muerte en los talones" ( "North by Northwest", 1959), un thriller en todas sus reglas, original y lleno de sorpresas de último minuto.
El relato no puede ser más cautivante. Roger O"Thornhill ( Cary Grant ) es un publicista de reconocida trayectoria profesional que trabaja en una importante empresa en Nueva York. Por esas cosas del destino, su vida banal y aburrida, que lleva a cuestas dos divorcios, cambiará a partir de la confusión de identidades. Sin preveerlo, Roger confundido como el homicida de un importante político durante la guerra fría, se transformará en un "agente secreto" del gobierno americano, perseguido por un espía que trafica información de altas esferas gubernamentales en países enemigos.
En su travesía, que incluye el viaje en tren, surgirá el amor por Eve Kendall ( Eva Marie Saint ), y la intriga aumentará su ritmo trepidante, con un suspense que integra varias sorpresas ( la verdadera identidad de la chica que le gusta y la aparición de James Mason, que encarna a un sofisticado y elegante villano ).
Además, hay electrizantes persecuciones que son parte de las antologías del cine, como toda la secuencia donde Grant espera un bus que no llega y es perseguido desde el aire en unas plantaciones de maíz, por una avioneta que tira a matar, o la otra, desarrollada en el Monte Rushmore, ese de las cabezas esculpidas sobre la roca con los célebres personajes históricos de la política norteamericana.

Su última etapa.

"Los Pájaros" : los niños huyen despavoridos del ataque avícola.

Tippi Hedren posando con uno de los cuervos de la película.

En el set de la película, Hitchcock dirigiendo a Rod Taylor, Tippi Hedren, Jessica Tandy y Veronica Cartwright.

"Los Pájaros" ( "The Birds", 1963), es una gran metáfora apocalíptica sobre la invasión de la naturaleza desenbocada y salvaje, que es también una historia de amor, fustigado por las circunstancias accidentales.
Según la novela de Daphner Du Maurier, transformada en guión por Evan Hunter, Hitchcock elabora otra de sus películas inolvidables, dentro de las más desconcertantes de toda su carrera.
Porque se aparta de las motivaciones exclusivamente sicológicas y policiales, para argumentar en clave de comedia, la sobrenatural actitud que puede tener la naturaleza con el hombre, si no cambia su endiablada posición de menospreciar sus dominios en la Tierra.
Complejísima como parábola existencial, es también una valedera reflexión metafísica sobre la Vida y la Muerte, sobre la posesión matriarcal en una familia donde está ausente el padre, sobre la comunidad y su óptica reflactante que insinúa más de lo que aparenta; y en fin, respecto a la angustia que fulmina el orden y magnifica el caos social.
Minuciosa hasta los extremos, está llena de detalles "hitchcockianos", y un asertivo manejo de los tiempos narrativos en virtud del comportamiento de los pájaros, los verdaderos protagonistas del filme.
De hecho, en la primera parte se trata de un filme psicológico , y únicamente en el final de cada escena, se sugiere el ataque de los pájaros.
Hitchcock le confesó sobre está situación a Francois Truffaut :
"Debía hacerlo de esta manera porque el público se siente influído por la publicidad, los artículos, las críticas. El público oye hablar de la película por los rumores que se pasan unos a otros. No quiero que se impacienten esperando los pájaros, pues entonces no prestarían bastante atención a la historia de los personajes. Esas alusiones al final de cada escena, es como si dijera al público Tengan paciencia, tengan paciencia. Ya vienen. "

En "Marnie, la ladrona", Tippi Hedren es una cleptómana que fulmina el corazón de Sean Connery.

El director enseñándole mecanografia a la actriz.

Sean Connery y Tippi Hedren en una escena de la cinta.

"Cortina Rasgada" : Hitchcock enseñándole a Wolfgang Kieling como estrangular a Paul Newman.

Compartiendo impresiones con el actor Barry Foster en "Frenesí", rodada en Inglaterra.

"Marnie, la ladrona" ("Marnie", 1964), destaca por su exhaustiva preparación en el rodaje. Algo que ya era característico en Hitchcock, es su trabajo detrás de cámaras. Acostumbrado a preparar cada film con sus escritores y diseñadores con una minuciosidad extrema.
"Marnie" no fue la excepción. La historia de una cleptómana, alcanza el frenesí de la angustia, cuando es descubierta por un compañero de trabajo. Esta relación entre Sean Connery Y Tippi Hendren, matiza el suspenso a escala subliminal.
Se trata de un amor fetichista de un hombre que desea acostarse con una ladrona.
El filme tiene una atmósfera brillante, una construcción sugerente y una química entre la pareja de actores, que funciona, tanto a nivel de las emociones, como del propio suspense.
Según la crítica especializada, sus últimas cuatro películas, hablan del desgaste progresivo de su físico e intelecto.
Tanto "Cortina Rasgada" ( "Torn Curtain", 1966), una de espionaje con Paul Newman y Julie Andrews, como "Topaz" ( "Topaz", 1969), sobre el mismo penegírico, son entretenidas aunque anodinas historias, que subyugan por sus climaxs y prodigiosas escenas de persecución.
En Inglaterra, rueda "Frenesí" ( "Frenzy", 1972), un thriller sobre un sádico asesino de mujeres solitarias, que utiliza corbatas para ahogarlas en su desenfreno sicológico; y que resalta por los exteriores reales donde se filmó.
Cierra su carrera con la irregular "Trama Macabra"/"La trama" ( "Family Plot" , 1976) que tiene a su favor, excelentes actuaciones de Karen Black , Bruce Dern y Barbara Harris, y algunos buenas ideas desarrolladas en un guión, que no logra el ritmo de sus filmes más destacados.
Pese a su meritoria carrera, Hitchcock jamás recibió el Oscar, aunque postuló cinco veces a ella. Unicamente recibió una estatuilla honorífica, como reconocimiento tardío a su aporte, en 1968.
En 1979, el American Film Institute le dió el premio Lifetime Achievement que se entrega a los veteranos del celuloide.
El 29 de abril de 1980, murió por problemas renales, mientras dormía en su casa en Bel Air, California, a los ochenta años de edad.
Como colofón final, Alfred Hitchcock es uno de los cinco o seis mayores realizadores que ha tenido la historia del cine.
Su aporte artístico, aunque profusamente ilustrado en miles de publicaciones que existen sobre sus películas, es un reflejo de su gran imaginación para entender la técnica cinematográfica.
Un maestro que constituyó en sí mismo, un estilo y una manera de abordar el trabajo detrás de las cámaras. Sin contar sus numerosos cameos, otro rasgo fascinante de su personalidad e ironía, que selló a fuego y a hierro, lo mejor de su obra fílmica.

Su estilo :

El maestro inglés con el fotógrafo Robert Burks en 1958.

Junto al compositor Bernard Herrmann, que se convirtió en su colaborador permanente desde 1955.

En su senectud, con Alma Reville su esposa y compañera fiel toda la vida.

Padre del suspense como efectismo característico de sus tramas, es un maestro en la integración de expectativas sorprendentes, vueltas de tuerca, giros y subtramas rocambolescas, que le dan un toque especial a los relatos.
Creador del MacGuffin, un hecho aparentemente importante en la trama, que no es tal, y que desvía la atención de lo realmente trascendente.
Es además, un notable narrador de historias complejas, donde el falso culpable, la obsesiva implicancia de rubias heráticas, y su disposición a la aventura con personajes comunes y corrientes sometidos a situaciones extraordinarias, lo hacen impagable en el desarrollo de un universo único y personal.
Explorador de la psicología en sus diferentes estadios mentales, Hitchcock es un notable evocador de las opresiones y traumas humanos.
Su cine provoca la inquietud, la inestabilidad y el delirio, así como también la angustia y el terror, a una escala básica de las emociones, pero tremendamente efectivo en el nivel de las sensaciones lúdicas del audiovisual.

Magnífico constructor de las técnicas depuradas del montaje, de la puesta en escena, de las elipsis, de los enrevesados efectos de lo subjetivo, sus obras están milimétricamente planeadas desde el guión, con la prodigiosa mentalidad del que arma un rompecabezas.
Sus excelentes climaxs matizados por notables composiciones musicales y sonoras, adicionan el trabajo multifuncional de artistas pictóricos, camarógrafos, diseñadores de FX, decoradores y vestuaristas, con la matemática visión de un innovador.
Fueron equipo recurrente de su obra : el músico Bernard Herrmann ( "Vértigo"; "Intriga Internacional", "Psicosis"), los fotógrafos : John Cox, Bernard Knowles, George Barnes, Rudolph Maté, Harry Stradling, Joseph Valentine y Robert Burks; el diseñador gráfico y efectista visual Albert Whitlock, la vestuarista Edith Head, y los montajistas como ; Emile de Ruelle, Rene Marrison, Charles Frend, Otho Lovering, Milton Carruth, Otto Ludwig, Theron Warth, Hal Kern, George Tomasini y Bud Hoffman.
Cabe destacar que, fue muy frecuente que su esposa, Alma Reville, participara como guionista o coguionista de sus películas. Un matrimonio en la vida real y en el arte cinemático.

Temática Recurrente :

Dirigiendo una toma desde lo alto de la grúa,

Su tema esencial es el subjetivismo de las apariencias. "Ver no es mirar" señalaba el respetado crítico y profesor de cine José Román, en alusión a que, el fenómeno audiovisual induce a la ambigüedad.
Nada es lo que parece ser. A partir de esta simple premisa, Hitchcock elabora historias, capaces de demostrar la mentira de lo aparentemente objetivo.
Además, cobran interés en sus películas, los temas relativos al voyeurismo ( el afirmó una vez, "como espectadores de cine, somos mirones ocultos en la oscuridad de una sala, observando el lento transcurrir de vidas ajenas" ), el complejo de culpabilidad, la perversidad humana, el sadismo, las obsesiones destructivas, los doblamientos de personalidad, la máscara, el matrimonio en crisis, la sutileza en el afecto maternal, la confusión de identidades, la intriga, el espionaje, la guerra fría, el apocalipsis, las amenazas de la naturaleza, el rigor profesional, el juego intrincado en la pareja, la simbología de los sueños y la bipolaridad síquica.

Su obra está influenciada por el sicoanálisis, las teorías freudianas, y los casos policiales auténticamente consultados por Hitchcock, sobretodo en su etapa inglesa, que le transformaron en un certero realizador de las oscuras personalidades del hombre, en constante conflicto con su naturaleza.
Irónico y castrante, cuando se trata del destino de la humanidad, es también un magnífico creador de atmósferas, cuyo misticismo arrebatador, alcanza el surrealismo, en todas sus fases pletóricas.
Un auténtico autor cinematográfico rescatado y revalorizado por los críticos de las "Cahiers du Cinema" y adorado por los exégetas del thriller y el relato policial.

Filmografía Fundamental :

En el piso las latas con las 53 películas, que legó a la historia del cine.

"El jardín de la alegría" ( "The Pleasure garden", 1925); "The Ring" ( 1927); "The Manxman" ( 1929): "La muchacha de Londres" ( "Blackmail",1929); "Murder" ( 1930); El número 17" ( "Number Seventeen", 1932); "El Hombre que sabía demasiado" ( "The Man Who Know Too Much", 1934); "Los 39 escalones" ( "The Thirty -nine Steps", 1935); "El agente secreto" ( "The Secret Agent", 1936); "Sabotage" ( 1937); "Inocencia y Juventud" ( "Young and Innocent", 1937); "La dama desaparece" ( "The Lady Vanishes", 1938); "Rebeca" ( "Rebecca", 1940); "Corresponsal Extranjero"/"Enviado especial" ( "Foreign Correspondent", 1940); "Sospecha" ( "Suspicion", 1941); "Sabotaje" ( "Saboteur", 1942); "La sombra de una duda" ( "Shadow of a Doubt", 1943); "Ocho a la deriva"/"Naúfragos" ( "1944); "Cuentame tu Vida"/"Recuerda" ( "Spellbound", 1945); "Tuyo es mi corazón"/"Encadenados" ( "Notorius", 1946); "La Soga" ( "Tope", 1948); "Pacto Siniestro" / "Extraños en un tren" ( "Strangers on a Train", 1951); "Mi secreto me condena" / "Yo Confieso" ( "I Confess", 1952); "La ventana indiscreta" ( "Rear Window", 1954); Como atrapar a un ladrón"/"Atrapa a un ladrón" ( "To Catch a Thief", 1955); "Pero, ¿Quién mató a Harry ?" ( "The Trouble with Harry", 1955); "El Hombre que sabía demasiado" ( "The Man Who Knew Too Much", 1956); "El Hombre Equivocado"/"Falso Culpable" ( "The Wrong Man", 1957); Vértigo"/"De entre los muertos" ( "Vertigo", 1958); "Intriga Internacional" / "Con la muerte en los talones" ( "North by Northwest", 1959); "Psicosis" ( "Psycho", 1960); "Los pájaros" ( "The Birds", 1963); "Marnie, la ladrona" ( "Marnie", 1964); "Cortina rasgada" ( "Torn Curtain",1966); "Topaz" ( "Topaz", 1969); "Frenesí" ( "Frenzy", 1972) y "Trama macabra"/"La trama" ( "Family Plot", 1976).-

Películas Seleccionadas :

"Rebeca" ( 1940).

Joan Fontaine es una inocente esposa, manipulada por una perversa ama de llaves interpretada por Judith Anderson.

Esta película marca el debut de Hitchcock en Hollywood y su revelación en el cine americano más exigente.
El actor inglés Laurence Olivier que había conseguido una popularidad instantánea con su anterior película "Cumbres Borrascosas", aceptó la oferta del productor David O.Selznick de regresar de Londres a la ciudad del cine para desempeñar el papel de Maxim Winter, un joven viudo y rico , que aún no puede superar un trauma matrimonial. Para el rol de su esposa, eligió a la actriz Joan Fontaine, y en el rol de la señora Van Hooper , la vulgar matrona americana que emplea a la heroíana, seleccionaron a Florence Bates, una abogada en Texas que había desistido de las leyes por la carrera de la actuación.
Los demás intérpretes lo proporcionó la colonia inglesa residente en California, y entre los cuales están : C.Aubrey Smith, Leo G.Carroll, Nigel Bruce, Reginald Denny y Melville Cooper. Como la perversa Sra. Danvers, la administradora de la mansión donde transcurre la historia, en el papel de su vida está Judith Anderson.
La estructura de "Rebeca" sobre la novela de Daphne Du Maurier, nos descubre a un Hitchcock que supo canalizar de un modo u otro el "suspense" que nace dentro de una tórrida pasión amorosa.
Maxim ( Olivier ) es un viudo que no puede olvidar a su mujer fallecida.
Rebeca ( Fontaine ), es una esposa modelo que intenta hacerle olvidar el pasado a su marido, sin dar en el clavo.
La Sra. Danvers ( Anderson ), es una fingida, autoritaria y malévola mujer que, sacará partido de la bondad de la nueva pareja de su jefe, para revivir el espíritu de la difunta.
Todo en medio de una enorme mansión neovictoriana, atestada de escaleras, rincones, pasillos y lugares medios lúgubres.
Pese a los perverso de la situación, Hitchcock efectúa una historia romántica espléndida, que destaca por los finos díalogos de Robert E.Sherwood y Joan Harrison, la expresiva fotografía de George Barnes, y las notables interpretaciones. Un gran clásico premiado con el Oscar.

"Vértigo" ( 1958).

James Stewart como un honesto policía que sufre de vertigo y necrofilia.

Conversando una toma con la preciosa Kim Novak que está desnuda en cama.

La sugerencia cromática caracteriza la extraordinaria película.

Mosaico con las escenas más destacadas de la película.

El tema de esta película es deleznable : el amor por una muerta.
La necrofilia aparece así, como una exigencia dramática que fustiga al espectador, cuando Kim Novak en el doble papel de la chica desaparecida y de la revivida, asume seguirle el juego a un James Stewart entusiasmado por la belleza de una fallecida.
Lo singular, lo vuelve a dar el doble juego de las apariencias.
John "Scottie" Ferguson ( Stewart ), es una aparentemente feliz detective de la policía, que tras una persecución por los techos de la ciudad, donde muere un policía, se retira, porque además, sufre de vértigo.
Su novia Midge Wood ( Barbara Bel Geddes ), hace lo imposible por curarle a costa de perderlo de vista.
Contratado por un viejo compañero de escuela, le sigue los pasos a una chica "Madeleine Elster/Judy Barton ( Kim Novak ), presumiblemente posesionada por una chica del pasado.
La mujer intenta suicidarse lanzándose al agua en la bahía de San Francisco, y rescatada por el policía, se enamoran, hasta que la vuelve a perder, cuando ésta cae presumiblemente desde el campanario de una iglesia.
Lo que viene después es rocambolesco. Todo lo que pareció ser real, se desmorona y subrepticiamente Hitchcock, nos restriega con inteligencia, cómo el ojo engaña la percepción objetiva de las cosas.
Robin Wood apunta que Vértigo parte con la imagen de una barra horizontal que resalta sobre un fondo fuera de campo, es decir, hay un solo objeto respecto a una masa totalmente indefinida.
Esta dualidad caracteriza el filme, pues todo lo parece ser, se desvanece con nuevos significados.
Como destacan los críticos chilenos Ascanio Cavallo y Antonio Martinez :
"En Vértigo, el estado líquido de los hechos, la conciencia y la moral están llevados hasta su grado extremo. Puede tratarse de una intriga policial, en la que el exdetective Scottie le encomiendan seguir a una mujer que está enloqueciendo y consigue esclarecer el caso. O puede ser un cuento ético : Scottie descubre, a través de una pericia dada, que su mal físico, el vértigo, importa en verdad una grave perturbación moral. O quizás es un doble y triple engaño , donde nada es lo que parece: ni la historia, ni los personajes, ni siquiera los vivos, tampoco los muertos".
Vértigo es fundamentalmente una obra sobre la cinemática de las apariencias, la subjetividad de la imagen, desde la posición del que creer ver algo que no es.

"Psicosis" ( 1960).

Planificando con Janet Leigh la escena de la ducha mortal.

Foto promocional de la película interpretada por John Gavin, Janet Leigh y Vera Miles. Falta Anthony Perkins, el sádico psicópata del filme.

Fotogramas con el complejo montaje de la escena de la ducha.

La silueta de Norman Bates en la terrorífica casa, donde transcurre gran parte del relato.

La película más popular de la filmografía hitchcockiana, es también la más barata de todas.
Una suerte de película experimental, realizada en blanco y negro, con actores conocidos, y un presupuesto mínimo. Originalmente había pensado efectuarla para su programa de televisión.
Grande fue su satisfacción, después de verla concluída. Se pensó para un público joven ávido de emociones fuertes.
La escena de la ducha con Janet Leigh, es una clase magistral de montaje.
La economía de recursos, le permitió a Hitchcock afilar el colmillo para morder la yugular del espectador, cuando decide hacer desaparecer a la protagonista principal, casi media hora después de iniciada la trama.
El perfil del sádico del cuchillo que nunca se ve tronchar arterias, está desarrollado por Anthony Perkins después de visitar centros clínicos de enfermos mentales. Su rol es preponderante, y una clase magistral de ambigüedad encubierta.
Fue tan enorme su éxito en boleterías, que originó una secuela irregular.
Perkins como Norman Bates se paseó creyéndose el cuento del "loquito" asesino, y el público la primera vez que lo vió, reaccionó con tal angustia, que se escuchaban los gritos en la sala de proyección.
La espantosa mansión donde transcurre la historia, todavía sobresale del conjunto de edificaciones que se visitan cuando uno va de turista por los estudios Universal a California en Estados Unidos.
Completan el elenco de actores : Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, John McIntire, Simon Pakland, Vaughn Taylor, Pat Hitchcock, la hija del director y John Anderson, que después en los setenta en la televisión, se transformó en el jefe de "El Hombre Nuclear" y "La Mujer Biónica".

Comentarios :

"Tuyo es mi Corazón"/"Encadenados" : una de las grandes obras de Hitchcock.

"No se recuerda una escena de amor más sobresaliente, que el derroche de besuqueos y caricias que intercambian los protagonistas de "Tuyo es mi Corazón" / "Encadenados". Con todo, Ingrid Bergman expresa una emoción real y llena de matices. La integridad de su carácter, es el puntal que sustenta la película".

("The New York Times" ).

En una de sus humoradas para la serie de televisión "Alfred Hitchcock presenta".

"A Hitchcock le interesa sobretodo investigar minuciosamente el mundo de lo visual. Su predilección por el thriller tiene su origen en ello. Y es que el thriller es el género que trata con más intensidad la psicología de las imágenes. ¿ Como cambia la percepción del entorno cuando se tiene miedo ? ¿ Cómo se puede representar adecuadamente una metáfora visual de la embriaguez y el sueño ? Las películas de Hitchcock, dan respuesta visualmente a esas cuestiones, su lenguaje gráfico busca dislocar los límites de lo representable. Y el director, siempre ideó nuevas posibilidades técnicas para presentarnos las trampas de lo visible"

(El crítico alemán Jürgen Müller ).

Rod Taylor y Alfred Hitchcock en un descanso del rodaje de "Los pájaros".

"Estoy convencido de que el trabajo de Hitchcock, incluso entre aquellos que no están dispuesto a admitirlo, influencia desde hace largo tiempo a una gran parte del cine mundial. Esta influencia, directa o subterránea, estilística o temática, beneficiosa o mal asimilada, se ha ejercido sobre realizadores muy distintos entre sí...Si tantos cineastas desde los más dotados hasta los más mediocres, observan atentamente los filmes de Hitchcock, es porque reconocen en ellos la existencia de un hombre y de una carrera asombrosos, de una obra que examinan con admiración o con envidia, con celos o con provecho, pero siempre con pasión".

( El cineasta francés Francois Truffaut, en su libro "El Cine según Hitchcock").

Fotos-Gentileza : RKO Pictures - 20th. Century Fox- Warner Bros.- Paramount Pictures- Universal - MGM- Lou Romano - Dr. Macro- A Certain Cinema - Colección Archivo Lobby Cards. Un reconocimiento especial al British Film Institute (BFI ).